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15/09/2016
28/9/2016
Bienal de flamenco: Anabel Veloso y su pasión por la música
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Cultura
Bienal de flamenco: Anabel Veloso y su pasión por la
música
La bailaora almeriense estrenó ayer en la Bienal de Sevilla el espectáculo titulado «Secreto a voces»
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Antonio Reyes, seguiriya de
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Antonio Moreno, experimento
al golpe
Anabel Veloso, ayer durante su actuación en el teatro Central ­ ÓSCAR ROMERO
MARTA CARRASCO / ­ abcdesevilla Sevilla
28/09/2016 09:17h ­ Actualizado: 28/09/2016 09:36h.
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Los mejores looks de
las invitadas de Code
41
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Estreno absoluto de Anabel Veloso en el teatro Central con el espectáculo
titulado «Secreto a voces», una obra con la que la bailaora almeriense
quería hacer su entrada por la puerta grande de la Bienal de Sevilla.
Y no regateó esfuerzos ni tampoco compañía. Un audiovisual comenzaba y
terminaba el montaje, muy elegante, casi imperceptible. En escena, un gran
despliegue, nada menos que la Bética de Cámara que interpretó, bajo la
dirección de Michael Thomas, una composición inédita del gran concertista
sevillano, compositor y maestro del piano, José Romero; a ello añadimos
un cuadro flamenco excepcional, con la guitarra inmensa de Javier Patino,
el estupendo cante de «El Londro» y Juan de Mairena, la flauta, saxo y
armónica del sanluqueño Diego Villegas (qué bien suena su música), y la
percusión de Carlos Merino. Pero aún faltaba más para completar este
potentísimo apartado, y es que nada menos actuó también David Peña
«Dorantes», acompañado por la percusión de Javi Ruibal, quien como
siempre estuvo magistral.
http://sevilla.abc.es/cultura/sevi-bienal-flamenco-anabel-veloso-y-pasion-musica-201609280917_noticia.html
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de una «working
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¿Por qué nos
encanta la
cosmética
coreana?
1/4
28/9/2016
Bienal de flamenco: Anabel Veloso y su pasión por la música
-34%
Anabel Veloso­ ÓSCAR ROMERO
Se pueden imaginar que el espectáculo contó con una música que de
ninguna forma puede calificarse de «atrás», sino que fue muy «alante».
Desde la pieza de José Romero rescatada por la Bética de Cámara, a la
obra «Ante el espejo» de Dorantes, el taranto de la guitarra de Patino y las
alegrías de Diego Villegas..., el resultado fue que, aunque habíamos ido a
un espectáculo de baile, éste cedió el protagonismo que buscaba a la
música. Así de sencillo.
Anabel Veloso, bailó, claro está, y lo hizo por soleá, por guajira, por
alegrías..., y con un cuidadísimo vestuario y una puesta en escena
sofisticada y elegante. Su baile, que tiene una mezcla entre escuela
sevillana en el braceo y elegancia postural del clásico español, resultó muy
hermoso. Desde la introducción vestida de «calle», con un traje negro de
encaje, a la guajira vestida con pantalones blancos, la soleá con bata de
cola o el final con el propio Dorantes con mantón, el espectáculo tuvo un
tempus muy bien medido, en cuanto a duración, aunque favoreció más, en
mi opinión, a la música que al baile. Nada malo, por supuesto, sino cuestión
de criterios.
En cualquier caso, Anabel Veloso ha hecho un buen estreno en la Bienal
de Flamenco, con la irreprochable calidad que siempre imprime a sus
propuestas, en una obra que el público disfrutó y aplaudió. Seguiremos muy
atentos su devenir.
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27 Septiembre, 2016
Pulse aquí para acceder a la versión online
Bayón debió reírse de sus temores
Espectáculo de Isabel Bayón dirigido por Israel Galván, en el Teatro de La
Maestranza. ESTHER LOBATO
Espectáculo de Isabel Bayón dirigido por Israel Galván, en el Teatro de La Maestranza. ESTHER LOBATO
Cuando le sacaron a la Bayón el miedo del cuerpo, una señora exclamó: "¡A ver cuando bailas flamenco, chochete!"
A la hora y veinte minutos del comienzo, otra señora, ya harta de tanta sinrazón, gritó: "¿El flamenco pa cuándo?"
• MANUEL MARTÍN MARTÍN
• Sevilla
• @LaAzagaya
27/09/2016 13:18
El espectáculo que Israel Galván ha dispuesto para Isabel Bayón parte de un texto del ínclito Pedro G. Romero, que
opera con la teoría de que fueron los gitanos quienes llevaron el miedo al flamenco, ya que les acompaña lo
sobrenatural desde su aparición en la cultura europea. Ese fue uno de los recursos económicos calés y desde entonces
lo gitano se conjugaron junto a lo mágico, es decir, a los malos presentimientos, el mal de ojo, el mal fario, la 'bají', el mal
bajío, el miedo, la aprehensión y el 'dju-dju', en definitiva.
¡Toma ya! Ahí queda eso, y sin consultar los preceptos greco-cristianos, tan presentes en la vida de la sociedad
occidental. Sarcasmos aparte, dos Premios Nacionales de Baile, Isabel Bayón e Israel Galván, se encuentran en la
Bienal y por primera vez Galván dirige un espectáculo para otra bailaora que, para quienes sabemos de su trayectoria
desde que era una niña, resulta desconocida, extraña, ridícula, y para la que el miedo es la forma de organización del
cerebro primario.
Lo que empezó con la Navidad acabó siendo un pestiño y de los secos, sin miel, porque hasta el minuto 45 no
escuchamos la soleá de Tío Borrico y El Chozas. Todo era burda comicidad, y cuando por fin le sacaron a la Bayón el
miedo del cuerpo, una señora exclamó: "¡A ver cuando bailas flamenco, chochete!". Tuvimos que esperar hasta la hora y
cinco minutos para verle algunos pasos de la petenera con mantón. Y punto. El resto fue un "made in G. Romero" que
P.3
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27 Septiembre, 2016
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sólo encontró hondura en la garganta de David Lagos, porque a la hora y veinte, otra señora, ya harta de tanta sinrazón,
gritó: "¿El flamenco pa cuándo?".
¡Qué vergüenza! ¡Qué bochorno! Más de dos horas sin saber por dónde concebir lo visto. Y para mayor agravio, en el
Maestranza y la Bienal de Flamenco -repitamos todos, de Flamenco-, donde Lagos le corta las cuerdas de la guitarra a
Torres y Bayón se despide musitando chorradas y ataviada de rockera, con un corsé y un pantalón de cuero negro.
¿Y el flamenco? En la surrealista provocación de Israel Galván e Isabel Bayón, para la que el miedo es un proceso
normal de supervivencia al medio y no una cualidad del ser humano. Primero comienza en su mente, baja a su corazón y
por último se apodera de todo su ser, con lo que nos quiso dar a entender que es el miedo al propio miedo el que la
frena desde niña.
Y todo ese embrollo para pretender hacernos ver que son los gitanos los que llevaron estos miedos al flamenco (¿?). El
miedo ontológico es, por tanto, su peor verdugo, el de ella y el de todos, y si no que le pregunten a quienes declaramos
a Hacienda. Pero sigamos, porque además de miedos, Bayón tiene manías, perturbaciones generadas por el estado de
ánimo, como todos, y temores, también tiene temores, animosidad hacia algo o alguien, también como todos, sin
necesidad de ser flamenco ni de buscar cómplices en las 'brujas' Alicia Márquez y Nieves Casablanca para demoler su
admirable trayectoria con una emoción primaria que se deriva de la natural aversión a la cotidianeidad de la vida.
Usar, en consecuencia, sus miedos para controlar nuestras emociones flamencas ha resultado ser de un desafío propio
de un Pedro G. Romero que no huele el flamenco ni en las carpetas de los discos, pero que nos ha querido humillar con
las burdas leyendas de asusta niños, esto es, cómo podemos pasar del miedo natural y común al horror y finalmente al
terror, algo así como la serie de Narciso Ibáñez Serrador que hace 50 años emitió TVE.
