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S U P L E M E N T O C U LT U R A L D E D I A R I D E TA R R A G O N A
Instalación de Carlos Amorales en el CCCB. Detalle de la foto. @LAFOTOGRÀFICA
Marzo 2015
2 encuentros
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
INTERSECCIONES: Entre arte y educación
¿Son Arte y Educación esferas independientes? ¿Cuáles son sus puntos en común? ¿Cuáles sus diferencias? ¿Qué es lo que se está haciendo? ¿Qué es lo que falta por
hacer? Esta sección pretende visibilizar las intersecciones entre arte y educación a través de centros, proyectos, personas... que las trabajan.
■
MAMT Pedagògic. Proyecto educativo del ‘Museu
d’Art Modern de la Diputació de Tarragona’
El “MAMT Pedagògic”
realiza un trabajo al servicio del territorio: sus artistas, sus escuelas, su gente. Al cargo, Marisa Suárez,
responsable del proyecto de difusión y Núria Serra, historiadora del arte.
Marisa y Núria son educadoras de museos. La proximidad es una de las
esencias de su trabajo
ESTHER CANALS PIÑOL
Nacimiento, contexto y función del “MAMT Pedagògic”
En 1991, a partir de una importante reforma del MAMT y su museografía, nos encontramos con
la necesidad de abrir la colección
a las personas. El MAMT es un
museo pequeño, 10 personas en
plantilla. El departamento pedagógico se encarga de la difusión,
las actividades y la educación. Somos educadoras de museo, un trabajo esencial, ¿qué sentido tiene
un museo sin público? A diferencia de otros centros que contratan empresas externas, aquí lo
hacemos todo nosotras: desde
pensar las ideas a llevarlas a cabo. La parte positiva es que estamos en todo el proceso, podemos
ver lo que falla y cambiarlo con
mucha más facilidad. La parte negativa es que el servicio pedagógico se limita a nuestro horario,
de lunes a viernes de 7.30 a 15h.
¿Qué es una educadora de museo?
Alguien que facilita y gestiona la
lectura de los inputs visuales y
sensitivos que recibimos a diario. No se trata de imponer un
discurso. Debemos saber escuchar, estar atentas, establecer
vínculos. Nuestro trabajo implica transversalidad, energía y mucho ojo (instinto). Es esencial tener en cuenta la persona que está delante tuyo (no es lo mismo
un escolar de P4, un estudiante
de arte o un grupo con riesgo de
exclusión social). En función de
esto trabajas una obra u otra. La
lluvia de datos y fechas no es lo
importante, sino contar una historia que conecte al grupo con lo
que está trabajando (una pieza, una
técnica, un lugar, un contexto,
una idea...). Somos puentes. Nuestro objetivo: convertir el MAMT
en un espacio poroso, abierto e
interactivo. Nuestra filosofía: es-
Colegio Mare Nostrum. Cuerpo humano en movimiento. FOTO:ARCHIVO DEL MUSEU D’ART MODERN DE LA DIPUTACIÓ DE TARRAGONA.
tar al servicio de las personas que
vienen al museo, hacer que se
sientan a gusto, casi como en casa. Atraer a los públicos para que
quieran volver.
Atraer, especialmente, a las escuelas.
Trabajamos con muchos públicos:
mayores de 65, familias, personas
con NEE (Necesidades Educativas Especiales), inmigrantes, universitarios... Pero el grueso de
nuestra actividad se centra en las
escuelas. Al inicio el reto era: ¿cómo vincular la colección con su
programa curricular? Fuimos de
puerta en puerta, presentándoles
el proyecto y buscando complicidades. Hoy, 24 años después, las
escuelas repiten; ¡hay alumnos
universitarios que llevan viniendo al museo desde P3! El museo es
una herramienta muy útil para trabajar todas las materias (no solo visual y plástica) de forma transversal.
Somos un referente, ya que el
MAMT es el único museo de la demarcación que tiene una programación física y estable de arte mo-
derno y contemporáneo, con un
programa pedagógico. Al ser un
museo de la Diputación trabajamos con el territorio que abarca:
comarcas de Tarragona y “Terres
de l’Ebre”; por lo tanto, recibimos
escuelas de Tarragona y sus barrios, pero también de Altafulla,
Torredembarra, Reus, Llorenç del
Penedès, Tortosa...
¿Qué sentido tiene
un museo sin
público?
¿Cómo trabajáis con estas escuelas?
Cada año nos reunimos con los
docentes, valoramos el curso y
preparamos el siguiente. Para nosotras es muy importante que los
docentes se impliquen para que
la visita no sea un hecho puntual,
sino un proceso. Por ejemplo,
“Ets un artista i exposes al MAMT”
es un proyecto colaborativo con
los alumnos de Educación Infantil y Primaria. Pactamos un tema
que se trabaja durante el curso, en
el aula y en la visita-taller. De este trabajo sale una creación por
grupo. Un jurado escoge 12 y se
edita un calendario. Además se
realiza una exposición con todas
las obras presentadas. La inauguración es una fiesta a la que
asisten padres e hijos. De esta
manera todos los participantes
conocen de primera mano el proceso de una exposición y, lo más
importante, se implican con el
museo.
Establecer vínculos permite
conocer de primera mano sus
realidades.
Exacto, sabemos que muchos maestros no son especialistas en arte
contemporáneo; provienen de
campos generalistas y necesitan
estrategias para entender los códigos de la cultura visual y trasladarlos al aula. Desde el museo queremos dar respuesta a esto: estamos preparando unos cursos de
formación (para maestros de infantil y primaria).
Las jornadas pedagógicas, que
cuentan con la colaboración de la
URV, también responden a la necesidad de llenar un vacío existente: ofrecer un lugar de encuentro, reflexión, contraste... en torno a los vínculos entre arte y
educación. Este año, en su XII edición, se celebran el 29 de abril y
llevan como título “Arte, educación
y comunidad. Proyectos artísticos e intervención en contextos
sociales”.
¿De qué manera el arte puede
ser útil en la educación?
Por su riqueza expresiva y los interrogantes que plantea, contribuye a la formación de individuos receptivos, dialogantes,
imaginativos, reflexivos y empáticos. La creatividad nos hace
vivir mejor, nos hace ser más
abiertos, más respetuosos. Siempre se habla de la normalización
de la lengua, pues nosotras trabajamos en la normalización del
arte.
Web
www.dipta.cat/mamtpedagogic/
encuentros 3
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
MACBA: Manual (imposible)
de cómo hacer un ‘fake’
JORGE LUIS MARZO
Hay momentos en que la realidad
nos traiciona para convertirse en
ficción. Esto es lo que pensé la noche del viernes 20... ¿Y si toda la
secuencia de hechos relativos a la
censura de una obra en el MACBA
no fuera más que un ‘fake’? Veamos, me dije… todo es tan chapucero, la gestión del asunto es tan vergonzosa que no puede ser más que
una ficción que pretende espejar
el mensaje principal de la exposición: cómo el poder administra la
memoria y los mecanismos que la
hacen posible. Mis sospechas saltaron cuando vi al director del museo en el programa de televisión
de Josep Cuní. Apareció tranquilo, mientras respondía las preguntas al tiempo que los conductores
del programa charlaban irónicos
sobre complejos conceptos estéticos como “mímesis” o “realismo”. Más: la obra censurada tenía
que ver con el exrey de España que
es enculado por una activista boliviana que, a su vez, lo era por un
animal. Y esto en el marco de una
muestra que se titula ‘La bestia y
el soberano’. ¿Qué otra pieza podría haber sido más indicada para promover la exposición? Más: el
personaje polémico de la obra en
cuestión apenas se parece a Juan
Carlos, lo que deja lugar a un estupendo hueco semántico. Más:
Desde el MACBA se dijo que la exposición se cancelaba y desmontaba y, cuando el director se desdijo de su decisión censora, supimos que la exposición no se había
Detalle de la obra ‘Not dressed for conquering’, de Ines Doujak.
movido de las salas. Más: el sábado, la exposición se abría… ¡con la
presencia del director! Y sobre todo, ¿a quién le cabe en la cabeza
que el director del MACBA haya
tomado una decisión así, cuando
el hombre es un mandamás del
mundo del arte, cuando ha dado
pie a nuevas líneas críticas en el
museo, cuando se manifiesta públicamente contra los intentos de
censura producidos en otros museos nacionales, cuando, al tomar
esa decisión y de manera tan autoritaria, pone en jaque todo su
prestigio?
FOTO: X. BASSAS
Me puse a imaginar que artistas,
comisarios, museo, periodistas
destacados de las secciones de cultura habían pergeñado el mayor
‘fake’ del que yo tuviera conocimiento. Era imposible hacerlo tan
mal. Todo era una especie de manual transparente sobre cómo realizar una campaña viral para atraer
la atención sobre los conceptos de
la muestra. Claro que había cosas
que difícilmente podían encajar
en la ficción. No obstante, imaginé que el sábado o el domingo nos
levantaríamos con la imagen de
todos los actores reunidos y ex-
plicando divertidos que un simulacro como aquel había conseguido proyectar exactamente el núcleo conceptual, como hiciera Jordi Évole, por ejemplo, con su
programa ficticio del 23-F en ‘Salvados’. Una obra maestra, me dije, aunque cuántas contradicciones fenomenales conllevaría.
En pocas horas, para mi desencanto, todas aquellas quimeras se
quedaron en agua de borrajas. Todo era real, pero se había llevado
a cabo con tanto realismo y mímesis a su posible modelo (esto es, al
modo más impecablemente cutre
de hacer las cosas) que la realidad
se había convertido en irreal, en
ficción. Ya no era cosa mía que fuera un ‘fake’, sino que lo que había
pasado era “como un fake”. ¿Qué
es, entonces, lo visible y qué lo invisibilizado? Porque ahí está el
meollo de la cuestión. La dirección, en su ridículo acto de censura, de invisibilización, transparenta su condición de “administrador de la memoria” que la muestra
pretende precisamente explorar.
Este escándalo hace visible que el
museo no es simplemente espejo
de la guerra de las imágenes (la
guerra de la verdad), sino uno de
sus principales actores. Es aquí
donde se revela que, en el fondo,
esto no tiene solo que ver con una
pieza en concreto, ni con un rey,
sino con la exploración de lo que
precisamente no parece nunca escandaloso y queda siempre en bambalinas. El MACBA se nos presenta como un espacio incongruente para explorar lo invisible que,
en el caso que nos ocupa, no es más
que la invisibilizada relación del
museo con las “fuerzas vivas” que
lo mantienen, ya sean políticas o
económicas, y que realmente han
hecho posible este culebrón. No
solo posible, sino que, con la decisión finalmente tomada por las
autoridades de confirmar la rescisión del contrato –propuesta por
la dirección saliente del museoque vinculaba a los comisarios de
la exposición al MACBA, se subraya meridianamente la aceptación institucional de los argumentos censores que se dieron para
impedir la muestra. Un hecho que
nos indica el nivel de excelencia
democrática de nuestras instituciones. El escándalo, continuamente oculto, reside aquí: lo que
no es ninguna ficción, pero que, al
mismo tiempo, crea la mayor de
las ficciones.
A LG O S E ‘ C U EC E ’ E N TA R RAG O N A
«La poesía como arma»
Andrea Eidenhammer.
‘Sílbese quien pueda’
‘Estació Expandida’. La poesía como arma
No estamos a salvo. La publicidad
ha declarado la guerra a nuestra
autonomía y a nuestro libre pensamiento de primer mundo.
Bombas de significado que caen
por todos lados, sin interrupción.
Ataques que forman parte de
nuestra cotidianidad. Al despertar y acceder a los medios (radio,
tele, periódico). Al salir a la calle
para ir al cole, a trabajar, a comprar... Ahí están, al pie del cañón.
En el ordenador, en el cine, en el
buzón, en la playa. Incluso en casa, aparente territorio neutral,
llaman a la puerta o al teléfono.
No hay escapatoria.
Mensajes en texto y en imagen. Los consumimos de manera automática. Inconsciente.
Bombas silenciosas pero efectivas. Armas de manipulación masiva.
Y atención, porque se acercan
elecciones municipales.
¿Dónde se sitúa la publicidad exterior en una ciudad? Vallas, banderines y carteles forman el grueso del ejército. Pero a estos obedientes soldados
les podemos encontrar algún
punto débil: son demasiado pequeños (apenas crean impacto) y estáticos (con una zona
de ataque limitada). ¿Cuál es la
súper arma que solventa esos
dos pequeños detalles? Los autobuses. Esos enormes elefantes con los que Aníbal llegó a las
puertas de Roma. Naves espaciales con ruedas que recorren cada día la ciudad: arriba y abajo,
abajo y arriba, derecha izquierda, izquierda derecha, aquí y
allá, allá y aquí. Van por todas
partes, llegan a todos los rincones. Autobuses. El movimiento los convierte en ubicuos y esa
ubicuidad en potentísimo medio publicitario.
‘Estació Expandida’ lo sabe e
inteligentemente ha utilizado
(hasta donde le han dejado) ese
gran diamante en bruto de la publicidad exterior en nombre del
arte.
‘Estació Expandida’ es un proyecto que nace a partir de otro,
‘Estació Creactiva’ (intervenciones artísticas en la estación de
autobuses de Tarragona), con la
intención de expandirse más allá
de él. Es decir, salir de la estación
y propagarse por toda la ciudad.
