1. Espiritual

CINE-CLUB CHAPLIN
CUENCA
LA QUIMERA DEL ORO, de Charles Chaplin (1925).
TEMPORADA XLIV: 2014-2015
PROGRAMACIÓN
CUARTO TRIMESTRE 2014
Sesiones del Cine-Club
Las sesiones del Cine-Club Chaplin se celebran en Multicines
Cuenca (Sala Cinco) todos los miércoles de la temporada. Estas proyecciones están reservadas a socios del Cine-Club Chaplin, exclusivamente. Es imprescindible presentar el carnet de socio y la tarjeta anual correspondiente.
Rogamos la máxima colaboración de todos los socios para evitar situaciones
molestas.
Cada miércoles habrá tres sesiones, que comenzarán puntualmente
a las 17, 19.30 y 22 horas.
Socios del Cine-Club
Para ingresar en el Cine-Club Chaplin se requiere ser mayor de edad
(18 años) y cumplir las obligaciones sociales.
La inscripción quedará formalizada mediante el abono de una cuota
de ingreso de 12 euros.
La cuota anual es de 55 euros, pagaderos por adelantado, bien mediante la domiciliación bancaria o mediante cobro a domicilio. Una vez abonada la cuota, el socio obtendrá la tarjeta numerada con la que podrá acceder a
las sesiones semanales.
El impago de la cuota durante los primeros 15 días de la temporada
presupone la renuncia del socio a continuar ejerciendo sus derechos y, por
tanto, se producirá la baja inmediata en el Cine-Club.
Recomendaciones
Las sesiones del Cine-Club deberían tener un carácter especial en
el cuidado de algunos detalles, tales como el silencio que debe mantenerse
durante las proyecciones, el respeto a la proyección íntegra (incluyendo los
títulos de crédito finales, la audición total de la banda sonora, etc.), evitar en
lo posible comer palomitas, no hacer en voz alta ruidos o comentarios que
puedan molestar al resto de socios, etc.
Igualmente se ruega la máxima puntualidad y una total colaboración
para evitar molestias a los socios que sí ocupan su butaca antes de que se
apaguen las luces.
Teniendo en cuenta la capacidad de la sala y la afluencia media de
socios a las sesiones, rogamos que se ocupen todas las butacas, no dejando
algunas vacías y menos aún ocupándolas para dejar bolsos, abrigos, etc.
EL CINE-CLUB, EN LA WEB
Puedes encontrar información sobre el Cine-Club Chaplin, la programación actualizada y la relación histórica de todas las películas proyectadas
desde la primera sesión en:
www.chaplincineclub.wordpress.com
Si deseas recibir información personalizada sobre el Cine-Club entréganos tu dirección de correo electrónico y te la enviaremos semanalmente.
8 de octubre 2014
Sesión número 1462
VIVA LA LIBERTAD
Título original: Viva la
libertà. Nacionalidad: Italia.
Director: Roberto Andò
(2013). Argumento: la novela
de Roberto Andò. Productor:
Angelo Barbagallo. Guión:
Roberto Andó y Angelo
Pasquini. Fotografía:
Maurizio Calvesi. Diseño
de producción: Giovanni
Carluccio. Montaje: Clelio
Benevento.
Actores: Toni Servillo
(Enrico Oliveri / Giovanni
Ernani), Valerio Mastandrea
(Andrea Bottini), Valeria
Bruni Tedeschi (Danielle),
Michela Cescon (Anna),
Anna Bonaiuto (Evelina),
Gianrico Tedeschi (Furlan),
Eric Nguyen (Mung), Andrea
Renzi (De Bellis), Judith
Davis (Mara).
Duración: 94 minutos
Versión original con
subtítulos en español
Premios: David de Donatello
mejor guión y mejor
actor secundario (Valerio
Mastrandrea)
En plena crisis política y de valores, Enrico Oliveri, secretario general del principal partido de la oposición italiana, decide desaparecer. Su desesperado asistente, para salir del apuro y
al borde de perder la credibilidad, decide sustituirlo por su hermano gemelo, un filósofo bipolar recién salido del psiquiátrico. Una auténtica locura que se tornará acierto cuando el electorado vuelva a ver en Enrico una opción real y lo coloque en
la cresta de la ola.
Cortometraje: EL BOSÓN DE HIGGS, de Cristina G. Molina
El director
Roberto Andò (Palermo, 1959) procede de la literatura, en la que se inició al amparo de Leonardo
Sciascia, comenzando a escribir muy joven en diversos periódicos, para pasar después al cine como
asistente de Francesco Rosi, Federico Fellini (E la
nave va), Michael Cimino (El siciliano) y Francis Ford
Coppola (El Padrino III). Como director, se inició en
el teatro en 1986, con un texto hasta entonces inédito de Italo Calvino, El laberinto del bosque, actividad
que continuó en el cine, rodando un par de documentales. Su primer largometraje de ficción, Diario
senza date (1995) fue presentado en el festival de Venecia, al que siguió Il manoscritto del principe (1999),
sobre los últimos cuatro años de la vida de Giuseppe Tomasi di Lampedusa obteniendo la Cinta de
Plata a la mejor producción, el premio Fellini y Premio Sergio Leone como Mejor Director, y Mejor Director con nominación en el David di Donatello.
Alternó ese trabajo con otros en ópera y teatro, sin
abandonar el cine ni la literatura, publicando diversos ensayos, para dirigir luego Sotto falso Nome
(2004) y Viaggio segreto (2006). Ninguna de esas películas ha sido estrenada en España.