Al miedo le da miedo que no tengas miedo. Por eso hay personas, como las que se sintieron estafadas, quienes
abandonaron el teatro o las que pidieron la devolución del importe de la entrada, que se enfrentan a él con la mejor
armadura, el valor, el valor de seguir adelante. En este caso, con el valor de seguir demostrando que Isabel Bayón es
una de las grandes de este tiempo. Pero bailando, y si tiene fantasmas, lo mejor es que se ría de sus propios temores.
P.4
PAÍS: España
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SECCIÓN: OPINION
27 Septiembre, 2016
Cartasa Nacho
dias en Sevflla una ampliaoferta
de espect~culosdirigidos a pflblicos entendidos y a los que no 1o son
El flamencocon la Bienal se ha hecho
papular. Afln m~s. Llegandoincluso a un
reacio a este bien inmaterial Patrimonio
de la Humanidad.
Definifivamentela Bienal ya es una cita ob]igada y firmementeconsolidada. E]
camii~oseguido hasta Ilegar a esta XIX
edici6n ha sido tortuoso y no falto de
complicaciones.A veces, induso se Ileg6
a pensar en su desaparici6n, Se han pro"El flamencoesta en cualquierpar t e",
reza la campafiapublicitaria lanzada pa-
ciudad y en Andaluc~a.
Cuando
esta edici6n de la Bienal cierre
cuiares. M~spfiblico, m~srecaudaci6n,
m~scobertura int ernacional par parte de
los medias, m~spresupuesto.
LaBienal, par otto lado, ha abier to va
La creaci6n de la marca"Bienal" y la
ut flizaci6n de espacios comala iglesia de
San Luis de los Franceses permiten penciplinar qua apenasse ha echadoa radar,
Losdiferentes gestates qua ha tenido la
elimpulsonecesario qua ha tornado la cita se 1o debemos
a Cfist6bal Ortegay a su
equipo. Ortegaes un excelente profesiohal qua viene de la gesfi6n pflvadacultural. ~1 ha comprendidoque proyectos de
esta dimei~si6ns61o puedensalir adelante conla colaboraci6nde las insfltuciones pflblicas y las empresas privadas.
esa uni6n se gestan "productos" de calldady eficacia. Estoyseg~rode qua en fu-
P.6
PAÍS: España
FRECUENCIA: Diario
PÁGINAS: 43
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DIARIO DE SEVILLA | Miércoles 28 de Septiembre de
2016
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43
SECCIÓN: CULTURA Y OCIO
28 Septiembre, 2016
CULTURA Y OCIO
XIX BIENAL DE FLAMENCO 3 Pastora Galván regresa esta noche al Lope de Vega con ‘Mírame’
La editorial Athenaica
apuesta por Gamboa, Ortiz
Nuevo y Pedro G. Romero
● Los tres autores
inician la colección
‘Flamenco y cultura
popular’ del nuevo
sello sevillano
Sara Arguijo SEVILLA
El flamenco, por su vinculación
emocional con la cultura popular
andaluza, probablemente sea de
las disciplinas artísticas de las que
más se opina sin saber. Uno escucha, otro ha oído y el de más allá
cree a pies juntillas las sentencias
de su compadre sobre lo que es o
no es. Dando por ciertas creencias
que tienen más que ver con la fe
que con el verdadero análisis.
Esto, al menos, es lo que dejaron patente los tres autores que
inician la serie Flamenco y cultura
popular con la que la editorial
Athenaica hizo ayer su puesta de
largo en la Bienal y que tiene como objeto “promover el debate
teórico sobre diferentes disciplinas, desde ópticas distintas como
la antropológica, la estética, la sociológica o la de los propios flamencos”, tal y como explicó el editor, Sergio Rojas-Marcos.
Así, es un consejo editorial formado por expertos (en este caso
dirigido por Pedro G. Romero) el
VÍCTOR RODRÍGUEZ
LA HORA DE ANABEL VELOSO. La bailaora almeriense presentó
anoche en el Teatro Central –con la complicidad de Dorantes y de los coreógrafos Jesús Guerrero y Andrés Marín– su Secreto a voces, una obra
intimista en la que busca el díficil equilibrio entre tradición y presente.
que en un ejercicio de “militancia
académica” y ante “la pereza universitaria” –apuntó– propone los
títulos que se publican en versión
digital y en papel.
La colección la inician “tres pesos pesados”, como apuntó RojasMarcos, que presentan tres propuestas completamente distintas
en la línea que pretende sostener
la editorial. Por un lado la reedición ampliada con los audios de
las entrevistas de Pepe el de la Matrona: recuerdos de un cantaor sevillano, la biografía que publicara
hace cuarenta años José Luis Ortiz Nuevo. Por otro la recopilación
de escritos de Pedro G. Romero,
recogidos en El ojo partido: Flamenco, cultura de masas y vanguardias. Tientos materiales para
una corrección óptica a la historia
del flamenco, y, por último, una
novedad: el estudio sobre la historia del flamenco en Nueva York
realizado por José Luis Gamboa y
del que ahora se publica el primero de los cuatro volúmenes bajo el
título ¡En er mundo! De cómo Nueva York le mangó a París la idea moderna del flamenco.
Sin duda, tres voces fundamentales para entender el flamenco. Ya sea desde el relato directo, y aún clarificador, “de la
persona más valiente y poderosa
que he conocido”, según describía Ortiz Nuevo al que calificó de
“cantaor imprescindible en la
transmisión de los cantes del siglo XIX al XX”; ya desde los planteamientos contemporáneos en
los que profundiza Romero, en
un estudio que va desde el 98 a
2013; o ya desde la investigación
de Gamboa que viene a dar “un
vuelco en torno a muchas cosas
que se dicen sobre el flamenco”,
defendiendo con amplia documentación la tesis de que “lo que
hoy entendemos por flamenco se
construyó en EEUU”.
El hijo de Pies Plomo
Crítica
CANTÁNDOLE A LA ALAMEDA
★★★★★
Cante: José de la Tomasa, Gabriel de la
Tomasa. Guitarra: Juan Ramón Caro, Miguel Salado, Manuel de Estrella. Lugar:
Espacio Santa Clara. Fecha: lunes 26 de
septiembre. Aforo: Lleno.
Juan Vergillos
José de la Tomasa es un cantaor
de memoria. Memoria familiar.
Una parte importante de la historia del flamenco del siglo XX está
en su árbol genealógico. De Jerez
y Sevilla, de la Alameda y Triana.
Pero eso no le impide ser un cantaor personal, fresco, con una voz
y unas formas propias. Su timbre
es claro, natural, pero a la vez
conmovedor.
Estuvo magnífico por seguiriyas. Es su cante bandera y fue el
colofón de su recital, al filo de la
una del martes. El cantaor sevilla-
no está en una forma asombrosa.
Alguno dirá que hace 45 años que
está en forma. Y le daré la razón.
La seguiriya íntima y dolorida,
con su voz enérgica y cobriza, es
uno de los monumentos del cante jondo de todos los tiempos. Él
apela a su tío abuelo Manuel Torre en cada concierto. En la misma línea materna se sitúa el taranto que el hijo de la Tomasa hace de forma austera y con letras
propias, como en casi todos sus
cantes, de temática minera. Los
fandangos fueron un recuerdo a
su padre Pies Plomo y a esos cantes terribles y febriles de posguerra. La soleá con la que inició su
recital fue un prodigio de naturalidad y musicalidad. Juan Ramón
Caro le ofreció un acompañamiento seguro e imaginativo, con
unas falsetas solemnes y morosas
muy notables.
El concierto acabó con una ronda de martinetes con Gabriel de la
OSCAR ROMERO/LA BIENAL
José de la Tomasa y Juan Ramón Caro en el Claustro de Santa Clara.
