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Programa
E. Arrieta (1823-1894)
El Dominó Azul
(APROX. 95’)
“Versión Concierto”
SOLISTAS
Sonia de Munck, soprano
Mónica Campaña, soprano
José Luis Sola, tenor
Javier Franco, barítono
Francisco Santiago, bajo-barítono
José Mª Asín, actor
C O R O D E L T E AT R O D E L A Z A R Z U E L A D E M A D R I D
Antonio Fauró, director
DIRECTOR
Cristóbal Soler
PAMPLONA
-
AUDITORIO
BALUARTE
Jueves 14 y viernes 15 de mayo de 2015. 20 horas
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Plaza de Baluarte. Pamplona
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a ópera fue, seguramente, el género musical preferido por la
alta sociedad madrileña del siglo XIX. Sus representaciones
vivieron la gestación de numerosos proyectos, económicos y
familiares, y fueron retratadas por novelistas como Pérez
Galdós y por otros escritores de la época. Como en la mayor parte de
los escenarios europeos, en los de la capital española de la primera
mitad del siglo se escuchaba sobre todo a Rossini y a los máximos
representantes del bel canto italiano, Donizetti y Bellini, antes de la
imparable entrada en ellos del gigante Verdi. La italianización de la
ópera en los principales escenarios españoles y el hecho de que sus
destinatarios fueran oyentes de la alta sociedad propiciaron, a mediados de siglo, el nacimiento de la zarzuela, un género genuinamente
español y que fue muy bien acogido por clases más populares.
Cuando Juan de Castro explicó el origen y la difusión de la zarzuela del siglo XIX en su artículo titulado “Reseña histórica de la zarzuela”
[1883], se habían definido ya las ideas que durante décadas iban a
acompañar al principal género español de música escénica en los
siguientes cuatro puntos:
1º. La zarzuela agrada a las clases populares por el carácter desenfadado de su música y por estar escrita en castellano.
2º. La zarzuela llena un espacio teatral que está cubierto en el
resto de las naciones europeas con formas de teatro nacional.
3º. La zarzuela ha venido a sustituir a la ópera italiana en las preferencias del público.
4º. La zarzuela “moderna” no tiene más que una relación nominal con la zarzuela del siglo XVII y entre ellas no existe ningún vínculo
formal.
Los defensores del género, cuando aún éste era un recién nacido,
hacían hincapié en los considerables beneficios económicos con que
gratificó a empresarios y cantantes, y destacaban el papel que desempeñó en la labor de sacar al teatro español de la crítica situación vivida
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a lo largo de las primeras décadas del siglo. Esto fue descrito por Vélaz
de Medrano en su “Album de la Zarzuela”, publicado en 1857 con motivo de la inauguración del Teatro de la Zarzuela.
Efectivamente, la construcción del Teatro de la Zarzuela de la calle
Jovellanos mostró la fuerza con que se había instaurado esta música
desde unos años antes, cuando era representada en el Teatro del Circo.
Uno de los principales artífices de su éxito fue Francisco Asenjo
Barbieri (1823-1894), cuya figura ha sido estudiada en profundidad
por Emilio Casares. En sus numerosos escritos sobre zarzuela Barbieri
expone ideas como estas: “la zarzuela debe tener importancia en sí
misma, no solo porque contribuye a generalizar el buen gusto, sino porque
puede ser el plantel de donde nazca la grande ópera española”; o “la ópera
española necesita compositores y cantantes”. Además, Barbieri se dio
cuenta de las similitudes que se encontraban entre la zarzuela y el teatro de la ópera cómica francesa. Debemos tener en cuenta que en el
Madrid de mediados del siglo XIX el teatro francés era muy popular: se
representaban semanalmente “comédies” y “vaudevilles” en francés
que inspiraron en temas y estilo a otras que salieron de la pluma de
compositores españoles como Emilio Arrieta.
La investigadora I. Porto San Martín ha explicado recientemente
que la zarzuela y la ópera cómica francesa compartieron dos rasgos
fundamentales: en ellas se alternó lo hablado y lo cantado, a la vez que
se desarrollaron libretos de registro cómico. “En efecto, al público parisino y al público madrileño les gustaba un tipo de obras que mezclaba un
tono ligero con la fuerza del sentimiento y donde la “vis” cómica no excluía
cierta tensión dramática”. Sobre esto, Barbieri llegó a afirmar: “las zarzuelas son esencialmente la misma cosa que las óperas cómicas francesas,
sin más diferencia que el idioma y el vestido musical, cortado a la española, con que se les engalana”.
Así pues, algunos de los primeros títulos de zarzuela publicados
alrededor de mediados de siglo fueron inspirados por obras cómicas
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francesas cuyos contenidos y estética musical adaptaron con éxito
escritores y compositores españoles. Entre los escritores destacó sin
duda Francisco Camprodón (1816-1870); y entre los compositores el
ya mencionado F. A. Barbieri y los navarros Emilio Arrieta (18211894) y Joaquín Gaztambide (1822-1870), este último, además, destacadísimo director de orquesta en la España de aquellos años. Según
Emilio Casares, estos tres artistas contribuyeron a formar un equipo
dinámico y altamente preparado para afrontar el gran desafío de su
tiempo: elaborar un teatro lírico nacional.
