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Arte Sacro 2015
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XXV FESTIVAL DE ARTE SACRO
DE LA COMUNIDAD DE MADRID
Del 19 de febrero al 28 de marzo de 2015
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Arte Sacro 2015
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Índice
Arte Sacro 2015
19
28
FEB AL MAR 2015
PRÓLOGO
7
LAS CIFRAS DEL FESTIVAL
9
XXV FESTIVAL DE
ARTE
SAcRo
PROGRAMACIÓN
13
DOCUMENTACIÓN
MÚSICA, TEATRO Y DANZA
MÚSICA
TEATRO
Homenaje a Santa Teresa
19
Música sacra en la época de los Reyes Católicos
23
Laudate Dominum
27
Las sieteCINE
últimas palabras de Cristo en la Cruz, de
DANZA
31
Franz Joseph Haydn
Para el espíritu: órgano y gregoriano
EN IGLESIAS Y TEATROS
El Coro
y la Orquesta en el Barroco religioso
DE LA COMUNIDAD DE
MADRID
Ávila en el Renacimiento. 500 Aniversario del nacimiento
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ATROCINA
COLABORAN
37
41
de Santa Teresa
45
Réquiem en Sol menor de Domenico Cimarosa
49
Mapping
59
Zuipaqui
63
Auto Sacramental(Teatro y música en directo)
67
PARA MÁS INFORMACIÓN DEL FESTIVAL
Nova et Vetera
69
La música sacra en el tango
73
facebook.com/CulturaComunidadMadrid
#artesacro
De lo bello y sus formas
77
Omaggio a Santa Teresa de Ávila
83
Oficio de Semana Santa de Tomás Luis de Victoria
87
Concierto Música Sacra
93
El Códice de las Huelgas. Cantos femeninos del siglo XIV
97
Stabat Mater de Vivaldi y de Pergolesi
99
Misa de Santa Teresa, de Johann Michael Haydn
103
Todo Bach
107
Stabat Mater, de Francisco Andreví
111
Las siete palabras de Cristo en la Cruz. Música religiosa
en España en la segunda mitad del siglo XVIII
119
Danzas y Músicas religiosas árabes (Danza y música en directo)
123
Te Deum, de Marc-Antoine Charpentier
125
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Arte Sacro 2015
Cantos litúrgicos afrocubanos
129
De la mística en la música. Tras las huellas de Santa Teresa
133
La lírica espiritual en los trovadores medievales
137
Bach en suite
141
Cantigas Centenales. Corazón de Castilla
145
149
Lamentaciones de Jeremías
Música litúrgica en tiempo de Teresa de Jesús
153
Espirituales negros
157
El Cristo de la Quebrada
161
Maria et sacris canticis
165
Misterio del Cristo de los Gascones (Teatro y música en directo)
167
Sonatas de Albarracín
171
Canto Gregoriano para Cuaresma y Pascua
173
Cuarteto para el fin de los tiempos, de Olivier Messiaen
175
De lo profano a lo sacro
179
Réquiem, de Wolfgang Amadeus Mozart
185
CICLO DE ÓRGANO
Órgano romántico en el Madrid de 1900. Presentación
195
Primer Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia de Santa Cruz
197
Segundo Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia de Santa Cruz
201
Tercer Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia de Santa Cruz
203
CICLO DE CINE
El cielo sobre Berlín
207
El tercer milagro
207
Samsara
207
La noche oscura
207
La Biblia
207
DIRECCIONES
209
AGRADECIMIENTOS
215
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XXV
FESTIVAL DE ARTE SACRO 2015
Arte Sacro 2015
PRÓLOGO
La espléndida acogida de público que goza el Festival de Arte Sacro nos anima a
proseguir ofreciendo a los madrileños, y a todos cuantos nos visitan, unas propuestas
caracterizadas por su cuidada selección y su repertorio menos frecuente. El festival
constituye una manifestación artística original, única en su género, ya que, a diferencia
de otros certámenes de temática religiosa o espiritual, no se limita exclusivamente a
la música.
Arte Sacro, en su vigésimo quinto aniversario, durante seis semanas, del 19 de febrero
al 28 de marzo, ofrecerá un total de 56 funciones de música, teatro, danza y cine, en
40 espacios escénicos repartidos por toda la región.
La programación del Festival se conjuga con espacios emblemáticos como iglesias,
palacios, edificios históricos y teatros, así como con la utilización de órganos restaurados por la Comunidad de Madrid. En esta edición proponemos un ciclo en la Parroquia
de la Santa Cruz, cuyo órgano ha sido restaurado en 2014. De este modo, el Gobierno
regional revaloriza nuestro rico patrimonio histórico y arquitectónico.
Como corresponde a una región caracterizada por la extensión y la calidad de su producción artística, contaremos con 24 compañías procedentes de Madrid. No obstante,
el Festival, acorde con nuestra perspectiva de que la apertura cultural nos enriquece,
acogerá a grupos de otras partes de España, y a un buen número de extranjeros procedentes de Alemania, Argentina, Cuba, Siria, Estados Unidos, Francia, Italia, Republica Checa e Israel. Durante esas semanas tendrán lugar 28 estrenos, tanto absolutos
como europeos, en España o en la Comunidad de Madrid.
En la presente edición, Arte Sacro prestará especial atención a la conmemoración del
V Centenario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús, efeméride que constituirá uno
de los ejes de la programación del Festival. Con este motivo, seis conciertos serán
dedicados a la santa de Ávila.
Quisiera, para concluir, animar a todos los madrileños y a aquellos que se acerquen a
Madrid durante esas fechas a que participen y disfruten, un año más, de Arte Sacro.
Ana Isabel Mariño Ortega
Consejera de Empleo, Turismo y Cultura
Comunidad de Madrid
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Arte Sacro 2015
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XXIV
FESTIVAL DE ARTE SACRO 2015
Arte Sacro 2015
LAS CIFRAS DEL FESTIVAL
FECHAS Y ESPECTÁCULOS
Fechas: Del 19 de febrero al 28 de marzo de 2015
XXV edición
La programación está ordenada en 3 apartados:
MÚSICA, TEATRO Y DANZA
CICLO DE ÓRGANO
CICLO DE CINE
En total se presentan:
49 espectáculos
Música – 41
Teatro - 2 (con música en directo)
Danza – 1 (1 con música en directo)
Cine – 5
43 compañías: 35 españolas, 8 extranjeras
56 funciones
Música – 48
Teatro - 2
Danza – 1
Cine – 5
48 conciertos
9 conciertos con solistas, coro y orquesta
4 conciertos con solistas y orquesta
3 conciertos de coro y orquesta
3 conciertos de coro y órgano
6 conciertos corales
23 conciertos de música de cámara
28 estrenos
Estrenos absolutos: 5
Estreno en Europa: 1
Estrenos en España: 12
Estrenos en la Comunidad de Madrid: 8
Recuperación musicológica. Estreno en tiempos modernos: 2
35 espectáculos españoles
1 de Albacete, Soria, Madrid y Zamora
1 de Aragón
1 de Asturias y Murcia
4 de Castilla-León
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XXIV
FESTIVAL DE ARTE SACRO 2015
Arte Sacro 2015
LAS CIFRAS DEL FESTIVAL
2 de Cataluña
1 de Cataluña y Extremadura
24 de la Comunidad de Madrid
1 de Valencia
13 espectáculos internacionales
1 de Alemania
1 de Argentina y España
1 de Argentina, España y República Checa
1 de Cuba
1 de Egipto, Siria, Marruecos y Sudán
2 de Estados Unidos
1 de Estados Unidos y España
1 de Francia
1 de Francia y España
1 de Italia
1 de India, Francia, Italia y Alemania
1 de Israel.
ESPACIOS ESCÉNICOS
Los espectáculos tendrán lugar en 40 espacios diferentes:
21 espacios en Madrid Capital: Ateneo de Madrid, Centro Cultural de los Ejércitos,
Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas, Centro Cultural Pilar Miró, Escuela Técnica Superior de Ingenieros de Telecomunicación de la Universidad Politécnica de Madrid, Iglesia de San Jerónimo el Real, Iglesia de San Pedro el Viejo, Iglesia de Santa
Teresa y Santa Isabel, Iglesia de Santiago y San Juan Bautista, Iglesia Parroquial de
San José, Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro, Parroquia de la
Concepción de Nuestra Señora, Parroquia de la Santa Cruz, Parroquia Nuestra Señora de los Ángeles, Parroquia de Nuestra Señora del Carmen y San Luis Obispo,
Parroquia de San Manuel y San Benito, Parroquia Santuario de María Auxiliadora, Real
Conservatorio Superior de Música, Real Parroquia de San Ginés, Teatro de la Escuela
Superior de Canto (Palacio Bauer), Teatros del Canal (Sala Verde).
19 espacios en 18 municipios de la Comunidad de Madrid: Alalpardo (Iglesia Parroquial de San Cristóbal), Alcalá de Henares (Catedral Magistral de los Santos Niños),
Cabanillas de la Sierra (Iglesia Parroquial de San Juan Bautista), Colmenar de Oreja
(Iglesia Parroquial de Santa María la Mayor), Colmenar Viejo (Basílica de la Asunción de
Nuestra Señora), Collado Villalba (Parroquia de la Virgen del Camino), El Molar (Iglesia
Parroquial de Nuestra Señora de la Asunción), Getafe (Iglesia Catedral de Santa María
Magdalena), Hoyo de Manzanares (Teatro Municipal Las Cigüeñas), La Cabrera (Centro
Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte), Navalafuente (Parroquia
de San Bartolomé), Paracuellos de Jarama (Teatro Centro Cultural e Iglesia Parroquial
San Vicente Mártir), Pinto (Teatro Municipal Francisco Rabal), Rascafría (Monasterio de
Santa María de El Paular), San Lorenzo de El Escorial (Real Coliseo Carlos III), San Sebastián de los Reyes (Iglesia Parroquial de San Sebastián Mártir), Torrelodones (Teatro
Bulevar), Torremocha de Jarama (Iglesia de San Pedro Apóstol).
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XXIV
FESTIVAL DE ARTE SACRO 2015
Arte Sacro 2015
LAS CIFRAS DEL FESTIVAL
Todos los espectáculos son de entrada libre, excepto:
20 de febrero, en el Ateneo de Madrid: 5 euros (socios, entrada gratuita).
21 de febrero, en el Ateneo de Madrid: 5 euros (socios, entrada gratuita).
22 de febrero, en el Ateneo de Madrid: 5 euros (socios, entrada gratuita).
23 de febrero, en el Ateneo de Madrid: 8 euros (socios, entrada gratuita).
28 de febrero, en el Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte (Auditorio), de La Cabrera: 8 euros. Reducciones familia numerosa, pensionistas y
Carné Joven: 6 euros.
3 de marzo, en el Ateneo de Madrid: 8 euros (socios, entrada gratuita).
7 de marzo, en el Teatro Municipal Las Cigüeñas, de Hoyo de Manzanares: 5 euros.
11 de marzo, en los Teatros del Canal (Sala Verde), de Madrid: 5 euros.
14 de marzo, en el Teatro Real Coliseo de Carlos III, de San Lorenzo de El Escorial: de
11 a 16 euros.
21 de marzo, en el Centro Cultural Pilar Miró, de Madrid: 5 euros.
22 de marzo, en el Teatro Municipal Francisco Rabal, de Pinto: 6 euros.
28 de marzo, en el Teatro Bulevar, de Torrelodones: 6 euros.
28 de marzo, en el Centro Cultural Paco Rabal, de Madrid: 6 euros.
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Arte Sacro 2015
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PROGRAMACIón
MÚSICA, TEATRO, DANZA Y CINE
Homenaje a Santa Teresa
Diego Fernández Magdaleno, piano
Madrid. Teatro de la Escuela Superior de Canto. Palacio
Bauer. 19 de febrero. 20:00 horas.
El Coro y la Orquesta en el Barroco religioso
Coro y Orquesta de la Universidad Rey Juan Carlos. Ángel del Palacio, director titular. Carlos Fernando Chaves,
director invitado.
El Molar. Iglesia Parroquial de Nuestra Señora de la
Asunción. 22 de febrero. 20:00 horas.
El cielo sobre Berlín, de Win Wenders
(Alemania, 1987) - Ciclo de Cine
Madrid. Ateneo de Madrid. 20 de febrero. 18:30 horas.
La Biblia, de John Huston
(Estados Unidos, 1966). Ciclo de Cine.
Madrid. Ateneo de Madrid. 22 de febrero. 18:30 horas.
El tercer milagro, de Agnieszka Holland
(Estados Unidos, 1999). Ciclo de Cine.
Madrid. Ateneo de Madrid. 20 de febrero. 20:50 horas.
Ávila en el Renacimiento. 500 Aniversario del nacimiento de Santa Teresa
Elena Gragera, mezzosoprano. Anton Cardó, piano.
Madrid. Ateneo de Madrid. 23 de febrero. 20:00 horas.
Música Sacra en la época de los Reyes Católicos
Schola Polifónica de Madrid. Trío de instrumentos antiguos. Antonio Peces, director.
San Sebastián de los Reyes. Iglesia Parroquial San Sebastián Mártir. 20 de febrero. 20:30 horas.
Laudate Dominum
Coro de San Jerónimo el Real. Rubén Sánchez-Vieco,
órgano. Agrupación Musical “La Muela” (Toledo). Ricardo Lesmes, director. Vicente Sempere, director.
Madrid. Iglesia de San Jerónimo El Real. 20 de febrero.
20:30 horas.
Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, de Franz
Joseph Haydn
Real Orquesta de Cámara de Madrid. Isidro Barrio, director.
Madrid. Parroquia de Nuestra Señora del Carmen y San
Luis. 21 de febrero. 20:45 horas.
Samsara, de Pan Nalin
(India, Francia, Italia, Alemania, 2001). Ciclo de Cine.
Madrid. Ateneo de Madrid. 21 de febrero. 18:30 horas.
La noche oscura, de Carlos Saura
(España, 1989). Ciclo de Cine.
Madrid. Ateneo de Madrid. 21 de febrero. 21:15 horas.
Para el espíritu: órgano y gregoriano
Capilla Gregoriana de la Fundación Don Hernando de
Aragón. Esther Ciudad, órgano. Ismael Villanueva, director.
Getafe. Iglesia Catedral de Santa María Magdalena. 22
de febrero. 20:00 horas.
13
Réquiem en Sol menor, de Domenico Cimarosa
Coro Francisc Poulenc. Blanca Anabitarte Urrutia, directora. Orquesta Escénicas. Francisco Luis Santiago,
director.
Madrid. Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro. 24 de febrero. 20:30 horas.
Mapping
Daniel Oyarzabal, órgano. Eduardo Moriana y Jorge
Cano, interactividad y contenido visual. Iván Andrés
Yagüe, técnico de sonido. Celia Talamante, técnico de
imagen.
Madrid. Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. 25 de febrero. 19:00 horas.
Zuipaqui
Harmonia del Parnàs. Marian Rosa Montagut, clave y
directora.
Madrid. Real Parroquia de San Ginés. 26 de febrero.
20:00 horas.
Auto Sacramental
Luis Antequera, autor. Grupo Ecos. Almudena Albuerne,
directora.
Madrid. Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel. 27 de
febrero. 20:45 horas.
Nova et Vetera
Dúo Tubox.
Madrid. Iglesia de San Pedro el Viejo. 28 de febrero.
20:00 horas.
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PROGRAMACIón
La música sacra en el tango
Orquesta y Coro Matritum Cantat. Javier Blanco, director.
La Cabrera. Centro Comarcal de Humanidades Cardenal
Gonzaga Sierra Norte. 28 de febrero. 20:00 horas.
Órgano romántico en el Madrid de 1900.
Primer Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia de
Santa Cruz
Ciclo de Órgano.
Felipe López, órgano.
Madrid. Parroquia de la Santa Cruz. 2 de marzo. 21:00
horas.
Todo Bach
Felipe López, órgano.
Colmenar de Oreja. Iglesia Parroquial de Santa María la
Mayor. 8 de marzo. 20:00 horas.
Stabat Mater, de Francisco Andreví
Coro Matritum Cantat. Javier Blanco, director. Camerata
del Prado. Tomás Garrido, director.
Madrid. Parroquia de la Concepción de Nuestra Señora.
9 de marzo. 21:00 horas.
De lo bello y sus formas
Sonor Ensemble. Luis Aguirre, director.
Madrid. Ateneo de Madrid. 3 de marzo. 20:00 horas.
Las siete palabras de Cristo en la Cruz. Música religiosa
en España en la segunda mitad del siglo XVIII
Orquesta de Cámara Catalana. Eva del Campo, clave y
órgano. Joan Pàmies, director.
Madrid. Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro. 10 de marzo. 20:30 horas.
Omaggio a Santa Teresa de Ávila
Ensemble Nuove Musiche. Francesco Ottonello, director.
Madrid. Teatro de la Escuela Superior de Canto. Palacio
Bauer. 4 de marzo. 20:00 horas.
Danzas y músicas religiosas árabes
(Danza y música en directo).
Alturaz Al Andalusí. Salah Sabbagh, director.
Madrid. Teatros Canal (Sala Verde). 11 de marzo. 20:30
horas.
Oficio de Semana Santa de Tomás Luis de Victoria
Coro Tomás Luis de Victoria. Antonio Peces, director.
Navalafuente. Parroquia de San Bartolomé. 7 de marzo.
17:00 horas.
Te Deum, de Marc-Antoine Charpentier
Yale Glee Club of Yale University. Jeffrey Douma, director.
Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma de Madrid.
Enrique Muñoz, director.
Madrid. Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo
Socorro. 12 de marzo. 20:30 horas.
Concierto Música Sacra
Helena Gallardo, soprano.. Trío Clásico.
Hoyo de Manzanares. Teatro Municipal Las Cigüeñas. 7
de marzo. 20:00 horas.
El Códice de las Huelgas. Cantos femeninos del siglo
XIV
Cuarteto Femenino Arsys. Ligia Gutiérrez, directora.
Paracuellos de Jarama. Iglesia Parroquial San Vicente
Mártir. 7 de marzo. 20:00 horas.
Stabat Mater de Vivaldi y de Pergolesi
Camerata Castellana.
Getafe. Iglesia Catedral de Santa María Magdalena.
7 de marzo. 20:00 horas.
Misa de Santa Teresa, de Johann Michael Haydn
Sociedad Lírica Complutense. Vicente Ariño, director
Alcalá de Henares. Catedral-Magistral de los Santos Niños. 7 de marzo. 21:00 horas.
14
Cantos litúrgicos afrocubanos
Cámara Sacra. Flores Chaviano, director.
Madrid. Parroquia Santuario de María Auxiliadora. 13 de
marzo. 20:30 horas.
Música Sacra en la época de los Reyes Católicos
Schola Polifónica de Madrid. Trío de instrumentos antiguos. Antonio Peces, director.
Colmenar Viejo. Basílica de la Asunción de Nuestra Señora. 13 de marzo. 20:00 horas.
De la mística en la música. Tras las huellas de Santa
Teresa
In Hora Sexta. Juan Manuel Conejo, director.
Torremocha. Iglesia de San Pedro Apóstol. 14 de marzo.
19:00 horas.
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PROGRAMACIón
La lírica espiritual en los trovadores medievales
Los Músicos de Urueña.
San Lorenzo de El Escorial. Teatro Real Coliseo de Carlos
III. 14 de marzo. 20:00 horas.
Concierto Música Sacra
Helena Gallardo, soprano.. Trío Clásico.
Paracuellos de Jarama. Teatro Centro Cultural. 21 de
marzo. 20:00 horas.
Bach en suite
Yuval Gotlibovich, viola.
Madrid. Real Iglesia Parroquial de Santiago y San Juan
Bautista. 15 de marzo. 20:15 horas.
El Códice de las Huelgas. Cantos femeninos del siglo
XIV
Cuarteto Femenino Arsys. Ligia Gutiérrez, directora.
Alalpardo. Iglesia Parroquial de San Cristóbal. 22 de
marzo. 19:00 horas.
Cantigas Centenales. Corazón de Castilla
Grupo Música Antigua. Eduardo Paniagua, director.
El Molar. Iglesia Parroquial de Nuestra Señora de la Asunción. 15 de marzo. 20:00 horas.
Órgano romántico en el Madrid de 1900.
Segundo Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia
de Santa Cruz
Ciclo de Órgano.
Marie Bernadette Dufourcet-Hakim, órgano.
Madrid. Parroquia de la Santa Cruz. 16 de marzo. 21:00
horas.
Lamentaciones de Jeremías
Collegium Marianum Praga. La Capilla Real de Madrid.
Oscar Gershensohn, director.
Madrid. Real Parroquia de San Ginés. 17 de marzo. 20:00
horas.
Maria et sacris canticis
Camerata Dirdam. José Ignacio López, director.
El Molar. Iglesia Parroquial de Nuestra Señora de la Asunción. 22 de marzo. 20:00 horas.
Misterio del Cristo de los Gascones
(Teatro y música en directo)
Nao d’Amores. Ana Zamora, directora.
Pinto. Teatro Municipal Francisco Rabal.
22 de marzo. 18:00 horas. Entrada: 6 €.
Sonatas de Albarracín
Teresina Jordà, piano.
Madrid. Centro Cultural de los Ejércitos. 23 de marzo.
19:30 horas.
Música litúrgica en tiempo de Teresa de Jesús
Schola Antiqua. Bruno Forst, órgano. Juan Carlos Asensio, director.
Madrid. Iglesia Parroquial de San José. 19 de marzo.
21:00 horas.
Órgano romántico en el Madrid de 1900.
Tercer Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia de
Santa Cruz
Ciclo de Órgano.
Roberto Fresco, órgano.
Madrid. Parroquia de la Santa Cruz. 24 de marzo. 21:00
horas.
Stabat Mater de Vivaldi y de Pergolesi
Camerata Castellana.
Colmenar Viejo. Basílica de la Asunción de Nuestra Señora. 20 de marzo. 20:00 horas.
Canto Gregoriano para Cuaresma y Pascua
Schola Gregoriana de Madrid. Antonio Peces, director.
Madrid. Parroquia de San Manuel y San Benito. 25 de
marzo. 20:30 horas.
Espirituales negros
Coro de niños “Aula de Músicas”. Ángela Morales, directora. Grupo Ierê . Coro Maestro Barbieri. Fernando Rubio,
director.
Madrid. Centro Cultural Pilar Miró. 21 de marzo. 20:00
horas.
Cuarteto para el fin de los tiempos, de Olivier Messiaen
David Salinas, clarinete. Trío Vega.
Madrid. Escuela Técnica Superior de Ingenieros de Telecomunicación de la Universidad Politécnica de Madrid.
(E.T.S.I.T.) 26 de marzo. 19:00 horas.
El Cristo de la Quebrada
José Luis Merlín, guitarra. Ernesto Schmied, flauta.
Cabanillas de la Sierra. Iglesia Parroquial de San Juan
Bautista. 21 de marzo. 20:00 horas.
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Stabat Mater de Vivaldi y de Pergolesi
Camerata Castellana.
Collado Villalba. Iglesia Virgen del Camino. 27 de marzo
20:15 horas.
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PROGRAMACIón
De lo profano a lo sacro
Praeteritum Ensemble. María Fuensanta Morcillo, soprano. Pablo Suárez Calero, concertino y director.
Madrid. Centro Cultural Paco Rabal. 28 de marzo. 20:00
horas.
Música Sacra en la época de los Reyes Católicos
Schola Polifónica de Madrid.Trío de instrumentos antiguos. Antonio Peces, director.
Rascafría. Monasterio de Santa María de El Paular. 28
de marzo. 12:30 horas.
Réquiem, de Wolfgang Amadeus Mozart
Coro Ángel Barja. Aitor Olivares, director. Orquesta de
Cámara Ibérica. Miguel Fernández Llamazares, director.
Madrid. Parroquia Nuestra Señora de Los Ángeles. 28 de
marzo. 21:15 horas.
Misa de Santa Teresa, de Johann Michael Haydn
Sociedad Lírica Complutense. Vicente Ariño, director
Torrelodones. Teatro Bulevar. 28 de marzo. 20:00 horas.
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MÚSICA, TEATRO Y DANZA
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Arte Sacro 2015
Diego Fernández Magdaleno
MÚSICA
HOMENAJE A SANTA TERESA
INTÉRPRETE
Diego Fernández Magdaleno, piano.
PROGRAMA
Claudio Prieto
(1934)
Tomás Marco
(1942)
Carme Fernández-Vidal
(1970)
Carles Guinovart
(1941)
Benet Casablancas
(1956)
Antonio de Cabezón
(1510-1566)
Teatros, fechas y
horarios
Sentimientos (2011)
Stella splendens (2011)
Sibila: La Admonición Apocalíptica * (2011)
Madrid.
Teatro de la Escuela Superior
de Canto. Palacio Bauer.
19 de febrero. 20:00 horas.
Libre acceso.
La Organización distribuirá
entradas hasta completar aforo
una hora antes del inicio del
concierto.
Himno a Santiago * (2011)
Jubilus (2011)
Tres obras sobre el canto llano del Ave Maris Stella
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Arte Sacro 2015
Teresa Catalán
(1951)
Francisco García Álvarez
(1959)
Franz Liszt
(1811-1886)
Jesús Legido
(1943)
Tientos de tantos tonos (2011)
Partiré en silencio. Homenaje a Santa Teresa de
Jesús ** (2015)
Ave Maris Stella (1868)
Glosas sobre el María Matrem * (2011)
* Estreno en la Comunidad de Madrid
** Estreno absoluto
NOTAS AL PROGRAMA
La conmemoración del Quinto Centenario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús servirá para admirar en perspectiva su inmenso legado
espiritual y literario, el ejemplo de una mujer valiente, intuitiva, capaz de superar los mayores obstáculos con una inteligencia y fortaleza que
serán siempre un símbolo de una de las cimas de la cultura universal que ha surgido en Castilla y León.
El programa de este concierto es un homenaje a Santa Teresa elaborado minuciosamente para que se convierta en un diálogo entre su tiempo y el nuestro. Los ojos con los que miramos su obra están aquí y ahora, y así este recital propone músicas de nuestro tiempo mirando al
pasado, músicas del pasado que viven en el presente al ser interpretadas y, además, el estreno mundial de una obra en homenaje a Santa
Teresa escrita expresamente para este acto.
Decía Elías Canetti que la música era la verdadera historia viviente de la Humanidad, porque nos habla a través de la emoción. La misma
emoción que el pianista Diego Fernández Magdaleno, Premio Nacional de Música, quiere transmitir con este recital formado principalmente
por compositores de Castilla y León, para recordar y agradecer el paso por el mundo de esa mujer excepcional fallecida en Alba de Tormes,
cuyo legado nos iluminará para siempre.
LUIS GARCÍA VEGA
DIEGO FERNÁNDEZ MAGDALENO
Diego Fernández Magdaleno nació en Medina de Rioseco. Ha sido director del Congreso sobre Creación Musical Contemporánea de Valladolid y Presidente en España de la Asociación Europea de Profesores de Piano. Actualmente es profesor del Conservatorio de Música de
Valladolid, del que fue director durante cuatro años, y miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción,
en la que ingresó con un discurso centrado en la música española actual.
Varias son las vertientes que se desarrollan en la trayectoria musical del pianista Diego Fernández Magdaleno, pero todas confluyen en su
permanente dedicación a la música española contemporánea, siendo en la actualidad una indudable referencia interpretativa y un estímulo
constante para la composición de nuevas obras que aumentan el patrimonio musical de nuestro país. Un repertorio con el que está identificado de tal modo que Pedro Aizpurua escribió el que es uno de los mayores elogios que un autor puede hacer a un intérprete: “Ha penetrado
en mis obras de manera muy sutil; tanto que, incluso, me ha hecho conocer matices que yo no hubiera advertido por mí mismo”.
Fernández Magdaleno ha protagonizado más de 300 estrenos absolutos de música española para piano de más de setenta compositores.
Además, ha rescatado numerosas partituras de autores españoles olvidados injustamente, presentando integrales de músicos como FélixAntonio, Enrique Villalba, Jacinto Ruiz Manzanares, etc.
Diego Fernández Magdaleno estrenó 22 obras en el Auditorio Nacional de Madrid, para conmemorar el primer aniversario del fallecimiento
de Ramón Barce, del que fue amigo y, a juzgar por las palabras del propio compositor, intérprete extraordinario. Toda la prensa, general
y especializada, se hizo eco en términos de elogio sin fisuras. Por ejemplo, Víctor Pliego de Andrés señaló en su crítica lo siguiente: “Las
propuestas fueron muy variadas y Diego Fernández Magdaleno realizó la titánica tarea de estrenarlas todas con su toque impecable y un
magnífico sentido de la musicalidad. Además supo encontrar un hilo conductor en la heterogénea colección reunida, y acertó en la manera
de ordenarlas en una sucesión coherente”.
Entre sus proyectos señalamos su participación en el Ciclo Spirales: Diálogos España- Francia, que tuvo lugar en el Instituto Cervantes de
París, donde ofreció una amplia panorámica de la música española de nuestro tiempo, mediante un programa que incluía diversas y variadas estéticas de más de una veintena de compositores contemporáneos. También merece mención especial el reciente programa que ha
configurado mediante la aportación de 15 obras de compositores contemporáneos españoles para homenajear a Jordi Savall en su setenta
aniversario. Dicho proyecto se ha llevado a cabo en París, Hamburgo, Bruselas entre otras capitales europeas, así como en numerosas localidades de la geografía española.
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Es autor de Creación Musical Contemporánea. El compositor Pedro Aizpurua (1999), El compositor Félix Antonio (2001) y Dúo FrechillaZuloaga (2003), El piano en la obra de Josep Soler (2009), además de obras como El tiempo incinerado (2005), Libro del miedo (2006) y Razón
y desencanto (2008).
Ha realizado grabaciones para Radio Nacional de España (Radio 1, Radio Clásica, Radio 5…), France Musique, BBC, RAI, NDR,... y ha llevado
al disco música de Aizpurua, García Álvarez, Grèbol y Soler.
Diego Fernández Magdaleno ha sido galardonado en numerosas ocasiones, entre las que cabe citar el Premio de Música de la Fundación
Serrada (2009), Miembro de Honor de EPTA-España (2009), y Premio “Un diez para diez” (2011), Premio Servir de Rotary (2012), Hijo Predilecto de Medina de Rioseco (2013).
En noviembre de 2010 le fue concedido el Premio Nacional de Música. www.fernandezmagdaleno.com
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Schola Polifónica de Madrid / ANTONIO PECES
MÚSICA
MÚSICA SACRA EN LA ÉPOCA DE LOS
REYES CATÓLICOS
INTÉRPRETES
Schola Polifónica de Madrid. Trío de instrumentos antiguos: Ainara Morant Amezaga, flauta. Manuel
Casas Navarro, laúd renacentista. Óscar Gallego Covarrubias, viola de gamba. Antonio Peces, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
I.
Jean Mouton
(1459-1522)
Johannes de Wreede
o Juan de Urrede
(c. 1430-c.1482)
Loyset Compère
(c. 1445-1518)
Juan de Anchieta
(c. 1462-1523)
Ave Maria (coro e instrumentos)
Noe, noe (coro a cappella)
Pange lingua (instrumental)
Kyrie (instrumental)
Misa Rex (coro e instrumentos)
O bone Jesu (coro e instrumentos)
San Sebastián de los Reyes.
Iglesia Parroquial San
Sebastián Mártir.
20 de febrero. 20:30 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Colmenar Viejo.
Basílica de la Asunción de
Nuestra Señora.
13 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Rascafría.
Monasterio de Santa María de
El Paular.
28 de marzo. 12:30 horas.
Entrada libre hasta completar
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II.
Pedro de Escobar
(c. 1465-c. 1535)
Francisco de Peñalosa
(c. 1470-1528)
Jacob Obrecht
(1457/8-1505)
Josquin Desprez
(c. 1440-1521)
Introitus (coro a cappella)
Padre nuestro (coro a cappella)
Quae te vicit clementia (instrumental)
Parce Domine (solista e instrumentos)
Absalon fili mihi (coro a cappella)
Salve (coro e instrumentos)
NOTAS AL PROGRAMA
El programa de este concierto versa sobre las piezas que se compusieron en la época en la que vivieron los Reyes Católicos, por lo que
abarca parte del siglo XV y parte del XVI.
El sabor de las distintas cortes de los incipientes estados europeos se percibe de forma directa a través de la música que, en esta ocasión, se
centra en un recorrido de la mano de la música sacra. En aquellos tiempos, todas las Cortes europeas bebían de la doctrina católica, siendo
el Papa, en muchos casos, el árbitro de los conflictos entre los estados.
Compositores de la altura de Mouton, J. Deprez, Orbrecht,... están presentes en este concierto en el que se alternan sus obras con las de los
españoles Peñasola, Anchieta o Pedro Escobar.
Esta música está a poco camino, y a su vez es el cimiento, de la gran tradición polifónica de la segunda parte del siglo XVI que reflejará el
espíritu del Concilio de Trento y en el que mucho tiene que decir el profundo recogimiento del alma castellana.
Los últimos atisbos del Gótico y los albores del Renacimiento son la base de este programa musical que pretende transportar al oyente a la
finura y a las diferencias compositivas de los comienzos de la época moderna.
SCHOLA POLÍFÓNICA DE MADRID
La Schola Polifónica de Madrid es un coro mixto cuya finalidad es ofrecer al entorno musical de nuestro país una referencia de alta calidad
vocal e interpretativa dentro del panorama de los coros da cámara especializados en el repertorio clásico a cappella español y europeo que
se crea bajo la dirección del músico romano Francesco Ercolani, que dirige al coro hasta diciembre de 2013, cediendo la batuta, en enero de
2014, al músico Antonio Peces.
Su formación está integrada por cantores provenientes de diferentes ámbitos musicales, muchos de los cuales han cursado o cursan estudios
de canto a nivel profesional, y todos movidos por la misma pasión para una interpretación musical filológica y de depurado gusto estético.
Su repertorio es muy amplio y, aunque su base es la polifonía sacra y profana del entorno de 1500, con especial interés en la polifonía española y en la rusa, avanza en su interpretación para alcanzar las obras más impactantes de los siglos posteriores, llegando a tocar, incluso, el
siglo XXI, con la ejecución de obras maestras musicales compuesta en este amplio espacio del tiempo.
La Schola Polifónica de Madrid ha ofrecido conciertos y funciones litúrgicas en estos dos años de vida, obteniendo siempre un acogedor éxito
de público y de crítica en sus actuaciones, destacando los conciertos ofrecidos en el entorno del Ayuntamiento de Roma, Festival de Música
antigua de Buitrago del Lozoya, Ciclos de Semana Santa de Madrid, etc.
En diciembre de 2010 ofrece, entre otros, un concierto en el Museo del Prado.
En 2011 ha ofrecido diversos conciertos que abarcan tanto el festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid como la Semana Santa, así
como su participación musical en el acto de investidura de Doctor Honoris causa a Placido Domingo por la Universidad Alfonso X El Sabio.
Durante este año ha ofrecido diversos conciertos centrados en la polifonía rusa para conmemorar el año de Rusia en España, destacando el
celebrado en el Museo del Prado que se hizo coincidir con la exposición de El Hermitage en el Museo del Prado.
En julio de 2011 participa en el festival de música antigua Marqués de Santillana, de Buitrago del Lozoya, así como en la XVIII edición del
Festival de Música de La Mancha.
En diciembre de 2011 ofrece el acompañamiento musical para la clausura del año jubilar de la Cripta de la Catedral de la Almudena de Madrid.
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En 2012 está presente en diferentes ciclos de música religiosa en el entorno de la Semana Santa, centrándose de manera muy especial en
la polifonía rusa.
