1. Espiritual

Las Sonatas de
Domenico Scarlatti
Ciclo integral de las 555 sonatas para teclado
cuarta temporada
2014 - 2015
IRENE VENEZIANO
IL PERGOLESE
YAGO MAHÚGO
TEODORO ANZELLOTTI
luigi attademo
MASSIMO SPADANO
y luca guglieLmi
raquel andueza y la galanía
uri caine
IRENE VENEZIANO
IL PERGOLESE
De Vito, Couturier, Lechner y Rabbia
YAGO MAHÚGO
TEODORO ANZELLOTTI
luigi attademo
massimo spadano y luca guglieLmi
raquel andueza y la galanía
uri caine
Las Sonatas de
Domenico Scarlatti
Ciclo integral de las 555 sonatas para teclado
cuarta temporada
2014 - 2015
E
l 9 de octubre próximo se inaugurará la cuarta
temporada del Ciclo Scarlatti, y, ante todo, quisiera agradecer a nuestro patrocinador, Unión Fenosa Gas, en la persona de Don Cesare Cuniberto y a todos sus colaboradores, que
han hecho posible que este proyecto se llevara a cabo, a su creador
Carmelo Di Gennaro, por su especial dedicación y al público que
nos sigue con entusiasmo.
Como es sabido, Scarlatti vivió el último tercio de su vida en Madrid, pero no se recuerda la ejecución integral de sus 555 Sonatas
en España y este recorrido completo está siendo una ocasión para
reunir en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid a los mejores intérpretes de cada especialidad en torno a su figura. De ahí la
importancia de este ciclo, que no se limita a las Sonatas, sino que
conecta el vasto legado scarlattiano con otras sensibilidades y estéticas a través de los compositores que le influyeron y aquéllos en los
que ha tenido especial efecto su música: de Baldassare Galuppi a
Luciano Berio, pasando por Tchaikovsky y Falla.
Instituto Italiano
de Cultura de Madrid
Staff
Lillo Teodoro Guarneri
Mario Vecchione
Beatriz Castellary
Francesca Catalano
Carlo Patrignani
Alessandra Picone
Carolina Castellary
Carla Morpurgo
Susanna Pezzei
Jorge Astudillo
Sabrina Chiriatti
Alessandra Grassi
Esta IV temporada, compuesta por ocho conciertos, finaliza el 18
de junio de 2015, con el estreno de Scarlatti Project, una obra encargada para la ocasión por el propio Instituto Italiano de Cultura
al célebre compositor e intérprete Uri Caine. Disfrutaremos, así,
de nuevas creaciones y de nuevas emociones en torno a la música
barroca de Domenico Scarlatti.
Lillo Teodoro Guarneri
Director en funciones
IRENE VENEZIANO
luigi attademo
Piano
guitarra
9 de octubre de 2014
Instituto Italiano de Cultura
20.00 horas
16 de abril de 2015
Instituto Italiano de Cultura
20.00 horas
IL PERGOLESE
De Vito, Couturier, Lechner y Rabbia
massimo spadano
luca guglieLmi
CUARTETO
violín y clavicémbalo
11 de diciembre de 2014
Instituto Italiano de Cultura
20.00 horas
7 de mayo de 2015
Instituto Italiano de Cultura
20.00 horas
YAGO MAHÚGO
raquel andueza y la galanía
FORTEPiano
soprano y ensemble
15 de enero de 2015
Instituto Italiano de Cultura
20.00 horas
4 de junio de 2015
Instituto Italiano de Cultura
20.00 horas
Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid
TEODORO ANZELLOTTI
ACORDEÓN
12 de febrero de 2015
Instituto Italiano de Cultura
20.00 horas
uri caine
piano
18 de junio de 2015
Instituto Italiano de Cultura
20.00 horas
Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid
irene veneziano
Piano
9 de octubre de 2014. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas
PROGRAMA
Baldasare Galuppi (1706-1785)
Sonata n° 5 en Do mayor:
1. Andante
2. Allegro
3. Allegro Assai
Ottorino Respighi (1879-1936)
Nocturno
Suite de “El Cascanueces”
(Marcia, Danza della fata confetto, Tarantella, Intermezzo,
Danza russa, Danza cinese, Andante maestoso)
Domenico Scarlatti (1685-1757)
Sonata K61 en la menor
Sonata K391 en Sol mayor
Sonata K425 en Sol mayor
Sonata K101 en La mayor
Sonata K95 en Do mayor
Giacomo Puccini (1858-1924)
Arie d’opera
(Valzer di Musetta, O mio babbino caro,
Che gelida manina, Mi chiamano Mimì,
E lucevan le stelle, Nessun dorma)
© GMR
Tchaikovsky (1840-1893) / Pletnev (*1957)
I
rene Veneziano desarrolla una intensa actividad concertística
en Europa (Italia, Suecia, Polonia, Francia, Suiza, Albania,
Montenegro, Eslovenia, Alemania, República Checa, Gran Bretaña), Asia (Vietnam, Jordania, Israel, China, Singapur, India, Corea), África (Túnez), Sudamérica (Perú) y América (Usa, Canadá).
En Pekín ha sido nombrada miembro honorario del Beijing Bravoce Music
Club y en Perú ha recibido el título honorífico de “Visitante distinguida”.
En 2011 ha debutado en el Teatro Alla Scala de Milán. Ha ganado
una treintena de concursos, nacionales e internacionales, de piano.
Ha sido semifinalista del prestigioso Concurso F. Chopin de Varsovia
2010, ha sido ganadora, entre otros, del Prix Jean Clostre en Ginebra,
el segundo premio en el B&B de Nueva York, el premio A. Casella en el Premio Venezia, 1° Premio y Grand Prix en el Tim de París.
Ha tocado en numerosas ocasiones para Radio3 en los Conciertos del
Quirinal, para la Radio Suisse Romande en Ginebra y para Radio Classica.
Se ha titulado con 10, cum laude y mención en el “G. Puccini” de Gallarate. En 2008 ha obtenido el Título Académico de II nivel en el “G.
Verdi” de Milán, el Título de Música de Cámara en la Academia de
Ímola, el Título de Perfeccionamiento en la Accademia di S. Cecilia de
Roma (con “Beca de estudios G. Sinopoli” entregada por el Presidente
Piano. 9 de OCTUBRE de 2014. Instituto Italiano de Cultura
de la República, G. Napolitano, en el Quirinal), todos cum laude y mención. En 2009 ha obtenido el título de Didáctica de la música en Milán.
Toca en dúo con el renombrado flautista Andrea Griminelli. Ha colaborado
con importantes músicos, entre los cuales los flautistas William Bennett,
Davide Formisano, Andrea Oliva, Michele Marasco, con el primer fagot del
Teatro Alla Scala Valentino Zucchiatti; con el cuarteto Terpsycordes; con
los violinistas Francesca Dego, Daniele Pascoletti (Concertino del Teatro
Alla Scala); los tenores Saimir Pirgu, Piero Mazzocchetti; el guitarrista
Emanuele Segre; el pianista Bruno Canino. Ha trabajado con los directores
de orquesta: Yuri Bashmet, Ovidiu Balan, Sergio Vecerina, Massimiliano
Caldi, Giancarlo De Lorenzo, Stephanie Pradoroux, Elena Casella, Roberto
Misto, Roberto Bacchini, Sandro Pignataro, Luigi Di Fronzo, Massimo
Alessio Taddia, Jader Bignamini, Roberto Pasquini, Keith Goodman, Pier
Carlo Orizio, Vladimir Elner, Stanislaw Kochanovski.
Es consejera artística de la temporada de conciertos en oncologías “Donatori di musica”.
Imparte numerosos cursos de perfeccionamiento anuales y estivos.
Es profesora de piano en el Conservatorio “A. Scontrino” de Trápani.
Irene Veneziano
N
o disimula Irene
Veneziano (A ngera , 1985) su vínculo especial con
Chopin, que ha sido su compositor fetiche desde que con nueve años
comenzara a tocar el piano y una fuente inagotable de inspiración
a lo largo de toda su carrera. Así lo demostró en 2010 durante la semifinal
del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin de Varsovia. Claro que
antes de alzarse con una treintena de primeros premios en competiciones
internacionales y de ganarse el respeto de los jurados del Prix Jean Clostre en
Ginebra, el B&B de Nueva York, el Premio Venezia o el no menos prestigioso
Tim de París, estudió en el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán,
bajo la tutela de Edda Ponti, y más tarde en la Academia Nacional de Santa
Cecilia de Roma con Sergio Perticaroli. Desde entonces se ha dejado ver
en las mejores salas y teatros del mundo (como La Scala de Milán, donde
debutó en 2011) abordando un amplio repertorio, bien como solista, a dúo
(a menudo con el flautista Andrea Griminelli) o acompañando a diferentes
músicos y formaciones de cámara.
A Madrid llega para inaugurar la cuarta temporada del Ciclo de las 555 Sonatas de Scarlatti que organiza el Instituto Italiano de Cultura de Madrid. Una
odisea y una osadía (no se recuerda una integral parecida en España) que ha
reabierto el debate en torno al grado de compatibilidad del piano moderno
y el repertorio barroco. No se trata, en cualquier caso, de reivindicar estilos
o fórmulas sino de confirmar la vigencia del legado scarlattiano en toda su
dimensión. La clave, a fin de cuentas, está en el intérprete, en cada uno de
los pianistas y clavecinistas que en los últimos tres años han pasado por el
Salón de Actos del Palacio de Abrantes, desgranando el catálogo Kirkpatrick
de Sonatas junto a otras partituras de autores que influyeron en Scarlatti y de
compositores en los que tuvo especial efecto la música del genio napolitano.
Irene Veneziano descorchará la programación con la Sonata nº 5 de Baldassare
Galuppi (1706-1785), que arranca con un Adagio a modo de contraste: la
ingenuidad melódica de esta preciosa nana frente a la fascinación armónica
que caracteriza buena parte de la música de Scarlatti. El público advertirá
que el primer movimiento de esta partitura, popularizada en su día por Arturo
Benedetti Michelangeli, comparte algo más que la tonalidad (do mayor) con
la famosa Sonata Semplice de Mozart, compuesta casi al mismo tiempo.
El siguiente Allegro concede más margen al virtuosismo, mientras que en el
conclusivo Allegro Assai Galuppi da carta blanca al intérprete para su lucimiento. Ocasión, la de este divertimento, que no desaprovechará Veneziano.
El recital continúa con el vaporoso y postdebussyano Nocturno de Ottorino
Respighi (1879-1936), compositor, director y musicólogo obsesionado con
Piano. 9 de OCTUBRE de 2014. Instituto Italiano de Cultura
Irene Veneziano
© GMR
la música italiana de los siglos XVI al XVIII. Llegó incluso a publicar sus propias ediciones de Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi y Benedetto Marcello.