Ya que no se hacen, porque nadie se atreve, películas sobre lo que sucede en la clase política española
(corrupción generalizada incluida), nos conformaremos con un acercamiento a un país que se nos parece mucho, en eso y en todo, Italia, donde sí que se
entra a saco en ese territorio aquí intocable. Viva la
libertad es una sátira cargada de muy malas uvas y
envuelta en un ligero tono de comedia, con un actor siempre en estado de gracia, Toni Servillo, aquí
además duplicado, en ese doble papel que ofrece la
cara y la cruz de un político como es y como debería ser, dos personalidades distintas, contrapuestas,
pero una de ellas sí es capaz de despertar nuevamente la ilusión de las gentes pensando que todavía
es posible conseguir regeneración y decencia donde
parece haber sólo corrupción.
15 de octubre 2014
Sesión número 1463
CRÓNICAS DIPLOMÁTICAS
Título original: Quai
d’Orsay. Nacionalidad:
Francia. Director: Bertrand
Tavernier (2013). Producción:
Site 4 View Productions.
Productores: Frédéric
Bourboulon, Jérôme Seydoux.
Guión: Christophe Blain,
Abel Lanzc. Fotografía:
Jéröme Alméras. Diseño de
producción: Sibilla Patrizi.
Música: Philippe Sarde.
Montaje: Guy Lecome.
Actores: Tierry Lhermitte
(Alexandre Taillard de
Worms), Raphaël Personnaz
(Arthur Vlaminck), Niels
Arestrup (Claude Maupas),
Bruno Raffaelli (Stéphane
Cahut), Julie Gayet (Valérie),
Anaïs Demoustier (Marina),
Thomas Chabrol (Sylvain),
Thierry Frémont (Guillaume
van Effentem).
Duración: 113 minutos
Versión original con
subtítulos en español
Premios: Festival de San
Sebastián, premio de la
FIPRESCI al mejor guión;
premios César del cine
francés, mejor secundario.
Alexandre Taillard de Worms es el ministro de Asuntos Exteriores de Francia. Interpela a los poderosos e invoca a los espíritus magnánimos para que vuelva la paz, calmando a los que
quieren apretar el gatillo y cuidando su aura de futuro Premio
Nobel de la paz cósmica. Es una mente poderosa a cuya sombra
llega el joven Arthur Vlaminck como encargado del “lenguaje”,
para redactar los discursos del ministro, en un entorno donde
reina el estrés, la ambición y las puñaladas traperas.
Corto: IRROMPIBLES, de Luis Grajera
El director
Hijo del escritor René Tavernier, Bertrand Tavernier
(Lyon, 1941) es ya el más prestigioso director francés vivo. Empezó su relación con el cine como agente de prensa, lo que le permitió conocer a una buena
cantidad de directores que acudían a París a presentar sus películas. Después fue periodista informativo y crítico, publicando artículos y ensayos en “Cahiers de Cinema” y “Positif”. Fue ayudante de Jean
Pierre Melville. Debutó en la dirección haciendo
uno de los episodios de Les baisers (1963), y un par
de cortos a continuación, realizando diez años después el primer largometraje. Alterna su trabajo con
films de ficción con la dirección de documentales.
Es autor del libro “50 ans de cinéma américain”, un
brillante análisis de los nombres más importantes
del cine americano. En 1974 ganó el Prix Delluc por
“El relojero de Saint Paul”. Por su forma de trabajar se le considera como el más americano de los directores franceses, lo cual no es mucho decir porque
los cineastas galos, desde Jean Renoir a François
Truffaut, han sentido siempre una irrefrenable vocación hacia Hollywood, los sistemas de producción allí y el tipo de películas que se producen en
las playas de California, aunque no siempre resulte
fácil imitar esos métodos. En 1974 ganó el Prix Delluc por El relojero de Saint Paul y a partir de ahí desarrolló una carrera abundante en títulos, muchos
de ellos valiosos: El juez y el asesino 1976), La muerte
en directo (1980), Alrededor de la medianoche (1986), La
vida y nada más (1993), Capitán Conan (1996), Hoy empieza todo (1999), La pequeña Lola (2003), ¿Cuánto me
amas? (2005), entre otros muchos.
Bertrand Tavernier en el Cine Club Chaplin: Alrededor de la medianoche (23-03-1988); Ley 627 (3011-1994); La carnaza (07-02-1996); Capitán Conan
(10-06-1998), Hoy empieza todo (16-01-2000); Salvoconducto (05-03-2004); En el centro de la tormenta (15-06-2011).
22 de octubre 2014
Sesión número 1464
THE LUNCHBOX
Título original: The
lunchbox. Nacionalidad:
India, Francia, Alemania,
Estados Unidos. Director:
Ritesh Batra (2013).
Producción: Cine Mosaic.
Productores: Anurag
Kashyap, Guneet Monga,
Arun Rangachari. Guión:
Rifesh Batra. Fotografía:
Michael Simmonds. Diseño
de producción: Shruti
Gupte. Música: Max Richter.
Montaje: John F. Lyons
Actores: Irrfan Khan
(Saajan), Nimrat Kaur (Ila),
Nawazuddin Siddiqui
(Shaikh), Billete Dubey
(madre de Ila).