En mayo de 2012 ofreció actuaciones en el Centro Ruso de Madrid, así como su participación en diferentes festivales de música de nuestro
país.
En 2013 actuó tanto en Madrid como en las Catedrales de Alcalá de Henares y de Getafe, Colmenar Viejo, Collado Villalba, Festival de
Quintanar...
En 2014 montó, junto con la Schola Gregoriana de Madrid un espectacular programa sobre Tomás Luis de Victoria, que recorrió parte de
nuestra geografía a lo largo de todo el año 2014.
Para conciertos de carácter extraordinario la Schola Polifónica de Madrid ofrece programas exclusivos para la Schola Femenina y para la
Schola Masculina.
AINARA MORANT AMEZAGA
Termina sus estudios de flauta travesera en el Conservatorio Superior de Música de Alicante con José Domínguez. Su interés por la música
antigua le lleva a estudiar flauta de pico con Elisabeth Wolteche, Han Tol, Michael Form y Vicente Parrilla, con el que finaliza sus estudios
superiores de flauta de pico en Sevilla. En 2008 obtiene una beca para estudiar en la Musikhochschule de Münster (Alemania), recibiendo
lecciones magistrales de Jérôme Minis (flauta de pico), Konrad Hünteler (traverso) e Ines Krome (canto).
Su pasión por la ópera barroca le lleva a interesarse por el canto, asistiendo a clases con especialistas de la talla de Robert Expert, Richard
Levitt, David Mason, Kurt Widmer, Achim Schulz, José Hernández y Raquel Andueza, entre otros. En la actualidad estudia traverso barroco
con Agostino Cirillo y canto con Lola Bosom. Como intérprete ha realizado numerosos recitales con agrupaciones, como Il Parnaso Musicale,
Mulier et Lilium, La Capilla Renacentista, L’Albana, Les Rencontres, etc.
MANUEL CASAS NAVARRO
Comenzó sus estudios musicales con la concertista Beatriz Lopardo. Entra en la Escuela de Canto de Madrid, donde estudia con Julián
Molina. En paralelo, realiza estudios de guitarra con Francisco Torres y, posteriormente, en su interés por el repertorio e instrumentos renacentistas y barrocos, realiza estudios con Jesús Sánchez, obteniendo titulación profesional en ambas especialidades.
Ha participado en numerosas master-class con grandes especialistas en el repertorio renacentista y barroco como los laudistas Paul O’dette,
Konrad Junghänel, Eduardo Egüez, Eligio Quinteiro, Evangelina Mascardi y los profesores de canto Peter Harrison, David Mason y José
Hernández, entre otros.
En la actualidad, participa como cantante e instrumentista en numerosos proyectos y conciertos por la geografía española. Estudia instrumentos de plectro con el profesor Pedro Chamorro en el Conservatorio de Arturo Soria, de Madrid. Junto a la soprano Laura Fernández
Alcalde ha formado la agrupación Petrarca Ensemble dedicada a la música del siglo XVI con una perspectiva que atiende tanto a lo musical
como a lo literario.
ÓSCAR GALLEGO COVARRUBIAS
Realiza estudios de violoncello, y posterior especialización en viola da gamba en Real Conservatorio de Música de Madrid, con Pere Ros.
Posteriormente es admitido en la Musikhochschule de Bremen para ampliar su formación con Hille Perl. Paralelamente ha realizado cursos
con artistas destacados, como Wieland Kuijken, Marianne Muller o Laurence Dreyfus, entre otros.
Así mismo ha realizado conciertos por Europa y América Latina con diferentes agrupaciones, tocando con la Compañía Nacional de Teatro
Clásico, Knabenchor Hannover, Bremerbarockconsort, entre otros.
En la actualidad sigue colaborando con diversos conjuntos, tanto afincados en España como en Alemania y desarrollando su actividad concertística, fundamentalmente como miembro del ensemble Les Rencontres.
Recientemente ha actuado dentro de la Temporada 2013/14 en los Teatros del Canal, en Madrid; en el Festival Pórtico Semana Santa de
Palencia, o en el ciclo de actos organizados en torno al IV Centenario del Greco en Toledo, entre otros.
Además de desarrollar su faceta interpretativa, lleva a cabo su vocación docente como profesor en la Escuela de Canal, ubicada en Madrid.
ANTONIO PECES
Nace en Talavera de la Reina (Toledo). Inicia sus estudios musicales como clarinetista con Máximo Muñoz y Vicente Peñarrocha en el Real
Conservatorio de Música de Madrid, a la vez que comienza a formar parte del coro Gaudeamus. Continúa sus estudios de clarinete en el
Conservatorio de Rótterdam con Walter Boeyekens y posteriormente en Madrid con Vicente Alberola. Continúa su formación académica con
los estudios de contrapunto y fuga, segundo de composición y grado medio de piano, completando estos estudios con clases de técnica
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vocal, impartidas por la soprano Alicia Barrenechea, y clases de técnica Alexander por Simon Fitzgibbon.
Desde 1995 orienta su formación musical hacia el campo de la fenomenología, desarrollado por Sergiu Celebidache, a través de cursos de
cámara impartidos por Jordi Mora y de cursos de dirección, fenomenología y cámara impartidos por Konrad Von Abel.
Ha colaborado con numerosas orquestas (Orquesta del Conservatorio de Rótterdam, Orquesta de Estudiantes de la Comunidad de Madrid,
Teatro Madrid, Abadía, Carlos III, Siglo XXI, Complutense, Orquesta de Profesores del Conservatorio de Arganda) y es miembro de la Neue
Internationale Philharmonie, de Múnich.
Como instrumentista de cámara, ha interpretado numerosos conciertos con grupos de música, como el Trío de Clarinetes Bouffil, el Octeto
de Viento del Conservatorio de Rótterdam, el Trío con viola y piano Euterpe, el Quinteto de Viento Fundación…
Ha sido profesor de clarinete del Conservatorio de Ferraz, la Escuela de Música de San Lorenzo de El Escorial y del Conservatorio de Arganda, donde durante el curso 2006/07 dirigió su orquesta.
Ha dirigido numerosos coros como el Coro del Conservatorio de Arganda del Rey, el coro Capilla Renacentista de Madrid, el coro de la
Escuela de San Lorenzo de El Escorial… Es fundador y director actual del Coro Tomás Luis de Victoria de Brunete y, desde 2012, del Coro
Gaudeamus de Madrid, con los que ha interpretado numerosos conciertos. Ha participado en prestigiosos ciclos de música con estos coros,
como el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, ciclo de música de Medina de Río Seco, Clásicos en Verano de la Comunidad de
Madrid, ciclo de música de Santo Domingo de la Calzada, conciertos para Patrimonio…
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Coro de San Jerónimo el Real / AGRUPACIÓN
MUSICAL “LA MUELA” / VICENTE SEMPERE
MÚSICA
LAUDATE DOMINUM
INTÉRPRETES
Coro de San Jerónimo el Real. Vicente Sempere, director. Agrupación Musical “La Muela”. Ricardo Lesmes,
director. Rubén Sánchez-Vieco, órgano. Vicente Sempere, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
I.
Charles Gounod
(1818-1893)
Edward Elgar
(1857-1934)
Anton Bruckner
(1824-1896)
Laudate Dominum (coro y grupo instrumental) 1
Madrid.
Iglesia de San Jerónimo El
Real.
20 de febrero. 20:30 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Ave Verum (coro y grupo instrumental) 1
Locus iste (coro y viento-metal) 1
II.
Jacob de Haan
(1959)
Misa brevis (original para coro y banda sinfónica)
- Kyrie
- Gloria
- Credo
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- Sanctus
- Benedictus
- Agnus Deis
1
Instrumentación de Vicente Sempere
NOTAS AL PROGRAMA
Laudate Dominum son palabras iniciales del Salmo 116 (numeración griega) o 117 (numeración hebrea), en latín.
Como el resto de los salmos, el Laudate Dominum se concluye en el rito romano con una doxología trinitaria (Gloria Patri).
En las iglesias católicas, este salmo se suele cantar tras la Bendición del Santísimo Sacramento.
Charles Gounod, compositor francés nacido en París, cursó estudios en el Conservatorio de la capital y, con 21 años, ganó el Gran Premio de
Roma (1839), lo que le permitió estudiar en Italia, donde compuso una Messe Solennelle (1841) y un Requiem (1842).
Trabajó como organista en París y tras el estreno de su primera ópera, en 1851, se dedica por completo a la composición.
Gounod es conocido sobre todo como autor de la ópera Fausto y de la famosa Ave María, basada en el primer preludio del Clave bien temperado, de J. S. Bach.
En vida, sin embargo, se distinguió como uno de los más prolíficos y respetados compositores franceses y su influencia en otros compositores, como Bizet, Saint-Saëns y Masesnet, es indudable.
Su catálogo incluye obras en todos los géneros, tanto sacras como profanas.
Ave Verum Corpus, es un breve himno eucarístico que data del siglo XIV y se atribuye al Papa Inocencio VI.
Diferentes compositores le han puesto música, entre ellos, los más conocidos son Mozart, Gounod, Byrd y Elgar. Se solía cantar en la misa
durante la consagración, más precisamente en el momento de la elevación de la Hostia.
El título del himno significa Salve, Verdadero Cuerpo, aludiendo a la creencia católica en la Transubstanciación. Se trata de una meditación
de la presencia real de Jesucristo en la Eucaristía y el poder redentor del sufrimiento.
El manuscrito más antiguo de este poema procede de la Abadía de Reichenau, Alemania.
Elgar compuso Ave Verum en 1887 (junto con Ave María y Ave Maris Stella), mientras que fue organista en la iglesia de San Jorge en Worcester, como escenario de Pie Jesu, en memoria de William Allen, abogado de Worcester para quien Elgar trabajó con quince años de edad.
Anton Bruckner nació en Ansfelden (Austria) en1824, una ciudad conservadora y tradicional que imprimió su sello en nuestro autor, cuya profunda fe católica podemos ver reflejada en casi toda su obra. A los diez años, ya tocaba el órgano en los oficios religiosos locales (su padre
era un organista consumado), y tres años más tarde fue aceptado como cantante de coro en el monasterio agustiniano de San Florián, con
cuyo coro cantó muchas misas de Mozart y de los hermanos Haydn (Franz Joseph y Michael).
Sus estudios musicales se extendieron hasta la edad de 40 años, bajo la dirección de Simon Sechter y Otto Kitzler. Éste último lo introdujo
en el universo musical de Richard Wagner.
Hasta su traslado a Viena, Bruckner trabajó en San Florián y Linz, aproximadamente diez años en cada lugar. A partir de 1875 impartió armonía y contrapunto en la Universidad de Viena, donde tuvo en el círculo de sus adeptos a Hans Rott, Hugo Wolf y Gustav Mahler, todavÍa
esfudiantes.
Gran organista, sin embargo, no compuso ninguna obra importante para este instrumento. Destaca por sus grandes obras (sinfonías, misas,
etc.).
Sus obras principales de gran tamaño son las 9 Sinfonías, otras obras para orquesta, las 3 grandes Misas en Re menor, Mi Mayor y Fa Mayor,
el Te Deum, y el Salmo 150.
Además de por sus grandes obras, son importantes sus más de 30 motetes, entre ellos el Locus iste, el Ave Maria, Christus factus est, Afferentur regi, etc.
Muere en Viena el 11 de octubre de 1896 y es enterrado en la iglesia de San Florián, justo debajo del gran órgano que tantas veces había
tocado.
Locus iste fue compuesto en 1869 mientras Bruckner trabajaba en San Florián.
El texto de este responsorio dice:
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Locus iste a Deo factus est
inaestimabile sacramentum,
irreprehensibilis est.
Su traducción sería aproximadamente:
Este lugar es obra de Dios,
misterio (de valor) inestimable
y libre de todo defecto.
Se corresponde con el gradual de la misa para la dedicación de una iglesia y la compuso al objeto de celebrar la dedicación de la capilla
votiva de la Catedral de Linz.
Jacob de Haan, nacido el 28 de marzo de 1959 en la ciudad holandesa de Heerenveen, es uno de los compositores de música para banda
más populares e interpretados de nuestro tiempo. A lo largo de una fructífera relación con su editor (De Haske Publications), ha sacado a
la luz numerosas composiciones y arreglos para diferentes formaciones. Sus composiciones, escritas mayoritariamente por encargo, son
conocidas en todo el mundo.
De Haan completó sus estudios en la Music Academy Leeuwarden, especializándose en Música para la escuela y Órgano, desarrollando
también en este centro su formación como compositor y arreglista.
En 2003 recibió un premio por toda su obra musical de la compañía regional de radiodifusión Omrop Fryslan.
Jacob de Haan actúa regularmente como director invitado dirigiendo sus obras en Europa, Australia y Estados Unidos, como miembro de
distintos jurados en concursos internacionales y también imparte master-clases en diferentes conservatorios, como la Bavarian Music Academy en Alemania.
Su Missa brevis, escrita para coro y banda, fue un encargo del Conseil Départemental para la Música y la Cultura de la región francesa de
Alta-Alsacia, en conmemoración del aniversario del nacimiento, hace mil años, del Papa León IX, en Éguisheim (Francia).
El compositor dirigió el estreno el 23 de junio de 2002, que fue retransmitido en directo para la televisión francesa por el Canal France 2.
Los movimientos de esta misa (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei) son muy apropiados tanto para la liturgia Católica
como para la protestante.
AGRUPACIÓN MUSICAL “LA MUELA”
Fruto de una arraigada tradición musical, nace en 1982 la actual Agrupación Musical “La Muela”, formación heredera de las anteriores bandas
de música que habían existido hasta 1960 en el municipio toledano de Corral de Almaguer.
Exuperancio Martínez Córdoba puso en marcha la banda, sucediéndole al frente de la misma Pedro Miguel Lominchar en 1989, Manuel Campos en 2004, y Pablo Checa en 2007, directores que desarrollaron una importante labor pedagógica y artística con actuaciones de ámbito
local y en la Comunidad de Castilla-La Mancha.
A finales de 2007 se hace cargo su actual director, Ricardo Lesmes, y se promueven actuaciones de ámbito nacional (Valencia, Madrid, etc.)
e internacional, destacando las actuaciones, representando a nuestro país, en el Festival Internacional de Música de la ciudad noruega de
Stavanger, con motivo de su proclamación como Capital Europea de la Cultura en 2008. Como consecuencia de este evento, la Agrupación
Musical “La Muela” fue invitada nuevamente para actuar en Oslo en 2010.
Actualmente, nuestra Banda continúa colaborando con diversas instituciones musicales, sociales, benéficas o culturales, y profundizando
con ilusión en el repertorio musical para banda.
RICARDO LESMES SIXTO
Nace en Madrid y se gradúa como trombonista en el Conservatorio Superior de esta ciudad con 20 años, cursando posteriormente estudios
de postgrado en el Sweelinck Conservatorium de Amsterdam.
Ha actuado con las más prestigiosas orquestas de Madrid (OSRTVE, OSM, ORCAM), con las Orquesta Sinfónicas de Toledo y Castilla León
y con la Landeskapelle Eisenach y Concierto München, en Alemania, desarrollando paralelamente una actividad pedagógica en diversos
conservatorios de la Comunidad de Madrid como profesor de trombón y director de grupos de metales.
En la actualidad es miembro de la Orquesta Sinfónica Siglo XXI y Director de la Banda de Música de Corral de Almaguer (Toledo).
RUBÉN SÁNCHEZ-VIECO
Nace en Valencia en 1985. Ha estudiado piano en el Conservatorio Superior de Música de Valencia y fenomenología musical y virtuosismo
pianístico, con José Cruzado, en Madrid. Ha trabajado como maestro repertorista y director asistente en el Palau de les Arts, en las tempora-
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das 2009 y 2010, tras recibir una intensiva formación en repertorio operístico en el Centre de Perfeccionament Plácido Domingo, en Valencia,
dirigido artísticamente por A. Zedda, con el que trabaja asiduamente como maestro colaborador.
Ha trabajado con L. Maazel, Z. Mehta, P. Domingo, M. Álvarez, E. Garança, A. Machado, J. De León, C. Gallardo Tomás, G. del Monaco y C.
Saura, entre otros. Ha ofrecido conciertos, tanto de solista como de director, en: Palau de les Arts, Palau de la Música, Teatro de la Zarzuela,
Auditorio de Castellón, Teatro Nacional de Roma,…
Como director de orquesta inicia sus pasos en Valencia con J. M. Pérez Sierra continuando su formación en la Accademia Chigiana de Siena
con G. Gelmetti, en 2011 y 2012. Asimismo asiste como alumno activo en masterclases de repertorio sinfónico y operístico con C. Metters y
B. Aprea, en Vilnius y Roma respectivamente. Ha dirigido las orquestas Lituanian Symphony Orchestra, Orchestra della FAO, Orchestra della
Fondazione Bulgaria Classic y Barbieri Symphony Orchestra.
En 2013 funda Valencia Sinfonietta, formación de la cual es director titular
CORO DE SAN JERÓNIMO EL REAL
Se creò en el año 1989 bajo los auspicios del entonces párroco Manuel González Cano y del organista Cristobal Yubero. Desde sus comienzos tiene su sede en la Iglesia de los Jerónimos. Ha participado en numerosos actos, certámenes y conciertos tanto en España: Oviedo,
Santiago de Compostela, Sevilla, Salamanca, Ávila, Jaén, Cuenca, etc., como en el extranjero: Roma, Florencia, Viena, siendo una de las
últimas actuaciones fuera de España en Eisenach (Alemania), donde interpretó la Novena Sinfonía, de Beethoven.
Durante varios años ha interpretado mensualmente una Misa-concierto en San Jerónimo, con gran afluencia de público, por lo que tiene un
amplio repertorio de misas completas de todos los autores clásicos y alguno más moderno. Así mismo, participa en el ciclo Arte Sacro de la
Comunidad de Madrid y ofrece conciertos en diversas Iglesias y centros culturales de Madrid, en Navidad, Semana Santa, etc.
En la actualidad el coro está dirigido por Vicente Sempere Gomis y, tanto a cappella como acompañados por el órgano o por la Camerata de
San Jerónimo, actúa continuamente en su sede y fuera de ella y en los actos litúrgicos que lo requieran. También tienen repertorio de música
profana: ópera, zarzuela, música popular, etc. Sus componentes, en su mayoría “amateur”, sienten un profundo cariño por su coro ya que
muchos perduran desde su fundación
VICENTE SEMPERE GOMIS
Nació en Elche, Alicante donde, a muy temprana edad, comenzó los estudios musicales de flauta y violín.
Posteriormente, amplió y cursó los estudios en las asignaturas de flauta, violín, composición y dirección de orquesta en el Real Conservatorio
Superior de Música de Madrid.
Fue profesor de flauta en la Orquesta Sinfónica de RTVE.
Como ampliación a los estudios de dirección, asistió a las clases magistrales que ofrecía el prestigioso maestro rumano Sergiu Celibidache,
sobre fenomenología musical, asistiendo asimismo al Curso Internacional para Directores de Orquesta impartido por el maestro en Bolonia
, Italia.
Vicente Sempere fue director de la Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad de Madrid, desde su creación en 1991 hasta 2002,
en la que desarrolló una amplia labor pedagógica con conciertos en España y en el extranjero.
Ha sido director titular de la Orquesta Ciutat d´Elx, de la Agrupación de Cámara de Madrid, de la Gran Banda Sinfónica de Músicos Valencianos en Madrid, así como director de la Escuela Municipal Manuel de Falla, de Alcorcón (Madrid), donde creó la Banda Municipal, la Coral
Polifónica y el Coro Infantil.
Vicente Sempere ha dirigido, como director invitado, muchas de las orquestas españolas.
Ha participado en diversos festivales internacionales, como el Festival de León, Festival de Música Contemporánea de Alicante, Festival
Europeo de Jóvenes, en Copenhague y, en junio de 2001 en el Festival Internacional de Música Universitaria (F.I.M.U.), en Belfort (Francia)
En el campo de la composición, Sempere es autor de varias obras para orquesta, banda sinfónica, grupos de cámara y coro. Algunas de ellas
han sido grabadas en CD y por Radio Nacional.
Desde el año 2009 es director de la Coral Villa de Méntrida.
En febrero de 2011 se hizo cargo del Coro de San Jerónimo el Real, de Madrid, y en esa misma fecha se creó la orquesta Camerata de San
Jerónimo, que se incorporó a los conciertos sinfónico-corales que el coro ofrece.
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VOX AUREA / REAL ORQUESTA DE CÁMARA DE MADRID
ISIDRO BARRIO
MÚSICA
LAS SIETE ÚLTIMAS PALABRAS DE CRISTO
EN LA CRUZ, DE FRANZ JOSEPH HAYDN
INTÉRPRETES
MARTA TOBA, soprano. PILAR VÁZQUEZ, mezzosoprano. ALBERTO HERRANZ, tenor. FABIO BARRUTIA, barítono. VOX AUREA.
RODRIGO GUERRERO, director coro. Real Orquesta de Cámara de Madrid: Isidro Barrio, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, de Franz Joseph Haydn (1732-1809)
I.
- Introducción I
1.
“Padre perdónalos, porque no saben lo que hacen” (Lucas, 23:34)
2.
“Yo te aseguro: hoy estarás conmigo en el Paraíso” (Lucas, 23:43)
3.
“Mujer, ahí tienes a tu hijo. [...] Ahí tienes a tu madre” (Juan, 19:26-27)
4.
“¡Dios mío, Dios mío!, ¿por qué me has abandonado?” (Mateo, 27:46 y
Marcos, 15:34)
Madrid.
Parroquia de Nuestra Señora del
Carmen y San Luis.
21 de febrero. 20:45 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
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II.
- Introducción II
5.
“Tengo sed” (Juan, 19:28)
6.
“Todo está cumplido” (Juan, 19:30)
7.
“Padre, en tus manos encomiendo mi espíritu” (Lucas, 23:46)
- Il terremoto
NOTAS AL PROGRAMA
Las Siete Palabras de Cristo es una de las obras de Haydn de más relevancia en cual la inspiración e impulso creador está estrechamente
conectada a nuestro país.
En el siglo XVIII Joseph Haydn era uno de los más prestigiosos compositores y su fama era muy conocida en toda Europa. En España en los
programas que se tocaban en los teatros de las ciudades españolas al lado de las obras de los compositores italianos se encontraba frecuentemente las sinfonías de Haydn, la orquesta de la Casa Ducal de Benavente tocaba constantemente música del genio austriaco que el mismo
compositor remitía por contrato, la Casa de Alba recibió varios cuartetos enviados por el mismo compositor.
También entre los ilustres españoles de la época existían admiradores de Joseph Haydn, como Luigi Boccherini y Tomás de Iriarte, que le
dedica varios poemas.
Los autores principales de la idea de Las Siete Palabras son, sin duda, José Sáenz de Santamaría, marqués de Valde-Iñigo, y Francisco de
Paula María de Micon, Marqués de Méritos, el primero siendo sacerdote en la Iglesia del Rosario de Cádiz y que, desde 1756, se encargaba
de la dirección de la Santa Cueva. La música de Haydn está escrita para acompañar un ritual religioso creado en las misiones jesuitas de
Perú, que, posteriormente, se extendió a mediados del siglo XVII, a toda Hispanoamérica y España -El Ejercicio de las Tres Horas- que tenía
lugar el Viernes Santo entre las doce y las tres de la tarde recordando las siete últimas palabras que pronunció Jesús Cristo en la Cruz. Este
mismo ritual que se realizaba en la ciudad de Cádiz, se llevó por orden del obispo, a la Iglesia del Rosario que se encontraba en el centro de la
ciudad, donde en 1756, con el motivo de unas obras, se descubrió un subterráneo que fue finalmente acondicionado para la congregación del
Ejercicio de las Tres Horas y se llamo La Santa Cueva. Una vez que fue encargado por la dirección de la Congregación, el padre Santamaría,
después del fallecimiento de su padre, del que heredó el título de marqués y una gran fortuna, se dedica al embellecimiento de la Iglesia del
Rosario, contando para la decoración con nuestro genio de la pintura Francisco de Goya. Es en esta época cuando junto con el Marqués de
Méritos, un gran amante de la música y admirador de Haydn, remiten al genio austriaco un encargo muy preciso y que dejo muy sorprendido
al compositor: la música acompañaba a una ceremonia donde las paredes y las ventanas se cubrían de negro y solo una lámpara en el centro
rompía esa oscuridad; después de una introducción, el sacerdote leía la primera palabra seguida de música y así, sucesivamente, hasta la
séptima. De esta magnífica obra hay cuatro versiones: la versión de orquesta que es la primera, versión de cuarteto, reducción de piano, que
fue escrita por otro compositor pero con el visto bueno del mismo Haydn, y, una década más tarde, la versión oratorio para orquesta, coro
y solistas.
La obra se estrenó en Cádiz en la Semana Santa de 1786 o 1787 sin saberse con exactitud si fue la versión orquestal o de cuarteto que dio
principio a esta tradición gaditana aun vigente y que con una decoración austera crea, junto con las últimas siete palabras de Cristo y la
música de Haydn, un ambiente mágico dado a la meditación del sufrimiento del Hijo del Dios y su sacrificio por todos nosotros y la posterior
alegría de su Resurrección.
MARTA TOBA
Nace en Madrid. Inicia sus estudios musicales en el Conservatorio Profesional de Música de Getafe. En septiembre de 1992 se traslada a Milán, Italia, para completar y perfeccionar la técnica vocal, permaneciendo en esta ciudad hasta 1995 y estudiando con los maestros de canto
F. Bandera y R. Orlandi Malaspina y con repertoristas como R. Negri, Baragiola y V. Laferla. Perfecciona la técnica vocal con Enzo Spatola.
También, y como parte de su formación integral, ha realizado estudios de interpretación en el Taller de Zulema Katz, trabajando como actriz en
diversas producciones. Se presentó con gran éxito en la temporada 1996-97 del Teatro Calderón, en Madrid, en el papel de Mimí, de la ópera
La Bohéme. También ha intervenido en la ópera Lucia di Lammermoor, en el papel de Alisa, en la Sala Villa Ponti de Varese (Italia). Destaca
su presentación, en el Teatro de Castres (Francia), en la zarzuela La verbena de la Paloma. También ha participado como soprano titular en la
Compañía Española de Ópera Barroca en el montaje de Don Quijote, las bodas de Camacho, en el personaje de Quiteria.
Ha sido finalista de los concursos de canto Francisco Alonso, Arganda del Rey, Plácido Domingo del Ateneo de Madrid y Luis Mariano en
Irún, todos ellos en 1997.
Párrafo aparte merece el curso de perfeccionamiento vocal con la famosa soprano Ileana Cotrubas en Niza, Francia, en febrero de 1998. En
el mes de junio de 1999 fue seleccionada como alumna activa en las clases magistrales impartidas por la soprano Raina Kabaivanska, en el
Teatro de la Zarzuela de Madrid, participando en el Concierto que retransmitió Radio Clásica.
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En lo que a zarzuela se refiere ha interpretado el rol de Ascensión en La del manojo de rosas, en el Teatro Príncipe de Madrid y el Teatro Principal de Barcelona, así como el personaje de Dolores en La Dolorosa, y de Rosa en Los claveles, Luisa Fernanda en la obra del mismo nombre;
Adela en Una vieja, de Gaztambide, Elena en la zarzuela El barbero de Sevilla; y Marola en La tabernera del puerto.
Dentro de su repertorio también se encuentra el oratorio habiendo interpretado el Requiem, de Fauré, con la Orquesta y Coro del Colegio de
Doctores y Licenciados de Madrid, El Pessebre, de Pau Casals, Magnificat, de Albinoni, y la Missa Dolorosa con la orquesta y coro Melomadrit, entre otros.
PILAR VÁZQUEZ
Nace en León (España). Realiza sus estudios musicales en los conservatorios de León y Madrid. Está licenciada en Historia de la Música y
Musicología por la Universidad Autónoma de Madrid. Allí cursa un Master en Gestión Musical. Se titula en la Escuela Superior de Canto donde
estudia bajo la dirección de los maestros Ramón Regidor, José Luis Montoliú y Miguel Zanetti, obteniendo el Premio Final de Carrera “Lola
Rodríguez de Aragón”. Ha sido premiada en otras ocasiones como el concurso Francisco Viñas (Premio a la mejor Promesa española, 2005)
o el Seminario Anual de Lied organizado por Juventudes Musicales de Barcelona (2009). Ha participado en diversas clases magistrales de
Ana Luisa Chova, Dolora Zajick y Wolfram Rieger, entre otros.
Recientemente ha interpretado el papel de Waltraute (Die Walküre) y la Segunda Norna (Gotterdämmerung) en la coproducción del Palau de
les Arts de Valencia con el Maggio Musicale Fiorentino (dirección musical del Maestro Zubin Mehta y dirección escénica de La Fura dels Baus).
A lo largo de 2010 ha cantado la Novena Sinfonía, de Beethoven, en Barcelona, Primera Sinfonía, de Scriabin, en A Coruña, Stabat Mater, de
Szymanovsky, junto a la Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE, y Christus, de Liszt, junto a la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, bajo
la dirección de Thomas Neuhold, entre otros compromisos. Ha debutado también el rol de Waltraute (Götterdämmerung), junto a la Orquesta
Sinfónica de Galicia.
Trabaja regularmente como solista bajo la batuta de Víctor Pablo Pérez, Josep Pons, Antoni Ros Marbà o Enrique García Asensio. Anteriormente ha interpretado roles como el de Marcelina (Le nozze di Figaro, de W. A. Mozart), la Sra. Baggott ( El pequeño deshollinador, B. Britten),
Maddalena (Rigoletto, de G. Verdi), La Madre (Hansel y Gretel, de E. Humperdinck), la bruja (Dido y Eneas, de G. F. Haendel), Dina (Trouble inTahití, L. Bernstein), Ludmila (Prodana Nevesta, de B. Smetana). Ha trabajado asimismo con compositores contemporáneos, como es el caso
de J. M. Sánchez Verdú, en el estreno de su obra Sombra del Paraíso en el Auditorio Nacional de Madrid y Cristóbal Halftter en el European
Music Festival de Münster (Münster, Alemania).
En 2009 se inicia en el terreno liederístico interpretando Das Lied von der Erde, de G. Mahler. Poco después forma dúo con la pianista Elisa
Rapado, con quien debutó en la XVIII Schubertiada de Vilabertrán (Barcelona). Posteriormente ha continuado su actividad conjunta con numerosos recitales.
ALBERTO HERRANZ
Nace en Madrid. Se licencia en la Escuela Superior de Canto en la especialidad mixta tras una brillante carrera. En ella completa su formación
con el estudio de idiomas (alemán, italiano, francés e inglés), así como de canto coral, piano, solfeo, repertorio vocal, escenografía y expresión
corporal, concertación de Ópera y Oratorio, etc.
Interpreta como solista el Ángel Uriel de La Creación, de Haynd, los roles de tenor de Réquiem, de Mozart, Stabat Mater y Misa Dolorosa, de
Antonio Caldara. En ópera representa Tamino, de La flauta mágica (Die Zauberflöte) e Il Contino Belfiore, de La finta giardinera, ambas óperas
de Mozart, Ernesto, de Don Pasquale, de Donizetti, Jorge, de Marina, de Arrieta. En zarzuela encarna Rafael, de La Dolorosa y Fernando, de
Los claveles, ambas de Serrano, Conrado, de Una vieja, de Gaztambide, Javier, de Luisa Fernanda, de Moreno Torroba, Leandro, de La tabernera del puerto y Ricardo, de La del manojo de rosas, de Sorozábal, Jesús, de Gigantes y cabezudos, y Giussepini, de El dúo de la Africana,
las dos de Caballero, Miguel, de La del soto del parral, de Soutullo y Vert.
También ha realizado numerosas antologías de zarzuela, oratorios y recitales. Entre ellos cabe destacar un monográfico de Manuel de Falla y
la participación en un recital homenaje a Federico García Lorca (acto oficial del Ministerio de Educación y Cultura). Colaboró en dos programas con El Conciertazo, de TVE, dirigido por Pascual Osa.
Canta en su propio show, La lírica de Alberto Herranz, en el teatro de barcos de Crucero.
Es galardonado con el premio Andrés Segovia - José Miguel Ruiz Morales en la asignatura Teatro Lírico, impartida por el Maestro Maximino
Zumalave, en los Cursos Internacionales de Música en Compostela.
FABIO BARRUTIA
Nace en Madrid en 1979, donde inicia sus estudios musicales a temprana edad.
Estudió viola, realizando diversos conciertos como solista, en orquesta o en agrupaciones de cámara. Su andadura musical comienza en
1991, en la Escolanía del Centro Cultural Fernando de los Ríos. En 1993, ingresa en el Coro de Cámara Castelnuovo Tedesco, como solista
y subdirector, y en 1996, en la orquesta con el mismo nombre, como solista de viola y ayuda de dirección bajo la tutela de Eduardo Córcoles.
Ha recibido clases de maestros, como Samuel Ramey, Vicente Sardinero, Ana Fernaud,… y de repertoristas, como Istvan Cserjan, Rafael
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Senosiain…
Actualmente continúa su formación con los maestros Sara Matarranz y Jorge Robaina.
Colabora con gran numero de orquestas y coros: Orquesta y Coro Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Pittsburg, Coro y Orquesta
Sinfónica de Radio Televisión Española (RTVE), Coro y Orquesta de la Comunidad de Madrid, Coro titular del Teatro de la Zarzuela, Coro y
Orquesta Sinfónica de Madrid, Soloist of London, Orquesta Sinfónica de Castilla-León, Real Filarmonía de Galicia, Orquesta Sinfónica de
Galicia, Orchesterund Chor Berliner Bach Akademie, Orquesta Metropolitana de Madrid, Orquesta Filarmónica de Sonora…
Ha realizado conciertos por gran parte de la geografía española y en el extranjero, Lincoln Center (NY), Konzerthaus (Berlín), Auditorio Cívico
Municipal (Guaymas, México), Auditorio Cívico del Estado (Hermosillo, México), Teatro del ITSON (CD. Obregón, México), Teatro Real y Sala
Gayarre (Teatro Real de Madrid), Auditorio Nacional de Música (Madrid), Teatro Monumental (Madrid), Teatros del Canal (Madrid), Teatro Guimerá (Tenerife), Teatro Principal (Palma de Mallorca), Teatro Principal (Santiago de Compostela)…
Ha trabajado con directores de la talla de Nicola Luisotti, Mariss Jansons, Frühbeck de Burgos, Walter Weller, Didier Puntos, Gabriele Ferro,
Jesús López Cobos, Alberto Zedda, Jose Ramón Encinar, Antoni Ros Marbà, Silvia Sanz, Jorge Rubio, Antonio Fauró…
Su repertorio abarca todos los estilos, tanto en ópera, con roles como Leporello y Don Giovanni (Don Giovanni, W. A. Mozart), Guglielmo (Cosi
fan tutte, W. A. Mozart), Figaro y Conde (Le nozze di Figaro, W. A. Mozart), Papageno (Die Zauberflöte), Belcore (L’elisir d’amore, G. Donizetti),
Don Pasquale y Malatesta (Don Pasquale, G. Donizetti), Marcello (La Bohème, G. Puccini), Germont (La Traviata, G. Verdi), L‘Orloge y Le Chat
(L‘enfant et le sortileges, M. Ravel),… como en canción de concierto, con un amplio repertorio de canciones y ciclos como, Winterreise y
Schwanengesang (F. Schubert), Dichterliebe (R. Schumann), Banalites (F. Poulenc), Travel of Song (V. Williams), entre otros, y oratorios, entre
los que destacan El Mesías (G. F. Haendel), Réquiem (W. A. Mozart), Réquiem (G. Fauré), Un requiem alemán (J. Brahms),…
VOX AUREA
El coro Vox Aurea fue creado hace ahora 20 años como asociación cultural dedicada a la práctica y la promoción de la música coral, abierta
al trabajo con todo tipo de estilos y corrientes musicales.