Cuando Emilio Arrieta y Francisco Camprodón colaboraron en la
composición de “El dominó azul” (1853), el compositor de Puente La
Reina llevaba varios años trabajando en Madrid, después de haber
recibido formación musical en Milán a instancias de su hermana
Antonia. La reina Isabel II le había nombrado en 1848 maestro de
canto de Palacio y había estrenado ya sus óperas “Ildegonda” (1846) y
“La conquista de Granada” (1850), obras de marcada influencia italiana. Tras una estancia nuevamente en Milán, Arrieta regresó a Madrid
en marzo de 1852, donde el enorme éxito conseguido por Barbieri con
“Jugar con fuego” contagió al navarro las ganas de iniciarse en el género de la zarzuela con “El dominó azul”.
La elección del tema de la nueva zarzuela fue inspirada en la idea
de los “dominós” o trajes con máscara que se utilizaban en los bailes
de disfraces que tenían lugar en la Ópera de París y que dieron lugar a
varias obras teatrales francesas. Durante años se pensó que
Camprodón se había basado en “Le Domino noir” de Scribe (1837),
pero sabemos que los argumentos de ambas obras no tienen nada en
común. Después se insinuó que la inspiración pudo venir de “Le
domino bleu”, una “comédie-vaudeville” de Boulé y Dutertre (1836).
Después de todas las investigaciones llevadas a cabo por Mª Encina
Cortizo e Isabelle Porto, parece que el libreto de “El dominó azul” que
escribió Camprodón se encuentra a medio camino entre el vaudeville
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titulado “Le domino rose” de Ancelot y Duport (1834) y la gran ópera
“Gustavo III o un baile de máscaras” de Auber y Scribe (1833).
“El domino azul” es una comedia de enredo organizada en tres
actos, ambientada en la corte de Felipe IV, en la que no faltan amoríos, celos e intentos de venganza y engaños y un baile de máscaras. Con
ayuda de un narrador añadido al libreto, se cuenta la historia. El argumento presenta como protagonistas al rey, poeta, galán y salvador de
doncellas, y a la dama de la reina doña Leonor de Haro. Entre las
situaciones de enredo que presenta encontramos la sorpresa del rey al
descubrir que la dama del “dominó azul” que ha bailado con el no es
doña Leonor sino la intrigante marquesa de San Martín que utilizó el
mismo disfraz.
El estreno de “El dominó azul” tuvo lugar el 19 de febrero de 1853
y el éxito fue clamoroso; los actores y músicos tuvieron que repetir
doce de los quince números de la zarzuela. La influencia italiana en las
melodías es evidente y fue alabada por el propio Barbieri que escribió:
“el señor Arrieta, compositor que, aunque muy español, por sus aficiones y
por su procedencia artística del Conservatorio de Milán puede simbolizar
los elementos italianos que han contribuido a dar realce a la nueva escuela lírica española”.
Quizás el mayor logro de Arrieta en esta zarzuela y en otras de la
época sea la exquisita capacidad para transmitir la psicología de los
personajes a través de la música. Por ejemplo, en la “Romanza” de
Leonor (nº 4), la música, en palabras de Isabelle Porto, “desvela la fragilidad del personaje, cuya línea melódica se quiebra al temer la infidelidad de Herman (su amado), cuando la flauta y el clarinete no dejan de
acompañarla”. Asimismo, Herman hace estallar su cólera en su
“Romanza” (nº 9) y para ello, Arrieta compuso una frase musical de
línea descendente en tono menor y sostenida por el trémolo de las
cuerdas. “El canto parece así simular su desesperación”.
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Hay que destacar también el importante papel que desempeñaron los coros en esta y otras zarzuelas de la época. En “El dominó
azul”, Arrieta utiliza el coro para mostrar la asamblea de cortesanos en
el nº 11 “Coro de la murmuración” que pone en peligro el honor de doña
Leonor en el tercer acto. Según Isabelle Porto, “la repetición de su nombre por el coro con el tutti orquestal, el movimiento ostinato de las violas
sugiriendo los cuchicheos, son ejemplos de los muchos medios empleados
por Arrieta para unir la música al drama. El coro simboliza un personaje
colectivo que constituye un emblema del Teatro Romántico”.
Con ayuda de Joaquín Gaztambide, Arrieta compuso una zarzuela en la que muestra su dominio de la orquesta, equilibrada y refinada
en sus diálogos de timbres, y un apoyo insustituible de la intensidad
dramática de la obra y de la psicología de cada personaje. En cuanto al
carácter italiano de su estilo, María Encina Cortizo concluye en su
tesis que este se debió a la estrecha unión de música y poesía “marcando el límite de las aspiraciones dramáticas de la zarzuela, sin excesivo
amaneramiento ni ampulosidad”. Arrieta amplió el género de la zarzuela y lo dotó de elegancia y de riqueza orquestal. Hay que añadir que
durante todos los años que Arrieta dirigió el Conservatorio de Madrid,
trabajó con gran interés en la inmensa labor de crear, desde cero, una
base para la pedagogía musical de nuestro país, creando clases de conjunto instrumental, mejorando el sueldo de los profesores, instalando una biblioteca musical, terminando la construcción de una gran
sala teatro y recuperando las clases de declamación para los cantantes.
