1. Art and Diseño

Teatros del Canal
3, 4, 5, 7 y 8 de octubre de 2014
CLASICOS DE HOY (…de Petipa a Forsythe)
Programa:
Allegro Brillante
George Balanchine/ Piotr Ilich Chaikovski (Concierto de piano nº 3, op. 75)
Delibes Suite
José Carlos Martínez/ Leo Delibes
Raymonda Divertimento
José Carlos Martínez/ Alexander Gluzanov
In the middle, somewhat elevated
William Forsythe / Thom Willems
ORQUESTA FILARMÓNICA MEDITERRÁNEA
DIRECTOR DE LA ORQUESTA: FERNANDO ALVAREZ
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Compañía Nacional de Danza
La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de España
Clásico, y tuvo como primer Director a Víctor Ullate.
En febrero de 1983 se hizo cargo de la Dirección de los Ballets Nacionales Español y Clásico María
de Avila, quien puso especial énfasis en abrir las puertas a coreografías como las de George
Balanchine y Anthony Tudor. Además María de Avila encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y
coreógrafo norteamericano residente en España, ofreciéndole posteriormente el cargo de Director
Estable que desempeñó hasta diciembre de 1990 .
En diciembre de 1987 fue nombrada como Directora Artística del Ballet, Maya Plisetskaya,
extraordinaria bailarina rusa.
En junio de 1990 Nacho Duato es nombrado Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza,
cargo que ejerció durante veinte años, hasta julio de 2010. Su incorporación supuso un cambio
innovador en la historia de la formación incluyéndose en el repertorio de la compañía nuevas
coreografías originales, junto con otras de contrastada calidad.
En agosto de 2010 Hervé Palito sucede a Duato como Director Artístico durante un año.
El 17 de diciembre de 2010 el Ministerio de Cultura anuncia el nombramiento de José Carlos
Martínez como nuevo director de la Compañía Nacional de Danza. Martínez toma posesión de su
cargo el 1 de septiembre de 2011.
El proyecto del bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París para la Compañía Nacional de
Danza se basa en el fomento y la difusión del arte de la danza y su extenso repertorio, reservando
un amplio espacio a la nueva creación española, sin olvidar a los grandes coreógrafos de hoy. Se
trata de favorecer el acercamiento de nuevos públicos a la danza e impulsar la proyección nacional
e internacional de la CND, de conferirle una nueva identidad. Se están incluyendo en el repertorio
de la CND piezas de otros estilos como el clásico y el neoclásico, siempre sin descuidar la danza
contemporánea y de vanguardia.
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José Carlos Martínez
Director de la Compañía Nacional de Danza - Bailarín Estrella de la Ópera de París - Premio
Nacional de Danza 1999.
Inicia sus estudios de ballet en Cartagena con Pilar Molina. Entre 1984 y 1987 estudió en el Centre
de Danse International Rosella Hightower. Ganó el Prix de Lausanne e ingresó en la Ópera de
París. En 1988 fue elegido personalmente por Rudolf Nureyev para formar parte del “Cuerpo de
Baile” del Ballet de la Ópera de París. Tras ganar en 1992 la Medalla de Oro en el Concurso
Internacional de Varna, fue nombrado Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París en 1997, la
máxima categoría en la jerarquía del Ballet.
A lo largo de su carrera recibió otros premios importantes como el Prix de l ‘Arop, Prix Carpeaux,
Premio Danza & Danza, Premio Léonide Massine-Positano, Premio Nacional de Danza, Medalla de
Oro de la Ciudad de Cartagena, Premio “Elegance et Talent France/Chine”, Premio de las Artes
Escénicas (Valencia), Premio “Benois de la Danza” por su coreografía “Les Enfants du Paradis” o el
Premio Danza Valencia. Ha sido receptor de la medalla de honor del Festival Internacional de
Granada para la Compañía Nacional de Danza en 2013.
Es Comendador de la Orden de las Artes y las Letras (Francia).? Dentro del repertorio de José
Carlos bailarín destacan los grandes ballets clásicos y neoclásicos. Ha trabajado además con la
mayoría de los grandes coreógrafos del siglo XX, desde Maurice Béjart a Pina Bausch, pasando por
Mats Ek o William Forsythe, algunos de los cuales han creado piezas para él.
José Carlos Martínez ha bailado también en prestigiosas compañías de todo el mundo en calidad
de artista invitado.