Ofrece conciertos en Madrid y alrededores y participa habitualmente en encuentros corales en todo el país, aunque no quiere limitar su expresión al concierto público, sino también convertirse en foco de irradiación cultural de toda iniciativa que amplíe el conocimiento y el aprecio
por el mundo de la música coral. Así, desde 1995 y de forma continuada, ha organizado seminarios abiertos con grandes maestros de la
dirección coral (este año alcanzaron su vigésima edición), que, desde 2003, se imparten en la histórica Residencia de Estudiantes de Madrid.
El coro ha encarado proyectos de mucha entidad, como montajes de El Mesías o el Carmina Burana en el Auditorio Nacional y en el Teatro
Real, los Réquiem de Mozart y Verdi o las Siete últimas palabras de Cristo, de Haydn. En estas producciones el coro ha tenido la oportunidad
de trabajar con directores de la talla de Richard Egarr, Paul McCreesh o Pierre Cao. Ha cantado con orquestas como la Nacional de España,
la Orchestra of the Age of Enlightenment, la European Royal Ensemble o la Orquesta Barroca de Sevilla. Colabora asiduamente con el IES
Miguel Delibes de Madrid en conciertos didácticos y con la parroquia del Santo Cristo del Olivar, el Ateneo y la Residencia de Estudiantes
en ambiciosos y originales proyectos musicales. En Madrid, y desde 1994, cantores y directores han ido dejando su impronta en Vox Aurea.
Rodrigo Guerrero es su actual director.
RODRIGO GUERRERO
Nace en Madrid y realiza sus estudios de dirección de coro en el Real Conservatorio Superior de Atocha. Compagina su actividad de director
con la enseñanza, la interpretación y la composición.
Como director ha estado al frente de diversas formaciones corales e instrumentales, abordando todo tipo de géneros y repertorios. En 2004
funda Opera Omnia, formación vocal-instrumental con la que trabaja en recuperar el patrimonio musical español de los siglos XVII y XVIII; en
2011 crea el Ensemble Guerrero, centrado en la interpretación del repertorio vocal europeo de los siglos XVI y XVII, y en 2012 pone en marcha
el coro de cámara arteSonado.
Desde 2011 es director del Coro de Rivas y profesor de conjunto coral en la Escuela Coral de Madrid. Igualmente, ha colaborado con los
proyectos de otras agrupaciones y entidades. Entre otros, dirigió en 2012 el monográfico dedicado a J. S. Bach en el III Festival Internacional
de Música Antigua de Xátiva.
Ha cantado en diversas formaciones profesionales, como la Capilla Real de Madrid o el grupo vocal Millenium. Parte de sus intereses musicales se vuelcan hacia la composición, y escribe y adapta música para coro, teatro y cine. El maestro Guerrero dirige el Coro Vox Aurea
desde 2013.
REAL ORQUESTA DE CÁMARA DE MADRID
Creada en el año 2010 es una de las más jóvenes orquestas de España con mayor éxito internacional.
Fundada por el gran pianista español Isidro Barrio, esta orquesta ha sido creada con toda la ilusión de ayudar a jóvenes promesas que representan el futuro, y que destacan en este bello arte de la música, para hacer resaltar con su interpretación tanto las obras del repertorio
español como internacional.
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El maestro Barrio es uno de los artistas españoles más destacados a nivel internacional por su amplia discografía que asciende a 34 discos
publicados con sellos como EMI, Koch y Universal Music.
En el año 2011, la Real Filarmónica de Madrid, junto con el maestro Barrio, realizó una gira a través de varios países europeos y sudamericanos con muchísimo éxito.
En agosto de 2013, Real Filarmónica realizó una gira por Alemania donde difundió el repertorio español en un evento llamado Noche Española..
ISIDRO BARRIO
Sería injusto no mencionar la influencia que ha tenido en la personalidad de este artista, tan singular, su familia, cuyos antepasados, entre
ellos el compositor Francisco de Peñalosa, se remontan al siglo XVI.
Su padre, Juan Ventura Barrio de Peñalosa, gran personalidad de la cultura española, escritor, dramaturgo y poeta muy considerado por
celebridades como Pío Baroja, el Marqués de Lozoya, Méndez Pidal, el Dr. Gregorio Marañón, Casals, etc., su hermano, Juan Vicente Barrio
prestigioso pintor con obras en varios museos españoles y en el Palacio de Justicia de Madrid, donde tiene una colección de retratos de los
presidentes del poder judicial habidos desde la democracia.
Casi siendo un niño alcanza sus primeros éxitos obteniendo todos los premios extraordinarios en el Real Conservatorio de Madrid y es invitado para tocar en el Alcázar de Segovia, Museo Romántico, Teatro María Guerrero, etc.
Con mucha tenacidad lucha para obtener el ideal con el riesgo que conlleva realizar nuevas interpretaciones y busca consejos en las figuras
más prestigiosas de aquel momento, como fue Alexis Weissenberg, Magda Tagliafero, Carlos Zecchi y la que fue su profesora durante muchos años, Eliza Hansen, estimulando todas sus nuevas ideas.
Siempre muy ambicioso realiza sus primeras versiones fonográficas dando a luz a su primer disco con las Sonatas para piano del Padre Antonio Soler, con el sello EMI, y, más tarde una integral, para el sello Koch Internacional, obteniendo un gran éxito. La critica mundial le considera
la máxima autoridad de este compositor.
Para no encasillarse como intérprete de música española graba su versión de las Variaciones Diabelli, de Beethoven, y Armonías poéticas y
religiosas, de Franz Liszt, alcanzando premios y grandes elogios –el prestigioso crítico alemán Arno Funchs califica de documento histórico
estas dos grabaciones.
Su carrera discográfica es muy extensa ascendiendo a 34 discos publicados en su mayoría por Koch International del que es artista en exclusiva. Bajo el mismo sello y en la faceta de director graba repertorio español operístico y para piano y orquesta, publicando un disco dedicado
a Turina con obras inéditas de este compositor. Entre sus más importantes actuaciones pueden destacarse el recital celebrado en el Teatro
Real de Madrid, con la asistencia del Presidente de Gobierno y personalidades de la sociedad española, con el estreno de las Armonías
poéticas y religiosas, de Franz Liszt, y en Festivales como Boden See, retransmitido para 5 países, Piano aux Jacobins, Schleswig, Holstein,
y Santander, donde ha quedado un gran recuerdo de sus actuaciones.
Como concertista ha sido muy bien considerado por las más importantes orquestas, emisoras de radio y televisión, tanto en América como en
Europa. “Es difícil hablar de este artista, hay que presenciar uno de sus recitales para experimentar sensaciones que difícilmente se pueden
describir” (Críticos Otto Bantel, Schubze, etc.).
En 2013 realizó, con gran éxito, giras por Japón y Alemania.
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Capilla Gregoriana de la Fundación DON
HERNANDO DE ARAGÓN / ISMAEL VILLANUEVA
MÚSICA
PARA EL ESPÍRITU:
ÓRGANO Y GREGORIANO
INTÉRPRETES
Capilla Gregoriana de la Fundación Don Hernando de Aragón. Esther Ciudad Caudevilla, órgano.
Ismael Villanueva Herrero, director.
PROGRAMA
Francisco Correa de Arauxo
(1584-1654)
Canto Gregoriano
Teatros, fechas y
horarios
Tiento y discurso de segundo tono (para órgano
ibérico)
Antiphona. Pueri Hebraeorum (I Modo). Dominica
in Palmis.
Getafe.
Iglesia Catedral de Santa María
Magdalena.
22 de febrero. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Responsorium. Ingrediente Domino (II Modo).
Dominica in Palmis
Tractus. De profundis (VIII Modo). Liturgia
defunctorum
Secuencia. Victimae Paschali Laudes (I Modo)
Heinrich Bach
(1615-1692)
Victimae Paschali Laudes (para órgano ibérico)
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Canto Gregoriano
Gloria. Rito ambrosiano
Lectio. De lamentatione Jeremiae prophetae
(Feria VI. In Parasceve). Ex codex Silensi (Viernes
Santo)
Jusepe Ximénez
(c. 1600-1672)
Canto Gregoriano
Batalla de Sexto Tono (para órgano ibérico)
Introito. Viri Galilaei (VII Modo). In Ascensione
Domini
Alleluia. Ascendit Deus (IV Modo). In Ascensione
Domini
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
Tocata en Mi menor, BWV 914 (para órgano
ibérico)
- Tocata
- Un poco allegro
- Adagio
- Fuga
NOTAS AL PROGRAMA
El programa elegido para este concierto alterna la sonoridad del instrumento, probablemente con más tradición sacra, como es el órgano,
con el instrumento más primigenio y genuino como es la voz humana y ésta, a su vez, en sus primitivas manifestaciones corales: el canto
gregoriano.
CAPILLA GREGORIANA DE LA FUNDACIÓN DON HERNANDO DE ARAGÓN
La Capilla Gregoriana de la Fundación Hernando de Aragón nace como grupo estable en diciembre de 2007, al amparo de la citada institución.
Su labor se centra en el estudio, investigación y difusión de las diversas manifestaciones vocales de la antigüedad, especialmente el Antiguo
Canto Hispano (mozárabe), el Canto Gregoriano y las diferentes formas polifónicas del Medievo.
La Capilla Gregoriana es miembro de la AHisECGre (Asociación Hispana para el Estudio del Canto Gregoriano).
En la actualidad prepara la edición de su primer disco con materiales procedentes del Archivo de la Catedral de Tarazona en colaboración
con el Cabildo y la Fundación Tarazona Monumental. Sus componentes son: Ángel Borobia Millán, Antonio Clemente García, Antonio Dagnino Casado, Juan Antonio Gracia Jos, Álvaro López Asensio, Chaime Marcuello Servós, Cristóbal Moncayo Escamilla, Rafael Peinado Marín,
Ricardo Soláns Armillas, José Luis Sanz Pomar, siendo su director Ismael Villanueva Herrero.
ESTHER CIUDAD CAUDEVILLA
Natural de Ejea de los Caballeros (Zaragoza), realiza estudios en el Conservatorio Superior de Aragón donde obtiene las titulaciones superiores en las especialidades de Solfeo y Teoría de la Música, Pedagogía, Órgano y Clavicémbalo.
En 1998 y 2001 asiste a los cursos de interpretación organizados por el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), donde obtiene
el Post- Graduado y especialización en Música Antigua para Tecla.
Amplía su formación musical con Montserrat Torrent (Barcelona), que marcará
profundamente su carrera musical.
Así mismo ha tenido la ocasión de recibir formación especializada de los maestros Emilio Molina, Jan Willen Cansen, Andrea Marcon, Cristine
Wiffen, Jesús Martín Moro, Cartenz Lorenz y J. Van Oortmersen.
De 2002 a 2005 continuó sus estudios de especialización en órgano y clavicordio con Heinrich Walther en Freiburg (Alemania). Posteriormente
con M. Bouvard (Toulouse) e Ignace Michiels (Brujas) y Pianoforte con Bart Van Oort.
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Como intérprete solista y de cámara ha participado en ciclos como el Festival Internacional del Camino de Santiago, Ciclo de Música Sacra
de Palencia, Ciclo de Clavicordio Aguilera de Heredia, Ciclo Internacional de Santa Isabel de Portugal, Festival de Música de Palencia, Ciclo
de la Comunidad de Navarra, Quincena Musical de San Sebastián, Ciclo de Música Sacra de Torreciudad, Cicle d’Orgue de la Catedral de
Barcelona, Brujas, y Estocolmo, Milán, Roma, Estrasburgo, Viena y Colonia, gira europea patrocinada por el Gobierno de Aragón.
Es coordinadora de los Ciclos Pedagógicos de Iniciación al Órgano, proyecto educativo para la difusión de los órganos en la provincia de
Zaragoza, que patrocina la Diputación Provincial de Zaragoza, y directora de los conciertos de Música Sacra del Pabellón de la Santa Sede en
la Expo 2008, directora del proyecto Divulgación de la música de las Artes, organizado por la Fundación Fernando el Católico para el Fomento
de las Artes de la que es patrono fundador y directora del Festival de Música de Las Cinco Villas.
Es colaboradora en el proyecto Cantania, patrocinado por el Gobierno de Aragón.
Actuamente es Directora de proyectos culturales de la Fundación Hernando de Aragón y profesora de órgano del Conservatorio profesional
de Música de Teruel.
ISMAEL VILLANUEVA HERRERO
Natural de la ciudad de Alcañiz (Teruel), realiza sus estudios musicales en los Conservatorios Superiores de Madrid y Zaragoza, obteniendo
titulaciones superiores en las especialidades de Solfeo y teoría de la música, Musicología, Pedagogía y Etnomusicología.
Incide especialmente en su formación el musicólogo José Vicente González Valle con quien comienza, en 1986, sus estudios de Paleografía
Musical.
Posteriormente ha completado su formación con los gregorianistas Luis Prensa (Conservatorio Superior de Aragón), Juan Carlos Asensio y
Alberto Turco (Abadía de Benedictina del Valle de los Caídos), Ismael Fernández de la Cuesta (Conservatorio Superior de Madrid), Michael
Levron (Monasterio Cisterciense de Santes Creus), Daniel Saulnier (Monasterio de Solesmes-Francia).
En la actualidad cursa estudios de Tercer Ciclo en la Universidad de Zaragoza para la obtención del Doctorado en Historia del Arte dentro del
programa Técnicas de Investigación en Historia del Arte y Musicología.
Ha desarrollado su labor docente en el Conservatorio Profesional de Madrid, Conservatorio Superior de Zaragoza, Universidad de Zaragoza
(Facultad de Educación) y, en la actualidad, es profesor titular de Lenguaje Musical y Canto Gregoriano en el Conservatorio Profesional de
Música de Zaragoza.
Es Jefe del Departamento de Lenguaje Musical del Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza, patrono fundador de la Fundación
Hernando de Aragón y Presidente de la Asociación Musical Pablo Nassarre, de Zaragoza. Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015
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Coro y Orquesta de la Universidad REY JUAN
CARLOS / CARLOS FERNANDO CHAVES
MÚSICA
EL CORO Y LA ORQUESTA EN EL
BARROCO RELIGIOSO
INTÉRPRETES
Coro y Orquesta de la Universidad Rey Juan Carlos, Ángel Palacio, director titular. Carlos Fernando Chaves,
director invitado.
PROGRAMA
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
Antonio Vivaldi
(1678-1741)
Marc-Antoine Charpentier
(1643-1704)
Wolfgang Amadeus Mozart
(1756-1791)
Teatros, fechas y
horarios
Cantata nº 147. Jesus bleibet meine Freud
Gloria, RV 589
El Molar.
Iglesia Parroquial de Nuestra
Señora de la Asunción.
22 de febrero. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
- Nº 1.- Gloria in excelsis Deo
Te Deum, H146
- Prélude
- Après le prélude (avec chœur)
Ave Verum Corpus
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Arte Sacro 2015
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
La Pasión según San Juan
- Coral: O grosse Lieb
- Coral: Petrus, der nicht denkt zurück
- Coral: Christus, der uns selig macht
- Coro final: Ruht wohl, ihr heiligen Gebeine
Magnificat en Re Mayor, BWV 243
- Nº 1.- Magnificat
NOTAS AL PROGRAMA
El programa recoge repertorio barroco en toda su totalidad a excepción de la breve obra mozartiana que el autor compuso en los últimos
años de su vida.
De todos los oratorios se interpreta solamente el primer número coral.
Charpentier compuso la obra Te Deum, mientras era maestro de capilla de los jesuitas, para conmemorar la victoria de Francia en la batalla
de Steinkirk contra Inglaterra, Escocia, Alemania y Holanda (1692). El texto del Te Deum –a ti Dios- es un himno litúrgico de acción de gracias
que exalta la gloria de Dios como rey todopoderoso y cuya magnificiencia servía para que el monarca (en este caso nada menos que Luis XIV,
el Rey Sol) ensalzara su poder y lo glorificara por su origen divino.
La Cantata 147 la compuso J. S. Bach para un día concreto en el que la liturgia, con significado mariano, aborda la visita de la Virgen a su
prima Isabel, que es de donde salen las frases claves de la oración Magnificat: “Se alegra mi espíritu en Dios mi salvador, porque ha mirado
la humillación de su esclava y ha decidido hacer obras poderosas en mí…”.
El concierto se completa con corales famosos de La Pasión según San Juan y con el coro final, de gran belleza expresiva, de la obra bachiana
ORQUESTA DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD REY JUAN CARLOS
La Orquesta de Cámara de la Universidad Rey Juan Carlos está formada por componentes de diversos conservatorios y escuelas de música
así como por alumnos de nuestra universidad.
Ha actuado en los cursos de Altea que organiza la Universidad Rey Juan Carlos en el Palacio de la Música, Palacio de la Música de Salamanca, Valladolid, Santo Domingo de la Calzada, Toro; ha participado en los dos ciclos más importantes de música en Semana Santa que
organiza la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid y en lugares emblemáticos como es el Monasterio de San Lorenzo de El
Escorial. Así mismo como en el Festival de Música de Getafe.
En el año 2010 se celebraron conciertos en el Coliseo de Villaviciosa de Odón, Auditorio Luigi Bocherini de Boadilla del Monte y Teatro Tomás
y Valiente de Fuenlabrada.
Como agrupación sinfónica ha celebrado varios conciertos en el Auditorio Nacional de Música de Madrid siendo su organizador la Universidad Rey Juan Carlos. El apoyo del Rector en estos conciertos como en la tradicional Concierto de Navidad de la Universidad Rey Juan Carlos,
hacen posible que la orquesta siga su camino con grandes éxitos.
En la actualidad realiza conciertos pedagógicos en diversos centros escolares con el fin de propagar la música entre los más jóvenes.
ÁNGEL DEL PALACIO GARCÍA
Nació en Toro y vive en Madrid desde la edad de 18 años.
Estudió en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid las enseñanzas de piano, canto, composición y se especializó en Musicología
y Dirección de Coros. En las enseñanzas de la Escuela de dirección de Sergiu Celebidache, estudió la especialidad de Dirección de Orquesta
en cursos de la Universidad Complutense de Madrid.
En el año 2000 funda el Coro y la Orquesta Rey Juan Carlos y ha dirigido en agrupaciones sinfónicas, como la Orquesta de Alcalá de Henares. Así mismo ha dirigido coros en Madrid, tales como el Coro Matritum, Coro Therpsicore y otras formaciones vocales, como elCoro Barroco
de Madrid; este coro, formado por cantantes profesionales, celebró varios conciertos con el montaje de La Pasión según San Juan, de J. S.
Bach, en los Festivales de Semana Santa del Ayuntamiento de Madrid y de la Comunidad de Madrid. En la actualidad es director del Coro
del Colegio del Buen Consejo de Madrid
Ha realizado conciertos con sus formaciones musicales en Cambridge, Praga, Viena, Budapest, Lisboa y Roma y, recientemente, en países
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musulmanes, como son Marruecos (Casablanca) y Turquía (Estambul).
Ha dirigido orquestas profesionales, como la Orquesta Nacional de Perú o la Orquesta Nacional de Guatemala.
En febrero de 2010 fue invitado por la Orquesta Juvenil de Texas y, en 2011, con la misma formación llevó a cabo diversos conciertos en
distintas ciudades españolas.
Tiene un compromiso con Centroamérica realizando actividades educativas en la Universidad Nacional de Costa Rica y conciertos en el
Teatro Nacional Rubén Darío, de Managua (Nicaragua), a cargo de la dirección musical.
En el año 2007 fue elegido como director musical en la Entrega del Premio de los Medios de Comunicación en Baden-Baden (Alemania) a su
Majestad Don Juan Carlos, por su trayectoria histórica.
En la actualidad también es profesor de Máster en Creación Musical de la Universidad Rey Juan Carlos y coordinador de los Cursos de Verano
de Práctica Orquestal y Dirección Musical Ciudad de Algeciras. Así mismo forma parte de jurados en certámenes nacionales.
CARLOS FERNANDO CHAVES CORDERO
Egresado con honores en Dirección Coral en 2012 po la Universidad Nacional de Costa Rica (UNA), como director ha fundado el Coro infantil
Ángeles de Dios, el Coro de Cámara Aurora y el Coro de Voces Blancas de la Escuela de Música de Atenas. También ha dirigido el Proyecto
Coral Santa Cecilia del Conservatorio Juan Pablo II y el Coro Experimental Mixolidio, proyecto de extensión de la UNA.
En febrero de 2011 inicia el proyecto Coro de Cámara Aurora, con el fin de promover la cultura coral, musical y en sí artística en Alajuela, y
con el que ha participado en distintos escenarios, conciertos y festivales, incluyendo dos giras Internacionales a Panamá y El Salvador, en
2013 y 2014, respectivamente, además de dirigirlo en importantes escenarios del país, incluyendo el Teatro Nacional. Dirige la producción
“Luz, Música y Navidad” con Banda Sinfónica, Coro de voces blancas y Coro mixto, en 2013. Forma parte de la Asociación de Directores
Corales ADICOR desde 2012.
En 2013 participa en el I Taller Coral Internacional Corhabana, en La Habana, Cuba, enfocado en la interpretación de la música contemporánea cubana popular y académica, en el cual es seleccionado para dirigir en el Concierto de Clausura al Schola Cantorum Coralina y el
Coro de Cámara Entrevoces, uno de los mejores coros de Latinoamérica. En febrero de 2014 asiste al Curso de Dirección de Orquesta y de
Interpretación Musical en Mar del Plata, Argentina, que realiza el maestro catalán Jordi Mora.
En agosto de 2014 es invitado a dirigir la Banda de Conciertos de Puntarenas, una de las Bandas profesionales de Costa Rica, ejecutando
obras de E. Grieg, G. F. Haendel, A. L. Webber y otros. También participa como director invitado con el Coro y Orquesta de la Universidad Rey
Juan Carlos para el Concierto de Navidad, en diciembre del mismo año.
Sus estudios musicales los inició a los 10 años de edad con lecciones de guitarra popular. Es egresado en Guitarra Clásica y Piano por el
Conservatorio Municipal de Alajuela. Como corista, ha formado parte del Coro Infantil y del Coro del Conservatorio Municipal de Alajuela,
Coro Universitario Cubujuquí, de la Escuela de Música de la Universidad Nacional, el Coro de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Ha
grabado los CD Pueblos y Poetas de Iberoamérica, con el Coro Iberoamericano de Madrid, y también Ilusiones, y Feliz Navidad, con el Coro
de Cámara Surá, con quien además participó en el VIII Festival Internacional de Coros de Belo Horizonte, Brasil, en 2010. Participó además
con el UCR Coral en los coros de la ópera Aída, de G. Verdi, en Ciudad de Panamá, en octubre de 2013.
Actualmente se encuentra en Madrid (España), cursando un Máster en Creación e Interpretación Musical.
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Elena Gragera / Anton Cardó
MÚSICA
ÁVILA EN EL RENACIMIENTO
500 ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DE SANTA TERESA
INTÉRPRETES
Elena Gragera, Mezzosoprano. Anton Cardó, Piano.
PROGRAMA
Francisco de la Torre
(1470-1520)
Arne Dorumsgaard
(1921-2006)
Miguel de Fuenllana
(c. 1500-1568?)
Fernando Obradors
(1897-1945)
Juan Vasquez
(1510?-1560)
Robert Gerhard
(1896-1970)
Gil Vicente
(1470?-1536)
Joaquín Nin-Culmell
(1908-2004)
Teatros, fechas y
horarios
Pámpano verde
Madrid.
Ateneo de Madrid.
23 de febrero. 20:00 horas.
Entrada: 8 €. Socios: entrada
gratuita.
La mi sola, Laureola 1
Morenica, dame un beso 2
Ro, ro, ro... nuestro Dios y redemptor 3
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Gil Vicente
(1470?-1536)
Hugo Wolf
(1860-1903)
Garcisánchez de Badajoz
(1460-1526)
Hugo Wolf
Und schläfst du, mein Mädchen (Si dormís doncella) 4
Ach, im Maien war’s, im Maien (Por mayo era, por mayo) 5
Garcilaso de la Vega
(1501-1536)
Eduardo Toldrá
(1895-1962)
Nadie puede ser dichoso 6
Miguel de Cervantes
(1547-1616)
Joaquín Nin-Culmell
Siempre escogen las mujeres 7
Lope de Rueda
(1505-1565)
Joaquín Nin-Culmell
Mala noche me diste 9
Fray Luis de León
(1527-1591)
Salvador Moreno
(1916-1999)
Vete, vete pícaro hablador 8
Cortar me puede el hado
San Juan de la Cruz
(1542--1591)
Federico Mompou
(1893-1987)
Cantar del alma
San Juan de la Cruz
Joaquín Rodrigo
(1901-1999)
Cántico de la esposa
Santa Teresa de Jesús
(1515-1582)
Manuel García Morante
(1937)
Exclamaciones
- ¡Oh vida, vida!
- ¡Ay de mí, Señor!
- ¡Oh mortales, volved en vosotros!
- ¡Oh Dios mío y mi sabiduría!
Cancionero de Palacio, Juan Ponce /1480?-1521?)
Tablatura de Valderrábano
3
De “Tres poemas”, de Gil Vicente
4
Traducción de Emanuel Geibel. De “Spanisches Liedrebuch” (Cancionero español, Paul Heyse)
5
Glosa sobre poema anónimo. De “Spanisches Liedrebuch” (Cancionero español, Paul Heyse)
6
De “Seis canciones castellanas”
7
La guarda cuidadosa - Canciones de “La Barraca”
8
Homenaje al cucú - Canciones de “La Barraca”
9
El bobo de la olla - Canciones de “La Barraca”
1
2
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Arte Sacro 2015
NOTAS AL PROGRAMA
El influjo de la poderosa personalidad artística de Teresa de Cepeda y Ahumada, más conocida como Santa Teresa de Jesús (1515-1582),
poeta mística española que asimiló en extraordinaria síntesis el clima del Renacimiento español, en conexión espiritual con los grandes
poetas de su época: el otro gran místico San Juan de la Cruz, Cervantes, Garcilaso de la Vega, Lope de Rueda o Gil Vicente. Este formidable
impulso creativo fue recogido y glosado en música por compositores de los siglos XIX y XX, enriqueciendo así el repertorio de la canción de
concierto de esta época, dándole un cariz universal, de la mano de compositores de la talla de Federico Mompou, Eduardo Toldrá, Joaquín
Nin-Culmell, Joaquín Rodrigo o Hugo Wolf en una sugerente simbiosis de música y literatura.
ELENA GRAGERA
La carrera sólida de Gragera explica su presencia en los principales escenarios musicales del país: Teatro Real, CNDM, Centro de Difusión de
la Música Contemporánea, ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela, L´Auditori, Palau de la Música, Festivales de Santander, Torroella de Montgrí, Alicante, Ciudad de Úbeda, Semana de Música Religiosa de Cuenca, y temporadas de la OSRTVE, la ONE, la OCB... En la escena internacional ha cantado en las salas más importantes de Londres, Ámsterdam, Toulouse, París, La Haya, Moscú, San Petersburgo, México D.F, etc.
Recibe la tradición interpretativa del Lied alemán de la mano de algunos de los grandes mitos del género: Irmgard Seefried, Edith Mathis, Gérard Souzay y la gran contralto holandesa Aafje Heynis, con quien obtiene el Diploma Superior, con distinción, del Koninklijk Conservatorium
de La Haya. Ha colaborado con directores como Helmut Rilling, William Christie, Antoni Ros-Marbà, Josep Pons, José Ramón Encinar, Enrique García Asensio, Alexis Soriano, entre otros. Su ya extenso catálogo de grabaciones ha sido elogiado y premiado por las más importantes
publicaciones musicales. Tiene registradas canciones de Joaquín Nin Castellanos (Disco del mes en la revista Scherzo), Ernesto Halffter,
Joaquín Nín-Culmell (Disco destacado en Fanfare y Melómano), Eduardo Rincón y José Hierro, monográfico Josep Soler (Columna música),
Robert Gerhard (Harmonia Mundi), Isaac Albéniz y Federico Mompou (Autor). También ha grabado con orquesta y otros grupos de cámara
obras de Pedrell (con la OBC y Ros Marbà), Pasión Argentina (con el Octeto Ibérico de Violoncellos y Arizcuren) y Canciones para Don Quijote.
Realiza la primera grabación mundial de la ópera Glauca y Cariolano, de José Lidón, grabada en directo desde el Teatro del Hermitage de San
Petersburgo, con la Orquesta del Museo Estatal de San Petersburgo, bajo la dirección de Alexis Soriano
ANTON CARDÓ
Estudió en el Conservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona y en la Schola Cantorum de París, donde se graduó con Premier Prix
de Piano y Música de Cámara. Más tarde trabajó con Rosa Sabater y Paul Schilhawsky. A partir de entonces ha acompañado, entre otros
muchos, a cantantes como Gérard Souzay, Jessye Norman, Edith Mathis y Arleen Auger, en Niza, París y Lucerna. Ha ofrecido recitales en
el Teatro Real, Auditorio Nacional, Auditorio 400 Reina Sofía, Teatro de la Zarzuela, Palau de la Música y L’Auditori, Teatre del Liceu y en los
Festivales “Grec” en Barcelona, Santander, Torroella de Montgrí, Alicante, A Coruña, Valladolid, Semana de Música Religiosa de Cuenca,
CNDM, además de en importantes salas en París, Londres, Niza, Toulousse, La Haya, Utrecht y Amsterdam, entre otras ciudades. Además,
ha sido invitado a impartir cursos de interpretación para cantantes y pianistas en la Universidad Nacional de Seúl y en los conservatorios de
Versalles, Varsovia y San Petersburgo. Cuenta con diversas grabaciones discográficas, entre las que destacan la integral de canciones de
Isaac Albéniz, Federico Mompou, Joaquín Nin, Joaquín Nin-Culmell, Ernesto Halffter y un monográfico de Josep Soler. Ha presentado distintos programas para televisión y para Radio Clásica dedicados al Lied, destacando la serie de 53 programas con el título “El mundo de Hugo
Wolf”. Actualmente está escribiendo una Introducción al Lied romántico alemán, para Alianza Editorial.
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Arte Sacro 2015
Coro Francis Poulenc / ORQUESTA ESCÉNICAS /
FRANCISCO LUIS SANTIAGO
MÚSICA
REQUIEM EN SOL MENOR DE
DOMENICO CIMAROSA
INTÉRPRETES
Sara Matarranz, soprano. María del Mar Campo, mezzosoprano. Diego Blázquez, tenor. José Antonio Carril,
barítono. Diego Fernández, órgano. Coro Francis Poulenc. Blanca Anabitarte Urrutia, directora. Orquesta
Escénicas. Francisco Luis Santiago, director.
PROGRAMA
Requiem, en Sol menor, para cuatro solistas, coro y orquesta, de Domenico Cimarosa
(1749-1801) *
I. Introitus
- Requiem (coro)
Teatros, fechas y
horarios
Madrid.
Iglesia Santuario de Nuestra
Señora del Perpetuo Socorro.
24 de febrero. 20:30 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
II. Kyrie (coro)
III. Graduale (coro)
IV. Secuentia
- Dies Irae (coro)
- Tuba Mirum (soprano)
- Mors stupebit (coro)
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Arte Sacro 2015
- Judex ergo (alto)
- Rex Tremendae (coro)
- Recordare (soprano y alto)
- Ingemisco (solistas y coro)
- Preces meæ (tenor)
- Inter oves (soprano)
- Confutatis (bajo)
- Oro supplex (alto)
V. Lacrimosa (solistas y coro)
VI. Offertorium
- Domine Jesu Christe (solistas y coro)
- Hostias (solistas y coro)
VII. Sanctus (coro)
VIII. Benedictus (soprano y coro)
IX. Agnus Dei (solistas y coro)
X. Communio (solistas y coro)
* Estreno en España en tiempos modernos.
NOTAS AL PROGRAMA
En 1787 Cimarosa fue invitado a San Petersburgo por medio del Duque de Serra Capriola, el ministro de Nápoles y Sicilia acreditado en la
corte rusa, y llegó a la ciudad el 2 de diciembre de ese mismo año.
Sólo diez días más tarde murió la Duquesa de Serra Capriola, la esposa de su patrón, y Cimarosa compuso rápidamente para su funeral el
Requiem en Sol menor. Se trata de una composición singular. La música de Cimarosa, ya sea sacra o profana, es un reflejo de su personalidad: está impregnada de serenidad. A veces alcanza la seriedad, otras veces captura un momento de melancolía, pero nunca hay un atisbo
de dolor. El Requiem no constituye una excepción: no hay dolor, por no hablar ya de desesperación, sino tan solo consuelo en la certeza de la
vida eterna. La música posee una gran dignidad. Los ritmos punteados recuerdan el destino que ha determinado el momento final de nuestro
periplo por la tierra. Las melodías nos traen a la mente a Mozart, el compositor que, según los gustos de la época, estaba considerado un
genio menor que Cimarosa, aunque éste consideraba a Mozart el más grande de todos los músicos.
VITTORIO NEGRI
SARA MATARRANZ
Nacida en Segovia, donde comienza sus estudios musicales de piano y clarinete. Graduada con las más altas calificaciones en el Conservatorio Profesional de Música de Valladolid y con Matrícula de Honor en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha realizado el Master Experta
en patologías de la voz, en la Facultad de Medicina de Alcalá de Henares (Madrid). Paralelamente desarrolla su actividad pedagógica junto
con la concertística, como profesora de canto, técnica vocal e interpretación en la Escuela Superior de Canto de Madrid (número uno en su
oposición y profesora más joven del centro).
Ha realizado cursos de perfeccionamiento de técnica vocal, repertorio e interpretación con Alfedo Kraus, Teresa Berganza, Miguel Zanetti,
Pedro Lavirgen, Ana María Sánchez, Roger Vignoles, Ana Luisa Chova, Helena Lazarska, Vera Mamieew, Nancy Argenta, Mark Hastings,
Meribeth Bunch, Gerd Türk, Françcois leroux, Jeff Cohen, Robert Expert,...
En su palmarés destaca hacer sido ganadora del Primer Premio en los concursos de canto Maestro Barrasa (2001 – accesit, 2002), Voces no
Camiño de Santiago (2003), Ciudad de Cádiz (2004), Premio Hispánica para jóvenes intérpretes líricos (2006), premiada con cuatro galardones
en Festival Liric de Callosa d’en Sarriá (2006), becada por Amigos de la Ópera y Juventudes Musicales de España (2005), Segundo Premio
en el Concurso Internacional de Canto de Logroño (2006), Premio a la mejor intérprete de ópera en el Concurso Internacional de Canto de
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Arte Sacro 2015
Zamora (2008).
Ha realizado giras de recitales como solista y formando parte de diversas compañías por España, Portugal, Italia, Hungría, Francia, Israel,
Argentina, Brasil, Uruguay, Chile, Rusia, EEUU,...
Actualmente destaca como especialista en música española.
MARÍA DEL MAR CAMPO
Nace en Valencia en 1983. Comienza su formación musical a los siete años en juventudes musicales de Alcalá de Henares (Madrid),y compagina los estudios de piano y solfeo con su formación académica hasta obtener, en 2005, su licenciatura en Historia del Arte por la Universidad
Autónoma de Madrid.
En 2004 disfruta de una beca Erasmus en Roma (Italia) y continúa sus estudios en Berlín (Alemania) cursando el máster Ciencia y Tecnología
del Arte, en la Technische Universität Berlín. A la vez, amplía su formación musical con una beca otorgada por el Estado alemán.