Mar García Goñi
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ACADEMIA
SARASATE
PAMPLONA. 29 JUN / 4 JUL 2015
CURSO DE INTERPRETACIÓN ORQUESTAL
DIRIGIDO A
Instrumentistas de violín, viola, violonchelo y contrabajo
Titulados superiores (18-30 años)
Alumnos de enseñanzas superiores (18-30 años)
Alumnos amateurs o aficionados (mayores de 18 años)
PROFESORES
David Peralta (Violín: Orquesta Filarmónica de Holanda)
José Montón (Violín: Orquesta de la Ópera de Munich)
Germán Clavijo (Viola: Orquesta Sinfónica de Londres)
José Mor (Violonchelo: Orquestra Simfònica de Barcelona [OBC])
Luis Cabrera (Contrabajo: Orquesta Filarmónica de Holanda)
Christian D. von Eitzen (Networking y Herramientas 2.0)
MÁS INFORMACIÓN
www.sarasatelive.com
[email protected]
34 948 229 217
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El Dominó Azul. Argumento.
ACTO PRIMERO
La joven dama de la corte, doña Leonor de Haro, camarera de la
reina, está enamorada del galán Herman, paje del rey, que le corresponde. La Marquesa de San Marín, coqueta mujer casada, atraída también por Herman, recibe la solicitud del Vizconde del Jalón de ayudar
al Marqués de Heliche, hermano de Leonor que está oculto en Madrid
quebrantando así el destierro que el Rey le había impuesto en castigo
de sus delitos. El joven desea demostrar su lealtad al soberano vertiendo sangre enemiga si el monarca se lo permite, para lo que solicita la
intercesión de la Marquesa. Ésta, desdeñada por Herman, trata de
urdir una intriga para vengarse de él y de Leonor. El soberano, prendado también de Leonor, confía al Marqués su deseo de librarse de los
celos de la reina y le comunica su plan de partir los dos al Pardo de
caza, y regresar la noche del baile de máscaras de incógnito para poder
coquetear a su antojo sin sufrir los celos de sus esposas. Antes de partir, el Rey pregunta a su paje Herman cómo irán vestidas al baile de
máscaras que se celebrará en palacio la noche siguiente, las damas de
la corte, conociendo que Leonor acudirá con un dominó azul.
En la antecámara del rey, los cortesanos chismorrean sobre los
amores del soberano con Leonor. Ella se lamenta de la mancha en su
honor, preguntándose la causa de aquel embrollo; su dolor es aún
mayor al saber que Herman tampoco ha creído su palabra. Leonor,
mujer valerosa, solicita presentarse ante el Rey —quien ya había dudado de la chanza— confiando al soberano que tiene una perfecta coartada, ya que a la hora del baile, ella visitó a su hermano que ha burlado su
destierro y está en Madrid para pedir clemencia a su majestad. El Rey
solicita la presencia de toda la corte en su antecámara y revela que la
noche del baile consiguió quedarse con una prenda de la tapada con la
que recorrió los jardines, mostrando un bello pañuelo de encaje
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flamenco que, como reveló él mismo en el acto primero, el Marqués ha
regalado a su esposa para contentarla y poder coquetear a sus anchas
en la corte. Cuando el Marqués entra en la antecámara, alaba la belleza del pañuelo que corre de mano en mano, desconociendo que el Rey
ha revelado que era el que sustrajo de la tapada del baile de máscaras.
El embrollo se soluciona así favorablemente, siendo destituida la
Marquesa de los servicios de la reina y perdonando Leonor a Herman
por haber dudado de su palabra. El Rey concede a Herman la mano de
su amada y perdona a Heliche para que pueda borrar su afrenta en el
campo de batalla.
ACTO SEGUNDO
Ya en el baile de máscaras, la Marquesa, disfrazada de hechicera
como había anunciado a sus íntimos, convence a Leonor —ataviada con
un sencillo dominó azul por respeto al destierro de su hermano— a fin
de que salga del baile y acuda a visitar a su hermano, oculto en Madrid.
Apenas Leonor se ausenta, la Marquesa, que como camarera de la
reina tenía habitación en palacio, se cambia de traje y regresa como si
fuera Leonor, cambiando su disfraz por un dominó azul. El Rey y el
Marqués han regresado de incógnito al baile, y tratan de encontrar a
Leonor. También Herman lo intenta, requiriendo a la Marquesa, ataviada con un dominó azul, que lo rechaza. Por fin el Rey la encuentra y
ella le ofrece su brazo, siendo conducida fuera del salón por los sombríos jardines del Retiro ante los reproches de Herman. Los asistentes
al baile, y en especial el marido de la Marquesa, que servía al Rey de
intermediario en esta aventura y era el correveidile de las novedades
de la corte, observan perplejos la escena y toda la corte, Herman
incluido, se convence de que la de Haro es la amante del Rey. Cuando
Leonor regresa, Herman la condena por su comportamiento casquivano, rechazando la joven la acusación de haber estado con el Rey durante el baile. El soberano requiere de nuevo su compañía por los jardines
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y Leonor, confusa, se desmaya ante toda la corte, mientras la Marquesa
—de nuevo con su traje de hechicera—, sonríe feliz por su triunfo.
ACTO TERCERO
En la antecámara del rey, los cortesanos chismorrean sobre los
amores del soberano con Leonor. Ella se lamenta de la mancha en su
honor, preguntándose la causa de aquel embrollo; su dolor es aún
mayor al saber que Herman tampoco ha creído su palabra. Leonor,
mujer valerosa, solicita presentarse ante el Rey —quien ya había dudado de la chanza— confiando al soberano que tiene una perfecta coartada, ya que a la hora del baile, ella visitó a su hermano que ha burlado su
destierro y está en Madrid para pedir clemencia a su majestad. El Rey
solicita la presencia de toda la corte en su antecámara y revela que la
noche del baile consiguió quedarse con una prenda de la tapada con la
que recorrió los jardines, mostrando un bello pañuelo de encaje flamenco que, como reveló él mismo en el acto primero, el Marqués ha
regalado a su esposa para contentarla y poder coquetear a sus anchas
en la corte. Cuando el Marqués entra en la antecámara, alaba la belleza del pañuelo que corre de mano en mano, desconociendo que el Rey
ha revelado que era el que sustrajo de la tapada del baile de máscaras.
