1. No category

Estimados amigos de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes:
Es muy importante, al comenzar la Tercera Temporada de Conciertos 2015 de nuestra
excelente agrupación musical, que estén ustedes plenamente informados de los objetivos que
procuramos lograr en el Instituto Cultural de Aguascalientes. Y, en este sentido, nos da mucho
gusto anunciarles a ustedes que el punto central de esta temporada es la participación de
mexicanos de las nuevas generaciones. Jóvenes, todos ellos, poseedores de un gran talento
y que solamente necesitan de un escenario para mostrarle al mundo sus excepcionales
habilidades. Hemos así seleccionado a tres directores de orquesta y a cinco solistas cuyas
dotes musicales habremos de disfrutar en siete veladas, desde una gala lírica conducida por
Enrico López Yáñez hasta la interpretación de una obra de gran virtuosismo –el Concierto no.
1 de Franz Liszt, ni más ni menos– a cargo de José Alfredo Zendejas, pasando por la Noche
Mexicana que dirigirá Juan Tucán Franco y las presentaciones de conciertos de trompeta y
trombón que nos ofrecerán los hermanos Meza.
Cumplimos, de esta manera, con el cometido de apoyar a los jóvenes artistas y le damos
sentido a las líneas de acción que hemos perfilado en nuestra propuesta de políticas culturales.
México es un semillero de talentos que merecen oportunidades. Tanto es así, que de ahora
en adelante vamos a instaurar una temporada dedicada, cada año, a la promoción del talento
nacional. Éste, señoras y señores, es apenas el primer capítulo de una larga serie.Y será, sin lugar
a dudas, un gran comienzo.
Muchas gracias por compartir con nosotros está experiencia.
Román Revueltas Retes
Director Musical de la
Orquesta Sinfónica de Aguascalientes
CONCIERTO UNO | 14 DE AGOSTO, 21 h |
TEATRO AGUASCALIENTES
PROGRAMA
ROMÁN REVUELTAS RETES
ROMÁN REVUELTAS RETES: DIRECTOR
MUSICAL
Román Revueltas Retes. Compositor, director de orquesta y violinista, es continuador de
la tradición artística de una familia que ha dado grandes nombres a la cultura de México.
Realizó sus estudios musicales en Israel, Bélgica y Alemania. Sus obras sinfónicas han sido
estrenadas por orquestas como la Filarmónica de México, la Filarmónica de Jalisco, la
Orquesta Sinfónica de la Ciudad de México y la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes. Las
presentaciones del maestro Revueltas en el extranjero han sido en varias ciudades de:
China, Alemania, Portugal, España, Italia, Estados Unidos y próximamente Brasil. Ha grabado
diversas obras de autores mexicanos y entre sus interpretaciones destaca su participación
al lado del violinista Henry Szeryng en la interpretación del doble concierto de J.S. Bach. El
maestro Revueltas es el primer violinista mexicano en haber presentado en recital los 24
caprichos para violín solo de Paganini. Fue concertino de la Orquesta Sinfónica de Barcelona
y ha sido distinguido con el Premio anual de la Unión de Cronistas de Música y Teatro.
Como director, ha actuado al frente de la Orquesta del Estado de México, la Orquesta
Sinfónica Carlos Chávez, la Filarmónica de Acapulco, la Orquesta Sinfónica de la Universidad
de Guanajuato y la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, entre otras del extranjero. Fue
director musical de la Orquesta de INBA, director de la Orquesta Sinfónica Juvenil del
Estado de México y director titular de la Orquesta Sinfónica del Estado de Hidalgo. Desde
enero del 2005, es director musical de la Orquesta Sinfonica de Aguascalientes, una de las
mejores orquestas de México.
RAMÓN MEZA: TROMPETA
A.-SINFONÍA NO. 39 EN SOL MENOR
FRANZ JOSEPH HAYDN
I. Allegro assai
II. Andante
III. Menuet & Trio
IV. Finale: Allegro di molto
B.-CONCIERTO EN MI BEMOL PARA
TROMPETA Y CUERDAS
JOHANN BAPTIST G. NERUDA
I.Allegro
II.Largo
III.Vivace
INTERMEDIO
C.-PETROUCHKA
IGOR STRAVINSKI
I. The Shrovetide Fair
II. Petrushka’s Cell
III. The Moor’s Room
IV. The Shrovetide Fair (Evening)
RAMÓN MEZA BUSTAMANTE
Nació en Lerma, estado de México. Inicia sus estudios musicales ha temprana edad en la
especialidad de trompeta con su padre el Mtro. Ramón Meza Suárez trombón principal
de la Orquesta Sinfónica del Estado de México. Posteriormente ingresa al Conservatorio
de Música de San Pedro Tultepec, estado de México. Estudió con prestigiados maestros
como: René Hernández, trompetista de la Orquesta Sinfónica de Baltimore; James Ready,
trompetista principal de la Orquesta Filarmónica de la Universidad Autónoma de México y
John Urness, trompetista principal de la Orquesta Sinfónica del Estado de México. Participó
en cursos internacionales de Instrumenta con los maestros: Uwec Koller, trompetista de la
Ópera de Hamburgo; Mathias Hofss, trompeta solista de la Ópera de Hamburgo y uno de los
trompetistas más importantes a nivel internacional. Tomó clases con el maestro Tom Rolfs
trompetista principal de la Orquesta Sinfónica de Boston en el New England Conservatory
de la misma ciudad. Fue miembro de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma
del Estado de Nuevo León, Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de
Hidalgo, Orquesta Sinfónica de Guanajuato, Orquesta Sinfónica del Estado de Michoacán y
Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México. Ha realizado varias giras internacionales
a Europa, Asia Estados Unidos de Norte América con la Orquesta Sinfónica del Estado de
México. Actualmente continúa sus estudios, con el Mtro. Juan Manuel Arpero concertista
internacional y es integrante de la Orquesta Sinfónica del Estado de México.
NOTAS AL PROGRAMA
SINFONÍA NO. 39 EN SOL MENOR DE FRANZ JOSEPH HAYDN
La historia de la música atribuye al compositor austriaco Franz Joseph Haydn la paternidad
de la sinfonía, así como también se le reconoce como el padre del cuarteto de cuerdas.
Compuso 104 sinfonías, probablemente el corpus sinfónico más nutrido y generoso entre
los grandes sinfonistas de toda la historia. La sinfonía que hoy nos ocupa, la No. 39 en sol
menor, fue compuesta entre 1767 y 1768 y es la primera sinfonía “Haydn” compuesta en una
tonalidad menor asociada al período “Sturm und Drung (Tormenta y Pasión), es decir, son
obras escritas en un período caracterizado , tanto por una profunda subjetividad como por
una intensa fuerza intelectual. La fuerza e impacto de esta sinfonía de Haydn es indiscutible
influencia e inspiración para sinfonías posteriores compuestas en la misma tonalidad de sol
menor, concretamente podemos citar las de Johann Baptist Vanhal, el Op.6 No. 6 de Johann
Christian Bach, uno de los hijos del padre de la música y la Sinfonía No. 25 de Wolfgang
Amadeus Mozart. Sin ánimos de meternos en los intrincados y sinuosos caminos de la rígida
erudición musical, sólo queremos anotar que para algunos de los más grandes musicólogos
y estudiosos del sinfonismo de Haydn, su andante, segundo movimiento de esta sinfonía, y
según palabras del musicólogo A. P. Brown, “es uno de los movimientos lentos de Haydn
más galantes, con su compás de métrica pequeña, tresillos de semicorcheas, resbalones,
resoluciones débiles, ecos y una textura fina y delicada en general”. Por otro lado, el tercer
movimiento es el tradicional minueto obedeciendo a la estructura de la sinfonía clásica, hasta
que Beethoven cambia este minueto por un scherzo en el nacimiento del romanticismo.
CONCIERTO EN MI BEMOL PARA TROMPETA. JOHANN BAPTIST G. NERUDA
Johann Baptist G. Neruda es un compositor de Bohemia, hoy República Checa y que la
historia de la música lo ubica dentro del período clásico, aunque comparado con otros
compositores de este mismo periodo, Neruda es prácticamente un desconocido, de
hecho los datos de su nacimiento y muerte son sólo aproximaciones, se calcula que su
vida transcurrió entre el año de 1708 y 1780. Sabemos, sin embargo, que pertenecía a
una familia muy respetada en el ambiente musical de su natal Bohemia. Él mismo se ganó
un gran reconocimiento como violinista y director de orquesta en Alemania y la ciudad
de Praga, esta reputación lo llevó a ser nombrado director de la orquesta de la Corte de
Dresde. Su trabajo como compositor incluye 18 sinfonías, 10 conciertos para violín y los
que lo han hecho célebre, el concierto para fagot, y el de trompeta en mi bemol que hoy
nos ocupa, 34 sonatas, dos cantatas sacras, y la ópera “Les Troqueurs”. De acuerdo a la
opinión de importantes estudiosos de la obra de Johann Baptist G. Neruda, su Concierto
para trompeta y cuerdas, originalmente compuesto para “corno da caccia”, o simplemente
un corno para el que se usaba sólo el registro alto, y que ahora es generalmente ejecutado
en esta versión en mi bemol para trompeta, se ha convertido, indiscutiblemente, en una
de las aduanas indispensables, junto en el de Hummel, el de Haydn, Leopold Mozart o
el de Friedrich Fasch, para todo el que se precie de ser buen trompetista. El manuscrito
original del Concierto en mi bemol de Johann Baptist Neruda se encuentra actualmente
en la Biblioteca Nacional de Praga, junto otros conciertos poco conocidos para diferentes
instrumentos de metal.