Duración: 104 minutos
Versión original con
subtítulos en español
En Mumbai (Bombay), cada día, miles de amas de casa
envían la comida a sus maridos a su lugar de trabajo a través de un eficiente y específico sistema de transporte, los
dabbawallas. Un error en una de estas entregas pone en
contacto a una joven con un hombre anodino. Juntos van
construyendo un mundo de fantasía a través de notas que
acompañan a la comida, lo que supone una amenaza para
la vida real de cada uno.
Cortometraje: PROJECT K-9, de Francisco J. Cabrera
El director
Ritesh Batra nació y se crió en Bandra, Mumbai (antigua Bombay) y creció en el seno de una familia de
clase media, hijo de un marino mercante y de una
profesora de yoga. Asistió durante algún tiempo a la
Universidad de Nueva York y realizó una primera incursión como estudiante en el ámbito del cine, interrumpiendo ambas actividades para reincorporarse
después a la universidad de Drake, en Des Moines,
Iowa, para estudiar Economía. Trabajó como consultor durante tres años antes de volver a las aulas de
cine, graduándose en la Tish School of the Arts, de la
universidad de Nueva York. Ha realizado media docena de cortos que han conseguido repetidos premios
en festivales, entre ellos Café Cairo regular, Los taxis de
Gareeb Nawaz y El Ritual de la mañana y en 2009 fue seleccionado para participar en los laboratorios de escritores y directores del Sundance Festival. Su primera película, The lunchbox, se estrenó el festival de Cannes de 2013 y consiguió una llamativa atención por
parte de la crítica, además de obtener un extraordinario récord de recaudación en la India, un país donde
se producen cientos de películas al año.
He aquí una excelente combinación de documental
de la vida real con una historia de ficción. Entre los
incontables espectáculos sorprendentes que nos ofrece el mundo cada jornada, el de los repartidores de
comida doméstica en Mumbai debe ocupar un lugar destacadísimo. Desde nuestra óptica occidental y
burguesa resulta difícil comprender ese peculiar mecanismo de reparto de comida domiciliaria hacia los
puestos de trabajo, más aún si sabemos que el número de errores es insignificante, lo que avala la eficacia
del sistema. Por eso, cuando se produce una excepción, una anomalía, como la que relata la película, se
abre paso a la imaginación para dar lugar a una historia en la que penetran los sueños, la fantasía, la especulación entre lo que se vive realmente y lo que se podría vivir en otras circunstancias. Y así el cine, fábrica
de sueños, parte de la realidad social cotidiana para
alojar a sus protagonistas en otros mundos.
29 de octubre 2014
Sesión número 1465
UNA NOCHE
Nacionalidad: Cuba y
Estados Unidos. Directora:
Lucy Mulloy (2012).
Productores: Maite Artieda,
Daniel Mulloy, Lucy Mulloy,
Sandy Pérez Águila, Yunior
Santiago. Guión: Lucy
Mulloy. Fotografía: Trevor
Stuart Forrest, Shlomo
Godder. Dirección artística:
Yinka Graves, John Paul
Burgess. Montaje: Cindy Lee.
Actores: Dariel Arrechaga
(Raúl), Anailín de la Rúa de
la Torre (Lila), Javier Núñez
Florián (Elio), María Adelaida
Méndez Bonet (Adelaida),
Greisy del Valle (Greisy).
Duración: 90 minutos
Raúl es un joven cubano que sueña con escapar a Miami. Cuando es acusado de asalto, su única opción es huir. Raúl persuade a Elio para que lo abandonen todo y traten de llegar a su destino, 90 millas a través del océano. La lealtad de Elio se pone a
prueba cuando se debate entre ayudar a Raúl y proteger a su
hermana gemela, Lila.
Cortometraje: LA CICATRIZ, de José Manuel Cáceres
La directora
Lucy Mulloy es una guionista y directora británica
afincada en Nueva York, hija de un animador muy conocido en Estados Unidos, Phil Mulloy. Estudió Política, Filosofía y Economía en la Universidad de
Oxford y Cine en la Escuela Tisch de las Artes de la
Universidad de Nueva York. Su primer cortometraje,
realizado mientras estudiaba, recibió un premio de la
Academia de Estudiantes y en 2010 recibió el premio
al talento narrativo emergente en el festival de cine
de Tribeca y en 2012 el premio a la mejor dirección en
el mismo festival neoyorquino. Para rodar su primera y hasta ahora única película, Una noche, pasó varios
años en La Habana, documentándose para conseguir
dar forma al argumento, entrando en contacto con actores jóvenes no profesionales. La película se estrenó
en 2012 en el festival de cine de Berlín y desde entonces ha recogido un larguísimo reguero de premios. Sobre las vicisitudes de la película, la directora dice: “En
Estados Unidos la gente está viendo las mismas caras, los
mismos lugares e historias similares una y otra vez en las
películas de Hollywood. La Habana es una locación que es
intocable para los cineastas de Estados Unidos. Para empezar, es un lugar que muy rara vez se ve y es un escenario
increíble por muchas razones. Está a sólo 90 millas de distancia, pero sólo un número muy limitado de estadounidenses tienen permiso para viajar legalmente a Cuba. Es también un lugar del que mucha gente en Estados Unidos no
tiene conocimiento, aparte de unos pocos. Además, Cuba es
un lugar increíble, lleno de historias y personas increíbles.