‘Poesia en moviment’ es el pri-
mer trabajo en este sentido; en
él, la artista Joana Brabo ha tatuado cuatro autobuses con poemas ( juegos de palabras, caligrafías, aforismos, haikus...) suyos
y de otras personas (conseguidos a través de un proceso participativo). “Rogamos mantengan sus opiniones controladas
en todo momento”, “si nos encuentran estamos perdidos”,
“gracias por su risita”, “hagamos
el humor”, “a todo zen”, “no queremos nada pero lo queremos
ahora”, “qué chollo para mere-
cer esto”, “peligro de suerte”...
Arte okupando el lugar privilegiado de la publicidad. Un lugar de difícil acceso. Zona vip.
Esta okupación altera la iconografía a la que estamos acostumbrados (propia de la sociedad de
consumo) y la transforma en un
vehículo para expresar mensajes procedentes del territorio artístico. En este caso procedentes de la poesía. Poesía que rompe barreras y se ofrece como
lectura durante el trayecto (ya
que se han situado algunos libros
de poemas en los autobuses).
Poesía que se acerca a nuestro
día a día, nos hace un guiño y nos
arranca una sonrisa.
En esta guerra debemos defendernos. Y la poesía puede
ser una buena arma. “Sílbese
quien pueda”. –ESTHER CANALS
PIÑOL
‘Estació Expandida’
‘Poesia en moviment’
estaciocreactiva.net
4 encuentros
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
Hinchas del Feyenoord dañan la fuente de Bernini en Roma. FOTO: DOMENICO DERRIGO
El poder de las imágenes
Iconoclastas del Estado Islámico destruyen obras del museo de Mosul, mientras en Roma los
hinchas del Feyenoord devastan una fuente de Bernini
DÉBORAH CAMAÑES
Roma. Febrero de 2015. Un partido de la Champions League contra el AS Roma congrega en la capital Italiana a unos 6.000 hinchas
del equipo holandés Feyenoord
de Rotterdam. Llegan un día antes y, durante la noche, causan alborotos en la plaza de Campo di
Fiori. El caos se desata el día siguiente antes del partido, cuando
una batalla campal a los pies de
Plaza de España entre los hinchas
y la policía termina con 28 detenidos y varios agentes heridos. No
obstante, aquello que resultó más
dañado fue la fuente del s.XVII,
conocida como la Fontana de la
Barcaccia, diseñada por Pietro y
Gian Lorenzo Bernini. Una barca
semihundida de travertino que
descansa a los pies de la famosa
escalinata. Los vándalos provocaron más de 100 fisuras en el mármol, causadas por el lanzamiento
de botellas y otros objetos que impactaron en la fuente. Los daños,
según los restauradores, son permanentes e irreparables. El alcalde de Roma, Ignazio Mario, declaró enfurecido en su Twitter que
su ciudad había sido “devastada y
herida”, y que los ciudadanos de
Roma no deberían pagar la restauración con su dinero.
No es la primera vez, ni mucho
menos, que Roma y sus tesoros sufren algún tipo de violencia vandálica. En 2011 un hombre arrancó dos cabezas de delfín de una de
las fuentes de Piazza Navona. El
atentado más recordado fue el de
1972, cuando un perturbado entró en el Vaticano y desfiguró el
rostro de la virgen de la famosa
Pietà de Miguel Ángel. Sin embargo, cabe decir que los visitantes
del Foro o del Coliseo que se llevan
“piedras” de recuerdo o gravan su
Miembros de Estado Islámico en el museo de Mosul. FOTO: YOUTUBE
nombre en el interior de la Cúpula de Santa Maria dei Fiori también están cometiendo pequeños
actos vandálicos de grandes consecuencias.
Lo importante es el
mensaje que ISIS
quiere mostrar con
estas impactantes
imágenes
Mosul (Irak). Febrero de 2015.
Militantes del Estado Islámico
(ISIS) irrumpen en el museo de la
ciudad de Mosul con mazos, taladros y martillos, y destruyen varias obras. En el vídeo colgado en
YouTube se ve cómo los yijhadistas tiran al suelo estatuas de tamaño real, cómo las destrozan y
decapitan con los mazos. Otro de
ellos deforma con un taladro el
rostro de uno de los majestuosos
Lamessus asirios, genios alados
con cuerpo de león y cabeza de
hombre que franqueaban la entrada a la ciudad. Todas ellas fueron destruidas porque, tal y como
declaró fríamente a cámara uno
de los militantes, son imágenes
que no existían en tiempos del profeta, falsos ídolos a los que la gente adoraba y deben ser aniquilados. El director del Metropolitan
de Nueva York, Thomas P.
Campbell en unas declaraciones a
la revista ‘Time’, calificó el acto de
“catastrófica destrucción de uno
de los museos más importantes
de Oriente Medio”. Existe el posible consuelo, tal y como apuntan algunos expertos en restauración y patrimonio, que muchas de
las piezas expuestas fueran réplicas, ya que según declararon responsables del British Museum a
Channel 4, los originales fueron
llevados al museo de Bagdad para
su salvaguarda; parece, sin embargo, que no hay unanimidad a este
respecto. Al parecer resulta complicado saber cuántas eran réplicas y cuántas originales.
Fueran en su mayoría réplicas
o no, a ISIS parece no importarle.
Lo importante es el mensaje que
quieren mostrar con estas impactantes imágenes. Para Amir-Al
Azum, antropólogo e historiador
sirio, la destrucción de las obras
de arte, las ejecuciones y las ma-
tanzas son totalmente estratégicas. Se trata de provocar, de intentar atraer al ejército de Estados
Unidos y las fuerzas Iraquíes en
un enfrentamiento directo para
recuperar Mosul. Quieren un escenario en el que representar la
lucha contra Occidente para ganar así credibilidad y reclutar más
seguidores.
El museo de la ciudad de Mosul no ha sido, desgraciadamente, el único tesoro que el terrorismo islámico ha destruido: los Budas gigantes de Bamyan fueron
detonados en 2001 por los Talibanes, la Gran Mezquita de Aleppo
construida en el año 715 fue totalmente destruida durante la guerra civil siria, la tumba del profeta Jonás en Irak, construida en el
siglo VIII a.C, la biblioteca central
La destrucción de
las obras de arte, las
ejecuciones y las
matanzas son
totalmente
estratégicas
de Mosul con sus más de 100.000
libros antiguos y manuscritos, y
ahora el Museo de Mosul han sido totalmente devastados por el
Estado Islámico, sin olvidar las
miles de piezas de gran valor, las llamadas “antigüedades de sangre”,
vendidas por ISIS en mercados extranjeros.
La destrucción de patrimonio
y de obras de arte está documentada a lo largo de los siglos: la guerra iconoclasta de Bizancio, la
quema de imágenes y objetos de
Savonarola en Florencia, la des-
trucción de símbolos religiosos
y monárquicos de la Revolución
Francesa, la destrucción de símbolos comunistas o la persecución del “arte degenerado” durante el Nazismo son algunos de
los hitos más conocidos. Tal y como apuntaba Dario Gamboni en
su monumental y rigurosa obra ‘La
Destrucción del Arte’, cabe diferenciar entre el vandalismo y la
iconoclastia, entre la destrucción sistemática organizada y la
destrucción incontrolada y caótica. Los hooligans del Feyenoord, a diferencia de los militantes
de ISIS, no tienen una agenda política y una estrategia militar, son
simplemente vándalos borrachos. Pero bien es cierto que el
ataque al patrimonio no fue del todo indeliberado. Ambos casos
acentúan la fuerza de las imágenes y el poder del arte. El terrorismo islámico (y, en cierto modo, también los hinchas holandeses) sabe que la mejor manera
de erradicar la identidad de un
pueblo es destruir su arte. Los
terroristas saben que, destruyendo imágenes de antiguas deidades
(aunque muchas ni siquiera lo
eran), destruyendo su pasado
Asirio, están destruyendo todo
aquello que va contra su discurso, aquello que los deslegitima y
los contradice. Los hooligans atacaron el centro histórico sabiendo que dañar sus tesoros es el golpe más duro para una ciudad como Roma y su representante
futbolístico en aquel momento.
El arte, por si alguien todavía se
pregunta por qué es tan importante, se revela aquí como una
poderosa imagen de lo que somos. El arte es nuestro pasado,
nuestra identidad y su destrucción no es solo cuestión de patrimonio.
cine encuentros 5
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
El corto como resistencia
Semanas después del festival de cortometrajes de Reus, su director y uno de los miembros
del jurado analizan el certamen
VIOLETA KOVACSICS
Con diecisiete ediciones a sus espaldas, el FEC sigue andando a
paso seguro. El crecimiento, sin
embargo, es lento, según afirma
uno de sus directores, Christian
Inaraja. “Los eventos culturales
que tienen lugar fuera de Barcelona crecen poco a poco. Nuestros
pasos son pequeños: los presupuestos y los sponsors avanzan
de manera muy lenta. El año pasado hubo muchos cambios, como
una pantalla nueva, al aire libre,
así que este año se trataba de mantener las secciones y mejorarlas”.
Inaraja apunta hacia las actividades paralelas como uno de los
principales pilares del certamen.
La presencia de los directores
apuntala esta idea: se trata de huir de la mera proyección y ahondar
en el concepto de festival. No basta con que se vean las películas,
sino que cabe ampliar el marco,
invitar al público a participar de manera más activa. En este sentido,
la última edición del festival, que
se celebró a mediados de este mes
de marzo, ha creado una “tercera pata”, tal y como la define el
propio Inaraja. Si hasta hace po-
tidad”, dice Inaraja, que añade:
“Francia no hace una gran distinción entre cortos y largos. Tienen
subvenciones y las televisiones
compran los cortos. En cambio,
en España se entiende el corto como una comedia, un gag o algo similar a un capítulo para televisión.
Los franceses entienden el corto
como un hecho cinematográfico”.
Inaraja sí que apunta a algunas líneas temáticas y señala que recientemente han proliferado los
cortos con argumentos en torno a
la crisis. “Los cortos son más inmediatos que los largos y, por eso,
son un mejor reflejo de la actualidad”, añade Inaraja.
En este sentido, De Fez define la línea del FEC como un tanto centrada en el cine social y alejada del género más puro. Plantea algunas semejanzas entre las
tres películas ganadoras de los
principales premios del FEC: la
islandesa ‘Ártún’, la holandesa
‘Cowboys Janken Ook’ y la francesa ‘A ciambra’. “Sin ser películas excesivamente originales”,
comenta De Fez, “lo que transmiten es mucha energía y una verdad muy poco común en el cine
de hoy en día. Las tres ofrecen
Christian Inaraja, director del FEC. FOTO: CHRISTOPHE SION
Inaraja: «La crisis
nos sigue
afectando»
De Fez: «Las
películas low cost
han acabado con los
cortos»
co el FEC miraba hacia el ámbito
educativo y de la exhibición, ahora suma otro foco, el de la industria. A partir de la sección Minimarket, el festival invita a profesionales del cine.
Pese al crecimiento del festival, que parece asentarse como
uno de los certámenes de cortos
más importantes del territorio,
la crisis continúa afectando al
evento: “desde 2008 han desaparecido muchos festivales de cortos”, dice Inaraja, “los que hemos
sobrevivido, estamos pendiendo
de un hilo, el FEC crece pero los
presupuestos bajan”. Si ha habido un cambio significativo en los
últimos años, es precisamente el
paso de tener dos secciones en
dos ciudades distintas –Reus acogía los cortometrajes europeos y
Cambrils, los españoles– a celebrarse en una única localidad y a
tener una única sección que engloba todos los cortos. La crítica
Desirée de Fez, que en esta edición ha participado como jurado,
comenta que “juntar los cortos
españoles con los europeos tiene
más sentido, ya que en España el
cortometraje realizado a lo grande y que se puede ver en una sala
de cine está un poco a la baja”. “Los
‘Ártún’, ganadora del FEC 2015.
‘Cowboys’ de Janken Ook .
nuevos directores”, añade, “se saltan el paso intermedio del corto,
que les servía de carta de presen-
tación para llegar al largo. En este sentido, las películas low cost
han acabado con los cortos”.
Sin duda, el panorama ha mutado en los últimos años. De Fez
pone el foco en dos motivos: por un
lado, está la crisis y, por otro, el
cambio de paradigma, de manera
de hacer y de compartir las películas. En la actualidad, muchos
cortos están pensados para exhibirse en internet. “Creo que, en el
FEC, se busca otra cosa”, añade
De Fez, “buscan cortos de mayor
empaque. Creo que ellos hacen
una defensa del corto que cuenta
historias que solo pueden ser narradas en formato breve. Deben
haber rechazado cortos que funcionan como ensayo para un largo
y eligen películas que no podrían
ser contadas de otra forma”.
Sobre las líneas maestras de la
selección de este año, Inaraja apunta que las tendencias de la programación de esta edición no son tanto a nivel estilístico como por países. “Incluso los cortos catalanes
parecen mostrar su propia iden-
una perspectiva social, pero están desprovistas de moralina. No
son películas de tesis. Además,
dos de ellas tratan sobre la infancia y la otra sobre la adolescencia. “Ártún” se centra en un niño
que idealiza el primer beso, pero
que ve cómo las niñas de su edad
son más espabiladas que los niños. Define un trayecto de crecimiento”.