PETROUCHKA DE IGOR STRAVINSKI
Petrouchka es el segundo de una trilogía
de grandes Ballets del compositor ruso
Igor Stravinski. Esta trilogía la completan el
Pájaro de fuego que antecede a Petrouchka,
y la célebre y polémica Consagración de la
primavera que cierra este impresionante
triduo de suites para ballet. Petrouchka,
como la Consagración de la primavera, se
estrenó en París el 13 de junio de 1911
en una presentación de los ballets rusos
de Diágilev, con Nijinski y Karsavina en los
papeles protagónicos. La historia nos lleva
a lo que con el tiempo se ha convertido
en un lugar común, la marioneta, que a
pesar de serlo, tiene corazón, es decir,
sensibilidad. Petrouchka es un muñeco de
trapo enamorado de la bella bailarina que
ignorando el amor de la marioneta, opta por
el amor del moro. La historia termina con
la muerte de Petrouchka. La partitura oscila
entre lo grotesco y lo tierno, un discurso
musical que nos explica con sorprendente
elocuencia la sensibilidad de esta marioneta
de trapo profundamente enamorada. El
piano, por cierto, tiene un papel protagónico,
no exageramos al decir que es una obra casi
concertante para el rey de los instrumentos.
CONCIERTO DOS | 21 DE AGOSTO, 21 h |
TEATRO AGUASCALIENTES
PROGRAMA
CRISTIAN ARRIAGA JIMÉNEZ
ROMÁN REVUELTAS RETES:
DIRECTOR MUSICAL
Originario de San Luis Potosí, comenzó sus estudios musicales al inicio del año 2012 en
el Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario bajo la tutela del maestro Alain Del
Real. Durante el transcurso de este tiempo ha demostrado un avance sobresaliente, siendo
un alumno que representa las cualidades que la institución establece en su alumnado. En
Diciembre de 2012 tocó el Concierto para piano en re mayor de Haydn con la Camerata
de San Luis Potosí, en Junio de 2013 presentó un recital en el Centro Cultural Universitario
de la Universidad Autónoma de Aguascalientes, en 2014 tocó 2 conciertos dentro de las
actividades del Festival Música Libre del CEART, el primero en el Auditorio Pedro de Alba
de la Universidad Autónoma de Aguascalientes (UAA) tocando el Concierto para “jóvenes
pianistas” en Re Mayor de Kabalevsky con la Orquesta de la UAA y el segundo en la Sala
Niños Cantores de Morelia con el mismo programa en versión a dos pianos. Ha recibido
clases de perfeccionamiento pianístico de la maestra Silvia Navarrete, Alexander Pashkov
y Polina Fedotova. Actualmente es un recién egresado del programa de Educación Musical
de Nivel Medio del CEART. El maestro Román Revueltas ha invitado a Cristian Arriaga a
presentar el Concierto de Kabalevsky con la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, lo que
representa su debut oficial como pianista solista.
CRISTIAN ARRIAGA JIMÉNEZ: PIANO
A.-OBERTURA: LA PRIMAVERA
ARNULFO MIRAMONTES
B.-CONCIERTO PARA PIANO Y
ORQUESTA NO.3 OP.50
DMITRI KABALEVSKY
I. Allegro molto
II. Andante con moto
III. Presto
INTERMEDIO
NOTAS AL PROGRAMA
C.-LEYENDAS, OP. 22
ARNULFO MIRAMONTES
JEAN SIBELIUS
I. Lemminkäinen y las doncellas
de Saari
II. Lemminkäinen en Tuonela
III. El cisne de Tuonela
IV. El retorno de Lemminkäinen
Arnulfo Miramontes nació en Tala, Jalisco, el 18 de julio de 1881. Una década más tarde, su
familia emigró a Aguascalientes, ciudad que más tarde él consideraría como su tierra natal. A
la fecha, no se ha podido confirmar los detalles de su formación musical, aunque se cree que
los inició en Aguascalientes, donde llegó a convertirse en 1895 en el organista del Santuario
de Nuestra Señora de Guadalupe. Por lo pronto, puede afirmarse que lo más relevante
de su formación fueron los estudios realizados de 1899 a 1900 con Francisco Godínez,
primer organista de la Catedral de Guadalajara, así como los efectuados de 1908 a 1909
en el Stern´sches Konservatorium der Musik de Berlín, donde tomó clases de piano con
Martín Krause (discípulo de F. Liszt) y de armonía y composición con Philipp Rüfer. En este
conservatorio compone la obertura que hoy presentamos “La Primavera”. A su regreso a
México se instala en Aguascalientes, donde en 1910 la Comisión Central del Centenario
de la Independencia Nacional le encarga la organización de una serie de conciertos en
conmemoración por los cien años del inicio del movimiento independentista. En ese mismo
año obtiene un primer premio por su Cuarteto de cuerdas Nº 1, en concurso convocado
por la entonces Secretaría de Instrucción Pública y Bellas Artes. La década de 1910 puede
considerarse como la más prolífica de su carrera como compositor. en este periodo
Miramontes escribió: Oficio de difuntos, Misa de Réquiem, Sonata para piano, Concierto
para piano y orquesta, Primera sinfonía, Sonata para violín y piano, Allegro Scherzando, Suite
sinfónica mexicana, ópera Anáhuac, Baile azteca y decenas de composiciones para piano,
canto y piano, coro y órgano. En 1921, 1923 y 1924 visita por motivos artísticos los Estados
Unidos de Norteamérica. Dentro de las actividades realizadas, se destaca su participación en
la Universidad de Columbia en New York en un recital en el que tomaron parte la soprano
María Luisa Escobar de Rocabruna y la poeta chilena Gabriela Mistral. De estos años también
datan sus primeros contratos con diversos repertorios de música de la Ciudad de México
y la composición de la Gran marcha triunfal. De 1927 a 1929 es nombrado director titular
de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes y en un segundo periodo en 1934 es designado
nuevamente director titular. Dentro de su labor pedagógica, destaca su labor como docente
en la Escuela de Música Sacra de Querétaro y el Conservatorio José Guadalupe Velázquez
del mismo estado, así como en las diversas academias de piano y composición que fundó
en Ciudad de México, Aguascalientes, Guanajuato, Querétaro, San Luis Potosí y Zacatecas.
Murió en la Ciudad de México el 13 de marzo de 1960, sus restos descansan en el Panteón
Francés de esa entidad.
CONCIERTO PARA PIANO NO. 3, OP, 50. DE DMITRI KABALEVSKY
El Concierto para Piano No. 3 en do mayor, Op. 50 de Dmitri Kabalevsky lleva el subtítulo
de “Juventud”. Es uno de sus tres conciertos, los otros dos son el de violín y el de
violoncelo, escritos y dedicados a jóvenes ejecutantes de la extinta Unión Soviética en
1952, y seguramente por esta razón, suele interpretarse como el primer concierto público
para estudiantes de piano en Rusia y muchos otros países. Es un concierto diseñado para
permitir el lucimiento del pianista, es una obra llena de luz, como un paisaje soleado, que
combina exigencias casi pirotécnicas con el rango de habilidad de un entusiasta estudiante
de piano. La obra, como casi la totalidad del lenguaje concertante, está estructurada en tres
movimientos, cuyo carácter, Allegro molto, Andante con moto, y Presto, la hace obedecer a
un estándar prácticamente definido, un movimiento lento en medio de dos rápidos, aunque
el andante no es exactamente un adagio, un largo o larghetto. El Op. 50 de Kabalevsky
comparte la línea melódica del tema “Días de escuela” con la Rapsodia para Piano y
Orquesta, Op. 75 del mismo compositor.
LEYENDAS, OP. 22. DE JEAN SIBELIUS.
La “Lemminkäinen Suite, también llamada
simplemente “Cuatro leyendas” o bien,
“Cuatro leyendas de Kalevala” es una obra
escrita por el compositor finlandés Jean
Sibelius a principios de 1890. Originalmente
fue concebida como una ópera mitológica
que se llamaría “La construcción del barco”
con una incuestionable influencia del
pensamiento musical de Richard Wagner. Más
tarde Sibelius cambia sus objetivos musicales
y la obra terminó siendo una pieza orquestal
en cuatro movimientos, evidentemente, de
características descriptivas. La suite está
basada en las leyendas de Kalevala de la épica
finlandesa. Esta obra también puede ser
considerada como una colección de poemas
sinfónicos. La segunda y tercera sección,
“El cisne de Tuonela”, se suelen ejecutar
independientemente del resto de la obra a
la que pertenecen. Es necesario señalar que
los movimientos internos de la obra, es decir,
justamente el segundo y tercero, son con
frecuencia ejecutados invirtiendo el orden,
lo que ha generado más de una discusión
al respecto, el mismo Sibelius hizo una
revisión de la partitura en 1947 trabajando
específicamente en los dos movimientos
centrales y definiendo el orden en el que
estos se deben interpretar poniendo punto
final a la discusión, es exactamente así como
hoy la escucharemos.