Hay una gran cantidad de dolor y tristeza en Cuba por muchas razones, lo que establece la base para un drama intenso y profundos relatos emocionales” y relata un momento
de singular angustia durante el rodaje: “Estábamos rodando en la playa. Teníamos la balsa al lado del agua y los
actores estaban sentados en ella. Yo estaba filmando con un
equipo muy pequeño ese día. De los matorrales llegó una
veintena de soldados vestidos de verde olivo con fusiles AK,
apuntándonos a nosotros. Estaba aterrorizada. Habían sido
alertados de que había personas que estaban intentando irse
por la costa en una balsa. Tuvimos que explicar que era una
película. Vieron las cámaras y el papeleo y nos dejaron. Fue
un momento aterrador”.
5 de noviembre 2014
Sesión número 1466
IDA
Título original: Ida.
Nacionalidad: Polonia,
Dinamarca. Director:
Pawel Pawlikowski (2013).
Producción: Opus Film,
Phoenix Film. Productores:
Eric Braham, Piotr Dziedol,
Ewa Puszczynska. Guión:
Pawel Pawlikowski y
Rebecca Lenkiewicz.
Fotografía: Lukas Zal y
Ryszard Lenczewski. . Diseño
de producción: Katarzyna
Sobanska y Marcel
Slawinski. . Música: Kristian
Selin Eidnes Andersen.
Montaje: Jarek
Kaminski. Vestuario: Ola
Staszko.
Actores: Agata Kulesza
(Wanda), Agata
Trzebuchowska (Hermana
Anna), Joanna Kulig
(cantante), Dawid Ogrodnik
(Lis), Adam Szyszkowski
(Feliks), Jerzy Trela (Szymon),
Halina Skoczynska (madre
superiora)..
Duración: 80 minutos
Versión original con
subtítulos en español
Premios: Festival de Toronto,
premio de la Fipresci; Festival
de Gijón, mejor película,
mejor actriz, mejor guión,
mejor dirección artística;
Festival de Londres, mejor
película; Festival de Varsovia,
mejor película.
Anna es una joven novicia que, en la Polonia de 1960, y a punto
de tomar sus votos como monja, descubre un oscuro secreto de
familia que data de la terrible época de la ocupación nazi. Junto
a su tía recién encontrada, iniciarán un viaje en el que ambas se
enfrentarán con las consecuencias de su pasado.
Corto: LA TERCERA HISTORIA, de Amanda Rodríguez
El director
Paweł Pawlikowski (Varsovia 1957) es un cineasta de
origen polaco, con sede en París, ganador de un premio BAFTA por su película Último resorte, que escribió
y dirigió en 2000, galardón que volvió a obtener por
My summer of love. Nacido en el seno de una familia de
“la intelectualidad polaca”, a la edad de 14 años abandonó su pais para vivir en Alemania e Italia antes de
fijar su definitiva residencia en Gran Bretaña. A finales de los años 80 empezó a ser conocido por sus documentales, realizados con una mezcla de lirismo e ironía que le granjeó numerosos seguidores. Desde Moscú
a Pietushki fue un viaje poético al mundo del escritor
de culto ruso Venedikt Erofeev , por el que ganó un
Emmy y otros premios en festivales. A ella siguieron
otros documentales, entre ellos uno sumamente original, Los viajes de Dostoievsy, una road movie tragicómica en la que un conductor de tranvía, el único descendiente conocido de Dostoievsky emprende un viaje esperpéntico por la Europa occidental. La transición
de Pawlikowski a la ficción se produjo en 1998 con un
mediometraje, Twockers. Entre 2004 y 2007 perfeccionó
su preparación en la universidad de Oxford iniciando
ya de manera abierta su inmersión en la creación cinematográfica, realizando varias películas, de las que llegó a España El último resorte (2000). A ella siguió My
summer of love (2004), La mujer en la quinta (2011) y, finalmente, Ida. Un tema recurrente en el cine polaco (y
en otros de la Europa central) es el de las vinculaciones de la población con los judíos, en unos casos explícita y conocida y en otros soterrada. De hecho, el mismo Pawlilowski tiene ascendencia de ese tipo, pues su
abuela paterna era judía y había muerto en Auschwitz,
de manera que esta es una temática muy presente en
narraciones literarias y cinematográficas, como le sucede a la protagonista de esta película, católica de formación y vocación, cuando descubre que en un pasado no tan remoto late la sangre del pueblo elegido, lo
que provoca de inmediato una crisis de conciencia y el
deseo de buscar en la historia familiar para encontrar
sus orígenes y, más allá de eso, su propia identidad
personal, poniendo en marcha un viaje sentimental e
histórico por la Polonia más profunda.
12 de noviembre 2014
Sesión número 1467
EL GRAN CUADERNO
Título original: A nagy
fürzet. Nacionalidad:
Hungría, Alemania, Austria,
Francia. Director: János
Szász (2013). Producción:
Hunnic Filmstudio, Intuit
Pictures GmbH, Amour
Fou Filmproduktion, Dolce
Vita Films. Productores:
Pal Sandor, Sándor Söth.
Argumento: la novela de
Agota Kristof. Guión:
András Szekér, János Szász.
Fotografía: Christian Berger.
Música: Johan Johanson.
Montaje: Szulvia Ruszev
Actores: András Gyémánt,
Lászlo Gyémánt, Ulrich
Thomsen (oficial), Orsolya
Töth, Gyöngyvér Bognár,
Piroska Molnár (abuela),
Ulrich Matthes (padre)
Duración: 109 minutos
Versión original con
subtítulos en español
Premios: Festival de Karlovy
Vari, mejor película.