En 2009 inicia sus estudios de canto lírico de la mano de Alicia Nafé y poco después es admitida en el Conservatorio Superior de las Islas
Baleares. Un año más tarde se traslada a la Escuela Superior de Canto de Madrid, donde, en 2013, obtiene su licenciatura bajo la tutela de
Ramón Regidor, Sara Matarranz y Jorge Robaina.
Ha recibido clases magistrales de Amelia Felle, Dolora Zajick, Francesca Roig, Giulio Zappa, Marco Evangelisti, Ettore Pappadia y Charles
Spencer, entre otros.
De su trayectoria artística caben destacar conciertos como el Stabat Mater, de Pergolesi, en el Auditorio Nacional, El sombrero de tres picos,
con la Orquesta Sinfónica de RTVE, bajo la batuta de Carlos Kalmar, en el Teatro Monumental, o diversos conciertos homenaje a Poulenc y
a Debussy, como el ofrecido en el Auditorio Conde Duque o en el Instituto Francés. Debutó en el Teatre Principal de Palma de Mallorca con
El arca de Noé. También ha participado en el programa infantil Pizzicato y en Radio Clásica en el día Europeo de la música así como en el
programa “La dársena”.
Recientemente ha formado parte en el programa de “Ópera Estudio” de Ópera de Tenerife, dirigido por Giulio Zappa, interpretando el rol de
Tisbe, de La Cenerentola, en el Auditorio Adán Martín, con la Orquesta Sinfónica de Tenerife, bajo la batuta de Matteo Pagliari.
DIEGO BLÁZQUEZ
Nace en Madrid. Comienza sus estudios musicales de piano y acordeón en la Escolanía del Monasterio de El Escorial. En 2008 obtiene una
beca de la Academia de Música Antigua de Salamanca para estudiar con los profesores Richard Levitt y David Mason, con los que realizará
numerosos proyectos académicos en torno a las figuras de Purcell, Haendel, Mozart y Schubert. De nuevo en Madrid, estudia en la Escuela
Superior de Canto, con la maestra Carmen R. Aragón, donde obtiene el premio fin de carrera AAESCM.
Actualmente trabaja con diversos grupos especializados en el ámbito de la música antigua como: Axivil, Actus, Al Ayre español, Capilla Peñaflorida, Medio Concertado, Regina Ibérica, Ensamble Hispania o Música Ficta. Grupos con los que ha actuado en España, Japón, Alemania,
Colombia, Costa Rica y Chile.
Sus incursiones en la música escénica se centran en la ópera barroca, realizando papeles principales en L’Orfeo, de Monteverdi (Orfeo), Acis
and Galatea, de Haendel (Acis) o Fairy Queen, de Purcell (Secreto, Otoño…); aunque también ha participado en montajes de compositores
más cercanos en el tiempo como en Pomme d’Api, de Offenbach, o El diluvio de Noé, de B. Britten.
Entre sus proyectos más inmediatos, se encuentran Carmina Burana, de C. Orff, Messiah, de G. F. Haendel, y la Misa en Sol Mayor, de F.
Schubert.
En el presente año ha comenzado una nueva etapa como director musical del Ensemble Zurbarán, quinteto vocal dedicado principalmente
al repertorio madrigalístico.
JOSÉ ANTONIO CARRIL
Nació en San Sebastián. Realizó sus estudios vocales en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Desde que comenzara su carrera artística
ha actuado junto a las mejores orquestas españolas (Orquesta Nacional de España; Sinfónicas de Asturias, Baleares, Barcelona y Nacional de
Cataluña, Bilbao, Euskadi, Madrid, Tenerife y Galicia; Filarmónica de Gran Canaria, Orquestas de Córdoba y Ciudad de Málaga, Orquesta Clásica de Madrid, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Comunidad de Madrid,...), interpretando las obras más conocidas del repertorio sinfónicocoral. Asimismo ha colaborado con un elevado número de agrupaciones extranjeras y son cada vez más frecuentes sus colaboraciones con
conjuntos especializados en música barroca: La Grande Ecurie et la Chambre du Roy, Ricercar Consort, Le Concert des Nations, Ensemble
Elyma, Capella Reial de Catalunya, Estil Concertant, Orquesta Barroca de Helsinki, etc.
Ha aparecido en las salas y teatros españoles más importantes y en numerosos países europeos: Francia (Otoño Musical del Castillo de
Versalles, Festival de Colmar, Festival Bach de Saint-Donat, Atelier Lyrique de Tourcoing, Teatro Imperial de Compiògne, Festival de Música
Barroca de Beaune, L’Arsenal de Metz, Sala Pleyel de París,...), Alemania (Festival Telemann de Magdeburgo, Ludwigsburger Festspiele
Stuttgart...), Rusia (Sala Central del Conservatorio de Moscú, Teatro del Ermitage y Filarmónica de San Petersburgo), Austria (Konzerthaus
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Arte Sacro 2015
de Viena), Polonia (Ópera de Cámara de Varsovia), Bélgica (Cirque Royal de Bruselas y Printemps Baroque du Sablon), Italia (Teatro Regio
de Turín), etc.
Obtuvo una mención especial del jurado en el prestigioso Concurso internacional Toti dal Monte, de Treviso (Italia), en 1994 y fue declarado
vencedor en el Concurso internacional Voci rossiniane e donizettiane, de Pistoia (Italia,) en 1996.
Ha alcanzado sus mayores éxitos con el repertorio operístico del siglo XVIII., actuando en obras como L’Orfeo (Monteverdi), Celos, aún del
aire, matan (Hidalgo), La púrpura de la rosa (Torrejón y Velasco), Pimpinone, Der geduldige Socrates y Don Quichotte auf der Hochzeit des
Camacho (Telemann), Il maestro di musica y La serva padrona (Pergolesi), La serva padrona (Paisiello), Dido y Eneas (Purcell), Acis y Galatea
(Haendel), Glaura y Cariolano (Lidón), La Madrileña, Una cosa rara y La festa del villaggio (Martín y Soler), Don Chisciotte della Mancia in Sierra
Morena (Conti) y las más importantes óperas mozartianas. Ha actuado junto a algunos de los más conocidos especialistas en este repertorio,
como Jordi Savall, Jean-Claude Malgoire, Gabriel Garrido, Philippe Pierlot, Jacques Ogg y Wieland Kuijken.
También ha realizado grabaciones para varios sellos discográficos entre los que destacan K617, Harmonia Mundi Ibérica y Marco Polo.
DIEGO FERNÁNDEZ
Nace en A Guarda (Pontevedra) y se introduce en el mundo del clave de la mano de Pilar Cancio. En 2002 es admitido por unanimidad en la
clase de Bajo Continuo de Yves Rechsteiner en el Conservatorio Nacional Superior de Música de Lyón (Francia) y obtiene, en 2005, el Primer
Premio de la especialidad por unanimidad y con felicitaciones del jurado. Al mismo tiempo recibe consejos de maestros como J. Ogg, I.
Wjuniski, Ch. Rousset, P. A. Clerc, F. Eichelberger, L. Alvini, etc.
Es, desde 2013, miembro de la Orquesta Barroca Conde Duque y ha realizado también un importante número de conciertos como continuista
con la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca y el Consort de Violas da Gamba de la Universidad de Salamanca. Su actividad en
Francia incluye proyectos en la Chapelle de la Trinité (Lyón), L’Orfeo, de Monteverdi, dirigido por Philip Pickett, en una producción de la Ópera
de Lyon; colaboraciones con solistas de la Orquesta Nacional de Lyon, con el Ensemble Baroque de Nice, con el Ensemble Boréades, Le
Salon de Musique; además, ha realizado recitales en formación de dos claves en la Fundación Juan March, en el Amphi de la Ópera de Lyon
y en el Teatro Filarmónico de Verona (Italia) con un instrumento clavecín-fortepiano vis-à-vis de Stein (1777). Como solista, ha sido invitado
por el Festival de Tarantaise, el Festival de piano de La Charité sur Loire (Francia) y Les Vendredis Baroques de Dardilly (Francia). También ha
compartido escena con solistas como Guillemete Laurens, Philippe Bernold o Wilbert Hazelzet.
Es miembro fundador de El Arte Mvsico (Madrid) y director artístico del ensemble The New Baroque Times (Bruselas), grupos con los que
ha actuado en diversos festivales españoles y europeos. Colabora habitualmente con Harmonia Artificiosa (Vigo) y el Coro Francis Poulenc
(Madrid).
Ha grabado para France 3, Canal Mezzo, Radio France, Radio Clásica y el sello discográfico Verso.
CORO FRANCIS POULENC
El coro Francis Poulenc se crea en noviembre de 1993 bajo la dirección de su actual directora, Blanca Anabitarte. En 1995 se produce la
presentación en público del coro con dos conciertos. El primero, en mayo de 1995, con motivo de la presentación del libro Música y músicos
bolivianos, en la Casa de América de Madrid, donde se estrenaron en España obras del compositor boliviano Franklin Anaya Arze. La presentación oficial del coro se produce días después, en la Deutschprachige Evangelische Gemeinde de Madrid, con obras de Brahms, Fauré,
Poulenc y Halffter, entre otros.
A partir de ahí, el coro inicia una andadura que le ha llevado a participar en algunos de los más importantes festivales y auditorios de la geografía española como el Festival de Arte Sacro y Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, Ciclo de Conciertos de Música Sacra del
Ayuntamiento de Madrid, Semana de Música Sacra de Segovia, Ciclo de Música Sacra, Música y Semana Santa en Europa, de Vigo, Festival
de la Ribagorza, de Huesca, Real Coliseo Carlos III, de El Escorial, Teatro Real, de Madrid, Centro de las Artes Escénicas y de la Música, de
Salamanca, Auditorio Joaquín Rodrigo, de Aranjuez, etc.
En el año 1999 realiza una gira por diversas ciudades de Francia, con motivo de la Exposición Antológica sobre Goya celebrada en el Musée
de Beaux-Arts de Lille (Francia) y, en agosto de ese mismo año, participa en el XXI Festival Internacional de Coros de Guayaquil (Ecuador),
con un programa dedicado a la celebración del centenario de F. Poulenc. En 2005, participa en el VIII Festival de Coros de Santiago de Cuba
(Cuba) y se suma así a los actos que, con motivo de la celebración del IV centenario de la edición de El Quijote, se realizaron por toda Hispanoamérica. En mayo de 2006, el Coro Francis Poulenc viaja a Berlín (Alemania) invitado por la Universidad de las Artes de dicha ciudad
(Kammerchor der Universität der Künste), con un programa dedicado al Padre Donostia y sus contemporáneos, en el cincuenta aniversario
de su muerte.
En marzo de 2007 el coro participa, junto con el Ensemble Quasar y solistas, en la Semana de Música Sacra de Segovia, invitado por la Fundación Don Juan de Borbón, con la obra, Musikalische Exequien, Op. 7, de H. Schütz y a lo largo de 2008, y en colaboración con la orquesta
Naardens Kamerorkest, realiza una gira por diversas ciudades de España y Holanda con el siguiente programa: Nänie, Op.82, de J. Brahms,
y Salmo 42, Op. 42, de F. Mendelssohn.
El Coro Francis Poulenc celebra, a lo largo de 2009, el II Centenario del nacimiento de Felix Mendelssohn, con una serie de conciertos en
España, bajo el título de Felix Mendelssohn. Obra coral en el bicentenario del nacimiento (1809-1847). Durante todo 2011 conmemora el 400
aniversario de la muerte del compositor abulense T. L. de Victoria (ca.1548-1611); con tal motivo, realiza una serie de conciertos en España
(Iglesia de la Concepción Real de Calatrava de Madrid, Iglesia de la Clerecía de Salamanca,...) y, en Portugal, en el Festival Internacional de
Coros Do Algarve, bajo el título de Victoria, Schütz y Schein: Contrarreforma y Luteranismo en la Música Sacra.
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Arte Sacro 2015
Desde 2011, el Coro Francis Poulenc colabora con la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Música de Castilla y León (COSCYL)
en varios proyectos: el primero de ellos, en diciembre de 2011, en el Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Salamanca (CAEM),
en el que interpretaron, bajo la dirección de Lutz Köhler, Un Requiem alemán, de J. Brahms. En junio de 2013, y con motivo de la II Bienal
Internacional de Música Heitor Villa-Lobos, -en colaboración con el Centro de Estudios Brasileños de Salamanca-, rindieron un homenaje al
compositor carioca interpretando una de sus obras más impresionantes, Choros nº10 para coro y orquesta en el CAEM de Salamanca y el
Auditorio Lienzo Norte de Ávila.
En 2014 inicia su primera colaboración con El Arte Mvsico, con la obra Memba Jesu Nostri, de D. Buxtehude. Este encuentro les ha llevado a
participar recientemente en el Festival de Música Antigua Bell ‘Arte Europa y en el Ciclo Música y Voz para la Pasión del Excmo. Ayuntamiento
de Madrid.
Actualmente están preparando un programa monográfico sobre J. S. Bach con El Arte Mvsico, y el Réquiem, de Mozart, junto con la Orquesta
Sinfónica del Conservatorio Superior de Música de Castilla y León que interpretará el próximo mes de junio.
BLANCA ANABITARTE URRUTIA
Nace en Madrid, ciudad donde obtiene la licenciatura en Historia del Arte por la Universidad Autónoma en 1988. En 1989 se traslada a Boston, becada por la Comisión Fullbright, y alcanza el grado de máster en Dirección de Coros en el New England Conservatory of Music, bajo la
tutela de Tamara Brooks. Después de una estancia de cuatro años en EEUU regresa a Madrid, donde obtiene el Título Superior de Dirección
de Coros en 1994. Su formación en la dirección coral se complementa con estudios de dirección de orquesta en el extranjero, bajo la dirección de maestros como Kirk Trevor, Tsung Yeh, Harold Farberman, Daniel Lewis y cursos de dirección de coros impartidos por los profesores
Eric Ericson, Adrianne Vinczeffy y Christian Grube.
Como directora invitada, ha dirigido, entre otros, la Orquesta y Coro Barrocos OBAROQ de Roquetas de Mar, el Coro Attleborough (EEUU),
la Orquesta de Cámara de Nueva Inglaterra (EEUU), el Ensemble Coeli et Terra de Lille (Francia), el Coro y la Orquesta del New England Conservatory of Music, de Boston (EEUU), el Coro de Cámara de la Universidad de las Artes, de Berlín (Alemania), la Orquesta de Zlín (República
Checa), el Grupo de Cámara del Conservatorio Teresa Berganza, de Madrid, y la Naardens Kammerorkest, de Holanda, etc. En 1993 funda
el Coro Francis Poulenc, con el que ha obtenido diversos premios en certámenes corales; ha dirigido asimismo el Coro Semicírculo de la
Escuela Superior de Ingenieros Industriales de Madrid (1997-2000), y el Coro de la Escuela Municipal de Música de Pinto (1997-1999). Ha
realizado giras por Francia, Alemania, Holanda, Portugal, Cuba, y Ecuador. Ha impartido cursos de dirección coral invitada por las Federaciones Corales de Galicia, Las Palmas de Gran Canaria y Madrid. El curso pasado fue profesora invitada en la Escuela Superior de Música de
Gante -Artevelde Hogeschool Ghent- (Bélgica) con una beca Erasmus.
Desde el año 2000 ocupa la cátedra de Dirección de Coros del Conservatorio Superior de Música de Castilla y León.
ORQUESTA ESCÉNICAS
La Orquesta Escénicas nace en 2011 con el objetivo de llenar un vacío en el panorama musical madrileño: llevar el patrimonio cultural operístico a todo tipo de público incluidos niños, personas mayores o con discapacidad, promover espectáculos en pequeño formato aptos para
todo tipo de teatro incluso el más pequeño, acercar casi fundiendo público y artistas para que los espectadores se sientan parte integrante
del espectáculo.
Consta de una plantilla variable en función de los proyectos en los que participa y cuenta con músicos profesionales con mucha experiencia.
Seriedad, profesionalidad y excelencia musical son algunos de los valores que comparten nuestros intérpretes.
Gracias a la colaboración entre artistas y músicos a lo largo de cuatro años se han interpretado títulos como: Norma, Turandot, Fidelio,
Madama Butterfly, Rigoletto, La Bohéme, Un ballo in maschera, La Traviata, Falstaff, Don Giovanni.
Cada año participa a uno de los eventos más importante de Madrid, con ocasión del Día Internacional de la Música, interpretando óperas al
aire libre en uno de los escenarios más bonito de la ciudad, el Templo de Debod.
El próximo proyecto de la Orquesta Escénicas es llevar a cabo la representación de la ópera La flauta mágica, de W. A. Mozart, en la programación en el Centro Cultural de Moncloa-Aravaca, en enero de 2015.
FRANCISCO LUIS SANTIAGO
Nace en Madrid donde realiza sus estudios de piano con Emmanuel Ferrer-Laloe, perfeccionándolos más tarde con Albert Giménez-Attenelle
y con el pianista noruego Hakön Austbö, en Utrecht (Holanda). Realiza estudios de dirección de orquesta con Alejandro Posada y Joachim
Harder.
Está titulado por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, el Conservatorio Superior de Música de Salamanca y por la Guildhall
School of Music of London.
Es profesor del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid desde el año 1989, tarea que compagina con los recitales de piano, con la
dirección musical y artística de la compañía Ópera de Cámara de Madrid y la dirección de orquesta.
Ha dirigido las óperas La serva padrona, de G. B. Pergolesi, L’Impresario in angustie. de D. Cimarosa, La flauta mágica y Cosí fan tutte, de
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W. A. Mozart, Eugenio Onegin, de P. I. Tchaikovsky, Il Trovatore, de G. Verdi, Amahl y los Visitantes y Socorro, socorro los Globolinks, de G.
C. Menotti, El pequeño deshollinador, de B. Britten, Brundibar, de H. Krása, la opereta, de Johann Strauss II, El murciélago, y el oratorio, de
B. Britten El Arca de Noé. También ha realizado los estrenos absolutos de La ópera de los Sentidos, de Fernando Palacios, y Canción de
Navidad, de Álvaro Gómez, así como del ballet El paseante ocioso, de Fernando Palacios.
Ha grabado, para el sello Agruparte, Juegos de niños, de Bizet, y El Carnaval de los animales, de Camille Saint-Säens, junto con la pianista
Menchu Mendizábal y la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, dirigida por Adrian Leaper.
Ha actuado como solista con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y con la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias.
Ha dirigido a la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Orquesta Sinfónica de Gran Canaria, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta de la
Comunidad de Madrid, Ópera de Cámara de Madrid, la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, la Joven Orquesta Nacional de España
(JONDE) y la Ópera Estatal de Bourgas (Bulgaria).
TEXTOS
Requiem, en Sol menor, para cuatro solistas, coro y orquesta, de Domenico Cimarosa.
I - INTROITUS
I - INTROITUS
Requiem (coro)
Réquiem (coro)
Requiem aeternam dona eis, Domine,
et lux perpetua luceat eis.
Te decet hymnus, Deus, in Sion, et
tibi reddetur votum in Jerusalem:
Exaudi orationem meam,
ad te omnis caro veniet.
Requiem aeternam dona eis, Domine,
et lux perpetua luceat eis.
Dales Señor, el eterno descanso,
y que la luz perpetua los ilumine.
En Sión cantan dignamente vuestras
alabanzas y en Jerusalén os ofrecen
sacrificios:
Escucha mis plegarias,
Tú, hacia quien van todos los mortales.
Dales Señor, el eterno descanso,
y que la luz perpetua los ilumine.
II – KYRIE (coro)
II – KYRIE (coro)
Kyrie eleison
Christe eleison
Kyrie eleison
Señor, ten piedad
Cristo, ten piedad
Señor, ten piedad
III – GRADUALE (coro)
III – GRADUALE (coro)
In memoria aeterna
erit justus ab auditione
mala non timebit.
Absolve, Domine,
Animas omnium fidelium
defunctorum ab onmi
vinculo delictorum.
Et gratia tuillis succurrente
mereantur evadere
judicium ultionis
et lucis aeternanae
beatitudine perfrui.
En el recuerdo eterno
quedará el justo, el cual
no tenga una mala reputación.
Absuelve, señor.
Las almas de todos los fieles
difuntos de los
lazos de sus pecados.
Y mediante el lazo de tu gracia
merezcan evitar
el juicio de la divina venganza
y disfrutar de la felicidad
de la luz eterna.
IV - SECUENTIA
IV - SECUENTIA
1 Dies Irae (coro)
1 Dies Irae (coro)
Dies iræ, dies illa,
Solvet sæclum in favilla:
Teste David cum Sibylla.
Día de la ira será aquel en que
el mundo será reducido a cenizas,
según los oráculos de David y Sibila.
Quantus tremor est futurus,
Quando judex est venturus,
Cuncta stricte discussurus!
¡Grande será el temor cuando
aparezca el justo Juez a pedir
cuentas de lo que hemos hecho!
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2 Tuba Mirum (soprano solo)
2 Tuba Mirum (soprano solo)
Tuba, mirum spargens sonum
Per sepulchra regionum,
Coget omnes ante thronum.
La terrible trompeta sonará
donde haya muertos,
para llamarles ante el trono.
3 Mors stupebit (coro)
3 Mors stupebit (coro)
Mors stupebit, et natura,
Cum resurget creatura,
Judicanti responsura.
Muerte y naturaleza quedarán aterradas,
cuando resuciten todos los muertos,
para rendir cuentas al Juez.
Liber scriptus proferetur,
In quo totum continetur,
Unde mundus judicetur.
Se abrirán los libros en los que consta
lo que se ha hecho en la vida
y según lo cual seremos juzgados.
4 Judex ergo (alto solo)
4 Judex ergo (alto solo)
Judex ergo cum sedebit,
Quidquid latet, apparebit:
Nil inultum remanebit.
Cuando el Juez se haya sentado,
todo se manifestará, por oculto que esté,
y nada quedará sin su premio o castigo.
Quid sum miser tunc dicturus?
Quem patronum rogaturus,
Cum vix justus sit securus?
¿Qué podré responder, desgraciado de mi?
¿A qué protector podré invocar, cuando
ni los mismos justos estarán seguros?
5 Rex Tremendae (coro)
5 Rex Tremendae (coro)
Rex tremendæ majestatis,
Qui salvandos salvas gratis,
Salva me, fons pietatis.
¡Oh Rey de terrible majestad,
que nos salváis por desgracia vuestra,
Sálvame a mí, fuente de misericordia!
6 Recordare (soprano y alto solo)
6 Recordare (soprano y alto solo)
Recordare, Jesu pie,
Quod sum causa tuæ viæ:
Ne me perdas illa die.
Quærens me, sedisti lassus:
Redemisti Crucem passus:
Tantus labor non sit cassus.
Juste judex ultionis,
Donum fac remissionis
Ante diem rationis.
Acordáos, Jesús piadoso,
que soy causa de vuestra vida:
no dejéis que me pierda en aquel día.
Buscándome tuvisteis que sentaros, fatigado:
para redimirme moristeis en la cruz:
¡que no sea en vano vuestro esfuerzo!.
Justo Juez de los castigos,
concederme la remisión de mis pecados
antes de que llegue el día de rendir cuentas.
7 Ingemisco (solitas y coro)
7 Ingemisco (solistas y coro)
Ingemisco, tamquam reus:
Culpa rubet vultus meus:
Supplicanti parce, Deus.
Qui Mariam absolvisti,
Et latronem exaudisti,
Mihi quoque spem dedisti.
Gimo porque me siento culpable,
me ruborizo por mis faltas:
suplicante os pido, Dios mío, vuestro perdón.
Tu, que perdonaste a María Magdalena,
y escuchaste la plegaria del ladrón,
dame también la esperanza del perdón.
8 Preces meæ (tenor solo)
8 Preces meæ (tenor solo)
Preces meæ non sunt dignæ:
Sed tu bonus fac benigne,
Ne perenni cremer igne.
Mis plegarias no son dignas,
pero te pido, por tu bondad,
que no me arrojes al fuego eterno.
9 Inter oves (soprano solo)
9 Inter oves (soprano solo)
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Inter oves locum præsta,
Et ab hædis me sequestra,
Statuens in parte dextra.
Colócame entre tus ovejas,
y sepárame de las cabras,
colocándome a tu diestra.
10 Confutatis (bajo solo)
10 Confutatis (bajo solo)
Confutatis maledictis,
Flammis acribus addictis:
Voca me cum benedictis.
Arrojados los condenados,
a las terribles llamas,
acógeme entre los elegidos.
11 Oro supplex (alto solo)
11 Oro supplex (alto solo)
Oro supplex et acclinis,
Cor contritum quasi cinis:
Gere curam mei finis.
Suplicante y prosternado te ruego,
con el corazón contrito y reducido a cenizas:
que cuides de mi hora postrera.
V – LACRIMOSA (solistas y coro)
V – LACRIMOSA (solistas y coro)
Lacrimos dies illa,
Qua resurget ex favilla,
Judicandus homo reus:
Huic ergo parce, Deus.
Pie Jesu Domine,
Dona eis requiem. Amen.
Lleno de lágrimas será el día
en que el hombre resurgirá de las cenizas
para ser juzgado por Ti.
Perdónales, Dios mío.
Piadoso Señor Jesús,
dales el descanso eterno, Amén
VI - OFFERTORIUM
VI - OFERTORIUM
1 Domine Jesu Christe (solistas y coro)
1 Domine Jesu Christe (solistas y coro)
Domine Jesu Christe, Rex gloriae gloriae, libera animas omnium fidelium defunctorum de poenis inferni
et de profundo lacu:
libera eas de oreleonis, ne absorbeat eas tartarus, ne cadant in
obscurum.
Señor Jesucristo, Rey de Gloria,
librad las almas de los fieles
difuntos: libradlas de las penas infernales y del lago sin fondo;
libradlas de las garras del león, para que no sean confundidas en
los abismos, ni precipitadas en las tinieblas.
San Miguel, príncipe de los ángeles, las lleve a la luz santa.
Lo que habíais prometido a Abraham y a toda su posteridad.
Sed signifer sanctus Michael repraesentet eas in lucem
sanctam:
Quam olium Abrahae promisiti et semini ejus.
2 Hostias (solistas y coro)
2 Hostias (solistas y coro)
Hostias et preces tibi, Domine, laudis offerimus:
tu suscipe pro animabus illus, quarum hodie
memoriam facimus: fac eas, Domine, de morte
transire ad vitam, quam olim Abrahae promisti et semini ejus.
Os ofrecemos Señor oraciones y sacrificios
de alabanza, recibidos por las almas de quienes
hacemos memoria: haced que pasen de la muerte a la vida,
como prometiste a Abraham y a su descendencia.
VII – SANCTUS (coro)
VII – SANCTUS (coro)
Sanctus, Sanctus, Sanctus,
Dominus Deus Sabaoth.
Pleni sunt coeli et terra gloria tua
Hosanna in excelsis.
Santo, Santo, Santo,
es el Señor, Dios de las fuerzas celestiales.
Cielos y tierra están llenos de vuestra gloria.
Hosanna en las alturas.
VIII – BENEDICTUS (soprano solo y coro)
VIII – BENEDICTUS (soprano solo y coro)
Benedictus qui venit
in nomine Domini.
Hosanna in excelsis.
Bendito sea el que viene
en nombre del Señor.
Hosanna en las alturas.
IX - AGNUS DEI (solistas y coro
IX - AGNUS DEI (solistas y coro)
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Agnus Dei,
qui tollis peccata mundi,
dona eis requiem.
Agnus Dei,
qui tollis peccata mundi,
dona eis requiem
Agnus Dei,
qui tollis peccata mundi,
dona eis requiem sempiternam.
Cordero de Dios,
que quitas el pecado del mundo,
dales el descanso.
Cordero de Dios,
que quitas el pecado del mundo,
dales el descanso.
Cordero de Dios,
que quitas el pecado del mundo,
dales el descanso eterno.
X – COMMUNIO (solistas y coro)
X – COMMUNIO (solistas y coro)
Lux aeterna luceat eis, Domine:
Cum Sanctus tuis in aeternum: quia pius es.
Requiem aeternam dona eis. Domine: et lux
perpetua luceat eis. Cum Sanctis tuits in
aeternum: quia pius es.
Que la luz eterna los ilumine, Señor:
en compañía de los santos por toda la eternidad, ya que sois
piadoso.
Dales Señor el descanso eterno, y que la luz
perpetua los ilumine. Junto a los santos y para
toda la eternidad, por tu misericordia.
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Daniel Oyarzabal / Eduardo Moriana / Jorge Cano /
IVÁN ANDRÉS YAGÜE / CELIA TALAMANTE
MÚSICA
MAPPING
INTÉRPRETES
Daniel Oyarzabal, órgano. Eduardo Moriana, Jorge Cano, interactividad y contenido visual. Iván Andrés Yagüe,
técnico de sonido. Celia Talamante, técnico de imagen.
PROGRAMA
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
György Ligeti
(1923-2006)
Franz Liszt
(1811-1886)
Toccata y fuga en Re menor, BWV 565
Estudio nº 1. Harmonies
Madrid.
Real Conservatorio Superior de
Música de Madrid.
25 de febrero. 19:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Preludio y fuga en el nombre de B-A-C-H
Olivier Messiaen
(1908-1992)
Desseins Eternels, de La Nativité du Seigneur
Sergei Prokofiev
(1891-1953)
Danza de los caballeros 1
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
1
Teatros, fechas y
horarios
Toccata, adagio y fuga en Do Mayor, BWV 564
Transcripción de Daniel Oyarzabal
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NOTAS AL PROGRAMA
Este espectáculo es desarrollado por la compañía APA Multimedia en colaboración con Daniel Oyarzabal, Jorge Cano y Eduardo Moriana.
Daniel es actualmente el organista principal de la Orquesta Nacional de España e interpreta el repertorio escogido para el concierto de órgano
interactivo. APA Multimedia es un colectivo de artistas audiovisuales que durante más de 10 años ha desarrollado proyectos multimedia
interactivos. Jorge y Eduardo tienen un extenso bagaje en el desarrollo de proyectos artísticos en conjunción con nuevas tecnologías.
Se va a construir un espectáculo audiovisual, donde la música interpretada va a mantener un diálogo sinestésico con imágenes proyectadas
en la escenografía, generadas en tiempo real en base a los sonidos emitidos por el órgano.
A partir de técnicas basadas en el videomapping y análisis de sonido, se van a iluminar distintas áreas del propio órgano así como la estructura arquitectónica en la que se enmarca. De esta forma la compañía plantea generar un espectáculo cuyo elemento central, la música
interpretada en vivo, modula la luz proyectada construyendo una escenografía integrada e interactiva, en un recorrido simultáneo de todos
los elementos en escena: música, iluminación y arquitectura.
A nivel sonoro se utilizará una reverberación convolutiva* digital, con el fin de simular distintos espacios arquitectónicos.
* La reverberación convolutiva es un procesamiento digital de audio basado en el cálculo matemático de convolución, permite simular la reverberación de entornos físicos o de unidades de reverb hardware. Utiliza respuestas a impulsos, que son muestras de audio pregrabadas de
la respuesta de las reflexiones que genera el entorno, ya sea físico o virtual, a simular posteriormente. Las señales procesadas con este tipo
de reverb sonarán como si la fuente de sonido se encontrase realmente en el entorno simulado.
DANIEL OYARZABAL
Daniel Oyarzabal (Vitoria, 1972) mantiene en la actualidad una actividad profesional totalmente multidisciplinar. Compagina facetas artísticas
tan diversas como su actividad de conciertos como solista de clave y órgano -su instrumento principal-, continuista, pianista de Jazz, músico
de estudio, arreglista y pedagogo. Se graduó Cum Laude en clave y órgano en el Conservatorio de Vitoria. Realizó posteriormente estudios
de perfeccionamiento en el Conservatorio Superior de Música de Viena, Real Conservatorio de La Haya y Conservatorio de Ámsterdam. Ha
sido galardonado con el Premio Especial de la Prensa en la Muestra Nacional para Jóvenes Intérpretes en Ibiza (1991), Primer Premio en
Improvisación en el Concurso Internacional de Música de Roma (1998) y Tercer Premio en el XIX Concurso Internacional de Órgano de Nijmegen, Holanda (2002). Participa en numerosos festivales internacionales en Europa, India, Filipinas, Marruecos, México y Japón. Es organista
principal de la Orquesta Nacional de España, organista titular de la Catedral de Getafe, profesor en el Centro Superior de Enseñanza Musical
Katarina Gurska y profesor del Grado en Composición de Músicas Contemporáneas de la Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos TAIURJC, de Madrid.
EDUARDO MORIANA
Madrid, 1982, es diplomado en Ingeniería Técnica en Informática de Sistemas y licenciado en Ingeniería Informática en la Universidad de
Alcalá de Henares. Reside en Madrid en la actualidad.
Desde 2009 trabaja como consultor independiente en proyectos orientados al diseño y construcción de instalaciones interactivas. Los
vehículos de exploración para la creación de nuevas experiencias hombre-máquina establecen las vías de investigación de sus proyectos,
basándose en diferentes disciplinas como la visión artificial, la interacción distribuida o el diseño de percepciones sintéticas.
Entre sus trabajos encontramos colaboraciones en proyectos como demodrama.org, mezcla de nuevas tecnologías y arte dramático. Sus
proyectos personales muestran una inquietud en la creación de percepciones sintéticas, como Pixel Carnivore o Space Invaders VR. Algunos
de los eventos donde han sido expuestos sus trabajos son La Noche en Blanco (Madrid) o acciones en After Arco (Madrid).
JORGE CANO
Jorge Cano es diplomado en Artes Visuales en el Instituto Europeo di Design, investigador, desarrollador y diseñador digital con una experiencia de más de quince años en entornos 3D. Durante los últimos diez años ha focalizado su trabajo en la creación de experiencias interactivas
y la visualización de datos, utilizando para ello fundamentalmente técnicas de visión por ordenador y la creación de sistemas interactivos
de audio y video. Actualmente dirige su propio proyecto donde desarrolla dos vertientes: investigación de futuros recursos audiovisuales y
puesta en marcha de proyectos tecnológicos que incluyen los resultados de dichas investigaciones.
IVÁN ANDRÉS YAGÜE
Estudió percusión y piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, licenciándose en percusión. Realizó un postgrado de tres
años en el centro de estudios Neopercusión, dirigido por Juanjo Guillem y Juanjo Rubio, dónde recibió masterclass de muchos profesores,
destacando a Enrique Llopis, Rafael Más, Francisco Díaz y Javier Benet.
Ha colaborado con la Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Sinfónica
de Las Palmas, Orquesta de la Comunidad de Madrid, OSRTVE, Oviedo Filarmonía y Orquesta de Córdoba.
Como ingeniero de sonido ha realizado numerosos conciertos con Juanjo Guillem y su compañía Ritmo Vital en el Auditorio Nacional, Museo
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Arte Sacro 2015
Guggenheim de Bilbao, Circulo de Bellas Artes de Madrid, Diario Levante en Valencia, Teatro Galileo en Madrid, Festival de Música Contemporánea de Santander y Sala de Cámara del Auditorio Nacional. Ha trabajado además para numerosas orquestas, como la Orquesta Nacional
de España en Water Concerto, de Tan Dun, y Seven, de Peter Eötvös, con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, en el Concierto para
orquesta Fearful Symmetries, de John Adams, y Obertura 1812, de Tchaikovsky, con la JONDE.
Ha realizado montajes de sonido con Bryan Wolf, asistente de Stockhausen, en Oviedo, montando Kontakte. Con el CNDM en el Auditorio
Nacional, con Dave Samuels en el Circulo de Bellas Artes, con Difusión Ensemble en Los Veranos de la Villa, etc.
Con Músicadhoy realiza todos los montajes que requieren instalación sonora; trabajando con Helmut Lachenmann, André Richard y en las
dos ediciones del Son 2011 y 2012.