Resulta especialmente evidente la influencia de la música barroca en las
óperas y obras sinfónicas de Respighi, que desempeñó durante algún tiempo
el cargo de director de la Academia de Santa Cecilia de Roma, donde se
formó precisamente Irene Veneziano. “Uno de las aspectos más importantes
a la hora de enfrentarte al instrumento es saber calibrar tus sentimientos”,
reconoce la pianista de 29 años. “Y yo sé que necesito emociones fuertes”.
Como las que sin duda deparará el arreglo para piano de Mikhail Pletnev de
la suite del ballet de El cascanueces de Tchaikovsky, imaginativo contrapunto
propuesto por la propia artista italiana en su cita con el público madrileño.
La primera Sonata que se escuchará será la K61 en la menor, la única escrita
en la forma variación y una de las menos reconocibles del compositor, en tanto
que recupera alguno de los procedimientos del bajo continuo característicos de
la música para teclado de principios del siglo XVIII, época en la que el joven
Scarlatti, entonces admirador de Corelli y Pasquini, se prodigaba como intérprete.
La K391 en sol mayor es una de las sonatas mejor divulgadas, gracias en parte a
Vladimir Horowitz, que la interpretaba con cierta regularidad y legó un excelente
registro, pero también a la popular transcripción para guitarra, que ha dado
lugar a un centenar de grabaciones. Elegante, ligera y con un marcado carácter
español (no hay que olvidar que Scarlatti vivió el último tercio de su vida en
España), la obra comienza con varias frases de cinco notas como cinco signos
de interrogación. Sólo así se entiende la segunda parte como una respuesta
ocurrentemente lúcida a las variantes de los temas previamente expuestos.
Las vertiginosas K101 en la mayor y K425 en sol mayor, sin ser de las más
conocidas, son un ejemplo de dominio en la ornamentación, sobre todo en lo
que al empleo de trinos y mordentes se refiere. La K95 en do mayor pertenece
a una de las ediciones Boivin (Pièces pour le clavecin), aparecida en París entre
1741 y 1746, y ha suscitado no pocas dudas sobre su autoría. A pesar de los
recursos típicamente scarlattianos de la partitura, algunos estudiosos sugieren
que pudo haber sido escrita por algún compositor francés de la misma época.
La velada se cerrará con un surtido de arreglos para piano de arias de óperas
de Puccini (Valzer di Musetta y Che gelida manina de La Bohème, O mio
babbino caro de Gianni Schicchi y E lucevan le stelle de Tosca) con el que
Irene Veneziano se exhibirá en su otra faceta: la de maestra repetidora y
amante del repertorio lírico.
Benjamín G. Rosado
Il Pergolese
CUARTETO
11 de diciembre de 2014. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas
Maria Pia de Vito, François Couturier,
Anja Lechner y Michele Rabbia
PROGRAMA
Ogne pena cchiù spietata
Amen/ Fac Ut Portem
Sinfonia for violoncello
Chi disse ca la femmena
Tre giorni son che Nina
Fremente
In compagnia d’amore I
In compagnia d’amore II
Dolente
© PAULO SEABRA
Il Pergolese
E
n otoño de 2013 ha salido en ECM el disco “Il Pergolese”,
proyecto de Maria Pia De Vito, François Couturier, Anja Lechner y Michele Rabbia. Este trabajo, inicialmente encargado por la
Fondazione Pergolesi - Spontini para el Festival Internacional homónimo
de Jesi, ha sido presentado, por primera vez en septiembre de 2011.
Le han seguido numerosos conciertos en Italia y en el extranjero, y
Manfred Eicher, patrón de la ECM, decidió grabarlo para su sello, como
finalmente se hizo en el Auditorio de la Radio Suiza de Lugano en diciembre de 2012.
Las relecturas armónicas y formales y las tesituras instrumentales de
Couturier, pianista y compositor francés de poliédricos intereses (Tarkovsky Quartet, Anouar Brahem Trio, Michel Portal), estimulan y catalizan el encuentro de cuatro personalidades fuertes con experiencias en
diferentes territorios: el fraseo y el sonido inconfundibles de la violonchelista alemana, Anja Lechner, solista de valía tanto en ámbito clásico
como en el de la música improvisada (colabora, entre otros, con Patricia
Kopatchinskaja, Tõnu Kaljuste, Dino Saluzzi y, hasta la disolución del
ensemble, con el Rosamunde Quartett). Michele Rabbia, músico ecléctico y en constante fermento en su investigación sonora de las más distintas fuentes y en sus posibles elaboraciones electrónicas y de sensibilidad delicada e introspectiva que lo hace virtualmente capaz de tocar en
CUARTETO. 11 de DICIEMBRE de 2014. Instituto Italiano de Cultura
IL PERGOLESE
F
ue Alessandro Scarlatti (1660-1725), padre de Domenico, compositor
prolífico y venerable maestro en los tiempos de la gloriosa escuela
napolitana que surgió a principios del siglo XVIII en Italia. Cuentan
sus biógrafos que la casa de los Scarlatti era en aquellos tiempos un hervidero de músicos, compositores, cantantes, libretistas y escenógrafos que
acudían al Patriarca y Cavaliere arrastrados por su vorágine creativa. Unos
para pedirle consejo o buscando inspiración para su arte; otros para participar en alguna de sus últimas obras para teatro o en los estrenos de sus
innumerables serenatas, cantatas y piezas religiosas.
cualquier contexto musical (de Louis Sclavis a Marylin Crispell). Maria
Pia De Vito, cantante de jazz desde siempre atraída por las infinitas
posibilidades sonoras de la voz, cuyos intereses se han dirigido tanto a la
experimentación como a la investigación sobre música étnica, barroca,
electrónica y al mundo de la canción en cualquier declinación (Ralph
Towner, John Taylor, Steve Swallow). El material musical de Pergolesi
se convierte en caldo de cultivo para diversos procedimientos e injertos
variados: el diálogo de improvisación sobre tesituras armónicas y estructuras fluidas y mutables, la vocalidad barroca y el canto improvisado,
los diálogos entre la voz de De Vito y la instrumental de Lechner, entre
sonidos acústicos, ritmos de pieles, metales, y una electrónica aérea y
“concreta” que elabora sonidos naturales y de síntesis. Abriendo el marco de páginas líricas del Stabat Mater, danzas y arias de óperas, sonatas
para violonchelo y fragmentos de piezas instrumentales, a la búsqueda
de una tradición aún por inventar.
Maria Pia De Vito ha elaborado además la parte textual, traduciendo
al napolitano entre otros “Fac, ut portem Christi mortem” y “Quis est
homo, qui no fleret”, del Stabat Mater, seleccionando además en la versión
original napolitana “Ogni pena più spietata” y, de Lo Frate nnamorato,
“Chi disse ca la femmena” y “Nun si chella ca io lassaje”.
Hacia 1720 irrumpió en el panorama musical italiano una nueva hornada de
compositores. Muchos de ellos habían sido alumnos aventajados en el aula
de Alessandro Scarlatti del Conservatorio de San Pietro a Maiella. Tal es
el caso de Leonardo Leo, Nicola Porpora, Domenico Sarro, Johann Adolph
Hasse, Leonardo Vinci, Francesco Feo, Gerolamo Abos, el propio Domenico
Scarlatti y muy especialmente Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736),
figura fundamental en el desarrollo de la ópera italiana e impulsor de variados géneros vocales de estilo napolitano.
Será precisamente Pergolesi el protagonista del segundo concierto del Ciclo Scarlatti en esta cuarta temporada. El programa de Il Pergolese revisa
en clave contemporánea una selección de arias de ópera del compositor y
recupera los pasajes más conmovedores de su Stabat Mater, además de
algunas danzas, sonatas para violonchelo y fragmentos de piezas instrumentales que pudieron inspirar, a principios del siglo XX, el precioso ballet
Pulcinella de Stravinsky. Cada pieza ha sido cuidadosamente restaurada
por la cantante italiana Maria Pia De Vito, instigadora del proyecto, y el
pianista francés François Couturier, autor de buena parte de los arreglos.
Les acompañan en este viaje a lomos del barroco la violonchelista alemana
Anja Lechner y el percusionista italiano Michele Rabbia.
Antes de que la grabación de Il Pergolese para el sello alemán ECM empezara a recibir elogios de la prensa especializada, tanto en las páginas
de la prestigiosa revista Gramophone como en la sección de críticas de
disco de The Guardian, el programa fue presentado en forma de concierto en 2011 como parte de la programación del Festival Internacional Pergolesi Spontini de Jesi, cuyo escenario reunió por primera vez a cuatro
artistas de muy diferentes procedencias y sensibilidades musicales, pero
decididos a experimentar con las posibilidades sonoras del repertorio
pergolesiano.
CUARTETO. 11 de DICIEMBRE de 2014. Instituto Italiano de Cultura
A aquel primer y fructífero concierto en Italia le han seguido numerosas
apariciones en salas y teatros de toda Europa durante una larga gira que
no hizo sino confirmar el éxito del cuarteto en esta aventura. No se hizo
esperar la llamada del conocido productor y jazzista Manfred Eicher, que
terminó convenciéndoles para grabar sus nueve canciones en el Auditorio
de la Radio Suiza de Lugano. Allí trabajaron día y noche durante un gélido
diciembre de 2012 que contrasta con la calidez del resultado discográfico y
el caluroso recibimiento del público allí donde han presentado el proyecto.
La clave está en el contrapunto de los instrumentos en constante diálogo
con la voz, la confluencia de los espacios acústicos y los paisajes electrónicos y la riqueza de texturas de la percusión.
Reconocen los integrantes de Il Pergolese que el jazz ha sido el punto de
partida. Quizá porque en los últimos años, y a pesar de su formación clásica como soprano, Maria Pia De Vito se ha hecho un nombre dentro del
género y más allá: en los confines de la fusión étnica y por los derroteros
de la música electrónica que tan bien conoce su colega Michele Rabbia,
intérprete ecléctico donde los haya, cuyo amplísimo espectro de influencias
e intereses le hace estar siempre alerta y en constante crecimiento, tal y
como demuestra su dominio de los tambores y metales en la grabación.
En cada una de las inspiradas versiones, las relecturas armónicas y el tratamiento electrónico del inquieto Couturier, en su doble faceta de pianista
y compositor, consiguen conjugar la música barroca en tiempo presente.