Tomasa, hijo del cantaor, que había protagonizado en solitario la
primera parte del espectáculo. Hizo Gabriel la farruca de Manuel
Torre, malagueñas con fandangos
de Lucena y Granada y jabera, cantiñas y soleares de Triana, además
de un cante en el que unió romances de diversas procedencias. El
cantaor sigue la línea estética de
su padre e, incluso, canta las mismas letras que compuso José de la
Tomasa, y también él hace sus pinitos como letrista.
Recordando a
los maestros
Crítica
DIRECTO
★★★★★
Cante: Antonio Reyes. Guitarra: Diego del Morao. Percusión: Juan Grande. Palmas: Chícharo de Jerez, Diego
Montoya, Tate Núñez. Lugar: Teatro
Lope de Vega. Fecha: Martes 27 de
septiembre. Aforo: Lleno.
Juan Vergillos
El cantaor chiclanero hizo su
repertorio habitual con una
motivación enorme. Le imprimió energía y frescura a un recital que otras veces resulta
narcotizante. Se acordó de los
maestros: Aurelio Sellés en las
alegrías, Antonio Mairena por
soleá, livana y toná-liviana, el
Manolo Caracol de la zambra
en tangos, bulerías y fandangos. Y Camarón, naturalmente. El Camarón de la primera
época, poderoso y viril, es el
modelo principal de Antonio
Reyes. Incluso ha desempolvado el chiclanero la canastera, un cante inventado por Camarón y Paco de Lucía.
Las alegrías fueron ejemplares. La seguiriya, lo mejor
de la noche, fue un vibrante
mano a mano entre la voz y la
guitarra, con Diego del Morao
recordando a su padre y a su
tío con unas falsetas poderosísimas, de belleza extrema,
que requieren un virtuosismo
rítmico enorme. Estas melodías sin compás no serían nada. El tocaor ofreció además
un brillante solo por bulería
en el que demostró que la tradición más ensolerada de su
familia, los Morao, es en sus
manos música del siglo XXI.
Contundencia y dulzura. Este
carácter meloso es también lo
más destacado de la voz de
Reyes. Un timbre genuino, lírico y al mismo tiempo tostado. Azúcar quemada. El de
Chiclana imprimió fuerza y
carácter en cada tercio. También los fandangos de posguerra del cierre fueron espléndidos, especialmente la melodía
del Niño Gloria, muy aplaudida por el público. Por sus
grandes facultades el cantaor
es capaz de acariciar y mimar
la melodía, llegando casi a parar el tiempo en algunos momentos.
Reyes es un cantaor de los
años 70 de nuestra época. Es
esa estética, ese repertorio,
incluyendo los estribillos lolailos de tangos y bulerías,
puesto al día. Al éxito de la
función contribuyó en gran
medida ese soniquete jerezano hipnótico, envolvente,
que es pura alegría, desenfado, juego. Un recital redondo
en el que quizá se echó de
menos la presencia de algún
estilo libre.
P.12
BRE DE 2016
PAÍS: España
FRECUENCIA: Diario
PÁGINAS: 67
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E.G.M.: 106000
ÁREA: 555 CM² - 61%
SECCIÓN: CULTURA
CULTURA 67
28 Septiembre, 2016
onen
ricos,
oo
no de la
o
José de la Tomasa, con el guitarrista Juan Ramón Caro, en Santa Clara
José de la Tomasa,
poeta de cante grande
LUIS YBARRA
SEVILLA
JUAN FLORES
á al alcanvoy a darmás la pata
e más mondo acude
go en el reÉl puede y
nde que en
ser un canuna vez un
José de la Tomasa guarda un tarrito de albero bajo la barbilla. Tiene a
La Alameda entre barrotes. Escondida. La lleva en un rincón de su memoria y, desde ahí, hace que asome
la cara a su antojo. Anoche le quito
las telarañas a la plaza honda de Sevilla. Echó un paño húmedo por el
recuerdo y sacó brillo a las cuatro
columnas junto a su hijo, que protagonizó la primera parte del espectáculo acompañado por la acertada
guitarra de Miguel Salado.
Gabriel comenzó cantando la farruca con la intención de hacer bajar a Pastora la de los Peines. Que
hiciese palmas desde una esquina
de Santa Clara. El nieto de Pies de
Plomo viene empapado de detalles
propios de su familia. Atesora el romero verde que sembró su padre.
No se eleva en exceso porque aún
tiene que pulirse. Le falta sentenciar y matizar con mayor solven-
TOMASA !!!
Cante: José de la Tomasa,
Gabriel de Pies Plomo.
Guitarra: Juan Ramón Caro,
Miguel Salado. Espacio
Santa Clara. 26 de
septiembre de 2016.
cia. Aunque ahí hay un cantaor tan
delicado como largo. Camina con
sigilo pero conoce el grito de una
época. Por eso Caracol, la casa de
los Pavón, Carbonerillo, El Pinto y
otros tantos fueron mentados en
la cantiña.
También interpretó un romance
interesante. Pues mostró la evolución de este palo desde el estilo del
Negro del Puerto, sin acompañamiento de guitarra, a las perlas
acompasadas que nos regaló Mairena. Se apagó en la malagueña. Pero
luego tiró el caramelo de la soleá de
Triana: «Corre ve y dile al maestro/
ÓSCAR ROMERO
que te ha enseñado a querer/ que te
devuelva el dinero/ porque no te ha
enseñado bien».
José, sin embargo, es otra cosa.
Parece un cantaor pintado en blanco y negro. Sus letras van del puño
a la garganta. Y da la sensación de
que las escribe según canta: «Por la
Alameda va Manuel Torre/ con dos
galgos de la mano/ y los Hércules
naqueran/ vaya estirpe de gitanos».
Araña acariciando en la soleá. Ay, la
espuela de su taranto. El de la Calle
Feria despachó varios gañafones de
hondura en la toná y sobre todo en
la seguiriya. Lleva a Tomás Pavón
en el pañuelo. Y con él se abre en canales para que salgan los demonios.
Es una fuente de Machado que le ha
puesto comas al cante, sílabas tónicas, paladar y un fraseo exquisito
que únicamente él puede ejecutar.
Porque todo lo hace letra a letra, verso a verso. La voz a veces falla, pero
lleva tantos jípios en la espalda que
sabe colarse por otro sitio sin que
casi nadie sospeche. Aprieta las manos con las que sueña postales. Y los
fandangos se le caen por la boca: «Tu
presumes de haber visto/ Nueva
York, Londres y París/ pero no has
visto ni a Triana/ ni ver al Cachorro
salir/ reflejándose en el agua». Es
poeta de cante grande.
P.13
PAÍS: España
FRECUENCIA: Diario
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CULTURA
SECCIÓN: CULTURA
28 Septiembre, 2016
BIENAL DE FLAMENCO DE SEVILLA
Obsesiones, miedos
y supersticiones
DJU-DJU
Idea original: Isabel Bayón, Israel
Galván. Dirección y coreografía:
Israel Galván. Repetidor de baile y
asistente coreográfico: Marco de
Ana. Aparato: Pedro G. Romero.
Baile: Isabel Bayón, Alicia Márquez,
Nieves Casablanca. Guitarra: Jesús
Torres. Cante: David Lagos.
Clavicordio y órgano: Alejandro
Rojas-Marcos. Teatro de la Maestranza. 26 de septiembre.
FERMÍN LOBATÓN, Sevilla
La bailaora sevillana Isabel Bayón es una de las pocas detentadoras del secreto de un estilo
académico que ha desarrollado
hasta unas cotas expresivas plenas de belleza y plasticidad. Pero a veces, para una artista que
se exige como ella, esos valores,
por los que fue reconocida con
el Premio Nacional de Danza en
2013, llegan a no ser suficientes.
La búsqueda de nuevos retos le
ha llevado hasta su paisano, el
genial Israel Galván, también
Premio Nacional en 2005. En la
obra que ha nacido de su encuentro, hubo que esperar casi
una hora para ver bailar flamenco a Isabel.