Con un largo recorrido como
crítica, De Fez lleva ahondando
desde hace tiempo en el formato
corto. De este modo puede tomar
el pulso del cortometraje a partir de lo visto en el FEC: “así como otros años se activan temas,
en este no ha habido ninguna corriente que domine. Lo más común ha sido encontrar películas
que cuentan las cosas de manera
muy realista, desde la distancia
exacta, sin entrar en juzgar, al estilo del cine de los hermanos Dardenne”. La única pega, según De
Fez, es la falta de un fuerte sentido de la autoría: “he visto pocos
cortos con una voz única. En todos los casos se intuían las influencias, que además eran películas de los últimos 15 años. Técnicamente, son cortos impecables,
pero echo en falta una mirada original, aunque eso es algo que me
pasa también con los largos”.
6 Encuentros música
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
Música para leer
Los libros sobre música complementan la oferta de literatura del 23 de abril, en
un intento de hacerse con un pedazo de ese gran pastel que es el Día del Libro
JORDI PALMER
Fiel al calendario y a las rutinas
anuales, el 23 de abril regresa el
Día del Libro, esa festividad de
Sant Jordi en que la letra impresa goza del protagonismo que debería tener todos y cada uno de
los días del año. Y como la cultura es buena pero el negocio más,
el sector musical lleva detectado
desde hace años que, tras las fiestas navideñas, es precisamente
por Sant Jordi cuando más discos se venden, en un proceso exactamente inverso al sector de los
libros, para el cual el 23 de abril
significa la punta de ventas con
la Navidad en segunda posición.
No es de extrañar, pues, que a escala catalana sean los meses de
marzo/abril los que más lanzamientos discográficos reúnan
tras los habituales de noviembre/diciembre.
Es más, conscientes del tirón
de este día, año tras año aumentan también los lanzamientos de
libros relacionados con la música, en un intento de hacerse con
un pedazo del gran pastel del 23 de
abril. Es en este contexto donde
han surgido iniciativas que apuestan por relacionar literatura y música. Y valgan como ejemplo las
jornadas que dedica la Antigua
Fábrica Damm en Barcelona, que
por Sant Jordi acoge un mercado
de libros de temática musical, es
decir, de aquellas obras que buscan dar respuestas a la trayectoria de músicos, a fenómenos que
trascienden el puro arte o a completar una de las necesidades vitales del ser humano como especie, esto es, poner sonidos armónicos a su existencia.
Hay muchos tipos de libros
musicales, pero cabe destacar que
estos los escriben dos tipos de
profesionales: en primer lugar,
los propios músicos y, en segundo lugar, los periodistas musicales. En ambos casos se trata de
obras escritas por especialistas
que conocen de primera mano la
materia sobre la que escriben, una
garantía de la solvencia de las
obras. En la siguiente selección
de libros -editados en los últimos
doce meses-, hay suficiente variedad para satisfacer todas las
inquietudes.
El libro musical gana espacio en el día de Sant Jordi. FOTO: LLUÍS MILIÁN
‘Bass Culture.
La historia del ‘Jaume Sisa,
el comptador
reggae’
d’estrelles’
Autor: Lloyd Bradley
‘Grité una
noche’
Autor: Gabriel Abril Fernández
Editorial: Milenio
Editorial: Acuarela & A. Machado
Autor: Donat Putx
Editorial: Empúries
Editado originalmente
en inglés en el año 2000,
la versión en español de
‘Bass Culture. When
Reggae Was King’ contiene los elementos necesarios para ser considerada la obra de referencia para este tipo de
música con base central
en Jamaica, la isla que
el periodista inglés Lloyd Bradley ha cartografiado musicalmente hasta hallar las raíces, claves,
desarrollo,
trayectoria y retos de
futuro de la música
reggae y sus conexiones
sociales, políticas y, por
supuesto, religiosas.
Prólogo y traducción a
cargo de Tomás González Cobos, e introducción a cuenta del cantante y productor discográfico Prince Buster.
El periodista Donat Putx
recurre al formato entrevista/conversación
para poner negro sobre
blanco la trayectoria artística y vital del cantautor Jaume Sisa y, de
paso, extraer con mucho oficio y más sentido
del humor sus opiniones sobre filosofía, política, sociedad, sexo,
negocios, arte y su modo de ver la catalanidad
inherente al personaje.
Se trata, pues, de un libro que cuenta con la
colaboración directa del
músico y una oportunidad única para comprender su obra, sus inicios,
sus idas y venidas, su
etapa como Ricardo Solfa y acercarse, ni que sea
superficialmente, a comprender la mecánica de
su filosofía galáctica.
En una costumbre instaurada en la industria
musical española y hoy
venida a menos, los grupos y cantantes no podían aspirar a su consagración mientras no pasaran la prueba definitiva,
el doble disco en directo. Según los archivos,
fueron los progresivos
Màquina! los primeros
en hacer tal proeza allá
por el año 1972, y tras
ellos todo tipo de músicos de los más variados
géneros quisieron tener
su doble en directo. Más
de medio siglo después,
el músico y colaborador
habitual de medios musicales Gabriel Abril Fernández se empeña en un
exhaustivo repaso a más
de 350 referencias en este formato.
APUNTES
Formación
Flamenco para parados
www.izquierda-unida.es
C
ontra el paro, formación; y si además se adquieren conocimientos musicales, mejor que mejor. Así al menos lo deben
entender los diputados en el
Congreso de Izquierda Unida,
ya que proponen introducir en
los cursos de formación ocupacional un curso específico
en torno al flamenco que consista en aprendizaje de cante,
guitarra, baile y percusión flamenca. Asimismo, también se
prevé dotar a estos conocimientos de calificación profesional, de tal forma que, al finalizar los cursos, se pueda conseguir un certificado profesional. La propuesta se apoya en el hecho
de que, desde 2010, el flamenco tiene la consideración de la Unesco de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y, además, contaría con el apoyo de este sector cultural y musical, que histórica-
Novedad
Oliver, tercero en
solitario
www.finaestampa.es
E
mente ha abogado por una certificación profesional
específica de las diferentes especialidades, a la vez
que se favorecería la reinserción laboral de los parados. De progresar la propuesta, pues, en unos
años podría haber flamencos de profesión reconocidos legalmente como tales. ■–JORDI PALMER
l compositor y guitarrista de
Antònia Font, el mallorquín
Joan Miquel Oliver, estrenará el próximo 14 de abril su tercer
disco en solitario; el primero que saca, de hecho, una vez consumada la
desaparición de la banda. Tras debutar con ‘Surfistes en càmera lenta’ en 2005 y continuar obra en 2009
con ‘Bombón mallorquín’, ahora llega ‘Pegasus’, un disco elaborado íntegramente por él con el apoyo en voces y mezclas de Quimi Portet -con
quien sigue de gira en formato trío
junto a Jaume Sisa-. El nuevo trabajo, a estrenar en directo en Girona,
abundará en el particular cosmos
creativo de Oliver, un músico galáctico de escuela mallorquina que sabe traslucir en sus maravillas pop
los contrastes entre la vida real y un
imaginario muy personal. Tras la presentación en el festival Strenes, Oliver prepara gira con una escueta
banda formada por el exteclista de
Antònia Font, Jaume Manresa, y el
batería Xarli Oliver, además del propio Joan Miquel a voces y guitarras.
El 16 de mayo actuará en el Teatre
Principal de Valls. ■–J.P.
música Encuentros 7
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
‘Llach, lletra i
música’
Autor: Xavier Amat
Editorial: Publicacions de
l’Abadia de Montserrat
El periodista y músico
Xavier Amat se acerca
al legado musical de
Lluís Llach a partir de
sus letras y músicas, en
una lectura personal y
subjetiva que le permite al autor reflexionar
acerca del cantautor y
sus circunstancias. Se
trata, a la vez, de una crítica y crónica de la trayectoria donde no faltan las apreciaciones
del autor como confeso seguidor de su obra y
donde también caben
referencias acerca de su
posicionamiento personal, social y político,
abriendo incluso interrogantes sobre el sentido de sus metáforas.
El libro se completa con
un repaso cronológico
de la vida de Llach y un
exhaustivo listado de
su discografía.
‘Los Beatles
vs. los Rolling
Stones’
‘La chica del
grupo’
Autor: Kim Gordon
Editorial: Contra
Kim Gordon es, efectivamente, la chica del
grupo, es decir, la bajista de Sonic Youth. Y a
partir de esta condición
relata, en primera persona, qué supone ser
mujer en un mundo mayormente de hombres.
Su lucha constante por
dejar el segundo plano,
por dejar de ser simplemente la pareja de
Thurston Moore o la chica de los Sonic Youth se
refleja en estas memorias que cubren tanto la
trayectoria de esa importante banda de rock
alternativo como también su relación con Moore, con quien estuvo
casada durante veintisiete años hasta su separación en 2011, tras
descubrir que él la engañaba con otra mujer.
‘Generació
Son-Goku’
Autor: Enric Lucena
Editorial: Pagès Editors
En coincidencia con el
25º aniversario del estreno de la serie ‘Bola
de Drac’ en TV3, el periodista Enric Lucena aprovecha la efeméride para establecer una relación entre las aventuras
de Son-Goku y la generación musical que creció con ellas, poniendo
el foco en los locales de
ensayo de grupos de la
actual escena catalana
como Mishima, Els
Amics de les Arts, Els
Catarres, Anna Roig, La
Pegatina, Txarango y
muchos más. Con profusión de fotografías del
mismo autor, el libro rebusca la chispa de la creatividad en todos y cada
uno de los más variados
locales de ensayo que
pueda imaginarse.
Aniversario
Veinte años de La
Habitación roja
www.lahabitacionroja.com
Autor: John McMillian
Editorial: Indicios
La supuesta rivalidad
entre los Beatles y los
Rolling Stones, más mediática que real, centra
esta obra de John McMillian que se adentra en las
relaciones personales
entre los miembros de
los dos grupos y también en la competencia
comercial que ambos
mantuvieron a lo largo
de la década de los 60
del siglo pasado. Concluye, en este sentido,
que fueron las revistas
especializadas las que
más se esforzaron por
enfrentar el pop-rock
de cuatro chicos majos
de Liverpool contra el
blues-rock canalla de
cinco gamberrillos de
Londres. Una rivalidad
que no era solo musical,
sino también geográfica e incluso filosófica, y
donde tuvo una importancia capital la imagen
de sendas formaciones.
‘Historia
social del
‘Ian Curtis. En flamenco’
Autor: Alfredo Grimaldos
cuerpo y
‘Cómo
Editorial: Península
alma’
funciona la
Autor: Jon Savage
El flamenco entendido
Editorial: Malpaso Ediciones como un fenómeno so- música’
Pocos artistas han dejado una huella a la altura de Ian Curtis simplemente con un puñado de canciones y una
muerte trágica. Tal es el
caso de este cantante
que a lo largo de su corta vida compuso una cuarentena de canciones,
recopiladas en este libro -subtitulado oportunamente ‘Cancionero de Joy Division’- por
el crítico Jon Savage en
una edición bilingüe inglés-español que incluye otros textos de Curtis, como borradores y
versiones alternativas
de las letras, además de
canciones inéditas, cartas, reseñas, entrevistas y otras rarezas. Se
completa con abundante material gráfico.
Obituario
cial que trasciende la
simple expresión artística. Esta es la tesis recogida en la obra de Alfredo Grimaldos, ahora reeditada, que pretende
articular un discurso que
no solo tiene en cuenta
los aspectos culturales,
sino también los sociales. Traza así una trayectoria que pasa por los
ambientes de marginación en los que vivía y
aún vive el pueblo gitano, llegando hasta la actual consideración del
flamenco como arte valorado en todo el mundo. Contiene observaciones de protagonistas
como Antonio Mairena,
Farruco, Juan Habichuela, Fernanda de Utrera,
Enrique Morente o Paco de Lucía entre muchos más.
Autor: David Byrne
Editorial: Random House
El creativo cantante de
Talking Heads echa mano de la escritura para explicar en paralelo la evolución de la música en
las últimas décadas y su
propio paso por ese negocio como líder de un
grupo musical. Con intención didáctica, bien
documentado y no exento de sentido del humor,
Byrne aprovecha para
contar detalles acerca
de la importancia de las
modas musicales en esta industria y otros factores extramusicales,
como la evolución de
esta a remolque de las
innovaciones tecnológicas o de los espacios
diseñados para su escucha.
www.daevidallen.net
E
l grupo de pop independiente valenciano La Habitación
Roja cumple este 2015 los veinte años de su formación, allá por 1995.
Se trata, pues, de un grupo superviviente de la gran eclosión de bandas independientes de mediados de los noventa. Su entrada en el mundo musical se produjo vía concurso de
maquetas, ganando en el mismo año
de su formación el certamen Circuit
Rock. Su debut discográfico tuvo lugar dos años más tarde, con el EP ‘Popanrol’. Activos a lo largo de estos
veinte años, cuentan en su haber con
nueve discos de estudio, el último de
los cuales - ‘La moneda en el aire’- data de 2014, y con infinidad de EPs, singles y miniCDs que muestran su alta
Daevid Allen (1938-2015)
capacidad productiva. En conmemoración de este aniversario, se ha publicado el doble recopilatorio ‘Veinte años de canciones. 1995/2015’, que
incluye precisamente una veintena
de ‘hits’ del grupo, como ‘Febrero’,
‘Nunca ganaremos el mundial’, ‘Cuando te hablen de mí’ o ‘Voy a hacerte
recordar’. Por cierto, tienen una canción en catalán, ‘Bona nit’, incluida en
el disco ‘Radio’ de 2001. ■–J.P.