Sus arreglos sirven de soporte a la personalísima voz de Maria Pia De Vito
y dan espacio a la improvisación, que es el caballo de batalla de Anja
Lechner, cuyo fraseo inconfundible parece ensanchar los límites del tiempo
y permite escuchar dos mundos a la vez. Y es en esa confusión donde el
violonchelo se hace voz y la voz se torna instrumento en un proceso en el
que las arias de ópera se transforman en canciones y los textos antiguos se
adaptan a la narrativa moderna.
Ha sido la propia cantante italiana, que ha dedicado su carrera tanto a la
interpretación como a la investigación musicológica, la encargada de traducir los textos originales al napolitano en honor al compositor y a las músicas
populares de la época. Entre otros, Fac, ut portem Christi mortem y Quis
est homo, qui non fleret del Stabat Mater. Además, ha recuperado la versión original napolitana de Ogni pena più spietata y las arias Chi disse ca la
femmena y Nun si chella ca io lassaje de la ópera bufa Lo frate ‘nnamorato.
IL PERGOLESE
Il Pergolese es un experimento pero también un homenaje a uno de los
grandes compositores de la historia de Italia que, en pleno siglo XVIII,
fue capaz de aunar la música popular y la culta en un mismo estilo, lo
que terminaría siendo uno de los rasgos más característicos de la escuela
napolitana. Tres siglos después, Maria Pia De Vito, François Couturier, Anja
Lechner y Michele Rabbia han salido a la búsqueda de una nueva tradición.
Y la han encontrado.
Benjamín G. Rosado
fortePiano
15 de enero de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas
Yago Mahúgo Charles
PROGRAMA
Domenico Scarlatti (1685-1757) Sonata K49 en Do mayor
Sonata K50 en fa menor
Sonata K51 en Mi bemol mayor
Sonata K347 en sol menor
Sonata K453 en La mayor
Sonata K456 en la menor
Antonio Soler (1729-1783)
Sonata en mi menor nº 139
Sonata en Do mayor nº 134
Manuel Blasco de Nebra (1750-1784)
Sonata V
Sonata VI
E
legido por Rubén Amón, crítico del periódico El Mundo como “Artista Español del año 2013”, Yago Mahúgo nace en
Madrid. Discípulo de Robert Hill, es licenciado en instrumentos
históricos de teclado (clave, fortepiano y órgano).
Ha estudiado también con maestros como Christophe Rousset o Kenneth
Gilbert. Entre sus galardones destacan los del 35º Concurso Internacional
de clave de Budapest (Hungría) y del 13º concurso de clave de Brujas
(Bélgica), considerado el concurso más importante de música antigua.
Ha sido profesor de las asignaturas de clave e interpretación histórica e
imparte regularmente cursos y conferencias sobre esta materia.
FORTEPiano. 15 de ENERO de 2015. Instituto Italiano de Cultura
YAGO MAHÚGO
A
lo largo de sus tres primeras temporadas, el C iclo S carlatti ha
convocado a los mejores clavecinistas y pianistas de cada especialidad, de Ottavio Dantone a Enrico Pieranunzi, pero nunca
hasta ahora se habían acometido las Sonatas al fortepiano. Que no es
el instrumento específico de estas partituras, aunque existen pruebas
de que Scarlatti lo usaba ocasionalmente para componer. Quizá a su
pesar, si tenemos en cuenta que ordenó convertir en clave varios fortepianos de la colección privada de su mecenas y alumna la infanta
Bárbara de Braganza.
Yago Mahúgo (Madrid, 1976) es licenciado en clave, fortepiano y órgano, además de una referencia en interpretación histórica de instrumentos de teclado. Alumno del gran clavecinista y fortepianista Robert Hill,
se curtió como solista al contacto de maestros de la talla de Christophe
Rousset y Kenneth Gilbert hasta hacerse con el premio especial del
XXXV Concurso Internacional de Clave de Budapest y la mención de
honor del XIII Concurso de Clave de Brujas, uno de los certámenes más
importantes de música antigua del mundo.
Ha grabado para las televisiones y radios estatales de toda Europa. Su primer disco de clave, con las obras completas del compositor francés del siglo XVIII Pancrace Royer, ha sido galardonado como “Disco excepcional
del mes” por diversas revistas especializadas (Scherzo, Ritmo, Melómano…) y elegida como una de las mejores grabaciones de música clásica del
2013 por El País. Su último disco, con las piezas de clavecín en concierto
de Rameau, está teniendo también una excelente acogida por la crítica.
Es fundador y director del conjunto historicista Ímpetus. Además de su
actividad como concertista, desarrolla su labor pedagógica en el conservatorio, en el Centro Superior de Enseñanza Musical Katerina Gurska y
como clavecinista de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.
Explica el músico madrileño, también fundador y director del conjunto
historicista Ímpetus, que al presionar una tecla del clavicémbalo, en el
interior de la caja una púa de pluma de cóndor eleva una cuerda y la
punza de tal manera que se produce el sonido más delicado del mundo.
Razón por la cual, asegura, la literatura barroca pocas veces se puede
leer en las siete octavas de los Steinway modernos. “Está claro que el
clave y el fortepiano preservan mejor que el piano la esencia filológica
de esta música. ¿Se puede interpretar una cantata de Bach en saxofón?
Por supuesto, y seguro que el resultado es interesantísimo. Conviene
recordar que las Sonatas fueron concebidas para un determinado instrumento”, señala.
Mahúgo empleará un fortepiano construido por Keith Hill en 2011, réplica de uno de los instrumentos que utilizó Mozart en su época. “Posee
un amplio rango dinámico, carácter robusto además de una mecánica
vienesa que permite cambios de color en los registros agudos”, comenta el intérprete. Su peculiar sonoridad resulta especialmente idónea
para obras de Haydn, Mozart y Beethoven. Aunque en este caso servirá
de puente entre diferentes sensibilidades musicales del siglo XVIII. “Y
ésa es la verdadera razón del fortepiano en este concierto: conectar las
sonatas de Scarlatti con las de Soler y De Nebra”, afirma.
FORTEPiano. 15 de ENERO de 2015. Instituto Italiano de Cultura
Antonio Soler (1729-1783) estudió en El Escorial con Scarlatti, aunque
no hace falta conocer este dato para apreciar la influencia que ejerció
el entonces compositor de la corte española en sus Sonatas. Las dos
incluidas en el programa (la nº 139 en mi menor y la nº 134 en do
mayor) no sólo son tardías (estructuradas en tres movimientos y muy
próximas ya a la forma sonata) sino además recién descubiertas por el
musicólogo Enrique Igoa en una nueva edición crítica publicada hace
sólo unos meses. Su estreno en una sala de concierto madrileña servirá
sin duda para arrojar más luz sobre este periodo clave en la historia de
la música.
Discípulo también de Scarlatti, Manuel Blasco de Nebra (1750-1784)
combinó magistralmente su herencia natural española con las formas
importadas del compositor italiano. Mahúgo abordará dos de sus Sonatas de madurez (la nº 5 en fa sostenido menor y la nº 6 en mi menor),
en las que, siguiendo la línea de Antonio Soler (con esquemas AdagioPresto y Adagio-Allegro, respectivamente, y una estructura básica del
tipo A-B; A-B-A), se anuncia una primitiva forma sonata. A pesar de
su temprana muerte, De Nebra abrió camino a muchos compositores
posteriores con un prolífico legado que se calcula en más de 170 obras.
En cuanto a los criterios de selección de las Sonatas de Scarlatti del
programa, Mahúgo reconoce haber priorizado las relaciones tonales
y las similitudes estéticas a través del fortepiano, pero también las
emociones y los recuerdos de su infancia. No hay que olvidar que las
Sonatas fueron concebidas originalmente como ejercicios para clave.
“Volver a ellas ahora me ha permitido revivir algunas de mis primeras
experiencias musicales”, comenta Mahúgo, que paralelamente a su actividad como concertista enseña clave en Madrid en el Centro Superior
de Enseñanza Musical Katarina Gurska y en la Escuela Superior de
Música Reina Sofía.
Las tres primeras piezas del programa pertenecen al volumen de la
reina de 1742 (Venecia XIV), donde se recogen algunas de las llamadas
“sonatas floridas”. Todo un reto para el intérprete, no tanto por su complejidad técnica (los pasajes más difíciles pueden tocarse sin necesidad
de cruzar las manos) como por la emoción y el riesgo que sugiera cada
ornamento. “Es preferible saltarse alguna nota de la partitura –asevera
el fortepianista– antes que sucumbir al virtuosismo mecanicista y complaciente”. La vertiginosa K347 en sol menor (del catálogo Venecia VII)
es un arrebato melódico, mientras que la K453 en la mayor (Münster II)
YAGO MAHÚGO
se presta a un estilo cantabile muy adecuado a las posibilidades expresivas del fortepiano. La K456 en la menor (Venecia XI), con su escritura
refinada y transparente, servirá de culminación y síntesis a los esercizi.
En su reciente debut discográfico como clavecinista para el sello Brilliant Classics, Yago Mahúgo ha recopilado el primer libro de piezas
para clavecín de Joseph-Nicolas-Pancrace Royer, compositor francés
del XVIII. El disco en cuestión ha recibido excelentes críticas en las
páginas de revistas especializadas (Scherzo, Ritmo, Melómano…) y fue
seleccionado por El País como uno de los mejores discos de música
clásica de 2013. También su última grabación, un surtido de piezas de
clave en concierto de Rameau, precisamente cuando se cumplen 250
años de la muerte del autor de Les Indes galantes, está teniendo una
excelente acogida.
Benjamín G. Rosado
ACORDEÓN
12 de febrero de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas
Teodoro Anzellotti
PROGRAMA
Domenico Scarlatti (1685-1757)
Sonata K6 Sonata K457 Nadir Vasenna (*1970)
„noli me Tangere“ (2013)
Domenico Scarlatti
Sonata K474
Sonata K105
Sonata K262
Salvatore Sciarrino (*1947)
Vagabonde blu (2000)
Domenico Scarlatti
Sonata K284 Sonata K101
Luciano Berio (1925-2003)
Sequenza XIII (chanson) (1995/96)
T
eodoro Anzellotti nació en Candela, en Puglia, pero se
ha criado en los alrededores de Baden-Baden y ha estudiado en
las Escuelas Superiores de música de Karlsruhe y Trossingen bajo
la dirección de Jürgen Habermann y de Hugo Noth. Ha ganado numerosos concursos internacionales de acordeón. Como solista ha actuado en
importantes festivales (Amsterdam, Hamburgo, Berlín, Bruselas, Colonia, Donaueschingen, Florencia, Milán, Los Angeles, Londres, Lucerna,
Nueva York, París, Praga, Roma, Salzburgo, Seúl, Venecia, Viena, Tokyo, Toronto, Varsovia, Zurich) y ha colaborado con prestigiosas orquestas
(Kölner-Rundfunk-Sinfonieorchester, Konzerthausorchester Berlin, SWR
Sinfonieorchester Freiburg, SWR Sinfonieorchester Stuttgart, NDR Orchester Hamburg, Dresdner Philharmonie, Deutsche Radiophilharmonie
Saarbrücken, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunk, ORF Orchester Wien, Radio-Symphonie-Orchester Ljublijana). Teodoro Anzellotti
es uno de los solistas de acordeón más cualificados a nivel internacional. Su
nombre está estrechamente ligado al renacimiento del acordeón, a partir
de los años ochenta.