A cambio de ello, Bayón dedicó gran parte de su tiempo en
escena a desarrollar un guion
que bordeaba la danza-teatro
Jesús Torres, haciendo gala de
una enorme versatilidad y adaptabilidad: cuerdas y cantes deliberadamente alterados al servicio de una intención dramática
que encuentra también sus atmósferas en las percusiones y
en la variedad de teclados de Rojas-Marcos.
Ellos propusieron la banda
sonora más verdadera frente al
conjunto de músicas grabadas
que acompañaron los miedos y
supersticiones de los tres personajes en escena. Las pruebas
eran las conocidas y tópicas: la
sal, el espejo, la escalera y —entre otras de mal fario— la petenera. Fue ese el tiempo para el primer baile verdadero de Bayón y,
también, para la ruptura de los
elementos que lo enmarcan y
que lo expresan: la caída del telón, la aparente pérdida de tensión eléctrica (sala iluminada,
escena a oscuras)… Nada sorprendente y sí disruptivo, que
fuera quizás lo que se perseguía.
La complicidad de viejos compañeros que de seguro tienen estos dos genios sevillanos se percibe, por momentos, dificultada
por un aparato escenográfico
que, lejos de añadir, resta en tanto que entorpece el discurso.
Quedan, así, como islas, den-
A la izquierda, Isabel Bayón, durante el espectáculo Dju-Dju. / P. PUENTES
contemporánea, si no, la performance. No cabe duda de que en
el ejercicio amplía su capacidad
expresiva e incluso dramática,
llegando a lucirse con elementos distintos a los habituales en
ella. Como distinta es la obra
que se presenta, algo deslavazada teatralmente, falta de dinamismo y de la necesaria tensión
narrativa que debe atrapar a un
espectador al que, más bien, se
le distrae con tanta ruptura escénica y la inclusión de elementos
que dudosamente aportan algo.
Sí aportan, desde luego, los
músicos que, desde el foso de la
orquesta, intervienen de manera fundamental en el propósito
de la obra. Lo de ir vestidos con
túnicas o protagonizar pasajes
de decidida comicidad resulta
subsidiario. No lo es, en cambio,
la diversidad de registros que
abordan y, además, bordan de
manera especial David Lagos y
tro de una obra que se quiere
transgresora, experimental y
hasta traviesa, momentos lucidos de baile: por ejemplo, el que
por cantiñas dejó Nieves Casablanca con toques rancios. También el remate de Isabel Bayón,
metida en el rol de una cabra
hispánica extraída de la fauna
de Rodríguez de la Fuente. Brillante y con fuerte presencia escénica, Isabel pone cante y baile
azalvajao, que diría el insigne
Tomasito, para concluir un espectáculo pensado para no dejar indiferente a nadie. Algo
que, sin duda, consigue. Prueba
de ello fue la manifiesta división
que provocó en la audiencia: hubo quien protestó airada y maleducadamente en mitad de la función y quienes optaron por abandonar la sala en silencio, pero
los que se quedaron, una aplastante mayoría, aplaudieron muchos minutos.
Dani Martín, durante la entrevista.
/ ULY MARTÍN
DANI MARTÍN Músico
“La credibilidad y
una lucha para m
PATRICIA PEIRÓ, Madrid
No se sabe muy bien si Dani Martín sigue viviendo experiencias para poder tener munición para sus
discos o si es un adicto a las emociones. “Si dejaran de pasarme cosas sería una putada. No sé si sabría conectar con la gente escribiendo sobre algo inventado”, confiesa. En los tres años que han pasado desde su último trabajo, se
ha enamorado y desenamorado
dos veces y media y todo lo que
sintió en esos momentos se lee en
las canciones de su nuevo disco,
La montaña rusa (Sony). De esas
experiencias ha nacido un álbum
que recupera su sonido más potente. “Lo que me ha sucedido a
mí es lo mismo que a todos”, dice.
Su tercer álbum en solitario recuerda a esos sonidos guitarreros
y explosivos a los que acostumbraba El Canto del Loco, la banda
que acaparó las listas de ventas a
fines de los noventa y principios
de la pasada década. “Ha llegado
el momento de devolverle el lugar a esa parte de mi vida que
decidí apartar hace seis años”,
asegura. Para demostrar que no
reniega de su pasado está sentado
a escasos metros del banco en el
que nació el grupo, en la escuela
de interpretación de Cristina Rota, en Madrid.
Han pasado 20 años, pero recuerda perfectamente cada detalle: “Allí estaba mi clase de music
hall, allí, la de cuerpo, allí, la de
interpretación y la del fondo era
la de improvisación...” Al acabar
la jornada, siempre se quedaba
trasteando con la guitarra con su
compañero y posterior miembro
del grupo, Iván Ganchegui.
En esa época le cabreaba que
no se les tomara en serio por vender muchos discos o “gustarle a
las chicas”. Ahora ha dejado de
buscar la aprobación de todos.
“Hace tiempo que dejé de intentar gustar a todo el mundo; prefiero dedicarle el tiempo a la gente a
La polémica
del ‘reggaeton’
“Si la vida me diera solo do
últimas opciones y esas fue
ran hacer una canción reggaetonera de estas de mo
o morir, elegiría MORIR”,
publicó Dani Martín en Tw
ter el 15 de agosto y se desa
la polémica. Que si “a ver s
te crees Beethoven”, que si
ver si La madre de José es
una obra maestra”... “Me
sorprendí de que tuviera
tanta repercusión”, explica
“Hice un viaje de Cádiz a
Madrid escuchando reggae
ton y todos los temas tenía
el mismo ritmo —comienz
imitarlo con onomatopeya
así que pensé que si mi com
pañía me propusiera hacer
un disco así o la muerte
musical, preferiría la muer
te”. Martín asegura que a l
clásicos de este género com
Julio Voltio sí los respeta.
“Para esa gente que me cri
ca, todo lo que haga va a se
malo, así que para qué per
der el tiempo”, zanja.
la que intereso. La credibilida
no es una lucha para mí”. E
caso, el que la fama llegara
rápido le hizo endurecerse
las críticas, o al menos, es lo
intenta transmitir: “Cuando
piezas a sonar en la radio, pa
que dejas de ser interesante y
es una idiotez. A mí me pa
muy enriquecedor escuchar d
do. Que suene Kase. O y la sigu
te canción sea una de Rapha
No está bien basarse en su
ciones, pero alguna chica ha
do que enviar algún whatsa
Martín preguntándole si el d
está dedicado a ella. Cada un
sus versos describe al milím
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LO QUE DICE LA CRÍTICA DE LA XIX BIENAL DE
FLAMENCO EN LA PRENSA SEVILLANA (15)
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Cómo sobrevivir a la crítica flamenca Como cada nueva edición de la Bienal, la crítica flamenca suscita la polémica entre
artistas y aficionados. Aquí damos algunas pistas para leerla y comprenderla mejor Alejandro Luque / Sevilla / 25 sep
2016
Una Bienal más, la crítica flamenca se sitúa en el ojo del huracán y promueve debates encendidos a favor y en contra.
Aquí proponemos algunas pautas para leerla y comprenderla mejor:
1. El crítico no es un obispo subido a un púlpito. Tampoco un policía que pone multas. Ni un cantor de las virtudes de
nadie. Es un ser humano como usted y como yo, al que se le confía la tarea de presenciar un espectáculo, contar lo que
ha visto y valorarlo. Ni más ni menos.
2. Como ser humano, el crítico es falible. Acude al espectáculo con sus filias y sus fobias, sus querencias personales,
sus debilidades. También con sus problemas: tal vez ha discutido con su pareja, su equipo ha perdido, su medio le paga
mal o no le paga. Todo eso, como sucede al artista, puede influir en su trabajo. Debe tratar, por supuesto, de que no sea
así. O que no se le note. Pero no se le puede pedir que sea objetivo, porque su labor pertenece al campo de la opinión,
es decir, de la subjetividad máxima. Sí se le debe pedir que sea sincero y justo.
3. El crítico es uno más entre el público. A veces puede ser un eximio investigador del flamenco, otras solo un aficionado
al que las circunstancias han puesto en la oportunidad –es decir, en la responsabilidad– de emitir sus opiniones a través
de un altavoz. Pero es, sobre todo, un espectador privilegiado. El espectador que cuenta lo que ha ocurrido sobre el
escenario a quienes no han podido asistir, y que confronta lo que ha visto y oído con el resto del respetable.