E
l pasado 13 de marzo moría el músico australiano Daevid Allen, víctima de un cáncer de garganta. Se trata de uno de los nombres más destacados de la psicodelia progresiva
y fundador de bandas imprescindibles como Soft
Machine y Gong. Con el primero de estos dos grupos, junto a Robert Wyatt, Kevin Ayers y Mike
Ratledge se convirtió en referente del sonido Canterbury, punta de lanza de la psicodelia inglesa de
los años sesenta y setenta. Estuvo afincado durante muchos años en Deià, en la isla de Mallor-
ca, donde fundó Gong -banda que había mantenido en activo prácticamente hasta el día de hoy- y
donde entró en contacto con la escena local. Así,
colaboró en discos de Joan Bibiloni y Pep Laguarda & Tapineria, fue el productor del álbum ‘Licors’
de Pau Riba y llegó a actuar en el festival Canet
Rock del 1978. En febrero se le diagnosticó cáncer y se le dieron seis meses de vida como máximo, circunstancia que comunicó a sus seguidores a través de las redes sociales. Tenía 77 años en
el momento de morir. ■–J.P.
8 Encuentros reseñas
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
Discos
Series
Los Campeones de la Salsa
Pablo Guerrero
Pablo Guerrero es un cantautor extremeño especializado en dar rienda suelta a una afición muy particular por esas pequeñas canciones
deslumbrantes en su sencillez y
desnudez poética. Con ese toque Catorce ríos pequeños
‘coheniano’ que le caracteriza en Mirmidón
el modo de cantar, el de Esparragosa de Lares traza en su nuevo disco,
‘Catorce ríos pequeños’, un recorrido por ese costumbrismo crepuscular que tiñe su obra a partir de catorce nuevos
temas -esos ‘ríos pequeños’ a los que hace referencia el título-. Cantautor a la par que poeta renombrado -cuenta con catorce libros de poemas publicados-, Guerrero firma las catorce letras del disco, mientras que en las músicas ha contado con las colaboraciones de Paco Ibarra, Olga Román y
Jabier Muguruza. Sobrio a la par que cálido, el artista teje en
este su duodécimo disco de estudio un discurso empañado
de paisajes delicados, emociones contenidas, instantáneas
de luminosidad e inspiraciones cargadas de nostalgia y esperanza de los que resulta un optimismo moderado y bienintencionado. Guerrero al cien por cien. – JORDI PALMER
La salsa es ese ritmo contagioso y festivo procedente de las islas caribeñas, idóneo para bailar y con un punto decididamente erótico que permite elevar la temperatura en un plis-plas. En estas coordenadas y con
voluntad claramente lúdicofestiva se mueve precisamente el disco ‘Vuelve la salsa ¡Viva la salsa!’ firmado
por la formación Los Campeones de la Salsa, una
efectiva banda caribeña de once músicos que ejecuta con solvencia pero sin rigidez clásicos del género
como ‘Oye cómo va’ o ‘Ven, devórame otra vez’, al tiempo que convierte en himnos latinoamericanos
temas como ‘I will survive’. Se trata, pues, de un compendio de trece temas pensados principalmente para la pista de baile, que cuen- Vuelve la salsa...
ta con las colaboraciones de Pau ¡Viva la salsa!
Donés (Jarabe de Palo) en ‘La vi- Warner
da es un carnaval’ y Antonio Carmona (Ketama) en ‘Pedro Navaja’,
y que equipara el acierto de un repertorio copado por
éxitos reconocibles a una voluntad decidida a recuperar este estilo. Ciertamente vuelve la salsa, si acaso alguna vez se fue. – J. P.
El blog del mes
Cine
Citizenfour
De Laura Poitras
En 2013, y después de tomar todo tipo de medidas de seguridad, la directora Laura Poitras y
el periodista Glenn Greenwald se reunieron con
el analista de la NSA y de la CIA Edward Snowden
en una habitación de hotel de Hong Kong. Allí,
sentado en una cama de impolutas sábanas blancas, el entrevistado soltó una bomba informativa: el gobierno estadounidense había estado
espiando a sus propios ciudadanos con la excusa de la lucha contra el terrorismo. Se podría
decir que ‘Citizenfour’ es una noticia transmitida en diferido. Sobre todo si tenemos en cuenta que, en la entrevista que muestra la película,
está el germen del estallido del caso Snowden.
‘Citizenfour’ narra aquel encuentro, desde
los previos –los primeros contactos de Snowden
con sus dos interlocutores principales– al exilio del entrevistado, desterrado definitivamente de los Estados Unidos tras revelar lo que algunos seguramente consideren secretos de Estado, informaciones que deben permanecer
fuera del alcance de los ciudadanos. Construida sobre una estructura documental básica, lo
interesante de ‘Citizenfour’ reside, evidentemente, en el tema, en el contenido. Destaca como buena pieza de periodismo de investigación. Más allá de los artículos que suscitó y aportó, ‘Citizenfour’ logra aquí un intangible: la
posibilidad de revelar los gestos y los tiempos
muertos de un personaje, Edward Snowden,
tan conocido como escurridizo.
‘Citizenfour’ me lleva inevitablemente a una
reflexión eminentemente cinematográfica. En
un momento de la película, Greenwald observa una serie de documentos que tiene el entrevistado. El periodista no puede más que señalar cómo, seguramente, mucha gente no comprenderá lo que está leyendo, pues desconoce
los entresijos de internet. He aquí la clave del
asunto: en un momento en que las tecnologías
de la comunicación copan nuestro día a día, el
desconocimiento sobre estas herramientas resulta flagrante. Asimismo, la película pone en
evidencia uno de los retos del cine del siglo XXI
o del cine que surgió del 11-S: poner en imágenes algo tan intangible como internet o como una
lucha, contra el terrorismo, que se construye
sobre secretos y sobre elementos cada vez más
difíciles de aprehender. –V. KOVACSICS
uando hablamos de diseño o ilustración, Barcelona se ha considerado siempre el punto caliente de la creación gráfica
nacional. El debate de si Barcelona vive aún de la imagen
del pasado glorioso del diseño o no, lo dejaremos para
otra ocasión. Lo que sí es cierto es que hay vida más allá de
Barcelona. Madrid se encuentra en plena ebullición artística y cada vez son más los estudios reconocidos en la capital. También en Valencia,
ciudad de gran tradición gráfica, están surgiendo proyectos muy interesantes, así como en Galicia o Andalucía.
Precisamente del sur son los
chicos de Maasåi Magazine,
una revista online con base
en Sevilla, que nos habla de
diseño, ilustración, fotogra-
C
fía y música, obligándonos a
salir de nuestra área de confort y descubriéndonos nuevos nombres.
Maasåi, nació con vocación
de ser publicada en papel, pero por motivos presupuestarios se decidió lanzarla primero como web. No obstante, sus creadores Alfonso
Barragán, María Hesse y Miguel Jiménez, siguen apostando por la idea del papel ya
que, tal y como comenta Alfonso, una publicación tan visual y que pone tanto mimo
en la selección de fotografías
y obra gráfica “tiene que estar en papel”. Por ello han
puesto en marcha una campaña de micromecenazgo que
les permita lanzar el primer
volumen impreso de Maasåi,
con más de 160 páginas, entrevistas inéditas y mucho
Letras
El comité de la noche
Argumento: La novela parte de una noticia extraída de la realidad: la oferta de una multinacional farmacéutica para comprar sangre a los parados que acepten donarla. A partir de este impactante inicio, Belén Gopegui construye un thriller social cuyo telón
de fondo es la privatización de la sanidad pública. Y
lo hace a través de la historia de dos mujeres, articulando la novela en dos partes diferenciadas, en estructura narrativa y estilo, que acaban entremezclándose al final del libro.
La primera mujer es Álex, una treintañera en paro con una hija, que debe regresar a casa de sus padres. Su historia nos sumerge en la situación económica y social de España, y sus vaivenes nos zambullen en la lucha colectiva a través del grupo clandestino
con el que Álex se reúne por las noches. La segunda
protagonista, Carla, también treintañera, ha conseguido trabajo en Eslovaquia como técnica de labo-
ratorio para una empresa de medicamentos derivados de la sangre. Carla se ve inmersa en una peligrosa trama que le obligará a escoger entre salvar su entorno más cercano o la Justicia social.
Dónde transcurre la acción: Aquí y ahora, en
nuestra realidad social.
Te gustará si te interesa el thriller de estilo arriesgado y la novela comprometida.
Curiosidades: Sobre su anterior novela, el crítico
Damián Tabarovski dijo: “ ‘Acceso no autorizado’
profundiza el plan de Gopegui de pensar no la literatura como algo político, no la narrativa para criticar el poder, sino a la inversa pensar la novela como un contrapoder y la escritura como una contrapolítica”. –RAQUEL FRIERA
Autor: Belén Gopegui
Editorial: Random House
Nº Págs: 272
Precio: 17,90€
reseñas Encuentros 9
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
House
ouse of
o Cards
Ca ds
Lo de Frank Underwood es de una maldad extrema. Y
no, no hablamos del personaje. Hablamos de su serie,
‘House of Cards’ o, para ser específicos, hablamos del
modo con el que se consume la serie. Y es que, al estrenarse en servicios de vídeo por demanda (Netflix en Estados Unidos, Yomvi en nuestro país), resulta que el día
del estreno uno tiene disponibles todos los episodios
de la temporada. Diabólica idea, esto de poder ver tu serie por voluntad propia, porque todo el mundo sabe
que la voluntad del serieadicto es débil. Y claro, ¿cómo
resistirse a la tentación de verlos todos del tirón, arriesgándose a la correspondiente indigestión posterior?
No se puede. Es lo que llaman “binge watching”, o atracón televisivo. Tiene consecuencias funestas para el
aparato digestivo del espectador, pero igualmente lo hacemos. Hay que tener mucha sangre fría para no darle
al “Play” cada vez que termina un episodio. Porque esta tercera temporada parece estar pensada, más que nunca, para provocar ataques de glotonería compulsivos.
Y es que, a diferencia de las anteriores, en las que
la sombra de la serie original británica cubría par-
cialmente la versión norteamericana devaluando
sus méritos, este año la ‘House of Cards’ norteamericana ha decidido sacar partido de su condición de
serie de largo recorrido explorando con mayor profundidad a sus secundarios. La serie de la BBC fue
una maravilla -y Kevin Spacey sigue perdiendo en
comparación con la sutileza de Ian Richardson-, pero estuvo limitada por un minúsculo número de episodios, algo que en la nueva versión no es problema. Dando espacio a estos personajes menores, la
tercera temporada de ‘House of Cards’ nos ha dado grandes momentos al margen de su protagonista y ha reivindicado su capacidad para crear material propio. Por supuesto, el discurso de la serie que retrata la ambición desmesurada de la clase
política- sigue siendo lamentablemente vigente, y
es una de las causas de su éxito. Luego está lo de
Frank Underwood. Lo de la cola de diablo que cuelga de su traje-chaqueta. Lo suyo, digo, es de una
maldad extrema. Es inevitable devorar episodios
hasta reventar. –TONI DE LA TORRE
Cómic
El asesinato
como una de
las bellas artes
http://maasaimagazine.com/
Maasåi Magazine
material gráfico. Mientras
tanto, en su web podemos encontrar artículos, entrevistas o más bien “charlas entre
amigos”, entre esa comunidad
de diseñadores y creadores.
Para Maasåi el contenido,
aunque fresco y distendido,
es muy importante y quieren
alejarse de otras webs que
simplemente muestran la
obra del/la artista acompañada por una breve reseña.
“Para nosotros - dice Alfonso - lo importante es el proceso creativo y el proceso vital del artista. Esto te hará
comprender mejor su obra y
tendrás más argumentos para valorarla, independientemente de si te gusta o no.”
Sus secciones juguetean
con la idea de tribu y nos hablan de diseñadores consagrados como “Asamblea de
ancianos” en Ilustración, “Lucha de Gigantes” en Diseño o
“Las vacas son sagradas” en
Fotografía, y de aquellos emergentes como “La caza del león” en referencia al ritual de
iniciación Maasåi. Además
de entrevistas con estudios de diseño, ilustradores o fotógrafos, en
Maasåi también hay espacio para la música.
Nos descubren grupos,
sellos o proyectos musicales que tienen lugar cerca de su campamento base: “Nairobi”
y “Serengeti” son las
secciones que nos hablan de lugares y temas
actuales respectivamente, abordados desde el humor y la subjetividad de sus redactores.
