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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
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Presentación
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Historia y Pensamiento
Ecos del pasado. El mundo perdido de Asia. Por JonAitor G. Doncel.
4
Las invasiones japonesas de Corea (1592-1598). Por
David Lacasta.
11
Grandes tumbas Tang I: Características y contexto. Por
Pablo Begué y María Gutiérrez.
15
Una panorámica sobre la Ruta de la Seda. Por Carolina
Plou.
18
¿De dónde sale el pacifismo japonés?
Tome.
Por Héctor
21
El conocimiento de Oriente. Por Carolina Plou.
26
Arte
FLORS en la obra de la artista japonesa Mari Ito. Por
Alejandra Rodríguez.
31
Cine y Televisión
Momotaro se fue a la guerra: infancia, propaganda y
animación I. Por Marisa Peiró.
37
Oriente es Oriente y Occidente es Occidente: Historias
del desarraigo. Por Laura Martínez.
43
Outrage: Kitano al cuadrado. Por Laura Martínez.
50
Cultura Visual
Seraphim 266613336 wings, un distópico viaje a
ninguna parte. Por Carolina Plou.
55
Masala Chai, el travelogue indio de Christian Cailleaux.
Por Marisa Peiró.
59
En busca de otro Irán. Así calló Zaratustra (2013) de
Nicolas Wild. Por Marisa Peiró.
62
El mes de mayo está siempre marcado en el
calendario de todos los japonistas, pues acoge
cada año la celebración de la Semana Cultural
Japonesa de la Universidad de Zaragoza, que va
ya por su XIV edición. En Ecos de Asia no
faltamos a la cita y este evento tiene gran
relevancia entre las páginas que siguen.
Sin embargo, la innegable presencia de Japón no
es absoluta a lo largo de este número, sino que en
él incluimos artículos que nos llevarán a otros
lugares como China o Pakistán, e incluso algunas
panorámicas más generales que abarcan de
manera amplia el constructo que es Oriente, de
ahí que dediquemos nuestra portada a una de las
cordilleras que articulan Asia, el Karakórum.
La joya de la corona, que da lustre al número, es
la entrevista a toda una eminencia académica
como es Fernando García Gutiérrez, quién nos
dedicó un pedacito de su sabiduría durante el
trascurso de la Semana Cultural Japonesa. En
esta charla sobre arte, enseñanza y cultura
japonesa, tiene especial peso su último libro
Panorama del Arte Actual Cristiano en India,
China y Japón, que Carolina Plou Anadón nos
reseña con detalle. Además incluimos una
completa crónica sobre las actividades y
conferencias de la XIV Semana Cultural
Japonesa, que en esta ocasión versaba sobre la
vida cotidiana del Japón tradicional del periodo
Edo (1603-1868).
Pero además, Carolina Plou Anadón definió unas
líneas generales sobre el conocimiento de Oriente,
y con ella también viajamos por la Ruta de la
Seda. Una vez llegados a China, Pablo Begué y
María Gutiérrez nos descubrieron las maravillas
de la dinastía Tang, iniciando una interesante
serie sobre las tumbas de dicha época. Atrás
dejamos Pakistán, localización de la película
Occidente es Occidente, secuela de Oriente es
Oriente, y ambas analizadas por Laura Martínez.
David Lacasta nos obliga a hacer una parada en
Corea para analizar las invasiones ordenadas por
Toyotomi Hideyoshi a finales del siglo XVI, pero
nuestro destino último es, como viene siendo
habitual, Japón. Del País del Sol Naciente
analizamos su política pacifista con un nuevo
colaborador, Héctor Tome Mosquera, Laura
Martínez desgrana las películas de Takeshi
Kitano: Outrage y su secuela, mientras que María
Gutiérrez se adentra en su lado más kawaii con
un repaso por la estética de las Lolitas.
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Finalmente, Marisa Peiró Márquez da comienzo a
una interesantísima serie sobre propaganda bélica
japonesa dedicada a los niños, con personajes de
animación como Momotaro.
Por supuesto estos artículos vienen aderezados
por reseñas fílmicas y literarias a cargo de
nuestros colaboradores: Marisa Peiró, Laura
Martínez, Carolina Plou, Ana Asión y María
Gutiérrez. Especial protagonismo tiene este mes
la novela gráfica, con ejemplos como Así calló
Zaratustra, Masala Chai o Seraphim.
Concluimos así con una sugerencia cultural, la
que nos traía Alejandra Rodríguez Cunchillos al
comienzo del mes, y es la visita a la exposición
FLORS, en Barcelona, aún disponible hasta el 12
de junio.
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Varia
Lo que los volantes esconden. Lolita, imagen y success
story. Por María Gutiérrez.
67
Unas palabras con Fernando García Gutiérrez. Por
Staff de Ecos de Asia.
72
Fdo. La Dirección.
Crítica
Crítica: A girl at my door (2014). Por Laura Martínez.
79
Ecos de Asia somos:
Crítica: Rastros de sándalo (2014). Por Ana Asión.
81
Dirección y coordinación: Marisa Peiró, Carolina Plou.
Tesorería: Marisa Peiró.
Secretaría: Carolina Plou.
Responsable edición web: María Gutiérrez, Marisa
Peiró.
Responsable edición en pdf: Carolina Plou.
Comité de redacción: María Gutiérrez, David Lacasta,
Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou.
Comité científico: Ana Asión, Elísabet Bravo, María
Galindo, María Gutiérrez, David Lacasta, Laura
Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou, Claudia Sanjuán.
Colaboradores en materia web: Alberto Clavería y
Fernando Sánchez.
¿Se puede descansar de ser un dios? Por Carolina Plou.
83
Crítica literaria: En la ceniza escribo, por Akutagawa
Ryûnosuke. Por María Gutiérrez.
85
La pureza del primer amor: La tumba del crisantemo,
de Itô Sachio. Por Carolina Plou.
87
Crónica de la XIV Semana Cultural Japonesa de la
Universidad de Zaragoza. Por Staff de Ecos de Asia.
89
Reseña literaria: Panorama del arte actual cristiano
en India, China y Japón (2015). Por Carolina Plou.
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ISSN 2341-0817
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Ecos del pasado: El mundo perdido
de Asia II
Por Jon-Aitor G. Doncel
Fragmento del mural pintado en 1947 en el ‘Great Hall of Dinosaurs’, en la sección de paleontología del Peabody Museum of Natural
History de la Yale University, que muestra a un brontosaurio en su hábitat natural. El mural al completo representa a dinosaurios del
Triásico, Jurásico y Cretácico. Imagen: Xaxam Live Journal.
Desde Ecos de Asia realizamos, una vez más,
un acercamiento al ámbito de la paleontología
en el continente asiático. Si en el artículo
previo resumíamos la importancia del
continente asiático en el mundo de los
dinosaurios y nos centrábamos en describir
algunos de los hallazgos y yacimientos más
relevantes descubiertos por los paleontólogos
desde el siglo XX en este ignoto continente,
toca ahora aventurarse a examinar las
especies más relevantes de dinosaurios que
han coexistido en este mundo, así como
observar cómo el cine ha representado a estos
animales.
A continuación repasaremos las especies de
dinosaurios más relevantes de Asia. Conviene
apuntar, antes que nada, que los dinosaurios
asiáticos guardan una gran semejanza con los
encontrados en América del Norte, lo cual es
debido a que ambos continentes se
encontraban próximos a través del Círculo
Polar Ártico y a la vez separados en una línea
Norte-Sur, de los actuales América del Sur,
África y Oceanía. Esto explica claramente
que, como veremos más adelante, el cine
estadounidense se haya podido “apropiar” de
ciertos dinosaurios que, en realidad,
habitaron y prosperaron en el continente
asiático.
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China más célebre por los descubrimientos de
dinosaurios, mientras que el museo de Beijin,
en Pekín, y el museo de Beipei, en Sichuan,
son los mejores lugares para contemplar
esqueletos de dinosaurios en China.
Dado que los tipos de dinosaurios asiáticos
son muy dispares, nos centraremos en los que
exclusivamente habitaron Asia, aunque
también citaremos otras especies presentes
tanto en Asia como en otros continentes. Un
dato relevante es que muchos de los
dinosaurios chinos deben su nombre al lugar
en el que fueron encontrados.
La imagen muestra el fenómeno de la deriva continental desde el
período Pérmico (último período dentro de la era Paleozoica) hasta
la actualidad, pasando por la Era Mesozoica o “Era de los
Dinosaurios”, la cual se divide en los períodos Triásico, Jurásico y
Cretácico.
Dentro de Asia, dos países
sobresalen sobre el resto a la
hora
de
concentrar
yacimientos e investigaciones
sobre dinosaurios. Estos son,
por un lado China, una tierra
lejana y misteriosa para los
paleontólogos de comienzos
de siglo, que en la época de los
dinosaurios no gozaba de la
separación que hoy en día le
proporciona la Cordillera del
Himalaya, y Mongolia, en
cuyo desierto de Gobi han
centrado los paleontólogos
sus
expediciones.
Concretamente, la provincia
de Sichuan será el lugar de
Comenzando el recorrido por la provincia de
Sichuan y los dinosaurios que habitaron Asia
durante el Jurásico, en ella se encontraría el
que sería uno de los dinosaurios carnívoros
más célebres de China, el Yangchuanosaurus,
parecido al Allosaurus norteamericano, un
terópodo carnívoro de 10 metros de longitud.
De esta especie se sabe bastante, dado que se
pudo encontrar un esqueleto casi completo.
Arriba Yangchuanosaurus; abajo Allosaurus. El Yangchuanosaurus era ligeramente más
pequeño que su pariente norteamericano.
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Otro
grupo
de
animales que también
prosperó en China fue
el
de
los
Estegosaúridos,
caracterizados por sus
placas óseas en el lomo
y su cola terminada en
varias
púas,
que
podían
diferir
en
número
según
la
especie. En Asia, eso sí, en vez del
Stegosaurus encontramos como especie más
representativa
de
este
grupo
al
Tuojiangosaurus, con 7 metros de largo y 3 de
altura, al cual se le relaciona como presa del
ya referido Yangchuanosaurus dado que
habitaron durante el mismo período.
En lo que a Saurópodos se refiere, China
cuenta con el Mamenchisaurus. Se trata de
uno de los Saurópodos más célebres en parte
porque durante décadas ha ostentado el
hecho de tener el record del cuello más largo
del mundo animal (10 metros), equivalente a
la mitad de todo su cuerpo. Este animal vivió
en China durante el período Jurásico, la que
es considerada la época dorada de los grandes
saurópodos y se alimentaba a partir de las
secuoyas que florecieron allí por aquel
entonces.
Izquierda Tuojiangosaurus; derecha Stegosaurus.
Dibujo que representa a un Mamenchisaurus.
A continuación hablaremos de los dinosaurios
que habitaron Asia durante el período
Cretácico, último período de la Era Mesozoica
y que acabaría con la extinción de estas
criaturas hace 65 millones de años.
De todos ellos, si hay uno que haya alcanzado
fama mundial, ese es precisamente el
Velociraptor. Perteneciente a la familia de los
“Dromeosáuridos”, también conocidos como
raptores por el gran público. Este pequeño
dinosaurio carnívoro que habitó China y
Mongolia, no sobrepasaba el metro de alto y
los
dos
metros
de
longitud.
Dos
características definen a este dinosaurio, una
su velocidad, lo cual ha llevado a que los
paleontólogos lo comparasen con el antecesor
del guepardo en el mundo animal, y la otra y
más conocida, su distintiva garra curvada y
afilada situada en el segundo dedo de cada
pie,
las
cuales,
mientras el animal
corría, mantenía en
alto para que no
rozaran el suelo. Por
otro lado, en los
últimos años se le
han atribuido a este
animal otras dos
características
relevantes como son
el hecho de que
podrían haber estado
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provistos de plumas, así como que gozaban de
gran inteligencia, pudiendo tratarse del más
inteligente de los dinosaurios. Este animal
estaba provisto de una larga cola que le servía
para mantener el equilibrio. Si bien durante
décadas se pensó que la cola era flexible,
recientes investigaciones han aportado otra
visión, considerando que ésta era más bien
rígida y que estaría situada en paralelo
respecto del suelo, ayudando a mantener el
equilibrio durante la carrera. Con ella el
animal alcanzaba los casi dos metros de
longitud.
Oviraptor y su nido.
como un dinosaurio que bien pudo tener
plumas y ser el antecesor de las aves
terrestres actuales, así como de los llamados
Diatryma.1 En un principio se pensó que se
trataba de un ladrón de huevos pero, más
tarde, otra investigación se encargó de
desmentir esta hipótesis, ya que al encontrar
una cría de Oviraptor dentro de un huevo
fosilizado y comparar este con los que en un
principio se tomaron como huevos de
Protoceratops, se descubrió que en realidad
los huevos eran de Oviraptor.
El Gallimimus por su parte, era otro
dinosaurio de características similares con los
avestruces actuales que también pobló el
desierto de Gobi y que ha tenido gran
relevancia
gracias
a
sus
constantes
incursiones en el cine y la televisión.
Velociraptor: dos representaciones distintas para un mismo
animal.
Otro dinosaurio relevante es el ya
mencionado Oviraptor, dinosaurio bípedo
que habitó en el período cretácico y que fue
descubierto
durante
las
primeras
investigaciones en el desierto de Gobi. Su
característica es la ausencia casi total de
dientes y el hecho de poseer una cresta. Por
otro lado, los investigadores lo contemplan
Gallimimus.
Se conoce como Dyatrima a un ave no voladora,
similar a un Avestruz actual, pero de mayor tamaño (2
metros de alto), cuello de menor longitud y cuerpo
mucho más robusto, que vivió en la era Cenozoica.
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En
Asia
también
encontramos amplios
rastros de la presencia
de
Ceratopsios,
dinosaurios
herbívoros
cuadrúpedos
provistos de un gran
cráneo con cuernos,
como es el caso del
Protoceratops.
Precisamente
el
Protoceratops es uno
de
los
pocos
ejemplares de este grupo que ni poseía
cuernos, ni tenía un gran tamaño, en
comparación con sus parientes americanos
(como el Triceratops), contando sólo con un
metro de alto y dos de largo. Es uno de los
dinosaurios más comunes tanto en China
como en Mongolia, observándose distintos
tamaños entre los machos y hembras, así
como distintos tipos de Protoceratops. Su
defensa contra los atacantes consistía en una
placa ósea desprovista de cuernos.
Tarbosaurus.
Pero, sin lugar a dudas, el dinosaurio
carnívoro más grande de Asia habitó en
Mongolia, y fue el Tarbosaurus (“reptil
alarmante”), y era un Tiranosaúrido
directamente emparentado con su famoso
pariente norteamericano. Poseía brazos algo
más largos que este último y una cabeza del
mismo tamaño, la única gran diferencia
estaba en que el Tarbosaurus era sólo dos
metros más pequeño que el Tyrannosaurus.
También se han encontrado
en
Asia
restos
de
dinosaurios tan famosos
como
el
Iguandon,
Pinacosauruso
Euoplocephalus,
estos
últimos dos pertenecientes a
la
especie
de
los
2
Anquilosaúridos, así como
de Polacantus, Saichania e
Indosuchus, demostrando
con
ello
la
enorme
diversidad que existía en
La imagen muestra a dos Protoceratops luchando entre sí por el
control de la manada.
Se conoce como Anquilosaúridos a los dinosaurios
herbívoros cuadrúpedos provistos de una armadura
ósea en la espalada y una maza en el extremo de la cola
que abundaron durante el período Cretácico.
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especies extintas. Esta producción marcó un
antes y un después en la forma de ver a los
dinosaurios en la gran pantalla, pues su
director, Steven Spielberg, contó con el
asesoramiento de paleontólogos y el uso de
tecnologías innovadoras para devolver a los
dinosaurios a la vida.
La imagen muestra la reconstrucción de una pelea entre un
Euplocephalus y un Tarbosaurus.
China y Mongolia en la época de los
dinosaurios.
Por otro lado, los dinosaurios han constituido
desde sus orígenes un elemento que ha
generado gran expectación y fascinación por
parte del público, relacionando a veces su
existencia pretérita con el mundo de la
fantasía (véase el culto al dragón en China),
por lo que no es de extrañar que el cine haya
abordado el tema. No obstante, pocas veces se
ha representado fielmente a estos magníficos
animales en relación con lo que ya sabía la
paleontología sobre ellos en el momento de
producirse cada uno de los diversos films. Por
otro lado, y como se ha podido comprobar,
muchos de estos célebres dinosaurios eran
asiáticos
o
estaban
directamente
emparentados con la rama de los dinosaurios
asiáticos, por lo que conviene realizar una
breve descripción de los aciertos y errores que
el cine ha cometido con los dinosaurios.
En primer lugar, y como es lógico,
comenzaremos analizando la película más
conocida a nivel internacional sobre este
tema, como no podía ser de otra manera nos
estamos refiriendo a Jurassic Park (1993). La
película centra su argumento en la cuestión
moral de si es conveniente devolver a la vida
Por otro lado la película generó expectación
por un nuevo dinosaurio, el Velociraptor, que
pasaría a suscitar una enorme fascinación que
lo convertiría en el único dinosaurio que
gozará de un papel principal en el resto de
películas de la trilogía jurásica. No obstante, a
pesar de los esfuerzos del equipo del film por
crear una representación más o menos fiel de
los dinosaurios, algunos de ellos vieron
algunas características modificadas. Y en ello,
el que quizás sale peor parado es
precisamente el Velociraptor, debido a los
cambios introducidos en su diseño para
convertirlo en un cazador, si cabe, más
aterrador aún.
Si atendemos a los Velociraptores del film, se
nos los presenta, a grandes rasgos, como
animales de más de 2 metros de alto,
desprovistos
de
plumas
y
con
comportamientos que rozan casi la
inteligencia
de
los
mamíferos
más
desarrollados.
Sin embargo, la realidad dista mucho de ser la
que muestra la película. El auténtico
Velociraptor, en primer lugar, seguramente
estaría provisto de protoplumas, a diferencia
de lo que muestra el film. Error subsanado
en Jurassic Park 3, en donde se decidió que
algunos de los Velociraptores presentes en
el film estuviesen cubiertos de protoplumas.
Por otro lado, si bien se le considera una
especia inteligente, no está demostrado que
su inteligencia compitiera o incluso superase
a la de mamíferos como los delfines. En
cuanto a la morfología del animal,
encontramos que esta tampoco es la exacta,
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dado que los brazos del auténtico
Velociraptor se orientan a los laterales, en vez
de al frente, mientras que el hocico es largo y
estrecho, no como el morro robusto y
estrecho que se muestra en el film.
También es errónea la escena en la que los
protagonistas desentierran un Velociraptor en
Montana y que ha contribuido a que los
espectadores relacionen al animal con
América en vez de con Asia, porque, si bien
había Dromaeosauridos que vivían en
América, el Velociraptor no se encontraba
entre ellos.
Por otro lado, y como dato más importante,
está el tema de la envergadura, y es que frente
al Velociraptor de 2 metros de alto que
presenta el film, conviene recordar que el
auténtico Velociraptor no levantaba más de
un metro del suelo.
Como dato curioso, y que podría corregir el
error de la película con un simple cambio de
nombre, se encontraría el hecho que, una vez
estrenada la película, se encontraron en
Norteamérica los restos de un raptor que sí
encajaban fielmente con la descripción que el
film hace de los raptores, a este nuevo
dinosaurio se le bautizo como Utaraptor.
Errores similares con el raptor los
encontramos no sólo en películas sino
también en documentales de rigurosa factura
como Caminando entre dinosaurios (1999),
en el cual los raptores serán también mal
representados así como ubicados en Europa,
si bien la mayoría vivía en Asia y América del
Norte.
Fotograma de la película Parque Jurásico en el que se ve a dos
Velociraptores.
Con todo, los dinosaurios seguirán fascinando
por igual a jóvenes y adultos, pero ahora el
horizonte se presenta esperanzador con un
mundo perdido por explorar en Asia que nos
aclare más dudas sobre estos animales.
Para saber más:
-
Gardom, Tim; Milner, Angela., El
libro
de
los
dinosaurios.
Barcelona, Libros Cúpula, 1994.
-
Los
Dromaeosauridos
en Dinosauria S.A.
-
Sanz,
José
Luis;
Barret,
Paul., Larousse
de
los
dinosaurios. Barcelona, Larousse
editorial, S.A., 2000.
-
Sanz, José Luis., Cazadores de
dragones. Barcelona, Ariel, 2007.
Otro dinosaurio asiático que hace acto de
presencia en el film es el Gallimimus, en cuyo
caso obtenemos una representación bastante
fiel ya que a ciencia cierta no se ha
descubierto que este animal tuviese plumas.
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Las invasiones japonesas de Corea
(1592-1598)
Por David Lacasta
La guerra librada entre los años 1592 y 1598,
con Japón y Corea como principales
contendientes, fue un episodio que afectó
sobremanera a la historia de Extremo
Oriente. Durante el tiempo que Japón ocupó
una parte de la península coreana, se
produjeron toda una serie de hostilidades y
enfrentamientos que acabaron devastando el
territorio coreano y afectando gravemente a
ambos países, así como a la China de los
Ming, desembocando en un cambio de
dinastía.
Toyotomi Hideyoshi (1536-1598),
dirigente de Japón que ordenó la invasión
de Corea.
Toyotomi Hideyoshi (1536-1598) fue el
segundo de los grandes unificadores de la
nación japonesa. Se labró una asombrosa
reputación y una fulgurante carrera militar
bajo las órdenes de Oda Nobunaga. Tras el
asesinato de su señor, se erigió como su
sucesor y culminó la pacificación de Japón
tras un cruento periodo de guerra civil.
Hideyoshi, que debido a sus orígenes
humildes no pudo reclamar para sí el título
honorífico de shogun, debió de conformarse
con el de
kanpaku
o regente, y
posteriormente el de Taikô o regente retirado,
bajo los cuales gobernó los destinos de Japón
hasta su muerte.
Una vez finalizadas sus campañas de
pacificación contra los escasos señores que
todavía se oponían a su control, decidió, como
una manera para preservar la estabilidad y la
paz tan largamente perseguidas, emprender
una serie de campañas que extenderían el
control de Japón por todo Extremo Oriente,
conquistando los territorios vecinos y
haciéndose con el control de China e incluso
de India. Para iniciar la conquista del imperio
de los Ming debía trasportar a sus ejércitos a
través de la vecina Corea, el punto más
cercano al archipiélago japonés, para lo cual,
tras una serie de negociaciones diplomáticas
fallidas con la corte Joseon, se ordenó la
invasión.
Corea se trataba de un reino que, a diferencia
de Japón, había gozado de un largo periodo
de paz y prosperidad, solamente perturbada
por los ataques fronterizos de tribus nómadas
en su frontera norte y de los ataques en su
costa sur de los piratas japoneses o wako,
fieros guerreros que, con el beneplácito, en
muchas ocasiones, de los dirigentes nipones,
asaltaban barcos mercantes y aterrorizaban
las costas. Antes de iniciarse la invasión del
año 1592, entre las élites coreanas surgió la
necesidad de prepararse ante el inminente
ataque, así como de avisar a los gobernantes
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Ming de China, país al que se sentían
íntimamente unidos. Sin embargo, debido a
una serie de rencillas e intrigas políticas entre
las distintas facciones de la corte, los
preparativos con los que hacer frente a la
invasión no fueron todo lo apropiados que la
situación requería, a lo que había que sumar
la falsa idea de seguridad que poseían muchos
dirigentes y generales coreanos para quienes
Japón, tras las cruentas guerras civiles por las
que acababa de pasar, no se encontraría en
disposición de acometer una campaña de ese
calibre.
Esta falta de previsión por parte de las élites
coreanas posibilitó una rápida intervención
japonesa. Como hemos señalado, Japón
acababa de atravesar un cruento periodo de
guerra civil, lo que originó un amplio
desarrollo armamentístico y de las tácticas
militares. Debido a las continuas hostilidades
entre las distintas facciones, las estrategias
militares se desarrollaron enormemente, a lo
que habría que añadir que, gracias a los
contactos con los comerciantes portugueses
desde mediados del siglo XVI, los modernos
arcabuces europeos eran ampliamente
conocidos por los generales japoneses,
quienes pronto supieron ver en ellos una
poderosa ventaja frente a sus oponentes,
haciendo que los herreros y artesanos se
entregaran masivamente a su fabricación.
Confiando en su superioridad militar y en que
sus generales le proveerían de un paso seguro
por el que marchar hacia China, Hideyoshi
ordenó la invasión de Corea en el año 1592.
Una inmensa flota partió del archipiélago
japonés embarcando a tropas de todo el
territorio, aunque el grueso del ejército lo
formaban los soldados de los señores cuyos
feudos se encontraban en la parte sur y
occidental del país. Tras hacer un alto en la
japonesa isla de Tsushima, frente a las costas
coreanas, el ejército japonés se dividió en una
Mapa de Corea en el que observan los avances de las tropas
japonesas y el contraataque de coreanos y chinos.
serie de contingentes. El primero de ellos,
bajo el mando de Konishi Yukinaga, llegó a la
ciudad de Busán el 23 de mayo de 1592,
haciéndose con el control de ésta y de las
zonas colindantes. Con posterioridad, las
restantes divisiones del ejército japonés
fueron desembarcando, siendo famosa la
segunda, bajo el mando de Katô Kiyomasa.
Tras una serie de enfrentamientos en los que
el ejército japonés se alzó con la victoria
frente a las desprevenidas tropas coreanas,
los distintos generales emprendieron la
marcha hacia la capital, Seúl, situada en el
norte a través de distintas rutas, lo que
propició una serie de rivalidades entre los
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dirigentes japoneses por ver quién sería el
primero en entrar en la capital. Ante la
rapidez con que se estaban desarrollando los
acontecimientos y la efectividad de las tropas
japonesas, el rey coreano abandonó Seúl y se
dirigió hacia el norte, dejando indefensa la
capital y facilitando el avance de los
japoneses. Tras hacerse los invasores con el
control de Pyongyang y alcanzando el
contingente de Katô Kiyomasa la frontera con
China, se desarrollaron sin embargo una serie
de acontecimientos que supondrían un revés
para las aspiraciones japonesas.
Si bien es cierto que el ejército coreano, en un
primer momento, se vio desbordado por la
situación gracias, sobre todo, a una serie de
generales que no estuvieron a la altura de los
acontecimientos, la actuación de ciertos
oficiales competentes equilibró la contienda.
A esto hay que sumar la actuación de un
conjunto de personajes populares, como el
famoso combatiente Kwak Chae-u, que
supieron organizar pequeños contingentes de
resistencia coreanos que, a través de una
guerra de guerrillas y ataques puntuales,
afectaron a la comunicación y a los
suministros del ejército japonés. También
supuso una inestimable ayuda la unión a la
lucha de monjes budistas guerreros, famosos
por su destreza marcial, que ayudaron a las
tropas coreanas en los enfrentamientos que se
desarrollaron por toda la península.