4. Por eso resulta absurdo pedirle al crítico que suba al escenario «a ver si él lo hace mejor». Ni falta que hace. O
someterlo, como se oye a menudo, a un examen de compás. Para eso están los artistas. El crítico tiene que ser libre,
abrir los sentidos y valorar en conciencia, y contarlo todo del mejor modo posible.
5. El crítico, como el artista, se gana su puesto por la cantidad de aciertos que sea capaz de acumular. Y perderá crédito
en la medida en que se equivoque mucho. Su firma es su modo de dar la cara. El artista lucha por ganarse el favor del
público; el crítico, su confianza. Si se pasa siempre de severo, los lectores lo tacharán de arbitrario. Si se pasa de
indulgente, lo tacharán de adulador. Un buen crítico es aquel que, entre otras cosas, logra educar y desarrollar el propio
espíritu crítico del público. Lo suyo es abrir el debate, nunca tener la última palabra.
6. Para ello, el crítico no debe limitarse a compartir juicios de valor.También, como su nombre indica, comparte criterios.
Más allá de su valoración de un espectáculo concreto, nos enseña a valorar nosotros mismos lo que vemos. A ampliar
nuestra capacidad y nuestro conocimiento. Esta es una de sus tareas primordiales, insustituibles.
7. El crítico puede llevarse bien con los creadores, incluso pedir y aceptar su amistad en Facebook, o tomar el té de las
cinco con ellos. Pero no debe olvidar que su compromiso no es con aquéllos, sino con el público. Solo a sus lectores
debe explicaciones.
8. El crítico nunca se cree más que el artista, lo cual sería ridículo. Como amante del arte que –se supone– es, sabe en
todo momento que él es el gusano, y que la seda está en el escenario. Pero eso no significa que no tenga su dignidad y
hasta su orgullo de gusano.
9. El crítico debe ser sensible con el esfuerzo que hay detrás de cualquier espectáculo, pero no rehén de ello. Una mala
crítica lastima lógicamente el amor propio del artista, pero no acaba con su carrera, ni siquiera le resta contrataciones (sí
puede ser que no le ayuden a sumar). En el sueldo del artista va ese riesgo, como el de que el público no aplauda lo
suficiente, y hasta lo abuchee. Forma parte de su trabajo. Lo que sí debe saber es que la falsa sensación de que «todo
el mundo es un genio» sí hace daño al flamenco y al arte en general, por su falsedad manifiesta: es un fraude al
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respetable. Si el listón se iguala por arriba se pone a cero, de modo que nadie destaca. Si todo es buenísimo, nada lo es.
10. Ya que está obligado a asistir a los espectáculos, el crítico querría que todo le encantara, pero sabe que nunca será
así. El artista querría encantar a todo el mundo, pero sabe que tal cosa es imposible. Ambos se encuentran y reconocen
en esa quimera. Ambos crecen juntos, alimentándose mutuamente, a lo largo del tiempo.
El triunfo de un trabajador Juan Vergillos
26.09.2016
sonantas en tres movimientos
Guitarra: Miguel Ángel Cortés. Baile: Ana Morales. Coros y palmas: Los Makarines, Dani Bonilla. Percusión: Jorge Pérez
'El Cubano'. Lugar: Teatro Central. Fecha: Sábado 24 de septiembre. Aforo: Casi lleno.
El restallante éxito artístico al que asistimos en la madrugada del sábado al domingo es fruto del tesón. Sin duda, Miguel
Ángel Cortés, que por otra parte no es manco, no es el guitarrista más carismático, y a lo mejor hay otros con más
condiciones naturales en el panorama flamenco actual. Pero sí es el más seguro. Y el más trabajador. Ofreció el recital
de guitarra más completo que hemos escuchado hasta ahora en una Bienal por la que han pasado algunos de los
grandes guitarristas flamencos de hoy.
Fue un concierto dividido en tres partes en el que, a pesar de ser Cortés uno de los guitarristas de acompañamiento más
solicitados, apenas hubo espacio para el cante. Es decir, Cortés puso toda la carne en el asador. Podría haber recurrido
a colaboraciones de lujo, como hacen otros en estos casos. Pero no. Quiso mostrar su guitarra en solitario. Guitarra
flamenca de concierto, como la primera parte del recital en la que ofreció cinco magníficos toques. En ellos pudimos
apreciar sin distracciones, a guitarra pelá, la seguridad de su pulsación, la variedad enorme de sus recursos, su ritmo
arrollador. No es un virtuoso y su guitarra es de una humildad aplastante. En ella no caben exhibiciones ni guiños a la
galería. Todo en su discurso musical es pertinente, claro, transparente.
En la segunda parte le tocó, magníficamente, una solemne farruca del maestro Sabicas para el baile enjundioso, rico
pero austero, visceral pero pulido hasta el extremo, de Ana Morales. La transición hacia la tercera parte se hizo en forma
de polifonía morentiana como un homenaje a Lorca. El final del recital, cuatro toques festeros con palmas, percusión y
unos apuntes de cante. Música brillante pero siempre al servicio de un mensaje. El colofón fueron los tangos del
Sacromonte, esos que Cortés puede hacer incluso en sueños, con una Ana Morales que derrochó desparpajo y compás.
Miguel Ángel Cortés, que mereció en 2014 el Giraldillo del toque, ofreció un recital muy distinto del de hace dos años,
con tan sólo un tema en común en ambos conciertos.
Antonio Canales cuenta la Triana de su memoriaEl bailaor presentó en el teatro Lope de Vega la obra titulada "Trianero"
donde actuaba, por primera vez en su vida, su madre Pastora de los Reyes de 76 años
Marta Carrasco Sevilla25/09/2016
La verdad sobre Triana no la tiene nadie y la tienen todos. Está en la memoria de cada uno de los trianeros, de aquellos
que pudieron quedarse y, sobre todo, de los que se fueron, o mejor dicho, de los que fueron expulsados por la piqueta
que arrasó con los corrales de vecinos de toda la vida.Por eso Antonio Canales, que nació en el corral de la Zaramaya,
ha querido contar su memoria, por eso y porque cuando regresa va siempre como alma errante buscando la Triana que
dejó cuando los echaron y se fueron al otro lado del río. «Esto estaba allí, y esto otro en aquella esquina...»«Trianero»
es la memoria volcada al escenario, la de Antonio Canales y la de su madre Pastora de los Reyes que vivía en la Casa
Honda, donde su padre que era herrero, atendían los caballos de los maestrantes y donde la fragua reunía a los amigos
en las noches de Navidad y otras fiestas. En todos estos recuerdos familiares ha puesto orden Angel Rojas, el bailarín y
coreógrafo, que ha querido hacer varios cuadros de la vida, el trabajo, el amor, la Navidad, la Feria, la pena y el exilio,
haciendo de lo cotidiano algo teatral.El escenario está desnudo y en el fondo varios andamios iluminados. En una de las
esquinas el albero con palas de obra y sobre el montón de tierra Antonio Canales reflexivo, así aparece en la primera
escena.La obra no es una denuncia, sino una reflexión, y los artistas que participan en ella no interpretan ningún papel,
sino que transmiten sentimientos. Por eso el Lope de Vega comprendió desde el minuto uno que aquello era el
espectáculo de unos vecinos de Triana, aunque Carmen Ledesma sea de la Macarena y David el Galli, que nació en
Barcelona, sea de Morón.La noche tuvo también su miajita de sentimiento cuando salió a escena Pastora de los Reyes,
la madre de Antonio Canales, que con 76 años bailó por sevillanas e hizo un cante de su niñez, «La Niña de la Venta»,
mientras su hijo embelesado la mirada. Parecía que ella aún estaba de fiesta en la Casa Honda, en la Triana de su
memoria. Su hijo se lo había prometido y Pastora cumplió su sueño: actuar por primera vez en su vida en una Bienal de
Flamenco. El montaje recorre los palos más trianeros, soleá, tangos, bulerías al golpe, seguiriya e incluso los villancicos
de Navidad con botella de anís.Mete los pies Canales por soleá y sobre todo por bulerías y tangos. El baile de Canales
sigue siendo racial, intenso, pero anoche le echó el gusto de Triana por el detalle Se recogió por bulerías y bailó con el
cante de Herminia Borja, y sobre todo con el quejío intenso de Mari Peña. Luego junto a Carmen Ledesma salieron las
esencias del baile antiguo, del que tuvo retuvo y tendrá. Ambos, ya en esa generación de maestros, quisieron dejarlo
dicho.Carmen Ledesma es una de las mujeres que más transmite en su baile y no defraudó por seguiriyas, con gestos,
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con fuerza, con ganas y sobre todo con sentimiento. Por bulerías no se echó atrás, cogió el mantón y lo revoleó a placer.