Ha participado como solista multimedia en Clásicos en Verano 2012, 2013 y 2014 (Madrid), XXV Curso Internacional de Música Matisse (San
Lorenzo de El Escorial), II Curso Internacional de Percusión de Albolote (Granada) y CRK Recital Hall en Payap University (Chiang Mai -Tailandia). Ha sido profesor de multimedia y música procesada en Chiang Mai Payap University (Tailandia) y realizado recitales y masterclass en
España y Asia.
Actualmente es presidente y cofundador de la empresa Apa Multimedia, dedicada a la producción técnica y artística de eventos, contenido
interactivo y videomapping.
CELIA TALAMANTE
Celia Talamante graduada en Ingeniería de sonido e Imagen, en la Universidad Alfonso X el Sabio, ha fundado APA Multimedia y se encarga
de la dirección técnica de eventos, así como a técnico de imagen y sonido para producciones artísticas en las que APA Multimedia colabora.
Paralelamente junto con APA, Acústica Profesional Aplicada S.L., realiza trabajos de ingeniería acústica e instalación audiovisual.
En cuanto al aislamiento y acondicionamiento acústico de salas de distinta índole, se encuentra la colaboración en el diseño acústico y electroacústico de la biblioteca que se construirá en Bagdad y el análisis acústico del auditorio situado en la sede madrileña de Repsol.
Referente a la instalación audiovisual se destacan las colaboraciones en los stands de Murcia y Angola de la Expo de Zaragoza.
En continua formación puede destacarse el curso realizado de QLAB en el Centro de la Tecnología y el Espectáculo CTE, el curso de análisis
electroacústico, impartido por AXIS.
Entre sus últimos trabajos, ha participado, como técnico de videoproyección, en el recital sonoro/interactivo Dry compuesto por Iván Andrés
Yagüe, representado en Asmae, Oporto, con la participación del percusionista Miquel Bernat.
También ha realizado funciones de diseño técnico y artístico, técnico de imagen y sonido y control de videoarte en tiempo real para el recital
Cristal, representado en dos ocasiones dentro del programa de Clásicos en Verano 2014 de la Comunidad de Madrid.
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Harmonia del Parnàs / Marian Rosa Montagut
MÚSICA
ZUIPAQUI
INTÉRPRETES
Harmonia del Parnàs: Marta Infante, mezzosoprano. Daniel Pinteño, violín. David Antich, flautas de pico. Guillermo Martínez,
violoncello. Pau Ballester, percusión. Marian Rosa Montagut, clave y directora.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Pedro Ximénez
(1646-c. 1668)
Anónimo
José de Orejón y Aparicio
(1706-1765)
Anónimos
Caballero de armas blancas
Aquí ta naqui - Chapie Iyaî Jesu
Madrid.
Real Parroquia de San Ginés.
26 de febrero. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Mariposa de sus rayos
- Recitado
- Aria
Pistolet y Cadena (Danzas del Corpus)
Zuipaqui
Fidelis servus
Rafael Antonio Castellanos
(1725-1791)
Oygan una xacarilla
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Pedro Rebassa
(1683-1767)
Anónimo
José Cascante
(1683-1760)
Verso
Caîma, Iyaî Jesus
Pretensores mal premiados
NOTAS AL PROGRAMA
En Zuipaqui, Harmonia del Parnàs aborda una propuesta mestiza, acercándose a unas fuentes resultantes del cruce de varias culturas, ante
la cual cabe tener muy presente que la música no empezó en América con la llegada del conquistador, sino que, cuando éste intenta imponer
la suya, el resultado termina por mezclarse con una tradición muy arraigada en la que la percusión, la voz y los instrumentos de viento serán
los grandes protagonistas.
Zuipaqui propone un viaje de ida y vuelta que recorre los sonidos de los músicos españoles y europeos que viajaron a América durante el
periodo colonial, así como las fuentes musicales que llegaron de uno u otro modo hasta ultramar, e incluso las piezas finalmente compuestas
por los propios autores autóctonos en las que resulta más que evidente la mezcla entre los rasgos de la música culta occidental y las particularidades de los ritmos, melodías e instrumentos más puramente indígenas. Este cruce no sólo de músicas sino también de culturas, lenguas,
creencias y costumbres no hizo sino enriquecer un patrimonio sonoro que asimismo realizaría un viaje de vuelta hacia la península y dejaría
también su huella en la composición de muchos de los principales maestros de nuestras capillas.
Entre las piezas escogidas, conservadas entre otros lugares en los archivos de Chiquitos (Bolivia) y de las catedrales de Guatemala y Bogotá,
resultan especialmente exóticas las que hacen uso de algunas de las curiosas lenguas autóctonas, como es el caso de los anónimos Aqui ta
naqui y Caîma, Iyaî Jesus. Por su parte, las obras más tardías recogidas en el presente programa dejan por una lado patente la gran influencia
de la danza en la música americana, como podrá apreciarse en la xacarilla de uno de los autores guatemaltecos más prolíficos y representativos de la segunda mitad del siglos XVIII, Rafael A. Castellanos y, por otro, el dominio de la composición europea que llegaron a adquirir los
propios compositores autóctonos, como queda de sobra demostrado en la preciosa cantata Ya que el sol misterioso, del peruano Orejón y
Aparicio, a menudo considerado por los musicólogos el compositor barroco más importante nacido en tierra americana.
MARIAN ROSA MONTAGUT
HARMONIA DEL PARNÀS
Harmonia del Parnàs interpreta obras anteriores a 1800 con instrumentos y criterios históricos, respetando las particularidades estéticas y
teóricas de cada lugar y periodo concreto. Su repertorio, escogido a partir de la investigación musicológica de fuentes musicales y documentales de archivos y bibliotecas de todo el mundo, recoge diferentes géneros y autores hispánicos de los siglos XV al XVIII, siendo sus
interpretaciones el resultado de un estudiado ejercicio de equilibrio entre la musicología histórica y la creatividad musical.
Miembro fundador de la Asociación GEMA (Grupos Españoles de Música Antigua), Harmonia del Parnàs ha sido invitada por importantes
festivales, instituciones y auditorios nacionales e internacionales como, entre otros, el Festival Internacional de Música Sacra de Tortosa, el
Festival Internacional de Música Antigua y Barroca de Peñíscola, el Festival de Música Antigua de Aranjuez, Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, el Museo de arte hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, de Buenos Aires, el Festival de Música Renacentista y Barroca
de Vélez Blanco, el Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón, la Institución Milà i Fontanals del Consejo Superior de Investigaciones
Científicas, el Ayuntamiento de Barcelona, el Centro Nacional de Difusión Musical (INAEM), el Museo de Historia de Barcelona, el Festival
Medieval de Elche, el Teatro Miejski de Gdynia y la Cappella Gedanensis de Polonia, etc. y ha recuperado, interpretando por vez primera en
tiempos modernos, varias decenas de composiciones de autores como Antonio Abadía (¿-1791), José Escorihuela (1674-1743), Francisco
Corradini (1700-1769ca.), Manuel Ferreira (1675ca.-1730ca.), Pascual Fuentes (1721-1768), Francisco H. Illana (1700ca.-1780), Juan de
Navas (1647-1719ca.), José Pradas Gallén (1689-1757), Pedro Rabassa (1683-1767) o José de Torres (1670ca.-1738), entre otros. Las grabaciones de Harmonia del Parnàs recogen parte del citado repertorio en trabajos como Arda el Ayre (la mà de guido, 2005), Requiem (la mà de
guido, 2006), el monográfico de José Pradas Gallén La tierra llora afligida, editado en la colección discográfica Patrimonio Musical Valenciano,
de la Generalitat Valenciana (2008), y nominado a los Premios de la Música 2008 en la sección de Mejor Intérprete de Música Clásica, Salve
Regina (Tempus, 2010) y Bárbaro (Tempus, 2012).
MARTA INFANTE
Nace en Lleida, ciudad donde comienza sus estudios de piano, viola y canto, completando su formación superior de canto en la Universidad
de Ostrava, en la Repúbica Checa. Hasta la fecha ha realizado actuaciones en Chequia, Alemania, Francia, Noruega, Italia, Polonia, Grecia,
Japón, y las principales ciudades de Oriente medio y Sudamérica, así como en diferentes festivales y auditorios de España donde ha cantado
con la Orquesta Sinfónica de Galicia, Sinfónica de Madrid, Sinfónica región de Murcia, Filarmónica de Málaga, Orquesta Sinfónica Nacional
de El Salvador, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, etc. Trabajando con directores como Jordi Casas, Arturo Tamayo, Francisco Rodilla, M. Á. Gómez Martínez,
Germán Cáceres, Aldo Ceccato, León Botstein, José Ramón Encinar, Carlos Kalmar y Kees Bakels, entre otros.
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Arte Sacro 2015
En el ámbito de la música antigua colabora habitualmente con las agrupaciones más importantes de nuestro país y de grupos europeos y ha
cantado con directores como Vaclav Luks, Enrico Onofri, Federico María Sardelli, Ottavio Dantone, Richard Egarr, Giovanni Antonini, Rinaldo
Alessandrini y Paul Goodwin.
Junto al pianista Jorge Robaina realiza una importante labor en el mundo del lied, ofreciendo recitales en la fundación Juan March, de Madrid,
el Teatro Calderón, de Valladolid, Caixaforum y en el Palau de la Música Catalana, de Barcelona, donde obtiene un premio en el concurso
Primer Palau por su interpretación de Mahler y Dvorák. Ha cantado también en el Teatro Principal de Santiago de Compostela y en el Teatro
de la Maestranza de Sevilla junto a Rubén Fernández Aguirre.
Ha grabado para la Radio Checa, Mezzo, Catalunya Música, RNE y las discográficas Alpha, Glosa, CDM, Verso, Enchiriadis y EMEC, entre
otras. Su amplia discografía abarca desde discos de música medieval y renacimiento hasta los de música barroca, entre los que destacan
Cantatas, para alto, de Telemann, Amor aumenta el valor e Iphigenia en Tracia, de Nebra, “Tonos al arpa”, junto al arpista Manuel Vilas,
“Cantate Contarini”, cantatas del seicento italiano que en Holanda recibió el premio a mejor disco de música antigua de 2009, y Juditha
Triumphans, de Vivaldi, con la Academia 1750, bajo la dirección de Ottavio Dantone.
MARIAN ROSA MONTAGUT
Natural de Benifaió, inicia en esta localidad valenciana su formación musical con el clarinete y el piano, recibiendo las primeras lecciones de
solfeo de su padre. Tras unos años compaginando los estudios universitarios (Licenciatura en Filosofía, Universidad de Valencia 1994) y los
musicales (Profesora de Piano, Conservatorio Superior de Valencia 1993), se especializa en música antigua y barroca, finalizando los estudios
superiores de clave, con J. L. González Uriol, en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza. Ha estudiado clave con Albert Romaní y
Eduard Martínez, asistiendo a cursos de perfeccionamiento, entre otros, con J. Ogg, R. Alesandrini, W. Jansen y E. López Banzo. Interesada
por la dirección coral, asiste a cursos impartidos por J. R. Gil-Tàrrega, V. Negreiros y M. Smith, entre otros.
Fundadora de Harmonia del Parnàs es la clavecinista y directora de esta agrupación con la que ha grabado cinco CD y colabora, como organista, clavecinista y directora, con otras agrupaciones especializadas en conciertos y grabaciones. La práctica musical en el campo de la
música antigua la lleva a sentir una profunda inclinación por la musicología histórica, y tras obtener el D.E.A. del Doctorado en Musicología de
la Universidad Autónoma de Barcelona, está finalizando la tesis bajo la tutela del Dr. Antonio Ezquerro. Ha sido becada por la Generalitat de
Cataluña en diversas ocasiones: Beca FI (cuatro años) en el Departamento de Musicología de la Institución Milà i Fontanals –Barcelona– del
Consejo Superior de Investigaciones Científicas, tres becas para realizar estancias en el extranjero (Frankfurt, Londres-Cambridge y Roma),
etc. En 2006 gana por concurso público un contrato de técnico del Ministerio de Ciencia y Tecnología en el marco de un proyecto I+D de
musicología histórica y, en 2009, gana el premio de investigación de la Fundación Durán-Martí, que comporta la publicación del libro resultado
del proyecto. En la actualidad forma parte del equipo de investigación de diferentes proyectos del Ministerio y la Generalitat, para trabajar
el repertorio barroco de la Antigua Corona de Aragón y de ámbito hispánico, y colabora en proyectos europeos, compaginando la actividad
interpretativa con la investigación musicológica. Ha publicando sus trabajos en Anuario Musical (CSIC), Diccionario de la Música Valenciana
(SGAE), Cantad serafines. Tres villancicos de José Pradas (Tritó-IVM), Història de les Terres de l’Ebre (Fundació Ilercavònia-urv), etc. y está
a cargo de la dirección del Centro de Investigación y Difusión Musical Tempus, ubicado en Valencia. Asimismo, desde 2009 es profesora de
clave en el Conservatorio Profesional de Música de Torrent (Valencia).
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Luis Antequera / Grupo Ecos
TEATRO Y MÚSICA
AUTO SACRAMENTAL
INTÉRPRETES
LUIS ANTEQUERA, autor. GRUPO ECOS: Pablo Martín Miguel, violín. Pilar Sánchez Utrera, violoncello. Ana Sánchez Utrera,
flauta. Pîlar Utrera, guitarra. ALMUDENA ALBUERNE, directora
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
- Un auto sacramental del siglo XXI
NOTAS AL PROGRAMA
Un auto sacramental del siglo XXI es una obra de teatro intercalada de piezas de música clásica,
al modo de lo que eran en el Medievo y en el Renacimiento los autos sacramentales.
Madrid.
Iglesia de Santa Teresa y Santa
Isabel.
27 de febrero. 20:45 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Parte de una conciliación de los cuatro evangelios, adaptada, renovada y dramatizada para la
presentación de los hechos por uno de los personajes involucrados en ellos, concretamente “el
Cireneo”, al que acompañan una serie de actores que interpretan al resto de los protagonistas,
desde Jesús de Nazaret hasta el decurión que dirigió la crucifixión.
Intercalada por la interpretación de diez obras clásicas de la música religiosa muy conocidas que
se adaptan perfectamente a la acción en cada momento, está pensada para su interpretación por
un grupo de veinte personas, las cuales constituyen a su vez el elenco de actores y el coro musical
de la representación.
La interpretación se acompaña de cuatro instrumentos, violín, flauta travesera, violoncello y guitarra.
Este espectáculo tiene una hora de duración, aproximadamente
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GRUPO ECOS
Compone el elenco de actores, así como el coro y la pequeña orquesta que acompañan la acción.
El Grupo Ecos, o Coro de la Cofradía del Silencio, es una formación vocal fundada en el año 2008. Está formada por 25 voces mixtas. Su
repertorio abarca música religiosa, música española, zarzuela y música de cada una de las regiones de España, cuya motivación e interés es
la recuperación e interpretación de los temas más populares de nuestro folklore.
Participa en todos los actos que realiza la Cofradía del Silencio y ha realizado diversos conciertos, entre ellos el Certamen de Habaneras
que se celebra en Cudillero (Asturias), varias ediciones del Festival de Villancicos del Matadero de Madrid y en varios centros culturales de
la capital.
ALMUDENA ALBUERNE
El grupo Ecos está dirigido por Almudena Albuerne. Nacida en Soto de Luiña (Asturias), es licenciada en Geografía e Historia por la Universidad Complutense de Madrid. Desde temprana edad comenzó a estudiar música y canto en los Conservatorios de música de Oviedo y Madrid
y en la Escuela Superior de Canto. Ha participado en clases magistrales de Victoria de los Ángeles, Alfredo Kraus y Renata Scotto, celebrados
en Santander y Madrid, patrocinados por la Escuela Reina Sofía. Forma parte del Grupo Lírico Cantemus, bajo la dirección de la soprano
cubana Mayda Galano. Desde hace varios años realiza diferentes conciertos por toda la geografía española tanto como solista (premio en el
Concurso de Canto Ciudad de Oviedo, año 2006) como de directora de coro. Ha dirigido ,entre el 2003 y 2009, la Coral San Rafael, de la Casa
de Córdoba. Es refundadora del Coro del Centro Asturiano de Madrid y es asesora musical de la Federación de Casas Regionales de Madrid.
LUIS ANTEQUERA
Autor y protagonista de la obra. Es periodista y escritor.
En su faceta de periodista dirige actualmente el programa de Radio María “Con otros ojos”, y colabora habitualmente en el programa de la
misma cadena “Diálogos con la Ciencia”. Ha realizado diversas colaboraciones en medios como COPE, Libertad Digital TV, Intereconomía,
La Cuatro o Castilla-La Mancha TV.
Amén de ello escribe una columna diaria en el medio “Religión en Libertad” y colabora en diversas ediciones en papel y digitales.
En su faceta de escritor ha escrito varias novelas y varios ensayos, entre ellos Jesús en el Corán, El cristianismo desvelado o Derecho a nacer.
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Dúo Tubox
MÚSICA
NOVA ET VETERA
INTÉRPRETES
Duo Tubox: Antonio Cánovas, saxofones. Rubén Díez, órgano.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Juan Bautista Cabanilles
(1644-1712)
Francesco Geminiani
(1687-1762)
Giorgo Paris
(1951)
Antonio de Cabezón
(1510-1566)
Corrente Italiana
Sonata en Mi menor
Madrid. Iglesia de San Pedro
el Viejo
28 de febrero. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
- Andante
- Allegro
- Largo
- Vivace
Alio modo *
Diferencias sobre El Canto del Caballero
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Guy de Lioncourt
(1885-1961)
Trois melodies gregoriennes *
- Clemens Rector
- Puer natus
- Pascha nostrum
Sebastián Aguilera de Heredia
(1561-1627)
Ensalada (Obra de VIII tono alto)
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
Sonata en Sol menor, BWV 1020
Denis Bédard
(1950)
- Allegro
- Adagio
- Allegro
Fantaisie *
*Estreno en la Comunidad de Madrid
NOTAS AL PROGRAMA
Era el año 1840 cuando Adolphe Sax diseña el saxofón. Un año más tarde presenta en sociedad su creación en Bruselas y a continuación lo
hace en París, donde obtiene una gran acogida. Años antes, en 1832, el organero de la Capilla Real de Madrid, José Marigómez de Echevarría, construía un nuevo órgano para el Convento de Nuestra Señora de la Victoria, que, posteriormente, sería trasladado a su actual emplazamiento en la iglesia de San Pedro el Viejo, en la segunda mitad del siglo XIX. Instrumento de estética barroca y aditamentos propios de la
organería española, ocaso de un estilo que daría paso en Europa al nacimiento de una nueva época, cuando viese la luz, en el año 1841, el
órgano de la Basílica de Saint-Denis (Francia), obra de Aristide Cavaillé-Coll (1811-1899), símbolo de la organería romántica.
Una época da paso a la otra, se conjuga lo antiguo y lo moderno, lo viejo y lo nuevo. El programa de este concierto nos ofrece esta conjunción
de estilos y de épocas. La fusión de dos instrumentos aparentemente distintos, ya sea por cronología o estilo. El órgano, compuesto por
tubos de diferentes hechuras y familias (flautados, mixturas, lengüetas,...) y el saxofón, un único tubo. De esta unión surge un nueva lectura
de un repertorio exclusivo para esta agrupación como la adaptación de obras para estos dos instrumentos.
El repertorio seleccionado nos acerca a la música para órgano ibérico en tres de sus personalidades más notorias: Antonio de Cabezón
(1510-1566), Sebastián Aguilera de Heredia (1561-1627) y Juan Bautista Cabanilles (1644-1712). Representantes de las escuelas castellanas,
aragonesa y valenciana. Diferencias, correntes y ensaladas; todas ellas de carácter secular donde todo se convertía en “pasión por lo divino”.
Variaciones sobre el “Canto del Caballero”, aires de danza con sabor italiano y mezcolanza de ritmos y colores, ingredientes propios de una
ensalada.
Francesco Geminiani (1687-1762) y Johann Sebastian Bach (1685-1750) son el referente italiano y alemán de la música del barroco. La forma
sonata preludia en estas dos obras el desarrollo que futuros compositores darán a esta forma. El diálogo, las preguntas y las respuestas, así
como los pasajes solistas nos ofrecen una buena muestra de la creatividad y estética barroca. La música se convierte en un lenguaje que
pretende cautivar al que la oye, generando sentimientos e intentando conmover. La oratoria musical es el alfabeto indispensable para una
música cautivadora.
Del mismo modo que en la arqueología se sacan a la luz las obras que en otra época fueron realidad, en el año 1833 dom Prósper Guéranger (1805-1875) inicia la restauración del monasterio de Saint-Pierre de Solesmes (Francia), arruinado y abandonado tras la revolución. Trae
consigo el enorme tesoro de la recuperación y renovación del canto gregoriano. Símbolo de la vida de la Iglesia y de la historia más allá de
nuestras propias fronteras. Recuerdo de antiguas tradiciones y vestigio de diversidad de ritos, como el mozárabe, gallicano o ambrosiano.
En Alio Modo, obra de Giorgio Paris (1961) se recoge la secuencia “Dies irae, dies illa”, propia de la misa Pro defuntis. Himno latino del siglo
XIII atribuido al franciscano Tomás de Celano (1200-1260), amigo y biógrafo de San Francisco de Asís. El canto gregoriano acompaña el discurrir de las horas. Conduce la oración de la mañana, al atardecer y de la noche. Su cadencia se convierte en melodía, en las Tres Melodías
Gregorianas, de Guy de Lioncourt (1885-1965): Clemens rector, Puer natus y Pascha nostrum.
“Nova et vetera”. Fantasía de lo nuevo y de lo antiguo, que en la obra de Denis Bédard (1950) se hacen realidad. Intercambio de un lenguaje
moderno hecho sonoro en un instrumento antiguo; y un instrumento moderno cantando melodías pasadas.
En la historia de la música se camina hacia adelante siguiendo los pasos de los que nos precedieron y mirando atrás para valorar el camino
recorrido que nos sirve como estímulo para hacer de lo antiguo siempre algo nuevo.
RUBÉN DÍEZ
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ANTONIO CÁNOVAS
Nace en 1979 en Totana (Murcia). Tras su formación en los conservatorios profesionales de música de Ávila y Murcia, comienza sus estudios
de Grado Superior en el Conservatorio Superior de Música Óscar Esplá, de Alicante, siendo su profesor José Manuel Zaragoza, finalizando la
carrera con Sobresaliente y obteniendo, por unanimidad del tribunal, el Premio Fin de Carrera, en la especialidad de saxofón, en el año 2002.
Paralelamente, ha completado su formación con grandes profesores de renombre internacional como Claude Delangle, Jean Yves Fourmeau,
Jean-Marie Londeix, Marie Bernardette Charrier, Arno Bornkamp, Daniel Kientzy, Vincent David, Christian Wirth, Fabrizio Mancusso, Cuarteto
Habanera, Eric Devallon,…
Ha actuado con diferentes formaciones (orquesta, solista, dúo, cuartetos,...) en: Francia (Poitiers y Dijon), Reino Unido (Londres y Cardiff),
Holanda (Groningen), Italia (Nápoles), Bélgica (Amberes), Bulgaria (Sofía y Varna) y España (Asturias, Castilla y León, Murcia, Andalucía, Comunidad Valenciana, Castilla-La Mancha,…).
Es colaborador habitual de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (O.S.P.A), actuando en diversos puntos de la geografía española
y con la que ha realizado varias grabaciones para el sello RTVE música, de la Oviedo Filarmonía y de la Orquesta Sinfónica de Gijón.
En el aspecto pedagógico ha sido invitado por la Universidad de Oviedo a impartir conferencias sobre el saxofón para el conocimiento y
difusión del mismo en el ámbito universitario. Asimismo colabora, como profesor de saxofón, en la Joven Orquesta Sinfónica del Principado
de Asturias, (JOSPA).
Imparte cursos y master-class de ámbito nacional (León, Asturias, Zamora, Murcia, Almería,...) e internacional en lugares como el Trinity
College of Music de Londres y Royal Welsh College of Music and Drama de Cardiff (ambos en el Reino Unido), Hogeschool voor de Kunsten
de Utrecht y Prince Claus Conservatoire de Groningen (ambos en Holanda), Conservatorio de Música Luisa D´Annunzio, de Pescara, y Conservatorio de Música San Pietro a Majella, de Nápoles (ambos en Italia), Conservatorio de Música Jean Philippe Rameau, de Dijon (Francia),
Escola Superior de Música, Artes e Espectáculo, de Oporto (Portugal), Royal Conservatoire of Music, de Amberes (Bélgica)…
Es licenciado en Historia y Ciencias de la Música (Musicología) por la Universidad de Oviedo y en la actualidad es Profesor de Saxofón en el
Conservatorio Superior de Música Eduardo Martinez Torner, de Oviedo (CONSMUPA), cuya plaza fue obtenida por concurso-oposición en
2006, director del Ensemble de saxofones del Conservatorio Superior de Música de Oviedo, con el que ha participado en diferentes grabaciones y múltiples actuaciones dirigiendo a grandes saxofonistas como Jean-Yves Fourmeau, Arno Bornkamp, Gerard McChrystal, Christian
Wirth o Nicolas Prost.
Junto a la pianista Elena Miguélez forman el dúo Saxperience, asimismo funda junto al organista Rubén Díez el dúo de saxofón y órgano
Tubox, y es miembro del cuarteto de saxofones Saxtime, con los que ha realizado numerosos conciertos a nivel nacional e internacional.
Estas actividades se compaginan con la preparación de su tesis doctoral sobre música contemporánea española, tras haber obtenido el
D.E.A. (Diploma de Estudios Avanzados) de forma brillante, obteniendo la calificación de Sobresaliente, por la Universidad de Oviedo, en su
trabajo titulado La Composición Contemporánea para Saxofón en la Generación del 51.
RUBÉN DÍEZ
Rubén Díez García (Pravia, 1982), estudia órgano en los Conservatorios Superiores de Música de Oviedo y Valencia con los profesores Antonio Corveiras y Vicente Ros, obteniendo el Título Superior de Órgano, con Matrícula de Honor. Amplía su formación en el Pontificio Istituto
di Musica Sacra de Roma, estudiando: órgano con Giancarlo Parodi, Theo Flury y Federico del Sordo; clavicémbalo y bajo continuo con F.
del Sordo, gregoriano con Alberto del Turco, Nino Albarosa y Daniel Saulnier, dirección coral y polifonía sacra con Walter Marzili y Valentino
Miserachs y composición con Marialuisa Balza. Realiza los cursos de improvisación organística con Theo Flury; por unanimidad del tribunal
alcanza el Primer Premio, con la máxima calificación, y de música antigua con Enrico Casularo y Del Sordo, logrando la Matrícula de Honor.
Ha obtenido la licenciatura y el título de Magíster Musices en órgano y Música Sacra, obteniendo summa cum laude.
Colabora en la sesión anual de conciertos de improvisación del PIMS en colaboración con Radio Vaticana y ha realizado conciertos de órgano
en el Congreso de Música Sacra-Latina, Roma, Festival Internacional de Órgano Cajastur, Festival Internacional de Órgano Catedral de León,
Ciclo de conciertos del gran órgano Cabanilles, Valencia, Ciclo de conciertos Órganos de Covadonga, Avilés y Soto del Barco. Participa en
la grabación de las misas de Guillaume Nivers y Fiori Musicali de Girolamo Frescobaldi con la Schola Romana en San Giovanni Fiorentini
(Roma).
Ha sido maestro de capilla y organista de la Iglesia Nacional Española de Santiago y Montserrat en Roma, desarrollando una intensa labor en
la recuperación del patrimonio musical español y su interpretación, con especial atención a la música de los grandes polifonistas españoles:
Victoria, Morales, Guerrero y la música para órgano ibérico español. Con especial atención trabaja en la difusión del movimiento musical que
surge en torno al Motu Proprio de San Pío X.
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Orquesta y Coro Matritum Cantat
JAVIER BLANCO
MÚSICA
LA MÚSICA SACRA EN EL TANGO,
UNA GRAN DESCONOCIDA
INTÉRPRETES
Marta Caamaño, mezzosoprano. Orquesta y Coro Matritum Cantat. Javier Blanco, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
La Cabrera.
Centro Comarcal de
Humanidades Cardenal Gonzaga
Sierra Norte.
28 de febrero. 20:00 horas.
Entrada: 8 €. Reducciones
familia numerosa, pensionistas y
Carné Joven: 6 €.
Astor Piazzolla
(1921-1992)
Tangos
Martin Palmeri
(1965)
Misa a Buenos Aires (Misa Tango) *
- Café 1900
- Otoño porteño
- El gran tango
- Adiós Nonino
- Kyrie
- Gloria
- Credo
- Sanctus
- Benedictus
- Agnus Dei
* Estreno en España
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Arte Sacro 2015
NOTAS AL PROGRAMA
La Misa a Buenos Aires o “Misa Tango”, de Martin Palmeri, estrenada en el año 1996, en Buenos Aires, es una magnífica composición finamente escrita, llena de un melodismo y un ritmo que no dejan de sorprender al oyente.
La obra es sinfónico coral y la particularidad es que la orquesta es de tango llevando incorporado el bandoneón en la plantilla y mezzosoprano
solista. En este programa mostramos tangos de Piazzolla para ver la gran pureza que tiene la Misa con los tangos de este compositor.
MARTA CAAMAÑO HERNÁNDEZ
Nacida en Madrid, comienza sus estudios musicales a la edad de diez años. Está graduada con las máximas calificaciones en Canto y Teoría
de la Música por la Associated Board of Royal Schools of Music de Londres, siendo además Licenciada en Canto por la Escuela Superior
de Canto de Madrid, de la mano de Silvia Leyvinson, y ha asistido además a clases con el maestro David Mason. Actualmente se encuentra
cursando Dirección Coral por la Universidad Juan Carlos I.
En el campo de la interpretación ha estudiado en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Madrid. Ha realizado además cursos de perfeccionamiento en Improvisación Teatral con Stefan Metz, cursos de Texto clásico y contemporáneo (dicción e interpretación) con Carmen
Dólera, curso de Interpretación Textual de Zarzuela en la Escuela Superior de Canto y de Locución y Doblaje en el Instituto del Cine de Madrid.
Es Diplomada en Ciencias Empresariales por la Universidad Complutense de Madrid.
Estuvo cuatro años en la plantilla del Coro de Radiotelevisión Española y, desde 2011, forma parte de la plantilla del Coro Nacional de España.
Además, imparte clases de técnica vocal cantada y técnica vocal hablada, desde 2012 en la Escuela de Música y Danza Mushi.
Desde 2013 es preparadora vocal y directora de la Coral Centi.
Desde 2014 es profesora de voz hablada en el Grado Profesional de Teatro que imparte el Colegio San Patricio.
En el campo del oratorio destacan las interpretaciones de la Misa de la Coronación, Réquiem y Litaniae de Beata Maria Virgine (Lauretanae),
de Mozart, Gloria y Credo, de Vivaldi, Te Deum, de Charpentier, Réquiem, de Dvorak, Oratorio de Navidad, de Bach, Oratorio de Navidad, de
Saint-Saëns, Requiem, de Michael Haydn, Te Deum y Jubilate, de Henry Purcell, Messiah, de Haendel, Novena Sinfonía, de Beethoven, Misa
de San Ignacio, de Doménico Zipoli, siendo esta última interpretada en el Festival Internacional de Música de Santander.
En el campo de la ópera cabe destacar los papeles de Zia Principessa, en Suor Angelica (Puccini), Dido y Hechicera, en Dido y Eneas (Purcell)
y San Francisco Javier en la ópera San Francisco Xavier (anónima), entre otros.
También en la zarzuela, destaca por sus papeles de Soledad en La Revoltosa, y Cantaora en La verbena de la Paloma.
En música de cámara ha hecho numerosas grabaciones para Radio Clásica dentro del ciclo de cámara de la Orquesta Sinfónica y Coro de
RTVE, realizando diversos cuartetos, tercetos y dúos de Pedro Ruymonte, Monteverdi, Mateo Flecha, Banchieri, Haydn, Rodríguez de Ledesma, Gomis, Granados, Guastavino, Pizzeti. Ha formado parte del grupo vocal femenino Spargens Sonum, dirigido por Javier Corcuera, de los
grupos de cámara Ruymonte, dirigido por Miguel Mediano, el coro de La Capilla Real de Madrid, dirigido por Oscar Gershensohn, y el grupo
vocal Nabari, dirigido por Juan Pablo de Juan, entre otros
Asímismo ha grabado un CD de música góspel con el grupo Ars Futura, bajo el sello de la editorial San Pablo y ha participado en la banda
sonora de la película, de Walt Disney, Encantada.
ORQUESTA Y CORO MATRITUM CANTAT
El Coro Matritum Cantat nació en 2003 bajo la dirección de Javier Blanco y está formado por 70 voces mixtas .Desde entonces ha recorrido
gran parte de la geografía española actuando en marcos de gran tradición musical, como las más antiguas Iglesias, Auditorios y Teatros de
Madrid y península.
Participa de forma regular en distintos Festivales y Ciclos de Música, como los organizados por la Comunidad de Madrid: Arte Sacro y Red de
Teatros; el Ayuntamiento de Madrid: Música para la Pasión y Música en Navidad; y también ha participado en distintos festivales nacionales,
como la Semana Internacional de Música Religiosa de Cuenca, el Festival Internacional de Santander...
Ha colaborado con Orquestas de gran prestigio como la Orquesta Sinfónica de Madrid, Sinfónica Neotonarte, Orquesta Sinfónica Rey Juan
Carlos I y Orquesta Ars Futura. Desde 2008 Matritum Cantat cuenta con su propia Orquesta Sinfónica y ha realizado conciertos sinfónicos
por toda la geografía española interpretando obras como el Réquiem, de Mozart, Novena Sinfonía, de Beethoven, Stabat Mater, de Haydn,...
algunos de ellos retransmitidos por RTVE.
Matritum Cantat ha participado en distintos Concursos Nacionales, obteniendo numerosos premios.
En el terreno internacional, ha ofrecido una serie de conciertos en Portugal y ha realizado una gira por Argentina, ofreciendo su música por
las ciudades de Buenos Aires, Santa Fe, Iguazú, Rosario y Misiones.
En el terreno discográfico ha grabado los siguientes CDS:
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- Venite Adoremus (18 villancicos populares y universales), con la Editorial San Pablo.
- Oficio y Misa de Difuntos, de M. R. de Ledesma, grabación en directo con motivo de la conmemoración del Bicentenario del 2 de Mayo y
con la Orquesta Sinfónica de Madrid.
- Lamentaciones, de M. R. de Ledesma, con la Orquesta Sinfónica de Madrid, por el sello Verso.
.
Cabe destacar la elección del coro por parte de la Orquesta Sinfónica de Madrid, la Comunidad de Madrid y el Maestro Luís Izquierdo, para
la interpretación del Miserere, de H. Eslava, en el concierto homenaje a este director con motivo de su despedida en el campo de la dirección.
JAVIER BLANCO
Nace en Madrid, donde inicia sus estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de Música, obteniendo el título de profesor de Piano,
Composición, Acompañamiento, Solfeo y Dirección de Coro y Orquesta. Estudia piano con V. Meseguer, G. González, F. Puchol y W. Schoat.
En el terreno vocal, estudia canto con Menace, Mª E. Garmendia, L. Elizalde. Realiza estudios de composición con A. Díaz, R. Eguilaz, J.
Pagán, A. Huidobro y A. Santos, de solfeo y acompañamiento con E. Molina, E. L. de Arenosa, R. Benedito, C. Ausejo y F. Sierra. Amplía
su formación con cursos de dirección de coros con L. Vila, M. Oca y E. Silva, y de dirección de orquesta con A. Zarzo y E. García Asensio.