Pero, sin lugar a dudas, el personaje que ha
pasado a la historia como el héroe más
destacado en la lucha frente a los japoneses es
el almirante Yi Sun-sin (1545-1598), genial
estratega y artífice de la modernización de la
armada coreana, la cual, bajo su mando, supo
infringir una serie de derrotas a la flota
japonesa que afectaron gravemente al
abastecimiento del ejército invasor y que
decantó la balanza del lado coreano.
A la contienda contra las tropas de Hideyoshi
se unió en enero de 1593 el ejército de los
Ming que, atravesando el rio Yalú que
marcaba la frontera entre China y Corea,
ayudó a los coreanos a reconquistar
Pyongyang primero y a hacer que las tropas
japonesas se fueran replegando hacia el sur.
Con la llegada del invierno, los exhaustos
soldados japoneses, muchos de ellos
Kato Kiyomasa (1561-1611) cazando tigres. Durante la invasión japonesa la caza de estos felinos fue ampliamente practicada
por los líderes japoneses.
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enfermos, debieron afrontar una dura marcha
en dirección sur, hacia las zonas cercanas a
Busán, donde el abastecimiento por mar
resultaba más fácil, evacuando en su marcha
Seúl y haciendo que la capital volviera a
manos coreanas. Este repliegue generó un
duro revés a las aspiraciones de Hideyoshi de
controlar Asia, por lo que, temiendo la ira de
éste, el general japonés Ukita Hideie decidió
tomar el castillo de Jinju, un emplazamiento
que con anterioridad ya había resistido a las
tropas japonesas, desencadenando el mayor y
más cuento enfrentamiento de la primera
invasión y en el que lograron infringir una
dura derrota a los coreanos.
desde el principio, se abandonó la idea de la
conquista de China, concentrándose los
esfuerzos en la anexión de Corea.
En un artículo futuro abordaremos esta
segunda invasión, valiéndonos para ello de la
película The Admiral, Roaring Currents del
año 2014, ambientada durante esta segunda
campaña y en la que se narran las victorias
conseguidas por el almirante Yin Sun-sin
frente a las tropas japonesas.
La retirada de los invasores de la península
coreana no fue completa, la costa sur había
sido fortificada por los japoneses y una parte
de las tropas permanecieron defendiendo la
zona entre los años 1593 y 1597. Durante este
tiempo se produjeron una serie de
negociaciones diplomáticas entre Hideyoshi y
el gobierno de los Ming, en las que se planteó
hasta la división de Corea y que la parte sur
pasara a depender del imperio japonés.
Finalmente,
dichas
negociaciones
no
prosperaron, por lo que Hideyoshi, en el año
1597, ordenó un segundo ataque en el que,
Para saber más:
-
-
Turnbull,
S., Samurai
Invasion, Japan´s Korean
War, 1592-1598, Londres,
Casell & Co., 2002.
Whitney, J., The Cambridge
History of Japan, Volume 4,
Early
Modern
Japan,
Cambridge,
Cambridge
University Press, 1991.
Asedio de Pyongyang por parte de las tropas chinas y coreanas, quienes obligaron a los japoneses a replegarse hacia el sur.
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Grandes
tumbas
Tang
Características y contexto
I:
Por Pablo Begué y María Gutiérrez
La Dinastía Tang (618-907) es vista por los
historiadores como un punto álgido en la
cultura de la civilización china, igualando o
incluso superando a sus predecesores del
Período Han (206 a.C.-220 d.C.) , a la que ya
debían un fuerte legado cultural. Por ello, el
período Tang podría ser considerado como la
edad dorada del arte y la literatura china. Así,
estimulado por el contacto con la India y el
Oriente Medio, este imperio vio florecer la
creatividad en distintos campos, como la
integración del budismo -adoptándose en la
familia imperial y convirtiéndose en una seña
permanente de la cultura tradicional china- o
el desarrollo y difusión de la imprenta,
haciendo de la palabra escrita algo más
asequible para una gran parte de la población.
Desarrollaron también tipologías técnicas
como el sancai3 y perfeccionaron otras como
la talla del jade, además de fomentar otras
artes como la pintura de paisaje, conocida
como shanshui, la poesía o la ópera.
Emperador Taizong recibiendo en su corte a Ludongzan, embajador
del Tíbet.
3
Considerando
todo
lo
expuesto
anteriormente, la Dinastía Tang se convierte
en un punto de interés relevante para el
estudio del desarrollo de las artes chinas en
todos sus aspectos, así como de la
conformación de un importante estrato de la
cultura china. Como sucede en numerosas
culturas a lo largo de toda la historia, la
arquitectura se convierte en un ejemplo de
arte integrador, capaz de albergar numerosas
manifestaciones
de
distintos
campos como la
pintura o la
escultura.
Mediante
la
siguiente serie
de
artículos
queremos
aproximarnos
tanto a esta
dinastía como a
una
de
las
manifestaciones
artísticas
Nombre dado a las cerámicas producidas durante la
dinastía Tang usando, o bien cerámica blanca, o bien
un tipo de arcilla granulada de tonalidad amarillenta,
con la que se consiguen un resultado similar a un
esmaltado brillante y multicolor.
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características de esta cultura, la arquitectura
funeraria, a partir de los ejemplos de dos
mausoleos que podrían considerarse como
puntos de referencia en este campo: el de
Qianling y el de Zhaoling, ambos capaces de
integrar numerosas manifestaciones con su
simbología propia.
Así pudo ganarse la confianza de los
campesinos, llegando a ocupar la ciudad de
Chang‟an. De este modo y tras haber obtenido
tal territorio, Li Yuan cambió su nombre a
Gaozu, y se proclamó a sí mismo como
emperador, iniciando toda una serie de
cambios en China.
En primer lugar, el
emperador Gaozu va
a volver a instaurar el
poder
feudal.
Durante los inicios
de esta dinastía, en lo
referente
a
la
jurisdicción agrícola,
se mantienen dos
sistemas
simultáneos: por un
lado una distribución
igualitaria
de
la
propiedad, y
por
otro
lado
el
llamado zuyongdiao
Fotograma de la serie Wu Zetian Mishi, con ambientación histórica basada en la dinastía Tang.
que
integra
el
La Dinastía Tang se extiende desde el año 618
arriendo, el pago de las primicias y una serie
al 907, aunque fue interrumpida por la
de labores obligatorias para el beneficio del
segunda Dinastía Zhou (690 – 705) con la
país. Estas medidas supusieron todo un
figura de la emperatriz Wu Zetian, esposa de
impulso a nivel social propiciando un
Gao Zong, cuyo mausoleo comentaremos en
importante desarrollo del mismo.
entregas posteriores. La caída de la dinastía
Igualmente, durante la vigencia de esta
Han en el 220 inició un período de desunión
dinastía se llevaron a cabo bastantes obras
y caos, desorden político y aislamiento
hidráulicas gracias a la recuperación de buena
económico. No será hasta el año 589 cuando
parte de las superficies que habían sido
vuelva la estabildad y con ella, la dinastía Sui
abandonadas, en consecuencia, todo esto dio
tome el poder para entrar una etapa más
lugar a mejores posibilidades laborales y
próspera y estable hasta que el emperador
económicas. Estamos ante un momento de
Yang Di subiera al trono e iniciara un
prosperidad y copiosidad como demuestran
gobierno despótico y extravagante.
los silos imperiales, que rebosan cereales,
El fundador de la dinastía Tang fue Li Yuan,
algodón y seda; además de darse
un burócrata cortesano que aprovechó la
innovaciones técnicas en el campo con nuevos
situación de inestabilidad, caracterizada por
aperos o la rueda hidráulica.
las continuas revueltas e inestabilidad que
Se estableció, además, un nuevo sistema de
sufría China tras la caída de la Dinastía Sui.
comunicación, una red fija de conexión global
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que abarcaba y enlazaba las más remotas
rutas y aldeas siendo Chang‟an el centro de
partida como capital además de ser la ciudad
más favorecida donde se encontraban gran
parte de los palacios.
La artesanía sobrepasa en calidad a todas las
épocas anteriores, lo que pudo estar
determinado por la holgura económica, así
como por la naturaleza individual y anónima
del oficio. El Estado asumía la protección y
mecenazgo de los artesanos, aunque
abundaban los artesanos independientes.
Igualmente, este imperio vivió un auge de
creatividad en otros tantos campos, como es
el caso de la literatura: durante la dinastía
Tang encontramos algunos de los poemas
más bellos que han llegado incluso hasta
nuestros días; además de que el desarrollo de
la imprenta supuso que mucha más gente
pueda acceder a determinados textos.
Además del Budismo, que ya hemos
mencionado, destaca la presencia del
confucianismo,
que
va
a
seguir
desarrollándose durante este período.
Cabe destacar, en última instancia los
importantes contactos con India y Oriente
Medio, con los que se van a dar una serie de
intercambios comerciales, que vienen
representados, por ejemplo, por figuras
cerámicas de camellos cargados con toda una
serie de mercancías.
Así, con simples figuras cerámicas de
camellos cargados de mercancías como
ejemplo, podemos ver una importante red de
contactos comerciales entre esta dinastía
china y gran parte del continente asiático que
nos hablan de uno de los puntos álgidos en la
historia de este país. Mediante esta breve
introducción se abre una serie destinada a las
tumbas del período Tang cuyas características
no son sino la eclosión de sus intercambios e
influencias culturales.
Imagen actual de Chang’an.
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Una panorámica sobre la Ruta de la
Seda
Por Carolina Plou
Mapa con un trazado aproximado de la ruta terrestre (fuente:
wikipedia).
Las relaciones que se establecieron en la Edad
Media entre Oriente y Occidente se forjaron a
través de lo que se denomina Ruta de la Seda,
término acuñado por el geógrafo Ferdinand
von Richthofen (1833 – 1905), para
denominar a una importante red de
comunicaciones que enlazó China y Occidente
desde el siglo I a.C., que se mantuvo a lo largo
de la Antigüedad y la Edad Media y que
permitió
el
intercambio
comercial,
fundamentalmente de seda, pero sobre todo,
el intercambio intelectual. Fue una vía de
mutuas influencias en el plano religioso,
filosófico, de pensamiento, en el campo de la
técnica y en el ámbito del arte.
Aunque se hable de Ruta de la Seda, en
singular, lo cierto es que ésta estaba
conformada por dos tipos de vías (con sus
propias sub-rutas): la terrestre4 (desde China
hasta las costas orientales del Mediterráneo)
y la ruta marítima. En función de las épocas,
Para esta ruta, son fundamentales los animales, tanto
los caballos como los camellos, no solo como medio de
transporte, sino como base de la economía. Los
caballos se emplearon como montura desde el I
milenio a.C., y su cría se desarrolló ampliamente en las
estepas asiáticas. Los caballos supusieron en gran
parte la base del poderío de los mongoles, del mismo
modo que fueron un handicap para que pudieran
dominar algunos territorios en los que no crecían
pastos adecuados. Estos animales han tenido, por
tanto, mucho peso cultural: en literatura, en poesía,
pero también en el arte. Por otro lado, también eran de
vital importancia los camellos, muy valorados para el
transporte ya que pueden trasladar pesadas cargas, de
hasta 200 kilos de peso, y su resistencia les permite
recorrer hasta 30 kilómetros al día. Sus capacidades de
supervivencia en zonas de aridez, por sus grandes
periodos sin beber agua, su capacidad de adaptación
térmica, su sistema de pestañas que les permite ver
durante las tormentas, y la fortaleza de sus patas que
les permite caminar por terrenos áridos hicieron que
los
camellos
se
convirtiesen
en
criaturas
fundamentales para recorrer las largas distancias y
atravesar terrenos tan complicados como el desierto
del Taklamakán o el de Gobi.
4
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de los poderes dominantes y las situaciones
sociopolíticas en las distintas zonas, resultaba
más conveniente y segura una u otra. De
todas formas, la que más rápidamente se
asocia al oír el nombre de Ruta de la Seda es
la ruta terrestre, ya que posee
un romántico componente
intrínseco de aventura, al
ensoñarse largas caravanas de
comerciantes
recorriendo
terrenos de las más variadas y
extremas orografías: desde los
desiertos de arena y dunas, en
los que parece imposible poder
orientarse, hasta la cordillera
del Karakórum, una de las más
inhóspitas del mundo. La
marítima poco se diferenciaba
de otras rutas comerciales que
por esa misma vía se dirigían a
otros destinos, sin embargo, la
magnitud del trayecto realizado
a pie o en montura ha resultado
más llamativo y exótico, y ha
favorecido la construcción de
historias, relatos y ficciones en
torno a este viaje.
En el amplísimo periodo
cronológico en el que se
desarrolló comercio a través de
la Ruta de la Seda, fueron
muchos los productos que
recorrieron estos caminos.
Destacan metales, materiales y
piedras preciosas (como el
lapislázuli, el azabache, el
cuarzo, el jade, la malaquita, la
cornalina, diamantes, ámbar,
oro, plata, cobre, estaño, cinc,
plomo, perlas, marfil…). También, por
supuesto, los animales tenían protagonismo:
desde los más fundamentales para la
supervivencia (como podían ser los propios
caballos y camellos, asnos y cabras) hasta los
más exóticos y lujosos (leones, leopardos,
elefantes,
jirafas,
gacelas,
halcones,
papagayos, pavos reales, martas cibelinas,
focas, marmotas, ciervos…).
Desde la cordillera de Karakórum (arriba) hasta el desierto de
Taklamakán, los entornos por los que discurría esta Ruta eran
extremos (fuente: wikipedia, 1 y 2).
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Pese a la dificultad de transportar productos
perecederos, también se comerciaba con
frutos
variados,
como por ejemplo
dátiles,
nenúfares,
uvas,
pistachos,
melocotones
o
granadas, amén de,
por
supuesto,
colorantes
y
especias. Entre las
manufacturas,
las
más populares eran
los
perfumes,
productos
que los avances chinos7 cobraron vital
importancia y se expandieron con rapidez.
La Ruta de la
Seda
fue,
durante
siglos,
vertebradora de
relaciones entre
Oriente
y
Occidente.
Su
largo recorrido, la
dureza de las
condiciones del
viaje
y
los
territorios
tan
exóticos que unía
medicinales, papel,
Especias como el clavo eran productos que generaban una gran demanda.
favorecieron una
tejidos y atuendos
proliferación de
diversos (entre los que destacaba, por encima
relatos tanto reales como fantásticos, un
de todos, la seda), muebles, objetos artísticos
acicate que ha seguido ejerciendo en el
(pinturas,
esculturas),
metalistería,
mundo contemporáneo, donde es fácil
cerámicas, porcelanas, vidrio y cristal.
encontrar best-sellers (o aspirantes a serlo)
Además, existía un comercio de seres
ambientados en esta ruta comercial. Con
humanos, en el que mujeres, niños y eunucos
tantos estímulos, es fácil hoy en día rendirnos
eran comprados y vendidos a lo largo de la
a la ficción y perder de vista el valor y
Ruta de la Seda.
trascendencia que esta ruta tuvo a lo largo de
siglos y siglos en la configuración de nuestro
Pero a través de estos caminos no solo se
sustrato cultural.
producían intercambios comerciales, sino
también (y aquí estriba su mayor valor)
culturales.
Las
religiones
penetraron
rápidamente
en
nuevos
territorios,
extendiéndose
y
conociéndose
más
profundamente, en Occidente, el budismo, el
hinduismo,5 el taoísmo y el confucionismo;6
en Oriente el cristianismo y el Islam
incrementaron también su calado. Junto a la
espiritualidad, se transmitieron también
técnicas y conocimientos científicos, en los
El hinduismo llegó a penetrar hasta España, aunque
pronto fue declarado herejía y erradicado.
6 También religiones o predicamentos menores como
el zoroastrismo, el nestorianismo o el maniqueísmo.
5
Entre ellos, por dar una idea y citando solo los
principales: objetos cotidianos como arneses para
caballos, timón de barco, paraguas, cerillas, pólvora,
lanzallamas, carretes de caña de pescar; invenciones
agrícolas como el arado de hierro, las correas
pectorales para caballos de tiro, la carretilla con la
rueda en el centro, la máquina limpiadora para separar
paja y grano, la noria de cangliones para regar; obras
de ingeniería como los fuelles a pistón con doble
acción, taladradora para hacer perforaciones en tierra
a gran profundidad, puentes colgantes…; instrumentos
científicos como el sismógrafo o la brújula de
navegación, y útiles como el papel y la porcelana.
Algunas de estas innovaciones llegaron a Europa
rápidamente, mientras que otras tardaron siglos en
implantarse.
7
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¿De dónde
japonés?
sale
Casi la mitad de Tokio se construyó sobre
basura compactada y prensada, territorio
ganado al mar. He ahí la metáfora del
pacifismo institucional japonés: toda su
base se cimienta en basura.
No ha sido fácil ser japonés en los últimos
siglos. En el XIX el país venía de superar un
aislacionismo autoimpuesto de más de 200
años (el sakoku, o “país encadenado” durante
el shogunato Tokugawa) en los que no había
tenido relaciones con prácticamente ninguna
otra nación en el planeta y a ningún súbdito
del emperador se le permitía abandonar las
islas. Japón ha sido la cultura que ha visto
nacer a los hikikomori,8 pero es que antes de
ello el propio país había sentado precedente
decidiendo
autoexiliarse
del
contacto
exterior. Si una persona se pasa 20 años sin
comunicarse con otros seres humanos
desarrollará un claro déficit de socialización y
una tendencia al narcisismo y el
ensimismamiento. Japón superó a trancas y a
barrancas su condición de ermitaño, obligado
primero por el intervencionismo y las
sanciones de los norteamericanos, deseosos
El fenómeno de la reclusión (que sería la traducción
literal de este término japonés) que afecta
principalmente a varones jóvenes empieza a ser un
problema grave en el País del Sol Naciente (y cada vez
más, no sólo allí). Se trata de un comportamiento que
psicológicamente ha sido analizado como una mezcla
de pánico o desinterés por las relaciones sociales y el
futuro profesional que lleva a los que lo padecen a
encerrarse en sus espacios de seguridad (normalmente,
la habitación de casa de sus padres o su apartamento) y
a no abandonarlos durante semanas, meses e incluso
años. Es un fenómeno relativamente nuevo, del que se
habla poco y que ocurre principalmente en Japón.
He aquí uno de los pocos documentales al respecto en
nuestro idioma.
8
el
pacifismo
Por Héctor Tome
de abrir su espectro colonial hacia Asia, y
luego por la necesidad de “modernización”
entendida
como
occidentalización
e
industrialización durante el evocador período
de la Restauración Imperial Meiji en el 1868,
que desembocó finalmente en un intento de
establecer democracias representativas al
modo europeo que, no obstante, no pudieron
sobreponerse al rígido tradicionalismo y la
estratificación social basada en esos valores
que habitualmente se le han asociado a los
nipones: obediencia, jerarquización y una
extraña adopción del budismo zen y el
confucianismo que mantenían cohesionada
una sociedad con unas desigualdades sociales
gigantescas que, sin embargo, buscaba nuevos
caminos para adaptarse a nuevos retos.
Pero no fue la
Tampoco
el
reprimido tras la
al emperador y el
de 1923.9
democracia la respuesta.
socialismo,
brutalmente
conspiración para asesinar
trágico terremoto de Kanto
El que había sido el peor terremoto de su historia
hasta el acontecido en 2011, dejó tras de sí tal caos y
desorden que propició el pillaje descontrolado por todo
el país, sobre todo en zonas urbanas. Las autoridades
no dudaron en azuzar a las masas para que buscaran
culpables entre los sectores sociales más vulnerables o
más peligrosos para el estado, lo que se tradujo en
ataques indiscriminados a colectivos de extranjeros,
sobre todo coreanos y chinos, y en una persecución
meditada hacia anarquistas y grupos antisistema a los
que se les acusaba de quemar casas o envenenar pozos
y provisiones. Comandos paramilitares tales como
Nueva Sociedad, encabezado por el ideólogo
filofascista más célebre de Japón, Kita Ikki, actuaban
con impunidad, mientras la policía asesinaba
sumariamente a rivales políticos y abandonaban los
cadáveres ultrajados en las cunetas. Algunas de las
víctimas fueron la pareja formada por Sagae Osuki,
9
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Japón a principios del siglo XX se deslizó,
suave, pero inexorablemente, hacia la
tendencia que potenciaría esa autonomía que
tanto ansiaba y ese orgullo que tanto daño le
ha hecho: el militarismo, celebrado como el
triunfo último de la modernización y la
tecnologización, fue la respuesta que Japón le
dio al mundo cuando éste se volvió a fijar en
él tras los cuatro siglos de ostracismo. Y fue
precisamente
el
militarismo
el
que
transformó una pequeña isla apenas
autosuficiente (sólo el 10% de su superficie es
cultivable) en una potencia mundial capaz de
batir sorprendentemente a una agonizante
Rusia zarista y conquistar en tiempo récord,
Corea, Mongolia, Indonesia y gran parte de
China, estableciendo hitos en la Historia de
los genocidios durante el proceso.
Si los nazis se han establecido como el
epítome de la maldad en el imaginario
colectivo reciente (por méritos propios, pero
también por repetición ad nauseam), no fue
porque los japoneses no les anduvieran a la
zaga: constantemente oímos hablar de
Auschwitz, la Shoa, la Solución Final, pero no
menos brutales fueron el Kempeitai y el
Tokkou (sus propias Gestapo y SS), el
Escuadrón 731 (sus propios experimentos
homicidas con su particular Mengele), el
Sanko Sakusen (la política continental de los
“Tres Todos”: matar todo, saquear todo,
destruir todo) o las Masacres de Nanking o
Manila (donde murieron más de 100 mil
civiles). Como decía Neal Stephenson
en Snow Crash: “tuvieron que echarle
editor del vocero anarquista más grande del país (Rodo
Undo) y Noe Ito, seminal figura feminista, junto al
sobrino del primero, de 7 años de edad. Estrangulados,
desnudados y arrojados en un pozo, el juicio que
sobrevino a los oficiales que perpetraron la masacre
fue una farsa en la que se eludieron pruebas y
responsabilidades y, sobre todo, se eliminó la
posibilidad de contemplar los hechos como una
estrategia del gobierno, alegando que los asesinos
habían actuado por cuenta propia llevados por su
patriotismo.
dos bombas atómicas antes de que Japón se
diera cuenta que era pacifista”.
Los tenientes Mukai y Noda, que se apostaron durante la campaña
en China a ver quién podía cortar 100 cabezas en el menor tiempo
posible. La imagen procede del periódico Tokiota Nichi Shimbun,
desde donde se alentaba a la “competición”, y su veracidad fue
discutida por los sectores más retrógrados del Japón
contemporáneo.
Y es que el final de la II Guerra Mundial
dejaba un panorama desolador para el Sol
Naciente: toda su justificación política se
venía abajo al mostrarse tan débil la férula de
su imperio de pies de barro y al renunciar el
emperador a su divinidad. El país entero se
encontraba desolado económicamente, con
pérdidas humanas y materiales incalculables,
y sin un motor ideológico del que echar mano.
Mientras muchos de los culpables de las
atrocidades de la guerra salían indemnes (la
culpa se personalizó mayoritariamente en el
general Tôjô, y otros valientes salvajes como
Yasuji Okamura, Shogo Ishii o el propio
emperador Hiro Hito sobrevivieron los juicios
internacionales), para gran parte del mundo,
quien sabe si por desconocimiento o por
alguna otra intencionalidad, los nipones
pasaron a la Historia únicamente como
víctimas de la catástrofe nuclear, como si
nunca hubieran sido los verdugos del resto de
Asia. Puede que la distancia que nos separaba
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y la incapacidad de las verdaderas víctimas de
elaborar un discurso histórico universal que
compensara las afrentas cometidas, sumado
al arrepentimiento del pueblo japonés (otra
característica clave de su carácter) nos hiciera
olvidar en gran medida los crímenes de
guerra cometidos. Pero también tenemos que
considerar que para EE.UU. Japón era una
oportunidad antaño perdida y ahora de valor
incalculable dentro del marco Guerra Fría, y
no podían dejarla pasar así como así. Había
que lavarles la cara a sus tan recientes
enemigos, como diría Josep Fontana, “por el
bien del Imperio”.
Así, con el general MacArthur a la cabeza,
hicieron y deshicieron a su antojo la política
interior japonesa, les impusieron un modelo
parlamentario y una Constitución en la que
renunciaban expresamente a la guerra y la
posesión de un ejército (el célebre Artículo 9
rezaba que “el pueblo japonés renuncia para
siempre a la guerra como un derecho
soberano de la nación y a la amenaza o uso de
la fuerza como medio para resolver disputas
internacionales” la vez que ocupaban el país
con sus propias tropas, de las cuales aún
mantienen unos 30 mil efectivos en la isla
sureña de Okinawa (que fue oficialmente
territorio norteamericano hasta 1972) y que
resultan ser una de las más importantes
fuentes de descontento de un país que llevaba
desde los años 80 sin un conflicto social
visible o destacable. Hiro Hito, cuando
renunció a su divinidad en el mensaje por
radio que anunciaba la rendición de Japón,
pedía a sus súbditos que “aceptaran lo
insoportable y soportaran lo insufrible, hasta
lograr una gran paz para todas las edades”.
No sabemos si con ello también se refería a
soportar la dependencia económica de los
americanos o los más de cinco mil crímenes y
violaciones causados por sus soldados en
suelo nipón, denunciadas ante tribunales
militares americanos y hasta hoy siempre
ignoradas.
La icónica foto del encuentro entre Hiro Hito y MacArthur,
símbolo del postramiento japonés a la política de los EEUU.
Sólo hay que ver la tranquilidad y parsimonia del general
comparada con la postura formal y ridículamente ceremoniosa
del emperador nipón.
El caso es que EE.UU. durante 10 años de
ocupación delimitó los principios y límites del
nuevo sistema japonés en todos los términos:
políticos, económicos y militares, y situó las
islas del pacífico como bastión ante la
amenaza comunista: Rusia, China, Vietnam y,
sobre todo, Corea. Para cuando la primera de
las innumerables guerras encuadradas en la
aglutinante Guerra Fría estalla, hablamos
precisamente de Corea, en 1950, los
estadounidenses inician una reformulación
orwelliana del pacifismo japonés que ellos
mismos habían impuesto previamente: se
crean las Fuerzas de Autodefensa, un
pseudoejército sin capacidad interventiva
pero que no ha parado de crecer
exponencialmente desde entonces, hasta
representar
uno
de
los
gastos
armamentísticos más grandes del mundo y
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
una de las fuerzas armadas tecnológicamente
más avanzadas. Escondidos gran parte de sus
recursos bajo el manto de la policía nacional
(ya que los artículos de la Constitución
limitan enormemente la inversión militar),
las Fuerzas de Autodefensa se encuentran con
las trabas legales en primer lugar, y la
desaprobación pública en segundo lugar, y
apenas recientemente un puñado de efectivos
han participado en misiones internacionales
muy polémicas, como la invasión a Irak, de la
cual algunos salieron suficientemente
perjudicados como para tomar la muy
japonesa decisión de cometer suicidio.