Y al final, con los palillos, no pudo ser más hermosa estampa.Dos jóvenes bailaores interpretan los papeles de
«maestrantes», vestidos con chaquetas y corbatas: Pol Vaquero y El Polito. Fueron dos magníficos jóvenes en esta
vademecum de edad, con un atrás que también participó en el baile. El público se lo pasó en grande y se puso en pie
jaleando al trianero que agradeció con lágrimas la entrega del respetable. «Trianero» es un montaje íntimo, personal,
ordenado en su ejecución. Es como el pago de una deuda que Canales tenía con su barrio, y con su madre Pastora.
«Trianero» es la memoria, los recuerdos, esos que aún siguen vivos, aunque se viva en la Luna.Ficha artísticaDirección
general: Antonio Canales. Dirección artística: Angel Rojas. Guión e idea original: Antonio Canales y Angel Rojas.
Coreografía: Antonio Canales. Elenco artístico: Antonio Moya, Carmen Ledesma, David el Galli, El Maera, El Polito,
Herminia Borja, Luis Peña, Mari Peña, Paco Iglesias, Pastora de los Reyes, Pol Vaquero. Teatro Lope de Vega. 25 de
septiembre de 2016.La madre que parió a CanalesSolo un artista como Canales, romántico como él solo y loco de atar,
era capaz de llevarnos de la mano a aquella Triana, enseñarte las chinches de los colchones de borra y, de paso,
meterte debajo de la piel la emoción de lo puro, aunque ya casi nadie crea en la pureza de lo jondo, tan denostada
Manuel Bohórquez / Sevilla / 26 sep 2016
He investigado tanto en la Triana flamenca, a sus gitanos y gachés artistas o simples aficionados, aquella forma de vida
del XIX que dio una manera concreta de interpretar el flamenco, unas músicas y unas letras, que anoche fui al Lope de
Vega más como aficionado curioso que como crítico de flamenco. Quería que Canales me cogiera de la mano y me
llevara a su barrio, que me enseñara cómo modelaban el barro los alfareros del Barrio Nuevo y domaban el hierro los
herreros de la calle San Juan Evangelista, donde vinieron al mundo los Pelaos, martineteros de raza, y Curro Puya no
dejaba dormir a nadie con sus tonás y bravuconadas. Deseaba que me contara las penurias de sus antepasados y
también sus momentos felices, de fiesta, en esos corrales con gatos durmiendo al sol y los jazmines embriagando los
sentidos. Solo un artista como Canales, romántico como él solo y loco de atar, era capaz de llevarnos de la mano a
aquella Triana, enseñarte las chinches de los colchones de borra y, de paso, meterte debajo de la piel la emoción de lo
puro, aunque ya casi nadie crea en la pureza de lo jondo, tan denostada.
Me sorprendió la escenografía, con dos grandes andamios metálicos y un camión de arena en el mismo escenario, con
su pala y todo. Tambiénlo mal iluminada que estuvo la obra en general, que comenzó lenta y algo tediosa. Los tientos de
la utrerana Mari Peña, estupenda, en artista y en cantaora, y la soleá de Carmen Ledesma, empezaron a darle altura
flamenca al espectáculo. Pero creo que todos esperábamos a Pastora de los Reyes, Mamá Pastora, la madre de
Antonio Canales, porque era su debut en un escenario. Ya en las sevillanas que bailó junto a su propio hijo estuvo
encantadora, con arte, moviendo los brazos con una naturalidad que enamoraba. Luego, cuando cantó y bailó por
bulerías, acabó con el cuadro. Toda una lección para quienes han convertido el baile flamenco en una disciplina atlética.
Me encantó el sevillano Luis Peña, cantaor y bailaor a la antigua usanza, recordando a Miguel Funi y Paco Valdepeñas,
sus maestros. La personalidad de Herminia Borja en las tonás y la sencillez de El Maera en los villancicos. Fueron
pinceladas de un espectáculo en el que el maestro Canales ofició de anfitrión, bailando seguiriyas, soleares y tangos a
su estilo, y hasta sevillanas. Muy emocionado a veces, quizás por ver por fin a su madre sobre un escenario de Sevilla,
no muy lejos de Triana, enamorándonos a todos con su arte natural. Lo fácil que parece lo sencillo, pero también lo
sencillo hay que mamarlo para convertirlo en arte.
Antonio Canales quería que Trianero, su última obra, enamorara por su sencillez y eso lo logró con creces. También
quiso enseñarnos esa otra Triana que no aparece en las postales turísticas, y la vimos, a pesar de la escasa luz. Si el
maestro quedó contento, nosotros también. Sobre todo con la madre que lo parió.
Trianero***
XIX Bienal de Flamenco de Sevilla. Teatro Lope de Vega. 25 de septiembre. Coreografía:Antonio Canales. Director
artístico: Ángel Rojas. Artistas: Antonio Moya, Carmen Ledesma, David El Galli, El Maera, El Polito, Herminia Borja, Luis
Peña, Mari Peña, Paco Iglesias, Pastora de los Reyes, Pol Vaquero.