En el último año de la II Guerra Mundial, las grandes ciudades están a merced de constantes bombardeos y del hambre. Una
madre desesperada lleva a sus hijos gemelos al campo, a casa de
una abuela cruel y alcohólica. Los dos hermanos, que habían tenido una vida fácil, deben aprender a vivir solos en un entorno
rural desconocido. Se insensibilizan ante los insultos y aprenden a ignorar las emociones y el amor. Los gemelos apuntan
todo lo que ven durante la guerra en un cuaderno al que llaman
“El gran cuaderno”.
Cortometraje: Agua pasada, de Agnès Guibault
El director
Janos Szász nació en Budapest en 1958. Estudió teatro y dirección escénica en la Academia de Teatro
y Artes Cinematográficas y trabajó durante cuatro
años en el Teatro Nacional de Budapes, etapa en la
que dirigió Ghost, de Henrik Ibsen, El rey ciervo, de
Carlo Gozzi y Un tranvía llamado Deseo, de Tennessee
Williams. Ha dirigido series de televisión además de
iniciar un recorrido notable como director de cine,
que se refleja ya en títulos como Szédülés (1990), Woyzeck (1994), Opio: egy elmebeteg nö naplója y Witman
Fiuk (1997), además de dirigir un documental para
la Fundación Shoa y Steven Spielberg sobre los niños del holocausto. Los niños son también los protagonistas de El gran cuaderno, cuando los gemelos Egyik y Masik son entregados por su madre a la
custodia de una abuela nada convencional y en una
situación límite, ante la que ellos van a reaccionar
de una manera sorprendente y, desde luego, tampoco acomodaticia. Precisamente uno de los factores
narrativos que más ha sorprendido de la película de
Szász es su total abandono de los tópicos, tan abundantes en otras muchas películas, sobre las bondades de los abuelos y la ternura de unos niños adorables para sobrevivir en situaciones difíciles. Lo que
van a hacer estos es justamente lo contrario: envolverse en una dura capa de insensibilidad con la que
resistir la terrible situación a la que han sido enviados, dureza de cuerpo y de alma que les lleva a ser
adultos antes de tiempo. Por ello los veremos golpearse sin piedad, ayunar severamente, matar gallinas, robar lo que se pueda y mirar con displicencia
a los adultos que se ponen a tiro. Son criaturas infantiles a las que la vida, la guerra, ha llevado a asumir antes de tiempo la edad, las circunstancias y los
comportamientos que deberían haber esperado todavía algunos años más. Una situación límite que
Szász acentúa huyendo por completo de cualquier
sentimentalismo para ofrecernos unas imágenes de
insólita severidad.
19 de noviembre 2014
Sesión número 1468
9 MESES DE CONDENA
Título original: 9 mois fermé.
Nacionalidad: Francia.
Director: Albert Dupontel.
Producción: Manchester
Film. Productora: Catherine
Bozorgan. Guión: Albert
Dupontel, Héctor Cabello
Reyes, Olivier Demangel.
Fotografía: Vincent Mathias.
Dirección artística: Pierre
Quefféléan. Montaje:
Christophe Pinel
Actores: Albert
Dupontel, Sandrine
Kiberlain, Nicolas Marié,
Philippe Uchan, Philippe
Duquesne, Christian Hecq,
Gilles Gaston-Dreyfus, Bouli
Lanners, Michel Fau
Duración: 82 minutos
Versión original con
subtítulos en español
Premios: premio César
2013 mejor actriz (Sandrine
Kiberlain) y mejon guión
original.
Ariane Felder es una dura juez con unos valores intachables y
un apego aún mayor por la soltería. Cuál es su sorpresa cuando se descubre embarazada sin saber quién es el padre. Una investigación y varios tests de paternidad después, Ariane descubre que el “culpable” no es ni más ni menos que Bob Dolan,
un criminal de medio pelo perseguido por una terrible agresión.
Sin saber cómo afrontar todo aquello, y con el torpe pero sincero delincuente ahora instalado en su casa, Ariane intentará llegar al fondo de la verdad y, sobre todo, decidir qué hacer con su
nueva situación.
Cortometraje: LA LAVADORA, de Ana Aurora Rodríguez
Hijo de dos padres médicos, Albert Dupontel (nacido en Saint-Germain-en-Laye, 1964, como Philippe
Guillaume) comenzó también los estudios de Medicina, que abandonó en el quinto curso, para pasar entonces a la Escuela del Teatro Nacional de Chaillot,
donde permaneció dos años más (1986-1988), periodo de aprendizaje en el que interpretó pequeños papeles. Terminada esta etapa entró ya abiertamente en
el mundo del teatro, especializándose en la comedia,
para la que está especialmente dotado y cambiando su
nombre real por el artístico que viene utilizando y ello
con el pretexto de preservar la intimidad familiar. A
partir de 1990 promueve y participa en diversas experiencias escénicas, algunas en Canal +, otras actuando en directo en una exposición artística, rueda spots
televisivos hasta que, mediante su participación en el
show de Patrick Sébastien en TV consigue el reconocimiento popular. De esa manera, cubriendo etapas, llega el momento de dar el salto al cine, en el que debuta en 1998 con un pequeño papel en Todavía, de Paul
Vecchiali. Para entonces, ya había dirigido su primer
cortometraje, Desire, en 1992 y a partir de ese momento irá desarrollando ambas actividades que se concretan en 1996 con la presentación de su primera película como director, Bernie. En todos estos pasos artísticos,
Dupontel ha ido definiendo y consolidando un estilo peculiar, que se origina en su propia voz de comediante chillón y encuentra directo reflejo en su concepción creativa como director. Lo podremos comprobar
con la película de hoy, una narración alocada, al borde del disparate, imaginativa al máximo, rozando el
vodevil o el esperpento y casi en la mejor línea de los
grandes comediantes de la época clásica de Hollywood, esa que tanto añoramos. Por supuesto, los tiempos
han cambiado, y Dupontel no es Billy Wilder, pero es
que tampoco los tiempos son los mismos. Resumiremos la película de hoy con un comentario pescado en
las amplias redes del señor Google: “No estará entre las
mejores películas del año, pero tiene todo lo que se le debe pedir a una película: una historia original, divertida, de realización impecable, con buenos actores e incluso con un leve
toque de crítica social. La declaración final de la jueza es divertidísima y el remate muy sensato, nada de ñoñeces. Absolutamente recomendable”. No se puede decir más en
menos palabras.