CONCIERTO TRES | 28 DE AGOSTO, 21 h |
TEATRO AGUASCALIENTES
“GALA DE ÓPERA”
ENRICO LÓPEZ- YAÑEZ: DIRECTOR MUSICAL INVITADO
CORO INFANTIL DE ESPERANZA AZTECA AGUASCALIENTES
MÓNICA ABREGO: SOPRANO
SOLANYE CAIGNET: MEZZOSOPRANO
JORGE LÓPEZ -YAÑEZ: TENOR
MARCO RODRÍGUEZ: BARÍTONO
PROGRAMA
1. OBERTURA (EL MURCIÉLAGO)
11. O FORTUNA
(CARMINA BURANA)
18. HUAPANGO
GEORGES BIZET
INTERMEDIO
19. GRANADA
3. VOTRE TOAST (CARMEN)
12. OBERTURA
(LAS BODAS DE FÍGARO)
JOHANN STRAUSS II
2. HABANERA (CARMEN)
GEORGES BIZET
4. CHI IL BEL SOGNO DI DORETTA
(LA RONDINE) | GIACOMO PUCCINI
5. E LUCEVAN LE STELLE (TOSCA)
GIACOMO PUCCINI
6. VA PENSIERO (NABUCCO)
GIUSEPPE VERDI
7. LAKMÉ DUET (LAKMÉ)
LÉO DELIBES
8. PEARL FISHER DUET
(PEARL FISHER) GEORGES BIZET
9. SI MI CHIAMANO MIMI
(LA BOHÈME) GIACOMO PUCCINI
10. O SOAVE FANCIULLA
(LA BOHÈME)
GIACOMO PUCCINI
CARL ORFF
JOSÉ PABLO MONCAYO
AGUSTÍN LARA
W. AMADEUS MOZART
20. JÚRAME
13. LARGO AL FACTOTUM
(EL BARBERO DE SEVILLA)
21. NOVILLERO
MARÍA GREVER
GIOACHINO ROSSINI
AGUSTÍN LARA
14. VESTI LA GIUBBA
(PAGLIACCI)
22. SOLAMENTE UNA VEZ
RUGGERO LEONCAVALLO
AGUSTÍN LARA
15. UNA VOCE POCO FA
(EL BARBERO DE SEVILLA)
23. BÉSAME MUCHO
GIOACHINO ROSSINI
16. CARO NOME
(RIGOLETTO)
GIUSEPPE VERDI
17. QUARTET
(RIGOLETTO)
GIUSEPPE VERDI
CONSUELO VELÁZQUEZ
24. THE PRAYER
DAVID FOSTER
25. LIBIAMO
(LA TRAVIATA)
GIUSEPPE VERDI
ENRICO LÓPEZ-YAÑEZ SOLANYE CAIGNET
Recientemente fue nombrado asistente de director de la Orquesta Sinfónica de Omaha
después de haber terminado su maestría en la Universidad de Maryland con el maestro
James Ross. Desde su llegada a la universidad, López-Yañez fue el asistente director de la
Capital City Symphony y uno de los directores de la University of Maryland Repertoire
Orchestra así como asistente de director de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de
Maryland y el Maryland Opera Studio. Antes de estudiar en Maryland, López-Yañez obtuvo
su maestría en la UCLA, donde estudió trompeta con Jens Lindemann y se graduó con
el máximo reconocimiento. Como director ha estudiado con Ken Kiesler, Donald Neuen,
Daisuke Soga y Thomas Lee. El verano pasado 2014, López-Yañez asistió al Festival de Música
en Castleton donde fue invitado como Conducting Associate estudiando con Lorin Maazel.
Sus participaciones internacionales han sido en México con la Orquestra Sinfónica de
Aguascalientes, en el Festival de Prague Summer Nights (República Checa) y en el 2011 en el
Festival de Música en Londrina, Brasil. Siguiendo su pasión por la ópera, López-Yañez ha sido
asistente de director con las producciones de la UCLA, incluyendo: L’enfant et le sortilèges
(Ravel), Il segreto di Susanna (Wolf-Ferrari), L’Incoronazione di Poppea (Monteverdi), Orfeo
en el infierno (Offenbach) y en la premier de la versión de cámara de Jonathan Sheffer’s
Blood on the dining room floor. También fue el asistente de director con el Maryland
Opera Studio en las producciones de Albert Herring (Britten), Cosi fan tutte (Mozart),
Ravel’s L’enfant et les sortilèges y Rossini’s L’occasione fa il ladro, la cual dirigió en versión
concierto. Este verano 2015 asistió al Festival de Prague Summer Nights donde participó
en las producciones de Mozart con la ópera Don Giovanni y Puccini’s Suor Angelica. En
septiembre de 2015 regresará a los Estados Unidos a dirigir Madama Butterfly con Main
Street Opera en Chicago. Como trompetista, López-Yañez ha sido solista con la Orquestra
Sinfónica de Aguascalientes, la Orquesta Filarmónica de Zacatecas y la Banda Sinfónica de
Zacatecas. Ha grabado como solista en varios álbumes incluyendo: La Banda de Zacatecas
“Por ti seré” álbum y The San Diego Jewish Men’s Choir’s Heritage y Kochi entre otros.
Cantante y violinista de origen cubano. Inició
sus estudios musicales a la edad de siete años
en el Conservatorio Manuel Saumell de la
Habana, Cuba. A la edad de 16 años cambió
su residencia a México, donde comienza
estudios de canto con la famosa cantante
de ópera cubana Ninón Lima. Tomó clases
de técnica vocal con destacados maestros
de talla internacional como Catherine
Ciessinski y Claude Corbeil así como
cursos de técnica vocal con Encarnación
Vázquez, Conchita Julián y Armando Mora.
En 1999, fue seleccionada entre múltiples
cantantes de México para participar en un
curso especial con los principales couches
del Metropolitan Opera House de New
York, Joan Dorneman y Nico Castel en
donde obtuvo un gran éxito. Participó en
recitales en los Estados Unidos, México,
Cuba y Argentina. Su repertorio incluye
obras de Vivaldi, Bach Mozart, Rossini,
BIzet, Mascagni, Richard Strauss, Schubert
y Donizetti. Ha participado como solista
con el Cuarteto José White, presentando
preclásicos italianos y música barroca, así
como con la obra Baalkah de Gabriela
Ortiz en la ciudad de Querétaro. Se ha
presentado en múltiples recitales de cámara
con el guitarrista Sergio Medina, en la ciudad
de Detroit, Estados Unidos; en Guadalajara
en el Festival de Mayo y en muchos otros
estados de la República Mexicana. Cantó
la parte mezzo de los valses de amor
de Brahms con las destacadas pianistas
Marioara Trifán y Guadalupe Parrondo. Ha
Presentado selecciones de óperas como La
italiana en Algeri, Las Bodas de Fígaro y Eboli.
Entre sus roles principales se encuentra
Rosina en el Barbero de Sevilla, Angelina
en la Cenicienta, Ciesca y Zita en Gianni
Scchicchi, bajo la dirección del maestro
Marco Balderi, Lola y Santuzza en Cavallería
Rusticana y el rol de Carmen de Bizet que
ha interpretado en cinco ocasiones con
los tenores Armando Mora, Jorge López
Yañez y Fernando de la Mora. También
ha cantado la parte de mezzosoprano del
Réquiem de Mozart bajo la dirección de
Geörg Bierhance. Actualmente es cantante
de ópera y concertista freelance, maestra de
la Licenciatura en Canto del área de Arte
y Cultura de la Universidad de Zacatecas,
segundo violín principal de la Orquesta de
Cámara del Estado de Zacatecas, miembro
del Cuarteto Assai y estudiante en el
Doctorado de Educación de la Universidad
de Durango.
MÓNICA ÁBREGO
La maestra Ábrego es una de las sopranos más sobresalientes y versátiles de México, se
ha presentado en escenarios internacionales y nacionales con un repertorio diverso que
incluye ópera, canción de concierto y música popular. En el género clásico ha actuado con
numerosas orquestas que incluye la Orquesta Sinfónica de Colorado, de Iowa, San Diego,
Key West, Delaware, La Jolla, Aguascalientes, Bulgaria y con la Filarmónica de Chihuahua
con quien además realizó una gira por México y otra por Estados Unidos. Igualmente se
ha presentado en escenarios de ópera interpretando los papeles de “Serpina” de La Serva
Padrona, “Norina”de Don Pasquale,“Lauretta” de Gianni Schicchi “Gilda” de Rigoletto,
“Magda” de Rondine, “Violetta”de La Traviata, “Manon” de Manon, “Musetta” de La Boheme,
“Olympia” de Los Cuentos de Hoffmann, “Nanetta” de Falstalff, “Susanna” de Las Bodas de
Figaro, “Gretel” de Hansel y Gretel, “Maria” de Operita –Tango María de Buenos Aires y
recientemente, “Micaela” de Carmen. En el 2003, hizo su debut en la sala del Carnegie Hall
de Nueva York, como solista de la compañia Pacific Opera Encore. Del 2005 al 2008 volvió
a cantar en la misma sala así como en el Merkin Hall del Lincoln Center. Su pasión por la
música también le ha dado la oportunidad de destacarse interpretando la música vernácula
mexicana con gran orgullo por México y los Estados Unidos, al lado del Mariachi Champaña
Nevin. En el 2012, nace su trabajo discográfico “Alma Mía”, editado por Vientos del Sur
Productions, en el que incluye temas de Bossa Nova, canción mexicana, teatro musical y
tango. La soprano Mónica Ábrego realizó sus estudios en la escuela de música de Manhattan
donde obtuvo la Licenciatura en Música. También ha recibido premios y reconocimientos
de la Asociación de Maestros de Canto de Estados Unidos (1998), de la Sinfónica y Coro
de la Jolla, California (1997-1998), del RYLA, Club Rotario Internacional (1998), del Fondo
Nacional para la Cultura y las Artes (1999-2002) y de la Fundación de Mérito Musical de
San Diego (1998-2002). Actualmente radica en la ciudad de New York donde se desarrolla
profesionalmente.