Epístola a Pastora de los ReyesTriana, con 'Trianero', ha superado el trauma de la fingida autenticidad de lo autóctonoEl
plano afectivo emocional cobra sentido en la perspectiva de una Bienal de FlamencoMANUEL MARTÍN MARTÍN
@LaAzagayaSevilla/26/09/2016'Trianero'Espectáculo: Estreno de 'Trianero', de Antonio Canales / Al baile: Antonio
Canales, Pastora de los Reyes, Carmen Ledesma, Pol Vaquero, Luis Peña y El Polito / Al cante: David el Galli, Herminia
Borja, Mari Peña y Juanlu Vega 'El Maera' / Al toque: Antonio Moya y Paco Iglesias / Dirección artística: Ángel Rojas /
Dirección general: Antonio Canales / Lugar y fecha: Teatro Lope de Vega. 25 de septiembre de 2016 (Tres estrellas)
Estimada mamá Pastora: A los foráneos cuesta creer el sentido de vinculación al lugar de nacimiento. Tampoco lo
reconocen como hábitat con sonidos propios y con modos de vida diferentes los mismos que contribuyeron a la
marginalización, que es, justamente, la que ha obligado a conservar su identidad propia.Me refiero a tu barrio. No es el
más antiguo, que lo fue el de la Macarena, pero el arrabal de Triana necesitaba demostrar que su acción jonda tiene
diversos matices, que es inútil apoderarse de las esencias del arrabal sin conocerlo, o que desconociendo los límites de
la realidad sólo se logra violentarlo, de ahí la importancia de 'Trianero', un montaje donde el plano afectivo emocional
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cobra sentido en la perspectiva de una Bienal de Flamenco.Cada espectáculo que aluda a Triana es la reafirmación de
lo autóctono, la afirmación para advertir al espectador acerca de sus puntos flamencos fundamentales. Pero afirmar es
sentir que algo es posible. Es renovar la esperanza de ver el desarrollo de una historia de vida con desventaja
sociocultural. Es, en definitiva, denunciar a quienes lo marginaron -magníficos en su papel Pol y El Polito-, y abrir las
puertas de la fragua del abuelo José Canales -de quien Antonio recoge el apodo artístico-, a la posible creación de una
realidad aunque pueda verse inducida al fracaso.Has querido que tu Antonio abra las puertas del Corral de Saramaya,
en lo que antaño fue el número 76 de la trianera calle Castilla. Y allí, al calor de la fragua y de los cantes del abuelo y los
de La Nini; de la alfarería artesanal del padre y de tu cante y baile gitano, estimada Pastora de los Reyes, ha constatado
que con el paso del tiempo quedaron expectativas adormecidas y anuladas por mor del choque de las distintas culturas
sociales y las alternativas de vida posibles que no comprendieron el sentido de la exclusión.Ya quedó señalado en el
himno de la obra: "En Triana yo nací / casi nunca lo digo / no me gusta presumir". Y ahí entró la enjundia de El Galli por
soleá, cabales o fandangos de Huelva soportando las riendas del caballero maestrante; el goce de Herminia por
martinetes, la voz vibrante de Mari, la elegancia de Luis por bulerías o la honda expresividad de Carmen Ledesma en la
soleá.Eso y mucho más es 'Trianero'. Me importó un bledo si se cantó, tocó o bailó mejor o peor. Sólo me fijé en el
disfrute que supuso la reafirmación en su doble sentido, colectiva e íntima. Es en ese proceso relacional donde tu
Antonio tuvo el tino de establecer el configurador esperado de la identidad. Ahí fijó tu hijo la clave, en la denominación de
lo personal. Y por eso la compartió con otros territorios, para señalar cómo cimentar una sociedad flamenca y gitana
basada en las relaciones humanas en clave de esperanza.Tu Antonio le bailó a los señoritos por dos bollos de pan para
repartirlo entre los suyos y con la misma rebeldía le hizo un monumento a la soleá, a la bulería y a los tangos. Es decir,
se reconoció a sí mismo celebrando sus 40 años con el baile. Pero insisto, reconocer a los otros y el que te reconozcan,
como así aprendió de sus abuelas, Manuela y Rosario, es una necesidad del 'Trianero' que requiere establecer vínculos
profundos. Y ahí estabas tú, apreciada Pastora, que a tus 76 años, con tu cante por sevillanas o con el cuplé por
bulerías 'La Niña de la Venta' que popularizara Lola Flores, debutaste evidenciando que no se deja de ser quién es, sino
que ha habido una evolución para que el olvido no provoque un retroceso que sería la involución, la regresión de lo
construido. El aletear de tus manos como palomas fue un grito de libertad frente al opresor, y el sonido dulce de tus pies
fue el clamor de paz que rompió el silencio. Gracias a ti, mamá Pastora y a tu Antonio, porque esa forma de entender el
marco de las relaciones sociales en el flamenco repercute en un modelo diferente de ver los vaivenes del arrabal, a más
de provocar una acción y una reacción en la realidad. Triana, con 'Trianero', ha superado el trauma de la fingida
autenticidad de lo autóctono. Y quien no lo entienda, que consulte al madrileño Ángel Rojas o que acuda a Antonio
Burgos, que a la pregunta de qué es trianear, la respuesta cayó desde el cielo hasta la calle San Jacinto número 41,
donde habita la Estrella que vigila las dos Cavas: "Pues que un Cristo hasta sentáo ande sobráo de compás". ¿Habrá
mejor forma de reafirmarse en lo autóctono?
P.22
El alcalde solicita más
agentes de la Guardia Civil
El alcalde,
Francisco Provincia
Cordero, ha aproABC Sevilla
vechado la presencia de la subdelegada del Gobierno en Sevilla, Felisa
Panadero, en la reunión de la Junta
Local de Seguridad preparatoria de
PAÍS: España
la feria de octubre para solicitarle
mayor
presencia
PÁGINAS:
12 de agentes de la
Guardia Civil en el municipio. Le ha
TARIFA: que
7272
€
recordado
la Guardia
Civil Rural
presta servicio además de en El CuerÁREA:
728 yCM²
80% A.H
vo,
en Lebrija
Las -Cabezas.
Abierto
el plazo
para la
FRECUENCIA:
Variable
feria de las oportunidades
O.J.D.: 21084
Permanece abierto el plazo para que
106000
losE.G.M.:
comercios
de la ciudad soliciten
su participación en la IX Feria del
SECCIÓN:
PROVINCIA
Stock
y las Oportunidades,
que orga-
niza la Asociación de Pequeños y Medianos Empresarios (Apyme) del 10
al 12 de noviembre. La muestra volverá a unir el sector del comercio con
el de la hostelería ofertando todo tipo
de artículos, ocio y actividades de dinamización. A.H.
27 Septiembre, 2016
casi dos décadas es profesor en el Conservatorio Superior de Badajoz y a pesar de nacer en un lugar tan marcado
por la tradición flamenca como Utrera, ha llegado al flamenco por otras
vías, después de formarse académicamente en el mundo de la música clásica y contemporánea. Ha conseguido
fundir estilos que aparentemente no
tienen nexos de unión entre sí, introduciendo en el flamenco instrumentos como la marimba y siendo reconocido por ello con premios como el «Filón», que otorga el festival de La Unión
al mejor instrumentista flamenco.
La percusión en el flamenco
En su espectáculo «Al Golpe», Antonio Moreno utiliza todo tipo de instrumentos de percusión
J.A. FERNÁNDEZ
UTRERA
Lo mejor del compás utrerano
desembarca en la Bienal
· Antonio Moreno
protagoniza un
espectáculo dedicado
a la percusión
ALBERTO FLORES
UTRERA
Con solo nueve años, el utrerano Antonio Moreno comenzó a descubrir el
apasionante mundo del ritmo tocando la caja en una banda de música de
Semana Santa. Desde esos inicios, estaba claro que la percusión no iba a
pasar de puntillas por la vida de An-
tonio quien demostraba un interés por
la música muy llamativo para su edad,
ya que practicaba más de dos horas
cada día.
Ahí comenzaba una historia en la
que ha tenido la oportunidad de escribir bellos capítulos y que nos lleva directamente hasta la actualidad, ya que
en el día de hoy Antonio Moreno va a
ser protagonista de un hito en la Bienal de Flamenco de Sevilla. A partir
de las 19.00 horas, la iglesia de San Luis
de los Franceses va a acoger su obra
«Al Golpe». «Es una oportunidad para
mí única, porque normalmente en la
Bienal se programa mucho baile, cante y toque, o espectáculos dedicados
a instrumentos como el piano o el saxofón, pero creo que es la primera vez
que se hace una obra exclusiva para la
percusión, para mí es muy importante y quiero estar a la altura», confiesa
el utrerano.
Antonio Moreno ha protagonizado
un interesante recorrido para llegar al
enorme músico que hoy es. Desde hace
Inicios cofrades
El artista utrerano se inició
en la percusión tocando la
caja en una banda de
Semana Santa
«Al Golpe» es un espectáculo que aparece como una revisión de los distintos enfoques de la percusión hacia el
flamenco, donde se puede encontrar
baile, música clásica, música contemporánea y pinceladas de performance. Antonio llega a la Bienal con todo
su arsenal, por lo que en la obra va a
utilizar una amplia gama de instrumentos de percusión, como timbales,
percusión sinfónica, marimba, vibráfono e incluso hay piezas en las que
solo utilizará partes de su cuerpo para
hacer percusión, como los pies, manos y nudillos, valiéndose de todo tipo
de superficies. Un programa en el que
también hay una pieza en la que cuenta con la colaboración del bailaor Israel Galván, al que ha acompañado en
sus giras durante muchos años.
Su formación musical es principalmente académica, adquiriendo herramientas que le han dado mucho terreno para abarcar otros instrumentos,
otras técnicas y otros lenguajes musicales que habitualmente no se encuentran presentes en el mundo del flamenco. «Me siento orgulloso por la responsabilidad de ser un artista utrerano
que investiga el flamenco con el peso
que tiene el flamenco en Utrera. Estoy
muy motivado por ser capaz de crear
una obra distinta a lo habitual pero
que al mismo tiempo encaja muy bien
con la idiosincrasia de Utrera que ha
destacado siempre por dar artistas
muy distintos entre sí», explica.