Como coreógrafo ha creado: ”Mi Favorita” (2002), “Delibes-Suite” (2003), “Scaramouche” (para los
alumno de la escuela de la Ópera de París), “Parentesis 1'' (2005), “Soli-Ter” y “Mi Favoritita”
(2006), “El Olor de la Ausencia” (2007), “Les Enfants du Paradis” para el Ballet de la Ópera de
París (2008), “Ouverture en Deu mouvements” y “Scarlatti pas de deux” (2009), “Marco Polo, The
Last Mission” para el Ballet de Shanghai (2010) y Resonance para el Boston Ballet (2014).
En 2012 crea Sonatas para la Compañía Nacional de Danza y en 2013 monta para la CND sus
versiones de Raymonda Divertimento y Giselle (paso a dos segundo acto).
José Carlos Martínez es el Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza (España) desde
septiembre de 2011.
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Allegro Brillante
Coreografía: George Balanchine (© The George Balanchine Trust)
Música: Piotr Ilich Chaikovski (Concierto de piano nº 3, op. 75)
Figurines: Nanette Glushak y Miguel Crespi
Pianista: Vessela Pelovska
Adaptación de diseño de iluminación: Nicolás Fischtel
Puesta en escena: Nanette Glushak
Realización de vestuario: Miguel Crespi
Duración: 17 minutos
Estrenada por el New York City Ballet el 1 de marzo de 1956 en el City Center of Music and Drama
de Nueva York
Estrenada por la Compañía Nacional de Danza el 24 de mayo de 2014 en el Teatro Real
Allegro Brillante se caracteriza por lo que Maria Tallchief (la bailarina para la que fue creado el
papel principal) llama “un romanticismo ruso expansivo”. El vigoroso ritmo de la música hace que
los pasos parezcan incluso más difíciles, pero el ballet descansa sobre una técnica fuerte, un timing
preciso y una respiración del gesto. Balanchine dijo: “contiene todo lo que sé acerca del ballet
clásico en trece minutos”.
El concierto de piano nº 3 de Chaikovski (1840-1893) fue originalmente escrito como una sinfonía.
Pero cuando estaba casi completa, el compositor, no del todo satisfecho, convirtió el primer
movimiento en una pieza de concierto para piano y orquesta, para más tarde también alterar el
andante y finale que había compuesto. Chaikovski es uno de los más populares e influyentes
compositores románticos. Su música es expresiva, melódica y grande en escala, con ricas
orquestaciones. Sus creaciones para ballet, compuestas en estrecha relación con Marius Petipa,
incluyen El lago de los cisnes, El cascanueces y La bella durmiente.
* La representación de Allegro Brillante, un Ballet Ballanchine®, se presenta gracias al acuerdo con
La Fundación George Balanchine y ha sido montada de acuerdo a los Servicios de Balanchine
Style® y de Balanchine Technique® establecidos y producidos por la Fundación.
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George Balanchine
A partir de la técnica clásica académica y apoyándose en la frescura de la danza abstracta,
Balanchine tendió el puente que abrió paso al ballet como parte de la explosión creativa del siglo
XX. Nacido en Rusia en 1904 pero afincado en los Estados Unidos, propició una nueva estética del
ballet que buscaba bailarines más rápidos, estilizados y versátiles. Inspirándose en la mujer y los
grandes compositores, Balanchine creó más de 400 ballets que hoy se representan en todo el
mundo. De su paso por el Ballet Mariinsky, los Ballets Russes de Diaghilev o el Ballet de la Ópera
de París capturó la diversidad y riqueza del ballet y en 1948 fundó, junto a Lincoln Kirstein, el New
York City Ballet, compañía para la que siguió coreografiando hasta su muerte en 1983. Además de
Allegro Brillante (1956), la Compañía Nacional de Danza ha tenido en su repertorio Concerto
Barocco (1941), Los cuatro temperamentos (1946), Serenade (1934), Chaikovski Pas de Deux
(1960), Tema y variaciones (1947) y Who Cares? (1970)
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Delibes Suite
Coreografía: José Carlos Martínez
Música: Leo Delibes,
Extractos de “La Source” (escena y “Pas d’Action” del II Acto, Suite No 3) y de “Coppelia” (El
Trabajo y el “Galop final” del II Acto)
Figurines: Agnès Letestu
Diseño de Luces: José Carlos Martínez
Realización de vestuario: Carmen Granell y Taller de la CND
Duración: 13 minutos
Estreno absoluto por Incidence choregraphique el 16 de Marzo de 2003 en L’Orangerie de Roissy
en France.
Estrenado por la Compañía Nacional de Danza el 18 de octubre de 2013 en el Teatro Guerra de
Lorca.