Tras el estreno mundial de la Sequenza XIII per fisarmonica de Luciano
Berio, en 1995, en el De Doelen de Rotterdam, Teodoro Anzellotti ha
interpretado esta composición con enorme éxito en los festivales más conocidos de todo el mundo.
acordeón. 12 de febrERO de 2014. Instituto Italiano de Cultura
Ha interpretado en estreno absoluto más de 300 piezas compuestas expresamente para él por los compositores George Aperghis, Luciano Berio,
Brice Pauset, Heinz Holliger, Toshio Hosakawa, Michael Jarrell, Mauricio
Kagel, Gerard Pesson, Matthias Pintscher, Wolfgang Rihm, Salvatore Sciarrino, Marco Stroppa, Jörg Widmann, Hans Zender y otros. Mediante el
empleo de técnicas extremas, de reciente implementación, ha ampliado las
posibilidades sonoras del instrumento en una medida que anteriormente se
tenía por imposible, convirtiéndose en figura de culto del nuevo acordeón
y pionero de un nuevo panorama auditivo.
Teodoro Anzellotti es profesor en la Escuela artística superior de Berna
y, desde 2002, también en la Escuela superior de música de Friburgo. Ha
grabado CD con composiciones de J. S. Bach, D. Scarlatti, L. Janacek, J.
J. Froberger, E. Satie, M. Kagel, M. Pintscher, M. Hidalgo, F. Yasuda, J.
J. Froberger, S. Sciarrino y J. Cage para el sello Winter&Winter, L. Berio
para DGG
teodoro anzellotti
E
l éxito de las Sonatas de Scarlatti se debe en buena medida a su versatilidad.
Y es que, además de las habituales interpretaciones en clave y piano
moderno de estas partituras, existe un nutrido catálogo de arreglos y
versiones de las Sonatas para guitarra, arpa y acordeón. Instrumento, este
último, que en las últimas décadas ha irrumpido con fuerza en las salas
de concierto e inspirado un creciente número de estrenos de compositores
contemporáneos. Uno de sus mayores impulsores ha sido, sin duda, Teodoro Anzellotti (Apulia, 1959), protagonista del cuarto concierto del Ciclo
Scarlatti del Instituto Italiano de Cultura de Madrid.
Para Anzellotti, que es de origen italiano aunque se crió en los alrededores de Baden-Baden y estudió en las Escuelas Superiores de Karlsruhe y
Trossingen, las Sonatas gozan de una suerte de intemporalidad. “Cada una
de las 555 kas es una llave maestra que abre mil puertas: del clasicismo
del siglo XVIII a las vanguardias de nuestros días”, explica. El criterio del
programa no obedece a pautas estéticas o formales, más allá del carácter
eminentemente italiano de los compositores. “Salvando todas las distancias, me atrevería a decir que los cuatro comparten un insaciable interés
por la música de su tiempo, llámese popular, folclórica o de vanguardia, y
una arrolladora proyección hacia el futuro”.
Abrirán el concierto las Sonata K6 en fa mayor, de exuberancias rítmicas
y aires dancísticos, y la K457 en la mayor, que pone de manifiesto una
mayor estilización armónica y sentido de las relaciones tonales que en los
primeros esercizi. Anzellotti empleará un acordeón de botones y la partitura
original. “No he realizado ningún arreglo”, asevera. “La riqueza cromática
del acordeón permite tocar cada nota que aparece en el papel. Lo importante es no tratar de emular el sonido del clavicémbalo y llevar las Sonatas
a tu terreno”. Desde allí pondrá rumbo a las alturas de Noli me tangere, de
Nadir Vasenna (1970), descrita como un viaje por los sentidos y las posibilidades expresivas del acordeón, que verá por primera vez la luz en Madrid.
La siguiente terna de Sonatas la integran la K474 en mi bemol mayor (todo
un derroche de ingenio en cuanto al empleo de appoggiaturas largas se
refiere), la K105 en sol mayor (un claroscuro armónico de reminiscencias
populares que alude a la polifonía rítmica del baile español) y la K262 en si
mayor (cuyo único movimiento en vivo contiene alguno de los momentos de
mayor calado poético del compositor). A continuación, sonará Vagabonde
blu (2000), de Salvatore Sciarrino (1947), compositor muy familiarizado
con el legado scarlattiano que en los últimos años ha confiado varios de
sus estrenos a Anzellotti. “Este nuevo proyecto de colaboración surgió de
acordeón. 12 de febrERO de 2014. Instituto Italiano de Cultura
una serie de improvisaciones que hice en casa de Sciarrino a partir de tres
acordes de séptima básicos”.
En el último tramo de concierto, se escucharán las Sonatas K284 en sol
mayor y la K101 en la mayor. La primera recuerda a los rondós para clavicémbalo franceses de la época (al estilo de Couperin) y es una de las
escasas Sonatas del catálogo (junto a las K265 y K351, los movimientos
sueltos y variaciones tempranas, las cinco fugas y los dos solos de órgano)
que no se ajustan a la forma binaria. La segunda, de la que existen varias
versiones para guitarra y arpa, es de una lucidez melódica apabullante que
va cambiando de color en los diferentes registros del instrumento.
Como traca final, el público madrileño disfrutará de Sequenza XIII (1995),
que lleva la firma de una figura fundamental de la vanguardia musical de
la segunda mitad del siglo XX. Quiso Luciano Berio (1925-2003) que la
responsabilidad del estreno de esta original partitura en Rotterdam recayera en las manos de su colega Teodoro Anzellotti, que ha inspirado más de
300 obras debidas a compositores de la talla de Heinz Holliger, Mauricio
Kagel, Michael Jarrell, Isabel Mundry, Matthias Pintscher, Wolfgang Rihm,
Marco Stroppa, Jörg Widmann y Hans Zender, entre otros. “Antes de Sequenza XIII ya había recurrido al acordeón en otras partituras, pero siempre
aparecía camuflado entre un grupo de instrumentos”, reconocería el propio
Berio. “Fue tras una conversación con Anzellotti que me decidí a investigar
en los orígenes populares de este instrumento, que abarca desde los tangos
de Argentina hasta las canciones de la clase obrera italiana”.
Teodoro Anzellotti ha demostrado ser uno de los solistas de acordeón más
cualificados del panorama internacional, además de un pionero en el uso
de nuevas técnicas de interpretación. Su nombre está estrechamente ligado al renacimiento del acordeón en la década de los ochenta y a su
paulatina incorporación en los programas de concierto. El repertorio que
maneja abarca más de tres siglos: de las Variaciones Goldberg de Bach a
Cheap Imitation de John Cage, pasando por los universos sonoros de Janácek y Ligeti, tal y como atestiguan sus numerosas grabaciones para el sello
Winter&Winter.
Exigente y perfeccionista hasta la médula, Anzellotti ha ganado numerosos
concursos internacionales de acordeón, actuado como solista en festivales
de todo el mundo (de Los Ángeles a Donaueschingen) y colaborado asidua-
teodoro anzellotti
mente con las algunas de las orquestas más prestigiosas de Europa (como
las Orquestas Sinfónica de Berlín, de la Radio de Baviera y Stuttgart, de la
SWR de Baden-Baden y Friburgo, y la Filarmónica de Dresde). Es además
profesor en la Escuela Artística Superior de Berna y, desde 2002, también
imparte clases de acordeón en la de Friburgo.
Benjamín G. Rosado
Luigi Attademo
GUITARRA
16 de abril de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas
PROGRAMA
Domenico Scarlatti (1685-1757)
Sonata K77 Moderato e Cantabile; Minuetto
Manuel de Falla (1876-1946)
Homenaje a la tumba de Claude Debussy
Joaquín Turina (1882-1949)
Fandanguillo
Domenico Scarlatti
Sonata K490 Cantabile
Sonata K213 Andante
Sonata K176 Andante e cantabile - Allegrissimo
Federico Moreno Torroba (1891-1982)
Nocturno
Sonata K291 Andante
Sonata K292 Allegro
Roberto Gerhard (1896-1970)
Fantasía
Tomas Marco (1942)
Fantasía sobre Fantasía
Domenico Scarlatti
Sonata K80 Minuetto
Sonata K476 Allegro
© Ilaria Costanzo
Domenico Scarlatti
C
onsiderado como uno de los guitarristas más importantes
de su generación, Luigi Attademo inicia su trayectoria artística
licenciándose tercero en el “Concours International d’Exécution
Musicale” de Ginebra de 1995. Nacido en la escuela del guitarrista-compositor Angelo Gilardino, entre sus maestros se encuentran Giovanni Guanti,
Julius Kalmar, Alessandro Solbiati y Emilia Fadini.
Se licenció en Filosofía con una tesis sobre la interpretación musical, y ha
publicado diversos artículos de carácter musicológico y estético. Colabora
con revistas especializadas y ha presentado su trabajo en Radio3 y Radio
Toscana Classica. Ha grabado diez CD, entre ellos, algunos monográficos
dedicados a las Sonatas de Domenico Scarlatti, a J. S. Bach, a las obras
guitarra. 16 de abril de 2015. Instituto Italiano de Cultura
inéditas encontradas en el Archivo de Segovia y a los Quintetos de Luigi
Boccherini. La revista Guitar Review de Nueva York le dedicó, a finales
de 2007, una entrevista volviendo a publicar algunas de sus grabaciones.