Sin duda, lo mejor de
Maasåi es que, aunque nos
quedan algo lejos, la cercanía y el mimo con el que tratan cada pieza es de envidiar. Todas y cada una están
hechas de primera mano,
cuidando hasta el último detalle, tanto gráfico como en
contenido. Y es que Maasåi
cuenta con más de 30 colaboradores especialistas en
diferentes campos: periodismo, diseño, ilustración,
etc., de tal manera que el encargado de cada entrevista
conoce la materia y sabe “de
lo que se habla”. Esta red se
va ensanchando cada vez
más, a medida que Maasåi
se hace más conocida. Entre sus publicaciones de cabecera, mucho más que webs
o blogs de diseño, se encuentra Jot Down, el nuevo referente del periodismo actual,
o Yorokobu, aunque no quitan ojo a grandes revistas visuales que también apuestan por lo “casero” y la cercanía como Kinfolk o
Cereal.–DÉBORAH CAMAÑES
El impostor
Argumento: En 2005 estalló el escándalo Marco. Un
nonagenario catalán se había hecho pasar durante
30 años por un deportado del campo de concentración de Flossembürg. El caso resultó mediático
porque Enric Marco era el más famoso de los supervivientes vivos: presidente de la Amical de Mathausen, distinguido por la Creu de Sant Jordi de la Generalitat. Una vez desenmascarado, Javier Cercas,
en colaboración con él, contrasta toda su biografía
plagada de mentiras no solo en un campo nazi, sino
también de su pasado antifranquista.
Dónde transcurre la acción: La verdadera vida de
Enric Marco es también el ‘making of’ de una novela en la que Cercas mezcla géneros, desde las conversaciones con su hijo —los detalles más prosaicos
de su crónica— a las reacciones del mismo protagonista, donde escuchamos su verborrea mágica,
confusa, magnética y efectista.
Te gustará si te interesan las novelas que te remueven el estómago, porque escrutan el lado oculto de
una realidad compleja y contradictoria, y su auténtica humanidad. La meticulosa investigación de
Cercas tiene, además, la potencia embaucadora
de esas historias que te reclutan como parte de
una búsqueda.
Curiosidades: El relato es un enfrentamiento entre el narrador y su personaje que, no olvidemos, está vivo. Pero este diálogo (meta)literario, entre la ficción y la verdad, pasa por el recelo, el juicio y hasta
la identificación, cuando un obsesionado Cercas llega, en su imaginación, a verse como él. Y es que
Cercas, este país —todos nosotros— somos, profundamente, Enric Marco. –LUIS ALBERTO MORAL
Autor: Javier Cercas
Editorial: Random House
Nº Págs: 420
Precio: 22,90 €
Título: Yo asesino
Autor: Antonio Altarriba y Keko
Editorial: Norma Editorial
Precio: 19,90€
‘E
n este mundo, matar por nada
constituye, en el fondo, una acción pacifista… Al menos mucho
más honesta que matar por la patria”, dice el
protagonista de ‘Yo Asesino’ sobre unas viñetas que, rojo sobre negro, recogen el asesinato de Fernando Buesa y de su escolta
Jorge Díez Elorza en el campus de Vitoria de
la Universidad del País Vasco en el año 2000.
El clima político y la violencia del País Vasco
anterior al alto el fuego indefinido de ETA,
por una parte, y el ambiente universitario,
por otra, constituyen el trasfondo sobre el
que ‘Yo Asesino’ relata la encrucijada vital de
un profesor de estética, Enrique Rodríguez,
que aprovecha sus desplazamientos académicos para matar.
Como el lento concierto de manos crispadas del lienzo ‘La crucifixión’ de
Grünewald, que marca el tono inicial de la
obra, ‘Yo asesino’ trenza la cotidianeidad gélida del protagonista con fórmulas de
pathos, los gestos sacralizados de sufrimiento en la pintura europea desde el Renacimiento. De igual manera que la página de
cómic -tal y como lo demuestra el Alef-Thau
de Jodorowsky- puede explicar con sus viñetas el ensamblaje paulatino de un cuerpo
truncado, su culminación, el centro de ‘Yo
asesino’ es el horror del descuartizamiento
no solo de un cuerpo, sino también de la
identidad: ¿Por qué mata Rodríguez? ¿Para
qué? ¿Qué relación hay entre el cuerpo y la
imagen?
Galardonado con el Gran Premio de la
Crítica 2015, que concede la Asociación de
Críticos y Periodistas de Cómic de Francia,
‘Yo Asesino’ se despliega con la intensidad
de las películas de Dario Argento, a través de
una espiral de imágenes que se invocan y se
responden entre sí. Sin embargo, es en la colisión entre el avance de la secuencia, el género negro y la irrupción de la pintura donde
el álbum encuentra su razón de ser. El blanco y negro acerado de Keko logra que cada
nueva explosión de manchas rojas sobre la
página detenga el tiempo, introduzca la lógica del ritual en un relato, fundado en el corte, que aprovecha toda la potencia expresiva
del cómic. –IVAN PINTOR IRANZO
10 encuentros literatura
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
CRÍTICAS
Arte y política, en todos los sentidos
La editorial Brumaria publica un extenso volumen con 40 textos de
reflexión desde diferentes perspectivas
El arte no es la política /
La política no es el arte
Autor: AAVV
Editorial: Brumaria
Precio: 28€
e paso por Madrid, tuve la
oportunidad de visitar el nuevo espacio de Traficantes de sueños, un lugar cuya actividad se
reparte entre la librería, la edición y la distribución de libros.
Aunque se encuentra en otras librerías, me pareció acertado comprar precisamente ahí el volumen recién editado por Brumaria y titulado ‘El arte no es la
política / La política no es el arte’.
Y ello porque, al igual que las ediciones de Traficantes, también
los libros de Brumaria se enmar-
D
can en una línea de reflexión contemporánea sobre problemas a
menudo invisibilizados y desde
perspectivas críticas poco habituales. Echen un vistazo a su web:
brumaria.net, en la que también
se encuentran documentos y otros
proyectos surgidos de la editorial. El extenso compendio de
textos que acaban de publicar
cuestiona la difícil relación entre arte y política, y su contenido
desborda felizmente lo que aquí
podamos decir.
Mentiría si dijera, por una parte, que ya he leído para esta reseña los 40 textos y 838 páginas de
este volumen, en el que encontramos reflexiones de Badiou (un
filósofo muy afín a Brumaria), de
Rancière, Richir o Althusser, pero también de Montserrat Rodríguez Garzo, Pablo Posada Vare-
la, Martha Rosler o Jean-Luc Godard, por no citar más que algunos nombres de dispares disciplinas. En este sentido, creo que
se trata de un volumen imprescindible de consulta, que puede
ofrecer textos de base para pensar sobre algunas de las nociones
asociadas a las exactísimas tres secciones que organizan el libro: “La
dialéctica renovada”, “La fenomenología ampliada” y “El psicoanálisis implicado”. Necesario, pues, tener este volumen cerca para lanzar hoy y mañana una
reflexión fundamentada sobre
la importancia de la dialéctica, la
fenomenología o el psicoanálisis en la relación entre arte y política.
Confieso también, por otra
parte, que no comparto totalmente la pertinencia de plantear
Polémica en el Macba: ‘La Bestia y el Soberano’, ¿un nuevo capítulo de
Black Mirror? Sí, y también un nuevo capítulo de la relación entre arte y
política. FOTO: R.FRIERA
la relación entre “el” arte y “la” política a través de esa afirmación
palindrómica que da título al volumen, y que se precisa como una
relación de “no-identidad” en el
prólogo un tanto delirante del
editor, Alejandro Arozamena.
Quizá hubiera sido más pertinente lanzar antes bien una pregunta previa, por ejemplo: “¿Por qué
debemos pensar hoy la relación
entre arte y política?”. En cualquier caso, originada en unas jornadas que organizó Brumaria en
Medialab-Prado en 2013, la publicación de estos textos constituye un acto editorial necesario y una reserva, siempre en proceso,
de
pensamiento
crítico.–JAVIER BASSAS
Alicia en el país del ‘noir’
Olas rotas, olas infinitas
Reino de Cordelia presenta, en una bella edición, una novela
de misterio redonda y fascinante
La obra ha sido galardonada con numerosos premios y
consolida a la autora como una de las grandes de este siglo
La noche a través del espejo
Reparar a los vivos
Autor: Fredric Brown
Editorial: Reino de Cordelia
Precio: 18€
Autora: : Maylis de Kerangal
Editorial: Anagrama
Precio: 19.90€
oc Stoeger podría estar perfectamente encarnado por Humphrey
Bogart. Doc es periodista, encargado de un periódico local que sale una
vez por semana y que está condenado a llenar sus
páginas con noticias de
poca relevancia. En el fondo, lo único que quiere
Doc es que pase algo. Quiere una noticia, pero mientras esta no llega, el héroe de ‘La noche a través
del espejo’ se entretiene
citando a su adorado Lewis
Carroll.
Esta introducción apunta el gusto por la fantasía
y por el relato de género de
Fredric Brown, que con
‘La noche a través del espejo’ plantea una novela
negra con la obra de Carroll como punto de fuga.
El manejo que el autor demuestra tener del género
resulta encomiable: los
capítulos se cierran dejando al lector con alguna sorpresa, como si el libro fuese una serie adrenalínica, y la narración se
despliega en una primera
persona que recuerda a
las voces en off del cine
S
D
Bogart, paradigma del héroe del cine negro. FOTO: DT
negro, capaces de moverse entre flashbacks y saltos temporales.
El acierto de Brown está en la mezcla que propone, entre una trama
esencialmente noir y las
referencias a ‘Alicia en el
país de las maravillas’. La
trama tiene lugar a lo largo de una noche, en una
ciudad donde no debería
pasar nada excepcional.
Este lugar anodino se convierte en el escenario de
una aventura precisamente excepcional y hace que
‘La noche a través del espejo’ resulte una novela
tremendamente desprejuiciada, generosa en su
aproximación a la cultura popular. – VIOLETA
KOVACSICS
imon Limbres regresa
de una intensa jornada
de surf en una furgoneta
con amigos cuando tienen
un accidente. La muerte cerebral de Simon abre la veta a la posibilidad de trasplantar sus órganos y salvar la vida de varias personas
en las siguientes veinticuatro horas.
Maylis de Kerangal traza
cronológicamente los sucesos que siguen a la jornada de surf de Simon, hasta
el trasplante de su corazón
en una mujer, una traductora literaria de cincuenta
años. Se esbozan las distintas acciones separando bien
los espacios y los tiempos,
y también los personajes
que entran en ese fluir tan
rápido que no frena, que no
dispone apenas de puntos
para respirar. La voz del narrador se convierte en la voz
de todos esos personajes,
entre los que se percibe la
irreversibilidad de la muerte: un colectivo con un fin
unilateral.
La narración, poética rítmica y filosóficamente, sumerge al lector en la conmoción de la madre de Simon, Marianne, quien, a
El rumor del mar acompaña la presencia de Simon hasta el
final. FOTO: HTTP://WWW.PUBLICDOMAINPICTURES.NET
pesar de todo, sigue esperando que su hijo cruce la
puerta y la vida continúe
igual; también en la espera
de su novia Juliette, su corazón, tras haber discutido
con Simon esa noche; y en
el apuro del especialista Rémige, que debe exponer la salida del trasplante como vía
de salvación para otros y, a
la vez, respetar el shock de
los familiares que ven latir
el corazón de su hijo mientras los demás le dan por
muerto.
Cada personaje lleva implícito su propio esquema,
su propio cosmos, que le
permite experimentar la
tragedia acontecida de una
manera concreta. La autora consigue llenar los huecos, los vacíos, de palabras
y más palabras que revelan,
apuntan, conectan, hienden… con la misma precisión que operan a Simon y
extraen su joven corazón
colmado de (SU) vida, para
que empiece a latir en otro
tórax, con otra sangre y otra
vida.
Y, como un rumor incesante y líquido, en el fondo
de todas las acciones, de todos los pensamientos y de todas las dudas, suenan las
olas que Simon lleva con él,
la erosión demasiado temprana de su propio tiempo.
–ANA PUNSET
literatura encuentros 11
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
¿Cómo se camina un relato?
Una exposición en el CCCB muestra la influencia del escritor W.G. Sebald en el arte contemporáneo
MARC CAELLAS
El desfase entre las 100 mariposas
amarillas usadas en la escenografía del homenaje a Gabriel García
Márquez, que la Casa América Catalunya organizó el año pasado, y
las 30 mil mariposas negras del
artista mexicano Carlos Amorales que estos días pueblan el Centro de Cultura Contemporánea
de Barcelona (CCCB) podría ser
el disparador de una animada discusión sobre norte y sur, literatura europea y latinoamericana, instituciones culturales ricas y pobres, y muchos otros temas que
desbordan las limitaciones de este texto. Lo cierto es que releyendo el capítulo que Graciela Speranza dedica a la pieza de Amorales en su formidable ‘Atlas portátil
de América Latina’, se entiende y
admira el gesto heroico e inútil,
que diría Francis Alys, de pegarlas
a mano una a una, para que esta
bandada sobrevuele (nunca mejor dicho) la exposición sobre W.G.
Sebald que comisaría el escritor
“amplificado” Jordi Carrión en el
CCCB. Esa dark cloud –cuya primera visión augura un esplendoroso futuro como decorado de selfies- condensa en su atribulada
génesis y desarrollo la mayoría de
temas que vertebra la exposición
que se inauguró el pasado 10 de
marzo: historia, memoria, ficción,
original, copia.
Mano de Sebald con mariposa nocturna. © DEUTSCHES LITERATURARCHIV MARBACH
«Hace solo unos días consulté el pasaje de Darwin, que me
mostró una vez, donde se describe una bandada de mariposas volando sin interrupción durante
varias horas a diez millas de la costa suramericana, en la que era imposible, incluso con el catalejo,
encontrar un trozo de cielo vacío
entre las tambaleantes mariposas.»