Sobre la música del compositor francés Leo Delibes (varios extractos de “La Source” y “Coppelia”),
José Martínez ha coreografiado un Paso a Dos dentro de la tradición clásica –adagio, variación del
bailarín, variación de la bailarina, coda, en el que se divierte citando el arsenal coreográfico de las
piezas más complejas, aportando, eso sí, una cierta y sutil ligereza que entremezcla con la vitalidad
que le caracteriza.
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Raymonda Divertimento
Coreografía: José Carlos Martínez (inspirado en las versiones de Marius Petipa y Rudolf Nureyev)
Música: Alexander Glazunov
Vestuario: Jordi Roig y Carmen Granell
Estreno absoluto por el Ballet Imperial el 19 de enero de 1898 en Teatro Marinsky de St.
Petersburgo.
Estrenado por la Compañía Nacional de Danza el 18 de octubre de 2013 en el Teatro Guerra de
Lorca.
Duración: 28 minutos
El ballet Raymonda - una de las últimas grandes obras de Marius Petipa- despliega sus tres actos
en una Edad Media convencional, con héroes que parten a las Cruzadas. En la batalla, el caballero
Jean de Brienne deberá salvar a su prometida Raymonda de las garras de los Sarracenos. La última
escena, al fin, les reunirá. Este "paso clásico húngaro" es un extracto del gran divertimento final: el
matrimonio de Raymonda y de Jean de Brienne, celebrado en presencia del Rey de Hungría. Del
mismo modo que la música toma sus tonalidades exóticas de temas magiares, los pasos clásicos se
adornan también de sabores húngaros. Si las piernas bailan en un puro estilo clásico, el busto y los
brazos adoptan una gestualidad de "danza de carácter".
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In the Middle, Somewhat Elevated
Coreografía: William Forsythe
Música: Thom Willems
Escenografía, figurines y diseño de luces: William Forsythe
Puesta en escena: Agnès Noltenius
Realización de vestuario: Klaus Schreck
Duración: 28 minutos
Estrenado por el Ballet de la Ópera de París en el Théâtre National de l’Opéra de París, el 29 de
mayo de 1987
Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 11 de
diciembre de 1992
La fuerza de este trabajo consiste en su sencillez; In the Middle, carente de efectos externos, se
concentra en la forma tradicional de tema y variaciones: el tema inicial, bailado por la bailarina, va
en aumento progresivo en relación al número de bailarines, hasta que el resultado del conjunto se
transforma en variaciones y pas de deux de creciente complejidad. El aparente desdén de los
bailarines contrasta con las rigurosas demandas técnicas que se les exigen El título del ballet hace
referencia a dos cerezas doradas que penden del centro del escenario y que sirven como una
minúscula reflexión sobre el vasto interior de la Ópera de París, espacio donde fue creado el ballet.
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William Forsythe
Educado en Nueva York, Forsythe llegó a la escena de danza europea a sus 20 años como bailarín y
Coreógrafo Residente del Stuttgart Ballet. Al mismo tiempo también creó nuevos trabajos para compañías
de ballet en Munich, La Haya, Londres, Basilea, Berlin, Frankfurt, París, Nueva York y San Francisco. En 1984,
comenzó un período de 20 años en el que sería Director del Frankfurt Ballet donde creó algunos de los más
celebrados trabajos teatrales de nuestros días, tales como The Loss of Small Detail (1991) en colaboración
con el compositor Thom Willems y el diseñador Issey Miyake. Otros trabajos clave para el Frankfurt Ballet
incluyen Gänge (1982), Artifact (1984), Impressing the Czar (1988), Limb’s Theorem (1990), A L I E / N
A(C)TION (1992), Eidos:Telos (1995), Endless House (1999), Kammer/Kammer (2000) and Decreation (2003).
Después de la desparición del Frankfurt Ballet en 2004, Forsythe estableció una nueva compañía, más
independiente – La Forsythe Company. La compañía fue fundada con el subsidio de los estados de Saxony y
Hesse, las ciudades de Dresden y Frankfurt am Main, y sponsors privados. Las creaciones más recientes de
Forsythe son desarrolladas y representadas exclusivamente por su nueva compañía, Three Atmospheric
Studies (2005), You made me a monster (2005), Human Writes (2005), Heterotopia (2006), The Defenders
(2007), Yes wee can’t (2008) and I Don’t Believe in Outer Space (2008), mientras que su trabajo anterior
sigue siendo representado por las mejores compañías de danza del mundo incluyendo el Kirov, el New York
City Ballet, el San Francisco Ballet, el National Ballet of Canada, el Royal Ballet Covent Garden. el Ballet de la
Ópera de París y la Compañía Nacional de Danza entre muchas otras. La Compañía Forsythe, con base en
Dresden y Frankfurt am Main, disfruta de una residencia anual en el Schiffbauhalle del Schauspielhaus
Zürich y también mantiene una apretada agenda de giras internacionales.