Como musicólogo, en octubre de 2002 se ha hecho cargo de la catalogación de los manuscritos segovianos, hallando obras desconocidas de autores como Tansman, Pahissa, Cassadò y publicando luego el catálogo en la
revista española “La Roseta” (2008). Dedica gran parte de su actividad a
la música de cámara y a proyectos monográficos, entre éstos la grabación
integral de las Suites para laúd de Bach (publicada en 2011 por Brilliant
Classics) y un proyecto sobre Paganini y la música contemporánea (que ha
sido ya presentado en Berlín, Viena y Nueva York, así como en el Festival
MiTo en su edición 2012). En los últimos años ha impartido seminarios y
conciertos en la Royal Academy of Music de Londres (2010, 2011, 2013,
2014), en la Melbourne University sobre el repertorio de Andrés Segovia
(2010), mientras que en 2011 fue invitado en el prestigioso Festival de la
Guitar Foundation of America, donde presentó un programa dedicado a
la música barroca. Entre sus proyectos más recientes, está la publicación
de la antología y del CD con las obras contemporáneas para guitarra dedicadas a Paganini (Ed. Sinfonica) y la integral de las obras de Niccolò
Paganini para guitarra sola, interpretadas por primera vez íntegramente
con una guitarra de la época (Brilliant, 2013). Este año la revista Amadeus
le ha dedicado el número de mayo, con la publicación de un CD monográfico sobre Fernando Sor.
Es profesor en el ISSM G. Donizetti de Bérgamo y colabora habitualmente con HEM de Ginebra y Lausana.
luigi attademo
Scarlatti y España
La invención “scarlattiana” y su influencia en la música
del siglo XX para guitarra
L
a obra de Domenico Scarlatti está indisolublemente ligada a la escritura para teclado. Él desarrolló una técnica y un estilo únicos para el clave, no obstante, parte
de esta unicidad ahonda sus raíces en la contigüidad de Scarlatti con la música
popular española. Es precisamente Manuel de Falla quien señala, en su texto dedicado
al origen del cante jondo, cómo Scarlatti fue el único músico que intuyó, antes del siglo
XX (y antes que Debussy) la riqueza de la herencia musical ibérica. Y también, más
recientemente, una de las más importantes especialistas en Scarlatti., Emilia Fadini,
confirma la intuición de Kirkpatrick con un estudio en el que demuestra la proximidad
de los materiales musicales del flamenco con elementos de la escritura “scarlattiana”.
Y es en este espacio donde se introduce la guitarra, no por casualidad, icono de la
música popular española. En 1935 Andrés Segovia, que fue uno de los guitarristas más
innovadores del siglo XX, inaugura una tendencia que continúa aún hoy, con la práctica
de la transcripción. Algunas Sonatas, elegidas de entre las más cercanas a los colores
de la guitarra, de hecho encuentran ocasión para renovar su riqueza y expresividad en
las seis cuerdas, y ya es legítimo esperar, en un programa de música para guitarra, la
presencia de este autor, dividido entre origen napolitano e influencia ibérica.
No es casual, por lo tanto, la idea de unir algunas páginas significativas de la literatura para guitarra del siglo XX a estas transcripciones, con la idea de mostrar
cómo la sensibilidad al sonido y al color, inaugurada por Debussy a inicios del siglo,
sea paralela al redescubrimiento en la guitarra de este genio italiano del siglo XVIII.
Harán de contrapunto a las joyas musicales de Scarlatti, seleccionadas de entre las
Sonatas más próximas al leguaje de la guitarra, obviamente el Homenaje de Manuel de Falla, primera obra significativa de un compositor no guitarrista en el siglo
XX, verdadero punto de partida del renacimiento de la literatura de la guitarra. Con
él, otros dos autores –Joaquín Turina y Federico Moreno Torroba- que escribieron
en la misma época (años veinte) inspirados por Segovia y por el redescubrimiento
de la identidad musical española. En hipotética continuidad con él, dos autores que
se inspiraron en la misma poética musical. Su música, rica en fuertes contrastes y
en claroscuros típicamente “scarlattianos”, manifiesta una singular proximidad. El
contemporáneo Tomas Marco escribe de hecho pensando y re-pensando (a través
de una operación de hermenéutica compositiva) la Fantasia (1954) del catalán Roberto Gerhard, haciendo una operación que recuerda en todo la de la transcripción,
que examina la posibilidad de renovar el material musical ya escrito (y por lo tanto
se conoce), dándole una nueva vida a través del sonido de un nuevo instrumento.
Luigi Attademo
violín y clavicémbalo
7 de mayo de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas
Massimo Spadano
Luca Guglielmi
PROGRAMA
Luigi Boccherini (1743-1805)
Sonata op.5 G 25 en Si b mayor
Allegro con moto-adagio-presto assai
Domenico Scarlatti (1685-1757)
Sonata K69 en fa menor 3/4
Luigi Boccherini
Sonata op.5 G 26 en Do mayor
© Marco Borggreve
Allegro con spirito-largo-tempo di minuetto
Domenico Scarlatti
Sonata K198 en mi menor Allegro 3/4
Luigi Boccherini
Sonata op.5 G 27 in Si b mayor Moderato- allegro
Domenico Scarlatti
Sonata K145 en Re Mayor 3/8
Domenico Scarlatti
Sonata K deest en re menor “Fandango” 3/4
Luigi Boccherini
Sonata op.5 G29 en sol menor
Allegro molto-cantabile ma con un poco di moto-presto assai
Massimo Spadano. Violín
N
acido en Lanciano (Italia) consiguió el diploma “Cum Laude”
en su pais. Más tarde obtuvo el diploma de solista en la Universidad de Utrecht bajo la guia de Viktor Libermnan y Philippe
Hirschhorn.
Como concertino y solista ha actuado en distintas formaciones en las más
importantes salas de Europa, Estados Unidos, América del Sur, Asia, África
y Oriente Medio.
Ha actuado en los festivales y temporadas de Berlín, Salzburgo, Milán,
París, Madrid, Roma, Montpellier, Wiesbaden, Amsterdam, Florencia,
Barcelona, Munich, Napflion…con Victoria Mullova, Maxim Vengerov,
con Katia y Marielle Labéque, Cristian Zacharias , Enrico Dindo, Alexander Lonquich así como con Gerard Depardieu y Alessandro Baricco.
Dedica gran parte de su actividad a la música antigua con instrumentos
originales y a su investigación, participando en la edición de numerosos
volúmenes de música barroca con la Camerata Anxanum, orquesta italiana
de la cual es miembro fundador.
violín y clavicémbalo. 7 de mayo de 2015. Instituto Italiano de Cultura
Desde 1994 es concertino de la Orquesta Sinfónica de Galicia y siempre como concertino ha colaborado con la Orchestra Mozart dirigida por
Abbado, l’Orchestre National de Lyon, l’Accademia di Santa Cecilia de
Roma, Orchestre de Chambre de Lausanne, Orquesta Ciudad de Granada,
Sinfónica de Tenerife, Teatre Liceu, Teatro Real y con grupos barrocos
como, l’Ensemble Baroque de Limoges con Christof Coin, l’Ensemble
Zefiro, Hesperion XX y Les Concert de Nation con Jordi Savall, “Chambre
Philarmonique” dirigida por Emmanuel Krivine y Orfeo 55 con Nathalie
Stutzman.
En Cambray se le concedió en 1996 el título honorífico “Laureate Juventus”.
Ha grabado discos con distintos sellos Deutsche Grammophone, Sony,
Opus 111, Bongiovanni, y Auvidis Astrèe y con esta última ha recibido uno
de los mas destacados reconocimientos discograficos, “Choc Musique”,
por su grabación de sonatas de Reickard. Con la Camerata Boccherini,
ensemble fundado por él mismo, ha grabado de los tres cuartetos de J.C.de
Arriaga para el sello Naxos. Con el Ensemble Zefiro han salido recientemente dos CD de Conciertos de Mozart y de conciertos de Fasch con
instrumentos originales para el sello Harmonia Mundi.
Diplomado en dirección de orquesta en Italia con el Mº Donato Renzetti,
desde el 1995 es director musical y artístico de la Orquesta de Cámara de la
Sinfónica de Galicia con la cual ha dirigido desde el clasicismo hasta Stravinsky y contemporáneos españoles. En su actividad de director también a
dirigido la Academy of Ancient Music en Alemania, Orquesta Sinfónica de
Galicia, la Orquesta Ciudad de Granada, la Orquesta Sinfónica de Valles
en el Palau de Barcelona, la Orquesta do Norte de Portugal, Pforzheim
Kammer Orchester, Orquestra Sinfónica de Sanremo, Orquesta Sinfónica
de Bilbao, Georgish Kammerorchester , Orquesta de Extremadura entre
otras y en los Festivales de León, de Salamanca, Mozart Festival. En el
Festival Rossini de Bad-Wilbad ha dirigido la Opera “Ser Marcantonio,
de la cual recientemente ha salido un CD con Naxos.
Toca con un Jopeph Contreras 1755 y un Joseph Albani 1700 ca.
Massimo Spadano y Luca Guglielmi
Luca Guglielmi. Clavicémbalo
L
uca Guglielmi, nacido en 1977, protagoniza desde 1993 una
intensa actividad profesional internacional que incluye conciertos
como intérprete de clave, clavicordio, órgano y fortepiano, la colaboración con importantes figuras del panorama concertístico (Jordi Savall,
Cecilia Bartoli, Il Giardino Armonico), la actividad de director de coro y
director de orquesta, la composición y la pedagogía (ESMuC, Barcelona).
Alumno de Sergio Pasteris y de Gary Graden para la dirección, fue asistente
de Antoni Ros Marbá, Victor Pablo Pérez, Giovanni Antonini, Gottfried
von der Goltz y Jordi Savall. Después de estudiar en el Conservatorio de
su ciudad, en 1999 fué seleccionado para el Curso Extraordinario de Dirección con Carlo Maria Giulini.
Ha colaborado como clavecinista y organista con la Orchestra Sinfonica
Nazionale della RAI bajo directores como Jeffrey Tate, Rafael Frübeck de
Burgos, Roberto Abbado, Robert King y Ton Koopman.
En el 2001 debutó como director en Turín con el Coro della RAI en la
Petite Messe Solennelle de Rossini y al año siguiente dirigió el Requiem de
Mozart en Bolonia. En el 2010 debutó con la Orchestra Regionale Toscana
por invitación de Aldo Bennici con la Sinfonía Nr. 39 de Mozart.
Ha sido profesor de clave, organo, fortepiano y orquesta barroca/clásica en
los Cursos de Música Antigua de Pamparato (Italia), San Feliu de Guixols
(Catalunya), Barbaste (Francia) y en Urbino (Italia).
Paralelamente también desarrolla una gran actividad internacional como
solista de clave/órgano y como acompañante de artistas entre los que destacan Cecilia Bartoli, Sara Mingardo, Christoph Prégardien, Giuliano
Carmignola, Paolo Pandolfo y Jordi Savall.
Ha grabado más de cincuenta CDs para los más prestigiosos sellos discográficos como Decca, Teldec, Deutsche Harmonia Mundi, Accent, Arcana,
etc. Recientemente, sus grabaciones de la “Variaciones Goldberg” de Bach
y de las “Sonate per gravecembalo” de Pasquini han sido galardonadas con
el Diapason d’Or.