Becado por el Instituto de la Juventud, se traslada a Múnich y a Passau (Alemania), donde estudia dirección con R. Sund, S. Kuijen, F.
Brüggen, y S. Sondeckis. En este período es miembro del Coro Filarmónico de Europa.
Actualmente es director de la Escuela de Música y Danza Mushi, asesor musical de la Editorial San Pablo, dirige la Orquesta y Coro Matritum
Cantat, la Orquesta y Coro de la Universidad Pontificia de Comillas, Orquesta y Coro Ars Futura, el Coro Infantil Mushi y el Coro Infantil del
colegio St. Michael´s.
Ha dirigido el Grupo Vocal-Instrumental de Música Contemporánea Ad Libitum, la Coral Cristóbal de Morales, la Coral Polifónica Reinado y
la Escolanía NET.
Ha sido director invitado por la Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Sinfónica Rey Juan Carlos I y Orquesta Sinfónica Neotonarte.
Ha dirigido conciertos y óperas en prestigiosos auditorios y teatros como el Auditorio Nacional de Música, Teatro Monumental, Auditorio Conde Duque, Centro Cultural de la Villa, Teatro Juan Bravo de Segovia, Sala Pléyel de París, Auditorio de Música de Lisboa, Bruselas, Buenos
Aires y Córdoba (Argentina) y festivales, como el Festival Internacional de Santander, Festival de Arte Sacro de Madrid, Festival de Música
Sacra de Cuenca, Festival de Córdoba (Argentina ) y Festival de Periorade (Francia )
También ha realizado conciertos en distintas iglesias de la geografía española e internacional como el Monasterio de El Escorial, Silos,
Descalzas Reales, La Encarnación, Catedral de la Almudena, Cuenca, Santiago, Burgos, Comillas, Santander, Asturias, Canterbury, Oxford,
Salzburgo, Vaticano, Córdoba, Buenos Aires, etc.
En Navidad del 2001 obtuvo el premio al Mejor Director en el IX Certamen Coral del Ayuntamiento de Madrid y también ha sido galardonado
con diversos premios en concursos de masas corales con los coros que dirige o con los que ha dirigido.
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Sonor Ensemble / LUIS AGUIRRE
MÚSICA
DE LO BELLO Y SUS FORMAS
INTÉRPRETES
Sonor Ensemble: Ángel Jesús León, Raquel Hernando, violines. Virginia Aparicio, viola. José María Mañero, violoncello.
Bárbara Veiga, contrabajo. Antonio Lapaz, clarinete. Sebastián Mariné, piano. Gúdrun Ólafsdóttir, mezzosoprano. Luis Aguirre,
director musical y artístico.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Arvo Pärt
(1935)
Es sangt vor langen Jahren (para mezzosoprano,
violín y viola) *
Alfred Schnittke
(1934-1998)
Quinteto para piano y cuerdas
José Luis Turina
(1952)
Callada partida (versión para clarinete, piano y
cuerdas)
Cesar Franck
(1822-1890)
Madrid.
Ateneo de Madrid.
3 de marzo. 20:00 horas.
Entrada: 8 €. Socios: entrada
gratuita.
- Moderato
- In Tempo di Valse
- Andante
- Lento
- Moderato pastorale
Solo de piano avec accompagnament de quintette
à cordes
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Consuelo Díez
(1958)
Sigvaldi Kaldalóns
(1881-1946)
Tentative (versión para cuerdas, piano y voz) **
Ave María
* Estreno Comunidad de Madrid
** Estreno en España
NOTAS AL PROGRAMA
Las cosas no proceden de lo absoluto, sino
que ellas mismas son lo absoluto.
Hegel
El arte tuvo durante mucho tiempo como principio fundamental la unidad de idea y su forma, y al mismo tiempo, la identificación del pensamiento personal del artista con su creación.
En su origen, no siendo aún libre, y no teniendo conciencia de sí mismo, el espíritu buscaba lo absoluto en la naturaleza, y la concebía por
consecuencia, como divina.
Más tarde, en el arte clásico de la antigüedad, la imaginación representaba a los dioses como seres individuales, como potencias libres y
espirituales, pero esencialmente ligados a la forma humana.
El arte como manifestación del espíritu, representa para el artista lo verdaderamente absoluto, lo infinito, forma la parte más íntima de su ser,
su propia substancia.
Habiendo sido recorridas todas las etapas del arte, éste se ha transformado en nuestros días en un libre instrumento que todos pueden
manejar conforme a su talento personal. El artista se coloca así mismo por encima de ideas y formas consagradas. El espíritu se mueve con
plena libertad. Ninguna idea, ninguna forma se confunde ya con la creencia de su naturaleza y de su alma.
En esta libre cultura de la inteligencia que se eleva por encima de toda creencia restringida a formas determinadas, pero en la que subyace
el sentimiento siempre subjetivo de lo “bello”, se encuadran las obras de Pärt, Schnittke, Turina, Franck, Díez y Kaldalons, cada una con su
propio estilo, pero todas ellas de gran aliento poético y en las que idea, forma y espíritu conviven libremente en la búsqueda particular del
absoluto. Las obras se tornan sagradas, no tanto en cuanto puedan estar concebidas con fines religiosos, sino en cuanto proceden de la
parte más íntima del artista, de su propia sustancia, de esa manera de revelarse a sí mismo y hacerse sensible lo absoluto y la esencia de las
cosas en general.
LUIS AGUIRRE Y FRAGMENTOS EXTRACTADOS DE LA ESTÉTICA DE HEGEL.
ARVO PÄRT (1935)
El compositor estonio es uno de los más renombrados minimalistas, siendo identificado sobre todo con el “minimalismo sacro”.
Influido inicialmente por Shostakovich, Prokofiev, Bartók y posteriormente por Shoenberg, experimentó pronto una profunda crisis personal
y comenzó a explorar la religión uniéndose a la Iglesia Ortodoxa rusa.
Su música comenzó a caracterizarse por el empleo de armonías simples, sin adornos, utilizando los acordes que formaron la base de la
armonía occidental. La reminiscencia de música de campanas característica de esas obras sencillas es descrita por Pärt como “tintineante”
(tintinnabular). Sus composiciones aparecen en numerosas películas, siendo probablemente la utilizada por Paolo Sorrentino en La Grande
Bellezza la que más ha contribuido a difundir el talento creativo de Arvo Pärt.
ALFRED SCHNITTKE (1934-1998)
El Quinteto para Piano es, en muchos aspectos, una de las obras más relevantes de la carrera del Schnittke. Comenzada en 1972 inmediatamente después de la muerte de su madre Maria Vogel, a quién la obra está dedicada, no vio su conclusión hasta 1976 y, siendo considerado
Schnittke el continuador de Shostakovich, se quiere ver en la obra un doble homenaje, puesto que Shostakovich murió poco antes de ser
completada.
El Moderato inicial muestra una característica interválica cerrada, a veces tensa y claustrofóbica. En el segundo movimiento, In tempo di Valse, surge una idea agridulce en la que las cuerdas se enredan en una estructura canónica de densas sonoridades, que transforman la música
en una danza de la muerte que termina colapsando sobre sí misma. La música se desplaza meditativamente hacia el siguiente Andante, un
lamento doliente en el que acordes punzantes alternan con un austero solo de cello antes de que el piano traiga a la memoria el no menos
impresionante Quinteto de piano de Shostakovich. La música se disuelve para introducirnos en el cuarto movimiento, un Lento en el que se
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retorna a la atmósfera inicial y en el que frases cadenciales de solos de cuerda contrastan con exaltados pasajes del ensemble completo. El
Moderato Pastorale presenta un motivo ondulante en el piano, casi de caja de música, y que aparece catorce veces a modo de passacaglia,
mientras las cuerdas rememoran ideas previamente aparecidas a lo largo de la obra. El piano permanece fiel a su motivo y repite al final solitario la frase con la que se extingue la obra en una bendición final.
JOSÉ LUIS TURINA (1952)
Comenta José Luis Turina sobre su obra: “Callada partida para voz (o clarinete) y sexteto con piano nace de un encargo de Luis Aguirre,
director del Grupo Sonor Ensemble y con quien me unen muchos años ya de sincera amistad, para conmemorar el primer aniversario del
fallecimiento de su madre, Conchita Colón, a partir de un emocionado soneto compuesto por ella misma con motivo, a su vez, de la muerte
de la suya y está dedicada a su memoria.
Dadas las especialísimas circunstancias del encargo, pocas veces como en esta ocasión he tenido la sensación inicial de encontrarme ante
una empresa difícil de llevar a buen término, decidiéndome finalmente por resolver el conflicto (o eso creo) dejándome llevar por la vibración
contenida en el poema, sin entrar en especulaciones estéticas y poniéndome en todo momento al servicio del sentido íntimo, doloroso y
resignado, del soneto.
La obra está concebida para que pueda interpretarse también con clarinete en lugar de mezzosoprano, siendo esta última versión ya estrenada en una edición anterior del Festival de Arte Sacro. En esta ocasión se interpretará la versión de clarinete. Despojada del texto, y aunque
este pudiera tenerse como la razón de ser de la obra, la inclusión del clarinete otorga a la misma cierto aire rapsódico a modo de elegía
instrumental”.
A la hora de redactar estas líneas nos enteramos del fallecimiento de María Teresa de Santos Borges, madre de José Luis Turina, autor de
Callada partida, pareciendo que el destino hubiera querido estrechar en un abrazo común al compositor y al director del Sonor Ensemble. La
interpretación de esta obra en el presente Festival de Arte Sacro estará también dedicada a la memoria de María Teresa.
CÉSAR FRANCK (1822-1890)
Belga por nacimiento, francés de adopción y con ancestros germanos, comenzó su carrera como virtuoso del piano y posteriormente del
órgano. Su dedicación completa a la composición tuvo lugar a partir de 1870 sin que ello significara que no hubiera compuesto numerosas
obras antes de esa fecha. Solo de piano con acompañamiento de cuerdas es una obra aparentemente perdida durante años y no hay evidencia de que fuera interpretada en vida del compositor. Pieza de gran virtuosismo pianístico y al mismo tiempo de profunda espiritualidad,
recuerda mediante sus poderosos acordes a la música organística con la que Franck tan familiarizado estaba. La obra de estilo difícilmente
clasificable, estaría cerca de la “fantasía” o “meditación” mostrando sutiles e inusuales colores instrumentales.
CONSUELO DÍEZ (1958)
En el curso de su brillante carrera la compositora Consuelo Díez ha obtenido numerosos premios y ocupado importantes cargos oficiales
que sin duda han servido para impulsar y favorecer a la música y a los músicos españoles. Tentative fue compuesta en 1986 para un grupo
de cinco instrumentos sin determinar. Estructurada en cinco secciones proporciona libertad e iniciativa a los intérpretes que se convierten de
alguna manera en coautores de una obra aleatoria y que por consiguiente siempre se interpreta de manera diferente. Con motivo de la celebración en 2014 del VI Centenario del nacimiento del Papa Sixto IV, el Sonor Ensemble presentó en su ciudad natal de Savona (Italia) la obra
que Consuelo Díez adaptó para la ocasión añadiendo una parte de mezzosoprano. En sus diferentes secciones la voz hace una invocación
al Papa Sixto IV seguida por unas letanías que tanto pudieran proceder de los fieles como del mismo Sixto. “Tentative” y “Expiration” son
dos palabras enigmáticas con las que concluye la cuarta sección de la obra. La obra con esta particular formación, es por lo tanto estreno
en España.
SIGVALDI KALDALÓNS (1881-1946)
Fue y sigue siendo probablemente el compositor islandés más querido y apreciado por sus compatriotas. Su Ave María, en la línea de sus
ilustres predecesores Schubert y Gounod, es un hermoso ejemplo de música inspirada, sencilla, directa y sin otras pretensiones que no sea
la de mover y conmover la espiritualidad de los oyentes, algo que consigue sin duda mediante la sensibilidad y dulzura de su bellísima línea
melódica.
COMENTARIOS SOBRE LOS COMPOSITORES DE LUIS AGUIRRE
SONOR ENSEMBLE
Actualmente en su duodécima temporada, el Sonor Ensemble es uno de los grupos de cámara más afianzados en el panorama musical español y su actividad continua estable a pesar de los difíciles tiempos que corren para el arte en general y para la música en particular.
Ha ofrecido más de 150 conciertos con actuaciones en importantes festivales en España, y también en países como Bulgaria, Finlandia,
Suecia, Suiza, China, Corea del Sur, Rusia, Italia, Portugal, Argentina, Francia e Islandia.
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El amplio repertorio del grupo, abarca obras de los periodos tradicionales del Barroco, Clasicismo, Romanticismo, etc. pero pone especial
énfasis en los compositores del siglo XX y XXI, siendo un vehículo esencial para la expresión artística de la creación contemporánea. Pocos
grupos de cámara españoles pueden vanagloriarse de haber sido los destinatarios de tantas obras compuestas especialmente para su propio
conjunto. Entre los compositores que han escrito para el Sonor Ensemble podemos citar a: Zulema de la Cruz, Ángel Oliver, Manuel Angulo,
Claudio Prieto, Delfín Colomé, Javier Jacinto, Federico Jusid, Gustavo Gini, Oliver Rappoport, Gloria Isabel Ramos, Rodrigo Lima, Eurico
Carrapatoso, José Luis Turina, Pablo Miyar, Daniel Bjardason, Sebastián Mariné, Santiago Quintans, José Manuel López, y la lista sigue creciendo debido también a la política de encargos del Sonor Ensemble.
El Sonor Ensemble ha grabado para RNE, RTVE, Radio Nacional de Islandia y sello Fundación Autor. Durante varios años realizó una importante actividad pedagógica con la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid ofreciendo anualmente una larga serie
de conciertos dirigidos a miles de estudiantes de dicha Comunidad. Los recortes presupuestarios han impedido por el momento continuar
con ese ciclo que ha sido de vital importancia para el grupo. Invitado por el Ministerio de Cultura de Argentina el Sonor Ensemble participó
con conciertos y actividades educativas en los actos conmemorativos del Bicentenario que tuvieron lugar hace unos años en Buenos Aires.
JESÚS ÁNGEL LEÓN
Tras acabar brillantemente sus estudios en Madrid y Barcelona, Jesús Ángel León se perfeccionó con Uri Pianka y Ruggiero Ricci.
Ha sido solista de la Orquesta Sinfónica de Madrid, de la Sinfónica de Euskadi y miembro fundador del cuarteto Arcana.
Ha sido también concertino de la Orquesta Clásica de Madrid y de la Orquesta Nacional de España con la que ha actuado en las principales
salas de Europa, Asia y América.
Ha actuado como solista con numerosas orquestas y bajo la dirección de prestigiosos directores.
En 2002 graba para la Fundación Coca-Cola obras de los compositores Manuel Valls, José Luis Turina y Antón García Abril. Junto al pianista
Miguel Ángel Muñoz, graba obras de Falla, Toldrá y Joaquín Turina y en 2004 estrena el concierto para violín y cuerdas Mecánica del olvido,
de Pablo Riviere, del que es dedicatario y junto a Miguel Ángel Muñoz ha realizado giras internacionales auspiciadas por el CNDM y el Instituto Cervantes, incluyendo la participación en las Jornadas Mediterráneas de Música Contemporánea de Estambul, y sendos recitales en
París y Viena.
Ha realizado la orquestación de los Sis Sonets, de Eduard Toldrà que él mismo estrenó en Madrid con la Orquesta Nacional de España y en
Barcelona con la Orquesta Catalana de Cambra.
RAQUEL HERNANDO
Estudia en el Conservatorio de Guadalajara, posteriormente en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y, más tarde, en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, realizando una intensa actividad concertística tanto de solista como de Música de Cámara.
En 2002 es seleccionada para actuar en un concierto en La Academia Sibelius de Helsinki (Finlandia); en 2003 lo fue para tocar como solista
con la Orquesta del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y en 2005 gana el Primer Premio de Jóvenes intérpretes de Castilla-La
Mancha.
Ha realizado grabaciones para RNE y para la Radio Finlandesa en un concierto monográfico dedicado a Joaquín Turina.
Fue becada para ampliación de estudios en el Royal College of London y han contribuido a su formación prestigiosos profesores, como
Yossi Zivoni, Vartan Manoogian, Zakhar Bron, Florin Szigeti (Cuerteto Enesco), Márta Gulyás, Silvia Marcovici, Nicolás Chumachenco, Rainer
Schmidt...
Ha sido miembro de la Joven Orquesta de la Unión Europea (EUYO), y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Sinfónica de RTVE y Orquesta de Cámara Andrés Segovia.
Desde 2005 es profesora por oposición de la Orquesta Nacional de España y es miembro integrante del Grupo de Música de Cámara Sonor
Ensemble.
Compagina su profesión con los estudios de la Licenciatura en Psicología.
VIRGINIA APARICIO
Nace en Madrid en el seno de una destacada familia de músicos. Se graduó con las máximas calificaciones en el Conservatorio Superior
de Música de Madrid en las especialidades de Piano, Violín y Viola y posteriormente amplió sus estudios en la Academia Chigiana de Siena
(Italia).
Ha realizado una intensa actividad dentro de la música de cámara como pianista y violista y actualmente forma parte de la Orquesta Nacional
de España. Es también solista de viola de la Orquesta La Mancha y desde febrero de 2007 integrante del Sonor Ensemble con quien ha realizado conciertos en numerosos festivales en España, así como en diversos países de Europa, América y Asia.
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JOSÉ MARÍA MAÑERO
Nacido en Santa Cruz de Tenerife, realiza los estudios de violoncello bajo la supervisión de su padre, obteniendo Premio Fin de Carrera en
esa especialidad y en Música de Cámara. Perfeccionó sus estudios con los consejos de los maestros Paul Tortelier (Niza) y Siegfried Palm,
especializándose en la interpretación de música contemporánea.
Fue solista durante quince años de la Orquesta de Cámara Villa de Madrid y durante dieciocho años, violoncello principal de la Orquesta
Nacional de España.
Ha tocado como solista con una docena de orquestas españolas, destacando su interpretación en estreno mundial del Concierto para violoncello, de Jesús Villarejo, con la Orquesta Sinfónica de Baleares bajo la dirección de José Ramón Encinar.
En su haber figuran una quincena de grabaciones discográficas.
Actualmente es profesor de la Orquesta Nacional de España y del Sonor Ensemble.
Realiza sus interpretaciones con un magnífico instrumento italiano del siglo XVIII, construido en Verona por Jacomo Zanoli.
BÁRBARA VEIGA
Comienza sus estudios musicales a la edad de doce años en el Conservatorio Profesional de A Coruña bajo la tutela de Antonio Portela.
Como contrabajista ha formado parte de la Joven Orquesta Sinfónica de Galicia y de la Joven Orquesta Nacional de España, realizando giras
por España y Europa. Ha ganado el Primer Premio en el X Concurso de instrumentos de cuerda de Ciudad de Toledo.
Tras acabar sus estudios de contrabajo en el Conservatorio Superior de A Coruña, continúa su formación en la Escuela Superior de Música
Reina Sofía, en la cátedra del profesor Duncan McTier.
Ha colaborado en numerosas ocasiones con Orquestas como la Sinfónica de RTVE Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta de Cámara Reina
Sofía, Real Filharmonía de Galicia, Orquesta de la Comunidad de Madrid, etc.
En 2009 entra a formar parte de la Orquesta Nacional de España y en la actualidad es también contrabajista del Sonor Ensemble.
ANTONIO LAPAZ LOMBARDO
(Madrid, 1976). Realiza sus estudios de clarinete con las máximas calificaciones en el Conservatorio Superior de Valencia, continuando estudios en el Mozarteum de Salzburgo y en Viena. Obtiene su Postgrado teniendo como profesores a W. Fuchs, F. Meloni y F. Benda.
Ha sido clarinete solista de la Joven Orquesta de Valencia, de la Youth Internacional Orchestra y posteriormente de la Orquesta Filarmonía y
Sinfónica de Gijón.
Ha colaborado con diversas orquestas españolas y extranjeras y está a punto de aparecer su primer CD con tríos de clarinete de Piazzolla,
Brahms y Bruch.
Realiza frecuentes incursiones en el mundo del Jazz y del Flamenco, colaborando en este último campo con la pianista Miriam Méndez.
En la actualidad es profesor de la Banda Sinfónica Municipal de Madrid y clarinetista del Sonor Ensemble con quien ha actuado en diversos
conciertos en España y varios países europeos.
SEBASTIÁN MARINÉ
Estudió Piano con R. Solís, Composición con R. Alís y A. Gª Abril y Dirección de Orquesta con I. Gª Polo y E. Gª Asensio en el Conservatorio
Superior de Música de Madrid, obteniendo Matrículas de Honor en todos los cursos y Premio Fin de Carrera en Piano.
Al mismo tiempo, se licenció en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid.
Ha actuado como solista con las Orquestas Sinfónicas de RTVE, de Madrid, de Sevilla, de Baleares, de la Comunidad de Madrid, Ciudad de
Granada, de Valladolid, de Asturias, etc.
Ha estrenado los conciertos para piano y orquesta escritos para él de Valentín Ruiz, Rafael Cavestany y Fernando Aguirre.
Ha grabado cuatro CD con música española para saxofón y piano, un CD con las sonatas para piano solo y para clarinete y piano de Robert
Stevenson y recientemente, uno con sus propias obras para piano solo.
Desde 1979 es profesor en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, así como también, desde su fundación en 1991, en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, que dirige Paloma O’Shea.
En abril de este año, la OSRTVE estrenó su Primera Sinfonía en el Teatro Monumental de Madrid.
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Pianista y compositor y miembro del Sonor Ensemble ha actuado de solista en numerosos conciertos en España, Italia, Portugal, Francia e
Islandia.
GUDRÚN ÓLAFSDÓTTIR
La mezzosoprano islandesa Gudrún Ólafsdóttir ha cantado por toda Europa y en Latinoamérica en lugares como el Auditorio Nacional de
Música de Madrid, Teatro Real, Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, Royal Festival Hall (Londres), Bozar Henry le Boeuf Hall (Bruselas), Coliseo de Buenos Aires y la Sala Glinka de la Filarmonía de San Petersburgo. Ha trabajado como solista con la Orquesta Sinfónica de Islandia,
Sonor Ensemble, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la Orquesta Sinfónica Estatal de San Petersburgo y la Philharmonia Orchestra de
Londres. Ha cantado el papel del Gato en El gato con botas, de Montsalvatge, en una producción del Teatro Real de Madrid. Otros papeles
operísticos incluyen Cenerentola, Dorabella, Rosina, Romeo, el Príncipe Orlowsky, Sesto (Mozart), Dido (Purcell), Carmen y Der Komponist.
Ha estrenado numerosas obras de compositores de diferentes nacionalidades, algunas de ellas escritas especialmente para ella.
Ha ganado numerosos premios en concursos internacionales de canto, incluyendo el Kathleen Ferrier Song Prize en la Wigmore Hall en
Londres, The Miriam Licette Scholarship en el Royal Opera House Covent Garden, el Premio Lied en el Concurso Internacional de Canto
Ciudad de Zamora, tercer premio en el Concorso Internazionale de Música Sacra de Roma y el Premio al Mejor Intérprete de la Música de
Joaquín Rodrigo en el Concurso Internacional Joaquín Rodrigo, en Madrid. Estudió canto con Rut Magnússon en Reikiavík, Laura Sarti en la
Guildhall School of Music & Drama, Londres (Master of Music y Curso de Ópera) y Alicia Nafé, en Madrid. Sus CD incluyen Grieg-Schumann,
con el pianista Víkingur Ólafsson, John Tavener: Iepo Oneipo Sacred Dream (Editor’s Choice, Gramophone Magazine), Apocrypha (Premio
Nacional Islandés de la Música), Mine is Yours-Songs from Iceland and Spain y English and Scottish Romantic Songs for Voice and Guitar,
con el guitarrista Francisco Javier Jáuregui.
LUIS AGUIRRE
Nacido en Madrid, realiza estudios de Economía en la Universidad Autónoma, y Piano, Composición y Dirección de Orquesta en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, ampliando estudios en el Guildhall School of Music and Drama (Londres), Hochschule für Musik
und Darstellende Kunst “Mozarteum” (Salzburgo) y en la Universidad de Indiana (USA).
Durante 1986 y 1987 fue Director Asistente de la Orquesta Nacional de España y en las temporadas 1995/96 y 1996/97 asumió la dirección
titular y artística de la Orquesta Pablo Sarasate de Pamplona. Desde su creación en 2004, es director musical y artístico del Sonor Ensemble,
con el que ha realizado centenar y medio de conciertos.
Ha actuado con orquestas sinfónicas y de cámara en numerosos países de Europa, América, África y Asia y ha realizado grabaciones para
RNE, TV5, RTVE, Radio Nacional de Islandia y para el sello Fundación Autor.
Estrenó en España los Conciertos 3 y 4 para violín, de Alfred Schnittke, con la Orquesta Sinfónica Portuguesa y la Orquesta Sinfónica de
RTVE, respectivamente.
Ha dirigido entre otras a la New Orchestra of Boston, Bournemouth Symphony Orchestra, Solistas del Metropolitan de Nueva York, Sinfónica
de Santa Fe (Argentina), Filarmónica de Jalisco (México), The Nairobi Orchestra (Kenia), Sinfónica Nacional Portuguesa, Orquesta Nacional
de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, Sinfónica de Madrid y prácticamente a la mayoría de las restantes orquestas sinfónicas españolas.
Con sus encargos a diferentes compositores y constante labor de divulgación, Luis Aguirre presta su contribución particular a la vida musical
española.
Entre sus actividades se cuentan además numerosos artículos musicales, conferencias y conciertos didácticos con muy diversas orquestas.
Ha formado parte del Comité de Expertos Independientes de la Comisión Europea de Cultura y colabora como coordinador y asesor artístico
del Ministerio de Cultura en la selección de músicos españoles para la Joven Orquesta de la Unión Europea (EUYO).
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Ensemble Nuove Musiche / FRANCESCO OTTONELLO
MÚSICA
OMAGGIO A SANTA TERESA DE
ÁVILA
MÚSICA SACRA ITALIANA DE LOS SIGLOS XX Y XXI
INTÉRPRETES
MONICA BENVENUTI, voz. Ensemble Nuove Musiche: Filippo del Noce, flauta. Roberto Bocchio, clarinete. Andrea Carattino,
percusión. Alessandro Marangoni, piano. Massimo Marin, violín. Dario Destefano, violoncello. Francesco Ottonello, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
I.
Mario Castelnuovo Tedesco
(1895-1968)
Giorgio Federico Ghedini
(1892-1965)
Pietro Mascagni
(1863-1945)
De Evangélion, para piano solo *
- L’annunciazione (La anunciación)
- Il massacro degli innocenti (La masacre de los
inocentes)
- Padre Nostro (Padre nuestro)
Madrid.
Teatro de la Escuela Superior de
Canto - Palacio Bauer.
4 de marzo - 20:00 horas
Libre acceso.
La organización distribuirá
entradas hasta completar aforo
una hora antes del inicio del
concierto
Composiciones sacras para voz y piano:
- Di ‘ Maria dolce 1
- Candida mia colomba (de Due Liriche) 2
Visión lírica. Contemplando la Santa Teresa de
Bernini **
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II.
Luigi Dallapiccola
(1904-1975)
Luciano Berio
(1925-2003)
Marcello Filotei
(1966)
Marco Lombardi
(1960)
Cuatro poemas de Antonio Machado (voz y piano)
- La primavera ha venido
- Ayer soñé que veía
- Señor, ya me arrancaste lo que yo mas quería
- La primavera ha venido
O King (para voz y 5 instrumentos)
Il chiodo fisso di Teresa (La obsesión de Teresa,
voz y 6 instrumentos) ***
...nell’estasi... (voz y 6 instrumentos) ***
* Estreno en España.
** Estreno absoluto en la versión para ensemble. Transcripción de Francesco Pigato.
*** Estreno absoluto.
1
Lauda espiritual sobre un texto de Giovanni Dominici.
2
Versos de Matteo Maria Boiardo.
NOTAS AL PROGRAMA
Mario Castelnuovo-Tedesco era judío por cultura, pero regularmente componía sobre temas bíblicos. Meditación sobre historias del Nuevo
Testamento con música de tierna simplicidad, emocionante lirismo y contundente dramatismo, el épico y raramente escuchado Evangélion
empieza con La Anunciación y concluye con Las Últimas Palabras y La Resurrección. Compuesta en 1947 poco después de la muerte del
padre del compositor, la obra fue concebida probablemente después de una visita al Convento de Acolmán en México.
Los Laude spirituali (a los que pertenece Di’Maria dolce) y los Due liriche (a los que pertenece Candida mia colomba) son consideradas auténticas obras maestras que expresan bien las opuestas tipologías afines al Ghedini de los años 20: por un lado la de una escritura elegante
y refinada que se desarrolla con la más sorprendente economía realizadora, y por el otro la de un Ghedini febril y tumultuoso.
El complejo de mármol de Gian Lorenzo Bernini, representando el éxtasis de Santa Teresa de Ávila, se caracteriza por una extraordinaria calidad estética y de un intenso dramatismo que se pueden asociar con la búsqueda espiritual personal de Bernini, con su empeño de descubrir
por sí mismo, para después mostrarlo a toda la comunidad de fieles, el sentimiento de amor expresado sin medida hacia el Redentor. En 1922
Pietro Mascagni compone una Visione lirica para orquesta con el subtítulo Contemplando la Santa Teresa del Bernini, indicando así la propia
inspiración surgida del encuentro entre él y la estatua de Bernini.
Los Quattro liriche di Antonio Machado (La primavera ha venido - Ayer soñé que veía - Señor, ya me arrancaste lo que yo mas quería - La
primavera ha venido) son considerados una de las mayores obras maestras de la lírica de cámara del siglo XX: Esbozados por primera vez en
Bruselas en 1948, el mismo año de su composición, vuelven a tratar ese lirismo estático de Dallapiccola, donde la búsqueda esencial de una
pureza de expresión une en un mismo vigor emocional el disfrute del hecho literario y su piedad de cristiano.
La voz humana es fijada en el entramado de un piano que, explotado en sus más sutiles posibilidades tímbricas, en cierto modo anticipa la
versión que de estos Liriche Dallapiccola preparó posteriormente durante 1964: el año, esto es, de Parole di San Paolo, obra que constituye
una especie de punto terminal en el logro poético del músico. El impulso lírico se adapta al texto de Machado formando cuatro tableros
intensos y dorados, unidos entre sí en una especie de medieval éxtasis de aleluya.
Luciano Berio escribió O King en 1967 como un homenaje a Martin Luther King, Premio Nobel de la Paz en 1964. La obra, que el compositor
italiano elaboró el año siguiente y que incluyó como el segundo movimiento de la Sinfonía para orquesta, se caracteriza por una estrecha
compenetración entre los cinco instrumentos y la voz. Ésta última recompone poco a poco, a través de reelaboraciones sucesivas de sus
componentes fonéticos individuales, la frase a la que se reduce el texto de la canción (O Martin Luther King) y que sólo en los últimos compases se percibe en su integridad.
La canción se basa en una serie de siete sonidos que se repite varias veces para formar un tejido casi hipnótico interrumpido en cada repetición por fuertes sonidos del piano. Quizás con esto Berio quería recordar así los disparos de arma de fuego que causaron la muerte del
predicador en Memphis el 4 de abril 1968.
Santa Teresa de Ávila era una mujer testaruda. Una fe inquebrantable le dio unos pies firmemente plantados en el suelo y una mente completamente entregada hacia lo más alto, hacia la luz. Bernini, en lo que él mismo denominó su “trabajo menos malo”, la fotografía en el momento
de éxtasis místico, centrándose simultáneamente en la fe y la poesía. Y estas dos ideas, la terquedad y el éxtasis, son la base de Il Chiodo
fisso di Teresa, obra para conjunto instrumental construido sobre unos elementos rítmicos que se combinan gradualmente en un esbozo de
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melodía. La repetición obsesiva de ciertos pasajes, tres, cuatro y en ocasiones hasta cinco veces, sirve para subrayar la terquedad de una
mujer que no se detuvo frente a acusaciones de ningún tipo, superando incluso la de estar poseída por el diablo. Una vida llena de dificultades
la suya, llena de disonancias y momentos de tensión, que en la pieza suena concentrado en una zona central áspera, donde a los elementos
que se utilizaron anteriormente para definir ambientes sonoros etéreos se superponen ahora los efectos estridentes de la cuerda y el viento.
La tensión se disuelve inmediatamente en un final repetitivo, obstinado, no tranquilizador, donde el texto de la misma Teresa, tomado de Vivo
sin vivir en mí se divide para ser utilizado como una cuestión existencial. Esa pregunta para la que Teresa buscó toda su vida una respuesta,
porque era una mujer testaruda.
Dice Marco Lombardi a propósito de su obra: “...nell’estasi... es un trabajo basado en el uso de materiales múltiples, la literatura y la música.
El hilo de la memoria, las referencias y las asociaciones crean el horizonte sobre el que destaca el espíritu que llena mi homenaje a la vida
y obra de Santa Teresa de Ávila. La voz alterna momentos cantados y hablados para componer un mosaico cuyas piezas (fragmentos del
repertorio vocal lírico o camerístico, citas del salmo Sicut Cervus) están vinculados de diversas maneras a mi lectura personal, ya sea de la
obra o de la compleja historia humana y religiosa de Teresa: la similitud del alma como castillo interior, el tema de lo inefable o, con referencia
al título, el tema del éxtasis y su representación en el famoso grupo de mármol de Bernini en la Iglesia de Santa Maria della Vittoria, en Roma.
Se interrumpe el pasar de la mano sobre un rosario imaginario en el que el espacio entre una cuenta y la otra es mi música y representa el
esfuerzo de la composición.”
MONICA BENVENUTI
Nacida en Florencia y licenciada en Filosofía y Letras.
Desde 1993, año en que debutó como la protagonista en L’incoronazione di Poppea, de Monteverdi, en el Teatro Verdi en Pisa y en el Teatro
Sociale de Mantua, y en Zanetto, de Mascagni, en el Festival Puccini en Torre del Lago, ha actuado (siempre en los papeles principales) en
óperas de: Monteverdi, Peri, Emilio de Cavalieri, Purcell, Blow, Rossi, Haendel, Pergolesi, Cimarosa, Mozart, Salieri, Spontini, Humperdinck,
Wolf-Ferrari...
Ha hecho frecuentes incursiones en repertorios de cámara y sinfónicos, con obras de Mozart, Rossini, Beethoven, Wagner, Mahler, Messiaen,
Dallapiccola...
Posteriormente, ha desarrollado un interés específico en la música del siglo XIX, así como en la música contemporánea, que la ha llevado a
explorar el potencial de la voz humana en relación a varios lenguajes musicales y también en música electroacústica. Laborynthus II y Cries of
London, de Luciano Berio, marcan el comienzo de su colaboración con el Centro Tempo Reale de Florencia y particularmente con el compositor Kilian Schwoon, del cual ha interpretado Le Poumon Oxigéne en diferentes ocasiones, entre ellas una emisión en directo desde Eurorradio
y un concierto en la Hochschüle de Stuttgart.
Ha cantado, a menudo en primera ejecución, música de: Roberto de Simone, Bruno de Franceschi, Gian Carlo Menotti, Paolo Furlani, Pier
Luigi Zangelmi, Steve Reich, Luigi Nono, Riccardo Luciani, Andrea Nicoli, Sylvano Bussotti, Hidehiko Hinohara, Giacomo Manzoni, Ivan Vandor, Gianpaolo Testoni, Roberto Lupi, Bruno Bettinelli, Luciano Berio, Toru Takemitsu, Roman Vlad, Dario Maggi, James Newton...