JORGE LÓPEZ- YAÑEZ
El tenor Jorge López- Yañez, desde que inició su carrera profesional en la ópera ha cantado
en la mayoría de teatros del mundo operístico como son: El MET de New York, en Los
Ángeles, San Francisco, San Diego y Pittsburgh. En teatros europeos se ha presentado en
Alemania, Suiza, España, Italia, Polonia, Francia, Noruega, Bélgica. Además de Tokio, Japón; Corea del Sur, Israel, Canadá, Inglaterra, Australia, América del Sur y México. El maestro López
-Yañez ha cantado al lado de grandes artistas como Edita Gruveroba, Federika von Stade,
Anna Netrebko, Placido Domingo, Bruno Pola, Sherryl Mills y José Cura entre otros y ha
estado bajo la batuta de grandes directores como Alberto Zedda, Riccardo Muti, Eduardo
Muller, Marco Balderi, Carlo Felice Cilario, James Levinec y Richard Bonynge. El maestro
Jorge López-Yañez ha cantado la gran parte de óperas del Bel canto italianas y francesas.
En 1991 cantó como tenor principal de la ópera “Le Postillon de Lonjemeau” que fue una
producción filmada y transmitida a toda Europa desde Ginebra, Suiza. Ha sido director artístico de varias orquestas, entre ellas la de Aguascalientes y actualmente continúa su labor
de apoyo a jóvenes cantantes.
MARCO ANTONIO RODRÍGUEZ
Estudió en la Escuela de Música Sacra de Aguascalientes y en la Universidad Autónoma de
Zacatecas (Facultad de Música). Se especializó en técnica vocal en la Accademia della Voce
di Torino (Italia) con la mezzosoprano Franca Mattiucci. Participó en el “Festival Dei Due
Mondi” en Spoleto, Italia organizado por el maestro Gian Carlo Menotti. A partir del año
2003 y hasta la fecha ha participado en numerosos conciertos en algunos papeles dentro de
las óperas realizadas en el estado de Sinaloa y en otros estados de la República Mexicana
con los papeles de: Simone y Gianni Schicchi en Gianni Schicchi, Falstaff en Falstaff, Fígaro en
Las Bodas de Fígaro, Sr. Buffo en El Empresario, Silvio en Payasos, Papageno en La Flauta Mágica, Don Pasquale en la ópera del mismo nombre, Morales en la ópera Carmen, Schaunard
en Bohème, Álfio en Cavallería Rusticana así como Don Alfonso en Cosi Fan Tutte. Belcore y
Dulcamara de Elisir d’amore y el barítono de La ópera de las cuatro notas, Uberto en Serva
Padrona. El maestro Marco Antonio Rodríguez es miembro de la 1ra. generación del Taller
de Ópera de Sinaloa, además promueve y participa en los montajes “La negra, la blanca y la
redonda” y “De Gokú, José Alfredo y otras óperas”, bajo la dirección escénica de Marcela
Beltrán y toma clases de técnica con el barítono Carlos Serrano. Es director del Coro de la
Ópera de Sinaloa, maestro de técnica y pianista acompañante del Coro Infantil Universitario
del Dorado y la Escuela Superior de Música del ISIC.
NOTAS AL PROGRAMA
GALA DE ÓPERA
En Italia, concretamente en Florencia a finales del siglo XVI, en pleno esplendor madrigalístico
y con el incuestionable auge de los intermedios que eran representaciones musicales que
fungían como aderezo de fiestas y celebraciones teatrales y que lo debemos entender
como un espectáculo florentino por excelencia, el mundo de la música dio un importante
giro hasta el extremo de cambiar por completo el panorama musical de Europa, todo esto,
debido a la aparición de un nuevo lenguaje, la ópera, expresión musical influida por las
aportaciones armónicas y expresivas de los madrigalistas por un lado, y por la necesidad
escénica y el uso de nuevas combinaciones musicales por otro.
Giulio Caccini, Jacopo Peri y Emilio de
Cavalieri, ambos compositores, como
también lo era Vicenzo Galilei, padre del
célebre astrónomo que colaboró con sus
notables aportaciones de significativo peso
intelectual, además de ser un reconocido
teórico de la música. Justamente a él se
debe uno de los textos más importantes del
renacimiento, “Dialogo della musica antica
et della moderna” (Diálogo de la música
antigua y de la moderna) que cimentó los
principios estéticos de la camerata.
Dentro de los literatos encontramos a
Ottavio Rinuccini, autor de los primeros
libretos operísticos, como fue el caso de
“Favola di Dafne”, para la cual Jacopo Peri
compuso la música en 1597. “Euridice”,
también musicalizada por Peri en 1600,
prácticamente ya en el amanecer de período
barroco. La ópera “Ariana”, de la que sólo se
conservan algunos fragmentos, además de
“Il Ballo delle ingrate” de 1608, estas dos
últimas de Cláudio Monteverdi.
También en el terreno de las letras, es
necesario mencionar a Gabriello Chiabrera
y Girolamo Mei, este último, por cierto,
especialista de la teoría musical griega.
Musicalmente la ópera vino a ser
consecuencia de la imposición de la
superioridad de una voz solista, es decir, de
la monodia, sobre la polifonía, cuyo tejido
fue sustituido por la técnica instrumental
del bajo continuo, que servía de soporte al
discurso melódico. Esta solución armónica se
convertirá en la principal característica de la
música barroca. Encontramos esta tendencia
desde los célebres intermedios florentinos,
en donde se pretendía, igual que sucedía con
los últimos madrigalistas, recrear el llamado
“Stilo rappresentativo”, cuyo propósito no
era exactamente el de plasmar la música en
términos escénicos, sino reflejar la tensión
de los diálogos en una acción imaginada.
En este contexto social y artístico surge la
ópera, que no tardaría mucho en encontrar
en Claudio Montevrdi a su primer gran
protagonista.
Ese irreprimible deseo de recuperar el esplendor de la Grecia clásica, además de la antigua
ilusión humanista de conjuntar en un solo concepto la tragedia, la música y la danza
creando una nueva forma de expresión artística que hoy conocemos como ópera y que los
entendidos en estos temas consideran con toda justicia el arte total, tuvo su culminación en
la llamada Camerata Florentina o Camerata di Bardi, una especie de academia, en el sentido
estrictamente renacentista del término, en donde intelectuales, filósofos, músicos y poetas
debatían las teorías del pasado y daban cuerpo a nuevas fórmulas capaces de configurar un
nuevo arte, precisamente, el arte total.