Pero en las postrimerías de la guerra la
abnegación no fue la única realidad
dominante, sino que hubo reacción popular
ante la nueva dura realidad, especialmente
por parte de la juventud, que se mostró
tremendamente reacia a la situación de
postramiento que el país mostraba ante los
estadounidenses: mientras los adultos
agachaban la cabeza asumiendo los costes de
la época expansionista, los universitarios se
organizaban en asociaciones revolucionarias
como el Zengakuren,10 exigiendo el cese del
Tratado de Cooperación Mutua y Seguridad
(o ANPO) como se le conoce en Japón)
firmado en el 52 ante las presiones de la
guerra de Corea y ratificado anualmente hasta
el día de hoy, el cual supeditaba oficialmente
los intereses internacionales nipones a los
intereses bélicos estadounidenses y que
otorgaba a estos tal poder de intervención que
La organización de Todas las Asambleas
Estudiantiles Universitarias (traducción literal) fue el
órgano de presión y movilización popular más
poderoso durante el Japón de la posguerra y donde se
gestaron las ideas más radicales y revolucionarias.
Aunque a día de hoy aún existe, su capacidad de
convocatoria es mucho más reducida comparada con la
influencia y popularidad que llegó a ostentar por aquel
entonces. Una buena crónica (en inglés, su traducción
resulta muy complicada de encontrar publicada) de sus
acciones hasta los setenta la encontramos en el libro
coordinado por el profesor Stuart Dowsey.
10
incluso podrían tomar partido en caso de una
hipotética guerra civil para sofocarla.
Desgraciadamente el “Mayo Japonés” tuvo
grandes desafíos y conflictos desde el inicio:
la extrema atomización de las organizaciones
estudiantiles, la mayoría de nueva creación,
escasa experiencia y algunas incluso de órbita
apolítica e índole autogestionaria, los
tejemanejes y clásicas rivalidades entre los
simpatizantes comunistas y su fuerte
verticalidad cuasi estalinista (sobre todo por
parte del Partido Comunista, que no dudó en
enfrentarse con el resto de facciones), la
consecuente represión gubernamental ante
un movimiento altamente organizado y sin
miedo a emplear la violencia (los estudiantes
asaltaron la Dieta con hasta 300 mil
simpatizantes, consiguieron paralizar visitas
diplomáticas para renovar los tratados con
EE.UU. durante la guerra de Vietnam y los
choques más recordados dejaron al menos
600 policías heridos en batallas campales que
se coronaron con el asedio e incendio de la
Todai en el 68, la principal universidad
tokiota, aunque por supuesto los muertos
fueron bastante más abundantes en el bando
de los estudiantes), y especialmente el
“milagro
económico”
que
barrió
el
descontento popular con la escoba del estado
del bienestar y el recogedor del olvido
histórico.
La degeneración de una parte de estos
activistas en delirantes grupos terroristas
como el Rengo Sekigun (Ejército Rojo
Unificado) o el Nihon Sekigun (Ejército Rojo
Japonés) protagonistas de los escenarios más
absurdamente sanguinarios que se recuerdan
del terrorismo de izquierdas en los setenta y
de un funcionamiento sectario que haría
palidecer a Sendero Lumioso o los también
nipones Aum Shinrykyo (responsables del
atentado con gas sarín en el metro de la
capital en los noventa, quizá el suceso que
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
más conmocionó al país del Sol Naciente
familiares (conocidas antes de la guerra
desde la II GM), cerraba a cal y canto una
como zaibatsu y luego como keiretsu y entre
etapa de lucha y descontento político en
las que se encuentran Mitsubishi , Mitsui y
Japón, convirtiéndola de paso en incomodo
Dai Ichi) que funcionan a modo de los trust y
pasado. La sensación de fracaso y
holdings americanos o los chaebol coreanos, y
oportunidad perdida quedó sepultada por las
que nunca llegaron a ser desmanteladas pese
brutales imágenes televisivas de luchas
Imagen tomada durante las protestas contra el gobierno el año pasado a raíz del
frontales con la policía y de atentados y el intento de cambiar el artículo 9 de la Constitución que prohíbe tener ejército regular.
sucesivos maquillajes en políticas económicas
tabú de lo que en su momento fue un brillante
(como por ejemplo la reforma agraria de la
y temerario tsunami de lucha popular que
posguerra, que derivó en la creación de una
fue admirado por todo el mundo sigue hoy
clase campesina de pequeños terratenientes
día, tanto en Japón, como en los libros de
extremadamente conservadora) y a día de
Historia del resto del planeta.
hoy, tras el fracaso de la alternativa que
Se inauguraba otra era de despilfarre y
parecía iba a presentarse tras ser derrotado
especulación, de mutismo y obediencia a la
en 2009, y a pesar de haber perdido una
Ley del Mercado, de privatizaciones que
enorme cantidad de apoyos (más debido a la
durante décadas mantuvieron un modelo
enorme bajada en la participación en los
económico-social basado en la fidelidad a la
comicios que a un trasvase de votos), el PLD
empresa (que se encargaba de la parte de la
sigue siendo el dueño monolítico e inmutable
asistencia social que el estado delegaba) y el
de la agenda política japonesa.
consumismo desmedido, junto a una extraña
Japón arrastrá con el, como podemos ver, un
mezcla de proteccionismo y keynesianismo
pasado reciente de crímenes, lucha y
que desmovilizó la opinión política japonesa
sufrimiento que lo han situado como un país
hasta el punto de hacer pervivir en el poder
desmobilizado y pacífico. Pero la paz no
sin más problemas al mismo partido político
puede sostenerse bajo la premisa del olvido
durante 60 años a penas interrumpidos por el
histórico. Y si en el futuro volverán a ser
espejismo de 10 meses de coalición
víctimas o verdugos, tanto de ellos mismos
socialdemócrata (tras estallar la burbuja
inmobiliaria en los noventa ) y 3
años de inestabilidad que van del
2009 al 2013 (con cambios anuales
de primer ministro y constantes
dimisiones en el seno del gobierno)
y rematan con el desastre de
Fukushima.
El conocido como Jinmitou o
Partido Liberal Democrático, es el
símbolo del inmovilismo político
japonés, el cual no sólo responde a
los
mecanismos
instaurados
durante la ocupación americana,
sino también a una reproducción de sus
sistemas cuasi caciquiles de empresas
como de su contexto, está aún por decidir.
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
El conocimiento de Oriente
En la actualidad, existe en el imaginario
colectivo occidental una imagen de Asia muy
detallada, fomentada y construida sobre un
siglo
de
contactos,
avenencias
y
desavenencias,
relaciones
cordiales
y
confrontaciones, que han generado distintos
puntos de vista, en ocasiones opuestos, que
conviven y se entienden de manera coherente.
Estas contradicciones que asimilamos
diariamente provienen de un amplio
recorrido histórico de conocimiento mutuo,
condicionado
enormemente
por
las
circunstancias de las épocas en las que se iban
produciendo.
Ya el célebre naturalista latino Cayo Plinio
Segundo (apodado el Viejo) recogió en su
obra magna, la Historia Natural, un capítulo
dedicado
a
Asia,
donde
aparecían
descripciones de Capadocia, Armenia, India,
Mesopotamia y Arabia, entre otros lugares
orientales. También habla de los “seres”,
denominación que en aquel momento
recibían los habitantes de China. Además,
incluía también otro capítulo en el que
hablaba de botánica y de algunos productos
naturales procedentes de regiones exóticas,
entre las que destacaba de nuevo la India y
Mesopotamia. Todas estas descripciones
respondían a la voluntad de Plinio de crear
una obra total, en la que se atesorase una
parte muy importante del conocimiento del
Imperio Romano, incluyendo cuestiones
como la manera óptima de dirigir una granja,
un extenso número de capítulos dedicados a
los usos de distintas plantas y minerales,
especialmente los usos medicinales de las
primeras, otros centrados en la descripción y
clasificación de animales, tanto ficticios como
reales. En los capítulos ya citados, Plinio daba
Por Carolina Plou
un protagonismo especial a regiones muy
alejadas, que, tradicionalmente, se hubieran
obviado por su carácter periférico respecto al
Imperio Romano, sin embargo, aparecían
reflejadas en la Historia Natural para
clasificar todo el conocimiento que se tenía
sobre ellas, poniéndolas en valor por ser parte
de una ruta comercial (la Ruta de la Seda) que
debía conocerse para prosperar.
Cinocéfalos, extraños seres con cabeza de perro que se creía
que provenían de Oriente. En el siglo XIII se identificaba a
Atila, rey de los hunos, como miembro de esta raza.
Cosa parecida sucedió con los bestiarios
medievales, que recogían una profusión de
seres monstruosos, buena parte de ellos
hundían
sus
raíces
en
tradiciones
mesopotámicas que se transmitieron a través
de relatos y obras como estas por todo
Occidente, pero también hacia Oriente.
Procedentes de mitologías y religiones tan
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
alejadas y exóticas, se instalaron con rapidez
en el acervo cultural occidental, causando un
gran estímulo. Si los autores clásicos
indagaron en su naturaleza y les confirieron
un espacio propio, la tradición cristiana del
mundo
medieval
los
convirtió
en
herramientas
de
las
cuales
extraer
enseñanzas morales. La clave del éxito de este
tipo de textos e ilustraciones era la convicción
de que estos seres eran reales, ubicados en
lugares exóticos y alejados. Nuevamente, la
curiosidad occidental se saciaba a través de
una construcción de la imagen de Asia que
estaba supeditada a los intereses históricos
del momento.
informe comercial de su viaje, sino elaborar
una lectura amena para nobles y burgueses
que les permitiera fácilmente hacerse una
idea sobre estas regiones tan exóticas. Pese a
su gran fama, Marco Polo no fue el único
viajero que visitó Asia y posteriormente
escribió sobre ello para dar a conocer aquellos
lugares alejados y desconocidos, hubo otros
nombres, como Odorico de Pordenone o John
de Mandeville,11 que también contribuyeron a
asentar una imagen de Asia entre sus
contemporáneos.
Retrato de Alessandro de Valignano.
Retrato de John de Mendeville.
Marco Polo fue un paso más allá, creando en
su Libro de las Maravillas una minuciosa
descripción de la geografía y administración
de las regiones por las que transita en su viaje
hasta China, combinando en su texto la
veracidad respaldada por un apoyo
documental con la fantasía de algunas
criaturas (heredada de estos bestiarios
medievales), de milagros que supuestamente
presenció o de atribución de méritos que,
hasta la fecha, no han podido ser
contrastados. A la hora de abordar su relato,
Marco Polo no pretendía hacer un exhaustivo
Por otra parte, podemos encontrar también
numerosos
tratados
de
religiosos,
especialmente jesuitas, que a partir del siglo
XVI viajaron especialmente a China y Japón
como evangelizadores. Matteo Ricci y
Alessandro Valignano son los nombres más
El caso de John de Mandeville es diferente: aunque
se hizo pasar por un viajero que había visitado Asia, un
análisis crítico de sus obras desde una perspectiva más
reciente permitió descubrir que, en realidad, no pasó
de Egipto y Mesopotamia, y que sus escritos sobre Asia
oriental están inspirados o adaptados de otros autores
de su tiempo, reelaborando historias y otorgándoles la
pátina de veracidad de escudarse en su supuesto viaje.
11
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
destacados de las misiones china y japonesa,
respectivamente, pero no fueron los únicos
que produjeron textos, ya que buena parte de
los miembros de la orden debía realizar
regularmente informes sobre su situación,
que habitualmente incorporaban numerosa
información sobre los usos y costumbres de
los distintos destinos, para preparar a los
futuros misioneros. Si bien estas obras
fueron, mayoritariamente, de uso interno,
contribuyeron también a condicionar la
imagen que de Oriente se tenía en Occidente,
a través del boca a oreja y de la literatura que
estas misiones estimularon.
Todos estos ejemplos, que de épocas más
antiguas pueden personalizarse con facilidad,
se han ido incrementando con el paso de los
siglos, y en épocas más recientes, la
universalidad del acceso a la información (un
camino que comenzó a recorrerse ya a partir
del siglo XVIII), así como una mayor facilidad
para viajar y desplazarse han permitido que
esta construcción de lugares lejanos en el
imaginario colectivo se haya tornado mucho
Caricatura que muestra a las potencias europeas
repartiéndose China.
más compleja y cuajada de detalles (de nuevo,
tanto reales como ficticios).
A partir del siglo XVIII, y sobre todo del XIX,
la combinación de una serie de factores
fundamentales disparó la evolución del
conocimiento sobre Oriente. Por un lado, la
evolución de la prensa, que recogía cada vez
de manera más inmediata las noticias y
sucesos que se producían a lo largo y ancho
del mundo. Ligada a la prensa, la
democratización de los libros impresos y la
popularización de las revistas ilustradas
favorecía un sustrato cultural mayor en el que
asentarse las más diversas informaciones,
desde las más locales hasta las más globales.
Otro factor determinante fue la expansión
colonial, que aunque centró su principal pilar
en África, también se extendió por Asia: el
protectorado británico de la India, el reparto
de islas del Pacífico entre Francia, Reino
Unido, España, Estados Unidos, Alemania,
etc. sin olvidar otro tipo de conflictos no
territoriales como las Guerras del Opio en
China o la apertura forzada de fronteras de
Japón y su consiguiente modernización.
Todos estos asuntos generaron gran
curiosidad y una predisposición social hacia
un conocimiento más profundo de estas
culturas
percibidas
como
exóticas,
fomentando
fenómenos
como
el
del japonismo. Además, no hay que perder de
vista que, en el inicio de la era de la cultura y
el consumo visual, los avances técnicos y
tecnológicos permitían cada vez más que
cualquier información que llegase al público
occidental lo hiciera acompañada de
imágenes (grabados litográficos en prensa,
fotografías…), de manera que la experiencia
del conocimiento se hacía, paulatinamente,
más completa. Un conocimiento entendido de
manera amplia, no solo a través de datos o
libros teóricos, sino también a través de
piezas artísticas (tanto originales como
reproducidas) o de elementos concebidos
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
como de ocio doméstico (caso, por
ejemplo, de las vistas de salón,
fotografías estereoscópicas de lugares
del mundo que permitían conocer
monumentos y paisajes en imágenes
tridimensionales,
concebidas
principalmente como entretenimiento
de la burguesía).
La llegada del siglo XX, y la entrada de
pleno en la cultura de masas, hizo que
todo este conocimiento de lo ajeno se
multiplicase. Todavía perviven estereotipos
formados en otras épocas, no obstante, el
acceso que hoy en día se tiene a todo tipo
de
productos culturales es muchísimo
mayor y, por ende, más poderoso. Durante el
último siglo, todos los ámbitos culturales han
tenido la capacidad de interrelacionarse a
través de medios culturales como el cine o la
televisión, y más recientemente, a través de
herramientas tan poderosas como internet.
¿Y cuál ha sido el resultado? Cabría esperar
una madurez intelectual que permitiese
reemplazar las construcciones tópicas de los
siglos precedentes por una serie de conceptos
basados en la objetividad y el rigor. Sin
embargo, esto no ha sido así, o no del todo. La
profusión de información que recibimos
genera una mezcolanza en la que se combinan
algunos estereotipos antiguos (otros, por
fortuna, sí que están más que superados) con
otros modernos que pueden tener o no
fundamento real. Seguimos viendo lo ajeno
como raro o, mejor dicho, seguimos
fijándonos solo en lo raro de lo ajeno.12
Como prueban las noticias que surgen
periódicamente sobre aspectos de la sociedad
(generalmente) china o japonesa, que se ofrecen al
consumidor como usos y costumbres habituales pero
que son prácticas muy minoritarias o justificadas en
determinados contextos que no se nos explican,
subrayando esa rareza con la omisión de la
información que permitiría empatizar con el hecho.
Por citar algunos ejemplos de estas cuestiones:
la “moda” de pasear a pasear vegetales en China (que
12
Dragon ball comenzó una nueva forma de conocimiento intercultural, a
través del ocio y entretenimiento (fuente: meristation).
Sin embargo, a pesar de estas cuestiones,
inevitables e inherentes al ser humano,
disfrutamos de un momento maravilloso para
el conocimiento mutuo. No solo por el
recíproco interés académico (que también),
sino por la era multimedial que nos acerca
tanto las producciones propias de países
extranjeros como las interpretaciones que
nuestra propia cultura hace de las otras
culturas con las que se relaciona. El consumo
audiovisual estimula una educación y una
asimilación de conceptos de manera
inconsciente, en muchos casos incluso desde
la infancia, favoreciendo una percepción
consciente más receptiva. El ejemplo más
evidente es el de la llegada de Dragon Ball a
España, que predispuso a toda una
generación hacia la cultura japonesa, con
frutos que todavía hoy se recogen. A
situaciones como esta nos hemos aproximado
ya desde Ecos de Asia, sin embargo, esta
reflexión ha de servir a modo de introducción
hacia otros ejemplos que analizaremos
próximamente, ejemplos variados, escogidos
de manera arbitraria pero representativa.
queda perfectamente explicada aquí) o la costumbre de
lamer los pomos de las puertas en Japón, que aunque
desde algunos lugares se explicó mostrando interés por
su trasfondo, en muchos otros se limitó al plano más
superficial, incrementando su viralidad.
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„FLORS‟ en la obra de la artista
japonesa Mari Ito
Por Alejandra Rodríguez
A propósito de la exposición FLORS, muestra
colectiva en la que participa la artista
japonesa Mari Ito y que se inauguró el pasado
día 16 de abril en la Galería Esther Montoriol
en Barcelona, aprovechamos para presentar
a esta artista y su peculiar visión del mundo a
través de sus obras, las cuales nos proponen
una reflexión acerca del origen de los deseos.
Mari Ito nace en Tokio en 1980, en el seno de
una familia dedicada al arte. Concretamente,
su abuelo, quien se dedicaba a la pintura, fue
una de sus principales influencias como nos
contaba la artista en una entrevista “mi casa
siempre
estaba
llena
de
color
y
flores”, aspecto que podemos contemplar en
sus obras.
Isson Tanaka, Chiba City Museum of Art (fuente:
http://www.dnp.co.jp/artscape/eng/ht/1010.html).
Fue durante sus estudios de secundaria
cuando decidió dedicarse a la pintura y en
2003 entró en Joshibijutsu Daigaku
(Universidad de Joshibi) en Tokio,para
formarse como artista. Este mismo año
debutó en Key Gallery de Tokio, en una
muestra titulada “Works 2003”, que supuso
el punto de arranque en su andadura como
artista. Se especializó en pintura nihonga
(pintura de estilo japonés). Cuando un
estudiante japonés accede a la titulación de
Bellas Artes, debe elegir sobre el tipo de
manifestación artística y estilo a seguir. Éstos
pueden ser nihonga, que es el que escogió la
artista de la
cual
nos ocupamos,
o yôga, pintura de estilo occidental. Mari Ito
prefirió optar por la pintura tradicional ya
que como nos ha explicado, en primer
lugar „soy japonesa y debo conocer la pintura
de mi país‟. Esta formación calará en su estilo
personal de representación, así como las
clases seguidas en esta universidad junto al
profesor Makoto Miyagi. Además, en su obra
podemos apreciar la influencia de artistas
japoneses de la Escuela Rimpa o la Escuela
Kanô, pero sobre todo de Isson Tanaka
(1908-1977 Tochigi, Japón), artista de pintura
nihonga que atrajo enormemente a Mari Ito.
Aunque el estudio de nihonga no le eximió de
conocer otros artistas foráneos como por
ejemplo El Bosco quien también marcó a la
artista.
Durante su primer año de carrera participó en
varias muestras colectivas: “8 artist with
Kadoidewashi” en Shun Gallery de Kanagawa,
“Japanese paper. Studio compilation memory
exhibition of Koshi” en Niigata o
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
“Presentation from artist‟s eggs” en Joshibi
Art Museum en Kanagawa.
Sin embargo, en 2006 decidió viajar a nuestro
país, concretamente a Barcelona para
continuar sus estudios en la Facultad de
Bellas Artes. Eligió esta ciudad por
recomendación de unos profesionales de arte,
pero sobre todo, al igual que muchos
estudiantes extranjeros y más en el caso de
Bellas Artes, por concentrar la obra de Gaudí
y de otros artistas como Miró, Dalí o Picasso a
los que Mari Ito admira y han influido en su
obra. En 2007, finalizó sus estudios en
Barcelona y seguidamente pasó a formar
parte de los circuitos artísticos catalanes
exponiendo: en 2007 exposiciones colectivas
como “Japanese Artist” y “Christmas
collection” en Zembu Gallery en Barcelona,
en 2008 su debut individual en esta misma
sala. En 2009 en Sala Kannon Gyo&Wa de
Barcelona, Sala d‟Art Hostales 1701 de
Girona. En 2011 en Vinart en Igualada, en
2012 en la barcelonesa Esther Montoriol, La
Cerverina d‟Art en
Cervera y TK Gallery
en Barcelona.
nuestro país como en el extranjero: AHAF
2010 de Hong Kong, Contemporary Istanbul
2012, Scope Basel 2013, Art Stage Singapore
2014 o Beijing International Art Biennale en
2015.
Adentrándonos en la obra de la artista Mari
Ito, en primer lugar tenemos que decir que el
tipo de técnica que utiliza en todas y cada una
de sus representaciones es típicamente
japonesa; desde la preparación del propio
soporte a partir de un bastidor de madera con
Kadoidewashi y Oguniwashi (tipos de papel
japonés utilizados en técnicas tradicionales),
la
elaboración
de
los
pigmentos
(normalmente molidos en Japón: a partir de
piedras preciosas, minerales o conchas) o la
aplicación de los mismos mediante
herramientas japonesas como fude (pincel
japonés). Previamente a la realización de cada
trabajo Mari Ito lleva a cabo un estudio
meticuloso de cada uno de los elementos que
van a formar parte de él. En sus obras
encontramos como elemento principal
Así mismo, en galerías
japonesas como Zeit
Foto Salon en Tokio –
junto artistas de la
talla
de
Araki
Nobuyoshi y Daido
Moriyama– o Nap
Gallery en la misma
ciudad desde 2012
(representada
en
ambas actualmente).
Incluso en diferentes
museos “Via Art 2009”
en Sinwa Art Museum
o ferias de arte de
manera individual o
colectiva tanto en
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Mari Ito, El origen del deseo, Alegria, 2013
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Flores-Flors, con el que la artista se siente
muy familiarizada ya que su familia tenía un
negocio de flores, razón por la cual conoce
cada especie a la perfección. Incluso la
realización de los bocetos es muy nipona, ya
que observamos la utilización de técnica
japonesa como sumi-e (dibujo en tinta). Mari
Ito trabaja diferentes manifestaciones
artísticas, desde la pintura, la escultura, la
instalación, el diseño textil… podríamos decir,
que cualquier superficie es susceptible a ser
impregnada por la esencia de la artista.
El resultado final son obras florales de toque
surrealista que parten de la teoría del
Psicoanálisis freudiana del
Id, Ego y
Superego, la expresión psíquica de la
pulsiones y los deseos. El Id sería el escindido
del Ego y el Superego, y por lo tanto lo más
puro y primitivo. El Id, es la parte más oscura
e inaccesible de nuestra personalidad y
contiene todo lo que se hereda y toda fuerza
impulsiva. El recién nacido solo posee este Id,
los otros agentes se desarrollan más tarde a
partir de él. El Id expresa la verdadera
intención de la vida de un organismo: la
inmediata satisfacción de las pulsiones
innatas, básicas, como son el hambre, la
agresividad, los actos irracionales y el sexo.13
De esta manera, la obra de Mari Ito nos invita
a reflexionar sobre el „origen del deseo‟ sobre
los impulsos más irracionales y personales
que existen y se manifiestan en cada uno de
nosotros. A través de los bulbos florales –
formados por cabezas de bebé, pues estos
deseos se encuentran en nuestra cabeza– que
serían el origen y lo primitivo, la semilla o el
germen que buscan el camino hacia la
consciencia desarrollándose mediante una
flor, un deseo.
Mari Ito, El origen del deseo –estoy llena, 2014
Véase Mari Ito, el origen del deseo (disponible aquí)
y Mari Ito, el origen del deseo, el nacimiento
(disponible aquí).
13
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
connotación diferente. Yayoi Kusama y su
arte obsesivo plagando sus obras de puntos,
motivo que vemos reflejado también en la
obra de Mari Ito o el artista kawaii Takashi
Murakami que a modo de obsesión inunda
sus obras de misteriosas margaritas, que en
algunos casos se agolpan formando una
esfera que da lugar a un fruto, un deseo como
en el caso de Mari Ito.
Sin embargo, todas estas „Flors‟ o „deseos‟ no
en todos los casos tienen un fin tan bello o
idílico, ya que en muchos parten de un origen
negativo, malvado o perverso y por ello las
consecuencias finales pueden ser cruentas.
Este tipo de obra hace referencia a algunos
episodios
críticos
relacionados
con
experiencias personales de la artista o con la
historia japonesa. Algunos ejemplos son
enormes nubes del hongo atómico el cual
caen estos deseos (El origen del deseo -la
cadena del odio y la tristeza) o la serie postFukushima en la que vemos como de nuevo la
energía nuclear está provocando desastres y
derivando en dolorosas consecuencias. Un
Mari Ito, El origen del deseo -la cadena del odio y la tristeza,
2008
La utilización de temática floral en la pintura
tradicional japonesa tiene una larga tradición,
y así mismo, se sigue desarrollando en la
actualidad. Podemos encontrar un gran
número de artistas japoneses que presentan
motivos florales en sus obras los cuales son
admirados por la artista y que influyen en su
propia práctica como es el caso por ejemplo
de; Nobuyoshi Araki fotógrafo japonés que
comparte galería con la artista y presta gran
atención a las flores, aunque con una
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Mari Ito, El origen del deseo -Los malos deseos, 2012
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
A calm sea in spring
My Fukushima, Taro Aizu
Por otro lado, en algunos casos la propia
artista se retrata como ejemplo de „origen del
deseo‟ para crear un mensaje positivo y
esperanzador, pretendiendo un mundo „más
color de rosa‟.
Podríamos decir que Mari Ito, forma parte de
esa generación de artistas que a través de su
producción artística, con una paleta colorida,
cálida, atrayente y una fuerte identidad
japonesa pretenden hacer llegar al espectador
un mensaje desde el origen del mismo.
Aunque en algunos casos como hemos visto
puede ser desolador, con intención de hacer
consciente al espectador del mundo en el que
vive.
Mari Ito, The result of desire, 2013
ejemplo son El origen del deseo -Los malos
deseos y The result of desire- Memoria y
dolor del desastre natural.
As if the tsunami
Had been a fabrication
Por ello, les recomendamos visitar desde el 16
de abril al 12 de junio de 2015 la exposición
colectiva FLORS en
la
galería
barcelonesa Esther Montoriol (Carrer de la
Diputació, 339).
Para saber más:
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / MAYO 2015
-
Web oficial de Mari Ito.
-
Web de la galería Esther
Montoriol.