26 de noviembre 2014
Sesión número 1469
LAS DOS CARAS
DE ENERO
Título original: The two faces
of january. Nacionalidad:
Estados Unidos, Reino Unido,
Francia. Director: Hossein
Amini. Producción: Timnick
Films, Studio Canal, Working
Tittle Films. Productores: Eric
Fellner, Robyn Slovo, Tom
Sternberg. Argumento: la
novela de Patricia Highsmith.
Guión: Hossein Amini.
Fotografía: Marcel Zyskind.
Diseño de producción:
Michael Carlin. Música:
Alberto Iglesias. Montaje:
Nicolas Chaudeurge.
Actores: Viggo
Mortensen (Chester
MacFarland), Kirsten
Dunst (Colette), Oscar
Isaac (Rydal), David
Warshofsky, Daisy Bevan,
Aleifer Prometheus, Yigit
Özscener, Nikos Mavrakis,
Socarates Alafouzos, Ozan
Tas.
Duración: 97 minutos
Versión original con
subtítulos en español.
En 1962, una encantadora pareja americana formada por el carismático Chester MacFarland y la bella y joven Colette se encuentra en Atenas durante unas vacaciones en Europa. En medio de una visita a la Acrópolis conocen a Rydal un joven estadounidense que habla griego y trabaja como guía turístico,
situación que aprovecha para timar a turistas ricas. Atraído por
la belleza de Colette e impresionado por el dinero y sofisticación
de Chester, Rydal acepta encantado una invitación a cenar, lo
que le lleva a implicarse cada vez más en unos acontecimientos
siniestros de los que no podrá liberarse.
Cortometraje: SON DOS DÍAS, de Andrés Lopetegui
El director
Hossein Amini nació en Teherán en 1966 y cuando
tenía 11 años se trasladó con su familia a Inglaterra y durante los últimos veinte años ha desarrollado una activa tarea como guionista, avalada por
numerosos premios. El primer guión escrito por él
fue para un telefilme, La muerte de la luz, dirigida en
1994 por Peter Kosminsky y referida a la muerte de
Sean Devereux, un trabajador humanitario asesinado en Somalia en 1993 por criticar la venta de armas. Luego escribió el guión adaptado de la novela Jude el oscuro, de Thomas Hardy, que fue filmada
por Michael Winterbotton en 1996 y a ella siguieron
otros guiones, igualmente galardonados en diversos festivales. Para su debut como director, Amini
ha tomado los elementos proporcionados por una
de las grandes novelistas de nuestra época, Patricia Highsmith, especializada en relatos de intriga y
misterio policíaco, siempre con una estructura que
viene a ser como la malla básica a partir de la que
organiza sus enredos: nada es lo que parece y, por
tanto, la verdad se puede esconder en el rincón más
insospechado. Es una forma de escribir que siempre ha sido reconocida por el cine, desde que Alfred
Hitchcock utilizara una de sus novelas para la magnífica Extraños en un tren hasta la serie dedicada a
su personaje fetiche, Ripley, del que se han ofrecido
ya varias versiones. Por tanto, una película basada
en una novela de Highsmith sabemos lo que ofrece:
un ambiente turbio, personajes que ocultan la verdad y se relacionan entre sí mediante intrigas y engaños, seducción de unos y traiciones de otros, sucesos que permanecen en el misterio y, en fin, una
sombra latente que envuelve la aparente vida sosegada y amable de los protagonistas, pertenecientes
a un nivel social de alto standing, que contribuye a
incrementar las falsas apariencias de lo que vemos
o creemos ver. De esa manera, la verdad y la mentira se van sucediendo como las alternativas olas del
mar, que nunca permanecen estables sino que van
siendo ahogadas a medida que llega la siguiente.
3 de diciembre 2014
Sesión número 1470
A 20 PASOS
DE LA FAMA
Título original: Twenty feet
from stardom. Nacionalidad:
Estados Unidos. Director:
Morgan Neville (2014).
Productores: Gil Friesen,
Caitrin Rogers, Morgan
Neville. Fotografía: Nicola B.
Marsh y Greham Willoughby.
Montaje: Jason Zeldes, Kevin
Morgan.