El embrollo se soluciona así favorablemente, siendo destituida la
Marquesa de los servicios de la reina y perdonando Leonor a Herman
por haber dudado de su palabra. El Rey concede a Herman la mano de
su amada y perdona a Heliche para que pueda borrar su afrenta en el
campo de batalla.
María Encina Cortizo
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s opra no
Sonia de Munck
Madrileña, estudia en la Escuela Superior de
Canto con D. Travesedo y M. Zanetti.
Recibe el Premio Fin de Carrera Lola Rodríguez
Aragón. Ha recibido clases magistrales de Victoria de
los Ángeles, Dolora Zajick, Istvan Cserjan, Wolfram
Rieger, Janine Reiss, Alberto Zedda y Carlos Mena,
entre otros. Es premiada en los concursos Ciudad de
Logroño y Pedro Lavirgen.
Ha cantado en los principales teatros españoles:
Real, de la Zarzuela, del Canal y Auditorio Nacional en
Madrid; del Liceu y Lliure en Barcelona; Campoamor y Príncipe de
Asturias en Oviedo; Baluarte y Gayarre en Pamplona; Arriaga en
Bilbao, Cervantes en Málaga o Calderón en Valladolid, y un largo etcétera.
Debuta en el Teatro de la Zarzuela en los títulos que abren la temporada 2007 con las óperas de Leonardo Balada Hangman, Hangman y
The town greed. El éxito que obtuvo le valió la suerte de consolidarse
como una de las artistas de dicha casa. En estos siete años ha podido
mostrar allí los papeles protagonistas más importantes del género
escritos para su voz: La Generala, Doña Francisquita, La tabernera del
puerto, El rey que rabió, El estreno de una artista, El dominó azul y
Marina. En esta temporada protagonizará allí, Los diamantes de la
Corona.
En el repertorio de la ópera ha interpretado Gilda (Rigoletto),
Despina (Cosi fan tutte), Pamina (Die Zauberflöte), Valencienne (Die
lustige Witwe), Bastienne (Bastien und Bastienne), Adele (Die
Fledermaus), Amina (La Sonnambula), Rowan (The little Sweep),
Musetta (La bohème), Der Hirt (Tannhäuser), Lucia (Lucia di
Lammermoor), Princesa (El gato con botas, de Montsalvatge), Agafia
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(Zhenit’ba, de Mussorgsky) en diversos teatros. Finalmente, en el
campo del oratorio, ha interpretado Salmo de alegría para el siglo XXI
de García Abril, Exsultate jubilate, Misa de la Coronación y Misa en Do
menor de Mozart, Carmina Burana de Orff, Stabat Mater de Pergolesi,
Missa Brevis y La Creación de Haydn, Cantata BWV 84 de Bach y Gloria
de Vivaldi. Destaca su trabajo en el Mesías de Händel junto a la
Orquesta Barroca de Sevilla, con la que también hizo Lettere Amorose
de D. Scarlatti bajo la dirección de Alan Curtis.
El maestro Miguel Zanetti ha sido para ella un músico de referencia en su trayectoria.
Con él tuvo la suerte de presentarse en concierto en sus últimos
años de vida y a él debe su pasión por la canción de concierto que también ha realizado junto a otros pianistas como Fernando Turina,
Miguel Huertas o Aurelio Viribay.
En el campo de la música contemporánea colabora con grupos
como el Trío Arbós y estrena la obra de Jesús Torres Faust de Murnau
junto con la Orquesta de la Comunidad de Madrid dirigidos por J. R.
Encinar. Además de este maestro, ha sido dirigida musicalmente por
López-Cobos, Roa, Ortega, Chichon, Soler, Díaz, Fogliani, Rubio,
Pérez Sierra, Albiach, entre otros y por registas como Lluis Pasqual,
Tambascio, Sagi, Olmos, Ignacio García, Ian Judge, P. Mailler y Tomás
Muñoz.
Ha grabado Clementina de Boccherini bajo la dirección de Pablo
Heras-Casado.
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Mónica Campaña
Mónica Campaña Romero, soprano
lírica nacida en Málaga.
Cursó sus estudios superiores en la
Escuela Superior de Canto de Madrid.
Ha sido galardonada con diversos premios entre los que cabe destacar el tercer
premio de la Asociación Wagneriana de
Madrid en 2012 y el primer premio del II
Concurso Internacional de Zarzuela de Ana
María Iriarte en 2013.
Ha recibido Masterclass de perfeccionamiento vocal y repertorio
de profesionales del mundo lírico tales como Giulio Zappa, Carlos
Chausson, Ettore Pappadia, Dolora Zajick, Romano Franceschetto,
Jaume Aragall, Roberto Scandiuzzi, Teresa Berganza e Ileana Cotrubas
entre otros.
Ha intervenido en el Programa pedagógico del Teatro de la
Zarzuela “El Paraíso de los niños”. Ha debutado con el rol principal de
Leonor de Haro en “El Dominó Azul” de Emilio Arrieta en el Teatro de
la Zarzuela de Madrid.