FILIPPO MARIA DEL NOCE
Nacido en Turín en 1993, empezó sus estudios de flauta en 2007, en la prestigiosa clase del Maestro A. Semolini, en el Conservatorio de Turín,
donde se graduó después de estudiar durante cuatro años. Desde 2011 estudia con Peter Lukas Graf. Ya ha ganado numerosos concursos
nacionales e internacionales.
ROBERTO BOCCHIO
Estudió con músicos como G. Deplus, G. Garbarino, T. Friedli y F. and B. Mezzena. En 1992 ganó el Primer Premio con Mención de Honor
en el Conservatorio Nacional de Niza, bajo la dirección del Maestro M. Lethiec. Ha colaborado con las más prestigiosas orquestas italianas.
También ha tocado en Francia, Suiza, Alemania y Japón. Desde 2005 es profesor en el Conservatorio G. Cantelli de Novara. Toca un clarinete
Buffet Crampon y Ance Rico.
ANDREA CARATTINO
Nacido en Génova en 1992. Desde muy temprana edad ha seguido su vocación y pasión por la percusión. Graduado con honores en el Conservatorio Paganini de Génova, se ha perfeccionado en la Civic School of Music “Claudio Abbado”, de Milán, con Bruno Frumento y Cristiano
Pirola. Elegido como percusionista en la Orchestra Giovanile Italiana, ha tocado en importantes teatros y festivales italianos incluyendo Maggio Musicale Fiorentino, el teatro Romolo Valli en Reggio Emilia, el Teatro Greco en Ischia y en el prestigioso Festival de Ravello. Ha tocado
con orquestas como la Orchestra Sinfonica di San Remo, la Orchestra Sinfonica di San Pietroburgo, la Orchestra dell’Università del Piemonte
Orientale y la Orchestra “¡Simon Boccanegra”¡. Como músico de cámara forma parte del “¡Darbuca Percussion Ensemble”¡ y ha tocado junto
con Massimiliano Damerini and Maurizio Ben Omar.
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ALESSANDRO MARANGONI
Pianista solista y habitual en varios ensembles, desde hace tiempo está establecido en la escena nacional e internacional. En 2007 dio un
recital en el Teatro alla Scala de Milán en homenaje a Victor de Sabata, junto con Daniel Barenboim. Ha tocado en importantes salas en Europa y también en Argentina, Chile, Colombia y Canadá, con considerable éxito de crítica y público. También ha tocado algunos conciertos
para piano y orquesta de Mozart en gira con la Amadeus Chamber Orchestra del Mozarteum de Salzburgo. Ha trabajado en el teatro con
Valentina Cortese y Filippo Crivelli. Ha sido el primer músico italiano en tocar en el mundo virtual de Second Life, dando más de un centenar
de conciertos con gran éxito. También ha hecho importantes grabaciones para Naxos.
MASSIMO MARIN
Nacido en Turín, estudió bajo la dirección de Lorenzo Lugli. Después de graduarse a una edad muy joven, tocó en muchas de las más prestigiosas orquestas italianas. Continuó su preparación con Salvatore Accardo, Leonid Kogan y Corrado Romano. Activo como solista en Italia y
el extranjero, y miembro de conjuntos de cámara (dúo con el pianista Andrea Bambace, con el Quinteto Italiano, con Solisti Veneti, New Virtuosi di Roma, Italian Soloists, etc.). También ha dado giras de conciertos por todo el mundo. Fue invitado por Claudio Abbado para trabajar
con la Chamber Orchestra of Europe y fue elegido por Riccardo Muti para la Orquesta Filarmónica del Teatro alla Scala, donde tocó con los
mejores directores. En 1992 le fue concedido el Premio A Life for Art. Ha dado clases de violín en el Conservatorio de Turín durante muchos
años. Toca un violín G. B. Guadagnini - Piacenza 1747.
DARIO DESTEFANO
Después de prepararse con Renzo Brancaleon, Antonio Janigro y Johannes Goritzki, se graduó del Conservatorio Giuseppe Verdi, de Turín,
y en la Hochschule Schumann, de Dusseldorf. En 1987, a la edad de veintidós años, se convierte en el cellista principal de la orquesta del
Teatro Comunale de Bolonia. Como primer cello ha colaborado con la Orquesta de la RAI y con el Teatro Regio de Turín. Ha tocado en salas
en Europa y alrededor del mundo y ha estrenado mundialmente muchas obras. Es profesor de cello en el Conservatorio Giuseppe Verdi, de
Turín. Toca un cello Santagiuliana - Vicenza 1821.
FRANCESCO OTTONELLO
Nacido en Savona, estudió en los Conservatorios de Milán y Turín, graduándose en Composición, Percusión y Orquestación de Vientos.
Como percusionista ha colaborado con instituciones musicales italianas como el Teatro alla Scala, Teatro Carlo Felice de Génova, Europa Galante, Orchestra Sinfonica di San Remo, Orchestra Verdi di Milano, Orchestra Stabile di Bergamo, entre otras. Ha tomado clases de dirección
orquestal en el Conservatorio de Praga y en la International Piano Academy Incontri col Maestro, en Imola. Ha tocado con prestigiosos directores como Riccardo Muti, Daniel Baremboim, Fabio Luisi, Gustavo Dudamel, Daniel Harding, Myung Whun Chung, etc. Actualmente está
completando un título en Musicología por la Universidad de Milán, donde se dedica a su interés por la ópera italiana en la época de Rossini.
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Coro Tomás Luis de Victoria / ANTONIO PECES
MÚSICA
OFICIO DE SEMANA SANTA DE
TOMÁS LUIS DE VICTORIA
INTÉRPRETES
Coro Tomás Luis de Victoria: Idoia Eguiazábal, Cristina Marcos, Reyes Sequera, Victoria Viana, Inés Alonso, sopranos. Julia
Martino, Patricia Ayuso, Berta Botella, Andrea Abilahoud, altos. Vicente Sempere, Daniel Martín, Claudio Jiménez, tenores. Alberto
Cabrera, David Alegre, bajos. Antonio Peces Gómez, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Officium Hebdomadae Sanctae (1585). Sabbato Sancto ad Matutinum, de Tomás
Luis de Victoria (1548-1611)
- Heth. Misericordiae Domini (Lamentación 7)
Navalafuente.
Parroquia de San Bartolomé.
7 de marzo. 17:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
- Aleph. Quomodo obscuratum (Lamentación 8)
- Incipit oratio Jeremiae (Lamentación 9)
- Recessit pastor noster (Responsorio 13)
- O vos omnes (Responsorio 14)
- Ecce quomodo moritur (Responsorio 15)
- Astiterunt reges (Responsorio 16)
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- Aestimatus sunt (Responsorio 17)
- Sepulto Domino (Responsorio 18)
- Vexilla Regis “more hispano” (Himno)
NOTAS AL PROGRAMA
El Oficio de Semana Santa (Officium Hebdomadae Sanctae) es la mayor recopilación de la música religiosa litúrgica del Renacimiento. Está
dividida en cuatro días, Domingo de Ramos, Jueves, Viernes y Sábado Santos. El cuerpo principal lo forman 18 responsorios y 9 lamentaciones; completan la obra dos pasiones y diversas piezas, entre las que destaca el Vexilla Regis. Este himno es el final de una obra inmensa,
compuesta con un sentido unitario, que Victoria dedica a la Santísima Trinidad.
Se ha hablado tanto sobre esta obra, cuya capacidad para acaparar atención no cesa, que resulta muy difícil que estas notas puedan aportar
algo más. Por un lado, Victoria está convencido de los efectos beneficiosos para la sociedad de la música cuando está bien hecha y se emplea para un buen fin, en este caso, para la contemplación de la Pasión de Jesús; en esta obra se centra especialmente en los momentos de
dolor de Jesús, como podemos leer en Las Moradas de Santa Teresa y en otros muchos textos, y se utiliza como base para un proceso de
meditación que tenía como finalidad el olvido de uno mismo y el contacto con Dios, en la medida en que esto es posible en esta vida. Este
proceso requería un sentido de dulzura y de estabilidad emocional, lo cual orienta decididamente la música de Victoria. No es de carácter
externo, ni busca emociones sensoriales atractivas, sino el encuentro con la verdad de la palabra.
Esta verdad no es intelectual, sino que forma parte de la totalidad del ser humano, de su movimiento interior. Por ello surgen inseparablemente un sentido de la forma único y una correspondencia perfecta entre el sentido de la palabra y una situación musical específica; la balanza
está equilibrada entre texto y música.
Es muy difícil hablar de la forma, no como hecho externo, sino como realidad única de cada pieza. En esta obra, la forma nos delimita el
ámbito en el que la pieza vive en nosotros de un modo perfecto y en ese sentido podemos percibir instantáneamente cómo es, por ejemplo,
cualquier responsorio de este oficio sin ningún atisbo de duda.
En cuanto a la palabra, se evidencia que cada contenido tiene su color musical específico, no me refiero a los recursos externos -como simbolizar la muerte de Judas acabando la obra en una semicadencia y con el giro de 8ª en el tenor- sino a la manera de adecuar la música a la
comprensión profunda de la palabra. No es posible obviar el texto: éste adquiere plena significación en el momento de cantarlo.
Lo genuino de Victoria es la manera en la que adapta el estado de conocimiento propio, la ausencia de pensamiento, la atención y el apasionado amor a Dios y al hombre, -propio del misticismo español (y universal) de esta época- a la música. El Vexilla Regis, como motete final,
consigue una grandeza que integra al resto de la obra como una gran unidad, en un sentido específico, no continual. Su última parte a 6
voces y su sencillo y bruckneriano Amén final, son el resumen y a la vez el soporte de la única obra en cuya edición el autor no hace ningún
comentario, solamente la dedica a la Santísima Trinidad.
ANTONIO PECES GÓMEZ
CORO TOMÁS LUIS DE VICTORIA
Se funda en la Semana Santa de 1996, como consecuencia de la costumbre que venía teniendo lugar en la Iglesia de Brunete de interpretar,
en dichas fechas, los responsorios del músico renacentista Tomás Luis de Victoria. Nace, y así se mantiene desde entonces, como un coro de
cámara especialmente interesado en la polifonía de dicha época y en concreto en el compositor que le da nombre, aunque también aborda
obras de todas las épocas.
Su trabajo y entusiasmo común todos estos años, bajo la dirección de Antonio Peces, se manifiesta en el empaste y la sensibilidad que transmite en sus interpretaciones. El grupo aporta una experiencia y musicalidad consolidada, cultivando la música coral en todas sus facetas y la
singularidad del arte de los grandes maestros. El trabajo ocasional concentrado en varios encuentros en los últimos tres años, bajo la dirección de Konrad von Abel, y la preparación de varios programas bajo su dirección ha ampliado muy satisfactoriamente su perspectiva musical.
Ha recibido de forma continuada clases de técnica vocal a cargo de la soprano Alicia Barrenechea. Desde hace unos años participa como
coro piloto en cursos de dirección impartidos por el director alemán Konrad von Abel.
Cuenta con dos grabaciones, una de música religiosa del compositor Tomás Luis de Victoria y otra de música profana del Renacimiento.
Sus más de cien conciertos en La Rioja, Andalucía, Extremadura, Castilla y León, Castilla-La Mancha, País Vasco, Comunidad Valenciana y,
especialmente, la Comunidad de Madrid son una muestra de su intensa actividad con proyección nacional. Cabe destacar su participación
en varias ediciones del Festival de Arte Sacro y del Festival Clásicos en Verano, ambos de la Comunidad de Madrid, el ciclo Música y voz
para la Pasión, del Ayuntamiento de Madrid, y en numerosos ciclos de polifonía, como el de Medina de Rioseco, Ciclo de Música Sacra del
Desierto de las Palmas o el Ciclo de Órgano y Música Sacra de la Catedral de Getafe.
Como no podía ser de otra manera, el grupo participó activamente en la celebración del IV Centenario de la muerte de Tomás Luis de Victoria
(h. 1548-1611) interpretando en varias ocasiones su Officium defunctorum a 6 voces.
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En los dos últimos años el grupo ha aumentado su número lo que le ha permitido abordar programas más ambiciosos como los dedicados a
conmemorar el III Centenario de la muerte de Juan Bautista Cabanilles (1644-1712) con obras vocales de este autor y el motete Jesu meine
Freude, de J. S. Bach, el V Centenario del nacimiento de Francisco Salinas (1513-1590), con obras polifónicas de sus coetáneos (Victoria,
Lasso, Diego Ortiz...) o el programa titulado Salve Regina, con obras dedicadas a María Virgen de Lasso y Victoria, incluyendo varias a doble
coro y siendo acompañados por el organista José Ignacio Gavilanes.
Durante la temporada 2013-2014 el grupo ha dedicado sus esfuerzos a la obra Lagrime di San Pietro, del compositor franco-flamenco Orlando di Lasso (1532-1594); está considerada la obra maestra de su autor y una de las composiciones cumbre del periodo renacentista. Su
extraordinaria complejidad, su fuerza expresiva y el uso de un lenguaje rico y novedoso, en el que música y texto se alían en la búsqueda de
sentido, hacen de ella una pieza singular que sintetiza los logros musicales de la época y abre nuevos caminos hacia el barroco. Se trata de
una obra póstuma de Orlando di Lasso dedicada al Papa Clemente VIII, compuesta para siete voces y articulada en 21 partes: 20 madrigales
espirituales, género sagrado en lengua vernácula, y un motete final en latín.
Con este programa, dirigido por el maestro Konrad von Abel, han participado entre febrero y abril de 2014 en el XXIV Festival de Arte Sacro
de Comunidad de Madrid, el XXIII Festival de Música Antigua y Sacra de Getafe, el Ciclo Música para un tiempo de Oración 2014, organizado
por el Ayuntamiento de Pamplona, así como en el Monasterio de las Huelgas Reales de Valladolid, en la Iglesia de San Justo y Pastor de
Segovia y en el Monasterio de Leyre (Navarra).
La temporada 2014-2015 ha comenzado con la participación del grupo en la I Edición de la Ruta de los Órganos Históricos de Castilla - La
Mancha, organizada por la Consejería de Educación, Cultura y Deportes del Gobierno de Castilla-La Mancha, en la Parroquia de San Sebastián Mártir (Méntrida, Toledo), el 19 de octubre de 2014. El programa presenta obras para coro y órgano de Tomás Luis de Victoria (Ave María,
Super Flumina Babylonys, Salve Regina y Magnificat primi toni), William Byrd (Magnificat y Nunc dimittis) y Anton Bruckner (Tantum ergo, Tota
pulchra es, Afferentur regi y Ecce sacerdos). En este concierto el coro ha sido acompañado por el organista José Ignacio Gavilanes.
El 22 de noviembre de 2014 el grupo actuará en la Temporada 2014-2015 de Aeterna Musica, dentro de la Serie Barroca Aeterna, con un
programa monográfico dedicado a Tomás Luis de Victoria, compuesto por el motete y misa O Magnum Mysterium, los motetes Ne timeas,
Maria, Quam pulchri sunt, las antífonas a doble coro Ave Maria y Salve Regina y el salmo a doble coro Super flumina Babylonis.
ANTONIO PECES GÓMEZ
Nace en Talavera de la Reina, Toledo. Inicia sus estudios musicales como clarinetista con Máximo Muñoz y Vicente Peñarrocha en el Real
Conservatorio de Música de Madrid, a la vez que comienza a formar parte del coro Gaudeamus. Tras acabar la carrera de dicho instrumento
amplía sus estudios en el Conservatorio de Rotterdam, con Walter Boeyekens y, posteriormente, estudia con Vicente Alberola. Completa su
formación musical con Contrapunto y Fuga, segundo de Composición, grado medio de Piano y dirección y fenomenología de la música a
cargo de Konrad Von Abel. Estudia además técnica Alexander con Simon Fitzgibbon y técnica vocal con Alicia Barrenechea.
Ha colaborado con numerosas orquestas (Orquesta de Estudiantes de la Comunidad de Madrid, del Conservatorio de Rotterdam, Teatro Madrid, Abadía) y colabora en la actualidad con la Neue Philarmonie, de Múnich. Ha interpretado numerosos conciertos con grupos de música
de cámara, como el Trío de clarinetes Bouffil, el Trío con viola y piano Euterpe o el Quinteto de viento Fundación.
Como profesor de clarinete viene desarrollando su labor docente en distintos conservatorios de la Comunidad de Madrid: Conservatorio de
Ferraz, Conservatorio de Arganda del Rey o Escuela de Música de San Lorenzo de El Escorial.
Como director ha trabajado con la Orquesta del Conservatorio de Arganda del Rey y con el Coro Capilla Renacentista, de Madrid, entre otros
coros. En la actualidad dirige el Coro Gaudeamus de Madrid, desde noviembre de 2012, y la Schola Polifónica de Madrid, desde 2013.
Es director fundador del Coro Tomás Luis de Victoria de Brunete, al que ha dirigido a lo largo de toda su andadura.
TEXTOS
Officium Hebdomadae Sanctae (1585). Sabbato Sancto ad Matutinum, de Tomás Luis de Victoria (1548-1611)
Lectio prima. Heth. Misericordiae
Heth.
Heth.
Misericordiae Domini
quia non sumus consumpti:
quia non defecerunt miserationes eius.
Por la misericordia de Dios
no hemos sido consumidos,
no nos ha faltado su compasión.
Teth.
Teth.
Bonum est vivo, cum portaverit iugum
ab adolescentia sua.
Bueno es para el hombre cargar con el yugo desde joven.
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Ierusalem, Ierusalem,
convertere ad Dominum Deum tuum.
Jerusalén, Jerusalén,
vuélvete hacia el Señor tu Dios.
(Lm. 3, 22,27)
(Lm. 3, 22,27)
Lectio secunda. Aleph. Quomodo
Aleph.
Aleph.
Quomodo obscuratum est aureum,
mutatus est color optimus,
dispersi sunt lapides sanctuarii
in capite ominum platearum?
¡Cómo se ha oscurecido el oro
y ha cambiado su bellísimo color!
Tiradas están las piedras del santuario
por las esquinas de todas las calles.
Beth.
Beth.
Filii Sion inclyti,
et amicti auro primo:
quomodo reputati sunt in vasa testea,
opus manuum figuli?
Las nobles hijos de Sión,
vestidos de oro fino,
¡cuentan como vasijas de barro,
obra de manos de alfarero!
Ierusalem, Ierusalem,
convertere ad Dominum Deum tuum.
Jerusalén, Jerusalén,
vuélvete hacia el Señor tu Dios.
(Lm. 4, 1-2)
(Lm. 4, 1-2)
Lectio tertia. Incipit Oratio
Incipit Oratio
Hieremiae Prophetae
Comienzo de la oración
del profeta Jeremías
Recordare Domine
qui acciderit nobis:
intuere, et respice opprobium nostrum.
Haereditas nostra versa est ad alienos:
domus nostrae ad extraneos.
Pupilli facti sumus absque patre,
matres nostrae quasi viduae.
Aquam nostram pecunia bibimus:
ligna nostra pretio comparavimus.
Cervibus nostri minabamur,
lassis non dabatur requies.
Recuerda, Señor,
lo que nos ha ocurrido:
mira y fíjate en nuestro oprobio.
Nuestra heredad ha pasado a extranjeros,
nuestras casas a extraños.
Huérfanos hemos quedado, sin padre,
nuestras madres como viudas.
Tenemos que comprar el agua que bebemos,
y pagar la leña que nos llevamos.
Nos llevan del cuello,
y no nos dan descanso.
Ierusalem, Ierusalem,
convertere ad Dominum Deum tuum.
Jerusalén, Jerusalén,
vuélvete hacia el Señor tu Dios.
(Lm. 5, 1-5)
(Lm. 5, 1-5)
Responsorios
Recessit Pastor Noster
Recessit pastor noster, fons aquae vivae,
ad cuius transitum sol obscuratus est:
Nam et ille captus est, qui captivum tenebat primum hominem:
hodie portas mortis et seras pariter Salvator noster disrupit.
Destruxit quidem claustra inferni,
et subvertit potentias diaboli.
Nam et ille captus est, qui captivum tenebat primum hominem:
hodie portas mortis et seras pariter Salvator noster disrupit.
Se ha alejado nuestro pastor, fuente de agua viva,
a cuyo tránsito se oscureció es sol.
Y ahora está cautivo quien cautivo tuvo al primer hombre:
hoy ha roto nuestro Salvador a la vez las puertas y cerrojos de
la muerte.
Ciertamente ha destruido las cadenas del infierno y ha aniquilado el poder del demonio.
Y ahora está cautivo quien cautivo tuvo al primer hombre:
hoy ha roto nuestro Salvador a la vez las puertas y cerrojos de
la muerte.
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Arte Sacro 2015
O Vos Omnes
O vos omnes, qui transitis per viam,
attendite, et videte
Si est dolor similis sicut dolor meus.
Oh, vosotros todos, los que pasáis por el camino, prestad
atención y ved
si existe dolor semejante al mío.
Atended, pueblos del universo, y ved mi dolor.
Si existe dolor semejante al mío.
Attendite universi populi, et videte dolorem meum
Si est dolor similis sicut dolor meus.
(Lm. 1, 12)
(Lm. 1, 12)
Ecce Quomodo Moritur
Ecce quomodo moritur iustus, et nemo percipit corde:
et viri iusti tolluntur, et nemo considerat:
He aquí cómo muere el justo, y nadie se da cuenta.
Los hombres justos son apartados,
y nadie lo tiene en consideración:
apartado ha sido el justo de la faz de la iniquidad.
a facie iniquitatis sublatus est iustus:
Et erit in pace memoria eius.
Tamquam agnus coram tondente se obmutuit,
et non aperuit os suum:
de angustia, et de iudicio sublatus est.
Et erit in pace memoria eius.
Ecce quomodo moritur iustus, et nemo percipit corde:
et viri iusti tolluntur, et nemo considerat:
Y en paz perdurará su recuerdo.
Como el cordero ante el esquilador,
enmudeció y no abrió la boca:
del apremio y del juicio fue apartado.
Et erit in pace memoria eius.
Y en paz perdurará su recuerdo.
He aquí cómo muere el justo, y nadie se da cuenta.
Los hombres justos son apartados,
y nadie lo tiene en consideración:
apartado ha sido el justo de la faz de la iniquidad.
Y en paz perdurará su recuerdo.
(Is. 57, 1; 53, 7)
(Is. 57, 1; 53, 7)
a facie iniquitatis sublatus est iustus:
Astiterunt Reges
Astiterunt reges terrae, et principes convenerunt in unum,
adversus Dominum, et adversus Christum eius.
Se alzaron los reyes de la tierra y se aliaron con los príncipes
contra el Señor y contra su Cristo.
Quare fremuerunt gentes, et populi meditati sunt inania?
Adversus Dominum, et adversus Christum eius.
¿Por qué se indignan las naciones y los pueblos preparan vanos
proyectos?
Contra el Señor y contra su Cristo.
(Ps. 2, 1-2)
(Salmos 2, 1-2)
Aestimatus Sum
Aestimatus sum cum descendentibus in lacum:
Factus sum sicut homo sine adiutorio,
inter mortuos liber.
Posuerunt me in lacu inferiori,
in tenebrosis, et in umbra mortis.
Factus sum sicut homo sine adiutorio,
inter mortuos liber.
He sido contado entre los que descienden a la tumba.
Me he convertido en un hombre desvalido,
relegado entre los muertos.
Me pusieron en una tumba profunda,
en gran oscuridad y a la sombra de los muertos.
Me he convertido en un hombre desvalido,
relegado entre los muertos.
Sepulto Domino
Sepulto Domino, signatum est monumentum, volventes lapidem ad ostium monumenti:
Ponentes milites, qui custodirent illum.
Accedentes principes sacerdotum ad Pilatum, petierunt illum.
Ponentes milites, qui custodirent illum.
Sepulto Domino, signatum est monumentum, volventes lapidem ad ostium monumenti:
Ponentes milites, qui custodirent illum.
Una vez sepultado el Señor, el sepulcro fue sellado con una
piedra que hicieron rodar ante la entrada del sepulcro.
Y pusieron soldados para custodiarle.
Los príncipes de los sacerdotes acudieron a Pilato y lo pidieron.
Y pusieron soldados para custodiarle.
Una vez sepultado el Señor, el sepulcro fue sellado con una
piedra que hicieron rodar ante la entrada del sepulcro.
Y pusieron soldados para custodiarle.
(Matth. 27, 62-66)
(Mateo 27, 62-66)
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Vexilla Regis
Himno
Vexilla regis prodeunt:
fulget Crucis mysterium,
quo carne carnis conditor,
suspensus est patibulo.
Las banderas del Rey avanzan:
resplandece el misterio de la Cruz,
donde la carne del creador,
fue suspendida en el patíbulo.
Quo vulneratus insuper
mucrone diro lanceae,
ut nos lavaret crimine,
manavit unda sanguine.
La cual herida además
por la punta terrible de la lanza,
para lavarnos de los crímenes,
manó sangre y agua.
Impleta sunt quae concinit,
David fideli carmine;
Dicens: In nationibus
regnavit a ligno Deus.
Cumpliéronse entonces
los fieles oráculos de David,
cuando dijo a las naciones:
“Reinará Dios desde el madero”.
Arbor decora et fulgida
ornata regis purpura,
electa digno stipite,
tam sancta membra tangere.
Oh árbol bello y refulgente
hermoseado con la púrpura del Rey,
escogido del más digno tronco,
para tocar tan santos miembros.
Beata,cujus brachiis
saecli pependit pretium;
statera facta corporis
praedamque tulit tartari.
Dichoso tú,de cuyos brazos,
estuvo pendiente el rescate del mundo;
hecho balanza de su propio cuerpo
y arrebató la presa al infierno.
O Crux,ave, spes unica,
Hoc Passionis tempore:
Auge piis justitiam,
reisque dona veniam.
Salve, oh Cruz, esperanza única,
en este tiempo de pasión:
aumenta a los justos la gracia
y a los pecadores borra el pecado.
Te summa Deus Trinitas,
collaudet omnis spiritus;
quos per Crucis mysterium
salvas, rege per saecula.
Amen.
¡Oh Trinidad, fuente de salvación!,
que todo espíritu te alabe;
que por el misterio de la Cruz
nos salvas del mal por siempre.
Amén.
(Venantius Fortunatus, s. VI)
(Venantius Fortunatus, s. VI
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Helena Gallardo / TRÍO CLÁSICO
MÚSICA
CONCIERTO MÚSICA SACRA
INTÉRPRETES
Helena Gallardo, soprano. Trío Clásico: Javier Arcos Salvador, violín. Bistra Cristoba, violoncello. Carlos Díez Martín,
piano.
PROGRAMA
Antonio Vivaldi
(1678-1741)
Carl Maria von Weber
(1786-1826)
Teatros, fechas y
horarios
Gloria “Dómine Deus”
Pie Jesus
Adolphe Adam
(1803-1856)
Cántico de Noel
Cesar Franck
(1822-1890)
Panis angelicus
Arcangelo Corelli
(1653-1713)
Franz Schubert
(1797-1828)
Hoyo de Manzanares.
Teatro Municipal Las Cigüeñas.
7 de marzo. 20:00 horas.
Entrada: 5 €.
Paracuellos de Jarama.
Teatro Centro Cultural.
21 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
1º y 2º movimientos de la Sonata da chiesa, Op. 1, nº 1
Ave María
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Franz Joseph Haydn
(1732-1809)
Aria de Gabriel, del Oratorio La Creación
Giuseppe Verdi
(1813-1901)
La vergine degli angeli
Manuel Penella
(1880-1939)
Bendita Cruz
Wolfgang Amadeus Mozart
(1756-1791)
Charles Gounod
(1818-1893)
Wolfgang Amadeus Mozart
(1756-1791)
Sonata da chiesa, K 67
Ave María
Sonata da chiesa, K 268
Exsultate, jubilate
NOTAS AL PROGRAMA
Este programa de música sacra supone un recorrido a través de las distintas épocas y estilos, desde el Barroco de Vivaldi al Bel Canto evolucionado de Verdi, además de la riqueza de lenguas e idiomas que aporta, tales como el latín, alemán, italiano y español. Incluye las piezas
más famosas para que resulte ameno y estimulante y otras que, sin ser tan conocidas, consiguen introducir al espectador en la magia de
este hermoso género
HELENA GALLARDO
Esta soprano madrileña, cursó estudios musicales y de piano en el Conservatorio Profesional de Getafe (Madrid). Diplomada en piano por la
catedrática Almudena Cano y en dirección coral por la Universidad Carlos III y Vox Áurea. Estudia en la Escuela Superior de Canto de Madrid
con Teresa Tourné y Rogelio Gavilanes. Perfecciona repertorio con: Borja Mariño, Enza Ferrari, Carlos Aragón, CelsaTamayo, M. Burgueras
y Mónica Celegón.
Ha recibido clases magistrales de Jaume Aragall, Pedro Lavirgen, Marco Evangelista, Ramón Calzadilla, Harold Gramatges, Ana María González, Peter Harrison, etc.
Ha sido Primer Premio en el Concurso Internacional de Canto Pedro Lavirgen 2002, Teatro Maestranza y Plácido Domingo. Primer Premio
Internacional 2001 Ciudad de Logroño. Mejor Soprano 2001, por la COPE, Cadena 100, y el Excelentísimo Ayuntamiento de Baracaldo por si
interpretación en La Traviata. Profesor Plácido Domingo (A. O. de Madrid). Semifinalista en Operalia 2003.
Dada su extensión (de Sol2 a Sol5), color lírico, expresión dramática y capacidad para la coloratura, afronta numerosos roles principales: La
Traviata, Rigoletto, Don Giovanni (Donna Anna), Un ballo in maschera (Oscar), Werther (Sophie), Il barbiere di Siviglia, Norma, Carmen (Micaela), L’elisir d’amore, Roberto Deveraux (Elizabeth), Don Pasquale, Lucia di Lammermoor, La zorrita astuta, L’incoronazione di Poppea, La
Bohème (Mimi y Musetta), Die Zauberflüte (Königin der Nacht), así como el espectáculo A te Bellini…, compuesto con arias, dúos, tercetos
y cuartetos de dicho autor.
En zarzuela ha cantado las siguientes en los festivales más importantes: Don Gil de Alcalá, Marina, Doña Francisquita, Bohemios, El barberillo
de Lavapiés, El huésped del Sevillano, María la O, Katiuska, El caserío, El barbero de Sevilla, La Dogaresa, Luisa Fernanda, La tabernera del
puerto, La verbena de la Paloma, La del manojo de rosas, Los gavilanes, El Dúo de La Africana, La Dolorosa, Agua, azucarillos y aguardiente,
La pícara molinera, La canción del olvido, La rosa del azafrán, música clásica y La Gran Antología de La Zarzuela.
JAVIER ARCOS SALVADOR
Natural de Madrid, estudia en la Escuela de Música Manuel Rodríguez Sales, de Leganés, con F. Sohrabi, obteniendo el Título Profesional de
Violín. Posteriormente cursa estudios superiores con M. Villuendas (Concertino de la Orquesta Sinfónica de Madrid). Finaliza sus estudios en
el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, obteniendo el Título de Profesor Superior de Violín. Asimismo obtiene, en dicho Conservatorio, el Título de Profesor Superior en Música de Cámara. Posteriormente, cursa estudios de viola en el Conservatorio de Arganda del
Rey, donde obtiene el Título Profesional de Viola con Chang Chu Ma, para finalizar sus estudios superiores en el Real Conservatorio Superior
de Música de Madrid, obteniendo el Título de Profesor Superior de Viola con L. Llácer y J. Puchades.
Ha trabajado en la Orquesta Sinfónica de Madrid, desarrollando su trabajo principalmente en la Temporada de Ópera del Teatro Real y Auditorio Nacional de Música de Madrid. Trabajando con Cantantes y Directores de la talla de Plácido Domingo, Mirella Freni, Edita Gruberova,
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M. Rostropovitch, R. Frübeck de Burgos, L. A. García Navarro, A. Ros Marbà, M. A. Gómez Martínez, K. Weise, C. Halffter y A. García Abril.
Participando en el estreno mundial de la ópera Don Quijote, de C. Halffter. Asimismo, ha sido miembro de la Compañía Lírica Española, interpretando el amplio repertorio de zarzuelas por toda la geografía española durante 9 años. También ha formado parte, como violista, de la
Orquesta Sinfónica JMJ. Ha ofrecido conciertos con dichas orquestas en lugares como: Palau de la Música de Valencia, Auditorio de Cuenca,
Barcelona, Praga, Noruega y Roma (Vaticano, en una Audiencia con S. S. Benedicto XVI) .
Como solista ha ofrecido recitales de violín y piano en el Centro Cultural de la Villa de Madrid y en el Centro Asturiano. Ha interpretado en
varias ocasiones el Concierto para dos violines y orquesta y el Aria de la Pasión según San Mateo de J. S. Bach, en el Auditorio de Cuenca,
Ciudad Real, Leganés y en la Iglesia de San Jerónimo el Real de Madrid.
BISTRA CRISTOBA
Educación.- 2005/06: CAP U Complutense Madrid. Educación y sistema educativo, psicología del aprendizaje y desarrollo, innovación e investigación educativa (250 h.). 1988/90: Alumna de doctorado UA Madrid. Antropología y Sociología (200 h.). 1987/89: Postgrado: La música
contemporánea y la técnica violoncellistica. 1982/87: Universidad de Artes Musicales, de Sofía. 1983: Curso de violoncello con el maestro Ko
Ivasaki (Tour Francia). 1977/82: Bachillerato. Liceo L. Pipkov, de Sofía
Experiencia profesional.- 1986/89: Orquesta de Cámara de Sofía (Banki). 1986/90: Orquesta de Cámara Sofía Solist. Orquesta Sinfónica de
BNA Sofía. 1993/95: Violoncellista titular en “Los Miserables”. 1993/94: Antología de la Zarzuela, de José Tamayo. 1994/96: Profesora de
Conservatorio (estudios oficiales, plan 66). 1994/02: Profesora de violoncello. Escuelas Municipales de Música de Madrid. 2001: Miembro del
grupo Finis Terae. Desde 1997: Violoncello solista en la compañía Musiarte. 2002/05: Compañía de Sara Baras en el espectáculo “Mariana
Pineda”. 2005/07: Compañía Lírica Antonio Amengual. 2005/10: Quinteto Miriam Méndez en los programas “Bach por flamenco” y ”Mozart
por flamenco”. 2010/11: Instituto Nuestra Señora de la Almudena. 2011: Compañía Fran Vilches, en el montaje “Temple Flamenco”. 2010/12:
Profesora de actividades extra-escolares (composición y piano). Espectáculo “Mariana Pineda”. 2010: En Shanhgái representando a España
en el espectáculo flamenco electrónico, con cello eléctrico Yamaha CVC2011, “Sueños de Bollywood”. Desde 2008: Profesora de violoncello
en Humanes. También formando parte del cuarteto Mar Negro, de “Mundo Lírico”. 2014: solista invitada en el espectáculo “Indrópida”.
Premios.- 1986: Primer Premio en el Concurso Diana de Oro en la especialidad de música de cámara. 1982: 4º Premio en el Concurso de
Música de Cámara de Belgrado (Serbia). 1981: Primer Premio colectivo con la Orquesta de Cámara de Sofía, en Polonia, y Primer Premio
colectivo con la Orquesta de Cámara de Sofía, en Holanda.
Otras actividades.- Participación en numerosos Festivales Internacionales, como: Florencia, Gorizia y Milán (Italia); París y Tour (Francia);
Kerkrade (Holanda); Cracovia (Polonia); Murcia (España); Bogotá (Colombia); Santiago de Chile (Chile); Caracas (Venezuela); El Cervantino
(México); Nueva York y Boston (Estados Unidos). Representa a España en la Expo de Shanghái 2010 con el cuarteto “Miriam Méndez”
Discografía.- Al son de los poetas (Finis Terráe), La mulata rusa (Finis Terráe), Mariana Pineda (Sara Baras), Bach por flamenco (Miriam Méndez), Mozart por flamenco (Miriam Méndez).