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Mari Ito, Autorretrato en Barcelona- La finalización es no resuelta
para siempre, 2014
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Momotaro se fue a la guerra:
infancia, propaganda y animación I
Por Marisa Peiró
Durante las primeras décadas del siglo XX, el
Imperio japonés se vio envuelto en un toda
una serie de contiendas bélicas14 que
conllevaron un ambiente militarista que
trascendió fronteras, géneros y edades. Para
salvar esta última brecha, y para preparar
psicológica y anímicamente al público
infantil, se realizó y utilizó -tal y como
sucedió en otros países-15 un tipo de
Portada de uno de los primeros tomos del
manga Norakuro.
Desde los años finales del siglo XIX y hasta la derrota
definitiva que puso punto final a la Segunda Guerra
Mundial en 1945, Japón se vio envuelto en toda una
serie de contiendas bélicas que confirmarían su poder
como potencia y que le servirían para edificar un gran
imperio colonial en el Extremo Oriente y las islas del
Pacífico.
15 Aunque merecen un análisis aparte, son muy
conocidos los numerosos cortometrajes realizados por
las
principales
compañías
de
animación
norteamericanas, en los que numerosos personajes
populares, como el ratón Mickey, el pato Donald, Bugs
Bunny, Popeye el marino o Superman, luchaban contra
japoneses y alemanes.
14
propaganda adaptada, en la que personajes
infantiles populares se trasladaban al
momento presente para protagonizar todo
tipo de batallas; en ocasiones, se hacía que los
nuevos personajes de los nacientes mercados
del manga y el anime participasen en
historias de temática militar, mientras que en
otros casos se recurría a actualizaciones de
personajes populares de épocas pasadas, que
viajaban hasta el momento presente para
responder a nuevas necesidades.
Imagen de un corto de Sankichi.
Entre los ejemplos de la primera categoría,
encontramos personajes como el mono
Sankichi, protagonista de varios cortos
animados -obra de Mitsuyo Seo, uno de los
pioneros de la animación japonesa de quien
hablaremos más adelante- o el perro
Norakuro, uno de los más longevos
personajes del manga y anime japonés, que
apareció en estos años ligado al tema militar.
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Kamishibai de guerra con la historia de Kintaro.
Sin embargo, los ejemplos más ricos y
complejos pertenecen al segundo tipo.
Historias tradicionales, como la de Kintaro, el
niño de oro, o Momotaro, el niño melocotón,
se adaptaron en numerosas ocasiones a los
nuevos medios, entre los que destacaban las
cada vez más importantes tiras cómicas16 o el
cine de animación, además de otros medios
tradicionales como el kamishibai, cuya
temática y alcance fueron completamente
modificados
durante
el
periodo
de
entreguerras.17
Uno de los personajes más populares del
folclore tradicional japonés -aparecido en el
periodo Edo-, y cuyas adaptaciones ofrecen
una lectura más interesante, es el
mencionado Momotaro. Según el relato
tradicional, una mujer anciana y sin hijos
Para más información sobre los inicios del manga,
véase este artículo.
17 El kamishibai es una forma narrativa tradicional de
Japón, en la que un narrador va contando una historia
al público- generalmente infantil- ayudado de un
teatrillo en el que van pasando diferentes ilustraciones
que ayudan a seguir la historia. Aunque existe desde la
Edad Media, se hizo especialmente popular durante los
periodos Edo y Meiji, y proliferó durante el periodo de
entreguerras, ya que coincidió con una época de crisis y
desempleo, lo que conllevó que muchas personas
ajenas al mundo del entretenimiento se sirviesen del
formato para lograr alguna propina. Muchos artistas y
dibujantes emergentes, que luego se dedicarían al
mundo del manga, realizarían ilustraciones para
kamishibai durante esta época.
16
Figura tradicional que representa a Momotaro.
encuentra un melocotón gigante flotando en
el río, que recoge para compartir con su
marido; dentro del melocotón aparece un
pequeño Momotaro, que proclama haber sido
enviado por los dioses para ser su hijo. El
pequeño
Momotaro
crece
y
vive
tranquilamente en la aldea junto a la pareja,
hasta que un conjunto de ogros (oni), o
demonios, comienzan a asolar la región.
Dotado de un insólito sentido del coraje y de
la justicia, Momotaro decide viajar hasta la
isla de los ogros (Onigashima) para acabar
con las fuerzas del mal; durante su viaje
encontrará a un perro, un mono y un faisán
que se unirán a la lucha.
Aunque existen numerosas versiones de la
historia, no es difícil adivinar la manera en
que la misma fue reutilizada de manera
propagandística: Momotaro será identificado
con el valeroso y honorable Estado Japonés
(cuyas órdenes derivaban, igual que el propio
Momotaro, de la misma inspiración celestial),
mientras que los ogros serán identificados
como el enemigo estadounidense. Siguiendo
este simple pero efectivo argumento,
aparecerán toda una serie de versiones de la
historia de Momotaro de evidente y
manifiesto tono propagandístico.
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de personajes literarios populares, como
Kintaro y Momotaro, que emergerán de un
libro para combatir, con éxito, a las fuerzas
extranjeras.
Varios personajes del folclore japonés acudirán al rescate.
Por ejemplo, en Kuroneko Banzai (Takao
Nakano, 1934), un corto animado todavía
bastante burdo en términos técnicos especialmente si lo comparamos con ejemplos
contemporáneos japoneses-, encontraremos
una idílica isla poblada por juguetes y
simpáticos animales -claro símil de Japón-,
capitaneados por un gato negro (kuroneko)
de aspecto similar a Félix el gato, es invadida
por un ejército aéreo extranjero -también
animal-, capitaneado por un personaje
similar al ratón Mickey, aunque mucho
menos afable. No será esta la primera ni la
última vez en la que encontremos a Occidente
representado mediante el que estaba
convirtiéndose en uno de sus personajes más
populares. Continuando con el corto, los
habitantes de la isla pedirán ayuda a una serie
Imágenes de Kuroneko Banzai.
Imagen de Momotaro ordenando atacar Onigashima
Sin embargo, la reutilización de Momotaro en
esta primera historia es todavía algo naíf y
mucho menos elaborada que la que se dio en
los años más duros de la Guerra: el ataque a
Pearl Harbor, uno de sus puntos de inflexión,
dotaría de una nueva racha de optimismo a la
nación japonesa. A partir del mismo,
surgieron
numerosos
ejemplos
conmemorativos, siendo uno de los más
peculiares el mediometraje Momotaro y las
águilas marinas (1943),18 encargado por la
Armada Japonesa al ya mencionado Mitsuyo
Seo, en el que se utilizaron los últimos
avances técnicos de la industria animada. En
este sentido, la película constituye un doble
hito: por una
parte, supone
una
notable
mejora técnica
con respecto a
la
animación
anterior, tanto
en
la
realización de
escenas
de
Momotaro no umiwashi (1943). País: Japón. Dir:
Mitsuyo Seo. Blanco y negro. 37 mins. Sonido.
Animación.
18
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acción como en la duración del filme (de
treinta y siete minutos); por otra parte, se
trata del primer encargo propagandístico
animado de relieve en Japón.
Tras recibir un koinobori19 -símbolo de la
masculinidad y de la fuerza que se entregaba
a los niños- y colocarse elhachimaki con el sol
naciente -tal y como hacían los kamikaze, o
como hizo Mitsuo Fuchida, comandante del
verdadero ataque a Pearl Harbor-,20 el grupo
protagonista sube al bombardero, quedando
Momotaro en el portaaviones y dirigiendo la
operación desde ahí. A bordo del avión, el
grupo sufrirá simpáticas e infantiles
peripecias, como cuando ayudan a un
La flota de pilotos, antes de embarcar.
La película nos presenta a un Momotaro
comandante de una operación de bombardeo
aéreo, y da comienzo a bordo de un
portaaviones en el cual los soldados preparan
la flota aérea para un próximo despegue.
Momotaro, el único humano a bordo de la
tripulación -simbolizando el poder imperial y
el propio Estado Japonés-, dirige a un
conjunto
de
diferentes
animales
antropomorfos que componen la Armada:
conejos, perros, monos y un faisán, que, a
juzgar por su uniforme, ocupa la posición de
Teniente.
Los
tres
animales
que
acompañaban a Momotaro en el folclore
tradicional (el mono, el perro y el faisán)
serán también los protagonistas de esta
historia, en la que se comienza directamente
con la acción, sin presentar a los personajes o
al contexto, que se asume conocido por el
público japonés del momento.
Las escenas iniciales relatan la preparación de
la flota aérea para la invasión a una supuesta
Onigashima, que en el mapa guarda un
sospechoso parecido con la isla hawaiana de
Oahu, en la que se encuentra Pearl Harbor.
A pesar del tono bélico, el film tiene muchos elementos que lo
convierten en kawaii.
El koinobori es un tipo de bandera de tela tradicional
japonés, con forma de manga de viento, y cuya
decoración y estructura imita a la de una carpa (koi),
que está ligada alTango no sekku o Festival de los
niños (para más información sobre éste, véase este
artículo). En China y Japón, la carpa se considera
ligada simbólicamente al género masculino, debido a la
fuerza y empeño que emplean en nadar a
contracorriente.
20 El hachimaki es una cinta de tela que se coloca
anudada en la cabeza, como símbolo o para momentos
de gran esfuerzo, y que en el Japón tradicional tenía
tanto una función práctica (recoger el sudor) como
profiláctica y espiritual, pues en su parte central se
colocaban eslóganes o elementos simbólicos, como el
sol naciente. En la memoria colectiva occidental, ha
quedado ligada a la imagen de los pilotos japoneses kamizakes y no- de la Segunda Guerra Mundial, que se
la colocaban para verse protegidos de espíritus
malignos. Sin embargo, también se utiliza y utilizaba
fuera de un contexto bélico en otras actividades que
implican esfuerzo, como en las tareas de gran esfuerzo
físico, en el estudio, el parto, la práctica de deportes
como el Aikido o incluso la asistencia a festivales
(matsuris).
19
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
polluelo de pigargo gigante -un tipo de águila
marina que habita en esta zona del Pacífico y
que da nombre a la película-, llegando pronto
a su objetivo.
Por si todavía quedaba alguna duda de la
Onigashima que el ejército de Momotaro
estaba a punto de bombardear, un primer
vistazo lo deja más que claro: en un ambiente
tropical, se aprecia una bahía en la que
fondean grandes barcos, al tiempo que
comienzan a escucharse los compases
principales de la canción Aloha Oè -uno de los
emblemas de Hawái, compuesto por
Liliuokalani, la última de sus soberanas-. Será
entonces cuando comienza el polémico
bombardeo -con muchos de sus planos
rotoscopiados de metraje real del ataque- y
cuando contemplemos por primera vez a los
habitantes de esta isla de los ogros: los
mismos
-metáfora
del
ejército
estadounidense- no son representados
mediante la iconografía tradicional, sino que
son aparecen vistiendo el uniforme de marine
y con forma humanoide. Los mismos, parecen
estar capitaneados por un personaje rudo y
barbado, diseñado a imitación de Brutus,
conocido personaje de Popeye el Marino.
Según se produce el bombardeo, los soldados
huyen despavoridos, llegando a caer al mar y
a ahogarse por su torpeza; desde el
portaaviones japonés, Momotaro contempla
orgulloso el desarrollo de la acción. A pesar
de los intentos de defensa, la batalla parece
desarrollarse a favor de los japoneses,
quienes, entonando una canción patriótica,
descienden de sus aviones para quemar el
material enemigo. También se observan otras
de las prácticas de los soldados japoneses,
como cuando un piloto se queda vigilando en
el mar vigilando un torpedo que flota antiguos soldados relatan que a veces
permanecerían durante días flotando junto a
los torpedos, para poder redirigirlos en el
momento necesario. Finalmente, el líder de
los ogros, proclamará su rendición, en una
simbólica toma en la que esta especie de
Brutus sacude su bandera -de clara
inspiración estadounidense- hasta hacer caer
las barras y estrella de la misma y convertirla
en la universal bandera blanca. Pero no todo
está ganado: de vuelta al portaaviones
japonés,
el
bombardero
del
grupo
protagonista comenzará a incendiarse;
únicamente podrán llegar a su destino gracias
a las águilas marinas -que dan nombre a la
película-, a las que habían ayudado en una
secuencia anterior.
Los americanos no son precisamente bien retratados en la película.
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Diferentes imágenes de la película (fuente: nishikataeiga.blogspot.com.es)
Aunque la película incorpora algunos de los
últimos avances técnicos -solo siendo
superados por las grandes compañías de la
industria animada estadounidense-, lo cierto
es que abusa de la utilización de la fotografía
y del rotoscopiado como base para muchas de
sus secuencias; sin embargo, es esto mismo la adaptación del metraje real del ataque a
Pearl Harbor- lo que la ha convertido en un
documento único. En cuanto al sonido,
resulta todavía un ejemplo temprano Mitsuyo Seo fue precisamente uno de los
pioneros de la animación sonora japonesa- y
supone un ejemplo híbrido entre el cine mudo
y el sonoro: presenta todavía una
sonorización pobre, en la que los diálogos son
prácticamente inexistentes y la banda sonora
se concentra en los sonidos de los diferentes
efectos (oleaje, bombardeos, explosiones) y
unas pocas composiciones instrumentales -a
la manera de las utilizadas en las Silly
symphonies de Disney- que apoyan los
momentos clave de la película.
olas (1945),21 también dirigida por Mitsuyo
Seo, que se convertiría en el primer
largometraje animado de la historia del cine
japonés y que puede considerarse como el
canto
de
cisne
de
la
industrial
propagandística
japonesa;
por
su
complejidad, dejamos su análisis para una
próxima entrega.
Muchos de estos defectos serían superados en
la secuela del filme, Momotaro, dios de las
21
Para saber más:
Debido al claro simbolismo de las
películas, animamos al lector a verlas y
obtener sus propias conclusiones:
en YouTube pueden encontrarse muchos
de los cortos de inspiración bélica, como
algunos
de
las
series
de Sankichi o Norakuro,
además
de
Kuroneko Banzai como Las águilas
marinas de Momotaro.
Momotaro, Umi no Shinpei (1945). País: Japón. Dir:
Mitsuyo Seo. Blanco y negro. 74 mins. Sonido.
Animación.
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Oriente es Oriente y Occidente es
Occidente: historias del desarraigo
Por Laura Martínez
analizar
ambos
filmes como un
ejemplo más de las
relaciones
entre
Europa y Asia en el
cine.
Carteles publicitarios de Oriente es Oriente y Occidente es Occidente.
Con un desfase considerable, se pone por fin a
la venta en DVD la película Occidente es
Occidente (2010),22 la muy desigual secuela
de Oriente es Oriente (1999),23 y desde Ecos
de Asia aprovechamos la ocasión para
Occidente es Occidente /West is West (2010). País:
Reino Unido. Director: Andy De Emmony. Guión:
Ayub Khan-Din. Música: Rob Lane, Shankar Ehsaan
Loy. Fotografía: Peter Robertson. Reparto: Aqib Khan,
Om Puri, Jimi Mistry, Linda Bassett, Robert Pugh,
Vanessa Hehir, John Bramwell, Karamjit Anmol.
Productora: BBC Films.
23 Oriente es Oriente / East is East (1999). País: Reino
Unido. Director: Damien O‟Donnell. Guión: Ayub
Khan-Din. Música: Deborah Mollison. Fotografía:
Brian Tufano. Reparto: Om Puri, Linda Basset, Jordan
Routledge, Archie Panjabi, Emil Marwa, Chris Bisson,
Jimi Mistry, Raji James, Ian Aspinall, Ruth Jones,
Kriss Dosanjh. Productora: Film Four / Assassin Films.
22
El cine británico
de
temática
social
y cariz
independiente
a
veces ofrece joyas
como Oriente es
Oriente, cuyo éxito
internacional fue
ratificado con la
Espiga de Oro a
mejor película en la
Seminci, así como
el
premio
Alexander Korda
en los BAFTA, entre otros galardones. A pesar
de su escaso presupuesto, el filme consiguió
unos buenos resultados en taquilla, en parte
gracias a la gran calidad interpretativa de un
reparto encabezado por los veteranos Om
Puri (Gandhi, 1982; El fundamentalista
reticente, 2012; Un viaje de diez metros,
2014), Linda Basset (Las chicas del
calendario, 2003; ¡Llama a la comadrona!,
2012-) o Lesley Nicol (Downton Abbey,
2010-). A todos ellos debemos añadir un
elenco de jóvenes promesas del cine
británico, entre los que destacan la por
entonces juvenil Archie Panjabi (Quiero
ser como Beckham, 2002; The good wife,
2009-).
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
pasiones de esta pareja y sus
siete hijos. En la continuación de
esta
cinta, Occidente
es
Occidente, el argumento se
centra en el menor de los hijos
del matrimonio, llamado Sajid,
que cinco años después se
encuentra en plena adolescencia
y debe lidiar con sus orígenes
paquistaníes realizando un viaje,
físico y emocional, al país de su
padre.
A pesar de su tono ligero,
predominantemente
cómico,
con gags verdaderamente
ocurrentes y efectistas, estas
producciones
contienen
así
mismo, una importante carga
dramática, pues tratan temas de
profundo calado como la familia
patriarcal, la violencia de
género, la confrontación entre
padres e hijos, el bullying y, más
profundamente, el desarraigo y
la doble exclusión que sufren los
llamados
inmigrantes
de
segunda generación.
Arriba: Ella (Linda Basset) y George Khan (Om Puri). Abajo: tres de
los hijos del matrimonio, con Archie Panjabi en el centro.
Se trata de dos comedias escritas por Ayub
Khan-Din, actor y guionista británico de
origen paquistaní, la primera de las cuales se
basa en la obra de teatro homónima del
propio autor, que fue estrenada en el Royal
Court en 1996. Oriente es Oriente, cuenta la
historia de George Khan, un inmigrante
pakistaní llegado a Inglaterra en 1937 y
casado con Ella, una mujer inglesa, dando así
lugar a una extensa y multirracial familia. La
película comienza en 1971 en la localidad de
Salford, Manchester, y a partir de este
momento vamos conociendo las vidas y
Es precisamente en este tema, el
de los hijos de inmigrantes, en el
que se centran ambos filmes, y que
prácticamente desencadena la acción. El
padre de familia, George Khan, pretende criar
a sus hijos como “verdaderos pakistaníes”,
inculcándoles el respeto por las tradiciones de
su país de origen, la religión islámica y el
deber familiar. Sin embargo, los jóvenes se
consideran ingleses, puesto que han nacido
en ese país y allí se han criado, y pretenden
disfrutar de las ventajas que les ofrece la
civilización
occidental:
desde
comer
salchichas con beicon, hasta elegir su propio
destino.
George
Khan,
encarnado
magníficamente por Om Puri, trata de luchar
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contra lo que considera una rebelión y un
desafío directo, tanto hacia su estatus como
padre, como hacia todo su bagaje cultural. La
crisis estallará definitivamente cuando el
padre intenta forzar a sus hijos a contraer
matrimonios concertados con muchachas
paquistaníes.
La cultura del padre, simbolizada por la
forma de vestir y el idioma urdu, resulta fuera
de lugar en el ambiente obrero de los
suburbios ingleses donde vive la familia
(perfectamente representado en el filme), a lo
que debemos añadir que la pareja
protagonista
trabaja
en
un Fish&Chips típicamente británico. Pero
este contraste es aún mayor por la época
elegida para situar la película, los años 70, un
momento de cambio social, música pop,
discotecas y hombres con pelo largo. La
elección de estos años para ambientar la
historia, bebe tanto del afán del guionista por
plasmar una época de conflicto, como por la
clara influencia autobiográfica del filme, pues
el apellido Khan es un trasunto del propio
nombre del escritor, Ayub Khan-Din, cuya
infancia debemos situar precisamente en esos
años.
El autoritarismo del padre se deja ver a lo
largo de todo el filme, pues en diversas
ocasiones va imponiendo sus deseos a todos
los miembros de la familia. Ejemplo de ello es
que su hija cambie de forma de vestir para
llevar un sari tradicional, o que el más
pequeño sea circuncidado. Ante estas
situaciones de clara confrontación entre el
padre y sus hijos, Ella, esposa y madre,
presenta
una
actitud
ambivalente,
debatiéndose entre la obediencia a su marido,
y el amor a sus hijos. Su deber como “buena
esposa musulmana” –en palabras del propio
George Khan- es aceptar a rajatabla las
decisiones de su marido, y durante buena
parte de la película el personaje de Ella pasa
desapercibido, evitando las situaciones de
conflicto y sin tomar partido. Sin embargo,
cuando George pega a uno de sus hijos, Ella
se interpone entre ambos, defendiendo el
derecho de sus hijos a elegir su propio camino
en la vida y ser felices. Esta posición le
reportará insultos y palizas, momentos
verdaderamente duros del filme en los que el
tono cómico desaparece por completo. Es
aquí donde radica la principal contrapartida
de la película, pues la mujer asume como
normal una situación de maltrato y
vejaciones, sin oponer
resistencia. Tal vez es
una muestra de su afán
por resultar realista,
pero el filme acaba con
la pareja reconciliándose
y actuando como si nada
hubiera pasado, en lo
que
supone
una
normalización de la
violencia que resulta tan
alarmante
como
peligrosa
para
las
audiencias más jóvenes.
Fotograma de Oriente es Oriente que muestra a tres de sus protagonistas delante de su negocio de
Fish&Chips.
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Fotograma en el que vemos a Ella y dos de sus hijos tras recibir
una paliza del padre de familia.
Esta situación nos hace reflexionar sobre la
situación de la mujer en el Islam que muestra
la película: en continua inferioridad al varón,
sometida a sus decisiones, y relegada al papel
de madre y esposa. Es curioso que Ella, que
en un principio se encarga de subvertir este
rol debido a sus orígenes británicos, sea a lo
largo del filme un engranaje más del
patriarcado islámico. Otro de los casos que
muestra la película, es el de una madre cuya
hija ha sido enviada a Pakistán para casarse,
la cual confiesa entre llantos que no sabe si
volverá a verla algún día.
Tanto Ella como esta última mujer son
occidentales que han contraído matrimonio
con paquistaníes, y en la película se nos
muestran varias de estas relaciones
interraciales y los problemas que conllevan.
Uno de los hijos de la pareja protagonista,
llamado Tariq, está totalmente integrado en
el modo de vida inglés: lleva el pelo
ligeramente largo, disfruta bailando y
bebiendo en la discoteca, y tiene una novia
británica, que vive en su mismo barrio.
Cuando el padre expone sus deseos de que
Tariq contraiga matrimonio con una
muchacha paquistaní de su elección (no
demasiado agraciada, todo hay que decirlo),
el enfrentamiento entre ambos será brutal.
Tiene entonces lugar un
diálogo
que
resulta
sumamente
interesante,
pues Tariq le dice a su
padre:
“Yo
no
soy
paquistaní, nací aquí.
Hablo inglés, no urdu”,
pero el padre le hace ver
que los ingleses nunca les
aceptarán por sus orígenes
orientales, recalcando que
las mujeres inglesas son
malas (a pesar de que su
propia esposa es británica). La conversación
concluye con el hijo reprochándole al padre
su pasado, pues le dice que accederá a casarse
con una paquistaní pero luego tomará otra
esposa inglesa, tal y como hizo George.
Se inicia ya aquí un debate que se verá con
más profundidad en el segundo filme,
Occidente es Occidente, que es el de la
poligamia en el Islam. George Khan llegó a
Inglaterra procedente de Paquistán, donde
abandonó a su mujer y sus hijas, y volvió a
contraer matrimonio creando una nueva
familia. A lo largo del filme la presencia de la
primera mujer planea cual espada de
Damocles sobre Ella, que en tono cómico
escucha las amenazas de George al respecto
de traer de vuelta a su “buena esposa”, la cual
se limita a mantener enviando dinero
regularmente a Paquistán.
Otro de los temas que suscitaba el diálogo
entre Tariq y George, es el de la identidad de
los inmigrantes de segunda generación,
puesto que los hijos del matrimonio se
consideran a sí mismos como ingleses,
aunque el padre les hace ver que no
encontrarán aceptación en esta sociedad
occidental. George contrapone a esto la
situación de la religión musulmana: “En el
Islam todos somos iguales: blancos,
negros…”.
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Con todo ello se hace referencia al
racismo y a las dificultades que
encuentran los paquistaníes para
integrarse en la sociedad británica.
Esta situación se acentúa cuando
los protagonistas van a la localidad
vecina de Bradford, donde la
población paquistaní tiene una
mayor presencia, hasta el punto que
el cartel de bienvenida a esta ciudad
ha sido alterado con espray y ofrece
el nombre de “Bradistan”, en lo que
supone un insulto racista.
El rechazo hacia los inmigrantes
está también muy presente en el
barrio obrero donde habita la
familia Khan, personificado en la
figura de un vecino que se dedica a
recoger firmas para secundar la
petición de extradición de los
inmigrantes y anima a la gente a
acudir al discurso que dará el
político Enoch Powell. John Enoch
Dos fotogramas de Oriente es Oriente en los que se observan carteles de Enoch Powell.
Powell (Birmingham, 1912 –
quedan recogidas en el momento en que
Londres, 1998), fue un diputado del Partido
Meenah, la hija de la familia Khan, juega al
Conservador del Reino Unido entre 1950 y
fútbol en la calle (un deporte muy poco
1974, y pasó a la posteridad por el discurso de
femenino y que su padre desaprueba), y
tono racista que expuso el 20 de abril de 1968
rompe de un balonazo el cristal de un
en Birmingham, conocido como el “discurso
comercio, agujereando también el cartel que
de los ríos de sangre” (“Rivers of Blood
lucía la imagen de Enoch Powell, en lo que
speech”). Las referencias a este político
supone un desafío directo a las restricciones
sobre la inmigración propuestas por
este político.
Si la presencia de Enoch Powell es un
vínculo entre la ficción familiar y la
realidad política de la Inglaterra de los
años setenta, también lo son las
referencias al conflicto entre Paquistán
y la India por el control de la región de
Cachemira. Este conflicto, que George
Khan sigue atentamente a través de la
Imagen del cartel que da la bienvenida a “Bradistan”.
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radio, se reavivó efectivamente en el
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año 1971, que es cuando se desarrolla la
acción del filme, pero sus antecedentes
pueden rastrearse hasta la descolonización y
desintegración del Imperio Británico, en
1947. En este momento, gran parte de la
población musulmana de Cachemira exigió su
unión a Paquistán, pero el maharajá Hari
Singh se opuso a este movimiento propaquistaní, lo que llevó al despliegue de
tropas en la zona. Tras la mediación de las
Naciones Unidas, en 1949 se puso fin al
conflicto hasta que en 1965
se
reavivaron
las
hostilidades,
desarrollándose
violentos
combates en la frontera que
delimitaba qué parte de
Cachemira pertenecía a
Paquistán y cual a la India.
En 1971, el momento que
muestra el filme, India y
Paquistán se encontraban
enfrentados
por
la
independencia
de
Bangladesh, lo que desató
un nuevo conflicto en
Cachemira que finalizó con
el acuerdo de Simla. En la
década de los noventa, los
enfrentamientos entre los
separatistas de Cachemira y
la India se reavivaron, y en
la actualidad dicho conflicto
aún no está resuelto.
fuerte crisis de identidad en el personaje.