En la actualidad perfecciona su técnica vocal en Londres con
Carlos Aransay y Janice Chapman.
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t enor
José Luis Sola
Comienza sus estudios musicales en la Escolanía
Niños Cantores de Navarra, y más tarde con el tenor
Ricardo Visus. En 2002 gana una beca extraordinaria
del Gobierno de Navarra y es premiado en los concursos de canto de Bilbao y Julián Gayarre.
Además de numerosas obras del repertorio sinfónico-coral, su repertorio incluye títulos como Don
Pasquale, Lucia de Lammermoor, Lucrezia Borgia, La
Fille du Regiment, La Sonnambula, La Flauta Mágica,
Don Giovanni, El Rapto en el Serrallo, L´Italiana in
Algeri, Il Turco in Italia, La Traviata, Falstaff, Rigoletto, Les Pêcheurs de
Perles, Manon, Faust, Dialogues des Carmelites, Doña Francisquita, El
Caserío o Juan José que ha cantado en la mayoría de teatros españoles
así como en Italia, Alemania, Estados Unidos, Brasil, Costa Rica y
Guatemala, entre otros.
Entre sus recientes y futuras actuaciones incluyen L’equivoco stravagante en Bilbao; Don Giovanni en Sevilla y Pamplona; La Gran
Duquesa de Gerolstein en el Teatro de la Zarzuela, El caserío en los
Teatros del Canal, Don Pasquale en Pamplona y Viva Madrid en Omán,
así como diferentes giras de conciertos con la Orquesta Sinfónica de
Euskadi, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la ORTVE y la Orquesta
Filarmónica de Las Palmas, y recitales junto a la soprano Ainhoa Arteta
acompañados por Rubén Fernández Aguirre.
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Javier Franco
Nace en La Coruña. Estudia en la Escuela
Superior de Canto de Madrid y en el Conservatorio
Superior de Música del Liceu de Barcelona, asistiendo además a cursos de perfeccionamiento con
Alfredo Kraus y Renato Bruson.
Ha ganado concursos Internacionales como el
‘Viñas’ (Barcelona), el ‘Francisco Alonso’ (Madrid),
el ‘Luis Mariano’ (Irún) o el ‘Rocca delle Macìe’
(Siena, Italia), lo que le lleva rápidamente a trabajar
en teatros como el Liceu (Barcelona), Verdi (Sassari), Palau de Les Arts
(Valencia), Bijloke Concert Hall (Gante), Palacio de la Ópera (Coruña),
Zarzuela (Madrid), São Carlos (Lisboa), Campoamor (Oviedo),
Comunale (Bolonia), Teatro Real (Madrid), Auditorio Nacional
(Madrid), Verdi (Salerno), Biwako Hall (Otsu, Japón), Bunkamura
Orchard Hall (Tokio), etc...
Ha estado a las órdenes de grandes Maestros como David Parry,
Donato Renzetti, Renato Palumbo, Steven Mercurio, Roberto
Tolomelli, Reynald Giovaninetti, Jesús López Cobos, Miguel Ángel
Gómez Martínez, Ramón Torrelledó, Carlos Aragón, José Luis Temes,
Maurizio Benini, Nir Kabaretti...
Sus actuaciones más destacadas incluyen El Caserío en el Teatro
Campoamor, Arriaga y Real (concierto); Lucia di Lammermoor en el
Victor Villegas, les Arts, Graz, Euskalduna y Palacio de la Ópera
(Coruña); La Traviata en el Teatro Villamarta, Liceu, Opera de Rouen,
Opera Royal du Chateau de Versailles y les Arts; Don Giovanni en Riga;
Maria di Rohan en Viena; Un ballo in Maschera en el Teatro Campoamor;
La Bohème en el Festival de Peralada, Teatro Sociale de Rovigo y
Coruña; O Arame en Coruña; Los Gavilanes en el Teatro Campoamor;
Pan Y Toros en el Teatro Municipal de Santiago (Chile); La Fille du
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b a r í t ono | Javier Franco
Regiment en Coruña y Mallorca; Katiuska en el Teatro Calderón y en el
Campoamor; La del Manojo de Rosas en Las Palmas; Le Villi en Jerez de
la Frontera y en el Liceu; Marina en Palma de Mallorca; O Mariscal en
Coruña; Il Trovatore en Italia; Faust en Coruña; Jugar con fuego en el
Teatro de la Zarzuela; Il barbiere di Siviglia en el Teatro São Carlos de
Lisboa; Babel 46 en el Teatro Real; La del manojo de rosas, La rosa del
azafrán, La Fattucchiera en el Liceu; Il Trovatore y Luisa Miller en Tokio,
con el Teatro San Carlo de Nápoles; Il segreto di Susanna en el Teatro
Villamarta, Cervantes y Arriaga; L’elisir d’amore en el Palacio de la
Ópera; Manon Lescaut en la Ópera de Graz y Cavalleria Rusticana en Las
Palmas.
Entre sus recientes y próximos compromisos se encuentran La
clemenza di Tito en el Teatro Calderón, Luisa Fernanda en Bogotá,
Poliuto en el Teatro São Carlos, Catalina en el Teatro de la Zarzuela, un
recital homenaje a Alfredo Kraus en el Teatro Real, Madama Butterfly
en Oviedo, Aida en Palma y El Caserío en los Teatros del Canal.