Intervenciones: Bruce
Springsteen, Sting, Mick
Jagger, Stevie Wonder, Sheryl
Crow, Darlene Lowe, Merry
Clayton, Lisa Fischer, Judith
Hill, Mabel John, Claudia
Lennear, Tata Vega, The
Waters Family, Lou Adler,
Patti Austin, Chris Botti.
Duración: 91 minutos
Versión original con
subtítulos en español
Premios: Oscar 2013 al
mejor documental; premio
de la Crítica 2013 al mejor
documental; premio del
National Board of Review al
mejor documental.
Conocemos a las grandes figuras de la música. A su lado, en
cada actuación, un grupo anónimo acompaña sus melodías. De
ellos no sabemos nada. Las coristas viven en un mundo que
se encuentra más allá del punto de mira. Sus voces armonizan a las bandas más populares de la música, pero nunca sabemos quiénes son estas cantantes o qué vida llevan. Hasta ahora.
Corto: SHOOT FOR THE MOON, de Casandra Macías Gago
El director
Morgan Neville (Los Ángeles, California, 1967) tiene una
carrera ya muy consolidada como productor, escritor y director de cine. Se graduó en la universidad de Pennsylvania e inicialmente trabajó como periodista en Nueva York
y San Francisco, antes de entrar en la producción de películas en 1993, debutando como director con el documental Freeway, continuando en los años siguientes desarrollando ese género tan específico, que él además acotó aún
más para dedicarse al mundo de la música y los músicos.
En años sucesivos estuvo nominado para los premios Grammy por sus películas Muddy Waters: no podemos estar satisfechos, Respect Yourself, The Stax Records Story y América
de Johnny Cash. También dirigió la multipremiada película The cool school, sobre el origen del arte moderno en Los
Angeles. Esa larga y comprometida carrera ha encontrado su culminación con A 20 pasos de la fama, oscar 2014 al
mejor documental. La originalidad del trabajo de Morgan
Neville consiste en que, a diferencia de otros muchos casos, la película no se centra en los divos musicales, auténticos protagonistas de los grandes conciertos y giras, sino en
un grupo de personas generalmente anónimas, que acompañan al divo con sus voces de coro o con sus danzas coreográfica. Por ello, escribe Astrid Meseguer, en La Vanguardia, “si les hablo de Darlene Love, Lisa Fischer, Merry
Clayton o Claudia Lennear seguro que a más de uno se le
pondrá cara de interrogante. Son los nombres de unas mujeres dueñas de poderosas voces, la mayoría de ellas hijas
de pastores protestantes que se iniciaron cantando en iglesias, aspirando a lo más alto. Sin embargo, la todopoderosa
industria discográfica las ha mantenido al margen durante
años, relegándolas al papel de coristas en la sombra. Una
profesión que para muchas de ellas no ha sido suficiente.
Como asegura Lennear: “no hay ninguna garantía en el mundo del espectáculo”, sobre todo si eres mujer y negra. Hasta
que Morgan Neville puso los ojos y la cámara en ellas, proporcionándoles el protagonismo que hasta entonces no habían tenido o perdieron. Aquí hay muchas historias personales pero también hay música, muchísima música, en las
voces y los instrumentos de nombres básicos del panorama
actual pero la película nos ayudará a pensar que nada de
eso sería lo mismo si no existieran esos coros, los estribillos
pegadizos, los bailes emocionantes, pues todo contribuye a
la grandeza del espectáculo. Aunque algunos estén en primer plano, chupando cámara y micrófono, y otros (generalmente otras) estén a 20 pasos detrás de ellos.
10 de diciembre 2014
Sesión número 1471
ANTES DEL
FRIO INVIERNO
Título original: Avant l’hiver.
Nacionalidad: Francia,
Luxemburgo. Director:
Philippe Claudel (2013).
Productores: Yves Marmion,
Romain Rojtman. Guión:
Philippe Claudel. Fotografía:
Denis Lenoir. Dirección
artística: Samuel Deshors.
Música: André Dziezuk.
Montaje: Elisa Aboulker.
Actores: Daniel Auteuil
(Paul), Kristin Scott Thomas
(Lucie), Leïla Bekhti (Lou),
Richard Berry (Gérard), Vicky
Krieps (Caroline), Jérôme
Varanfrain (Victor), Laurie
Killing (Mathilde), Anne
Metzler (Zoé).
Duración: 102 minutos
Versión original con
subtítulos en español
Paul es neurocirujano, tiene sesenta años, está casado con Lucie y siempre han sido felices, hasta que un buen día empiezan a
llegar ramos de rosas a su casa, coincidiendo con que Lou, una
joven de veinte años, no deja de cruzarse en el camino de Paul.
Poco a poco, las máscaras empiezan a caer y surgen las preguntas hasta enconces ocultas: ¿la vida de Paul y de Lucie es realmente lo que habían soñado? ¿quién miente, qué es verdad?
¿aún queda tiempo, antes de entrar en el invierno de la vida,
para revelar los secretos, lo que se han callado hasta ahora?