El trabajo coreográfico de Forsythe y las representaciones de su compañía han conquistado la aclamación
del público y los más prestigiosos galardones tales como el Bessie (1988, 1998, 2004 y 2007), el Laurence
Olivier (1992, 1999 y 2009), Commandeur des Arts et Lettres (1999), el German Distinguished Service Cross
(1997), el Premio Wexner (2002) y el Golden Lion (2010). Ha sido elegido Coreógrafo del Año en varias
ocasiones por la crítica internacional.
El pensamiento coreográfico de Forsythe ha contribuido a las corrientes artísticas internacionales más
significativas de nuestros días: desde artes escénicas, artes visuales a arquitectura y multimedia
interactiva. Ha creado instalaciones de arquitectura/representación escénica encargadas por Daniel
Libeskind en Alemania, Artangel en Londres, Creative Time en Nueva York, y la Ciudad de París. Su corto,
«Solo», fue presentado en 1997 en la Bienal de Whitney. En 2006, una exhibición de su trabajo teatral, de cine
e instalaciones fue presentado en la Pinacoteca de arte Moderno de Munich. En 1994, Forsythe reinventó
virtualmente la enseñanza de la danza con su aplicación informática pionera y ganadora de varios premios
«Tecnologías de Improvisación: Una Herramienta para el Ojo de Danza Analítico» que es utilizada por
compañías profesionales, conservatorios de danza, universidades, programas de posgrado en arquitectura y
escuelas secundarias. Como educador, Forsythe es invitado con regularidad a dar charlas y talleres en las
universidades más importantes e instituciones culturales a nivel internacional. Fue Mentor de Danza en el
ciclo inaugural del Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative y actualmente codirige y enseña en el programa
Dance Apprentice Network aCross Europe (D.A.N.C.E.). Es miembro honorario del Laban Centre for
Movement and Dance en Londres y doctor honorario de la Juilliard School en Nueva York.
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THOM WILLEMS
Thom Willems nació en Holanda en 1955. Estudió composición electrónica e instrumental en el
Koninklijke Consevatorium de La Haya.
Hasta la fecha, su trabajo de compositor ha estado dirigido principalmente a la música electrónica
para la escena. Es colaborador habitual de William Forsythe, habiendo creado juntos más de 25
ballets.
Tom Willems ha compuesto música para otros coreógrafos, entre otros Daniel Ezralow, Daniel
Larrieu, Marcia Haydee y Kristina de Chatel. También ha creado música para cine y televisión.
Sus trabajos pueden encontrarse en el repertorio del Ballett Frankfurt, San Francisco Ballet, Ballet
de L’Opéra de Paris, New York City Ballet, Hubbard Street Dance Company, National Ballet of
Canada y muchas otras compañías.
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Mathilde Froustey
-bailarina invitadaMathilde Froustey nació en Niza, Francia y recibió su formación en la Escuela Nacional de Ballet de
Marsella y en la Escuela de Ballet de la Ópera de París. A la edad de diecisiete años, se une al Ballet
de la Ópera de París como solista. En 2013 entra a formar parte del Ballet de San Francisco como
bailarina principal.
En el Ballet de San Francisco, Froustey ha bailado papeles principales en Giselle de
Tomasson Giselle (Giselle), Cascanueces (Grand Pas de Deux Ballerina and Sugar Plum
Fairy), Caprice, The Fifth Season, y Trio; Brahms-Schoenberg Quartet de Balanchine; Grand Pas
Classique de Gsovsky; Suite en Blanco de Lifar; Kingdom of the Shades, Acto II de La Bayadère de
Makarova (después de Petipa); y From Foreign Lands y Shostakovich Trilogy (Sinfonía nº
9 y Sinfonía de Cámara) de Ratmansky.
Además, ha bailado papeles principales en Onegin de Cranko, La Dama de las Camelias de
Neumeier, La Bayadère de Nureyev, Don Quixote (Kitri), Cascanueces, Raymonda, y Lago de los
Cisnes; La Fille mal gardée de Ashton, Serenade, Lacotte’s Paquita y La Sylphide de Balanchine;
L’Anatomie de la Sensation and Genus de McGregor; y obras de Serge Lifar y Roland Petit, entre
otros.
Ha sido galardonada con el premio de danza de la Paris Ballet Donation Foundation y con la
medalla de oro del concurso internacional de Varna, ambos en 2004; recibió el premio de danza de
Ballet2000 en 2007 y el galardón Danza & Danza al mejor bailarín extranjero en 2013.