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b a jo - b a r í t ono
Francisco Santiago
Nace en Córdoba donde comienza sus estudios
de canto en el Conservatorio Superior de Música,
completándolos en el Real Conservatorio Superior
de Música de Madrid donde obtiene el Título de
Profesor Superior de Canto.
Becado por varias instituciones (la Junta de
Andalucía, Diputación de Córdoba, Juventudes
Musicales de Madrid y Concurso Internacional de
Canto Pedro Lavirgen) completa sus estudios en la
Escuela Superior de Música Reina Sofía, bajo la dirección de Alfredo
Kraus, es premiado con el diploma de alumno más destacado de la
Cátedra, entregado por S.M. la Reina Sofía en acto oficial en el Palacio
de El Pardo.
Ha recibido clases de Teresa Berganza y Rayna Kabaivanska.
Actualmente perfecciona su técnica con el maestro Angelo Capobianco
en Verona.
Debutó profesionalmente en el año 1992 en el Teatro de la
Maestranza de Sevilla en Tosca junto a Plácido Domingo.
Posee un amplio repertorio de canción lírica y oratorio, interpretando diferentes estilos y compositores: Canciones y Danzas de la
Muerte de Mussorgsky, Canciones de Don Quijote de Ravel, Réquiem de
Verdi, Stabat Mater, Die Schöpfung y Missa in tempore Belli de
Haydn, Misa de la Coronación y Réquiem de Mozart, el Mesias de Händel,
destacando los recitales en el Auditorio Nacional de Música de
Madrid, Palau de la Música de Barcelona, Reales Alcázares de Sevilla
y Teatro Romano de Mérida.
Ha cantado en los más importantes escenarios españoles como
el Teatro Real de Madrid en La Sonnambula, Sansón y Dalila, Don
Carlo, Tosca, Merlín de Albeniz, Don Quijote de Halffter, La Bohéme de
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b a jo - b a r í t ono | Francisco Santiago
Puccini, el Gran Teatro del Liceo de Barcelona en Lady Macbeth de
Mzensk de Shostakovich, en Macbeth y Otello de Verdi y Parsifal,todas
ellas grabadas en DVD, el Palacio de Festivales de
Cantabria en Tosca, Carmen, La Bohéme, en el Teatro de la
Maestranza de Sevilla en Marina, Die Zauberflöte y Madame Butterfly, en
el Palacio Euskalduna (ABAO) de Bilbao en Salomé, en el Teatro
Campoamor de Oviedo en Lucrezia Borgia y Salomé, Auditorio de la
Coruña en Zaidede Mozart , en el Gran Teatro de Córdoba con La
Bohéme y Il Barbiere di Siviglia, en el Palau de la Música de Valencia
en La venta de los Gatos y El Gato Montés, Teatro Villamarta de Jerez
en Tosca, La Bohéme, e Il Trovatore.
Entre los directores que ha trabajado se encuentran Yehudi
Menuhin, Romano Gandolfi, Richard Boninge, Antoni Ros Marbá,
Enrique García Asensio, Maurizio Benini, García Navarro, Armiliato,
Rinaldo Alessandrini, G. P. Sansogno, etc.
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a c t or
José María Asín
José Mª Asín Escudero - Cadreita (Navarra) –
19/10/ 1956
En 1974 entra a formar parte del Grupo de Teatro
“El Lebrel Blanco” de Pamplona. Desde entonces hasta
su desaparición en 1987, intervino en más de una veintena de montajes, entre los que caben destacar: “El
Retablo del Flautista” de J. Salom, “1.789” del Colectivo
du Soleil, “Ceremonia Ortopédica” y “La puñeta” de J.
Díaz, “Carlismo y Música Celestial” de P. Larráinzar, “Salomé” de O.
Wilde, “Tres Cuentos Rusos” de A. Chejov, “Tragicomedia del Serenísimo
Príncipe D. Carlos” de C. Muñiz, entre otros.
En 1986, con otros compañeros de profesión, forma parte de la gestora para la creación de la Escuela Navarra de Teatro.
Desde 1987, con otros grupos y compañías teatrales de Pamplona ha
participado, siempre en papeles protagonistas, en montajes tales como:
“Proceso por la sombra de un burro” de F. Durrenmatt, “La mueca del
miedo” de D. Fo, “D. Juan Tenorio” de F. Zorrilla, “Opera de cuatro cuartos” de B. Brecht, “La Celestina” de F. Rojas, “La ratonera” de A. Christie,
“Marta la piadosa” de T. de Molina, “Sabina” de C. Dolan, “Crimen perfecto” de F. Knott, “Peribáñez y el Comendador de Ocaña” de L. de Vega,
“Misterio Bufo” de D. Fo, con directores navarros (Valentín Redín, Ignacio
Aranaz, Pablo Valdés).
También, “Orquesta de señoritas”, de Anouillh, “Tío Vania” de
Chejov, “La dama no es para la hoguera” de Fry, ”Dios” de Allen, “Por
delante y por detrás” de Frayn o “El avaro” de Molière (estos últimos trabajos dirigidos respectivamente por Pedro Miguel Martínez, Gustavo
Tambascio, Miguel Narros, Paco Mir y Alexander Herold).
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a c t or | José María Asín
En la actualidad está participando en dos montajes: “La importancia
de llamarse Ernesto”, de Wilde, dirigida por Alfredo Sanzol y “El nombre
de la rosa” de Eco, bajo la dirección de Garbi Losada.