Es Profesor de Clave, Bajo Continuo e Instrumentos de tecla históricos en
la Escola Superior de Musica de Catalunya (ESMuC), Barcelona.
violín y clavicémbalo. 7 de mayo de 2015. Instituto Italiano de Cultura
A
XVIII, la Corte de Madrid reunió a un buen número
de artistas italianos que importaron a la capital el esplendor napolitano de la época. Por sus calles adoquinadas pasearon durante algún tiempo el gran castrato Carlo Broschi Farinelli, el célebre
poeta y libretista Pietro Metastasio y compositores tan ilustres como
Nicola Conforto y Luigi Boccherini. Cuando este último llegó a España
en pleno advenimiento de la casa de Borbón, Scarlatti llevaba más de
diez años muerto. Boccherini era entonces un joven compositor de 25
años, admirador de Scarlatti, cuya música no dejaría de sonar durante
todo el reinado de Carlos III.
principios del siglo
El sexto concierto del Ciclo Scarlatti correrá por cuenta del violinista
Massimo Spadano y del clavecinista Luca Guglielmi, que han preparado
un programa puente entre Scarlatti y Boccherini. “Escuchando la música de ambos compositores se pueden apreciar similitudes de estilo y
puntos de encuentro en lo que se ha venido a llamar el ‘estilo madrileño’
de la escuela napolitana”, cuenta el violinista. “Boccherini no sólo ha
sido uno de los grandes músicos de todos los tiempos, sino que su vasto
legado instrumental nos permite conectar el violín con las Sonatas de
Scarlatti”. Para Guglielmi la afluencia de músicos italianos en Madrid
fue el caldo de cultivo perfecto para el florecimiento cultural de España al calor de las nuevas corrientes estéticas italianas. “De Scarlatti a
Boccherini, pasando por Jacome Facco y Francisco Corselli, la escuela
italiana se convirtió en una moda. Todo el mundo quería escuchar música napolitana”.
De Boccherini (1743-1805) interpretarán varias de sus Sonatas para
teclado y violín Op. 5 (G 25 en si bemol mayor, G 26 en do mayor, G 27
en si bemol mayor y G 29 en sol menor), intercaladas con las Sonatas
K69 en fa menor, K198 en mi menor, K145 en re mayor y la K. deest
en re menor ‘Fandango’ de Scarlatti. Aunque en las Sonatas Op. 5 resuenan temas y ritmos españoles, cuentan los cronistas de la época que
Boccherini las escribió en París, ciudad que visitaba regularmente en
compañía de su amigo el violinista Filippo Manfredi, y dedicó la partitura
a la clavecinista francesa Anne Louise Boyvin. “En plena fascinación por
las posibilidades expresivas del clave, Boccherini abre camino al violín
con un nuevo tipo de escritura precursora de técnicas, colores y texturas
venideras”, explica Spadano.
Como quiera que a lo largo del siglo XVIII, el fortepiano de Bartolomeo
Cristofori (quien ideó un mecanismo que permitía golpear las cuerdas
Massimo Spadano y Luca Guglielmi
con macillos pulsados a variada intensidad por teclas que volvían a su
posición original) fue desplazando paulatinamente al clave de los salones y salas de concierto, las Sonatas Op. 5 no fueron inmunes a esta
transición y se adaptaron al nuevo instrumento. “La primera edición
aparece titulada como Sonatas para clavecín y violín –explica Guglielmi– pero será el propio Boccherini quien en la edición corregida de sus
últimos años haga mención al fortepiano, que emitía mejor el sonido”.
Benjamín G. Rosado
soprano + ensemble
Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid
4 de junio de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas
Raquel Andueza
y La Galanía
PROGRAMA
José de Torres (ca. 1670 – 1738)
Flavescite, serenate Cantada al Santísimo al estilo italiano
Aria (despacio): Flavescite, serenate
Recitado: Expugnate, debelate
Aria (grave): Ad fontem gratie
Recitado: O, suavis dulcedo
Aria: Eu, Iesu mi care
Alegre: Alleluia
Domenico Scarlatti (1685 – 1757)
Pur nel sonno
Introduzione alla cantata
Minuet
Aria (andante – lento): Pur nel sonno
Recitativo: Pria dell’aurora a Fille
Aria (allegro moderato): Parti con l’ombra
Domenico Scarlatti
Sonata para clavicémbalo en Do Mayor, K513 (1685 – 1757)
Pastorale. Moderato
Molto allegro
Presto
Silvia Colasanti (*1975)
Frammenti di Lettere amorose
[Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid]
José de Nebra (1702 -1768)
Selva florida
Aria de “Viento es la dicha de amor” (1743)
Recitado acompañado: O, tú, selva
Aria andante: Selva florida
L
a Galanía es una de las formaciones especializadas más
importantes del panorama musical español actual. Fundada en el año
2010 por Raquel Andueza y Jesus Fernández Baena, su finalidad es
interpretar música barroca, tanto del siglo XVII como del XVIII, en base
a unos cuidados principios historicistas y apostando por colaborar con los
mejores músicos tanto españoles como de otras nacionalidades, todos ellos
especializados en este repertorio. Sus miembros forman parte de orquestas
y grupos prestigiosos a nivel mundial, como L’Arpeggiata, Hespèrion XXI,
Al Ayre Español, Orquesta Barroca de Sevilla, Private Musicke, Orchestra of
the Age of the Enlightment, etc. Como eje central del grupo cuentan con la
soprano Raquel Andueza, la cual es invitada regularmente a los auditorios y
festivales más importantes del mundo.
La Galanía hizo su debut con gran éxito en la Catedral de Pamplona con
el Stabat Mater de Pergolesi, y rápidamente comenzó a estar presente en
los más prestigiosos auditorios y festivales de Europa: Auditorio Nacional
de Madrid, Deutschland RheinVokal, Cultur Casino Berna, Konzerthaus
de Berlín, WDR Köln, Saint Michel en Thiérache, MAFestival de Brujas, Palacio de la Almudaina de Palma de Mallorca, Festival de Aranjuez,
Festival de Música Antigua de Panamá, Quincena Musical Donostiarra,
Festival de Música Sacra de Bogotá, Festival Van Mechelen, Fesival de
Innsbruck, etc.
SOPRANO + ensemble. 4 de juniO de 2015. Instituto Italiano de Cultura
Cuentan con cuatro grabaciones en el mercado, todos editados por la discográfica Anima e Corpo: “Yo soy la locura” (2011), “Alma Mia” (2013), “Pegaso” (2014) y “Yo soy la locura 2” (2015). Todos ellos han recibido las mejores
críticas y premios de la prensa especializada.
www.lagalania.com
Raquel Andueza. Soprano
Nacida en Pamplona, inicia su formación musical a los seis años. Posteriormente, becada por el Gobierno de Navarra y el Ayuntamiento de
Londres, amplía estudios en la Guildhall Shool of Music and Drama de
Londres, donde obtiene el Bachelor of Music con mención honorífica y
recibe el premio School Singing Prize. Poco más tarde conoce al maestro
Richard Levitt, quien ha sido su referente hasta el presente.
Colabora asiduamente con diversas formaciones: L’Arpeggiata, Orquesta Barroca de Sevilla, Gli Incogniti, La Tempestad, Al Ayre Español, El
Concierto Español, Private Musicke, La Real Cámara, Hippocampus,
B’Rock, Orphénica Lyra, etc. En 2003 entra a formar parte del cuarteto
vocal La Colombina; en ese mismo año funda junto al tiorbista Jesús Fernández Baena un dúo especializado en música italiana del siglo XVII y en
2010 el grupo La Galanía.
Actúa como solista en los principales festivales y auditorios de todo el
mundo (París, Madrid, Barcelona, Bogotá, Bruselas, Utrecht, Praga,
Moscú, Frankfurt, Panamá, Bucarest, Viena, México, Nápoles, Granada,
Minneapolis, Berna, London, Hong Kong), y en 2012 hace su debut en el
neoyorquino Carnegie Hall y en los Proms londinenses.
Ha sido dirigida por directores como William Christie, Fabio Biondi,
Emilio Moreno, Jacques Ogg, Monica Huggett, Eduardo López-Banzo,
Christina Pluhar, Richard Egarr, Ottavio Dantone, Christian Curnyn,
Pablo Heras, Sir Colin Davis, José Ramón Encinar, etc.
Raquel es invitada para impartir cursos de canto en el Teatro Real de
Madrid, así como en las universidades de Burgos y Alcalá de Henares.
Asimismo, colabora en bandas sonoras de películas, cortometrajes y series de televisión, como “Exodus” (Ridley Scott, 2014), “Isabel” (TVE1,
RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA
Javier Olivares, 2012), “Atraco” (Eduard Cortés, 2012) “Tous les soleils”
(Philippe Claudel, 2011), “Disección de una tormenta” (Julio Soto Gúrpide, 2010).
Ha realizado grabaciones para sellos discográficos como Virgin Classics,
Glossa, K617, NB Musika, Accentus, OBS Prometeo y Zig-Zag Territoires. En 2011 crea su propio sello discográfico, Anima e Corpo, cuyas cuatro grabaciones (“Yo soy la locura”, “In Paradiso”, “Alma Mia” y “Pegaso)
han recibido las mejores críticas y premios de la prensa especializada.
www.raquelandueza.com
José Manuel Navarro. Violín
Natural de Córdoba, José Manuel Navarro comienza sus estudios de viola con Fernando España y continúa posteriormente con Jerome Ireland,
recibiendo clases regularmente de Bretislav Novotny. Fue miembro de la
Joven Orquesta Nacional de España. Interesado desde muy pronto por la
música antigua, durante cuatro años compagina sus estudios de viola con
los de viola de gamba y canto a la vez que se inicia en el violín barroco
participando en numerosos cursos. En 1997 se traslada a París e ingresa
en la Orquesta Barroca de la Comunidad Europea. En 2001 obtiene el Diploma Superior de Música Antigua en violín barroco con Daniel Cuiller
en el Conservatoire Superieur de Paris.
Ha actuado con Accademia Bizantina, The Amsterdam Baroque Orchestra, Les Saqueboutiers de Toulouse, Ensemble La Fenice, Explorations,
Ensemble William Byrd, Chapelle Rhénane, Grupo Segreis de Lisboa,
Orquesta Barroca Catalana, Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, Capilla Real de Madrid, Capella de Ministrers, La Follía, Academia del Piacere, La Revêuse, Hippocampus, La Real Cámara, Conjunto
Barroco Zarabanda y la Orquesta Barroca de Granada, entre otros.