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Orquesta Filarmónica Mediterránea
La orquesta filarmónica mediterránea se crea en el año 2000 con el propósito de difundir la
música de la familia Strauss.
Desde entonces el repertorio abarca distintos géneros de la música de concierto al que hemos
incorporado piezas de ópera y canción napolitana para solistas, así como oberturas y preludios.
La orquesta está compuesta por músicos europeos, muchos de ellos profesores estables de
conservatorios profesionales y escuelas de música de Madrid.
Nuestro objetivo fundamental es dar a conocer la música de concierto en todas sus modalidades,
sobre todo, para atraer al público joven a nuestras salas de concierto y la promoción de jóvenes
talentos del canto.
La Orquesta Filarmónica Mediterránea desde su fundación ha realizado diferentes giras de
conciertos por España y Portugal, así como temporadas de ópera en el Teatro de Madrid, giras por
importantes teatros de España y Portugal con notable éxito, acompañando a estudio lírico en
títulos como La Traviata, Rigoletto, Madame Buterfly, Carmen, El Barbero de Sevilla, entre otros.
De igual forma ha acompañado al Kiev Ballet Modern en Carmen y a compañías de los países del
este en títulos como Cascanueces y El Lago de los Cisnes.
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Fernando Álvarez
Maestro Concertador y Director de Orquesta
Nació en Buenos Aires y se graduó en el Conservatorio Nacional de Música “Carlos López
Buchardo”. Fueron sus maestros: Ronaldo Rosa (alumno de Antonio Votto, en Milán) en
dirección orquestal y concertación de ópera, perfeccionándose en Alemania con sergio
Celibidache a través de la Fundación Teatro Colón de Buenos Aires, debutando en 1989
con “Il Signor Bruschino” de G. Rossini. A partir de allí y hasta la actualidad, ha dirigido
numerosas óperas, zarzuelas, conciertos de música sinfónica, sacra, de cámara, galas
líricas y ballet.
Ha dirigido más de una treintena de óperas como: “Madame Butterfly”, “La Traviata” ,
“IlTrovatore”, “Nabucco” y “Rigoletto” de G. Verdi, “Edgar”, “Il Tabarro”, “Tosca”, “La
Bohème” de G. Puccini, “La Flauta Mágica” y “Don Giovanni” de W. A. Mozart, “Cavalleria
Rusticana” de P. Mascagni, y “Carmen” de G. Bizet; entre otras.
Para Ballet ha dirigido dos producciones de "Giselle", música de A. Adam, "Cascanueces" y
"El lago de los cisnes" de Tchaikowsky, esta última televisada en directo para todo
Argentina. También acompañó programas de Ballet Español y programas mixtos de ballet
con obras de Chopin, "Rapsodia sobre un tema de Paganini" de Rachmaninov, Adagietto
de la 5ª Sinfonía de Malher, "El sombrero de tres picos" de Falla, "Romeo y Julieta" de
Prokofiev y "La consagración de la primavera " de Stravinsky.
Entre sus numerosos premios destacan el Premio ACE 1996 en el Rubro Música Clásica y la
Cámara Argentina de la Música le concedió el premio a la Mejor Producción Discográfica
Independiente, y el concierto en Doha, Qatar (Emiratos Árabes) la “Antología de la
Zarzuela” oficial de España con la Orquesta Filarmónica de Qatar junto a Plácido Domingo,
que le otorgó el premio como Mejor Director de Orquesta 2001, otorgado por la Asociación
de Críticos Musicales de la República Argentina.
Ha dirigido las Orquestas: Estable del Teatro Colón, Sinfónica de Avellaneda, Orquesta de
Cámara “Domina Rerum”, Estable del Teatro Argentino de la Plata, Sinfónica de Córdoba,
Sinfónica Nacional, Filarmónica de Buenos Aires (Argentina), Sinfónica Nacional de Cuba,
Sinfónica de Liepaja (Letonia), Filarmónica de San Petersburgo, Orquesta de Cámara del
Mozarteum de San Petersburgo(Rusia) , de la Opera de Rusé (Bulgaria), Sinfónica de
Aalborg (Dinamarca), Sinfónica Siciliana, Filarmónica de Palermo, Sinfónica de Salerno,
Filarmónica Italiana, Sinfónica de Matera, Orquesta “Giuseppe Tartini” (Italia), Filarmónica
de Qatar (Emiratos Árabes) Sinfónica de la Universidad de Murcia y Sinfónica del Vallés
entre otras.
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Teatros del Canal
11, 12, 14, 15 y 16 de octubre de 2014
¿Quieres bailar con nosotros ?