Esta camerata se reunía en el palacio del conde Giovanni María Bardi del Vernio, de ahí
su nombre de la Camerata di Bardi. A estas reuniones asistían, entre otros, el compositor
APOYO
LA MÚSICA EN VIVO
CONCIERTO CUATRO | 4 DE SEPTIEMBRE, 21 h |
TEATRO AGUASCALIENTES
PROGRAMA
JOSÉ MARÍA FERREIRA LOBO
JOSÉ MARIA FERREIRA LOBO:
DIRECTOR INVITADO
Inició su actividad profesional en 1979 como maestro director de la Camerata do Porto,
orquesta de cámara que fundó con Madalena Sá e Costa. En 1992 creó la Orquesta do
Norte, de la que es su maestro titular y director artístico. Bajo su dirección, la orquesta
desarrolló una calidad técnica y artística muy alta lo que le permitió que fuera considerada
una de las mejores orquestas de Portugal. Colaboró ​​con artistas de renombre internacional
como: Krisztof Penderecki, José Carreras, Julia Hamari, Regis Pasquier, Katia Ricciarelli,
Patricia Kopatchinskaya, Michel Lethiec, Éteres Lamoris, António Rosado, Dame Moura
Linpany, Svetla Vassileva, José de Oliveira Lopes, Vincenso Bello y Fiorenza Cossotto entre
otros. De su carrera internacional destacamos la dirección de la ópera y los conciertos
en: España, Francia, Alemania, Italia, Suiza, Holanda, Inglaterra, Rusia, República Checa,
Eslovaquia, Lituania, Letonia, Polonia, Rumania, África del Sur, China, Chipre, Brasil, México,
Colombia, Venezuela, Reino Unido, Estados Unidos, Egipto y Turquía en colaboración con
orquestas de renombre como: Manchester Camerata, la Orquesta Sinfónica Nacional de
Lituania, Orquesta Cannes, la Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Sinfónica de Izmir,
Czech Philharmonic Orchestra, la Orquesta Sinfónica de Estambul, Estambul Orquesta CRR
de Radio Orquesta Televisión de Beijing, el Claudio Santoro Orquesta Sinfónica Nacional
de Teatro, la Orquesta Nacional de la Radio de los Países Bajos, la Orquesta Sinfónica el
Estado de México, Orquesta Sinfónica de la Universidad de Nuevo León, Artur Rubinstein
Filarmónica - Lodz, Hermitage Orquesta de San Petersburgo, Orquesta Sinfónica de Zurich
- Tonalle, Eslovaco Sinfonietta, Sinfonía Varsovia, Orquesta Filarmónica de Montevideo. El
maestro José Ferreira Lobo se ha presentado en algunas de las salas de conciertos más
importantes del mundo, particularmente en: Munich Philharmonic, Zurich Tonhale, Ópera
Nacional de El Cairo, en el Centro Cultural de Hong Kong, el Centro Cultural de Beijing, el
Teatro Solís de Montevideo, Teatro Claudio Santoro en Brasilia, el Teatro Teresa Carreño
de Caracas, Filarmonía de Vilnius y el Hermitage de San Petersburgo. Interpretó también
música sacra en las iglesias de la Madelaine, París, la Catedral de Catania (Festival de Bellini)
y Orsanmichele en Florencia. Dirigió estrenos mundiales de compositores franceses,
portugueses, suizos y turcos. Cuenta con un amplio repertorio que abarca el clásico y
romántico, obras contemporáneas y treinta títulos de ópera. Además de su papel como
director ha sido regularmente invitado a integrar mesas como jurado de prestigiosos
concursos internacionales. Ha grabado para Radio y Televisión Portuguesa y la Radio Suisse
– Romande. Grabó también obras de compositores contemporáneos portugueses y suizos.
Con la Orquesta do Norte grabó once CD’s. Es director Artístico del Festival Internacional
de Ópera de Portimáo.
MIGUEL ÁNGEL NAVARRETE GARCÍA :
CLARINETE
A-LE CORSAIRE, OBERTURA
HECTOR BERLIOZ
B.-CONCERTINO, OP.26 EN MI
BEMOL MAYOR
CARL MARIA VON WEBER
I.- Adagio ma non troppo - Andante –
Allegro
INTERMEDIO
C. EUGEN ONEGIN: POLONESA
PIOTR ILYICH TCHAIKOVSKI
I.Moderato_Tempo di Polacca
D.-FRANCESCA DA RIMINI OP.32
PIOTR ILYICH TCHAIKOVSKI
I. Andante lugubre—Allegro vivo
MIGUEL ÁNGEL NAVARRETE GARCÍA
Nació en Acapulco, Guerrero. Inició sus estudios musicales de piano en su ciudad natal,
posteriormente viajó a la Ciudad de México para realizar de manera profesional la carrera
de clarinetista en el Conservatorio Nacional de Música con el profesor Yoel David Katz.
Entre sus maestros se encuentran Eleanor Weintgartner principal de clarinetes de la
Orquesta Sinfónica Nacional y Thomas Jones principal de la Orquesta Sinfónica del Estado
de México. Miguel Ángel Navarrete ha sido clarinete principal de la Orquesta Sinfónica
Mexiquense y de la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez. Participó en diversos cursos de
perfeccionamiento con clarinetistas de nivel mundial como Corrado Giuffred Preis de
la Filarmónica de Berlín y Jonathan Cohler destacado solista internacional. El maestro
Navarrete asistió al Clarinet Fest 2011 en Los Ángeles así como al Apple Hill Center of
Chamber Music en New Hampshire. También ha sido invitado en diversas ocasiones a las
temporadas con la Filarmónica de la Ciudad de México y la OSEM, incluyendo sus giras
nacionales e internacionales.Actualmente y desde finales del 2014, fue nombrado clarinetista
asistente de la Orquesta Filarmónica de Acapulco.
Tchaikovski no consideraba la obra
propia de un teatro público, así que
decidió estrenarla en una función para el
Conservatorio de Moscú, a cargo de un
grupo de estudiantes, el 29 de marzo de
1879. Hay varias grabaciones de esta obra
y se representa con regularidad. El título de
la obra se refiere al protagonista. Eugene
Onegin es la más popular de la docena de
óperas compuestas por Tchaikovski. El
estreno oficial ocurrió en el Teatro Bolshoi
de Moscú, el 23 de enero de 1881, bajo la
batuta de Enrico Bevignani. Eugene Onegin
y La reina de espadas son las únicas óperas
de Tchaikovski que integran el repertorio
operístico internacional.
NOTAS AL PROGRAMA
PIOTR ILYICH TCHAIKOVSKI
OBERTURA LE CORSARIE DE HECTOR BERLIOZ
Durante una visita a Roma en 1831, Berlioz descubrió que su prometida, Camille Marie Moke,
lo había dejado por otro pretendiente. Este acontecimiento afectó tanto al compositor que
estuvo al borde del suicidio y bajo una severa depresión decide refugiarse en Niza, debajo de
una torre costera en ruinas donde tomó como lectura las novelas románticas de piratas y
comenzó a trabajar en algunas composiciones dentro de las que se encontraba la obertura
Le corsarie. Trece años más tarde, después de haber superado la depresión y dejado Niza,
vuelve a visitar esta ciudad al sur de Francia y retoma los bocetos originales de la obertura
Le corsarie, que originalmente había llamado La Tour de Niza (La Torre de Niza). Tres
secciones de la Obertura son introducidas por las cuerdas y alientos. La primera sección
es lenta y desarrolla la melodía principal, la segunda sección es un Allegro estridente que
utiliza el mismo esquema melódico. La tercera sección reitera el Allegro aún más dinámico,
ampliando el uso de los instrumentos de madera con las cuerdas y percusiones que son aún
más contundentes, lo que nos lleva a un gran clímax. Esta obertura Le corsarie, se tocó por
primera vez en París en 1845, bajo su título original y posteriormente fue retitulada.
CONCERTINO, OP.26 DE CARL MARIA VON WEBER
En febrero de 1811, Carl Maria von Weber se encontraba en la ciudad de Darmstadt, donde
compuso, entre otras cosas, un dueto para dos violas, orquesta de cámara y clarinete
obligado; en la ejecución de esta obra de dotación poco común, Heinrich Joseph Bärmann
fue el solista en el clarinete. Más tarde, Weber estuvo de paso por Munich, y resultó que
Bärmann era amigo de la familia en cuya casa estaba alojado el compositor. Así, Weber
y Bärmann, tiempo después de su primer encuentro en Darmstadt, se hicieron grandes
amigos. De hecho, se presentaron juntos en diversos conciertos en Praga y en algunas
ciudades de Alemania, entre 1811 y 1812. Ya con pleno y cercano conocimiento de las
cualidades de Bärmann como intérprete, el compositor escribió para él su Concertino Op.
26, que fue estrenado por el clarinetista en abril de 1811 en Munich. Para fortuna de Weber
(e indirectamente, la de Bärmann), el rey estaba presente en ese concierto, y dicen los
cronistas de la época que disfrutó mucho esa velada, tanto por la música de Weber como
por la ejecución de Bärmann. Así, en un impulso generoso del momento, el monarca encargó
a Weber la composición de dos obras musicales. El Concertino para clarinete, primera
de las obras de Weber para Bärmann, presenta una introducción lenta que da lugar a una
serie de variaciones con un pasaje antes del Allegro final en el que el compositor conjuga
ingeniosamente el registro grave del clarinete con una de sus sonoridades favoritas, las violas
en terceras. (Extracto de las notas de Juan Arturo Brennan).
POLONESA DE LA ÓPERA EUGENE ONEGIN DE PIOTR I.TCHAIKOVSKI
Eugene Onegin, es un ejemplo bien conocido de ópera lírica; el libreto sigue muy
estrechamente al poema de Alexander Pushkin, conservando gran parte de su poesía, a
la que Tchaikovski añade música de naturaleza dramática. La historia se refiere a un héroe
egoísta que vive lo suficiente para lamentar su displicente rechazo del amor de una joven y
su descuidada incitación a un duelo fatal con su mejor amigo.