Para intentar remediar estos problemas,
George Khan viaja a Paquistán junto a su hijo
con la intención de inculcarle el amor por su
cultura. Sin embargo, al llegar allí se
encontrará con un nuevo choque cultural,
puesto que pese a sus orígenes paquistaníes él
es un joven británico, mostrándonos ese
desarraigo que sufren los inmigrantes de
segunda generación. Tras las primeras y
evidentes diferencias (el idioma punjabi, la
En una región próxima a la
zona de conflicto es donde
habita la familia de George Fotogramas de Occidente es Occidente en los que se aprecia el cambio operado en el personaje
de Sajid Khan, tanto en su actitud como en su vestimenta.
Khan, y allí decidirá volver
en la segunda película de la
vestimenta occidental…) Sajid conocerá sus
saga, Occidente es Occidente. En este filme, el
orígenes y aprenderá a apreciar la sencillez de
menor de los hijos de la familia Khan, Sajid,
la vida tradicional paquistaní. El cambio de
debe afrontar los problemas habituales de la
mentalidad se va operando en Sajid, ayudado
adolescencia, a los que debemos sumar su
por un joven de su misma edad y un anciano
origen mestizo, lo que desencadena una
que actuará de maestro y guía.
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En esta segunda película, lejos ya de los
barrios obreros de Manchester, nos
encontramos en el Oriente rural más
tradicional, plagado de escenas coloristas,
típicas y llenas de folclore, ofreciendo una
visión muy arquetípica de Paquistán.
Al
margen
de
la
simplicidad
del
planteamiento y de lo previsible del
argumento (el joven inadaptado que aprende
a aceptar su legado cultural), la película
resulta interesante porque en ella vemos de
primera mano la cultura paquistaní, en la que
el británico es ahora el inmigrante fuera de
lugar que debe integrarse. Aunque palidece
ante cualquier comparación con su
predecesora, Occidente es Occidente es un
bello retrato sobre el choque cultural y el viaje
emocional acaecido en la adolescencia, por lo
que sin duda recomendamos su visionado a
todos aquellos enamorados de Oriente que
deseen sumergirse en un entretenido vagar
por el Paquistán más tradicional.
Para saber más:
-
Ficha de Oriente es Oriente en
Filmaffinity.
-
Ficha de Occidente es
Occidente en Filmaffinity.
Cuatro fotogramas de Occidente es Occidente que muestran una imagen de Pakistán tradicional, rural y colorista.
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / MAYO 2015
Página 50
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Outrage: Kitano al cuadrado
Por Laura Martínez
El pasado mes de
abril llegó a los
videoclubs españoles
(los pocos que aún
quedan) una novedad
interesante
procedente
de
Japón: Outrage
2 (2012),24 secuela de
la
popular
Outrage (2010)25 del
maestro
entre
maestros,
Takeshi
Kitano. Presentadas
en sendas ediciones
del afamado Festival
de Cannes (optando
incluso a la Palma de
Oro en el caso del
filme original), Outrage llega ahora al gran
público y desde Ecos de Asia queremos rendir
homenaje a esta dupla imprescindible
del yakuza-eiga o género de yakuzas.
Se trata de dos filmes que, en conjunto,
componen una historia cuyo final, abierto e
Outrage
2 / Autoreiji
Biyondo / Outrage
Beyond (2012). País: Japón. Director: Takeshi Kitano.
Guión: Takeshi Kitano. Música: Keiichi Suzuki.
Fotografía: Katsumi Yanagijma. Reparto: Beat Takeshi
(Takeshi Kitano), Toshiyuki Nishida, Tomokazu Miura,
Ryo Kase, Hideo Nakano, Yutaka Matsushige, Fumiyo
Kohinata, Katsunori Takahashi, Kenta Kiritani,
Hirofumi Arai, Sansei Shiomi, Akira Nakao, Shigeru
Koyama. Productora: Bandai Visual Company / Office
Kitano / Tokyo FM Broadcasting Co.
25 Outrage / Autoreiji (2010). País: Japón. Director:
Takeshi Kitano. Guión: Takeshi Kitano. Música:
Keiichi Suzuki. Fotografía: Hitoshi Takaya. Reparto:
Beat Takeshi (Takeshi Kitano), Tomokazu Miura,
Kippei Shiina, Ryo Kase, Soichiro Kitamura, Renji
Ishibashi, Jun Kunimura. Productora: Warner Bros.
Pictures.
24
Carteles publicitarios de Outrage y Outrage 2.
inesperado, hace prever (temer, si sois
detractores; desear, para el caso de los fans
acérrimos) una posible continuación. El cine
de Kitano, en plena crisis existencialista,26
puede tender a la repetición y con Outrage
2 vuelve a caer en un viejo vicio: el cine de
yakuzas aunque, si cabe, más violento y
perturbador que en anteriores entregas.
Ambas películas son herederas de una
trayectoria fílmica que ha hecho de Takeshi
Kitano uno de los baluartes del cine
de yakuzas: desde su salto a la dirección
con Violent Cop (1989) hasta la afamada
Hana-bi (Flores de fuego, 1997). A través de
estas películas, el director nipón ha ido
Producto de esta crisis existencial son sus films más
reflexivos
pertenecientes
al
género
metacinematográfico, los cuáles analizamos ya en
un artículo anterior sobre su trayectoria como director,
y cuyo punto álgido fue sin duda Glory to the
Filmmaker!(2007).
26
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / MAYO 2015
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Arriba: fotograma de Outrage donde vemos un jardín seco japonés en una
casa tradicional. Abajo: Kitano en Outrage 2, impasible, bebiendo sake.
Ambas imágenes muestran la horizontalidad y el estatismo que caracteriza el
estilo cinematográfico del director.
En apariencia, ambas películas resultan
muy similares, pues son dramas centrados
en el ambiente de las mafias japonesas
o yakuzas, aunque presentan aspectos
diferenciados que comentaremos más
adelante. Los dos filmes poseen
argumentos enrevesados en su sencillez,
ya que ilustran las luchas de poder
existentes entre distintas familias de la
yakuza: una guerra sin trincheras donde
las traiciones y venganzas provocan un
“toma y daca” continuado. En el
largometraje original, estas luchas se
inician de manera intencionada por un
estúpido malentendido –muestra del
nihilismo del director, que ya hemos
adelantado-, mientras que en la segunda,
el detonante es el asesinato de un policía
con contactos en el Ministerio.
configurando una “estética de la violencia”
fundamentada en el preciosismo formal, con
encuadres cuidados, escasos movimientos de
cámara y un ritmo lento que bebe del cine
japonés más clásico.
La violencia es, de nuevo, el santo y seña por
el que se rige Outrage, título que al español
podría haber sido traducido como “atrocidad”
y es que, en efecto, a lo largo de estos dos
filmes se suceden los actos de barbarie,
muchas veces desposeídos de todo sentido.
Este tono nihilista del cine de Kitano es
también característica intrínseca de su
filmografía y deriva del grave accidente de
tráfico que sufrió en 1994.
Así pues, ¿es Outrage 2 más de lo mismo?
¿Ha entrado Kitano en una espiral
autorreferencial de la que no puede salir? No
vamos a caer en reduccionismos maniqueos y
discernir si es mejor el original o la secuela,
pero sí que es conveniente establecer unas
similitudes y diferencias que permitan
analizar críticamente ambas obras.
Dos fotogramas que muestran el comienzo de ambos filmes, con el título
sobreimpresionado en un coche, que introduce al espectador en la
acción.
Tras este primer acto de violencia (justificado
o no), se pone en marcha un letal engranaje
de venganzas que, de manera pausada, va
escalando hasta entrar en una espiral de
crímenes sangrientos. Los cadáveres se van
amontonando en la retina del espectador,
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
hasta que este queda insensibilizado, inmune
a lo que ve. A base de repetición, el
argumento se diluye quedando solo la
violencia desmedida, que se convierte en algo
connatural: los balazos ya no nos sobresaltan,
como lo hacían en un principio, la muerte es
solo un plano más. Estamos perdidos en el
“universo Kitano”.
En el punto álgido de esta secuencia mortal,
el torrente de violencia se detiene con un final
abrupto y poco resolutivo, dejando al
espectador desconcertado y pidiendo más.
Kitano nos ha hecho sufrir, casi físicamente,
con sus rituales sangrientos, pero cuando
acaba la magia, nos vemos suplicando que
vuelva a empezar. Tal es el poder de sugestión
del maestro japonés.
La diferencia fundamental entre ambas
películas reside en la comicidad, puesto que el
original poseía ese tono absurdo que el
espectador
medio
interpretaría
como
irreverente (“nada de esto tiene sentido”,
“Kitano se ha vuelto loco”… serían
comentarios habituales y no por ello menos
adecuados). Sin embargo, el público japonés y
aquellos conocedores de la trayectoria del
director, entenderían el tono humorístico que
subyace a la tragedia y que bebe del gag
cómico tradicional, el cual protagoniza los
orígenes profesionales de Takeshi Kitano.
Esta vertiente cómica de Outrage, que puede
gustar más o menos, no está presente en su
secuela, que resulta por ello más sobria y
contenida.
Por otra parte, en Outrage 2 la violencia no se
agota, pero se muestra menos abiertamente,
prefiriendo emplear el recurso del fuera de
Observamos aquí la diferencia de tratamiento que recibe la
amputación de un dedo en ambas películas: arriba, Outrage, más
explícita; y abajo, su secuela, que muestra el resultado pero no el
acto en sí mismo.
plano, por el cual no vemos de forma explícita
lo que ocurre, pero sí sus resultados. Sirva
como ejemplo de esto último el más que
habitual ritual de cortarse un dedo: símbolo
de respeto hacia los superiores dentro del
mundo de la yakuza y empleado para resarcir
cualquier tipo de afrenta. Si en la primera
película éramos testigos directos de cómo los
personajes se rebanan sus propias falanges,
en la secuela “tan solo” se nos muestra el
miembro inerte en el suelo.
Todos los rituales de la yakuza siguen
presentes: reuniones en casas tradicionales
japonesas, juramentos sellados con sake,
cuerpos tatuados y armas automáticas. Las
distintas familias, que ya en la película
original tenían importantes lazos con la
policía, ascienden ahora un peldaño más en el
escalafón de la ilegalidad, llevando sus
negocios a las más altas esferas y encontrando
socios en el Ministerio.
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
puesto de honor en el Olimpo del yakuzaeiga más postmodernista. Por ello, el
visionado de Outrage y su continuación
puede reportar interesantes puntos de
análisis, así como un oscuro placer inherente
al ser humano: el que produce la
contemplación de la violencia y la belleza,
aunados por la maestría técnica del director
japonés.
Para saber más:
Fotogramas (arriba Outrage, abajo Outrage 2) que muestran sendas
espaldas tatuadas, símbolo inequívoco de la yakuza.
Si uno consigue sobreponerse al
nudo
gordiano
de
nombres
japoneses, familias mafiosas y pactos
secretos o no, sin perderse en el
intento, podrá disfrutar de un
espectáculo sangriento y atronador,
que eleva el asesinato a estatus
artístico. Uno de los recursos
fílmicos utilizados por el director,
Takeshi Kitano, para ahondar en esta
poética de la violencia, es el de jugar
con el montaje de sonido. Así, en
ambos filmes, ciertas escenas de
importancia
capital
para
el
argumento se nos muestran dentro
de una “burbuja” especial: este efecto
consiste en eliminar el habitual
sonido ambiente y amplificar los
disparos o puñaladas, aislando la
violencia y dándole importancia en sí
misma.
Con todo lo señalado anteriormente,
y pese a sus diferencias, ambas
películas mantienen un estilo
inconfundible que ha encumbrado a
Takeshi Kitano a los laureles del cine
de autor japonés, alcanzando un
-
Ficha de Outrage en
Filmaffinity.
-
Ficha de Outrage 2 en
Filmaffinity.
Beat Takeshi (pseudónimo artístico del director) interpretando el papel del
protagonista: Ôtomo. En ambos fotogramas (arriba en la película original, abajo en la
secuela), aparece apuntando a alguien y la cámara lo enfoca desde abajo,
agrandando así su figura y enalteciendo al yakuza.
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
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Seraphim: 266613336 Wings, un
distópico viaje a ninguna parte
Por Carolina Plou
La que nos ocupa no es una obra salida
únicamente de la cabeza de Kon, sino que en
este caso, por su fecha temprana, puso sus
lápices al servicio de una historia de Mamoru
Oshii, un nombre que por entonces ya
resonaba fuerte especialmente en el ámbito
de la animación, pero que todavía no había
realizado su obra cumbre que le traería la
fama mundial: Ghost in the Shell.30
Satoshi Kon, en su visita al festival de Sitges de 2006 (fuente:
lecturasenanime.blogspot.com).
Satoshi Kon es una figura respetada a nivel
mundial por su labor como realizador
cinematográfico27 y, en menor medida, por su
proyecto para televisión.28 Sin embargo, sus
comienzos estuvieron en el ámbito del manga,
una faceta relativamente desconocida en
Occidente que en España la editorial Planeta
Cómics se está preocupando de rescatar, en
ediciones muy cuidadas.29
Su carrera cinematográfica, prematuramente
truncada, se compone de los títulos Perfect
Blue, Millenium Actress (2001), Tokyo Godfathers
(2003) y Paprika (2006), todos ellos obras de
referencia en el mundo de la animación japonesa, pero
también (especialmente algunos de ellos) de impacto
en la cinematografía mundial.
28 Para televisión, Kon realizó la serie Paranoia
Agent (2004), de 13 episodios, para la cadena nipona
WOWOW.
29 A Seraphim se unen Opus y Regreso al mar, así
como un volumen de Historias Cortas.
Mamoru Oshii, responsable de la idea original y coautor de la
obra (fuente: filmin.com)
Juntos crearon un futuro distópico no muy
lejano en el que el mundo tal y como lo
conocemos había colapsado a causa de una
extraña enfermedad, denominada Seraphim o
enfermedad angelical, y el continente
euroasiático se había aislado para impedir la
expansión de la enfermedad, convirtiéndose
27
Mamoru Oshii fue el director de la adaptación a
largometraje de animación de Ghost in the Shell, un
manga de ciencia ficción que fue realizado por
Masamune Shirow. No obstante, la labor de Oshii no se
limitó a una adaptación fiel, sino que dotó al
argumento de un contenido y una reflexión que
convertirían la película en una obra clave del
ciberpunk.
30
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / MAYO 2015
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Llegados
a
este
punto, y antes de
profundizar
en
algunos
aspectos
resaltables de la
obra,
debemos
matizar que esta
cualidad
narrativa
que
los
autores
manejaron
tan
correctamente deja
al final numerosos
interrogantes en el
Viñetas en las que se ve Neo-Tokio, del manga Akira (fuente: zonanegativa.com).
aire, no porque la
historia esté mal
en un escenario postapocaliptico similar al
resuelta, sino porque, directamente, no
Neo-Tokio de Akira.31
finalizó. En 1995, las diferencias artísticas
En este panorama, la Organización Mundial
entre Oshii y Kon alcanzaron un punto tan
de la Salud, que ha obtenido de las
irresoluble que interrumpieron la serie,
circunstancias un poder inusitado, convoca a
dejándola inacabada. El volumen de Planeta
un variopinto grupo para una misión secreta,
recoge por primera vez en castellano todo el
que se deduce de importancia capital para la
material producido para Seraphim, pero la
humanidad. Muy astutamente, la narración se
experiencia lectora se ve forzadamente
desarrolla dosificando la información con
cortada en seco.
enorme habilidad, sumiendo desde el primer
De
todas
momento al lector en un desconcierto que
formas, esto no
estimula su curiosidad capítulo a capítulo, un
debe relegar a
mecanismo que tenía especial sentido en la
Seraphim
al
publicación original, por entregas, en la
fondo de la
revista Animage.32
estantería ante
una
avisada
31 Akira es una obra cumbre del manga y el anime,
frustración por
aunque su versión más conocida es el largometraje de
no conocer el
1988, éste parte del manga que comenzó a publicarse
final. Más bien
en 1982 y se extendió hasta 1990. El autor es Katsuhiro
Ôtomo, así que no es casualidad que exista una
al
contrario,
influencia directa entre ambas obras: más allá de la
aunque
esta
trascendencia de Akira, Kon comenzó como discípulo y
interrupción
colaborador estrecho de Ôtomo (trabajaron juntos
en World Apartment Horror -1991- y en Memories apresurada de
1996-), por lo que no es de extrañar que en
la serie dejó
Seraphim aparezcan influencias estéticas de éste, igual
una historia a Portada de la cuidada edición de Planeta
que ocurre frecuentemente en la producción de Satoshi
(fuente: planetadelibros.com).
Kon.
mitad,
el
32
En marzo de 1994, finalizó la publicación por
entregas en Animage de Nausicaä del valle del viento,
de Miyazaki, que había tenido un recorrido de doce
años en la citada revista. Sus redactores querían una
nueva serie que rellenase ese hueco, una historia larga
que mantuviese mensualmente lectores fieles durante
un tiempo prolongado.
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
conjunto
resulta
sorprendentemente
coherente. Superada la sorpresa inicial
(“pero, ¿ya no hay más? ¿ya está?”), una vez
meditado el texto y asimilada la obra, ese
final brusco que deja toda la trama planteada
pero no resuelta es uno de los mejores
escenarios posibles para cerrar esta
obra. Seraphim tenía
potencial
para
convertirse en una obra magna de la ciencia
ficción nipona, sin embargo ese potencial
caminaba de la mano de un riesgo enorme de
hacer crecer la trama enrevesándola de una
manera que finalmente, se fagocitase a sí
misma y terminase con un final que a los
autores se les hubiera ido de las manos.
De este modo,
Seraphim
se
convierte en un
pequeño
segmento dentro
de una Historia de
la humanidad, en
un episodio sin
principio ni final
concreto dentro
de
una
ambientación
Aspecto de la fase terminal de la
muy
enfermedad angelical.
cuidadosamente
desarrollada. Y es que éste es su principal
valor: el argumento
per se
podría
aproximarse a una road movie o a una
aventura itinerante, lo que la diferencia de
otras obras con planteamientos similares es
todo el universo distópico levantado
alrededor de este hilo argumental, un
universo coherente y complejo.
La historia comienza en un portaaviones, en
el que se nos presenta a unos protagonistas
extraños, a los que solo conocemos como
Melchor, Gaspar, Baltasar y Sera, que poseen
una misión vagamente indicada: adentrarse
más allá de la zona de cuarentena hasta el
corazón del continente euroasiático, que se ha
cerrado para evitar una mayor expansión de
la enfermedad angelical.
Conforme se desarrolla la historia, podemos
entender de qué se trata esta enfermedad, un
mal que deforma a la gente causándoles unas
protuberancias en la espalda que recuerdan a
las alas de un ángel, y en un estadio más
avanzado
provoca
alucinaciones
que
culminan en catatonia y muerte.
Página original de Seraphim, en la que se deja entrever un
creciente entramado religioso vinculado a la enfermedad.
La llegada de los protagonistas al continente,
y el comienzo de su aventura adentrándose en
un territorio ocupado por la enfermedad, y en
el que la pandemia ha causado una
devastación absoluta, nos lleva a descubrir
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
una sociedad en la que las mafias se han
hecho reinas de las ciudades del círculo de
cuarentena. El recorrido por territorio chino
deja un panorama desolador, en el que se
conjugan en la historia alianzas y juegos de
amigos y enemigos mientras queda, por
encima de todo, un telón de fondo que deja
un poso de reflexión sobre la naturaleza del
ser humano, siguiendo una línea de
pensamiento pesimista que ofrece poca
esperanza a la raza humana: la enfermedad
incontrolable ha sacado a la luz lo peor del
hombre, utilizando sus miedos como
vehículo, hasta el punto de haber masacrado
(de manera activa o pasiva) naciones enteras,
haber aislado un continente y confinando a
toda su población a miserias y muerte
(enfermos sin asistencia o con muy escasa,
personas sanas sin posibilidad de aislarse del
contagio). Dentro del territorio aislado, las
guerras civiles, la lucha por la supervivencia
más descarnada, ha contribuido a diezmar las
poblaciones, al tiempo que ha creado un
complejo mapa político de regiones aliadas y
enfrentadas, movidas por la ambición de
poder de sus dirigentes más que por la
búsqueda de una solución para la situación en
la que se encuentran.
A pesar de que
todos
estos
planteamiento
s
serán
cuestionados
por
los
propios
autores,
de
nuevo el final
interrumpido
nos
impide
conocer hacia
dónde
hubieran
Algunos de los bocetos incluidos como
extras en la edición.
virado
reflexiones, permitiendo al lector, no
obstante, atisbar signos de redención en
algunas de las más categóricas maldades.
Interesantísimo también resulta el concepto
de los Reyes Magos y el resto de referencias a
las religiones monoteístas que se desgranan a
lo largo de la historia, empleadas, quizá,
metafóricamente en algunos puntos, y que
seguramente respondieran a intereses
concretos más que a guiños gratuitos. El
componente judío y cristiano, adoptados
como una referencia filosófica más, aportan
una mayor información por comparación,
permitiendo omitir disgresiones y agilizar el
desarrollo de la trama esquivando largas y
complejas explicaciones. Por otro lado, trazan
una serie de incógnitas que estimulaban
todavía más la imaginación del lector ante la
perspectiva de una obra de larga duración.
Seraphim es, en cualquier caso, una obra
imprescindible dentro de la ciencia ficción,
profunda y con capacidad para no dejar
indiferente. Aunque hemos insistido en el
final inconcluso desde una perspectiva ante
todo problemática, debemos dejar claro que
supone un aspecto también interesante y que
otorga un nuevo prisma desde el cual abordar
la obra, no debe convertirse en un aspecto
que disuada al lector de aproximarse a esta
historia. Además, la cuidada edición de
Planeta Cómics supone otro estímulo, ya que
han publicado un volumen de calidad, que
hace justicia al texto y al dibujo, con buen
papel, tapas rígidas y la inclusión de material
extra: el breve prólogo original de la obra, en
color; un pequeño epílogo con información
sobre la publicación original y unas páginas
recogiendo esbozos y diseños preliminares de
los personajes principales. En resumen, una
edición que hace justicia a la obra.
esas
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Masala Chai, el travelogue indio de
Christian Cailleaux
Por Marisa Peiró
Christian Cailleaux (1967, La GarenneColombes) es uno de los ilustradores de moda
en Francia: trabaja para varias publicaciones
(de la talla de Le Figaro), campañas
publicitarias y ha publicado catorce novelas
gráficas. Casi siempre con cierto tono
autobiográfico, a través de un dibujo
estilizando y elegante, narra diferentes
historias que giran esencialmente en torno a
la idea del viaje. Cailleaux es un viajero
consumado, que vivió una larga temporada en
África trabajando para las Alianzas Francesas
-una de las más importantes instituciones de
difusión cultural francófona-.
responsable de que en 2007 el autor publicase
Masala Chai: un monólogo en Hindi,34 una
relajante novela gráfica en el que un
dibujante -alter ego del propio autor- se
embarca hacia la India con la intención de
encontrar a un capitán de barco prófugo.
Ruta del protagonista en la India.
Portada de la edición en español.
Fue otro de esos viajes de trabajo el que en
2004 le llevó a la India,33 y seguramente el
Invitado por el Servicio Cultural de la Embajada de
Francia en la India, surqué la India durante dos
meses, en diciembre de 2004 y enero de 2005, de
norte a sur, desde las estribaciones del Himalaya a las
playas doradas de la costa de Malabar… En cada una
de las ciudades en las que paré (Nueva Dehli
/Chandigarh/ Ahmedabad/ Mumbai/ Pune/ Cochin/
33
Con cierta sensación de película clásica de
detectives -a la que contribuye el
bricromatismo sepia elegido por el autor para
su obra- el Sr. Mogo -alter ego de Cailleauxrealizará un periplo por la India en búsqueda
del capitán, en el cual se verá casi siempre
Trivandrum/ Chennai/ Kolkata), he animado
encuentros o talleres con artistas locales, en el marco
de la red de las Alianzas Francesas en la India. Con el
fin de dedicarme a la elaboración de una nueva obra,
me quedé un poco más de cuatro semanas en Cochin
(Costa sur-oeste) – relata Cailleaux en su web
personal.
34 En español ha sido publicado con este título por
Dibbuks; el título original es Tchaï Masala y fue
publicado en 2007 por Glénat.
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
sumido en un profundo mundo de
desconcierto e incomprensión -algo que, a
tenor de sus palabras, también debió de
suceder al autor-.35 Sus convencionales
pensamientos -el libro está lleno de lugares
comunes sobre la India- se alternan con
ensoñaciones que continúan en la misma
línea, y son calificados por el autor como
“algunas impresiones sin ton ni son”. Valgan
estos fragmentos como ejemplo:
En este sentido, la obra -que a diferencia de
otros trabajos previos, sí que está escrita por
el propio Cailleaux-,39 resulta bastante lineal
y relajada, recordando muy poco al especiado
té que le da título,40 o al café del color que
inunda sus páginas: lo dispar y poco
sustancioso de la narración no consigue
mantener la tensión en torno a la búsqueda
del capitán, distrayéndonos de la línea
principal mediante sus líricas y orientalistas
ensoñaciones.
La India, tierra de contrastes. Los que
afirman haber encontrado en la India
aquello que esperaban encontrar
seguramente no estén diciendo la
verdad… Nadie está preparado para el
primer encuentro con la India, y nadie
permanece indiferente. Muchos llegan
cargados de anticipación, ya que allá eso les han dicho- encontrarán lo más
extraordinario y lo más asombroso, lo
más raro…36
El té era delicioso. ¿Quizás porque
tenía el sabor del misterio de la
India?37
Soy ateo (…) ¿Pero por qué aquí soy
más receptivo al sentimiento religioso?
¿Por qué me parece más sincero, más
auténtico?38
Tres meses viajando por la india es casi suficiente
para no comprender nada y quedar conmocionado
por los miles de rostros y las emociones de los
descubrimientos que aparecen cuando tocas un
mundo nuevo. Masala Chai sirve para compartir el
sabor del té y algunas impresiones sin orden ni razón.
Espero que os guste el paseo.Cita del autor publicada
en Jiménez, Jesús, “Cómics de viajes, misterio y
política-ficción para el fin de semana”. Recurso en
línea, disponible aquí.
36 Cailleaux, Christian, Masala Chai, Madrid, Dibbuks,
2012, p. 18.
37 Ibíd., p. 64.
38 Ibíd., p. 72.
35
El autor ilustraría varias obras escritas por Bernard
Giraudau.
40 El Masala Chai -té masala- es uno de los tés más
característicos y conocidos del sur de la India, que hoy
se comercializa en todo el mundo; consiste en
diferentes variedades de te negro aromatizado con
diversas especias (como cardamomo, clavo, pimienta,
jengibre o canela) y que suele tomarse con leche.