Programa:
Herman Schmerman
William Forsythe/ Thom Whillems
Casi-Casa
Mats Ek/ Fleshquartet
Minus 16
Ohad Naharin/ Collage (*)
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(Forsythe, Ek, Naharin)
Herman Schmerman
Coreografía: William Forshyte
Música: Thom Willems
Figurines: William Forshyte y Gianni Versace
Escenografía y diseño de luces: William Forshyte
Duración: 26 minutos
Estrenado por el New York City Ballet, Diamond Project, New York State Theater el 28 de mayo de
1992,
Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela, Madrid, el 8 de
noviembre de 1996
La primera parte de Herman Schmerman fue creada para el New York City Ballet en 1992. Más
tarde -ese mismo año- se le añadió un paso a dos creado para el Ballet de Frankfurt -agrupación
que el propio Forsythe dirigió durante veinte años-. Fue estrenado por el New York City Ballet,
Diamond Project, New York State Theater el 28 de mayo de 1992, y por la CND el 8 de noviembre
de 1996 en el Teatro de la Zarzuela.
Es el tercer trabajo que el Sr. Forsythe cedió a la Compañía Nacional de Danza y el segundo también lo fue In the Middle, Somewhat Elevated- con música del compositor Thom Willems.
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William Forsythe
Educado en Nueva York, Forsythe llegó a la escena de danza europea a sus 20 años como bailarín y
Coreógrafo Residente del Stuttgart Ballet. Al mismo tiempo también creó nuevos trabajos para compañías
de ballet en Munich, La Haya, Londres, Basilea, Berlin, Frankfurt, París, Nueva York y San Francisco. En 1984,
comenzó un período de 20 años en el que sería Director del Frankfurt Ballet donde creó algunos de los más
celebrados trabajos teatrales de nuestros días, tales como The Loss of Small Detail (1991) en colaboración
con el compositor Thom Willems y el diseñador Issey Miyake. Otros trabajos clave para el Frankfurt Ballet
incluyen Gänge (1982), Artifact (1984), Impressing the Czar (1988), Limb’s Theorem (1990), A L I E / N
A(C)TION (1992), Eidos:Telos (1995), Endless House (1999), Kammer/Kammer (2000) and Decreation (2003).
Después de la desparición del Frankfurt Ballet en 2004, Forsythe estableció una nueva compañía, más
independiente – La Forsythe Company. La compañía fue fundada con el subsidio de los estados de Saxony y
Hesse, las ciudades de Dresden y Frankfurt am Main, y sponsors privados. Las creaciones más recientes de
Forsythe son desarrolladas y representadas exclusivamente por su nueva compañía, Three Atmospheric
Studies (2005), You made me a monster (2005), Human Writes (2005), Heterotopia (2006), The Defenders
(2007), Yes wee can’t (2008) and I Don’t Believe in Outer Space (2008), mientras que su trabajo anterior
sigue siendo representado por las mejores compañías de danza del mundo incluyendo el Kirov, el New York
City Ballet, el San Francisco Ballet, el National Ballet of Canada, el Royal Ballet Covent Garden. el Ballet de la
Ópera de París y la Compañía Nacional de Danza entre muchas otras. La Compañía Forsythe, con base en
Dresden y Frankfurt am Main, disfruta de una residencia anual en el Schiffbauhalle del Schauspielhaus
Zürich y también mantiene una apretada agenda de giras internacionales.
El trabajo coreográfico de Forsythe y las representaciones de su compañía han conquistado la aclamación
del público y los más prestigiosos galardones tales como el Bessie (1988, 1998, 2004 y 2007), el Laurence
Olivier (1992, 1999 y 2009), Commandeur des Arts et Lettres (1999), el German Distinguished Service Cross
(1997), el Premio Wexner (2002) y el Golden Lion (2010). Ha sido elegido Coreógrafo del Año en varias
ocasiones por la crítica internacional.