FRANCESCA DA RIMINI OP.32 DE
Es un poema sinfónico compuesto entre
octubre y noviembre de 1876, durante
su estancia en Bayreuth. Es una obra
prácticamente contemporánea del Lago de
los cisnes y de las Variaciones sobre un tema
rococó para violoncelo. El estreno tuvo lugar
en Moscú el 25 de febrero de 1877 bajo la
dirección de Nikolai Rubinstein. Francesca da
Rimini forma parte de las obras de inspiración
literaria de Tchaikovski como el citado Lago
de los cisnes o Romeo y Julieta, donde
una mujer desdichada es la heroína. Está
inspirada por la Divina Comedia de Dante
Alighieri, donde, en el Canto V del Infierno,
la propia Francesca cuenta su historia. Se
puede encontrar en la partitura una cierta
identificación del músico con Francesca y
su destino. La partitura de Francesca da
Rimini está dedicada a su antiguo alumno
Serguei Taneiev y su interpretación dura
unos 25 minutos. La obra comienza con
una larga introducción lenta, casi coral, que
describe el paisaje desolado del Infierno y
más particularmente el segundo círculo. De
repente, el viento (cuerda y viento madera)
comienza a levantarse y soplar: Dante ha
llegado al recinto donde están condenadas
“las sombras carnales que han subordinado
la razón a los placeres de los sentidos”
cuyo castigo eterno es ser aspirados
sin cesar por tornados demoníacos que
les proyectan violentamente contra las
paredes del recinto. De repente, un furioso
tornado (con escalofriantes fanfarrias del
viento metal sostenidas por el resto de la
orquesta) se desencadena cerca de Dante,
que percibe a través de la multitud culpable
y el viento desencadena a Francesca y su
amante Paolo. Les invita a acercarse para
que ella cuente sus desgracias. La tempestad
se calma poco a poco y Francesca narra
su amor “culpable”: casada con un hombre
brutal, busca el consuelo cerca de su
amigo querido. Pero su marido acude en el
momento en que éste la abrazaba. Loco de
cólera, asesina a la infiel y a su amante, que
por haber hecho fracasar al matrimonio,
fueron condenados a este terrible castigo.
Este pasaje es descrito mediante largas
melodías líricas y una delicada orquestación,
interrumpidas por el golpe fatal del puñal.
La tempestad se levanta de nuevo y aspira a
los dos amantes malditos con una violencia
recrudecida. Dante, aplastado por la pena
y por el huracán que alcanza una fuerza
infernal inusitada, se desvanece mientras que
Francesca y Paolo son de nuevo arrastrados
hacia el suplicio eterno en una rabiosa coda
de una ferocidad terrible.
CONCIERTO CINCO | 11 DE SEPTIEMBRE, 21 h.
y 13 SEPTIEMBRE 12:30 h | TEATRO AGUASCALIENTES
PROGRAMA MEXICANO
JUAN TUCÁN FRANCO
JUAN TUCÁN FRANCO:
DIRECTOR INVITADO
Comenzó sus estudios a los 6 años de edad
en la Escuela de música de la Fundación
Álica de Nayarit, como violinista, estudió
en la Escuela de Música de la Universidad
Autónoma de Nayarit, en la Escuela Superior
de Música del Estado de Nayarit así como en
la Escuela Estatal de Bellas Artes.Alumno del
maestro Guillermo Salvador en la dirección
de orquesta, se ha presentado en algunos de
los escenarios más importantes de México,
así como en distintos países entre los cuales
destacan Estados Unidos, Portugal, Ecuador,
Argentina, Colombia, Perú, Italia, Austria,
Alemania, Francia y Bélgica. Ocupado en su
constante formación, ha tomado clases y
cursos con directores de renombre como
Enrique Bátiz, Ángel Luis Pérez, Francisco
Savín, Alondra de la Parra, Kenneth Kiesler,
Martin Andre y Mark Skazinetsky entre
otros, así como practicas orquestales con
agrupaciones como la Orquesta Sinfónica
del Conservatorio de Puebla, la Orquesta
de Cámara del Festival Northern Lights y la
Orquesta Filarmónica de las Américas. Se ha
desarrollado como docente en instituciones
como la Universidad de Guadalajara. En
el 2009 realizó su debut como director
artístico de la Orquesta Sinfónica Juvenil
de Guadalajara en el Teatro Degollado,
y dos años más tarde con la Orquesta
Sinfónica de Nayarit, en el marco del Festival
Internacional Cervantino en Guanajuato. A
su joven trayectoria, podemos agregar que
ha tenido el gusto de dirigir para el Ballet
y la Ópera en varias ocasiones. Ha sido
director invitado de la Orquesta Sinfónica
de Zapopan, Orquesta Sinfónica de Nayarit,
Orquesta Sinfónica de la BUAP, Sinfónica
Juvenil del Instituto de Música de Guayaquil,
A. FERIAL
MANUEL M. PONCE
B. LAS BICICLETAS
SALVADOR MORLET
C. SOBRE LAS OLAS
JUVENTINO ROSAS
D. LINDAS MEXICANAS
VELINO PREZA
E. MORIR POR TU AMOR
BELISARIO DE JESÚS GARCÍA
F. JESUSITA EN CHIHUAHUA
QUIRINO MENDOZA Y CORTÉS
G. LA VALENTINA
DOMINIO PÚBLICO
INTERMEDIO
H. MOSAICO MEXICANO
MATEO OLIVA
J. OLÍMPICA
JOSÉ HERRERA
K. LA ADELITA
QUIRINO MENDOZA Y CORTÉS
L. HUAPANGO
JOSÉ PABLO MONCAYO
Sinfónica Juvenil del Estado de México, Sinfónica Juvenil de Córdoba Argentina, Sinfónica
Juvenil Carlos Chávez, Sinfónica Juvenil de Nuevo León, Sinfónica Juvenil de la Universidad
de San Diego, la Banda Sinfónica Nacional de Colombia y el Ensamble Aramara de Zacatecas.
Actualmente y desde hace 4 años, es director artístico de la Orquesta Sinfónica Juvenil de
Guadalajara (OSIJUG).
NOTAS AL PROGRAMA
PROGRAMA MEXICANO
La extensa geografía de nuestro país lo hace tener una expresión artística muy variada
y evidentemente de una riqueza incuestionable, la música, como una de las expresiones
más fieles y arraigadas de la cultura nacionalista es una de las más intensas expresiones de
ese mexicanismo del que debemos sentirnos orgullosos. No podemos hablar simplemente
de música mexicana como si se tratara de una manifestación musical unitaria, la riqueza
del nacionalismo musical nos permite hablar de la música mexicana por regiones o hasta
por diferentes períodos de la historia, de esta manera, podemos referirnos a la música de
Veracruz, o a la de Yucatán o al folklore del Bajío y así de diferentes regiones de nuestra
extensa geografía, al mismo tiempo que podemos referirnos a la música mexicana desde la
óptica del porfiriato, de la revolución, del virreinato, del período barroco, la música de salón,
las más arraigadas manifestaciones folklóricas o las más exigentes y radicales propuestas
de la música contemporánea con uno de los más sólidos nacionalismos de América Latina,
e incluso, más allá de nuestro continente. Contamos con un impresionante horizonte de
compositores que han dignificado la auténtica música mexicana, la que refleja la verdadera
esencia de nuestro pueblo, fiel reflejo de la idiosincrasia nacional, compositores como Silvestre
Revueltas, Carlos Chávez, Manuel M. Ponce, Blas Galindo, José Pablo Moncayo, Juventino
Rosas, Jopsé Rolón, Candelario Huizar, sin olvidar los antecedentes más importantes de
la música académica mexicana para lo que tendríamos que remontarnos hasta Manuel de
Sumaya, Hernando Franco o Francisco López Capillas, estamos hablando de compositores
que datan del siglo XVI, hasta llegar a las expresiones actuales, tan mexicanas como las
antes citadas, el caso por ejemplo del maestro Eugenio Toussaint, Mario Lavista o Samuel
Zyman entre muchos más que sería imposible mencionar por lo reducido del espacio. En el
terreno de la música popular es igualmente rico el panorama que tenemos y las expresiones
con las que contamos han sido el fiel reflejo de la época que les ha tocado vivir, muchas
de estas manifestaciones musicales han sido llevadas desde el contexto popular hasta la
sala de conciertos engalanadas con los finos toques propios de la entidad sinfónica. La
música mexicana es tan grande como su territorio y muchas han sido las adaptaciones que
se han hecho de los diferentes y muy variados lenguajes de la mexicanidad en la música de
este programa con la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, hoy tendremos la oportunidad
de disfrutar de un breve recorrido a lo largo de la casi inagotable historia de la música
mexicana. ¡ Vamos a disfrutar!
CONCIERTO SEIS | 18 DE SEPTIEMBRE, 21 h |
TEATRO AGUASCALIENTES
PROGRAMA
DAVID PÉREZ OLMEDO
DAVID PÉREZ OLMEDO:
DIRECTOR INVITADO
Director y compositor, debutó a los 21 años con la Orquesta Sinfónica del Estado de
Puebla, hoy Filarmónica 5 de Mayo. Ha dirigido la Orquesta Sinfónica de Xalapa, Orquesta
Filarmónica de Jalisco, Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, Orquesta Conductor`s
Retreat at Medomak, Orquesta Sinfónica y Ensamble de Percusiones del Conservatorio de
Música del Estado de Puebla, Orquesta de Cámara de Xalapa, Orquesta de la Universidad
Autónoma de Aguascalientes, Orquesta de Cámara de la BUAP, Orquesta Sinfónica Juvenil
del Estado de México, Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez, Orquesta Sinfónica Infantil
y Juvenil de México, Banda Sinfónica CECAMBA, Banda Sinfónica de la Policía Federal
Preventiva, Banda Sinfónica de Gto., Ensamble de Música Contemporánea de Educación
Musical de Puebla, entre otras. Participó en el Youth in Music Festival Chicago 2011, en
donde toma conferencias y clases maestras con Ricardo Mutti, Yo-yo-ma, Cliff Colnot,
Chicago Symphony Orchestra (CSO) y the Civic Orchestra of Chicago. Participa en el
“Conductors Retreat at Medomak” en Washington Maine. Actualmente es director artístico
del Centro de Capacitación de Música de Banda del Estado de Puebla, con quien funda la
Banda Monumental, la Banda Infantil y Juvenil y la Banda Femenil. Es director artístico de la
Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música del Estado de Puebla así́ como fundador y
director titular de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Puebla. Es becario del Programa Jóvenes
Creadores del CONACULTA como compositor.