Fragmento de ‘Austerlitz’, la gran
novela de Sebald
Escritor pirómano, artista del
bricolaje, caminante traumático
son etiquetas usadas para definir
a Sebald, uno de los escritores más
influyentes sobre el arte contemporáneo de comienzos del siglo
XXI. Los libros de Sebald, sin embargo, no son de fácil acercamiento. Exigen un lector dispuesto a
acompañarle con calma en sus viajes físicos y mentales. Ese caminar despacio lo une al universo de
Robert Walser, a quien dedicó un
breve y emotivo texto titulado ‘El
Paseante solitario’, donde hace
una semblanza del genial autor
suizo a partir de las pocas fotografías que de él se conservan.
Walser junto con Benjamin,
Wittgenstein y Bernhard vendrían
a ser los maestros de referencia
de un autor que pensaba que “escribir es peregrinar por las palabras
Simon Faithfull 0º00. Navigation, 2009. © SIMON FAITHFULL
y vivir la vida de los autores que
uno ama”.
‘Sobre la historia natural de la
destrucción’, publicado oportunamente en 1999, fue un libro que
puso sobre la mesa, con cincuen-
‘Escribir es como
pasear por la
historia’
ta años de retraso, un asunto capital sobre el que prácticamente
no se había debatido antes: la destrucción completa de varias ciudades alemanas a cargo de los bom-
barderos aliados, dejando más de
600 mil muertos, civiles casi todos,
y con casi 8 millones de personas
sin casa, todo ello llevado a cabo
cuando la guerra estaba ya prácticamente terminada y el ejército
nazi desmembrado. Y es que, para W.G. Sebald, “escribir es como
pasear por la historia y por la biblioteca de la vida”.
La exposición se plantea, ya
desde el subtítulo, como un espacio donde arte y literatura se cruzan. El visitante se encuentra con
instalaciones de escritores como
Julià de Jodar o Valeria Luiselli,
textos escritos para ser escuchados con atención, sentados, en un
entorno silencioso. Más lograda
es la propuesta de la poeta colombiana Piedad Bonnett que, además de escribir un poema ad hoc,
se apropia de las páginas de ‘Los
anillos de Saturno’ y las interviene con los pinceles de su hijo artista, cuyo suicidio inspiró ‘Lo que
no tiene nombre’, texto de lectura obligada para los amantes de la
buena literatura.
Destacaría por encima del resto la pieza de Nuria Güell. La “artivista” catalana revive las identidades de seis guerrilleros catalanes, cinco de ellos asesinados por
las tropas franquistas. A través de
una tarjeta de crédito registrada
a nombre de Salvador Gómez Talón, uno de los maquis asesinados
en 1939, la artista compra mercancía promocional que la Fundación Francisco Franco vende
para promocionar y glorificar la
figura del dictador. El “merchandising” fascista, después de ser
registrado por las cámaras, es enterrado en una cuneta, al mejor
estilo del régimen. Todo esto se
muestra en un vídeo de diez minutos colocado al lado de un archivador donde el visitante es invitado a llevarse fotografías de los
cadáveres de estas personas. Cabe añadir que, hasta el año 2004,
esta fundación recibía dinero público del Ministerio de Cultural
español.
Estimulante y obsesivo es también el trabajo de Simon Faithfull.
Su ‘0º00 Navigation’ es un vídeo
en el que el propio artista recorre
la parte inglesa del meridiano de
Greenwich. Nada detiene la marcha del artista. Ni las verjas ni las
casas ni los accidentes geográficos
son obstáculo para una hipnótica caminata en línea recta que observamos desde atrás, como si siguiéramos al artista en su dificultoso delirio por la campiña inglesa.
Solo nos quedaría lamentar la
fallida “perfomance”, por llamarla de algún modo, que Pablo Hel-
30 mil mariposas
negras sobrevuelan
el CCCB
guera -conceptualizador de la exposición- presentó durante el acto inaugural y que estaba inspirada
en ‘Los emigrados’, otro gran libro
de Sebald. Unos músicos desaprovechados, unos actores desubicados y unas proyecciones insulsas y repetitivas ahuyentaron
al numeroso público que llenaba
el teatro del CCCB. Una pequeña
sombra, apenas imperceptible,
para una exposición con mucho
recorrido por delante.
‘Las variaciones Sebald’
CCCB – Barcelona
C/ Montalegre, 5
Hasta el 26 de julio
12 encuentros arte
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
Sophie Calle: el arte y
vida de ayer
CRISTINA GARRIDO
A principios del s. XX, los dadaístas quisieron demostrar que el
arte podía tomar formas mucho
más diversas e inmateriales, hasta el punto de proclamar que la
misma vida podía ser, en sí, una
obra de arte, y viceversa. Esta idea
permanecería en los movimientos artísticos a lo largo del s. XX:
los Neo-Dadaístas de los 50 y 60
(con colectivos y artistas como
Fluxus o Joseph Beuys, entre
otros). La performance a partir
de los 60, y sobre todo a lo largo
de los 70 y los 80 (que abarcaría
ámbitos de la vida y la política,
como la identidad, el cuerpo, la
raza, la orientación sexual, el género o la condición social). O los
movimientos de los 90, que Nicolas Bourriaud llamaría “arte relacional” y que, más despolitizados y cargados de poética, usarían la experiencia con las personas
como materia prima para la creación artística (las comidas de
Rirkrit Tiravanija, las acciones
de Mauricio Cattelan, de Alicia
Framis o las de Francis Alÿs, entre muchas otras).
El arte y la vida han sido, en definitiva, dos ámbitos tratados de
manera conjunta por muchos artistas a lo largo del s. XX. Estos
han desarrollado su obra sin po-
der distinguir dónde empezaba
una y dónde acababa la otra.
De la generación de creadores
entre los 80 y los 90, una de las
artistas destacadas fue la francesa Sophie Calle. Nacida en París
en 1953 y de origen judío, Calle se
dio a conocer por utilizar su experiencia personal como materia
prima para su obra artística, suscitando cuestiones sobre los límites que existen no solo entre
el arte y la vida, sino entre lo personal y lo colectivo, entre lo íntimo y lo público, entre lo individual y lo común.
Este marzo, La Virreina Centre de la Imatge ha inaugurado
una exposición de esta artista
francesa, que recopila algunas de
sus obras más emblemáticas. Bajo el título ‘Sophie Calle. Modus
Vivendi’, la muestra hace referencia directamente a la unión
del arte y la vida en la obra de la artista. En la exposición podemos
ver trabajos como ‘Los Ciegos’
(1986), una serie de retratos a personas ciegas que, más allá de la
fotografía, incluyen descripciones realizadas por ellos sobre qué
es lo más bello que han visto, e
imágenes a partir de esa descripción. ‘No Sex Last Night’, el vídeo del ‘road trip’ que Calle hace
con su pareja justo en el momento de declive de su relación. O
‘Prenez Soin de Vous’ (cuídese),
donde la artista pide a un gran número de mujeres que interpreten
la carta de ruptura sentimental.
La obra de Calle crea momentos y acciones que generan un espacio mágico y excepcional dentro de lo real. Un espacio donde lo
bello, lo poético y lo melancólico inunda lo cotidiano. A su vez,
su obra se nos presenta hoy algo
problemática debido al tono melodramático con el que trata algunos temas, ya que es un retrato constante de una feminidad
frágil, algo que en movimientos feministas posteriores ha sido muy
cuestionado. Viendo su obra en
conjunto, no cabe duda de que
Sophie Calle es un referente del
movimiento arte y vida, pero también queda claro que ya no representa a este movimiento en la contemporaneidad. En un momento tan político como el de hoy, ya
existe una serie de artistas de otras
generaciones que están trabajado el arte y la vida desde temas
que representarían mucho mejor la realidad actual, como la economía (precariedad laboral, trabajo inmaterial, deuda, etc.), los
derechos civiles (movimientos
sociales, luchas ciudadanas, lo
común, etc.) o los derechos humanos (discriminación, inmigración, género, etc.).
‘Prenez soin de vous. Chanteuse de tango’, Débora Russ. FOTO: © SOPHIE
CALLE/ADAGP, PARÍS, 2015. CORTESÍA GALERIE PERROTIN Y PAULA COOPER GALLERY.
La exposición, por su parte,
representa una muy buena oportunidad para ver la obra de Calle
en conjunto, que no tenía una exposición de estas dimensiones en
el país desde hace casi diez años.
Una muestra que, a su vez, representa una apuesta segura por parte del Centro, en esta línea de programación que parece estar desarrollando a base de artistas
mundialmente reconocidos -como la misma Sophie Calle o Ai
Wei Wei-, en un momento bastante crucial justo antes de las
elecciones.
Sophie Calle. Modus vivendi
La Virreina Centre de la Imatge
La Rambla, 99 – Barcelona
Hasta el 7 de junio
Sobre la apertura del Museo de Culturas de Barcelona
O cómo golpearse contra la misma piedra una y otra vez
ANNA DOT
El Museo de Arte Precolombino, ubicado en el Palau Nadal
de la calle Montcada, en el turístico barrio del Born y frente al Museo Picasso, cerró en
2012 debido a la venta a un tercero de la totalidad de la colección de Jean Paul BarbierMüller, que hasta entonces había ocupado el mencionado
edificio gótico. Habiéndose
quedado literalmente con nada, el Ayuntamiento empezó a
trabajar en la búsqueda del material que pudiera llenar lo que
ha acabado nombrándose como
Museo de Culturas del Mundo
–que no Museo de las Culturas del Mundo-, en lo que, siendo ingenuos, podríamos llegar
a ver como un esfuerzo por dejar atrás las connotaciones históricas negativas que inevitablemente acompañan la palabra “precolombino”.
Se buscó material “representativo de la diversidad artística y cultural del mundo”, según se explica en la web oficial,
y algo encontraron. El museo
se abrió al público el pasado
mes de febrero en el estratégico emplazamiento, ofreciendo entrada gratuita hasta el 7
de abril, y con una muestra de
más de 2.000 piezas procedentes de todos los continentes
del mundo excepto Europa.
Los tratos entre el consistorio
y agentes privados han dado
sus frutos: la Fundación Folch
ha cedido su colección en préstamo de uso durante 20 años;
la Fundación Arqueológica Jordi Clos ha cedido 37 piezas con
las que ha cubierto “el vacío
importante en cuanto a la América precolombina” con el que
contaba el proyecto, según afirmó Jaume Ciurana el pasado
enero; y la colección arqueológica Duran Vall-llosera también ha contribuido. Además,
las piezas internacionales más
valoradas del Museo Etnológico de Barcelona fueron trasladadas al nuevo museo, dejando al etnológico con piezas
representativas únicamente
de las costumbres catalanas.
Piezas de la colección Folch en el Museo de Culturas del Mundo. FOTO:
MUSEO DE CULTURAS DEL MUNDO
El acto provocó críticas por
parte del sector académico y
los partidos de la oposición,
que denunciaron la voluntad
puramente ideológica de tal
decisión y el atentado contra la
Etnología en el contexto catalán que este gesto supone.
Otras reacciones, como la
manifestación del menospreciado Ateneu Enciclopèdic Po-
pular frente al nuevo museo el
día de su inauguración, han ido
acompañando cada paso del
museo. Y no sorprende, porque al pensar en lo aquí mencionado del proyecto de Xavier
Trias y compañía, una no puede sino sospechar de los intereses económicos y políticos
que se esconden detrás del hecho de abrir un museo como
este en un sitio como ese. Resulta fácil formular cuestiones relativas tanto a la ética
del proyecto desde una óptica
post-colonialista, como a la
sostenibilidad, viabilidad y
consecuencias de este acto en
el sector etnológico y antropológico de la ciudad. ¿Era realmente necesaria su creación,
si ya se estaba trabajando en
la remodelación del Museo Etnológico? ¿De qué va a servir
un Museo Etnológico específico de la cultura catalana, más
allá de la propaganda nacionalista? ¿Qué discurso está generando un museo sobre culturas que no incluye a la propia
y que sigue una metodología
tan antagónica como la que se
detecta en este caso? De todos
modos, no hacen falta piezas
que representen nuestra cultura: por suerte o por desgracia,
los hechos hablan por sí solos.
Museu de Cultures del Món
C/ Montcada 12 -Barcelona
Entrada libre hasta el 7 de abril
arte encuentros 13
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
Reenfocando balances
La buena labor del Teler de Llum no debe rebajar la necesidad de un Centro de Arte con
espacio y programa propios en Tarragona
MARINA VIVES
A principios de este mes se hizo
público el balance de actividades del primer año de andadura
del Teler de Llum, el proyecto
desarrollado por y desde el Ayuntamiento de Tarragona tras el
desmantelamiento del anterior
Centre d’Art –CA Tarragona (dirigido este, tras concurso público, por un equipo liderado por la
comisaria independiente Cèlia
del Diego). Además de la explicación de las actividades realizadas en los primeros doce meses
del Teler, también se presentaron
las acciones venideras, que afianzan y consolidan las tres líneas programáticas (l’Art a la ciutat, l’Art
i tu, l’Art web) de un proyecto
intencionadamente localista,
tanto en términos de artistas y
agentes participantes como de
público objetivo. Básicamente,
pues, el Teler de Llum funciona
–sin complejos- a partir de suministrar recursos y directrices,
y el sector local provee contenidos. Quizá conviene ir al detalle
de lo que tendremos en 2015 –si
todo va bien- antes de pensar en
otro tipo de balance posible.