Ha realizado grabaciones para Radio France, RTVE, RAI, RTL, Alpha,
Harmonia Mundi, Ambronay, Zig Zag Territoires, Astrée, Ricercar,
Glossa Music, Almaviva, Erato, Verso, Opus 111, K 617, OBS Prometeo,
Portugaler, E.G. Tabalet y Lindoro. Actualmente es invitado con frecuencia como primer violín, si bien su actividad musical es principalmente
como concertista, tocando violín, viola y viela con grupos como Al Ayre
Español, Le Concerts des Nations, Café Zimmermann, The Rare Fruits
SOPRANO + ensemble. 4 de juniO de 2015. Instituto Italiano de Cultura
Council, La Galanía, Tercia Realidad, Artaserse, Akademia, El Concierto
Español, Os Musicos do Tejo, La Tempestad o Mala Punica, actuando en
los más prestigiosos festivales por todo el mundo.
Es solista de la Orquesta Barroca de Sevilla, agrupación de la que es
miembro fundador, así como del trío Ex-corde y Tritonus. Es concertinodirector de la Orquesta Barroca del Conservatorio Profesional de Córdoba, ciudad donde actualmente reside.
Pablo Prieto. Violín
Tras obtener los títulos superiores de violín y música de cámara en los
Conservatorios de Murcia y Zaragoza, Pablo Prieto continuó su formación con profesores como Irmgard Schaller, Emilio Moreno, Jaap Schröder, Enrico Gatti, François Fernandez o Mikhail Kopelman.
Actualmente es miembro de los grupos La Tempestad, La Galanía y Los
Músicos de Su Alteza, y colabora habitualmente con numerosas formaciones dedicadas principalmente a la música barroca como la Orquesta
Barroca de Sevilla, Forma Antiqva, La Capilla Real de Madrid, La Folía,
The Scholars Baroque Ensemble, Hippocampus, Conductus Ensemble,
Estil Concertant, Tercia Realidad, El Trovar de los Afectos, Compañía
Teatro del Príncipe de Aranjuez, Orquesta Barroca de Salamanca, etc.,
con los que ha actuado en numerosos escenarios y festivales españoles,
europeos y americanos.
Josetxu Obregón. Violonchelo
Director artístico de La Ritirata y Profesor del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Con 13 premios en concursos nacionales
e internacionales, cursa estudios superiores y postgrado en violoncello,
cámara y dirección en España, Alemania y Holanda, estudiando cello
barroco en Koninklijk Conservatorium (La Haya) y con Anner Bijlsma.
Ofrece conciertos en Europa, Asia, América y Oriente Medio. Ha sido
miembro de orquestas como Royal Concertgebouw y Rotterdam Philharmonic, y en el mundo de la interpretación histórica colabora con EUBO-
RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA
Orquesta Barroca Unión Europea, l’Arpeggiata, Le Concert des Nations,
Orchestra of the Age of Enlightment, Al Ayre Español, etc. compartiendo
escenario con Jordi Savall, Christina Pluhar, Philippe Jaroussky, Krzysztof
Penderecki, Plácido Domingo, Jesús López Cobos, etc.
Ha ofrecido conciertos en salas como Tokyo Opera City (Japón), Concertgebouw (Amsterdam), Opéra Royal de Versailles y Salle Gaveau (París), Royal Festival Hall y Wigmore Hall (Londres), etc. Artista del sello
Glossa, sus grabaciones al frente de La Ritirata han recibido galardones
como el Ojo Crítico de Radio Nacional de España o el Premio Codalario
al Mejor Producto Musical. También ha grabado para Virgin, AliaVox, así
como BBC3, NPS3, Mezzo, etc.
Jesús Fernández Baena. Tiorba
Nace en Estepa (Sevilla). Estudia flauta de pico y cuerda pulsada en el
Conservatorio Superior de Música de Sevilla con Guillermo Peñalver y
Juan Carlos Rivera. Más tarde, becado por la Junta de Andalucía, amplía
estudios en el Koninklijk Conservatorium de La Haya, donde obtiene su
diploma en 2002.
Ha colaborado con grupos como El Concierto Español, Al Ayre Español,
Private Musicke, La Real Cámara, More Hispano, Accademia del Piacere,
Hippocampus, Harmónica Sphaera, Conductus Ensemble, Música Ficta
o La Colombina, actuando en los principales festivales de música antigua
(Ambronay, Úbeda y Baeza, Michigan, Amsterdam, Quincena Musical
Donostiarra, Sevilla, Moscú, Toulouse, Bruselas, Gante, Aranjuez, Camino de Santiago, Cuenca, Utrecht, Daroca, Lugo, Torroella de Montgrí…)
Ha sido dirigido por directores tales como Emilio Moreno, Frans Brüggen,
Gabriel Garrido, Paul MacCreesh, Fabio Bonizzoni, Eduardo López Banzo, etc. Acompaña asiduamente a cantantes como María Bayo, Magdalena Kožená, Jordi Domènech, Núria Rial, José Hernández Pastor, Carlos
Mena y Raquel Andueza, con la que desde el año 2003 forma dúo estable,
especializándose en la música italiana del siglo XVII. Con ella funda en
2010 el grupo La Galanía.
Ha realizado grabaciones para la radio suiza, francesa y holandesa, y
para los sellos Harmonia Mundi France, Deutsche Grammophon, NB
SOPRANO + ensemble. 4 de juniO de 2015. Instituto Italiano de Cultura
Musika y Naïve. En 2010 funda su propio sello discográfico, Anima e
Corpo Música.
Alberto Martínez Molina. Clavicémbalo
Comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de Madrid y estudia
clave en la “Guildhall School of Music and Drama” de Londres con David
Roblou y en Amsterdam con Richard Egarr.
Es director y miembro fundador del grupoHippocampus, con quien ha
venido difundiendo su compromiso con el público en diversas ciudades
de Inglaterra, Alemania y España, participando en importantes ciclos y
festivales y teniendo siempre como premisa el hallazgo de la emoción en
las partituras. Bajo su dirección, Hippocampus fue residente en el ciclo
madrileño de Las Cantatas de J. S. Bach, en el que desde 2004 hasta 2012
se interpretaron todas las obras religiosas de este compositor, de quien la
formación tiene en repertorio más de setenta Cantatas además de Misas,
Pasiones, Conciertos de Brandemburgo, Suites orquestales y música de
cámara.
Ha editado con el sello discográfico Arsis numerosas grabaciones de
Hippocampus: el op.2 de Johann Philipp Krieger (4* Goldberg); “Les
Goûts Réunis”, junto al violinista Jaap Schröder, “Lasciatemi morire”, con
música de Caccini, Frescobaldi y Monteverdi;“Sonatas de un oboísta”, de
G. Sammartini (con Xavier Blanch, Premio CD Compact 2010 a la mejor
grabación instrumental barroca), y varias grabaciones en directo, editadas
en 2009 en CD (Cantatas BWV 82, 170 y 199) y desde 2012 en pendrives
GPD de 8 GB con audio y vídeo en alta definición: “Liebster Jesu” (2012,
Excepcional Scherzo y nominado a los ICMA 2014, categoría “Baroque
Vocal”), “Bach en Vallekas”(2013, Excepcional Scherzo y Ritmo Parade)
y otros en fase de postproducción. Estas innovadoras grabaciones incluyen
nueve cantatas y dos conciertos de Brandemburgo de J. S. Bach, además
de música de cámara de Telemann, Haendel y Vivaldi.
Asimismo, y para el mismo sello discográfico, ha grabado a dúo sonatas de
L. Boccherini y D. Porretti con el violonchelista Iagoba Fanlo y las sonatas
para viola da gamba y clave de Johann Sebastian Bach con el violagambista Fahmi Alqhai.
RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA
Ha ofrecido conciertos a dúo con solistas como Wieland Kuijken, Christophe Coin, Jaap Schröder o Hiro Kurosaki.
Coordina el Departamento de Música Antigua de la Academia ‘Maese
Pedro’ y compagina su actividad concertística con la docencia en el Real
Conservatorio Superior de Música de Madrid, centro en el que es director
de la Orquesta Barroca además de profesor de clave, bajo continuo y música de cámara desde 1999.
SOPRANO + ensemble. 4 de juniO de 2015. Instituto Italiano de Cultura
E
RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA
Ciclo Scarlatti está planteado como un viaje
de ida y vuelta. La soprano Raquel Andueza, acostumbrada a
tender puentes entre la música española de los siglos XVII y XVIII
y los compositores italianos, franceses e ingleses del mismo periodo,
abordará un programa que recupera la cantada al Santísimo al estilo italiano Flavescite, serenate del madrileño José de Torres (ca. 1670-1738),
uno de los más brillantes maestros de la Capilla Real española, y varios
fragmentos de la zarzuela en dos actos Viento es la dicha de amor y de
Selva florida del aragonés José de Nebra (1702-1768).
de Roma. Desde entonces, además de ganar varios premios (como el
Goffredo Petrassi italiano o el Musikfabrik NÖ de Viena) y ser nombrada
Cavaliere della Republica por Giorgio Napolitano, su música ha sido
interpretada por varias orquestas europeas, como la del Teatro de los
Campos Elíseos de París, la Nacional de Bélgica, la Sinfónica de Berlín
y la Orquesta Sinfónica del Maggio Musicale Fiorentino. En el Teatro
Amilcare Ponchielli de Cremona, bajo la dirección de Francesco Frongia, se estrenó en 2009 su ópera de cámara infantil Il sole, di chi è?,
basada en un texto de Roberto Piumini.
Entre medias, la cantante navarra, una de las mayores especialistas en
el barroco italiano de su generación, establecerá un vínculo sentimental
con Scarlatti a través de la bellísima Introduzione alla cantata contenida
en Pur nel sonno almen tal’ora. “Siempre me ha interesado la música
que busca el afecto por encima del efecto”, sostiene la soprano. “Quizá
porque para mí cantar es lo mismo que contar historias. Necesito que
se entienda el texto tanto como la música. Es la única forma de que el
público pueda saborear cada palabra, entenderla y sentirla”.
Sobre el proceso creativo, explica Colasanti que el truco está en conciliar la espontaneidad de la idea con el respeto por las reglas y la forma.