CARLOS MEZA: TROMBÓN
A.- LA SCALA DI SETA: OBERTURA
GIOACCHINO ROSSINI
B.-CONCERTINO PARA TROMBÓN,
OP.4
FERDINAND DAVID
I. Allegro maestoso
II. Andante, marcia funèbre
III. Allegro
CARLOS MEZA BUSTAMANTE
INTERMEDIO
C.-LA RUECA DE ORO OP. 109
ANTONIN DVORÁK
D.-LA PALOMA DE LOS BOSQUES
OP.110
ANTONÍN DVORÁK
Nació en la ciudad de Toluca. Inicia sus estudios musicales con el Mtro. Ramón Meza
Suárez trombón principal de la Orquesta Sinfónica del Estado de México. Tomó cursos
de perfeccionamiento de trombón con importantes maestros como :Ralph Sauer, primer
trombón de la Orquesta Filarmónica de los Ángeles; Enrique Crespo, del Germán Brass;
Christian Lindberg, trombonista virtuoso; Andrew Baleo, primer trompeta de la Orquesta
Sinfónica de Baltimore; Carl Christensen, director de la Orquesta del Monterrey County
Pops y Monterrey Opera en California y Denson Paul Pollard , trombón bajo de la Orquesta
de la Ópera Metropolitana de New York entre otros. Carlos Meza fue trombón principal, de
la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil de México, con la cual realizó giras Internacionales a
España y Estados Unidos. Se ha presentado como solista con importantes orquestas como
son: la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, la Orquesta
de Cámara de la Universidad Michoacana, la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de
México y con las principales bandas del país como son: Banda del Conservatorio Nacional
de Música, Banda de la Escuela Nacional de Música y Banda de la Delegación Cuauhtémoc.
Obtuvo el primer lugar en el concurso Mérida International Brass Festival, primer lugar de
la Mock-audición en la Cuarta Semana Nacional de Trombón. Actualmente es trombón
principal de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México.
NOTAS AL PROGRAMA
LA SCALA DI SETA DE GUISSEPE ROSSINI
Después del éxito logrado por Rossini con “L’inganno felice”, estrenada en Venecia en 1812,
el empresario del Teatro San Moisé, Antonio Cera, encargó al joven compositor, otras tres
farsas (piezas cómicas y cortas en un solo acto), demostrando con esto su gran visión
sobre el futuro del compositor. Cera dijo que el joven compositor estaba predestinado a
escribir obras maestras que más tarde el tiempo se encargó de confirmar. La primera de las
tres farsas encargadas, fue “La scala di seta”, estrenada el 9 de mayo de 1812 en el teatro
veneciano, las otras dos “L’occasione fa il ladro”, estrenada medio año más tarde, el 24 de
noviembre de 1812 y finalmente “Il Signor Bruschino”, estrenada el 27 de enero de 1813. La
ópera Scala di seta (La escalera de seda). Se trata de una ópera cómica de un solo acto con
libreto de Guiseppe Foppa. Ciertamente es una ópera menor, con la música agradable que
siempre caracteriza a Rossini, pero sin la genialidad y majestuosidad que encontramos en
la mayoría de sus obras. Se dice que está ópera está influenciada por Doménico Cimarosa.
Generalmente no es una ópera que es presentada frecuentemente en los en los teatros, en
cambio, su obertura se ejecuta frecuentemente para abrir conciertos como en esta ocasión
por su atractivo carácter gracioso y lucidor.
CONCERTINO PARA TROMBÓN OP.4 DE FERDINAND DAVID
Ferdinand David nació en Hamburgo en 1810. Fue un virtuoso violinista y compositor
alemán alumno de Louis Spohr y Moritz Hauptmann. Fue violinista del Königstädtischen
Theater en Berlín y primer violín de un cuarteto de cuerdas en Dorpat con quien realizó
giras de conciertos en Riga, San Petersburgo y Moscú. En 1835 fue nombrado concertino
de la orquesta Gewandhaus de Leipzig y en 1843 profesor de violín en el Conservatorio
de Leipzig. Su famoso Concertino para trombón y orquesta, Op. 4, fue compuesto en 1837
para su amigo el violista Karl Traugott Queisser que además ser compañero en la Orquesta
Gewandhaus de Leipzig formaban parte del Cuarteto de Leipzig por lo que la relación entre
ambos fue muy estrecha al igual que con Mendelssohn a quien le plantearon la idea de
que compusiera el concierto por lo que éste declino sugiriendo que fuera David quien lo
compusiera. El Concertino se articula como el concierto clásico-romántico tradicional en
tres movimientos. El trombón solista tiene la oportunidad de explotar la amplia capacidad
expresiva del instrumento, con abundancia de dificultades técnicas. El segundo movimiento
es una marcha fúnebre que constituye prácticamente una transición al tercero. Inicia con
una impetuosa introducción orquestal que da paso a la majestuosidad aportada por el solista
retomando motivos del primer movimiento y culmina con una gran cadencia virtuosísima.
LA RUECA DE ORO DE ANTONÍN DVORÁK
Compositor, director de orquesta y profesor checo. Es considerado uno de los grandes
compositores de la segunda mitad del siglo XIX que supo extraer la esencia de la música
de su tierra, Bohemia, manteniendo al mismo tiempo una amplia proyección internacional
de los temas de su música. Junto a Bedrich Smetana, Dvorák fue fundador de la escuela
nacionalista checa. Su música es atractiva y vigorosa impregnada de claros elementos
formales pero utilizando melodías que son a la vez memorables y espontáneas con un gran
colorido y un efectivo sentido instrumental. La rueca de oro es un poema sinfónico, uno de
los poemas más conocidos del autor. Con él, intentó dar un nuevo salto en la elaboración
de su estilo y para ello se basó en la cultura checa popular y tradicional. Como Mozart o
Schubert, Dvorák conseguía que un trabajo duro acabara pareciendo algo sencillo, por el
placer de hacer música.
LA PALOMA DEL BOSQUE DE ANTONÍN
DVORÁK
A Dvorák le apasionaba ser músico, además
de disfrutar las maravillas de la Naturaleza y
todo lo que la componía, especialmente de
la relajada vida campestre. También amaba
profundamente la poesía, en especial la de
Karel Jaromir Erben, y sobre todo una serie
de baladas folklóricas checas publicadas
como La guirnalda en 1853. Fue en 1896
que Dvorák tuvo el tiempo suficiente de
realizar un proyecto que durante años
había acariciado: escribir poemas sinfónicos
basados en esa colección de baladas de
Erben. Dicha idea la inició con tres poemas
sinfónicos a la vez (El duendecillo del agua,
La bruja del mediodía y La rueca de oro),
mismos que concluyó en unas cuantas
semanas. Poco tiempo después, Dvorák
añadió un cuarto poema sinfónico de
nombre La paloma del bosque que merece
escucharse sólo por el poético pasaje
musical que abre el tercer tema.
CONCIERTO SIETE | 25 DE SEPTIEMBRE, 21 h |
TEATRO AGUASCALIENTES
PROGRAMA
JOSÉ ALFREDO ZENDEJAS
ROMÁN REVUELTAS RETES:
DIRECTOR MUSICAL
Inició sus estudios musicales bajo la dirección de su madre, posteriormente en la Escuela
de Bellas Artes de Capulhuac, la Escuela Superior Diocesana de Música Sacra de Toluca, el
Conservatorio de Música del Estado de México, el Conservatorio Statale “Luca Marenzio”
di Brescia Italia, (donde se tituló con la máxima calificación y mención honorífica) y la
Landesmusikakademie NRW de Nienborg-Heek (Alemania). Estudió con el maestro Lorenzo
Fernández; Gerardo Urbán y Fernández; Elena Novikova; Victor Urbán; Marina Romanova;
Ruggero Ruocco; Maurizio Zana y Falko Steinbach. Entre los concursos y premios que ha
obtenido están: el “Felipe Villanueva”, la “Presea Tianguistenco”, el “Claudio Herrera” (2º
lugar), la “Presea al Mérito”, el “Antonio Morales Manzo” y el “Premio Estatal de la Juventud
2011” entre otros. Fue becado por el Obispado de Toluca, por el Gobierno del Estado de
México y por la Sra. Guadalupe Rhon de Hank; para estudiar en Italia. Ha colaborado como
solista en los festivales: “Le dieci giornate”, “Musica e disaggio”, “Quimera” y “Quinto Sol”.