En el apartado de L’art a la ciutat se dará continuidad a Display
(los plafones metálicos en varios emplazamientos de la ciudad, proyecto de Laboratori Visual), con intervenciones de Cristina Lavilla, Eneko o el Roto a lo
largo del año. El proyecto del colectivo Kunstainer Estació Creactiva también crece y se consolida: con Poesia en moviment (intervención de Joana Bravo que
podemos ver en algunos buses
de la ciudad); con artistas como
Spy o Nil Bartolozzi y con la intervención en algunas marquesinas de paradas de bus en la segunda mitad del año. El Teler
apoya también en este apartado
los proyectos Murs que parlen, de
la Asociación Poligon Cultural
o De Temporada, proyecto colectivo de fotógrafos locales.
También continúa RISC –en colaboración con el REC-; la pantalla de la Tabacalera, con un proyecto comisariado por Chantal
Grande; la promoción del espacio CRAI (en la biblioteca del
Campus Catalunya, Universitat
Rovira i Virgili) como espacio
expositivo; o la intervención por
parte de un artista local en dos
páginas de cada número de la revista Artiga.
Transmissions y La Capsa Ambulant, ganadores del concurso
de mediación llevado a cabo hace un año, siguen desarrollando
su proyecto, este año con artistas como Sergi Quiñonero, Alba
Rodríguez, Pau López o Lluc Que-
Propuesta gráfica del estudio Domo-A para el Teler de Llum. FOTO: CEDIDA
ralt y Espe Cobo en el primer caso; o Txus García, Nil Bartolozzi,
Ester Fabregat, Associació Polígon Cultural, Mar Borrajo o Gerard Gil en el segundo. En ambos casos, la idea es generar una
experiencia artística que vincule, que genere comunidad. Además, dentro de la línea Art i tu
del que ambos proyectos forman
parte, se encuentra un tercer proyecto “l’artista va a l’escola”, mediante la cual varios artistas locales estarán visitando colegios
públicos a lo largo del año 2015,
una actividad de acercamiento
y mediación que ya se ha demostrado muy beneficiosa en otras localidades catalanas.
La actividad del
Teler de Llum es
imprescindible
“Tot l’espai per l’art” es el lema de un Teler que pretende iluminar tantos espacios inicialmente no dedicados al arte –o no
solo- como sea posible. Así, se ha
desarrollado una tercera línea,
en coherencia con el tiempo que
vivimos, que busca explorar “l’Art
Web”, no desde una perspectiva
solo de comunicación e información; no como la ya anticuada ola
del “net-art”, sino más allá, generando contenidos por y para
el espacio web. En ella se incluye
la inclusión de l’Irradiador (proyecto iniciado por el antiguo CA)
en la Wikipedia o el proyecto Art
per la ràdio, de Roger Conesa y
Espe Cobo, que emitirá online
grabaciones para el medio radiofónico. Quizá por falta de tiempo de desarrollo, esta línea parece ser la menos explotada desde
la dirección del Teler, sobre todo considerando las posibilidades que contiene.
Repasadas las actividades de
las tres líneas del Teler para 2015,
resulta obvio que es un buen momento para el sector local: si bien
ha padecido -como todos en el
ámbito cultural- los recortes de
una crisis sin amor por el arte,
también ve ahora cómo un ayuntamiento con “mucha disposición” le tiende la mano y suelta algo, aunque sea poco, para llevar
a cabo unas actividades que, de
otro modo, no podrían haber existido o hubieran encontrado otras
vías de supervivencia y desarrollo. Pero ¿qué pasa si, en vez de
dar luz a los agentes, lo analizamos desde otro punto de vista?
¿Qué pasa si, por un momento,
descartamos los nombres y números incluidos (esto que tanto
empaque confiere -sobre todo si
son muchos- cuando lo que buscamos es publicar resultados)?
Pongamos que el zoom del balance se vuelve necesariamente
más amplio. Que buscamos más
recorrido, más planificación. Mirando atrás, el Teler de Llum nace cuando termina el Centre d’Art
(CA) como lo conocimos (y como algunos intentamos defender). Poco después, Begoña Floría sustituyó a Carme Crespo como regidora de cultura y, con ella,
se tomaron decisiones. Entre
otras, que el Centre d’Art estuviera coordinado –sin concurso,
ni evaluación de proyecto, ni análisis de resultados- por el cuerpo técnico (bajo mandato político) del Ayuntamiento. Al menos, esta solución a medio camino
era mejor que la asignación “a dedo” de un equipo externo al Ayuntamiento tal y como había planteado Crespo. También indicaba claramente una voluntad de
mantener un espacio para la creación contemporánea en la ciudad, aunque las dudas fueran obvias en cuanto a la capacidad de
evaluación y control del mismo:
¿quién vigilaría al vigilante?
Y a pesar de los riesgos evidentes del nuevo escenario, los resultados mostrados, tras un año
de actividad, son dignos de mención. Considerando las posibilidades y recursos, la estrategia
política (o técnica) ha sido de lo
más inteligente. Acaso basándo-
El Centre d’Art
sigue sin tener un
espacio propio
se en estudios de mediación de
conflictos (me viene a la cabeza
la Escuela transformativa), se ha
logrado con asertividad transformar el escenario: lo que fue
un sector “enfadado” se ha apaciguado bajo un modelo de gestión
que alcanza la estabilidad por medio de la inclusión de la tensión,
concediendo espacio a distintas
voces. En Discursos, Maquiavelo (sí, el del Príncipe) afirma que
el mejor gobierno es una República “bien organizada”, ya que
logra dar participación a los partidos de la comunidad para de esta manera “contener el conflicto
dentro de la esfera pública”. Sustituyendo “partidos de la comunidad” por “agentes locales del
contexto artístico” se cumple la
fórmula. Al incluir a la mayoría
de agentes y de creadores de Tarragona (Kunstainer, Laboratori Visual, SCAN, REC, artistas individuales, etc.) se ha conseguido calmar un sector que tenía
como principal crítica del anterior proyecto la ausencia de conexión con lo que se estaba haciendo ya en la ciudad.
No obstante, el Centre d’art actual sigue sin tener un espacio
propio de actividades en los que
poder desarrollar una propuesta estable; no solo expositiva, sino de actividades, de encuentros, de vinculación –espacial,
emocional, experiencial-. También sigue careciendo de una dirección (o coordinación) independiente, elegida por concurso público y por unos criterios
de selección profesionales. Hacer de las carencias virtudes es
una solución más antigua que el
andar a pie. Esta situación (“art
a la ciutat, art i tu, art web”) implica una dosis muy alta de resolución práctica, de determinación para no estancarse, de llevar
las cosas adelante de la manera
que sea. Pero también implica
un conformismo y una aceptación que roza la resignación cobarde.
La actividad del Teler de Llum
es imprescindible y se está llevando a cabo en beneficio de un
sector que necesitaba –por fin- un
apoyo consistorial claro. No obstante ¿en qué momento consideramos este trueque entre ayuntamiento y sector cultural una
propuesta válida como sustituta de un Centro de Arte? ¿Cómo
puede desarrollarse, bajo este
manto de comodidad –¿y conformismo?- una propuesta que trascienda el localismo? ¿Cómo puede no ser esta –la trascendenciauna intención prioritaria de cualquier gestión cultural? ¿Por qué
no se lucha desde el sector por
la co-existencia del Teler de Llum
(o de lo que este lleva a cabo) y un
centro de arte en el que poder
ver exposiciones de arte actual,
bajo una dirección con línea conceptual, con discurso? ¿Dónde
queda el espacio para la crítica,
algo que muchos consideramos
razón de ser del arte contemporáneo, si todos somos institución?
14 encuentros subastas
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
La comedia del arte
OLGA SÁNCHEZ-FRIERA
En la sala Fernando Durán de
Madrid, los días 9 y 10 de marzo
se celebró una subasta que consiguió un sorprendente resultado para un cuadro de Pietro Paolini (Lucca, 1603-1681). Se trata de una obra inédita, titulada
‘Tiberio Fiorilli como Scaramouche’, que podría datarse en torno a 1630 y que, con una salida
de 35.000 euros, alcanzó un precio final de 242.000 euros. El lote lo compró un anticuario francés tras una batalla con otros pujadores, todos vía teléfono.
No sé si la obra tiene más interés para la historia del Teatro
o para la del Arte, puesto que representa a uno de los actores
más completos e importantes
del teatro italiano en Francia,
Tiberio Fiorilli. Se hizo famoso
por interpretar a Scaramouche,
un papel heredado directamente de su hermano mayor, Giovanni Battista, y que representó por teatros italianos y franceses durante más de medio siglo.
La identificación entre personaje y actor fue tal que, en la biografía de Fiorilli, resulta difícil
separarlos.
Considerado el maestro del
dramaturgo Molière, Tiberio
Fiorilli (Nápoles 1608-1694) contribuyó de manera determinante a la consolidación del teatro
italiano en Francia. Fue un actor completo, dotado de un don
innato para la interpretación,
que supo trascender y superar
los límites que supone la recitación y explotar al máximo sus
recursos mímicos, conquistando el favor del público extranjero. Se dice que, como el perso-
Biblioteque Nationale de France, Département des Estampes),
que recuerda a la iconografía del actor vestido de Scaramouche.
A partir de este grabado, la historiadora
Maria Ines Alioverti
identificó un retrato
del actor también realizado por Paolini, en
un lienzo muy similar
en composición y estilo al que se vendió el
pasado marzo.
De Pietro Paolini
(Lucca, 1603-1681) hay
obra en varios museos
de Italia, principalmente en Lucca, y de
otras partes del mundo. Como muchos
otros pintores barrocos italianos, pasó una
larga época en Roma y
su obra estaba muy influenciada por la corriente caravaggista.
No se sabe con certeza cuándo se ejecutó el
lienzo; se cree que fue
durante la estancia de
Pietro Paolini (Lucca. 1603-1681), ‘Tiberio Fiorilli como Scaramouche’. Medidas: 92.5 x 121 cm. Óleo sobre lienzo.
Paolini en Roma, anPrecio Salida: 35.000 €. Remate Premium: 242.000 €.
tes de 1631, en el monaje, procedía de una familia de cediera en su ayuda y el sobera- fulcas para huir después. Vesti- mento en que vuelve a Lucca demisteriosa nobleza y se relacio- no mandó que cogieran a su es- do con un elegante traje negro, finitivamente y antes de que Fionó siempre con la aristocracia. posa, le afeitasen la cabeza y la in- con guitarra en lugar de espada, rilli se trasladara para siempre a
Llegó a ser uno de los artistas fa- ternaran en un convento. A re- llevaba el rostro descubierto pa- París en 1640.
En el mismo catálogo, Fernanvoritos de Luis XIV de Francia, sultas de lo cual, el actor murió ra poder tocar la guitarra, cantar
do Durán sacaba a mercado otra
y la Reina y el cardenal Mazari- olvidado y solo en la calle Tique- y bailar en escena.
La identificación del perso- pieza de pintura antigua y barrono apadrinaron a algunos de sus tone de París, el ocho de diciemnaje protagonista del cuadro con ca que se esperaba que alcanzahijos. Su triste final parece tam- bre de 1694.
También Scaramouche nació el actor Fiorilli se debe a que se un gran resultado. Se trataba de
bién fruto de la identificación
con el personaje. Se casó a los en Nápoles, como su actor, hacia existe un grabado atribuido a “La Sagrada Familia”, del napo80 años con una joven que le cau- finales del siglo XVI. Su carác- Jean Lepautre, basado proba- litano Andrea Vaccaro. La pieza se
só más problemas que alegrías, ter estaba entre el bufón y el Ca- blemente en una imagen reali- vendió, pero no alcanzó más que
recurrió al Rey para que inter- pitán, siempre proclive a las tri- zada por Henry Gissey (París, su precio de salida, 40.000 euros.
PRÓXIMAS SUBASTAS NACIONALES
Madrid
Ansorena Subastas
8,9 y 10 de abril de 2015
Subastas Duran
22 y 23 de abril de 2015
Goya
27 de abril de 2015
Barcelona
Lamas Bolaño
9, 10 y 11 de abril de 2015
Esperando al pasado
‘Esperando al pasado’ es el título de una importantísima subasta que va a realizar Christie’s
el 11 de mayo, en Nueva York. Se
trata de una venta especial, por
la calidad de sus lotes y por el
tema. Son obras que han sido
creadas en el siglo XX, pero utilizando como fuentes de inspiración obras del pasado. Lidera la venta un espectacular cuadro de Picasso, ‘Las mujeres de
Argel’ (versión O), de 1950. El
último y el mejor terminado de
los cuadros de las series que el
pintor realizó entre 1954 y 1955.
Son obras en las que Picasso revisa y se inspira en la obra del
pintor francés del siglo XIX,
Eugène Delacroix, ‘Mujeres de
Argel (en su apartamento)’, que
fue pintado en 1834 y hoy se encuentra en el Museo del Louvre.
El cuadro que sale a licitación
salió ya a subasta en Christie’s
en 1997, cuando se vendió la co-
Pablo Picasso. ‘Les femmes d’Alger (Version «O»)’. Óleo sobre tela
114 x 146.4cm.
lección de Victor y Sally Ganz.