39
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Masala Chai es, no obstante, un libro más
que agradable de mirar -se trata de una de las
obras más depuradas del autor, que acierta de
pleno con la refinación de su estilo-, pero
dejará con la sensación al lector de haber
realizado
una
inmersión
demasiado
superficial en la cultura y los paisajes de la
India, misma sensación que la atormenta al
personaje protagonista: “¿Por qué me da la
impresión de que me quedo en la superficie
de las cosas? Este país no llega como una
revelación, no se entrega. Tiene una sonrisa
dulce…y una violencia contenida…entre
belleza…y fealdad.”41
Como Cailleaux, el lector apenas podrá
deslizarse sobre la superficie del país,
desplazándose siempre lento, como si fuera la
víctima
de
una
monótona
y
anestesiante calma chicha. Parece en cierto
modo que Cailleaux se hubiera inspirado más
en el cine sobre la India colonial -con las que
comparte los elementos más tópicos- que en
una experiencia real, creando un delicado
storyboard más que una novela per se. Pero al
contrario de lo que sucede en las
sobrecargadas películas de aventuras,
la masala -”mezcla”, en hindi- le ha quedado
a sumamente insípida, algo a lo que
contribuye el desligarse de la experiencia
personal en su
relato,
al
contrario de lo
que han realizado
otros autores de
como Guy Delisle,
Joe
Sacco
o
Nicolas Wild, en
sus
afamadas
crónicas gráficas
de viajes por
Oriente.
Hemos de reconocer que la
construcción gráfica de la novela es
muy atractiva.
41
Ibíd, p. 44.
No obstante, la obra
presenta
un
final
ciertamente inesperado.
En el mismo, se da buena
cuenta
del
universo
literario del autor, que en
este caso se centra en la
figura
del
escritor
Antoine
de
SaintExupéry. Quizás, como el
celebérrimo
aviador
francés, Cailleaux se
sentía heredero de la
literatura francesa de
viajes, y había planeado
aportar al panorama una
delicada
ensoñación
lírica a la manera del
Viñeta de una de las
autor de El Principito;
ensoñaciones del
sin embargo, el resultado
protagonista.
final dista mucho de la
prosa referida.
“Soy el extranjero. No se nada de nadie. No
penetro en sus imperios.”42 – exclama,
citando a Saint-Exupéry, el alter ego de
Cailleaux al final la novela, quizás también a
modo de excusa. Por todos los motivos
expuestos, quizás la obra de Cailleaux sea, a
su pesar,43 una de las numerosas muestras de
que la mentalidad colonial sigue, a veces de
manía inconsciente, todavía más que vigente
en nuestra sociedad, pero lo expresa de una
manera tan estética y elegante que puede
correr el riesgo de ser tomada por canónica.
Saint-Exupéry, Antoine. Vuelo nocturno, tierra de
hombres. Santiago de Chile, Andrés Bello, 1979, p. 131.
43 “No conozco la alta Sociedad pero por mis
numerosos viajes a África he tratado con personajes
importantes del postcolonialismo, que todavía siguen
viviendo en las antiguas colonias y que son gente que
se sigue dando un aire de superioridad y de alta
sociedad. A esos les conozco perfectamente” –
Cailleaux para RTVE, disponible aquí.
42
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En busca de otro Irán: “Así calló
Zaratustra” (2013), de Nicolas Wild
Por Marisa Peiró
Bajo el rimbombante y
soberbio título de Así
calló Zaratustra aparecía
en 2013, en una cuidada
edición traducida
por
Dibbuks,
un
extraño
ejemplar de novela gráfica
francesa, que mediante
una poco habitual pero
práctica mezcla de humor,
novela negra y guía
didáctica introducía al
lector en el universo del
zoroastrismo
y
su
situación actual en Irán.
Su autor, Nicolas Wild, ha
vivido varios años en
Afganistán, experiencia de
la cual resultaron sus
Portada de la edición en español.
exitosos primeros pasos en
el mundo de la historieta
gráfica (Kabul Disco I y Kabul Disco II),44 y
gracias a obras como éstas –atrevidas pero
maduras– se ha convertido de una de las
mayores promesas de la gráfica francófona.
Ahmadineyad.
En
su
descanso
laboral
y
geográfico de sus aventuras
medio-orientales,
Wild
encontrará en París un
nuevo Afganistán, creado
por
los
numerosos
inmigrantes ilegales de la
región que llegan a la capital
francesa en busca de asilo
político
y/o
sustento
económico. Será en este
ambiente en el que conozca
a Sophia, una atractiva y
enigmática
joven
que
resultará ser la hija de una
de las más importantes
figuras del zoroastrismo
iraní, Cyrus Yazdani –
Así calló Zaratustra constituye el relato ficticio, pero con una importante parte de
verdad- del viaje vacacional del autor y un
nuevo grupo de amigos a Irán, realizado en
los comienzos del primer mandato de
Wild, Nicolas. Kabul Disco I : Cómo no fui
secuestrado en Afganistán . Rasquera, Ponent Mon,
2008 y Wild, Nicolas. Kabul Disco II : De cómo no me
enganché al opio en Afganistán . Rasquera: Ponent
Mon, 2009.
44
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Viñeta que muestra la ruta que el grupo recorrerá en Irán.
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personaje ficticio pero inspirado en hechos
reales–, asesinado en extrañas circunstancias
en Ginebra.45
Conoceremos la vida y obra de Cyrus Yazdani -además de la de
Zoroastro-, de la mano de su familia y amigos.
A través del juicio, en el que se ponen sobre la
mesa algunos de los aspectos que rodearon la
vida de Cyrus, Wild se valdrá de los tres
preceptos principales del zoroastrismo
(buenos pensamientos, buenas palabras y
buenas acciones, que sirven en cierto modo
como leitmotiv argumentales) para dividir
formalmente un volumen en el que reduce la
carga satírica y burlona de Kabul Disco para
dar paso a un tono crítico que por velado y
elegante podría pasar incluso desapercibido.
Refinando asimismo su trazo y estilo
narrativo con respecto a su obra interior,
Wild se sirve de su propia inmersión en el
zoroastrismo –como posiblemente suceda a
muchos de los lectores, al principio de la
novela el autor desconoce todo sobre esta
religión– para narrar al lector algunos
elementos sobre una de las religiones más
antiguas del planeta.
Con más dos millones y medio de fieles
distribuidos entre la India, donde son
conocidos como parsis e iranis,46 Irán y las
comunidade
s
en
la
diáspora, el
zoroastrism
o fue la
religión
oficial
de
Persia hasta
la caída del
Imperio
Sasánida, en
cuyos
territorios
pervivió
a
pesar de la El elegante faravahar, símbolo zoroástrico,
aparece de manera repetida en la novela.
adopción
oficial del Islam, y de las muchas vejaciones y
persecuciones que sus fieles han ido sufriendo
a lo largo de los siglos.47 Aunque muchas de
Se conoce como parsis a los zoroástricos que
llegaron en una primera oleada desde la Persia
Safávida, mientras los que llegaron como resultado de
las persecuciones de los siglos XIX y XX son
conocimos como iranis.
47 La persecución contra los zoroástricos ha tenido
lugar en varias oleadas a lo largo de la Historia, y vino
de la mano de diferentes religiones, pero fue
especialmente drástica en tres momentos históricos:
durante la Persia Safávida -periodo en el cual una parte
importante de zoroástricos se estableció en la India,
siendo el de los parsis un sector que alcanzaría gran
importancia posteriormente gracias a su colaboración
con el incipiente dominio colonial inglés-, durante el
final del periodo Qajar (especialmente cruento), y tras
la proclamación de la República Islámica de Irán, a
pesar de que fueron reconocidos como una de las
religiones permitidas por el nuevo régimen. De entre
las numerosas vejaciones sufridas durante el régimen
46
La historia está parcialmente inspirada por los
asesinatos en extrañas circunstancias de varios
miembros importantes de la disidencia iraní -todos
zoroástricos- que han tenido lugar durante los últimos
años en Europa. En particular, toma como base real la
muerte de Kasra Vafadari, un profesor de la
Universidad de Nanterre que en 2006 fue apuñalado
en su domicilio parisino por un refugiado iraní. Otros
asesinatos célebres son el de Feleli, también en 2006
en España, y el del millonario Manouchehr Farhangi
Farhangi, que tuvo lugar en 2008 en La Moraleja, y del
que finalmente se eliminó cualquier carga política.
Para leer más sobre las similitudes entre las vidas de
Yazdani y Vafadari, véase Poly, Jean-Pierre, “Les
rencontres Kasra Vafadari”, Droit et cultures, vol. 52,
nº 2, 2006, disponible aquí. La prensa de varios países
se hizo eco de estas muertes: sobre ellas puede
leerse aquí, o aquí.
45
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sus prácticas han sido prohibidas, tal y como
se nos recuerda en la novela, muchos otros de
sus rituales, como el Año Nuevo o Nouruz,
permanecen fielmente implantados en una de
las sociedades islámicas más conservadoras
del mundo, tal como es la República Islámica
de Irán.
El pintoresco grupo protagonista.
Qajar podemos destacar la aplicación de numerosas
leyes que limitaban sus derechos. La comunidad
zoroástrica era considerada impura e intocable: no se
les atendía en muchos negocios y tenían prohibido
acceder a determinadas profesiones; durante los días
de lluvia no se les permitía llevar paraguas o aparecer
en público, puesto que la lluvia que luego habrían de
pisar los musulmanes habría tocado sus cuerpos.
Tampoco se les permitía montar a caballo, construir
casas nuevas o reparar las suyas con muros más altos
que las de los musulmanes, portar ropa nueva o
blanca, además de llevar gafas, abrigos largos,
pantalones, sombrero, botas, calcetines, relojes o
anillos.
Asimismo,
tenían
prohibido
ocupar
determinados puestos de trabajo. Muchos de ellos eran
perseguidos y amenazados, golpeados, y las muertes de
zoroástricos raramente recibían justicia; a menudo
eran obligados a convertirse y muchas jóvenes eran
secuestradas y obligadas a casarse con musulmanes. Al
respecto, son famosas las masacres de Boarzjan y
Turkabad. Para favorecer la conversión al Islam,
existía una ley -que afectaba también a otras minoríasen la que si un miembro de una familia no musulmana
se convertía al Islam, se convertía en el único heredero
de la misma. Además, estaban sujetos a un impuesto
especial conocido como jizya, que se pagaba en una
ceremonia especialmente humillante, y cuyo pago
impuntual se castigaba, además de con el común
maltrato físico, la quema de libros y de elementos
sagrados. Este impuesto hizo que muchos zoroástricos
se convirtieran al Islam pero siguieran profesando su
fe.
Deseando seducir a la bella Sophia Yazdani,
pero también falto de adrenalina en la
calmada Europa, Wild se embarca junto a un
grupo de casi completos desconocidos en un
viaje por Irán, que tendrá como propósito
celebrar el cumpleaños póstumo del
contestatario y burlón Cyrus, así como a la
inauguración del Centro Cultural Zoroástrico
de Yazd –ciudad principal de esta religión en
el país–, una gran obra social que este dejó
inconclusa tras su repentino asesinato.
Mientras que Wild, Sophia y su grupo se
adentran en el país, irán conociendo las
costumbres de la comunidad zoroástrica, así
como la ajetreada vida del difunto profesor
Yazdani: estudiante del MIT, manifestante
perseguido y conferenciante estrella en
Occidente, habría sido uno de los
representantes clave del zoroastrismo, tanto
dentro como fuera de Irán. Amante de las
artes y filántropo por naturaleza, fundó en
Ginebra una residencia de artistas, en la que
una muerte violenta le sobrevendría un año
antes de los hechos que se narran en el libro.
Viñetas de la novela.
A pesar de lo aparentemente polémico y
reivindicativo del tema elegido -no podemos
dejar de apreciar una aparente simpatía por el
zoroastrismo dentro de la disidencia iraní al
régimen oficial, tal como se explica en la
novela o como se percibe en obras tan
populares como Persépolis48-, Wild optar por
huir, de manera general, del tema político En la novela gráfica de Marjane Satrapi, la autora
narra cómo de niña quería regirse por los principios
del zoroastrismo.
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constituyendo en este sentido un soplo de aire
fresco en cuanto a las narrativas de la
resistencia-, aunque la obra incluye
numerosas referencias a cuestiones sociales,
como el doble rasero del gobierno iraní
relativo al consumo de opio, o la baja
consideración social de los afganos entre los
iraníes. No obstante, el autor tiene el buen
gusto de mantener la incógnita en cuanto a
los verdaderos motivos del asesinato de
Cyrus, y se cuida muy bien de no dotar al
mismo de carga política: si es su religión, su
disidencia política o su estatus económico más allá de la posible casualidad- un factor
determinante en las muerte del mismo queda
a juicio del lector. Wild prefiere alejarse
cautamente de la polémica para centrarse en
la vida y obra de su ficticio Cyrus Yazdani
mediante un nietzscheano título que no se
llega a entender hasta el final.
Wild, como la Sophia de su obra, no busca
enemigos, sino que mediante sus elegantes y
melancólicas líneas parece llamar a la
cordura, intentando hacer universal un relato
sobre la libertad y la justicia (más que sobre
poder o religión), que tal y como aparecen en
el célebre cilindro de Ciro -pieza a la que se
alude de manera
repetida
en la
obra- no están tan
presentes
como
deberían
en
nuestra sociedad.
En definitiva, nos
encontramos ante
un
libro
tan
instructivo como
sobrio, en el que
las dosis justas de
humor aligeran la
enorme,
aunque
nada doctrinaria,
carga humanística.
Dotándola de un
sentimiento
de
tristeza y misterio, El cilindro de Ciro, célebre pieza
Wild presenta una arqueológica, jugará un curioso y
metafórico papel en la obra.
obra elegante en la
que demuestra que no solo es un aventurero y
un cínico envidiable, sino que sabe valerse de
estas características para convertirse en un
artista y divulgador digno de admirar.
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Lo que los volantes esconden.
Lolita, imagen y success story
Por María Gutiérrez
El Lolita49 es un movimiento que, a pesar de
su procedencia japonesa, ha superado todo
tipo de fronteras. Podemos encontrar tanto
chicos como chicas alrededor de todo el
mundo que disfrutan con cada detalle
presente en sus vestidos, y se sienten
cómodos llevando conjuntos que van desde
los tonos más claros al riguroso negro. Sin
embargo en la actualidad ¿podemos asegurar
con certeza que este movimiento sigue
siendo el mismo que en sus orígenes?
Mediante el presente artículo queremos
aproximar
al
lector
al
panorama
contemporáneo del Lolita, incidiendo en
determinados aspectos que no han hecho
sino suponer una serie de rupturas con su
origen.
Como ya hemos comentado en entregas
anteriores, el Lolita surge en Japón en torno
a los años 70 del siglo pasado. Su concepción
original nos traslada al espíritu de ruptura y
rebeldía por parte de las jóvenes mujeres del
momento que buscaban acabar con el rol
impuesto por la sociedad, por el que
Una subcultura que surge en Japón en torno a la
década de los años 70 del siglo pasado durante un
momento de inestabilidad económica y malestar social
y cultural. Las generaciones más jóvenes decidieron
reaccionar ante lo establecido y considerado como
apropiado, así como ante la crítica situación que
atravesaba el país, surgiendo movimientos como es el
caso que nos ocupa. El Lolita se caracteriza por una
forma de vestir inspirada en épocas pasadas, como es
el caso del Rococó francés y la época victoriana,
concretamente en aquellos atuendos propios de las
clases más elevadas, sin dejar de lado elementos
contemporáneos propios de la cultura popular
japonesa.
49
Novala Takemoto ataviado como Lolita. En el momento
en el que empezó a reivindicar este movimiento, pasó a
convertirse en una imagen más, propia de las marcas,
posando en diversas revistas. Si bien, con el paso del
tiempo, se ha desentendido de las mismas, continuando
su labor como escritor.
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quedaban relegadas a cumplir su papel como
perfectas esposas y madres sacrificadas. Para
ello, a modo de protesta, decidieron cambiar
su forma de vestir, dando lugar a un nuevo
estilo llamativo y absolutamente diferente a lo
que se podía considerar como “correcto” o
“apropiado”: prendas inspiradas por épocas
pasadas como son el Rococó o la época
victoriana, sin dejar de lado la cultura pop
nipona; así, podemos encontrar conjuntos
caracterizados por faldas de vuelo, mangas
abullonadas y delicados zapatos. Ligados al
movimiento, autores como es el caso de
Novala Takemoto, hicieron partícipe al Lolita
en sus obras, dando lugar a toda una serie de
poesías y textos que aglutinaban entre sus
líneas los aspectos más significativos del
movimiento: la apreciación de los pequeños
detalles, el convertir la cotidianeidad en arte,
y, por supuesto, la rebeldía implícita en todos
estos actos. Igualmente, destacan otras
figuras de importancia como Mana, creador
de la marca Moi-même-moitiè y parte del
grupo musical Moi Dix Mois, que junto con el
autor mencionado, transgredió las fronteras
propias del género adoptando una forma de
vestir
propia
del
sexo
femenino,
reivindicando la libertad implícita en el
Lolita.
Sin embargo, a pesar de todo lo mencionado
anteriormente, podemos afirmar sin ninguna
duda que el papel y concepción del Lolita ha
cambiado bastante. Evidentemente, una de
las primeras variaciones viene de la mano de
los cambios en el estilo y la moda, y ahí es
donde entran en juego las diversas marcas
que presentes en nuestros días, es el caso de
la icónica Baby, the stars shine bright, o Moi
Même Moitié, o Innocent World, por
nombrar algunos ejemplos. Estas firmas
marcan tendencia, dictan lo que está de
moda, los cortes de las prendas o incluso el
carácter de los estampados. Si bien, también
podemos encontrar otras vertientes, como
Misako Aoki con un conjunto de la marca Baby, the stars shine
bright, acompañada, además, por la mascota propia de la marca
a modo de complemento.
creadores independientes que dan a conocer
nuevos modelos llenos de frescura y
originalidad, o toda una serie de personas que
disfrutan diseñando sus propias prendas a su
gusto y medida -ya que también hemos de
tener en cuenta que las marcas japonesas
cuentan con tallas limitadas, en la mayoría de
los casos, que a día de hoy se están ampliando
gracias a la atención por parte del público
occidental-.
Por otro lado, son muchas más las personas
interesadas en la difusión y conocimiento de
este movimiento en distintos países. Este es el
caso de las llamadas Embajadoras Kawaii,
responsables de dar a conocer las distintas
subculturas y estilos presentes en las calles de
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Japón, de las cuales, no podemos dejar de
destacar a la que se ha convertido en la actual
presidenta de la Japan Lolita Association, la
modelo Misako Aoki, todo un referente -tanto
físicamente, atendiendo a su apariencia y
estilo como por su forma de comportarse,
gestos y modales- en el Lolita.
demandas por parte del consumidor,
atendiendo a las necesidades de lolitas que
gustan de un estilo más sweet (dulce, de
tonos claros) y otras más gothic (gótico,
colores oscuros principalmente).
La difusión de este movimiento -o moda, ya
que en este caso nos estamos limitando a la
Tanto los diferentes vestidos producidos por
vertiente más visual- se produce a través de
las diversas marcas como la presencia de este
publicaciones especializadas, revistas como
tipo de figuras sobresalientes en el panorama
la Gothic Lolita Bible, que se centran en
de la cultura popular
mostrar
las
japonesa, han dado
novedades
por
lugar
a
todo
un
parte
de
las
fenómeno que no deja
marcas, eventos,
de ser sino una mera
modelos
imagen de marca. Para
aderezadas
con
hablar de esto, nos
conjuntos
centraremos en el caso
recargados
que
concreto encarnado en
sugieren a los
la imagen de la marca
lectores el modo
Baby, the stars shine
correcto
de
bright
representada,
combinar
sus
sobre todo, por la ya
prendas, o el caso
mencionada
Misako
de
tutoriales
Aoki.
detallados
para
poder
conseguir
Se podría decir que esta
un
aspecto
y
firma es una de las más
maquillaje
que
punteras en el mercado Ejemplo de uno de los prints propios de la marca Baby, the stars shine emule a estos
a
día
de
hoy, bright en el que podemos apreciar tanto su nombre completo como la ídolos.
mascota que hemos mencionado anteriormente, además de otros
caracterizada
por
personajes que componen el imaginario de esta marca.
vestidos de tonos pastel
Los vestidos son
y estampados dulces en la mayoría de los
otro componente a tener en cuenta en esta
casos. Baby, aporta una imagen más cercana
difusión. En la mayoría de los casos, estas
a la infancia que a la madurez, digna de un
prendas cuentan con un estampado concreto
cuento de hadas, todo ello encarnado en la
al que se dota con un nombre que permita
figura de Misako, una mujer de rasgos
diferenciarlo del resto y que dará nombre al
aniñados, piel pálida y suave, de baja estatura
modelo en sí (por ejemplo, en el caso de la
y con el pelo largo y cortado con flequillo
marca que nos ocupa tenemos nombres como
recto. Igualmente, esta firma cuenta con una
Rose Candle, Creamy Soda o Marie
segunda marca llamada Alice and the pirates,
Antoinette, que abarcan tanto al vestido como
que ofrece un surtido de prendas más
a los accesorios, conformando una pequeña
oscuras, menos infantiles en este caso. De
colección que da como resultado un conjunto
este modo, cubren la mayor parte de las
completo). Estos estampados, conocidos con
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el nombre de prints, se disponen en la parte
inferior de la falda y en todos ellos
encontraremos una referencia a la marca, ya
sea el nombre completo de la misma, su logo,
una sola palabra o incluso un personaje como
es el caso de Kuma Kumya-chan, mascota
de Baby. Así, una prenda puede convertirse
en un medio publicitario en sí mismo.
Otro elemento del que se favorecen las
distintas marcas para llevar a una mayor
difusión, son las colaboraciones, ya sea con
diseñadores, dibujantes, otras firmas, o con
objetos que no tienen nada que ver con la
indumentaria, como es el caso de las
de la modelo correspondiente, y ataviada con
un pomposo vestido diseñado por la propia
Misako en colaboración, a su vez, con Baby,
the stars shine bright, de modo que el vestido
está repleto de referencias a la firma, de tal
modo que su nombre sirve como estampado,
y el logo, como un adorno para el pelo.
Mediante este tipo de colaboraciones el
espectro de público aumenta: se despierta el
interés por el Lolita -de nuevo, en un sentido
absolutamente visual- en los consumidores de
muñecas, mientras que a las lolitas se les da
un objeto de su gusto.
A modo de resumen, podemos afirmar, sin
lugar a dudas, que firmas como las que hemos
mencionado a lo largo del artículo han
conseguido
que
su
producto
quede
completamente disuelto en la marca. Como
Lolita consumidora de brand (de marcas), no
llevas un vestido cualquiera, llevas un Baby, o
un Angelic Pretty. Gracias a la publicidad
obtenida a través de sus modelos y de las
publicaciones
consiguen
vender
al
consumidor toda una succes story: si
compras estas prendas y sigues las
instrucciones que ponemos a tu alcance
(diversos tutoriales), serás igual de guapa que
las chicas que aparecen en los anuncios, te
sentirás bien contigo misma y, en
consecuencia, serás feliz.
Pero ¿realmente es así?
Pullip Misako Aoki con el correspondiente vestido diseñado por
ella misma y perteneciente a la colección de Baby.
muñecas. En enero del pasado año 2014 salió
al mercado la Pullip Misako Aoki, una
muñeca caracterizada a imagen y semejanza
Hemos de considerar otras vertientes del
movimiento estrechamente relacionadas con
las firmas y marcas, como el desprecio
existente -casos concretos, no nos referimos a
un comportamiento general- hacia personas
que no pueden desembolsar importantes
sumas de dinero en prendas, o a toda una
serie de afirmaciones por parte de figuras
como Misako Aoki, que opta por ofrecer un
conjunto de normas de comportamiento
aptas y prácticamente obligatorias para las
lolitas, que en ocasiones pueden llegar a ser
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creídas a pies juntillas a pesar de lo erróneo
de las mismas. En resumidas cuentas,
podemos hablar de un corsé que limita el
Lolita “canónico” a lo que Misako Aoki estrechamente relacionada con Baby, the
stars shine bright- dice que es correcto y
apropiado para serlo.
No podemos terminar sin llevar a cabo una
última reflexión que nos remite de nuevo a los
orígenes que hemos mencionado al principio
de este texto, y lanzamos una pregunta al
lector: Lo que empezó como un movimiento
en favor de la libertad por parte de la mujer,
¿en qué se está convirtiendo?
Para saber más:
-
Canal de YouTube Deer Stalker
Pictures.
-
Canal de
Pateen.
-
FORBIDDEN BEHAVIORS in
Kawaii Lolita Fashion by
Japanese model Misako Aoki
(video de Kawaii Pateen).
Youtube
Kawaii
Desde el canal de Deer Stalker Pictures se llevó a cabo una parodia de la película Chicas Malas (2004) bajo el título Mean
Lolitas que pone de relieve de forma cómica la situación que hemos comentado a lo largo del texto: el dominio de las marcas y
la superioridad de aquél que las lleva.
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Unas palabras con Fernando García
Gutiérrez
Por Staff de Ecos de Asia
Fernando
García
Gutiérrez (Jerez de la
Frontera, 1928) es
uno de los mayores
expertos
y
responsables
del
estudio y difusión del
arte
japonés
en
España. Se licenció
en Filosofía y Letras
con especialidad en
Estética
en
la
Universidad
de
Barcelona,
para
después entrar a
formar parte de la
Compañía de Jesús.
Mientras estudiaba Filosofía en Madrid pidió
a sus superiores el ir destinado a Japón,
movido por el ejemplo de Francisco Javier,
por el que sentía una profunda admiración.
Llegó al archipiélago en 1956, donde cursó
dos años de lengua y cultura de Japón en el
centro de Cultura Japonesa de la Compañía
de Jesús en Kanagawa, tras los cuales
impartió durante un año la asignatura de arte
español en la Universidad de Sofía.
Posteriormente estudió en la Facultad de
Teología de dicha universidad, formación que
le permitió obtener la ordenación sacerdotal.
Mientras cursaba sus estudios de Teología, se
le propuso que realizase estudios especiales
de arte oriental con el fin de impartir tal
materia en la Universidad de Sofía, para la
cual realizó los estudios equivalentes a una
licenciatura de arte Oriental en la Facultad de
Culturas Comparadas en el mencionado
centro universitario.
Don Fernando García Gutiérrez (izquierda) junto al doctor David
Almazán (derecha), que sostiene el nuevo libro de la eminencia
andaluza.
Terminados estos estudios comenzó una larga
y fructífera carrera docente, tanto en Japón
como en España.50 Más adelante sería
nombrado
Delegado
Diocesano
del
Patrimonio Histórico-Artístico de Sevilla,
responsabilidad que ha compaginado junto
con la de profesor invitado y conferenciante
en numerosas universidades europeas y
americanas, organizador de actividades
culturales, además de ser comisario de cinco
En Japón fue profesor de arte oriental y arte español
en la Universidad de Sofía hasta 1970, momento en el
que se le encomendó que viajase a España para
encargarse de la oficina de conexión en Sevilla con la
Misión de Japón. En la península fue profesor, durante
cinco cursos, de la asignatura Arte Extremo Oriental de
la Licenciatura de Historia del Arte en la Universidad
de Sevilla.