El pensamiento coreográfico de Forsythe ha contribuido a las corrientes artísticas internacionales más
significativas de nuestros días: desde artes escénicas, artes visuales a arquitectura y multimedia
interactiva. Ha creado instalaciones de arquitectura/representación escénica encargadas por Daniel
Libeskind en Alemania, Artangel en Londres, Creative Time en Nueva York, y la Ciudad de París. Su corto,
«Solo», fue presentado en 1997 en la Bienal de Whitney. En 2006, una exhibición de su trabajo teatral, de cine
e instalaciones fue presentado en la Pinacoteca de arte Moderno de Munich. En 1994, Forsythe reinventó
virtualmente la enseñanza de la danza con su aplicación informática pionera y ganadora de varios premios
«Tecnologías de Improvisación: Una Herramienta para el Ojo de Danza Analítico» que es utilizada por
compañías profesionales, conservatorios de danza, universidades, programas de posgrado en arquitectura y
escuelas secundarias. Como educador, Forsythe es invitado con regularidad a dar charlas y talleres en las
universidades más importantes e instituciones culturales a nivel internacional. Fue Mentor de Danza en el
ciclo inaugural del Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative y actualmente codirige y enseña en el programa
Dance Apprentice Network aCross Europe (D.A.N.C.E.). Es miembro honorario del Laban Centre for
Movement and Dance en Londres y doctor honorario de la Juilliard School en Nueva York.
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Thom Willems
Thom Willems nació en Holanda en 1955. Estudió composición electrónica e instrumental en el
Koninklijke Consevatorium de La Haya.
Hasta la fecha, su trabajo de compositor ha estado dirigido principalmente a la música electrónica
para la escena. Es colaborador habitual de William Forsythe, habiendo creado juntos más de 25
ballets.
Tom Willems ha compuesto música para otros coreógrafos, entre otros Daniel Ezralow, Daniel
Larrieu, Marcia Haydee y Kristina de Chatel. También ha creado música para cine y televisión.
Sus trabajos pueden encontrarse en el repertorio del Ballett Frankfurt, San Francisco Ballet, Ballet
de L’Opéra de Paris, New York City Ballet, Hubbard Street Dance Company, National Ballet of
Canada y muchas otras compañías.
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Casi-Casa
Coreografía: Mats Ek
Música: Fleshquartet
Asistentes al Coreógrafo en la Puesta en Escena: Mariko Aoyama y Ana Laguna
Figurines y Escenografía: Peder Freiij
Diseño de Luces: Erik Berglund
Realización de vestuario: Carmelina de Noia y Taller de la CND
Duración: 44 minutos
Estreno original por la compañía Danza Contemporánea de Cuba el 4 de diciembre de 2009, en la
Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana, Cuba. Casi-Casa es un encargo original de
DanceEast Sadler's Wells y el Instituto Sueco.
Estreno por la Compañía Nacional de Danza el 16 de mayo de 2014 en el Teatro Central de Sevilla
“Veo muchas películas y obras de teatro. También veo muchas obras de arte. Pero lo que es más
importante para mí es leer el periódico, observar a mis niños, observar a los animales moverse en
el parque, observar el tráfico – cosas que no están hechas para ser miradas. La puesta en escena
social, como tal, es muy rica.”
Mats Ek
Mats Ek
Mats Ek nació en Malmo, Suecia, en 1945. Es hijo de la aclamada coreógrafa Birgit Cullberg y del
actor de la Royal Dramatic Theatre Anders Ek. Estudió teatro en el Marieborg College, Produjo
obras de teatro y trabajó con el legendario director Ingmar Bergman en los años 60. En 1973 se
unió al Cullberg Ballet, donde coreografió varios trabajos, incluyendo San Jorge y el Dragón (1976)
y Antígona (1979). En 1982, reimaginó de forma radical el ballet romántico Giselle, alterando
drásticamente tanto el texto como la forma teatral. La obra fue señalada por los críticos como el
comienzo de una nueva época en danza. Ek continuó remontando otras producciones canónicas
tales como el Lago de los Cisnes (en 1987) y Carmen (en 1992). También ha creado trabajos
totalmente originales, muchos de los cuales emplean narrativas paralelas y sorprenden con
momentos inesperados de humor. En 1993, Ek dimitió como director artístico del Cullberg Ballet
pero continúa creando ballets y su repertorio forma parte de las más prestigiosas compañías de
danza de todo el mundo. Entre otras, Ek ha creado trabajos para el Ballet de Hamburgo, el
Nederlands Dans Theater, el Ballet de la Ópera de París, Les Grands Ballets Canadiens y la
Compañía Nacional de Danza. También ha creado trabajos coreográficos para televisión.
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Minus 16
Coreografía: Ohad Naharin
Música: Collage (*)
Figurines: Ohad Naharin
Diseño de luces: Avi Yona Bueno (Bambi)
Puesta en escena: Shani Garfinkel y Shahar Biniamini
Duración: 40 minutos
Estreno mundial por la Batsheva Dance Company, en el Lucent Dance Theater de La Haya, 1999.
Estrenado por la Compañía Nacional de Danza 16 de Noviembre de 2013, en el Teatro de la
Zarzuela, Madrid.