Este utrerano entiende que la percusión y el ritmo están presentes en
cualquier momento y en la naturaleza que nos rodea, por ello no es extraño sorprenderlo tratando de no olvidar un golpe, un zapateo o un compás
que ha detectado en alguna situación
cotidiana y que acabará en su espectáculo.
P.28
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LUIS YBARRA / Sevilla
27/09/2016 20:40h - Actualizado: 27/09/2016 20:40h.
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La libertad es un pilar fundamental para la creación artística. Pero si no se
profundiza en el concepto, se puede caer en el libertinaje. En la tarde de
ayer se presentó «Al Golpe» bajo la dirección de Pedro G. Romero y con
el percusionista Antonio Moreno como cabeza de cartel. Que la riqueza del
compás de este género sea tan inmensa como para protagonizar un
concierto y no aburrir, es un triunfo del flamenco. Pero la línea que separa a
la vanguardia del absurdo es, en ocasiones, delgada. Y este espectáculo
jugaba a la comba con ella. Por momentos resultaba difícil seguir el hilo
conductor, que lo había. Una compleja historia de pistoleros y gamberros
narrada a través de golpes de instrumentos y objetos. Todo se simplificaba
en el programa de mano. De repente, algo cobraba sentido. El ritmo vibraba
y el público alzaba la cara. Pero se volatilizaba en la fugacidad de un
instante.
Por supuesto, hubo buenos momentos durante la tarde en San Luis. Juan
José Amador colaboró cantando saeta, taranta y soleá por bulería con
acompañamientos de gong, xilófonos y otros instrumentos improvisados,
como mesas o platos. El sevillano tiene las esquinas del pescuezo afiladas.
Y todo lo que filtra por las amígdalas aparece magistralmente quebrado.
Suele brindar su cante tras el baile, pero es todo un lujo oírlo gemir alante.
El músico Agustín Jiménez interpretó una minera de Paco de Lucía,
también con xilófono. Y Antonio le siguió con la rondeña de Ramón
Montoya. La música que consiguieron fue bella e interesante.
la
A lo largo de la historia numerosos artistas han tratado de Desfiles
explicar de
aquello
Las flores son
sexta edición de
del compás interno. Una afirmacióntambién
abstracta
pero
existe.
Y
para
elreal. Porque
Code 41
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otoño del ritmo. Lo muestra
Day agitando
Antonio Moreno lo tiene. Es un prodigio
varas sobre el aire, golpeando piedras o tambores. El soporte no le importa.
Pero la presentación de esta performance experimental no se entendió
Armario de otoño de
una «working girl»
2
¿Por qué nos
encanta la
cosmética
coreana?
Elige un vestido
plateado para
una noche
especial
1
Todo lo qu
necesitas
para disfr
la berrea
demasiado. Voces en off, ruidos de botellines, cucharas y sonidos guturales.
Todo rozaba el surrealismo. A veces divertido. Otras inentendible.
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El baile de Pastora Galván y el cante de 'El Granaíno' y
'Rancapino hijo' llegan este miércoles a la Bienal
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27/09/2016 17:47
El cantaor Rafael de Utrera ofrece un recital en San Luis de los Franceses y
Chiqui Cienfuegos muestra su 'Crisis' en el Cicus
SEVILLA, 27 (EUROPA PRESS)
El baile y el cante son los protagonistas de la jornada del miércoles 28 en la
Bienal de Flamenco, un proyecto del ICAS del Ayuntamiento de Sevilla, con el
nuevo espectáculo de Pastora Galván y los conciertos de 'El Granaíno' junto a
'Rancapino Hijo' y Rafael de Utrera.
Así, según un comunicado, el Teatro Lope de Vega verá en primicia a las 20,30
de 'Mírame', el nuevo espectáculo de la bailaora y coreógrafa Pastora Galván,
que es una retrospectiva sobre sus diez años con compañía propia. La obra
incluye piezas representadas en 'La francesa', 'Pastora', '&dentidades' y
'Moratana', al tiempo que avanzará coreografías que formarán parte de
próximos montajes. En esta ocasión, la artista sevillana vuelve a contar con la
asistencia en la dirección de su hermano Israel Galván, quien la ha ayudado en
la selección del repertorio. Sobre el elenco, por primera vez bailará con voces
femeninas, las de Angelita Montoya y La Tana.
Otras dos de las voces, esta vez masculinas, son las de Pedro 'El Granaíno' y
Alfonso Núñez 'Rancapino Hijo', quienes comparten las tablas del Teatro
Central a las 23,00 con el concierto de cante titulado 'Se funden los metales'. Se
trata de un recital de corte tradicional en el que intervendrán primero por
separado y ya en la última parte, conjuntamente, interpretando zambra, soleá
por bulería, bulerías y fandangos. La propuesta cuenta con las guitarras de
Antonio Higuero y Antonio Patrocinio Hijo, el piano de Sergio Monroy y el
violín de Sophia Quarengui.
Por su parte, San Luis de los Franceses alberga un nuevo recital de flamenco
tradicional con el cante de Rafael de Utrera a las 19,00. Con motivo de su
intervención en la Bienal, el cantaor crea un espectáculo adaptado al marco y a
la ocasión. Un concierto clásico e intimista, de repertorio variado que va desde
la vidalita, farruca y peteneras hasta los romances martinetes y tonás.
En el Cicus, el pianista Chiqui Cienfuegos con su Quinteto presenta a las 21,00
su primer disco titulado 'Crisis' dentro del ciclo 'Bienal con ñ' en el que colabora
la Fundación Sgae. Para su directo, el músico cuenta con la colaboración
especial al baile de Rosario Toledo y con Juan José Amador como artista
invitado en el cante. Lo acompañan además Manuel Sierra en el bajo eléctrico y
contrabajo y Manuel Reina en la batería.
20 AÑOS DE CRISTINA HEEREN EN SEVILLA
Con motivo de su 20º aniversario, la Fundación Cristina Heeren de Arte
Flamenco ha abierto sus puertas en el marco de la Bienal de Flamenco. El
director Cristóbal Ortega ha visitado la escuela en compañía de la fundadora
del proyecto, Cristina Heeren, su directora académica, Pepa Sánchez, así como
los profesores Pedro Sierra, Javier Barón y Juan José Amador entre otros
artistas.
El recorrido se detuvo en las diferentes aulas para presenciar las lecciones de
cante de acompañamiento al baile, guitarra de acompañamiento al cante,
técnica de baile o compás flamenco y se ha completado con la proyección del
documental 'Escuela de flamencos' que ya prepara su exhibición internacional.
La Fundación ha estado muy presente durante esta Bienal con la producción de
'Aviso: Bayles de Jitanos' de Antonio Molina 'El Choro' y 'Mujeres de sal' de
Laura Vital.
Asimismo, el Espacio Santa Clara ha visto la presentación de la colección
'Flamenco y cultura popular' de la Editorial Athenaica, enfocada a
publicaciones digitales. El acto ha contado con el director de la Bienal,
Cristóbal Ortega, el editor de Athenaica, Sergio Rojas-Marcos, el coordinador de
la colección, Pedro G. Romero, y los autores de las dos obras presentadas, José
Manuel Gamboa y José Luis Ortiz Nuevo.
La colección se ha presentado con la publicación de '¡En er mundo! De cómo
Nueva York le mangó a París la idea moderna de flamenco' de José Manuel
Gamboa, la reedición de 'Pepe el de la Matrona: Recuerdos de un cantaor
sevillano' de Ortiz Nuevo y el próximo lanzamiento de 'El ojo partido:
Flamenco, cultura de masas y vanguardias. Tientos y materiales para una
corrección óptica a la historia del flamenco' del propio Pedro G Romero, quien
ha manifestado que "estos libros son importantes para entender de manera
poética el flamenco".
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