50
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
exposiciones.51 Compatibilizó esta amplia
actividad docente con la publicación de
numerosos trabajos de investigación y de
síntesis, auténticos hitos historiográficos en el
estudio del Arte Japonés en España, pues en
el momento se trataba prácticamente de los
únicos referentes sobre la materia en
castellano. Su obra más famosa es El Arte de
Japón,52 dentro de la colección Summa Artis,
un auténtico manual y obra de conjunto, que
realizó mientras era profesor en la
Universidad de Sofía. García Gutiérrez ha
escrito otras muchas de carácter más
específico, publicadas en prestigiosas revistas
y editoriales.53 En la actualidad, ocupa los
cargos de Académico Numerario de la Real
Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de
Hungría
de
Sevilla
y
Académico
Correspondiente de la de Bellas Artes de
Cádiz; además, debido su dilatada trayectoria
entregada a estudiar y dar a conocer el arte
japonés, en 1993 le fue concedida por el
Emperador de Japón la cruz de la Orden del
Tesoro Sagrado, con distintivo de Rayos
Dorados y Rosetas, uno de los máximos
galardones entregados por el gobierno
japonés. Con motivo de la publicación de su
último trabajo, Panorama del Arte Actual
Cristiano en India, China y Japón,
Entre ellas, destaca Momoyama: la Edad de Oro del
Arte Japonés, celebrada en Madrid entre noviembre de
1994 y febrero de 1995.
52 García Gutiérrez, F., El Arte de Japón, col. Summa
Artis, Historia General del Arte, tomo XXI, Madrid,
Espasa Calpe, 1967.
53 Por ejemplo, resaltaremos las dedicadas a las
influencias entre Japón y Occidente, tanto la del arte
occidental en el arte japonés que ocasionó el arte
Namban durante el periodo Momoyama, como la
influencia del arte japonés en el occidental durante la
Edad Contemporánea. También ha sido objeto de su
estudio la Escuela Rimpa y el arte vinculado al Zen,
siendo Sesshû uno de sus artistas favoritos. Del mismo
modo, la arquitectura contemporánea junto con el
arte del jardín ocupan un lugar preeminente en su
producción. Para más información, tanto biográfica
como sobre sus obras, véase Barlés Báguena, Elena,
“Luces y Sombras en la Historiografía del Arte Japonés
en España”, Artigrama, n.18, 2003, pp. 60-64.
51
desde Ecos de Asia tuvimos la oportunidad de
entrevistarle y ser testigos de su afabilidad,
sencillez y cercanía.
Ecos de Asia: Cuéntenos cómo empezó
usted en el estudio del arte japonés y de
la cultura japonesa.
Fernando García Gutiérrez: Yo estaba en
Japón. Iba destinado a Japón para enseñar
arte occidental, pero al llegar allí, el profesor
de arte oriental en la Universidad Sofía -que
es la universidad que tenemos los jesuitas en
Tokio-, enfermó. Entonces, me dijeron que si
no querría yo estudiar una carrera de arte
oriental -claro, porque yo no sabía nada-, y a
mí me encantó aquella idea. Estudié tres o
cuatro años, empecé a darla en unos cursos
nocturnos que se daban allí. Empecé
estudiando arte japonés, pero me di cuenta
enseguida que era imposible saber arte
japonés sin saber arte chino, y a su vez, sin
saber antes arte indio, porque yo, sobre todo,
quería la parte del Budismo… Como el
Budismo empezó en India, vino de India a
China y de China a Japón pasando por
Corea… [eso] me hizo estudiar arte indio, arte
chino y arte japonés. Esto hizo que cada vez
estuviera profundizando más, y así estuve
durante años, en Japón enseñando esto. Esto
lo hice a la vez que estudiaba teología -yo
estudié teología en Japón-, y después ya
estuve enseñando en la misma Universidad
de Sofía de Tokio. Eso fue en el momento en
el que hubo la necesidad de que uno
presentara, o mejor dicho, escribiera el tomo
XXI del Summa Artis, que yo no sabía que era
[para] tanto… Era el libro de historia del arte
que todos los historiadores del arte tienen que
tener.
EdA: Sí, sí, es una institución, la
referencia.
G. G.: La referencia, sí. Me dijeron: ¿usted se
animaría? Y dije: ah, yo sí. Tardé dos años en
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
escribirlo porque seguía dando clase. Salió la
primera edición en 1967, la última vez que lo
vi fue en 1999, porque yo vendí los derechos,
y ya ellos van sacando y no me dicen a mí
nada. En 1999 iba por la novena edición,
porque es una cosa completa. Ahora ya hay
más libros sobre Japón, pero [no] cuando yo
vine aquí, hace 40 años. Después estuve
enseñando en la Universidad de Sevilla,
varios semestres durante años, y yo hice
comprar un gran número de esos tomos para
involucrarse en el ambiente de estudio
del arte japonés de la Universidad de
Zaragoza?
G. G.: Recuerdo la primera vez que vine a
Zaragoza, fue el año1970 o 1971, porque don
Federico Torralba -eso lo digo yo en la
introducción cuando os dedico el libro a todos
los que aquí estudiáis arte japonés- organizó
una conferencia sobre arte de Japón. Yo di
tres, pero me acuerdo de nada más que una;
el título era “El paisaje en el arte oriental”,
[sobre]
todas
las
diferencias que había entre
el de China y el de Japón.
Entonces, eso me hizo
hacerme muy amigo de
don Federico, hasta el final
yo le decía que yo era el
continuador y él decía: ¿El
continuador? ¡Usted es mi
maestro! -me decía el
pobre. Eso fue lo que hizo
que yo conociera a Elena
[Barlés]
y
a
David
[Almazán], cuando yo ya
llevaba
varios
años
viniendo aquí, aunque no
habían empezado estas
jornadas así instituidas. Esto empezó más
tarde, y bueno… de hecho, creo que este año
será el año 16.
Los profesores Almazán, García Gutiérrez y Barlés frente a la Basílica de El Pilar de Zaragoza,
durante la I Semana Cultural Japonesa (1999).
que sirvieran de introducción. Ese fue el
comienzo de mis estudios y, cuando uno
empieza, no tiene más remedio que seguir
ampliando más. Además, una de mis manías,
que yo creo que es buena, es escribir, y he
escrito muchísimo… Por eso, creo, que las
personas que estudian arte aquí en España se
ayudan bastante con los libros míos.
EdA: Efectivamente, es una verdadera
institución, por eso aquí conocemos
perfectamente sus publicaciones, ya
que Elena Barlés (profesora de arte
japonés de la Universidad de Zaragoza)
nos las presentó desde el primer
momento. ¿Cómo comenzó usted a
EdA: Mmm… ¿14 ó 16? No estamos
seguros…
(Interviene David Almazán): Es que algunas
ediciones han coincidido con el Congreso de
Estudios Japoneses en España y con el Foro
Español de Investigación en Asia-Pacífico y
entonces…
G. G.: Yo creo que es la 16 vez que yo tengo
esto aquí, y aún no he faltado a ninguna,
porque además vengo con mucho gusto,
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
algunas veces doble. Este año dos veces,
porque tuve la de la exposición de teatro hace
cuatro meses, en diciembre. Enseguida que
me invitan, vengo, porque me encanta,
porque veo que aquí es donde hay más interés
-de lo que yo conozco de España-, por los
estudios del arte oriental, con una gran
diferencia, sobre todo desde que se consiguió
desde el Departamento de Historia de Arte,
que
[lo]
pusieran
como
asignatura
obligatoria… ¿eso sigue siendo todavía así?
EdA: Sí, efectivamente.
G. G.: Es una ventaja enorme, porque es que
si no, en la mayor parte de España se ignora
el arte de miles y millones y millones de
personas, como si esa cultura no tuviera nada
que dar. Eso me impresionó tanto que yo
tenía interés en dedicarles algún libro, y este
se me ocurrió, que como era el último,
dedicárselo.
EdA: ¿Qué diferencias existen con
respecto a cuando usted empezó a
involucrarse en el estudio y la difusión
del arte y patrimonio japonés -y
oriental de manera más general-?
Parece que ahora que ha cambiado
todo, ¿verdad?
G. G.: Yo noto, por las conferencias que doy,
que ahora hay muchas más gente que estudia
y sabe arte. Quizás no tanto como aquí,
porque por ejemplo yo no creo que haya
tantos doctorandos en alguna parte fuera de
aquí, – que yo conozca- en España. ¿eh? No
sé en Barcelona, porque ahí…
EdA: En Salamanca, en Salamanca.
G. G.: Ah, en Salamanca también hay. De
cultura sí, porque yo di una semana de arte
japonés en Salamanca, recuerdo que había un
centro. Yo veo que esto ha ido cambiando,
noto que hoy día mucha gente te sigue más
que antes. Yo procuraba, sobre todo al
principio, no decir ningún nombre, porque
los nombres les parecían los mismos. Y ahora
ya veo que no, que cuando se dicen nombres,
por lo menos algunos muy importantes, ya te
siguen. Con lo cual se ve que es que el estudio
este se está haciendo menos extraño, por lo
menos.
EdA: Ahora hay mucha gente que se
introduce en al arte japonés por
el anime, por el manga, el cine
japonés… ¿y antes como se conseguía
captar la atención?
G. G.: Pues mira, no había nada de eso, esto
era un modo milagroso. Fue el ukiyo-e, o sea,
los grabados, lo primero que se conoció en
España. En Europa los impresionistas
tuvieron que acercarse a ese arte porque el
realismo suyo había llegado a tal grado que ya
no había nada que hacer. Entonces, los
impresionistas, que eran una escuela que
empezaba con mucho ánimo, encontraron
grabados y [dijeron] “¡toma! aquí está lo que
nosotros buscamos”. Esto fue después de la
apertura de Japón a Occidente, con el siglo
XIX bastante avanzado, y gracias a ellos
empezó el conocimiento, claro, pero vamos,
de un modo como muy superficial.
Ahora hay muchísimo más interés del que
había hace 20 años, y hay más gente. Y, por
ejemplo, si uno pone una exposición -yo he
puesto varias en varias ciudades-, de arte
japonés, el interés que despertaba era
enorme. En la Universidad de Sevilla, donde
no hay arte oriental, creo que durante 6 años,
yo era profesor invitado de una serie de
asignaturas opcionales. La última vez tuve a
242 [matriculados] en el curso de arte
japonés. Eso acabó conmigo porque cuando
me jubilé no había quien enseñase, ni quien
supiera; habría alguno pero como tampoco
hay dotación allí para eso…
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
EdA: Usted empezó con el estudio del
arte japonés clásico, pero ahora ha
publicado un libro de arte cristiano
oriental contemporáneo.
G. G.: Trato la pintura moderna y la pintura
contemporánea. Esto es un tema muy
concreto: el arte cristiano, católico y
protestante -cristiano en general, porque
varias de las iglesias que vienen son
protestantes-. Hay alguna cosa enteramente
abstracta. El arte abstracto hay que tratarlo
aparte porque a ellos era algo que les
resultaba connatural, porque desde siglos
muy pasados el arte abstracto es una cosa
propia de ellos. En una casa de té de Katsura,
salen unos dibujos hechos en la pared que son
enteramente como de Mondrian: cuadrados
azules y blancos. Por eso el arte abstracto allí
encajó perfectamente, porque ya ellos lo
tenían.
Esto54 es la venida del Espíritu Santo. Es un
autor muy unido a la caligrafía. La caligrafía
en Japón es un arte igual que la pintura. Para
mí ha sido importantísima esta pintura . La
conservaba para publicarla y ha llegado el
momento, como lo más moderno que se
puede publicar en algo abstracto, pero que
indica la fuerza de lo que quiere significar.
Creo que [traté el contemporáneo] desde el
principio. Yo fui muy amigo de José Camón
Aznar, profesor de aquí [la Universidad de
Zaragoza], que entonces era el director de
laRevista Goya, de la fundación Lázaro
Galdiano, que también tiene un museo
magnífico. Él me hizo corresponsal de
la Revista Goya en Japón, en Tokio, y yo
tenía que ir todas las semanas a ver las
exposiciones que había, para mandar cada
Señala a una obra de Ishii Shigeo, La Bajada del
Espíritu Santo. La misma puede verse en García
Gutiérrez, F. Panorama del arte actual cristiano en
India, China y Japón. Sevilla, Compañía de Jesús,
2015, p. 81.
54
mes una relación o informe de lo que iba
viendo. Allá mucho era contemporáneo, otras
cosas eran clásicas… había de todo. Por tanto,
mi interés por la cosa actual fue a la vez. No
podemos decir que yo empezara con el clásico
y lo demás no me importara.
EdA: ¿Y había mucho arte cristiano en
esas exposiciones?
G. G.: No, no, había poco. Lo poco que sale
está todo; no sé en India y China… En la
introducción digo que, naturalmente, de
Japón trato mucho más que de India y de
China por mi familiaridad con el arte japonés;
he estudiado arte indio y arte chino pero no
estoy tan familiarizado como con el arte
japonés. Pero supongo que esto es una buena
representación de esos dos artes también.
EdA: Además
hay
ejemplos
muy
diferentes y muy variopintos, además,
con muchos lenguajes diferentes desde
el más abstracto al más figurativo…
G. G.: Sí, sí, y algunos que son figurativos
pero muy modernos. ¿Habéis visto un pintor
que se llama Watanabe Sadao? A mí me
impresiona porque es un hombre que tiene
unas características muy propias, que apenas
ves una obra suya dices “este es Watanabe
Sadao”. Cuando algo que tiene fuerza, en
seguida dices “este sabe lo que está
haciendo”. Más que otros que lo que hacen es
copiar…
EdA: ¿Y cómo dio con estos artistas?
¿Fue a lo largo del tiempo, poco a poco
iban apareciendo… o fue una búsqueda
intensiva?
G. G.: Estando en Japón, mucho de este
material lo he tenido preparado desde
entonces, desde hace años. Pero claro, en
Japón, de todas las exposiciones salen
relaciones, informes en los periódicos, en las
revistas, quizás más que aquí porque allí el
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
arte significa mucho. Yo enseguida sabía
dónde estaban las exposiciones, e iba
conociendo. Incluso personalmente conocí a
algunos de estos pintores actuales -bueno,
alguno acaba de morir- e incluso algunos me
dedicaron obras suyas.
EdA: A usted también le debemos el
haber
organizado
la
exposición
Momoyama: la Edad de Oro del Arte
Japonés, que fue un hito en España.
mínimo; sabe muchísimo más que yo desde
luego. Dicen que ese gran escultor sevillano
que era Montañés, decía que su gloria era el
ser superado por el discípulo, que era Juan de
Mesa, que quizás fuera mejor todavía que
Montañés. Pues eso digo yo, que ellos me han
superado a mí, porque saben más que yo
ahora. Eso es muy importante porque
significa que esto sigue aunque uno ya no siga
aquí hay una estela larguísima.
G. G.: ¿Vosotros la visteis? Creo que fue en el
95, erais muy pequeños. Fue una cosa que
llamó la atención en Madrid. Fui el comisario
por parte del Gobierno Español, porque había
otro por parte del Gobierno japonés, pero nos
entendimos muy bien. Aquello fue grandioso,
porque además trajeron obras muy buenas.
Fue en el Palacio de Velázquez del Retiro, y
además el Ministerio se volcó, porque yo era
muy amigo del Director General de Arte y de
Cultura en el Ministerio y me ayudaba todo lo
posible. Aquello fue una cosa fantástica.
EdA: Y además de su labor académica y
de difusión, ¿continúa ejerciendo como
comisario de exposiciones?
G. G.: Acabo de ser comisario este año pasado
de una exposición en Bilbao.55 Yo soy muy
amigo del Director del Museo de Bellas Artes
de Bilbao, que es un gran museo. Este me
hizo comisario de una exposición, de una
colección que le dieron a él, [me dijo] “quiero
que me clasifiques esta colección”. Así lo hice,
pero además de estudiarla -dije- si te parece,
vamos a llamar a otros profesores: a la
profesora de Oviedo Yayoi Kawamura y a
David [Almazán] para los grabados. Porque
para mí, hoy día -ahora que no nos oye-, es el
que sabe más de grabados japoneses en
España, con una exactitud hasta lo más
La huida a Egipto (1978), Watanabe Sadao.
Por iniciar y preocuparse de que esta larga
estela siga cada vez más viva, así como por su
tiempo, sus palabras y por dedicar a todos los
estudiosos de arte oriental su tan especial
libro, le dedicamos a Fernando García
Gutiérrez
nuestro
más
que
sentido
agradecimiento, teniendo la esperanza de
volver a contar con su presencia entre
nuestras páginas en alguna futura ocasión.
Se refiere a la exposición Arte japonés y
japonismo del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Para
más información, véase este enlace.
55
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Crítica: A girl at my door (2014)
Por Laura Martínez
La película A girl at my
door56 es
el
primer
largometraje
de
la
directora surcoreana July
Jung, con la que debutó en
la
sección Un
Certain
Regard del famoso festival
de Cannes en 2014.
Sumamente aclamado por
crítica y público, el filme
acumula
premios
de
distintos
festivales
internacionales, como, por
ejemplo, el de Estocolmo,
donde se alzó con el
galardón al mejor debut
cinematográfico.
inexpresiva,
cuyo
bagaje
emocional
desconocemos en un
principio, aunque su
profundo calado se
deja notar desde el
inicio de la película,
sereno a la vez que
inquietante.
La
inspectora
Lee
llegará, huyendo de
sus errores pasados,
para sumergirse en la
vida de provincias que
le ofrece su nuevo
destino: un lugar
aparentemente
sencillo que esconde
los
más
oscuros
secretos
de
la
perversidad humana.
El
argumento,
en
apariencia sencillo, se
centra en la figura de la
inspectora Lee YoungCartel de A girl at my door (2014).
nam, quien llega a una
La película comienza
pequeña localidad pesquera procedente de
mostrándonos a una niña que juega en el
Seúl. Este papel está interpretado por la
arcén embarrado de una carretera, y vemos
delicada Doona Bae, a quién conocimos por
como la muchacha coge entre sus manos una
su camaleónico rol en la compleja película de
mariquita para dársela de comer a un sapo.
los hermanos Wachowski: El atlas de las
Este inicio, en apariencia tan bucólico, nos
nubes (2012), donde (entre otros personajes)
habla ya de la confrontación entre la
daba vida al clon Sonmi-451 en una Corea
inocencia y la maldad, y de la vulnerabilidad
postapocalíptica.
de la existencia evocada por la naturaleza.
Podría recordar así, aunque de manera
En un escenario mucho más próximo, Doona
mucho más sutil, el comienzo de la película
interpreta a una mujer fuerte aunque
estadounidense Blue Velvet (1986) de David
Lynch.
A girl at my door / Doheeya / Dohee-ya (2014).
País: Corea del Sur. Director: July Jung. Guión: July
Jung. Música: Jang Younggyu. Fotografía: Kim
Hyunseok. Reparto: Doona Bae, Hie-Jin Jang, SaeByeok Song, Sae-ron Kim, Seong-Kun Mun.
Productora: Now Films / Pine House Film.
56
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Entre
esos
secretos
ocultos y esa maldad que
subyace a la calma de
una
bella
localidad
costera,
encontramos
una
historia
de
alcoholismo y abusos a
menores, de violencia y
explotación
de
trabajadores ilegales. La
muchacha del inicio,
Seon
Do-hee
(interpretada por Kim
Sae-ron), se encuentra en el epicentro de este
inquietante drama con tintes de cine negro.
Víctima de abusos y abandonada por su
madre, buscará refugio junto a la nueva
inspectora, cuya actitud hacia la niña irá
evolucionando desde la frialdad hacia el
cariño a medida que ambas se abren a una
complicada relación de dependencia.
Doona Bae, en primer plano, sostiene la mirada al espectador.
La cuidada fotografía, de factura preciosista,
deviene en unos planos impecables de gran
quietud que, extrañamente, transmiten una
tensión casi perturbadora. Esta sensación se
agudiza en los primerísimos planos de Doona
Bae: centrados, estáticos, pero no por ello
menos inquietantes.
Las diversas incógnitas se van desvelando de
manera pausada a lo largo del metraje (quizás
demasiado extenso) sin llegar a alcanzar la
sensación de comprender por completo lo que
ha sucedido. Nuestros sentidos permanecen
obnubilados mientras nuestro corazón es
poco a poco desgarrado por la oscura
temática del filme. Pero no adelantemos
acontecimientos, atrévanse primero a abrirle
la puerta al cine coreano de calidad y miren a
los ojos a esa muchacha. Tal vez consigan
desvelar sus misterios.
Para saber más:
-
Crítica en Filmaffinity.
Dos imágenes de las protagonistas que atestiguan la maravillosa
fotografía del filme.
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Crítica: Rastros de sándalo (2014)
Por Ana Asión
Con la salida el 6 de mayo de 2015 del DVD
de Rastros de sándalo, llega por fin a formato
doméstico este sobrecogedor melodrama
dirigido por María Ripoll.57 En el mismo se
describe un viaje intercultural entre España e
India, Barcelona y Bombay, todo ello cargado
de amplias dosis de fraternidad entre
contextos tan lejanos y distintos. Es además
una historia de reencuentros y sentimientos
enfrentados, donde el amor entre dos
hermanas servirá para disipar todo tipo de
barreras.
El mismo a su vez se encuentra construido
exclusivamente por mujeres, tanto en el
aspecto creativo como en el técnico y
comercial. Entre otros galardones, este
largometraje ha merecido el Premio del
Público del Montreal World Film Festival
Directora catalana cuyo primer largometraje Lluvia
en los zapatos (1996) obtuvo el Premio del público en
el Festival de Sitges y en el Festival de Seattle. Además
fue nominada al Premio Goya como Mejor Directora
novel. Posteriormente dirigió Tortilla Soup (2001), y
en la actualidad prepara junto a Dani Rovira y María
Valverde el largometraje Ahora o nunca (2015).
57
(2014). Además ha sido la película inaugural
del Indian Film Festival The Hague (2014) y
la que clausuró el Most Festival de Vilafranca
del Penedès (2014).
Rastros de sándalo narra la historia de Mina
(Nandita Das), una joven actriz india de gran
éxito que busca a Sita (Aina Clotet), su
hermana pequeña. Ambas fueron separadas a
la fuerza tras morir su madre, y Mina nunca
ha podido olvidar a Sita. Treinta años más
tarde, tras rodar un largometraje sobre su
historia, Mina se entera de que Sita fue
adoptada y vive en Barcelona. Sin embargo,
cuando viaja a la ciudad condal, descubre que
ahora su hermana se llama Paula, es bióloga y
no sabe nada sobre su pasado. Tras el primer
encuentro entre ambas, ésta emprenderá un
viaje para averiguar quién es, cuáles son sus
orígenes y descubrir, en definitiva, su
verdadera identidad. Sin embargo no lo hará
sola, ya que en todo momento estará guiada
por Prakash (Naby Dakhli), un inmigrante
indio que trabaja vendiendo películas de
Bollywood en el barrio del Raval.
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / MAYO 2015
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Publicada ya como novela en 2007, la
productora y guionista de Rastros de
sándalo, Anna Soler-Pont, ya tenía en esos
instantes intención de convertirla en película.
La misma contiene una narración ágil y
dinámica desde la primera escena, atrapando
al espectador y haciéndole partícipe en todo
momento de los sentimientos y las dudas de
las protagonistas (sobre todo de Paula). Pese
a contar con unas interpretaciones correctas,
lo cierto es que en algunos instantes el
argumento resulta demasiado tradicional o
clásico, pues se basa en la separación y
consiguiente
reencuentro
entre
dos
hermanas.El tratamiento del mismo es
especialmente emotivo, rozando en ocasiones
el extremo, como ocurre en la escena en la
que Paula y Prakash se ponen a amasar pan,
realizando de este modo un claro homenaje a
la película Ghost (1990, Jerry Zucker).
En el largometraje se produce además un
fuerte contraste entre la gris y triste
Barcelona con la colorida y alegre Bombay. La
presencia de ambas ciudades es no obstante
desigual, puesto que la mayor parte del
largometraje tiene lugar en la primera de
ellas. En este caso María Ripoll hace un
magnífico recorrido por la urbe que la vio
nacer, plasmando delicadamente algunos de
los rincones más significativos de la misma,
como el barrio del Raval.
todas aquellas personas que quieran
descubrir en unas breves pinceladas y lejos de
los habituales estereotipos, las diferencias y
similitudes entre la cultura española y la
hindú.
Para saber más:
-
Tráiler Rastros de sándalo
-
Web oficial
-
Ficha en IMDb.
-
Ficha en Filmaffinity.
-
Ficha en Sensacine.
En todo caso Rastros de sándalo se convierte
en un film amable, muy recomendable para
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
¿Se puede descansar de ser un dios?
Por Carolina Plou
¿Qué pasaría si las figuras de
dos de las grandes religiones
se tomasen un descanso de la
divinidad y escogieran, por
ejemplo, Japón para pasar
unas vacaciones entre los
humanos?
posibilidad es hacer una
historia
paralela,
complementaria,
que
atraiga tanto al público
habitual de la serie como a
aquellos que no conocen la
publicación.
Pues esa es, precisamente, la
peculiar premisa de Las
vacaciones de Jesús y
Buda para
desarrollar
una sitcom desde un punto
de
vista
diferente
y
ligeramente naif, que tuvo su
origen
en
un
manga
(licenciado en España por
Norma Editorial) del que se
realizaron dos OVA58 y una
película. Es esta última la
que nos ocupa hoy, por su
reciente lanzamiento en
España en DVD y BluRay.
En Saint Oniisan (título
original de la franquicia) se
ha optado por una solución
a medio camino entre la
primera y la tercera,
recuperando
algunos gags de
los
primeros
tomos
del
manga,
haciendo
una
reinterpretación y a la vez
modificándolos
para
incrementar su comicidad
Portada del manga, en la edición española de Norma
con el traslado al lenguaje
Editorial (fuente: normaeditorial.com).
audiovisual. Del mismo
modo, se ha alterado el orden para construir
una historia algo más fluida, evitando que en
A la hora de realizar una adaptación de
pantalla se convierta en una serie
manga a anime, existen diversas formas de
de sketches encadenados.
Aunque
esa
plantearlo: una primera posibilidad puede ser
percepción existe, puesto que es inevitable
la adaptación literal, tomar las historias del
por la propia personalidad de la producción,
manga y trasladarlas al medio animado. Otra
se consigue un ritmo cinematográfico
opción puede ser la de establecer una
razonable y muy dinámico. Pese a que la
continuación o una precuela de la historia
película comienza con brusquedad, sin
publicada en papel, quedando el audiovisual
introducciones ni preámbulos que pongan en
supeditado al medio principal. La tercera
contexto, muy pronto consigue hacerse con la
complicidad del espectador e introducirle en
58 Siglas de Original Video Animation, denominación
una trama que se descubre como cotidiana.
tradicional de las producciones de anime lanzadas
directamente en vídeo, sin pasar por la gran pantalla.