Algunas incursiones en el género musical: en la ópera “La serva
padrona” de Pergolesi, y en las zarzuelas “La bruja” de Chapí, “El asombro de Damasco” y “El niño judío” de Luna, “La canción del olvido” de
Serrano, “La Generala” de Vives, “El dúo de la africana” de Fdez. Caballero
o “Katiuska” de Sorozábal.
En cine ha intervenido, entre otros, en los cortometrajes:”El hombre de las palomitas” de K. Lasa, “Vidas imaginarias” de M.
Gaztambide/J.A. Vitoria, “La cena” de I. Lasa, “¡Ignorante, tú!” de A.
Salaberri.
En el mediometraje: “Alsasua 1.936” de H. Taberna.
En los largometrajes: “La espalda de Dios” de P. Llorca, “Dos
rivales casi iguales” y “Mamy Blue” de M. A. Calvo-Buttini”, “Todos
estamos invitados” de M. Gutiérrez Aragón, “Eskalofrío” de I. Ortiz,
“Nevando voy” de M. Muruzábal, “Hoy no se fía, mañana sí” de F.
Avizanda, “De tu ventana a la mía” de P. Ortiz, “Tasio”, “Secretos del
corazón” y “Obaba” de M. Armendáriz.
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c or o
Coro del Teatro de la
Zarzuela
El Coro del Teatro de la
Zarzuela fue creado en 1956 y
cuenta con más de un centenar
de títulos líricos en su repertorio.
Ha cantado innumerables representaciones de zarzuelas, ballets, óperas y conciertos, tanto en el Teatro de la Zarzuela, como en giras nacionales e internacionales realizadas por este teatro. Asimismo, ha intervenido en los montajes del Teatro Real de Madrid: Divinas palabras, Las
Golondrinas y La bohème.
A lo largo de su trayectoria el Coro ha cantado bajo la dirección de
maestros como Lorin Maazel, Franz Paul Decker, Oliviero De Fabritiis,
Rafael Frühbeck de Burgos, Luis A. García Navarro, Miguel Ángel
Gómez Martínez, Lamberto Gardelli, Armando Gatto, Peter Maag,
Odón Alonso, José Ramón Encinar, Josep Pons, Luis Remartínez,
Miguel Roa, Antoni Ros Marbà, Arturo Tamayo y Cristóbal Soler entre
otros. También ha trabajado bajo la dirección escénica de José Luis
Alonso, John Cox, Piero Faggioni, Adolfo Marsillach, Pilar Miró,
Giancarlo del Monaco, Francisco Nieva, José Carlos Plaza, Pier Luigi
Pizzi, Emilio Sagi, Luis Olmos, Hugo de Ana, Giuseppe de Tommasi...
Ha estrenado las óperas Le Revenant, El poeta, Kiu, El viajero indiscreto, Divinas Palabras, La Celestina, A Babel y Yo, Dalí.
Entre las zarzuelas cabe destacar su participación en Los vagabundos y Fuenteovejuna, ambas de Manuel Moreno Buendía y en el
ballet Don Quijote, de Federico Moreno Torroba.
Ha participado tanto en conciertos líricos como en conciertos
sinfónico-corales. De entre las grabaciones en las que ha participado
cabe destacar El Gato Montés, Romanzas de zarzuela, junto al tenor
Plácido Domingo, Il Farnace y La púrpura de la rosa.
Desde su fundación han sido sus directores titulares los maestros
José Perera, Romano Gandolfi, Vittorio Sicuri, Ignacio Rodríguez,
Waldo Sciammarella y actualmente, Antonio Fauró.
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di re c t or
Cristóbal Soler
Nacido en Alcásser (Valencia), inicia sus
estudios en dirección de orquesta con su maestro y mentor, José Mª Cervera Collado, con quien
colabora en muchas ocasiones como director
asistente en numerosas producciones de importantes teatros, como el Liceo de Barcelona, el
Teatro de la Zarzuela y la Ópera de Karlsruhe.
Posteriormente, finaliza los estudios superiores de composición y dirección de orquesta, y
cursa el Máster en Dirección de Orquesta de la Universidad de
Múnich, obteniendo en ambos casos las máximas calificaciones.
Asimismo, ha sido director artístico musical y fundador de la
Orquesta Filarmónica de la Universidad de Valencia (1995-2010) con
la que obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de
Jóvenes Orquestas Sinfónicas que tuvo lugar en Viena en 1998, y de la
Orquesta Sinfónica de la Universidad Complutense de Madrid, 2012.
Actualmente es presidente fundador de la Asociación Española
de Directores de Orquesta (AESDO).
Tras recibir una invitación oficial de Reiner Bischof, secretario
general de la Wiener Symphoniker, se traslada a vivir a Viena como
asistente durante dos temporadas, teniendo la excepcional oportunidad de conocer al detalle la maestría de grandes directores como
Wofgang Sawallisch, George Prêtre, Vladimir Fedoseyev o Mariss
Jansons, entre otros.
Posteriormente conoce a Nikolaus Harnoncourt quien lo invita a
asistir a sus ensayos durante la temporada 2003-04 tanto en Viena
como en Graz, Berlín y Zúrich.