Contando con una ecléctica partitura que va desde Dean Martin al mambo, del tecno a la música
tradicional israelí, Minus 16 de Ohad Naharin utiliza la improvisación y el aclamado método “Gaga”
de Naharin, un lenguaje único de movimiento que rompe con los viejos hábitos, empujando a los
bailarines a desafiarse a sí mismos de maneras nuevas y diferentes. La obra es única debido a la
ruptura con la barrera entre los intérpretes y los espectadores. Minus 16 no sólo se deleita en su
propia excentricidad sino que también celebra el gozo de bailar. La pieza tiene elementos de
impredecibilidad y diversión que hace de cada actuación de Minus 16 una experiencia
deliciosamente diferente.
* Música
"It Must Be True” interpretado por The John Buzon Trio. Escrito por Gus Arnheim, Harry Barris y Gordon Clifford.
Utilizado con el permiso de EMI Mills Music Inc.
“Hava Nagila” ©1963, ren. 1991 Surf Beat Music. Todos los derechos reservados. Escrito y arreglado por Dick Dale bajo
licencia de Surf Beat Music (ASCAP).
“Echad Mi Yode’a” Letra y música tradicional. Arreglado por The Tractor’s Revenge (Green, Belleli, Leibovitch).
Publicado por The Tractor’s Revenge (Green, Belleli, Leibovitch).
“Nisi Dominus, R.608 – IV. “Cum dederit” (Andante)” de Vivaldi interpretado por James Bowman, The Academy of
Ancient Music y Christopher Hogwood.
“Over The Rainbow” de E.Y. ‘YIP’ Harburg y Harold Arlen Utilizado con el permiso de EMI Feist Catalog Inc. One
Hundred Percent (100%) ASCAP.
“Hooray For Hollywood” (Richard Whiting y Johnny Mercer) ©1937 (Renovado) WB Music Corp. (ASCAP) Todos los
derechos reservados. Utilizado con permiso. Escrito por John Mercer y Richard Whiting. Utilizado con el permiso de
Warner/Chappell Music.
“Sway” por Pablo Beltran Ruiz, Luis Demetrio, Traconis Molina y Norman Gimbel; Words West LLC d/b/a Butterfield
Music (BMI). Todos los derechos reservados.
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Ohad Naharin
Ohad Naharin es considerado uno de los coreógrafos contemporáneos de mayor relevancia en
nuestros días. Como director artístico de la Batsheva Dance Company desde 1990, ha dirigido la
compañía con una visión artística arriesgada reforzando su repertorio con sus cautivadoras
creaciones. Naharin también es el creador de un innovador lenguaje del movimiento, Gaga, que ha
enriquecido su inventiva del movimiento de manera extraordinaria, y que surgió como una fuerza
emergente en el campo más amplio de las prácticas de movimiento tanto para bailarines como
para no bailarines. Nacido en 1952 en Kibbutz Mizra, Ohad Naharin comenzó su formación en
danza en la Batsheva Dance Company en 1974. Durante su primer año en la compañía, Martha
Graham, como coreógrafa invitada, señaló a Naharin pro su taletno y le invitó a unirse a su propia
compañía en Nueva York. Durante su estancia en Nueva York, Naharin estudió en la School of
American Ballet, completando más tarde su formación en La Juilliard School. Prosiguió actuando
internacionalmente con la Israel’s Bat-Dor Dance Company y el Ballet del Siglo XX de Maurice
Béjart en Bruselas. En 1980 Naharin regresa a Nueva York, debutando en el estudio Kazuko
Hirabayshi. Ese mismo año forma la Ohad Naharin Dance Company con su mujer, Mari Kajiwara,
fallecida en 2001. Desde 1980 hasta 1990, la compañía de Naharin actuó con gran éxito Naharin
comenzó a recibir encargos de otras compañías de prestigio internacional incluyendo Batsheva,
Kibbutz Contemporary Dance Company, y Nederlands Dans Theater.En 1990 Naharin fue
nombrado Director Artístico de la Batsheva Dance Company, cargo que ostenta hasta hoy día,
excepto por la temporada 2003-2004 en que fue Coreógrafo de la Casa. Naharin ha coreografiado
durante este periodo más de 20 obras para la Bastsheva y su compañía junior, Batsheva Ensemble.
Ha remontado otros 10 trabajos suyos para la compañía y ha creado la pieza Deca Dance, que
combina extractos de sus obras en un trabajo en evolución constante.
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Teatros del Canal
18 y 19 de octubre de 2014
Galas del 35 aniversario de la CND
Homenaje a Tony Fabre y María de Ávila
Compañía Nacional de Danza, Imposible Danza, Ballet Nacional
de España, Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid y
Artistas Invitados
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