La venta consiguió batir grandes récords y ahora se espera
que el cuadro consiga, por sí solo, alcanzar una cifra alrededor
de 140 millones de dólares. –O.S.F.
agenda encuentros 15
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015
Tarragona
TEATRE
TEATRE TARRAGONA
(Rambla Nova, 11 Tarragona)
TITUS ANDRÒNIC, de William
Shakespeare. Sota l’imperi de la
venjança, i sense justícia, Roma només
trobarà la seva destrucció. Tamora,
reina dels gots, ha perdut la guerra davant les tropes del general Titus. Però
el destí la portarà a seure al tro de l’imperi romà amb el desig d’acabar amb
el general que la va humiliar. Titus
Andrònic només viurà per ser vexat
i anorreat. Aquest és el segon treball conjunt de la companyia local
Fabulae Tarraconenses i el director
Miquel Àngel Fernández. aquesta vegada han deixat les togues a l’armari
per fer una mirada contemporània a
aquesta tragèdia clàssica tant fascinant com gamberra. Dies: 11 i 12
d’abril Horari: dissabte a les 21 h i
diumenge a les 18.30h. Entrades:
De 12 a 14 euros.
TEATRE TARRAGONA
(Rambla Nova, 11 Tarragona)
FEDRA, de Jean Racine. Una obra
mestra del gran autor francès del segle
XVII, interpretada per dues de les nostres millors actrius ( Emma Vilarasau i
Mercè Sampietro) i dirigida per un dels
autors i directors més emblemàtics
de la dramatúrgia catalana contemporània (Sergi Belbel). Un autèntic trio
d’asos! Fedra, enamorada del seu fillastre Hipòlit, no escolta el que li dicta la raó i, cegada per la passió, li confessa el seu amor. Ferida pel rebuig d’Hipòlit,
Fedra torna a deixar-se portar per un
arravatament i calumnia en públic el seu
fillastre. En la seva versió d’aquesta
tragèdia universal, Racine ens mostra
la lluita interior d’un dels personatges
femenins més atractius de la història del
teatre: una dona independent, forta i
decidida que, malgrat les seves virtuts,
acaba essent víctima de la seva irrefrenable passió humana. Racine compon
en aquesta tragèdia un retrat profund,
apassionant i colpidor del desig i de la
sexualitat femenines. Té tots els números de convertir-se en l’èxit de la temporada. Dia: 25 d’abril Hora: 21.00 h. Entrades:De 12 a 26 euros.
LITERATURA
TEATRE FORTUNY
(Plaça Prim, 4 Reus)
EL QUIJOTE DE LA MANCHA, de Miguel de Cervantes. Dues de les grans
veus del doblatge i de l’escena nacional:
Camilo García (veu en castellà d’Anthony Hopkins, Harrison Ford, Gene
Hackman, Gérard Depardieu, entre
d’altres) i Jaume Comas (veu en català de Liam Neeson, Michael Caine,
Burt Lancaster, Richard Jenkins, etc.),
recitaran una selecció dels millors episodis que conten la història d’Alonso Quijano, singular personatge obsessionat
per les novel·les de cavalleria, que
acompanyat pel seu fidel escuder, en Sancho Panza, emprendrà un viatge a la recerca de les aventures i desventures que
menen la vida i obra dels cavallers
errants. Dia: 7 d’abril Hora: 21 h. Entrades:15 euros.
TEATRE FORTUNY
(Plaça Prim, 4 Reus)
XXX GALA DE DANSA. L’Associació
de Professors de Dansa de les comarques de Tarragona vol celebrar la seva
trentena gala a la ciutat de Reus. Una associació en més de 34 anys d’història que
avalen el seu compromís amb la dansa,
i als seus membres, tant a nivell educatiu com artístic. Una gala amb convidats
especials, ballarins professionals que
ens volen acompanyar en aquesta celebració, així com les peces coreogràfiques que diferents coreògrafs de les nostres comarques portaran a l’escenari del
Teatre Fortuny. També, celebrem amb
aquest acte, el Dia Internacional de la
Dansa (que és el 29 d’abril), on es llegirà
el manifest que anualment publica
l’UNESCO. Dia: 25 d’abril Hora: 21 h. Entrades:10 euros.
BALLET
MÀGIA
TEATRE TARRAGONA
TEATRE TARRAGONA
(Rambla Nova, 11 Tarragona)
BALLET NACIONAL DE ARGENTINA.
El flamant Ballet Nacional de Argentina passa per Tarragona en la seva primera gira amb un programa espectacular. La companyia és fundada al gener de 2014 pel Ministeri de
Desenvolupament Social de la Nació,
creant d’aquesta manera el primer Ballet Nacional del país. Després de 32 audicions nacionals desenvolupades durant els últims quatre mesos de l’any 2013,
i sobre un total de 1.200 aspirants, el jurat va seleccionar els ballarins que integren el cos del Ballet Nacional. Iñaki Urlezaga va ser designat com a director general i artístic, acompanyant un
equip de dotze professionals entre
mestres, assagistes, kinesiòlegs i operadors. Iñaki Urlezaga, ballarí argentí d’origen basc, va ser parterner de Tamara
Rojo i estrella del Royal Ballet de Londres durant deu anys i per la seva trajectòria el govern li ha confiat portar
la Compañía Nacional de Ballet Clásico de Argentina. Des del seu debut
oficial el 28 de març de 2014 al Teatro
Coliseo de Buenos Aires, la companyia ha realitzat temporada a la mateixa
ciutat amb quatre programes artístics i posteriorment ha sortit de gira nacional i internacional. Una manera
immillorable de celebrar el Dia internacional de la Dansa. Dia: 29 d’abril
Hora: 20.30 h. Entrades: 24 a 32 euros.
(Rambla Nova, 11 Tarragona)
LARI POPPINS MAG LARI. Si mireu al cel veureu que hi ha alguna cosa que vola amb un paraigües... És
un ocell? Un avió? Nooo! És Lari
Poppins! Un espectacle que no té
res a veure amb la pel·lícula però que
tampoc no s’hi assembla! Per primera vegada el Mag Lari confessa:
“Mary Poppins és la meva mare,
per això faig màgia!”. Si us agrada el
RECTOR. 12 de abril. KRISTIAN BEZUIDENHOUT, FORTEPIANO. 14 y 15 de
abril. AMARGO Y AMIGOS. 18 de
abril. MAURIZIO POLLINI, Piano. 23
de abril. Entradas en taquillas y TELENTRADA, Teléfono 902 10 12 12.
HISTORIAS METÁLICAS. ARTE Y
PODER EN LA MEDALLA EUROPEA. Hasta el 18/10/2015. Martes a sábado, de 10 a 19 hores. Domingos y festivos,
de 10 a 14.30 h. Información: www.mnac.es
Mag Lari i la Mary Poppins ja teniu
l’espectacle de la vostra vida! Una
hora llarga farcida de màgia visual
i participativa us espera. Lari Poppins
és un espectacle perillosament familiar. Dia: 11 d’abril Hora: 18h. Entrades: De 10 a 14 euros.
Barcelona
TEATRO
CLUB CAPITOL
(Rambles, 138. Tel. 902 33 22 11)
SALA 2
ANIMALS DE COMPANYIA. Desde el
04/02/2015. IMPRO BARCELONA.
Sábados a las 22 h. Desde 14/02/2015
SALA PEPE RUBIANES
TONI MOOG - FOLLAMIGAS. Desde el 26/03/2015. CONFESSIONS DE
DONES DE 30. Del 22/04/2015 al
31/05/2015. Entradas en taquillas,
www.servicaixa.com y El Corte Inglés.
Información www.grupbalana.com
TEATRO BORRAS
(Plaça Urquinaona, 9. Tel. 93 412 15 82)
MORGADECES. EL SHOW. Hasta el
02/06/2015. NUES. Del 16/04/2015 al
31/05/2015. BERTO ROMERO. Hasta
el 02/05/2015. MONGOLIA «EL MUSICAL». Hasta el 18/04/2015. Entradas en taquillas, www.servicaixa.com y
El Corte Inglés. Información
www.grupbalana.com
Y SUS AMIGOS. Del 10/04/2015 al
12/04/2015. Entradas en taquillas, www.servicaixa.com y El Corte Inglés. Información
www.grupbalana.com
TEATRO CONDAL
(Av. del Paral·lel, 91. Tel. 93 442 31 32)
PELS PÈLS. Hasta el 6/04/2015. EL LAZARILLO DE TORMES. Del 8 al 26 d’abril
.Información: www.teatrecondal.cat
EXPOSICIONES
CENTRO DE CULTURA
CONTEMPORANEA DE
BARCELONA (CCCB)
TEATRO TIVOLI
(Caspe, 8. Tel. 93 412 20 63)
SISTER ACT. EL MUSICAL. Hasta el
26/04/2015. LOS VIVANCOS - AETERUM. Del 20/05/2015 al 07/06/2015. Entradas en taquillas, www.servicaixa.com
y El Corte Inglés. Información
www.grupbalana.com
VILLARROEL TEATRE
(Villarroel, 87. Tel. 93 451 12 34).
L’ÚLTIMA TROBADA. Del 1 de abril al 24
de mayo. Distancia siete minutos. Del
26 de mayo al 21 de junio . Entradas en Telentrada y en taquillas. Información
www.villarroelteatre.com
TEATRO COLISEUM
(Gran Vía de les Corts Catalanes, 595.
Tel 902 42 42 43).
LA NOCHE FLAMENCA DE BARCELONA. Del 01/04/2015 al 05/04/2015
ROUND ABOUT MIDNIGHT - DHAFER YOUSSEF. Hasta el 18/04/2015.
ROUND ABOUT MIDNIGHT - JANE
MONHEIT. Hasta el 02/05/2015. LA
GRAN ILUSIÓN. Desde el 15/04/2015
LOS MOTIVADORES: JOSEF AJRAM
Y EL LANGUI.10/04/2015. POCOYO
MANTE Del 9 de abril al 3 de mayo.
Información: www.teatregoya.cat
TEATRO ROMEA (Carrer de l’Hospital, 51. Teléfono: 933 01 55 04)
ELS VEÏNS DE DALT Hasta el 17 de
mayo. Información: /www.teatreromea.com
TEATRE GOYA CODORNIU
(C/ Joaquín Costa, 68. Tel. 93 343 53
23)
LAS AMISTADES PELIGROSAS Hasta el 5 de abril. LA PLAZA DEL DIA-
TANTARANTANA TEATRO
(C/ Les Flors, 22- 08001 Barcelona)
SOBRE EL FENÓMENO DE LOS
TRABAJOS DE MIERDA. Inspirada en el artículo “On the phenomenon
of Bullshit Jobs” de David Graeber .Del
2 al 26 de abril Miércoles a sábado, 21h
Domingo, 19h, 15€. Información:
www.tantarantana.com
MÚSICA
GRAN TEATRE DEL LICEU
(www.liceubarcelona.com)
OPERA
CARMEN, Georges Bizet. 17, 20, 23, 26
y 29 de abril de 2015 y 2 de mayo de 2015
I DUE FOSCARI, En versión concierto,
Giuseppe Verdi. 30 de abril y 3 de mayo.
PALAU DE LA MUSICA
CATALANA
(http://www.palaumusica.cat/es)
GUSTAV MAHLER JUGENDORCHESTER, JONATHAN NOTT, DI-
(Montalegre, 5. Barcelona).
ARISSA. LA SOMBRA Y EL FOTÓGRAFO, 1922-1936. Hasta el 12/04/15.
SHADOWLAND de Kazuhiro Goshima. Instalación audiovisual en 3D. Hasta el 12/04/15. LES VARIACIONS SEBALD. Hasta el 26/07/15. Información:
www.cccb.org
MUSEU D’ART CONTEMPORANI DE BARCELONA (MACBA)
(Placa dels angels, 1. Barcelona. Tel. 93 412
08 10).
ART & LANGUAGE INCOMPLETO. Colección Philippe Méaille.
Hasta el 12 de abril. CAR JE EST UN
AUTRE. PEP DARDANYÀ. El gran
vidrio. Hasta el 24 de mayo. Laborables de 11 a 19.30h, martes, cerrado; sábados, de 10 a 20h; domingos y festivos, de 10 a 15h. Entradas por Tel-Entrada 902 10 12 12.Información:
www.macba.es
MUSEU NACIONAL D’ART DE
CATALUNYA (MNAC)
(Palau Nacional Parc de Montjuïc)
CAIXAFORUM FUNDACIO
«LA CAIXA»
(Av. Marqués de Comillas, 6-8 Barcelona. Tel. 93 476 86 00).
VENTANAS AL MUNDO. Hasta el
31 de agosto. PIXAR. 25 AÑOS DE
ANIMACIÓN. Hasta el 3 de mayo. YO
VEO LO QUE TÚ NO VES. Hasta el
24 de mayo. ARTE MOCHICA DEL
ANTIGUO PERÚ. ORO, MITOS Y
RITUALES. Hasta el 7 de junio de
2015. TRES NARRATIVAS. MEMORIA. Hasta el 21 de junio.
Martes a domingo, de 10 a 20h. Lunes
cerrado. Entrada gratuita. Información: www.caixaforum.com
FUNDACIÓ JOAN MIRÓ
(Av. Miramar, 1. Sants-Montjuic)
PROPHETIA.Hasta el 07/06/2015. THE
WILSON EXERCISES. 27/03 - 24/05/2015
Información: www.bcn.fjmiro.es
16 encuentros
Diari de Tarragona
Dissabte, 28 de març de 2015