En la actualidad, aunque las siglas han quedado un
tanto desfasadas por la aparición de nuevos formatos
de comercialización de audiovisuales, siguen
utilizándose para hacer referencia a los lanzamientos
de anime que no son estrenados en cine.
Su amabilidad durante buena parte del
metraje se verá repentinamente interrumpida
por una secuencia en la que a través del tema
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / MAYO 2015
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 16] Mayo de 2015
Jesús, fascinado por la celebración de la Navidad.
principal de la banda sonora se introduce un
giro de guion que altera por completo el tono
distendido en el que se había desarrollado
hasta el momento. A partir de aquí, y aunque
poco después recupera ese mismo tono, la
propia historia adquiere una mayor
profundidad y se vuelve más madura, más
trascendente.
La acción se sustenta en los dos
protagonistas: Jesús y Buda (Siddharta
Gautama), que se presentan con apariencia
humana
e
iconografía
próxima a las
tradicionales:
Jesús
con
la
corona de espinas
(algo que parece
pasar inadvertido
o que es percibido
de
manera
natural por todo
el mundo) y Buda con el característico
peinado.59 Aunque ambos actúan como
humanos, conservan rasgos de su divinidad:
El peinado en moño, protuberancia en la coronilla,
doble cráneo o Ushnisha es una parte fundamental de
la iconografía budista, un símbolo de meditación, de
vida espiritual concentrada y de sabiduría. Este
elemento adopta diversas formas dependiendo de los
lugares y cronologías de la imaginería budista. En
Gandara, China y Japón suele tener forma
hemiesférica, a modo de moño (tal como aparece en la
película y en el manga), sin embargo en otras regiones
presenta formas distintas: en Camboya toma forma
cónica y en Tailandia, puntiaguda.
59
Buda alcanza la iluminación y hace perceptible su divinidad.
Jesús, que posee una personalidad infantil y
algo caprichosa, comienza a sangrar por los
estigmas de su frente cada vez que ve un
deseo suyo frustrado o cada vez que el
sacrificio (entendido de manera cotidiana)
por tener una deferencia con Buda se vuelve
superior a sus fuerzas. Por otro lado, Buda es
más sereno, maduro y responsable, sin
embargo, cada vez que se maravilla con la
virtud humana o se emociona al ver un gesto
de bondad, comienza a relucir y a emitir un
antinatural brillo
que
deja
al
descubierto
su
naturaleza divina.
En estos defectos,
junto
al
descubrimiento de
lo cotidiano, se
fundamenta buena
parte
de
la
comicidad de la
película.
Podemos resumir Las vacaciones de Jesús y
Buda como una película amable, una comedia
de sonrisa más que de carcajada, que destila
ternura ante la mirada inocente de las dos
divinidades especialmente humanizadas que
se
adaptan
al
mundo
moderno,
desprendiendo una lección de vitalidad y
amor por lo cotidiano que de seguro dejará al
espectador con una plácida sensación al
terminar el visionado.
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Crítica literaria: En la ceniza
escribo, por Akutagawa Ryûnosuke
Por María Gutiérrez
Una de las premisas por
parte de la editorial Satori
es la difusión de la
literatura japonesa, desde
su
vertientes
más
contemporánea
hasta
obras elevadas como el
poemario que nos ocupa.
biografía
que
nos
aproxima a su obra.
Igualmente, destaca el
especial cuidado que
esta editorial pone en la
elaboración
de
las
portadas
para
esta
pequeña colección que,
mediante
un
breve
vistazo, dan una visión
de lo que encontraremos
en el interior.
La obra a la que nos
referimos
y
que
comentaremos
en
el
siguiente texto es En la
ceniza
escribo,
de
A modo de apunte e
Akutagawa
Ryûnosuke,
introducción, decir que
perteneciente a la colección
los haiku son género
deMaestros del Haiku. Con
característico japonés, se
anterioridad, hemos tenido
trata de poemas de tres
la oportunidad de reseñar
versos que siguen una
otros
ejemplares
estructura 5-7-5 sílabas.
pertenecientes
a
esta
La importancia de estas
preciosa colección de la
construcciones radica en
Edición publicada por la editorial Satori.
que no podemos dejar de
su
poder
evocador,
destacar el especial cuidado
siempre vinculado con la
tanto en la presentación como en la edición,
naturaleza, las estaciones y -muchas veces- el
donde aparece el poema tanto en japonés
ámbito de lo cotidiano, poniendo de relieve
como traducido al castellano, acompañado de
anécdotas que pueden pasar desapercibidas
un breve comentario que ayuda al lector a
para muchas personas, pero que el escritor de
crear una imagen preciosa de los que se nos
haiku recoge en estos breves poemas. En cada
cuenta en tres breves líneas. Pero antes de
uno de estos haiku podemos encontrar un
abordar la obra de este maestro, Fernando
término o palabra concreta que remite al
Rodríguez-Izquierdo -responsable de la
lector a una estación determinada, o incluso a
traducción y de los comentarios de cada uno
un momento del día.
de los poemas, tanto en la obra que nos ocupa
Akutagawa Ryûnosuke destaca por su faceta
como en el resto de los libros que pertenecen
como escritor, no podemos dejar de destacar,
a esta colección- nos habla de su labor como
uno de sus relatos más famosos, que escribió
escritor, además de aportar una breve
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entre los años 1919 y 1922, nos referimos
a Rashômon (que posteriormente, en el año
1950, será adaptada al cine por parte del
director Akira Kurosawa, pasando a
considerarse como una de las grandes obras
del cine japonés). En cuanto a su faceta como
poeta, Ryûnosuke cuenta con una producción
que ronda los 1200 haiku en total, de los que
se han seleccionado un total de 70 para este
ejemplar editado por Satori.
Los poemas por parte de este autor nos
hablan de una naturaleza grandiosa e
inabarcable, siempre en constante cambio y
movimiento, ya sea por la transición de una
estación a otra o bien por la presencia de
fenómenos meteorológicos como la lluvia o
los vendavales. Por otro lado, encontraremos
construcciones de carácter más personal e
intimista, donde se refiere a prácticas que él
mismo realiza, como un largo paseo, la
contemplación de la lumbre durante la noche
o el pecado que supone cortar una flor.
A modo de conclusión, una muestra de los
que veremos en la obra de Akutagawa
Ryûnosuke, el poema que da título a este
volumen, que versa acerca de la soledad, el
sentir individual y la lumbre del fuego con la
caída de la noche. 60
En la ceniza escribo
un nombre de mujer,
al calor del brasero.
Retrato de Akutagawa Ryûnosuke.
Ryûnosuke, Akutagawa, En la ceniza escribo. Gijón,
Satori, 2015. Pp. 52-53.
60
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La pureza del primer amor: La
tumba del crisantemo, de Itô Sachio
Por Carolina Plou
Desde Ecos
de
Asia,
tenemos
ocasión
de
presentar, una vez más, la
novedad más reciente de
Chidori Books, editorial
especializada en el medio
digital y en la literatura
japonesa, cuya labor está
situándola como editorial
de referencia en el
acercamiento de obras
fundamentales de las
letras niponas al lector
hispanohablante.
otras ocasiones en
las que publican a
célebres autores de
prosa.
Respecto a la obra
en sí misma, se trata
de una historia de
amor, plagada de
melancolía y dolor
contenido.
El
argumento
es
sencillo (que no
simple), narrado en
primera persona, a
La
tumba
del
modo
de
crisantemo es una novela,
confidencia, creando
o más bien un relato,
un
vínculo
de
digno de ser publicado de
complicidad entre el
manera
autónoma,
lector
y
el
especialmente
protagonista.
Este
considerando
el
vínculo permite dar
significado que posee en
pie
a
que
el
la obra de su autor, dado
personaje de Masao
Portada de la edición que ofrece Chidori Books.
que se trata de la primera
pueda desvelar sus
obra en prosa dentro de una trayectoria
más íntimos secretos al confesarnos la
poética centrada en el tanka.[1] Fue,
verdadera naturaleza de la relación que
asimismo, la primera obra narrativa de éxito
entabló en su adolescencia con la dulce y
de Itô Sachio, que alcanzó una gran
atenta Tamiko, y de cómo la intervención de
popularidad (con diversas adaptaciones al
su familia marcó el desarrollo de este tímido
ámbito audiovisual) y acercó, en cierta
amor adolescente.
medida, el nombre del poeta al gran público.
Como avanzamos, su extensión está más
Por ello, se entiende que Chidori haya optado
próxima al relato que a la novela, sin
por su publicación de manera independiente,
embargo, eso no impide una prosa
en lugar de incluirla encabezando un
preciosista, perlada de descripciones muy
compendio de relatos, como suele suceder en
fluidas que, lejos de sacar al lector de la
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historia, le implican todavía más mediante la
construcción de un ambiente que, en los
momentos clave, está cargado de lirismo,
evidenciando la experiencia en el ámbito
poético del autor. Gracias a estas
herramientas, manejadas con soltura e
integradas con habilidad (uno tan solo lo
percibe en una lectura crítica, rastreando
estos rasgos de manera consciente), Itô
Sachio crea un engranaje muy efectivo y nos
sumerge de lleno en los reflexivos recuerdos
de Masao.
Lo último (pero no menos importante) que
debemos destacar de La tumba del
crisantemo es el mimo que, como es habitual,
Chidori Books ha puesto en la edición,
característica que se está convirtiendo ya en
la imagen de marca de la editorial, y muy de
agradecer por parte del lector que se sumerge
en una tradición literaria ajena y desconocida.
La cuidada traducción de Lisa Kobayashi se
ve
enriquecida
por
una
completa
introducción, que trata el contexto histórico
en el que se creó la novela (el periodo Meiji,
1868-1912, un momento de la historia
japonesa en el que se produjeron cambios tan
trascendentales
como
fascinantes),
la
biografía del propio autor y un sucinto pero
valioso acercamiento inicial a la novela (en el
que podemos descubrir, entre otras cosas, la
admiración que causó en otro literato japonés
mucho más conocido en Occidente, Natsume
Sôseki, dando al lector una puesta en valor
dentro de unos parámetros relativamente
reconocibles). Si a todo ello sumamos,
además, el detalle a la hora de elaborar un
texto anotado que transmita un conocimiento
de la cultura japonesa mayor y más profundo,
nos encontramos ante una edición muy
completa, perfecta tanto para amantes de la
literatura proveniente del País del Sol
Naciente como para aquellos neófitos que se
acerquen por primera vez a esta literatura,
marcada por una particular sensibilidad.
Retrato de Itô Sachio (fuente: city.sammu.lg.jp)
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Crónica de la XIV Semana Cultural
Japonesa de la Universidad de
Zaragoza
Por Staff de Ecos de Asia
Entre los días 27 de
abril y 8 de mayo
tuvo lugar en la
Universidad
de
Zaragoza la edición
número catorce de la
Semana
Cultural
Japonesa, una cita
ineludible para todos
los
amantes
de
Japón y el arte
oriental.
de
una
notable
prosperidad
económica gracias al
desarrollo
del
comercio y de la
producción artesanal.
El
nivel
de
la
ciudadanía aumentó y
el
refinamiento
cultural se extendió
más allá de las clases
dominantes.
Los
comerciantes
y
artesanos
de
las
grandes
ciudades,
generaron una cultura
popular,
de
gran
variedad y carácter
hedonista, que dio
lugar
a
manifestaciones
de
gusto
netamente
japonés, de enorme
calidad y originalidad.
La presente edición
se centraba en la
vida cotidiana del
Japón tradicional del
periodo Edo (16031868).
Como
nuestros
lectores
bien
sabrán,
el
periodo Edo se trata
de una de las etapas
más importantes y
trascendentales de la
Portada del programa de mano de la presente edición.
historia de del País
La inauguración de la
del Sol Naciente.
Semana
Cultural
Durante este tiempo los shogunes de la
contó con la asistencia de representantes de
familia Tokugawa, a través de una serie de
la Japan Foundation y del decano de la
rigurosas ordenanzas, hicieron que el país
Facultad de Filosofía y Letras de la
viviera un periodo de considerable paz y
Universidad de Zaragoza, dando idea del
armonía. Unificado políticamente, a los
prestigio y reconocimiento que han ido
extranjeros se les prohibió el acceso al país,
adquiriendo año tras año, así como de los dos
permitiéndose únicamente a los comerciantes
organizadores y verdaderos artífices de las
chinos y holandeses el comerciar a través del
jornadas, Elena Barlés y David Almazán. Tras
puerto de Nagasaki. El archipiélago disfrutó
el acto, en el que se dejó constancia de la
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importancia de la realización de este tipo de
eventos en los que a su marcado valor
académico se le añade una apuesta por la
divulgación, tuvo lugar un concierto
de koto interpretado por la concertista y
compositora Yoshie Sakai, una afamada
especialista en artes tradicionales de Japón,
en el que se pudieron escuchar tanto obras de
los más afamados compositores, caso de
Yatsuhashi
Kengyo,
como
canciones
populares niponas, disponible aquí.
Posteriormente Fernando García Gutiérrez
inició la serie de conferencias con una
magnífica exposición acerca de la villa
imperial de Katsura, uno de los principales
edificios construidos en el periodo Edo y en el
que podemos observar los rasgos más
distintivos de la arquitectura tradicional
japonesa,
haciendo
hincapié
en
la
importancia que históricamente ha tenido la
naturaleza para el pueblo japonés, el cual
concibe a la construcción como un conjunto
indivisible con el entorno que le rodea, siendo
un ejemplo perfecto de esto la disposición de
los edificios de Katsura. A continuación la
Doctora Mónica Vázquez de la Universidad de
Zaragoza se encargó de exponer los
principales rasgos de la casa tradicional
japonesa, así como de señalar la profunda
influencia que estas, a priori humildes
moradas, han tenido en arquitectos
occidentales de primerísimo orden, caso de
Bruno Taut, Frank Lloyd Wright o Ludwig
Mies van der Rohe.
Siguiendo con las lecciones impartidas en la
Semana Cultural, la Doctora Muriel Gómez de
la Universidad Oberta de Catalunya nos
presentó un interesante recorrido a través de
las festividades populares del Japón
tradicional. Contemplando los principales
eventos festivos de todo el año fuimos
conscientes de la importancia que el paso de
las estaciones ha tenido para el pueblo
Elena Barlés presentando la conferencia de Fernando García
Gutiérrez.
japonés, disponiéndose cinco
sekku o
festividades principales para cada estación,
entre las que se encuentra el Hinamatsuri o
día de las niñas en el que se exhiben las
famosas muñecas tradicionales, o el Tango no
Sekku, renombrado en la actualidad
como Kodomo no hi o día de los niños, en el
que se disponen las tradicionales koinobori,
unas espectaculares banderas con forma de
carpa. Nuestra compañera Carolina Plou
pudo también participar, ilustrándonos
acerca del aspecto del Japón tradicional a
través de una serie de fotografías realizadas
por los primeros fotógrafos del archipiélago,
tanto nipones como occidentales, caso de
Felice Beato. A través de estas imágenes
pudimos ser testigos de la apariencia de
geishas y samuráis, del aspecto de las
ciudades y templos así como de otros muchos
temas en los que se distinguía y apreciaba el
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aspecto más tradicional de un periodo Edo
que se resistía
ante la incipiente
modernización Meiji.
El tercer día de conferencias comenzó con la
exposición a cargo de la Doctora Elena Barlés
que versaba sobre la vida cotidiana en la gran
cuidad de Edo, la actual Tokio. Pudimos
comprobar cómo esta pequeña localidad de
pescadores a comienzos del siglo XVII, tras
ser escogida como capital y residencia por los
dirigentes Tokugawa se convirtió en una
importante urbe, a la que los poderosos
señores feudales de todo Japón debían acudir
a mostrar sus respetos a los shogunes, lo que
hizo que se construyera toda una serie de
lujosos palacios en la capital. El ajetreo y los
importantes intercambios comerciales que se
producían en la ciudad propició el
surgimiento de una poderosa clase de
comerciantes que mantenían un lujosa y
hedonista forma de vida que discurría
entorno a los barrios de placer, las luchas de
sumo y las obras de kabuki, divertimentos
que ocasionaron una de las manifestaciones
más sobresalientes del arte japonés como es
el grabado ukiyo-e. Posteriormente doña
Kumiko Fujimura presidenta de la Asociación
Aragón-Japón,
realizó
un
interesante
recorrido a través de la gastronomía típica del
periodo en el que se mostraron tanto los
alimentos favoritos de Tokugawa Ieyasu como
recetas y platos consumidos por los
habitantes de Edo, muchas de los cuales se
siguen realizando en la actualidad, así como
señalar el curioso caso de los samuráis que
cambiaron las catanas por los cuchillos y
útiles de cocina y alcanzaron gran fama como
renombrados cocineros. El Doctor David
Almazán de la Universidad de Zaragoza en su
exposición
acerca
de
los
cuentos
tradicionales japoneses, habló de alguna de
las historias infantiles más populares del
Periodo Edo (como “la medusa cándida” o
“Urásima, el pescadorcillo”), recordando su
pronta difusión en España de la mano de
Gonzalo Jiménez de la Espada; uno de los
personajes infantiles paradigmáticos de
Japón, Momotaro, sirvió además de nexo
David Almazán presentando la conferencia de Elena Barlés.
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entre
pasado
y
presente,
pues
la
charla finalizó con la
proyección
de
ejemplos
versiones
recientes
de
su
historia,
como
la
de Hello Kitty o Shin
Chan.
El cuarto día de la
Semana Cultural contó
con
sendas
conferencias a cargo
de
don
Rafael
Rodríguez
de
la
Universidad
de
Zaragoza – quien
habló acerca de los
fantasmas y seres sobrenaturales del Japón
tradicional,
tratando
tanto
criaturas
mitológicas tradicionales como el tanuki o el
kappa, como figuras espectrales como Oiwa
(de quien ya hemos hablado en alguna
ocasión) – y de Félix Alcántara, también de la
Universidad de Zaragoza, quien habló de lo
cotidiano del haiku del periodo Edo.
Mediante ejemplos concretos de haiku, el
ponente describió la esencia del mismo -la
unión de hombre y naturaleza, al mismo
nivel, en el devenir cotidiano- abordando los
principales temas del haiku de este periodo,
como el trabajo, el viaje, la literatura, los
niños, la comida, la pobreza, la religión o la
muerte.
En la última jornada de conferencias, la
cultura japonesa más contemporánea fue la
protagonista, de la mano de una muy amena y
participativa charla a cargo de doña Verónica
Calafell, de la Universidad Autónoma de
Barcelona, en la que se trató el tema del
manga fuera de Japón, haciendo especial
hincapié en la complicada labor del traductor.
A continuación, tuvo lugar la proyección de la
David Almazán presentando la conferencia de Kumiko Fujimura.
película Capitán Harlock, el futuro ya es
pasado, una superproducción de 2013
dirigida por Shinji Aramaki.
El programa de la Semana Cultural no
solamente se limitó a las conferencias que
acabamos de mencionar, sino que también
abarcó sendas visitas guiadas, una al Museo
de Zaragoza y otra al Museo de Origami. En el
Museo de Zaragoza la visita atendió a la
exposición Hiroshige y su época, en la que se
pueden observar toda un conjunto de
grabados de este genial artista del ukiyo-e, así
como otras obras características del periodo
Edo. Durante la visita a la Escuela Museo de
Origami, emplazada en el Centro de
Historias, se pudieron apreciar una
amplísima serie de magníficas realizaciones
de este singular arte del papel, además de la
exposición temporal “Gache Papier”.
Como colofón, el día catorce de mayo tuvo
lugar en la Sala CAI Luzán de Zaragoza un
concierto
pedagógico
que llevó
por
título Espejismos. Un paseo por el orbe con
estrambote oriental, cuya dirección artística
corrió a cargo de doña Luisa María Gutiérrez
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y que constó de un selecto programa de
concierto para piano y canto con obras de
Anglade, Offenbach y Debussy -entre otros
compositores,- en el que se emuló el singular
periplo que Julio Verne ofreció a sus lectores
en La vuelta al mundo en 80 días,
destacando los países que visitaron sus
protagonistas y en el que confluyen distintos
intereses y curiosidades, como distintas razas,
costumbres y manifestaciones artísticas.
Esperamos que con este breve recorrido
nuestros lectores hayan podido rememorar
los eventos de la pasada Semana Cultural
Japonesa, así como animarles a asistir a
futuras ediciones.
David Almazán, al comienzo de su conferencia.
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Reseña literaria: Panorama del arte
actual cristiano en India, China y
Japón (2015)
Por Carolina Plou
Panorama del arte actual cristiano en India,
China y Japón es una propuesta bibliográfica
necesaria, que nos acerca una realidad casi
desconocida y muy llamativa, unas
manifestaciones artísticas a las que no se
atiende, por no responder a lo que nuestros
ojos esperan del arte asiático y no ser un tema
de moda.
El cariño que los estudiantes de Arte Oriental
de la Universidad de Zaragoza sentimos por
Fernando García Gutiérrez es bien conocido,
y proviene de la admiración intelectual que es
inevitable profesar a este sabio del arte
japonés, combinado con la cercanía que
transmite en cada ocasión que visita este
centro. La última ha sido durante la XIV
Semana Cultural Japonesa (cuando accedió
además, muy amablemente, a concedernos
una entrevista). Sin embargo, aunque
aludimos a este aprecio manifiesto en
agradecimiento a sus deferencias, queremos
subrayar que no nos hemos dejado guiar por
el mismo a la hora de abordar esta reseña
de Panorama del arte actual cristiano…
Es una obra breve y concisa, muy centrada en
lo visual, con un apoyo gráfico a todo color
que resulta muy enriquecedor, al tiempo que
incrementa su atractivo. Las obras que nos
muestra se encuentran estéticamente alejadas
de lo que a priori podríamos esperar, aunque
al observarlas con detenimiento son,
indudablemente, lo que cabría esperar tanto
del arte asiático como del arte cristiano. Pero
no adelantemos acontecimientos.
La última cena, Ángelo Fonseca (1910-1967). Fuente: Panorama…
p. 17.
El libro está estructurado de una forma muy
ordenada, con una introducción y una
división en seis capítulos, en los que se
perciben tres bloques: los dos primeros se
dedican a la pintura y arquitectura indias
respectivamente; los dos segundos a las
mismas manifestaciones en China y
finalmente, los dos últimos explican lo propio
de Japón.
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un tono distendido, de manera que el lectoralumno (siguiendo con este símil) no lo
percibe como una imposición académica sino
como una narración, ordenada y rigurosa
pero con una cierta estructura de relato.
El nacimiento de Cristo, Lu-Hung-Nieng. Fuente:
Panorama… p. 41
La exposición del discurso es clara, buscando
resultar amena, sencilla y nada formal, a
pesar de que el conocimiento vertido sí
resulta riguroso y, hasta cierto punto,
académico. Aunque en algunos puntos peca
de demasiado descriptivo y formalista, es por
el interés en subrayar algún concepto que,
aunque ya resulta evidente visualmente al
contemplar cada una de las reproducciones,
no es hasta que no se lee que no produce una
reflexión.
Y en este relato, además, quedan de
manifiesto las preferencias del autor. Por un
lado, como advierte desde la introducción, el
mayor peso de Japón, puesto que es de las
tres culturas la que él conoce más de cerca (y
hacia la cual le unen lazos afectivos más
profundos). Por otro lado, de las dos
manifestaciones artísticas a las que atiende en
el libro, es la pintura la que recibe un mayor
peso, también por un motivo que justifica
indirectamente en el prólogo: es, de todas las
artes, “la más sensible en asimilar influencias
de fuera”,61 y por tanto, la que posee una
mayor tradición de reflejar esta enculturación
que es la verdadera protagonista del libro.
En este sentido, todo el texto parece
concebido como una clase magistral, en la
que García Gutiérrez es el maestro, como no
podía ser de otra forma, y el lector se
convierte automáticamente en alumno que,
más que estudiar, se deja llevar por los
caminos que le tienen preparados para, al
terminar, ser consciente de que realmente ha
habido un proceso de aprendizaje.
El estilo literario, personalísimo, de García
Gutiérrez, contribuye a dejar esa impresión
en el lector, ya que el texto ha sido escrito no
solo en un lenguaje cercano, sino también en
La Virgen con el Niño en brazos, Teresa Koseki
Kimiko. Fuente: Panorama… p. 73.
García Gutiérrez, F. Panorama del arte actual
cristiano en India, China y Japón, Sevilla, Videal
Impresores, 2015, p. 8.
61
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¿Quiénes somos? Conoce a nuestros colaboradores
En este número colaboran:
Ana Asión ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte y
Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte. Actualmente realizan el Máster
en Gestión del Patrimonio Cultural, así como el Doctorado en Historia del Arte, con
una tesis sobre cine español del tardofranquismo.
Pablo Begué. Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y
estudiante del Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte por la misma
universidad. Sus intereses giran alrededor de los cuentos de hadas clásicos, su
ilustración en el siglo XIX y la influencia de estas imágenes en la cultura popular y de
masas, especialmente en la creación audiovisual.
Jon García. Es Graduado en Derecho, Máster de Acceso a la Abogacía, y
actualmente cursa el Máster de Profesorado en la Universidad de La Rioja, en la
especialidad de Geografía e Historia. Le interesan la paleontología e Historia.
María Gutiérrez ([email protected]). Graduada en Historia
del Arte por la Universidad de Zaragoza, cursando el máster de Estudios Avanzados
con el objetivo de especializarse en arte asiático.
David Lacasta ([email protected]). Licenciado en Historia del
Arte y actualmente estoy cursando el máster de estudios avanzados, en la modalidad
de Asia Oriental. Estoy trabajando en la cerámica Satsuma, y el fenómeno de su
coleccionismo en Occidente. También me interesa mucho todo lo relacionado con las
armas y armaduras de los samurái, así como la historia militar de Japón.
Laura Martínez Rodríguez ([email protected]). Licenciada en
Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, actualmente cursa el Máster de
Estudios Avanzados en Historia del Arte de la misma, especializándose en Cine.
Marisa Peiró ([email protected])es Licenciada en Historia del
Arte por la Universidad de Zaragoza y Máster en Estudios Avanzados de Historia del
Arte por esta misma universidad. Se especializa en el Arte y la Cultura Audiovisual de
la primera mitad del s. XX, y en las relaciones artísticas interculturales. Actualmente,
está realizando su tesis doctoral.
Carolina Plou ([email protected]). Historiadora del Arte,
japonóloga, prepara una tesis doctoral sobre fotografía japonesa.
Alejandra Rodríguez Cunchillos es Licenciada en Historia del Arte por la
Universidad de Zaragoza. Máster en la misma Universidad, con especialización en
artes plásticas contemporáneas y arte asiático. Doctoranda con una tesis sobre el
coleccionismo privado de arte japonés contemporáneo.
Héctor Tome. Se licenció en Historia por la Universidad de Santiago de
Compostela, afincado ahora en Barcelona, donde colabora con diversos proyectos
literarios, periodísticos y políticos.
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