Corto: LA NIÑA MÁS GUAPA DE AGUILÓ, de P. Arrate
El director
Philippe Claudel (Nancy, Francia, 1962) tiene una
trayectoria sólida y consolidada como escritor. Dedicado profesionalmente a la enseñanza en un liceo
y en la Universidad de Nancy II como profesor de
Antropología Cultural y Literatura, en su tiempo libre impartió clases a niños discapacitados y a presos. Publicó su primer libro,
Meuse l’oubli, cuando tenía treinta y siete años. Sus
novelas y libros de relatos han sido galardonados
en varias ocasiones, destacando especialmente el
premio Goncourt de novela concedido en 2003 a Petites mécaniques mientras que su quinta obra, Almas
grises, fue galardonada el mismo año con el premio
Renaudot. Era ya un escritor consagrado cuando
pasó al cine, en 2008, como director y guionista de Il
y a longtemps que je t’aime (Hace mucho que te quiero)
que consiguió, entre otros premios, el César a la mejor ópera prima. Considerado por algunos críticos
como una de las voces más exquisitas e incómodas
de la literatura europea actual, cuyos textos -a veces
minimalistas, otras llenas de claroscuros y detallesse empecinan en contar el desasosiego del que busca huir para vivir más liviano el propio escritor explica su posicionamiento moral: “Suele decirse que
tememos lo que no conocemos. En cambio, creo que
el miedo surge cuando descubrimos lo que hasta el
día de hoy creíamos ignorar”. Como muchos de sus
personajes, Claudel parece determinado a presentar ante los ojos de los demás aquello con lo que no
quisieran vivir. En esa línea, en el año 2011 presentó su segunda película, Tous les soleils, a la que sigue Antes del frío invierno, una profunda, melancólica, quizá triste meditación sobre una etapa trascendental en la vida de los seres humanos, aquella en la
que ya no hay más remedio que afrontar la verdad
de los hechos y poner de relieve cuestiones que quizá han estado adormiladas durante mucho tiempo.
17 de diciembre 2014
Sesíón número 1472
LA GRAN ILUSIÓN
Título original: La grande
ilusion. Nacionalidad:
Francia. Director: Jean
Renoir (1937). Producción:
Les réalisations d’Art
Cinématographique.
Argumento y guión:
Charles Spaak, Jean Renoir.
Fotografía: Claude Renoir,
Christian Matras. Dirección
artística: Eugene Lourie.
Música: Joseph Kosma.
Montaje: Marguerite Renoir.
Ayudante de dirección:
Jacques Becker.
Actores: Jean Gabin
(Mariscal), Pierre Fresnay
(Boldieu), Dita Parlo
(Elsa), Erich von Stroheim
(Rauffenstein), Dalio
(Rosenthal), Carette, Gaston
Modot, Péclet
Duración: 113 minutos
Versión original con
subtítulos en español
Primera Guerra Mundial (1914-1918). En un campo de concentración alemán reina la camaradería entre unos prisioneros franceses que aparentemente se han adaptado a la situación.
Cuando llegan al campo dos oficiales de la aviación francesa,
son informados por sus compañeros de barracón de que están
excavando un túnel para poder escapar de allí.
Cortometraje: VIAJE A LA LUNA, de Georges Meliès
El director
La I Guerra Mundial, llamada por unos Gran Guerra y
por los americanos Guerra europea, comenzó el 28 de julio de 1914 y se prolongó hasta finales de 1918. Cuando
terminó, habían muerto nueve millones de combatientes.
Al llegar la paz, quienes gestionaron los acuerdos estaban
convencidos de que un conflicto de semejante naturaleza y dimensiones jamás volvería a repetirse. Un joven llamado Adolf Hitler tenía entonces 29 años y tres más tarde ya sería el lider del Partido Obrero Alemán, precursor del partido nazi que él mismo fundaría y presidiría.
En ese periodo de transición, el mundo conoció una auténtica convulsión política, social y territorial; cambiaron las fronteras, desaparecieron imperios, nacieron países nuevos, estallaron revoluciones, cayeron monarquías.
Ya nada fue como era antes de la I Guerra Mundial. A los
cien años del comienzo de aquella catástrofe, recuperamos una de las varias películas ejemplares que han recogido semejante suceso.
Se rodó entre febrero y mayo de 1937 y es considerada la
primera de las obras maestras del director Jean Renoir.
Estuvo censurada por Italia antes de la guerra; en Bélgica ni siquiera se llegó a estrenar y fue declarada enemiga del régimen por el ministro de propaganda alemán,
Goebbels. Jean Renoir (Paris, 1894 / Los Angeles, 1979),
hijo del pintor impresionista Auguste Renoir, quería ser
militar pero una herida recibida en 1915, durante la guerra, se lo impidió. Durante su etapa de recuperación se
convirtió en un apasionado espectador de cine y a partir de 1924, cuando escribió su primer guión, en una de
las figuras capitales del cine francés y mundial, a pesar de
que sus primeras películas tuvieron serias dificultades de
explotación y poco eco popular. Pero desde el comienzo
quedó claro su firme compromiso social y político con las
ideas de libertad y dignidad, con una posición inalterable
frente al fascismo. Así llega a realizar La gran ilusión que,
como El gran dictador, de Chaplin, surge en pleno auge de
las corrientes autoritarias, lo que viene a reafirmar la dignidad con que ambos creadores toman posiciones frente al encanallamiento de la política autoritaria. Dos de las
películas de Renoir, La gran ilusión y La regle du jeu, fueron incluidas por la revista inglesa Sight and Sound, entre las diez mejores de la historia del cine. Con la visión
de esta obra maestra, el Cine Club se une a la pacífica conmemoración de los cien años de la I guerra mundial, con
la firme esperanza de que nunca pueda haber una tercera.
VIAJE A LA LUNA, de Georges Meliès (1902).
Depósito Legal: CU-1-2014