“Y en elegir temas universales en los que la gente se pueda sentir
identificada”. Entre sus composiciones recientes para teatro musical
destacan Flebile queritur lyra, L’angelo del Liponard (Un delirio amoroso) y Fausto (Tragedia soggettiva in musica), basada en un texto de
Fernando Pessoa y estrenada en 2011 durante la 68ª edición de la Settimana Musicale Chigiana. Un año después, se presentó en el Festival
del Maggio Musicale Fiorentino su ópera La Metamorfosi en un montaje
del siempre imaginativo Pierluigi Pier Alli. Actualmente, Silvia Colasanti
enseña composición en el Conservatorio de Música de Perugia.
l penúltimo concierto del
Le acompañan en este concierto los músicos de La Galanía, ensemble
de música barroca que ella misma fundó en 2010 con el tiorbista y
laudista sevillano Jesús Fernández Baena. Con éste, los violinistas José
Manuel Navarro y Pablo Prieto, el violonchelista Josetxu Obregón y el
clavecinista Alberto Martínez Molina, estrenará Frammenti di Lettere
amorose, obra encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid a la
compositora Silvia Colasanti, una de las voces más originales e innovadoras del panorama musical actual.
Adelanta la artista italiana que la obra que escuchará el público madrileño parte de la partitura homónima de Scarlatti, utilizando fragmentos
de sus tres cantatas, que cuentan la historia de dos amantes a través
de sus cartas. “He respetado tanto el contenido de las cartas como la
línea de canto propuesta por Scarlatti”, concede Colasanti. “He querido
que la filigrana armónica de las Sonatas pueda reconocerse en todo
momento a través de una instrumentación de planteamiento moderno.
Además, entre una carta y la otra habrá breves interludios que servirán
de diálogo entre el presente y la tradición musical”.
Tras graduarse en piano y composición, Silvia Colasanti (Roma, 1975)
estudió con Fabio Vacchi, Wolfgang Rihm, Pascal Dusapin y Azio Corghi
en La Chigiana de Siena y en la Academia Nacional de Santa Cecilia
Benjamín G. Rosado
PIANO
Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid
Uri Caine
18 de junio de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas
PROGRAMA
Scarlatti Project
[Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid]
N
ace en Filadelfia y empieza a estudiar el piano con Bernard
Peiffer. Estudio composicion de musical con George Rochberg
y George Crumb en la Universidad de Pennsylvania. Trabaja
con grupos llevados por Philly Joe Jones, Hank Mobley, Johnny Coles,
Mickey Roker, Odean Pope, Jymmie Merritt, Bootsie Barnes y Grover
Washington.
Desde que se traslada a Nueva York Caine ha grabado más de 20 cds como
director de grupo. Ha grabado cd’s junto con su trío de Jazz : Bedrock
PIANO. 18 de JUNIO de 2015. Instituto Italiano de Cultura
Trio (Winter and Winter 2009) así como con su grupo con arreglos de
Mahler, Wagner, Beethoven, Bach y Schumann.
Uri Caine ha recibido encargos de Vienna Volksoper, The Seattle Chamber Players, Relache, The Beaux Arts Trio, the Basel Chamber Orchestra, Concerto Koln y de la American Composers Orchestra. Ha sido el
director musical de la Bienal de Venecia en el 2003. Ha presentado su
versión de las Variaciones Diabelli acompañado por orquestas tales como
la Cleveland Orchestra, la Orquesta de Cámara de Moscu, la Orquesta de
la BBC y la Orquesta de Cámara Sueca.
Entre 2006 y 2009 es compositor residente para la Orquesta de Cámara
de Los Angeles con la que estrena su concierto para dos pianos y Orquesta
de Cámara con Jeffrey Kahane en mayo del 2006. En 2009 fue nominado
para un “Grammy Award” por su “The Othello Síndrome”.
Durante los ultimos años, Caine ha trabajado en grupos llevados por Don
Byron, Dave Douglas, John Zorn, Terry Gibbs y Buddy DeFranco, Clark
Terry, Rashid Ali, Arto Lindsay, Sam Rivers y Barry Altschul, the Woody
Herman Bad, Annie Ross, the Enja Band, Global Theory y the Master
Musicians of Jajouka. Ha recibido ayudas de Pennsylvania Council on
the Arts, the National Endowment for the Arts y de la Fundación Pew.
Ha trabajado en muchos festivales de jazz incluyendo el North Sea Jazz
Festival, Montreal Jazz Festival, Monterey Jazz Festival, JVC Festival,
Festival de Jazz de San Sebastian, Newport Jazz Festival, así como de festivales clásicos tales como el Festival de Salzburgo, la Opera de Munich,
el Festival de Holanda, el Festival de Israel, y el ciclo « Great Performers »
del Lincoln Center.
URI CAINE
P
ondrá el broche de oro a la cuarta temporada del Ciclo Scarlatti el
pianista y compositor Uri Caine (Filadelfia, 1956), uno de los músicos más renovadores del panorama jazzístico de las últimas décadas. Caine estudió composición con George Rochberg y George Crumb
en la Universidad de Pensilvania al mismo tiempo que tocaba por las noches en varios clubes de jazz. A principios de los años ochenta se trasladó
a Nueva York, donde vive en la actualidad. Desde su debut discográfico
en 1985 con la Rochester-Gerald Veasley Band, Caine ha grabado 22
álbumes, en muchos de los cuales versiona, fusiona o deconstruye obras
de Bach, Mozart, Beethoven, Schumann, Wagner y Mahler. El Instituto
Italiano de Cultura de Madrid ha encargado al músico estadounidense una
obra para piano, Scarlatti Project, una relectura de las Sonatas en clave
de improvisación.
Las Sonatas fueron originalmente concebidas como ejercicios musicales.
¿Recuerda su primera “experiencia scarlattiana”?
La primera vez que interpreté uno de los esercizi fue de niño, siguiendo
los consejos de mis profesores. Como cualquier pianista en ciernes, también yo me curtí en mis comienzos con las Sonatas, pero volví a ellas más
tarde, en la madurez, y descubrí una serie de texturas y armonías en las
que no había reparado antes. Sin esa segunda lectura no habría llegado a
entender nunca que el virtuosismo técnico de Scarlatti, como precursor y
pionero de nuevas formas musicales, no es más que un vehículo hacia la
belleza. Quizá por eso durante algún tiempo las Sonatas han suscitado el
interés de musicólogos y estudiosos y no tanto del público.
En el prefacio de los esercizi, Scarlatti previene al lector que espere encontrar profundas enseñanzas de que sólo hallará un “ingenioso juego
artístico” destinado a “familiarizar al profesor o diletante con la majestad
del clavicémbalo”. ¿Cree que Scarlatti se sorprendería hoy de la repercusión de sus Sonatas?
Desde luego que le sorprendería, y mucho, el mundo en el que vivimos.
¿Con qué ojos vería el Madrid del siglo XXI? ¿Cuál sería su reacción al sentarse frente a un piano moderno? Es algo que me cuesta imaginar. Pero,
respondiendo a su pregunta, no creo que Scarlatti ponga en entredicho la
calidad o trascendencia de sus Sonatas, sino que se limita a subrayar el
carácter pedagógico del encargo recibido por la corte española. Su único
propósito es animar a los lectores y tratar de contagiarles su entusiasmo
por la música. El prefacio termina diciendo: “En cuanto a la posición de
las manos, la letra D indica la mano derecha y la M la izquierda. Vive
feliz”. ¿No es maravilloso?
PIANO. 18 de JUNIO de 2015. Instituto Italiano de Cultura
¿Qué es lo que más admira de Scarlatti como compositor?
En el mundo del jazz suele decirse que la buena música es siempre la
que mejor se adapta a los diferentes instrumentos y géneros. Y ése es
precisamente el denominador común de los grandes estándares del jazz:
que todo el mundo puede interpretarlos y versionarlos. Algo parecido sucede con Scarlatti. Porque lo que llama la atención de las Sonatas, más
allá de la riqueza de vocabulario armónico, es la sencillez del resultado:
la claridad del sonido, el toque preciso, la nítida articulación. De esta
manera, Scarlatti cumple con el viejo sueño de todo compositor: hacer
que lo difícil parezca fácil.
URI CAINE
Scarlatti vivió el último tercio de su vida en Madrid, donde compuso la
mayor parte de sus Sonatas. ¿Ha sido España también una fuente de
inspiración para su proyecto?
La música de Scarlatti es muy permeable a las influencias de la música
folclórica y en ella podemos encontrar un latir jondo, una pulsión enérgica
y los ritmos profundísimos del fandango o la seguiriya. También yo le debo
mucho a España como pianista y compositor. Y por supuesto que su cultura y su gente han estado en mis pensamientos a la hora de componer
esta obra.
Benjamín G. Rosado
La presencia, en estas cuatro temporadas del Ciclo Scarlatti, de clavecinistas y pianistas de cada especialidad ha reabierto el debate en torno al
grado de compatibilidad de los Steinway modernos y el repertorio barroco.
¿Cuál es su postura al respecto?
No me llevo al engaño. Sé que las Sonatas fueron concebidas para un
instrumento en concreto, que las articulaciones, las dinámicas e incluso los tempi están pensados para el teclado y el mecanismo de un
clavicémbalo. Ahora bien, no es ningún secreto que buena parte de mi
carrera la he dedicado a llevar la música clásica por otros territorios. No
puedo, por lo tanto, sustraerme a la tentación de interpretar las Sonatas a mi manera en un Steinway. El debate viene de lejos, aunque las
aportaciones discográficas de Richter y Gould, entre otros muchos, han
demostrado que los teclados modernos tienen también mucho que decir
sobre este repertorio.
¿Qué nos puede adelantar de su Scarlatti Project?
Aún no está acabada la partitura, y puede que lo que le diga ahora no
se corresponda con el resultado final. Pero le estoy dando vueltas a una
obra para piano solo, de una hora de duración aproximadamente, a través
de diferentes técnicas de improvisación. El reto consiste en demostrar
que en la música de Scarlatti la distancia entre tradición y innovación se
estrecha mucho. Y ésa es una de las razones por la que este tipo de materiales resultan ser los más idóneos para la improvisación. Cualquiera que
se acerque por primera vez a las Sonatas de Scarlatti experimentará una
extraña sensación: creerá por un momento que las ha escuchado antes y
encontrará un sonido familiar en ellas.
Instituto Italiano de Cultura de Madrid
Las sonatas de Domenico scarlatti
Director en funciones
Lillo teodoro Guarneri
Coordinadora de Artes Escénicas y Música
BEATRIZ CASTELLARY
Publicación
Textos
Benjamín G. Rosado
Luigi Attademo
Lillo Teodoro Guarneri
Traducciones
Beatriz Castellary
Diseño
Antonio Pita
Impresión
Punto Verde
organiza
Ba jo los auspicios de
patrocina
col abora
Todos los conciertos tendrán lugar en el
Instituto Italiano de Cultura de Madrid,
a las 20h00.
La entrada será libre hasta completar el aforo.
Las entradas se distribuirán desde una hora antes
del concierto. Máximo dos entradas por persona.