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di re c t or | Cristóbal Soler
Durante esta década, además de cuidar su formación integral en
Europa Central, su figura como director de orquesta se comienza a
consolidar en España dirigiendo algunas de las orquestas más representativas, como la Orquesta de Radio Televisión Española, la
Orquesta de Valencia, la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Orquesta de
la Comunidad de Madrid, la Orquesta Nacional de Cataluña, la Real
Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta Sinfónica de Castilla y
León, entre otras, en auditorios y salas de concierto de la talla del
Palau de les Arts, Palau de la Música de Valencia, Auditorio Nacional
de Música de Madrid, Palau de la Música de Cataluña, Auditorio
Baluarte de Pamplona, así como en Europa, destacando los diferentes
conciertos con la Orquesta de Cámara de Lausanne en el ciclo de
abono de la Victoria Hall de Ginebra y la Salle Métropol de Lausana,
recibiendo excelentes críticas que destacaban su carisma y profundidad interpretativa, además de una precisa y consolidada técnica de
dirección.
Considerado como uno de los directores más importantes de su
generación, su exitosa trayectoria en el terreno de la lírica, lo ha llevado a dirigir un extenso repertorio en los teatros líricos más importantes de España, cabe destacar el “Premio Lírico Teatro Campoamor” a
la producción lírica española de “El Gato Montés”, 2013. Ha prestado
especial atención a la recuperación del patrimonio lírico menos frecuentado, interpretando y grabando recuperaciones musicales históricas para el sello discográfico “Naxos”. Asimismo, ha realizado
numerosas giras nacionales e internacionales, destacando la gira por
Austria, en salas como el Mozarteum de Salzburgo y Austria Center en
Viena.
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or q u e s ta
Orquesta Sinfónica
de Navarra
La actual OSN, la
orquesta profesional en
activo más antigua de
España fue fundada por
Pablo Sarasate en 1879. La
OSN abarca el más amplio
repertorio, colabora habitualmente con solistas y directores de renombre mundial y es considerada una de las mejores orquestas del panorama español, asiduamente invitada a salas de conciertos y festi- vales del máximo rango nacional e internacional, entre los que cabe destacar en los últimos años las
reiteradas invitaciones al Théâtre des Champs Elysées y al Théâtre du
Châtelet de París, así como su recien- te gira para Universal Music por
las principales salas de concierto de capitales europeas (Konzerthaus,
Concertgebow, Gasteig, Smetana Saal, Festpielhaus-Baden Baden,
etc.). Su integral de la obra de Sarasate por Naxos con la violinista
Tianwa Yang ha sido unánime- mente alabada por la crítica internacional. En la actualidad la OSN tiene como Director Titular y Artístico
al maestro Antoni Wit y como Director Asociado al maestro Cristóbal
Soler.
La Orquesta mantiene un ciclo de temporada en Pamplona y
Tudela con más de 2.200 abonados. También es colaboradora habitual
en temporadas de ópera y representaciones líricas en Pamplona,
Bilbao, resto de España y en el extranjero.
La Orquesta Sinfónica de Navarra recibe subvenciones del
Gobierno de Navarra y del Ayuntamiento de Pamplona y está patrocinada por empresas privadas tales como La Caixa, Diario de Navarra y
Gas Natural Fenosa.
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or q u e s ta s i n f ó n ic a d e n ava r ra
Violines I
Contrabajos
Timbales
Victor Arriola
Anna Siwek
Daniel Menéndez
Catalina García-Mina
Edurne Ciriaco
Nathalie Gaillard
Malen Aranzábal
Enrico Ragazzo
Nikola Takov
David Pérez
Aratz Uria
Piotr Piotrowski
Fco. Javier Fernández
Gian Luca Mangiarotti
Javier Odriozola
Flautas
Ricardo González
Arantza Almoguera
Oboes
Juan Manuel Crespo
Iker Nausía
Violines II
Clarinetes
Maite Ciriaco
Anna Radomska
Inés de Madrazo
Pilartxo Ibáñez
Angelo Vieni
Tibor Molnar
Fermín Ansó
Lourdes González
Javier Inglés
Elisa López
Violas
Jerzy Wojtysiak
Fco. Javier Gómez
José Ramón Rodríguez
Malgorzata Tkaczyk
Robert Pajewski
Fagotes
Ferrán Tamarit
José Lozano
Trompas
Daniel Mazarrota
Aritz García de Albéniz
Trompetas
Carlos Gomis
Ignacio Martínez
Trombones
Violonchelos
David Johnstone
Tomasz Przylecki
Lara Vidal
Carlos Frutuoso
Dorota Pukownik
Aritz Gómez
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Percusión
Santiago Pizana
Mikel Arkauz
Héctor Prieto
Tuba
Virgilio Más
PAMPLONA, 28 JUNIO – 4 JULIO 2015
Concurso Internacional de Violín
Pablo Sarasate
Academia Sarasate
Campamento Urbano Sarasate
29 jun - 3 jul
Curso de Verano
«Doctor Sarasate»
Conciertos, exposiciones,
espectáculos audiovisuales...
y mucho más
sarasatelive.com
facebook.com/sarasatelive
twitter.com/sarasatelive
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CONCIERTO
PAMPLONA-
AUDITORIO
BALUARTE
Jueves 28 y viernes 29 de mayo de 2015 - 20 h.
A. Dvorak (1841-1904)
Misa en Re
(APROX. 52’)
J. Brahms (1833-1897)
Schicksalslied
(APROX. 15’)
A. Dvorak (1841-1904)
Te Deum
(APROX. 19’)
SOLISTAS
José Antonio López, bajo
Ewa Biegas, soprano
Marina Rodríguez Cusí, mezzo
Javier Tomé, tenor
ORFEÓN
PAMPLONÉS
Igor Ijurra, director
DIRECTOR
Antoni Wit
Depósito Legal: NA-586/2015