Como solista con orquesta, ha tocado bajo la dirección de los maestros,Virgilio Valle, Filippo
Lama y Gerardo Urbán. Se presentó para la prestigiosa marca Steinway en la gira europea
del primer piano fabricado por esta marca. Además de la actividad concertística, Alfredo
Zendejas desarrolla también una actividad docente en la Escuela Superior Diocesana de
Música Sacra de Toluca y en el Conservatorio de Música del Estado de México y dedica gran
parte de su tiempo a la música de cámara.
JOSÉ ALFREDO ZENDEJAS ESTRADA: PIANO
CORO DE ÓPERA DEL INSTITUTO
CULTURAL DE AGUASCALIENTES
A.-HAMLET
(POEMA SINFÓNICO NO.10)
FRANZ LISZT
B.-CONCIERTO NO. 1 EN MI BEMOL
MAYOR
FRANZ LISZT
I. Allegro maestoso
II. Quasi Adagio
III. Allegretto vivace. Allegro animato
IV. Allegro marziale animato
INTERMEDIO
C.-MISA NO. 2 EN MI MENOR
ANTON BRUCKNER
I. Kyrie
II. Gloria
III. Credo
IV. Sanctus
V. Benedictus
VI. Agnus Dei
CORO DE ÓPERA DEL ICA
Isidro Ortíz Reyes | Director Artístico
Martín Ramírez Morán | Maestro Vocal
Gabriela Martínez Rodríguez | Pianista
Francisco J. Ruiz Esparza Robles
Jefe de Personal
SOPRANOS
Aracely Medina Juárez
Beatriz González Valdés
Cristina Esqueda Bermejo
Gabriela Camacho Díaz
Guadalupe Álvarez Medina
Margarita Camacho Díaz
Nadia Roa Sosa
Norma Taylor Resendiz
CONTRALTOS
Andrea Isabel Ramírez Palacios
Diana Mojica
Laura Elena Macías Ruiz Velasco
Laura Jeannete Castillo González
Ma. Concepción Jaramillo Mendoza
María Adriana Romo Vázquez
Rosa Luz Carrillo Vargas
TENORES
José Antonio Zermeño Martínez José Francisco Tomás Gil
José Mauricio Navarro Léos
Juan Francisco Álvarez Pasillas
Luis Daniel Vázquez Ponce
Luis Gerardo Zamudio Martínez
Miguel Ángel Jiménez Romo
BAJOS
Alfonso Mora González
Ernesto Xicoténcatl Ulianov Martínez
Jorge Mauricio Berumen de Alba
José Antonio Carrillo Vargas
Juan Alberto Pérez Parra
Lyova Nurijanyan
Martín Ramírez Morán
Raymundo Vázquez Rivera
NOTAS AL PROGRAMA
HAMLET, POEMA SINFÓNICO NO.10 DE FRANZ LISZT
Un poema sinfónico es una obra musical de carácter poético literario, cuya finalidad es
mover sentimientos y despertar sensaciones o describir una escena a través de la música.
Generalmente consta de un solo movimiento y está escrito para orquesta o pequeñas
formaciones instrumentales. El término fue empleado por primera vez por Franz Liszt
escribiendo trece composiciones de este género. La música descriptiva fue sin duda el
mejor camino para transmitir obras literarias, ya fueran de carácter religioso, épico, literario,
heroico o fantástico. Un poema sinfónico puede ser una obra en sí misma, o formar parte de
un ciclo de poemas sinfónicos a modo de suite. Los primeros doce poemas de Liszt fueron
compuestos entre 1848 y 1859, mientras que el último fue compuesto después de 1882.
Estas obras ayudaron a establecer el género de la música programática orquestal. Sirvieron
de inspiración para los poemas sinfónicos de Smetana, Antonin Dvorák y Richard Strauss.
El musicólogo Humphrey Searle describe el Poema Hamlet de Liszt con estas palabras:
“Hamlet fue planeado como una obertura a la obra de Shakespeare, que Liszt había visto en
Weimar en 1856. Había quedado impresionado con la interpretación de la parte de Hamlet
por Bogumil Dawison, no como un soñador indeciso sino como un dotado príncipe que
espera el momento adecuado para concluir su venganza. Uno de los mejores, más concisos
poemas sinfónicos de Liszt, Hamlet es un admirable retrato psicológico del príncipe y no
un intento de describir la acción de la obra. Es una obra corta, con una introducción lenta,
un violento Allegro central y una sección final lenta que se refiere a la introducción y
termina con una marcha fúnebre. El Allegro contiene dos breves pasajes sobre un personaje
‘sombrío’ que se refieren a Ofelia; estos pasajes fueron concebidos tardíamente por Liszt,
quien no veía a Ofelia como personaje importante en la acción de la obra”. El poema
sinfónico Hamlet de Franz Liszt fue estrenado en la ciudad de Sonderhausen el 2 de julio de
1876, dieciocho años después de su composición.
CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA NO.1 EN MI BEMOL MAYOR
DE FRANZ LISZT
El Concierto para piano y orquesta No. 1 fue terminado por Franz Liszt en 1849. Fue
estrenado seis años más tarde, el 17 de febrero de 1855, con el propio autor actuando
como solista y Hector Berlioz al frente de la orquesta. En la partitura manuscrita, Liszt
denominó esta obra como Concerto symphonique. El concierto está dedicado al también
compositor y pianista Henry Litolff. Este concierto está considerado como el más brillante,
perfecto y popular de todos los que Liszt compuso. No expresa ni mundos contemplativos,
ni ideas profundas, entre otras cosas porque Liszt nunca estuvo interesado en destacar
en sus obras esas características, excepto en contadas ocasiones. El concierto es de una
fuerza superior a la de su posible trascendencia. Tal vez la característica más acusada sea la
del interés con que, sin que el piano pierda
protagonismo, participe la orquesta, ya sea
con intervenciones de distintos solistas, ya
en los tutti de una formación que emplea,
lejos de limitaciones clásicas, todo un
conjunto, incluidos los trombones y una rica
y brillante percusión.
MISA NO. 2 DE ANTON BRUCKNER
La obra de Anton Bruckner se concentra
primordialmente en obras sinfónicas y
música religiosa. Durante su vida también
destacó en sus interpretaciones e
improvisaciones con órgano, la mayoría
de las cuales no fueron transcritas y, por
lo tanto, no se han conservado. Su música,
inspirada por una intensa religiosidad, busca
la perfección formal al tiempo que quiere
ser un gran himno de alabanza al Dios en el
que creía fervientemente (y a quien dedicó
incluso su última obra, la novena sinfonía). En
los países latinos su obra es relativamente
poco conocida, aunque es programada
de forma cada vez más frecuente, pero
en los países germánicos goza de un gran
reconocimiento y se le considera como uno
de los mayores compositores de la Historia.
La misa No. 2 fue escrita por encargo del
arzobispo de Linz, y Bruckner quiso tener
como referencia el neoclasicismo a la hora
de componerla. Junto con otras obras, forma
parte de las llamadas “Misas tempranas”. El
maestro usó mucho el canto llano en esta
obra que se aleja de las grandes sinfonías.
Usa fugas, un contrapunto claro y conciso
y otros elementos de la tradición polifónica
más clásica.
.
PLANTILLA DE LA OSA
DIRECTOR MUSICAL
JOSÉ ROMÁN REVUELTAS RETES
ADMINISTRATIVOS
SALVADOR MEZA LÓPEZ
Coordinador General
MARIA LUCIO ROMO
Jefa de Personal
MARGARITA DE ALBA BEAS
Médico
MA. TERESA DE ALBA DELGADILLO
Bibiotecaria
CLAUDIA LÓPEZ GONZÁLEZ
Secretaria
VIOLINES PRIMEROS
ROMÁN PAVÓN ESTRADA
Concertino
MAGDALENA HERNÁNDEZ JIMÉNEZ
Asistente de Concertino
EVGUENIA CHUMAKOVA
Principal Suplente
ADRIAN BASS
NATALIA PIKHOVKINA
MILA MARIA KHODORKOVSKY
SAUL ABELARDO ROBLES LÓPEZ
OLGA GULEVICH
GOHAR ZAKARYAN
EZEQUIEL GARCÍA TORES
VIOLINES SEGUNDOS
JUAN PEDRO RAMÍREZ LANDÍN
Principal
SANDRA DÍAZ ROQUETA
Co Principal
DAVID ISRAEL DE LUNA LÓPEZ
ALMA SALINAS MÉNDEZ
MÓNICA CECILIA RODRÍGUEZ LEAL
CLAUDIA MARCELLA MORALES TORRES
DIANA LEÓN ESPAÑA
GIONA ORESTE SOFFIENTINI
ARA KARAPETYAN
ARGELIA ALEJANDRA YLLESCAS ESTRADA
JUAN RAMÍREZ ZACARIAS
ZHANETA BORISLAVOVA GEORGIEVA
YAHIR JAHAZIEL DE LUNA LÓPEZ
VIOLAS
DAHALIA LINDA LEYVA JONES
Principal
SERGIO ABSALON CARRILLO M
Co principal
DAVID CRUZ ESPINOSA
JORGE MIGUEL MORALES SALABARRÍA
NORAYR SHAMOYAN
ESSAU AZHAREL PARGA THOMPSON
LYOVA NURIJANYAN
ANA CATALINA RUELAS VALDIVIA