Participación permanente en conciertos, como: Ciclos “El barroco en tu alcance” y ”Desde la música antigua”.
Como solista de la Orquesta de Pamplona estrena Sensaciones, de Marisa Osaita, en Bilbao.
Es miembro de la Asociación Mujeres en la Música.
CARLOS DÍEZ MARTÍN
Inició sus estudios musicales en el Conservatorio Profesional de Música de Getafe, a los 6 años de edad, con la profesora Áurea Pina, y finalizó sus estudios superiores en el Real Conservatorio de Música de Madrid, con la profesora Almudena Cano. en la especialidad de Piano.
y Acompañamiento Vocal, con Juan Antonio Álvarez Parejo, y los de Dirección de Orquesta, bajo la supervisión de Antonia Moya Tudela,
continuando sus estudios en países como España, Italia, Alemania, Ucrania, Rumanía, Bulgaria, República Checa y E.E.U.U.
Como pianista ha ofrecido multitud de recitales en salas de la Comunidad de Madrid, así como en el Teatro del Liceo de Salamanca, Toledo,
Castellón, Ciudad Real, Córdoba, Zamora, Palencia, Guadalajara, Santander, Soria, Lyon (Francia), Lisboa (Portugal), etc., acompañando
solistas, coros y ballets, y ha dirigido, entre otras, las orquestas The North Czech Philharmonic Orchestra (Teplice), American Symphony
Orchestra (New York), Bucharest National Orchestra Radio y Camerate Regale (Bucharest), Sofia Festival Orchestra (Bulgaria), Philarmonic
Orchestra of Ukraine and Kiev Chamber Orchestra (Ucrania)
Actualmente es el fundador y director titular de la Orquesta Sinfónica Ciudad de Getafe, director de la Coral Polifónica de Getafe, compaginando su actividad concertística con su actividad docente en la Escuela Municipal de Música Maestro Gombau y como Coordinador de
Actividades musicales y responsable de la programación musical de la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Getafe.
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Cuarteto Femenino Arsys / Ligia Gutiérrez
MÚSICA
EL CÓDICE DE LAS HUELGAS
CANTOS FEMENINOS DEL SIGLO XIV
INTÉRPRETES
Cuarteto Femenino Arsys: Ligia Gutiérrez, Isabel Rivero, sopranos. Rosa Ramón, Adriana Mayer, altos. Ligia Gutiérrez,
directora.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Un recorrido por la Castilla monacal del siglo XIV 1
1
Prosa de Santa María La Real. Eterni numinis
Prosa. Novis cedunt vetera
Conductus. Ave Maria
Gradual. Benedicta es tu
Alleluia. Virga iesse
Benedicamus. Virgini Maria
Agnus Dei. Crimina tollis
Ofertorium. O, Maria de
Conductus. Casta catholica
Prosa. Virgo sidus
Motete. Ex ilustri
Alleluia. Que est ista
Gradual. Omnes de Saba
Motete. Catholicorum concio
Prosa. Maria Virgo
Motete. Belial vocatur
Paracuellos de Jarama.
Iglesia Parroquial San Vicente
Mártir.
7 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Alalpardo.
Iglesia Parroquial de San
Cristóbal.
22 de marzo. 19:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Fuente: Monasterio de las Huelgas (Burgos, siglo XIV)
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NOTAS AL PROGRAMA
El Códice de Las Huelgas, conservado en el monasterio burgalés cisterciense del mismo nombre, fue copiado a principios del siglo XIV.
Higinio Anglés, uno de los primeros musicólogos que abordó su estudio sistemático y transcripción, llegó a la conclusión de que había sido
escrito para el servicio litúrgico en dicho monasterio. Al respecto, es necesario aclarar que los monjes cistercienses se habían distinguido por
el rigor con que llevaron a la práctica el principio de austeridad en los cantos del oficio divino, cuyas melodías incluso se modificaron para aumentar su severidad, en un proceso paralelo que es perceptible en la ar¬quitectura de sus iglesias y monasterios. Sin embargo, Las Huelgas
es un monasterio femenino, distinguido por muchos privilegios reales, y desde su origen estuvo destinado a convertirse en panteón de los
reyes de Castilla. Por otra parte, al escribirse el códice polifónico han transcurrido ya casi dos siglos desde los comienzos de la observancia
cisterciense mientras que la abadesa había conseguido ciertas prerrogativas eclesiásticas de exención de los prelados; asimismo, la relación
del monasterio con la corte era muy estrecha, no sólo por la frecuente es¬tancia de los reyes en él, sino porque muchas de las monjas eran
de familia noble y en él se al-bergaban también doncellas de alta alcurnia que no llegaban a hacer profesión monástica. Así, sabemos que en
1257 el monasterio estaba integrado por 100 monjas, 40 conversas y otras tan¬tas doncellas nobles. En los actos litúrgicos más solemnes
podía participar incluso una capilla.
El Códice de Las Huelgas es un documento de primera categoría para conocer la práctica del canto polifónico en España, y especialmente en
Castilla. Su notación lo sitúa entre los más importantes manuscritos de la época conservados en Montpellier, Bamberg y Turín. Su contenido
varía algún tanto de otros de la misma época, y hace de él uno de los más ricos. Posee, en efecto, un conjunto de organa tanto del Proprium
como del Ordinarium de la misa, prosas, secuencias, motetes, conducii, y una serie de plantos y cantos monódicos de diversa índole. A ellos
hay que añadir un Credo perteneciente al estilo del ars nova. En resumidas cuentas, el Códice de Las Huelgas es un libro de cantos votivos,
como tantos Troparios y Prosarios, para días más solemnes, o para ocasiones especiales. Todas las piezas, salvo quizá los tropos de Benedicamus domino, que en ciertas ocasiones también podían cantarse al final de la misa o de la hora canónica que precedía a la misa, pertenecen
a cantos del Gradual, y no del Antifonario, esto es, debían interpretarse en la Misa y no en el Oficio divino. Este, al seguir el rito monástico,
probablemente debía acomodarse a la observancia cisterciense, la cual, como hemos dicho, había reformado severamente los cantos.
Aunque algunas piezas del Códice de Las Huelgas se encuentran también en otros manuscritos, muchas son propias. Existe el organum
según el estilo más primitivo de la Escuela de Notre Dame con las notas del tenor prolongadas pero las piezas de este tipo no son abundantes, siendo más frecuentes aquellas en las que la voz principal y la organal realizan un dibujo contrapuntístico, como en los únicos casos de
organa de Gradual que tenemos en el Códice, Omnes de Saba, que no tiene paralelos en otros códices, y Propter veritatem. Fuera de estas
limitadas piezas de organum, el resto lo constituyen conducti y motetes. Los conducti son numerosos. En el Códice aparecen con diversos
nombres, Conductus, Prosa, Benedicamus, etc. Poseen todos la forma anteriormente definida de conductus, puesto que la voz principal es
invariablemente un tropo. Pero la voz organal se desarrolla en dos estilos diferentes, como un organum tradicional, con una melodía muy
larga para cada nota de la voz principal, produciéndose la forma intermedia antes señalada, o como un conductus sencillo de carácter más o
menos silábico. El Códice contiene una buena colección de motetes: buena parte de ellos están también representados en otros manuscritos
como Montpellier, Wolfenbüttel, y Florencia, pero otros son específicos del de las Huelgas. Unos y otros pertenecen a la última etapa del ars
antiqua y su técnica polifónica no posee aspectos relevantes respecto a la de las obras contenidas en otros códices.
PAULINO CAPDEPÓN VERDÚ
CUARTETO FEMENINO ARSYS
El grupo profesional Arsys, dirigido por Ligia Gutiérrez Vargas, está formado por cuatro voces perfectamente adecuadas para interpretar tanto
música antigua como canción de hondas raíces populares, gracias a la versatilidad de sus voces.
Su vocación es la ejecución en concierto de obras vocales de la historia de la música occidental, ya sea para formación a cappella o con
acompañamiento instrumental, si bien por su propia naturaleza el repertorio idóneo para esta formación musical es la interpretación de obras
escritas para dúos, tríos o cuarteto vocal. El período interpretativo abarca desde el siglo XIV hasta nuestros días.
A nivel individual cada una de las cuatro profesionales que componen el cuarteto ha recorrido los continentes europeo, americano, tanto del
Norte como del Sur y parte de Asia.
En este caso presentamos un concierto de polifonía medieval española del Códice de Las Huelgas, conservado en el Monasterio Cisterciense
de Santa María la Real de Las Huelgas.
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Camerata Castellana
MÚSICA
STABAT MATER DE VIVALDI
Y PERGOLESI
INTÉRPRETES
Camerata Castellana: Marisa González, soprano. Fátima Gálvez, mezzosoprano. Javier Arcos Salvador, Eduardo Carpintero,
Miguel Ángel García, violínes. Mabel Carpintero, viola. Ramón Romero, violoncello. Marina Santiago, clave.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
I.
Antonio Vivaldi
(1678-1741)
Stabat Mater
- Stabat mater dolorosa
- Cuius animam gementem
- O quam tristis et afflicta
- Quis est homo
- Quis non posset contristari
- Pro peccatis suae gentis
- Eja mater, fons amoris
- Fac, ut ardeat cor meum
- Amen
Getafe.
Iglesia Catedral de Santa María
Magdalena.
7 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Colmenar Viejo.
Basílica de la Asunción de
Nuestra Señora.
20 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Collado Villalba.
Iglesia Virgen del Camino.
27 de marzo. 20:15 horas.
Entrada libre hasta completar
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II.
Giovanni Battista Pergolesi
(1710-1736)
Stabat Mater
- Stabat mater dolorosa
- Cuius animan gementem
- O quam tristis et afflicta
- Quae moerebat et dolebat
- Qui est homo qui non fleret
- Vidit suum dulcem natum
- Eja, Mater fons amoris
- Fac, ut ardeat cor meun
- Sancta Mater, istud agas
- Fac, ut portem Christi moetem
- Inflammatus et accensus
- Quando corpus morietur
NOTAS AL PROGRAMA
El programa se compone de dos Stabat Mater, de Vivaldi y de Pergolesi. Stabat Mater dolorosa significa “Estaba la Madre sufriendo” y es el
comienzo de un Aleluya gregoriano, en el que se describe el sufrimiento de la Virgen María, Madre de Jesús.
Se han escrito más de 200 Stabat Mater en la historia de la música clásica, pero sin duda estos dos, el de Vivaldi, compuesto para una mezzosoprano solista, y el de Pergolesi, escrito para soprano y mezzosoprano solistas, son dos de los más destacados Stabat Mater. En ellos
los compositores describen con su música todo el dolor y el sufrimiento de una Madre viendo morir de una manera tan cruel a su Hijo, el Hijo
de Dios, Jesús.
Son obras profundas, llenas de sentimiento, intimidad, que nos llevan a un recogimiento propio de estas fechas y que nos acercan a ese
dolor universal de una madre por su hijo.
MARISA GONZÁLEZ
Natural de Santa Cruz de Tenerife. Titulada Superior de Canto por el Conservatorio de Música de Santa Cruz de Tenerife. Estudia en la Escuela de Ópera del Liceo de Barcelona y en la Academia Frederik Chopin, de Varsovia, con el barítono Jerzy Artysz. Ha realizado cursos
con prestigiosos cantantes y maestros, como Magda Olivero, Raina Kabaivanska, Ana María Sánchez, Elena Obratzova, Mtro. Benini, Mtro.
Armiliato, entre otros.
Su repertorio abarca todos los estilos líricos, lied, ópera, zarzuela, incluyendo el musical. Ha actuado en el Teatro Real de Madrid, Teatro
Calderón de Valladolid, Auditorios de Tenerife y Lanzarote y Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria.
FÁTIMA GÁLVEZ
Titulada Superior por la Escuela Superior de Canto de Madrid, ha cantado como solista en diversos conciertos de ópera, zarzuela, música
sacra y oratorio en numerosos auditorios de ciudades como Madrid, Zaragoza, Manchester, Valencia y Barcelona. En la actualidad compagina
su carrera como solista con su pertenencia al Coro Nacional de España
JAVIER ARCOS SALVADOR
Natural de Madrid, estudia en la Escuela de Música Manuel Rodríguez Sales, de Leganés, con F. Sohrabi, obteniendo el Título Profesional de
Violín. Posteriormente cursa estudios superiores con M. Villuendas (Concertino de la Orquesta Sinfónica de Madrid). Finaliza sus estudios en
el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, obteniendo el Título de Profesor Superior de Violín. Asimismo obtiene, en dicho Conservatorio, el Título de Profesor Superior en Música de Cámara. Posteriormente, cursa estudios de viola en el Conservatorio de Arganda del
Rey, donde obtiene el Título Profesional de Viola con Chang Chu Ma, para finalizar sus estudios superiores en el Real Conservatorio Superior
de Música de Madrid, obteniendo el Título de Profesor Superior de Viola con L. Llácer y J. Puchades.
Ha trabajado en la Orquesta Sinfónica de Madrid, desarrollando su trabajo principalmente en la Temporada de Ópera del Teatro Real y Auditorio Nacional de Música de Madrid. Trabajando con Cantantes y Directores de la talla de Plácido Domingo, Mirella Freni, Edita Gruberova,
M. Rostropovitch, R. Frübeck de Burgos, L. A. García Navarro, A. Ros Marbà, M. A. Gómez Martínez, K. Weise, C. Halffter y A. García Abril.
Participando en el estreno mundial de la ópera Don Quijote, de C. Halffter. Asimismo, ha sido miembro de la Compañía Lírica Española, interpretando el amplio repertorio de zarzuelas por toda la geografía española durante 9 años. También ha formado parte, como violista, de la
Orquesta Sinfónica JMJ. Ha ofrecido conciertos con dichas orquestas en lugares como: Palau de la Música de Valencia, Auditorio de Cuenca,
Barcelona, Praga, Noruega y Roma (Vaticano, en una Audiencia con S. S. Benedicto XVI) .
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Como solista ha ofrecido recitales de violín y piano en el Centro Cultural de la Villa de Madrid y en el Centro Asturiano. Ha interpretado en
varias ocasiones el Concierto para dos violines y orquesta y el Aria de la Pasión según San Mateo de J. S. Bach, en el Auditorio de Cuenca,
Ciudad Real, Leganés y en la Iglesia de San Jerónimo el Real de Madrid.
EDUARDO CARPINTERO
Titulado Superior de Violín, es colaborador habitual de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y de la Orquesta Sinfónica de RTVE. También
desarrolla una importante labor camerística con la agrupación que lidera, Camerata Checa, dando conciertos en abundantes salas de Madrid,
Manchester, Zaragoza y Barcelona, entre otras ciudades. Es profesor de violín y director de la Orquesta de Cuerda de la Escuela Municipal
de Fuenlabrada.
MIGUEL ÁNGEL GARCÍA
Licenciado en Violín y Música de Cámara por el Conservatorio Superior de Música de Aragón. Actualmente compagina su labor artística,
principalmente en orquestas, con la de docente. Los Compositores M. A. Casares, Gerardo Menéndez y Antonio Talavera le han dedicado
obras camerísticas.
MABEL CARPINTERO
Estudió violín con los profesores Olga Vilkomirskaia y Eduardo Carpintero. Terminó las carreras de Profesor Superior de Violín, Viola y Música
de Cámara con las mejores calificaciones. Colabora habitualmente con las mejores orquestas de Madrid, como son la Orquesta Nacional
de España (ONE), Orquesta Sinfónica de Radiotelevisión Española (OSRTVE), Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) y Orquesta de la Universidad Rey Juan Carlos. Funda la Camerata Checa, con la que realiza giras de conciertos por toda España. Es concertina
de la Orquesta de la Universidad Rey Juan Carlos. En la actualidad compagina sus conciertos con la labor pedagógica como profesora de
Conservatorio.
RAMÓN ROMERO
Comenzó sus estudios musicales de violoncello en Madrid con Pedro Corostola, trasladándose posteriormente a Málaga con Antonio Campos, luego a Madrid con Arturo Muruzábal y a Córdoba con Álvaro Campos. En dicho Conservatorio obtuvo el Título de Profesor de Violoncello en el año 1993. Desde el año 1984 es integrante de la Orquesta Sinfónica Provincial de Málaga, como tutti, y, desde el año 1990, como
solista. Cofundador del Cuarteto Picasso, de Málaga, y Presidente-fundador de La Camerata de Ópera de la Diputación Provincial de Málaga,
interpretando las óperas, de Mozart, La flauta mágica y Las bodas de Fígaro, en Málaga y Madrid, en versiones reducidas y semiescenificadas. Contratado por la Jugend Symphonic Orchester Dornbirn de Austria en giras por Suiza, Austria, Alemania y Hungría en los años 1992,
1993 y 1994, por la Orquesta de la Radio Televisión Rumana en el año 1994 y por la Joven Orquesta de Florida, en gira por España en el año
1995. Solista con la Orquesta de Jóvenes de Málaga, interpretando el Concierto en Do menor, de Vivaldi, Orquesta Sinfónica Provincial de
Málaga, interpretando el Concierto, de Daniel Van Goens. Profesor Numerario de Música de Cámara, desde el año 1993, en los Conservatorios de Granada, Linares (Jaén) y, desde 1996, en los Conservatorios Ángel Arias Maceín y Federico Moreno Torroba, de Madrid.
MARINA SANTIAGO
Nace en Madrid. Profesora Superior de Piano por el Conservatorio de Castellón y Licenciada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad Autónoma de Madrid.
Actualmente compagina la labor concertística con la dirección de la Escuela de Música y Danza de Cabanillas del Campo, la dirección del
Coro de Azuqueca de Henares, y la docencia, siendo profesora de piano de la Escuela Municipal de Música de Alovera y de Música en Institutos de Enseñanza Secundaria Obligatoria de la Comunidad de Madrid.
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Sociedad Lírica Complutense / Roberto pálmer
MÚSICA
MISA DE SANTA TERESA, DE JOHANN
MICHAEL HAYDN
INTÉRPRETES
Solistas, Coro y Orquesta de la Sociedad Lírica Complutense. Roberto pálmer GARCÍA, director.
PROGRAMA
Missa sub titulo Sanctae Theresiae, MH 796 (MIsa de Santa Teresa), de Johann Michael
Haydn (1737-1806) *
Kyrie
Gloria
1. Kyrie eleison (solistas y coro)
2. Gloria in excelsis Deo (solistas y coro)
3. Quoniam tu solus Sanctus (solistas y coro)
4. In gloria Dei Patris (coro)
Credo
Teatros, fechas y
horarios
Alcalá de Henares.
Catedral-Magistral de los Santos
Niños.
7 de marzo. 21:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Torrelodones. Teatro Bulevar.
28 de marzo. 20:00 horas.
Entrada: 6 €.
5. Credo in unum Deum (solistas y coro)
6. Et incarnatus est (soprano y coro)
7. Et resurrexit (solistas y coro)
Sanctus
8. Sanctus (coro)
9. Pleni sunt cæli (coro)
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Benedictus
Agnus Dei
Appendix
10. Benedictus (soprano y coro)
11. Agnus Dei (solistas y coro)
12. In Gloria Dei Patris (coro)
* Estreno en España.
NOTAS AL PROGRAMA
El mundo celebra en 2015 el V centenario del nacimiento de Teresa de Cepeda y Ahumada, religiosa, doctora de la Iglesia Católica, mística
y escritora.
La Sociedad Lírica Complutense se suma a dicha conmemoración con una aportación musical de inestimable valor: la Misa de Santa Teresa,
de Johann Michael Haydn, obra estrenada en Viena en agosto de 1801 y que fue un encargo de la emperatriz María Teresa, esposa del Kaiser
Francisco I de Austria.
Haydn escribió esta misa incluyendo más adelante en su estructura un gradual y un ofertorio, y culminándola con un Te Deum dividido en
cuatro movimientos. Al finalizar la composición de la misa, Haydn llevó a cabo varios ensayos públicos en Salzburgo y después se trasladó
a Viena para presentar personalmente la obra a la emperatriz. El estreno oficial tuvo lugar en la capilla del palacio de verano de Laxenburg,
el día 3 de agosto de 1801.
La versión que les ofrecemos es la original que, además de las partes del propio de la misa, incluye como fuga final el In Gloria Dei Patris,
compuesto por Haydn por expreso deseo de la emperatriz María Teresa.
SOCIEDAD LÍRICA COMPLUTENSE
La Sociedad Lírica Complutense tiene su sede en la histórica ciudad universitaria de Alcalá de Henares (la romana Complutum), ciudad que
viera nacer en 1547 a Miguel de Cervantes Saavedra y que, desde el año 1998, ostenta el título de Ciudad Patrimonio de la Humanidad,
otorgado por la UNESCO.
Desde su fundación, en octubre de 1988, el coro ha ofrecido casi 300 conciertos en los que ha interpretado obras de diferentes géneros
musicales: ópera, zarzuela, corales sinfónicas, música sacra, etc.
Entre los más importantes de los celebrados en estos últimos años cabe destacar los llevados a cabo fuera de nuestro país, concretamente
en las ciudades de Londres, Lisboa, París, Roma, Múnich, Venecia, Lovaina y Ciudad del Vaticano. En España, los ofrecidos en el Auditorio
Nacional de Música, Centro Cultural de la Villa, iglesias de San Jerónimo el Real y de San Ginés (Madrid), en la Basílica del Real Monasterio
de San Lorenzo de El Escorial, y en otras ciudades españolas como La Coruña, Bilbao, Zamora, Salamanca, Soria, Zaragoza, Toledo, Guadalajara, Sevilla, Barcelona y Santiago de Compostela.
Algunos de los programas presentados recientemente al público han sido El Mesías, de Haendel, los Réquiem, de Mozart y de Fauré, el Te
Deum, de Bizet, Clavileño, de Mario Gosálvez (estreno absoluto en 2005), la Misa de la Coronación, de W. A. Mozart, la ópera Orfeo y Euridice,
de Gluck, los monográficos Haendel Forever y Viva Vivaldi, el Te Deum y la Messe de Minuit Pour Nöel, de Charpentier, y la Misa solemne en
honor de Santa Cecilia, de Gounod, obteniendo siempre una favorable acogida por parte de crítica y público.
ROBERTO PÁLMER GARCÍA
Roberto Pálmer García, es director artístico de Ensemble Orquestal, desde 2005, y dirige regularmente conciertos en familia con la Filarmónica de Gran Canaria, desde 2012.
Ha dirigido la Orquesta Filarmónica de Málaga, la Slovenian Philharmonic en un nuevo ciclo de conciertos organizado por Juventudes Musicales de Ljubljana, Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Extremadura y Sinfónica de
Valencia, asistiendo al maestro John Nelson en el Palau de la Música. Con Difusión Ensemble Orquestal ha dirigido un amplio repertorio que
cuenta con la grabación del disco Arte al derecho con la música, elogiado por la crítica, así como retransmitido por Radio Clásica de RNE,
el Festival Veranos de la Villa (2007, 2008 y 2011), Inspiración Española, en el Teatro Diligentia de La Haya (Holanda), Festival Marqués de
Santillana 2012, Festival Arte Sacro 2014 y diversos conciertos, incluyendo estrenos de compositores españoles y apoyo a jóvenes solistas.
Semifinalista del concurso Emmerich Kálmán de Budapest y el prestigioso Donatella Flick de Londres, es seleccionado para las audiciones
a director asistente del Royal Ballet del Covent Garden. Invitado por el maestro David Zinman para participar en el 60 aniversario del Festival
Internacional de Aspen (Colorado) y requerido como “cover conductor” del maestro James Conlon; viajó de nuevo a EEUU (Virginia) para ser
director asistente del maestro Richard Rosenberg en el National Music Festival.
Roberto Pálmer debutó internacionalmente en el Cankarjev Dom de Ljubljana, dirigiendo a la mítica Slovenian Philharmonic Orchestra. Tras
estos conciertos, fue invitado para dirigir de nuevo la orquesta en la gala ofrecida junto a los solistas ganadores del concurso Temsig y re-
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querido para trabajar como director musical asistente, acompañando a la orquesta en todas sus giras y conciertos: Festival Bruckner, en Linz
(Austria), Europas Musik, en Ludwigshafen (Alemania) y Stephanie Saal, en Graz (Austria), con la Ljubljana Academy Orchestra. Al mismo
tiempo fue seleccionado como integrante de la bolsa de jóvenes directores de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE).
Se formó como director de orquesta con Imre Kollar (Hungría) y George Pehlivanian (Eslovenia). También fue aconsejado por Walter Weller en
Bélgica, Leonard Slatkin en EEUU, Adrian Leaper en España y John Nelson en Francia.
Gracias a diversos festivales, concursos y como director asistente Roberto ha trabajado varios títulos del repertorio operístico: Haendel (Giulio
Cesare), Mozart (Don Giovanni, La flauta mágica y Cossi fan tutte), Rossini (El barbero de Sevilla), Donizzeti (Elixir de Amor), Puccini (La Bohème y Tosca), Bizet (Carmen), Wagner (Sigfrido), Britten (Curlew River y The Rape of Lucretia)… Siendo aconsejado por George Manahan (New
York Opera), Nicholas Kraemer (Manchester Camerata) y James Conlon (La Opera). Y como director de ballet ha colaborado en novedosos
proyectos pedagógicos con música de Tchaikovsky, Saint-Saëns y Mussorgsky en Ljubljana y recientemente un nuevo espectáculo con la
OFGC y los bailarines profesionales con síndrome de Down de Lisarco Danza.
Normalmente actúa con jóvenes solistas de prestigio internacional: Hermanos Del Valle, J. Obregón, M. Bohinec, K. Meljnikov, V. Arriola, R.
Dominguez, F.J. Segovia, L. Nicole Russell, M. Vasil, G. Hutas, N. Mokareva, L. Chilaia, S. Teslia, F. Nemirovsky, M. Petrov, S. Alba Page, B.
Bordás, G. Boncsér, V. Nádasi, O. Csengeri, K. Janza…
Muy involucrado en la difusión de la música de nuestro tiempo, Pálmer estrenó Shimmer, de Andrew Nishikawa (EEUU) y dirige regularmente
las obras de los compositores españoles actuales más relevantes como: J. L. Turina, T. Marco, J. Fernández Guerra, J. Zárate, E. Alonso…
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Felipe López
MÚSICA
TODO BACH
INTÉRPRETE
Felipe López, órgano.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
I.
Johann Sebastian
Bach
(1685-1750)
Toccata y fuga en Re menor “Die Dorische”, BWV 538
Partite divese sopra: Sei gegrüsset Jesu gütig, BWV 768
Colmenar de Oreja.
Iglesia Parroquial de Santa
María la Mayor.
8 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
- Choral “Sei gegrüset Jesu gütig”: a cuatro voces, órgano pleno
- Variatio 1: a dos teclados
- Variatio 2: manual
- Variatio 3: manual
- Variatio 4: manual
- Variatio 5: a dos teclados y pedal
- Variatio 6: con pedal
- Variatio 7: a dos teclados y pedal
- Variatio 8: a dos teclados y pedal
- Variatio 9: a 5 voces, órgano pleno
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II.
Olivier Messiaen
(1908-1992)
L’Ascension. Cuatro meditaciones sinfónicas para gran órgano
- Majesté du Christ demandant sa gloire à son Pére
- Alleluias sereins d’une âme qui désire le ciel
- Transports de joie d’une âme devant la gloire du Christ qui est la sienne
- Prière du Christ montant vers son Père
NOTAS AL PROGRAMA
Un recital de música de órgano siempre es una experiencia que invita directamente a la introspección más que el de cualquier otro tipo de
instrumento. La razón en la que se fundamenta esta afirmación es que el sonido del órgano envuelve al oyente y sobrecoge, en muchas
ocasiones, por un tipo de expresividad que aparentemente puede parecer fría y distante, pero que alcanza a transmitir sensaciones de trascendencia como ningún otro medio de expresión musical.
La obra para órgano de Johann Sebastian Bach está cargada de un fuerte componente de religiosidad que se basa fundamentalmente en el
empleo de un lenguaje basado en simbologías y fundamentos teológicos que eran compartidos y conocidos por sus contemporáneos. Por
otra parte, Bach utiliza a menudo cantidad de esquemas constructivos o giros intervalo-melódicos con un claro significado teológico.
La Tocata y fuga en modo dórico o “Dórica” que abre el recital de hoy es una pieza escrita en la tonalidad de re menor en la que la clave
aparece sin armar, como una reminiscencia del empleo de la modalidad antigua: el modo dórico de los griegos correspondiente al Protus
gregoriano. Es obra de juventud en la que Bach expone esquemas armónicos y efectos expresivos que luego empleará en las oberturas de
las grandes Pasiones.
La Tocata presenta una típica forma al estilo de las obras de los compositores del norte de Alemania, donde cobra especial importancia el
discurso paralelo tanto de los manuales como del pedal en semicorcheas, y donde los cambios de teclado en diálogo están indicados por
el propio autor.
La Fuga es una extensa pieza en la que todavía aparece un estilo arcaico de componer. Bach hábilmente instala un segundo sujeto de carácter lírico que permite, al mismo tiempo, ganar en expresividad y alejarse del esquema más tradicional de otras fugas académicas.
La Partita en Sol menor “Sei gegrüsset, Jesu gütig“ (“Saludado seas, buen Jesús”) se adapta perfectamente a esa forma que Bach tenía de
componer sobre melodías de coral que eran conocidas por sus contemporáneos. Se trata de una extensa obra compuesta por una serie de
11 variaciones sobre el coral de ese mismo nombre. Bach demuestra un absoluto dominio del arte de la variación por el tratamiento, tanto armónico como contrapuntístico, que consiguen una profundidad expresiva pocas veces alcanzada. A lo largo de las 11 variaciones el tema del
coral se trata en forma de dúo, se ornamenta, se parafrasea, se trata en forma de trío, de todas las formas que el lenguaje del órgano permite.
De comienzo a fin, la obra está en la tonalidad de Sol menor y, en ningún momento el oyente siente necesidad alguna de cambio. Se trata
de la obra de mayor duración -21 minutos- que Bach compuso para órgano, después de la conocida como Orgelmesse o “Misa luterana”.
Olivier Messiaen revoluciona, en cierta medida, y crea un lenguaje nuevo para el órgano. La transcripción para el que fue su instrumento de
L’Ascension, originalmente escrita para gran orquesta sinfónica, supone el afianzamiento de esa nueva forma de expresar y crear sonoridades
de su autor. Messiaen nos propone rotundamente una experiencia: La contemplación del misterio de la Ascensión al cielo de Cristo, junto al
Padre, según la evocación sonora que expresa en su lenguaje, y con su particular visión poética y profundidad teológica extraída de los textos
del evangelio que preceden a cada una de las cuatro meditaciones sinfónicas:
- Majestad de Cristo pidiendo la gloria a su Padre
- Aleluyas serenas de un alma que anhela el cielo
- Transportes de júbilo de un alma ante la gloria de Cristo, que es la suya
- Plegaria de Cristo frente a su Padre
NOTAS AL PROGRAMA DE MARIANO SANTAMARÍA
FELIPE LÓPEZ
Organista titular de la Real Iglesia de San Ginés y del gran órgano Merklin del Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro, desde 1995.
Es asesor técnico para el Plan de Recuperación de Órganos Históricos de la Comunidad de Madrid, desde 1998.
A lo largo de su carrera como intérprete, ha participado en diversos foros musicales como los del Instituto Cervantes de Roma, Musikverein
Stuttgart-Zuffenhausen (Alemania), Ciclo de Órganos de Valladolid, Festival de Otoño, Festival de Santander y Festival de Arte Sacro de Madrid; International Festival of Contemporain Music Varsovia, Conciertos para Jóvenes de la Fundación Juan March, así como en numerosos
ciclos organizados por Radio Clásica, entre ellos, en el IV Ciclo de Música Española para Órgano, y Música para Órgano del siglo XX (1999).
En 1984 obtiene el Premio Nacional del Disco del Ministerio de Cultura. Es autor de varias producciones musicales centradas en la recuperación del repertorio del siglo XIX español, y tiene en su haber reestrenos de música del siglo XX de autores vivos, como Luis de Pablo, Kaija
Saariaho, Adolfo Núñez, Mauricio Sotelo, Helmut Lachemann, etc. Tiene registrados discos para los sellos EMI-Hispavox, RTVE-Música y
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DECCA, así como numerosas grabaciones para Radio Clásica, Televisión Española, Radio Berlín y la SDR-1.
Nacido en Madrid, se gradúa como Profesor Superior en Piano, Musicología y Órgano, en el Real Conservatorio Superior de Música de
Madrid y en el Conservatorio Municipal de Barcelona, consiguiendo los Premios de Honor Fin de Carrera, en Piano y Órgano, al finalizar los
estudios. Asiste a cursos internacionales de interpretación con los maestros André Isoir y Lionell Rogg y Marie-Claire Alain, en París. Paralelamente sigue cursos con Jacques Ogg y Keneth Gilbert. Entre 1989 y 1994 residió en Alemania realizando estudios de perfeccionamiento con
los maestros Ludger Lohmann y Jon Laukvik, en Órgano, Música de Cámara, Improvisación y Dirección de Orquesta, en la Musikhochschule
de Stuttgart. Entre 1992 y 1994, ocupó el puesto de Organista-Kantor en la Evangelische Johanneskirche de Stuttgart-Zuffenhausen. Además de su dedicación como solista, es promotor y director del conjunto Anima Mvsica Consort. Es titulado superior por la UNED y posee un
Máster de especialización.
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Coro Matritum Cantat / Camerata del Prado
TOMÁS GARRIDO
MÚSICA
STABAT MATER, DE FRANCISCO
ANDREVÍ
INTÉRPRETES
Paloma Friedhoff, soprano 1ª. Magdalena Llamas, soprano 2ª. Francisco Corujo, tenor. Isidro Anaya, bajo. Coro
Matritum Cantat. Javier Blanco, director. Camerata del Prado. Tomás Garrido, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Stabat Mater, para cuatro voces y pequeña orquesta, de Francisco Andreví
(1786-1853) *
-
Stabat mater: Larghetto doloroso (cuarteto solista, coro y orquesta)
-
Cujus animan: Larghetto (cuarteto solista y orquesta)
-
Quis est homo: Larghetto-Allegro (cuarteto solista, coro y orquesta)
-
Vidit suum: Andante sostenuto-Allegro (bajo solista y orquesta)
-
Sancta mater: Andante (cuarteto solista y orquesta)
-
Fac ut portem: Andante flebile-Allegro (dúo soprano 1ª, tenor y orquesta)
-
Fac me cruce: Andante (soprano 2ª y orquesta)
Madrid.
Parroquia de la Concepción de
Nuestra Señora.
9 de marzo. 21:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
- Cuando corpus: Larghetto / Fac ut animae donetur: Allegro (cuarteto
solista, coro y orquesta)
* Investigación musicológica de Tomás Garrido. Estreno en tiempos modernos
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NOTAS AL PROGRAMA
El Domingo de Ramos de 1868, unos meses antes de la proclamación en Cádiz de ‘La Gloriosa’ e inicio del Sexenio Revolucionario, tuvo
lugar en el Palacio de San Juan de Madrid un ‘gran concierto sacro’, dirigido por el célebre Francisco Frontera de Valldemosa, en el que actuó
como tenor solista el infante D. Sebastián Gabriel cantando un entonces famoso Stabat Mater del ilustre músico carlista Francisco Andreví.
El infante D. Sebastián Gabriel había sido uno de los generales carlistas más importantes llegando a presidir la jefatura de ese ejército y que
tras su derrota en 1839, y el abrazo de Vergara, se había refugiado en Nápoles. Hacia 1860 reconoció a la reina Isabel II, regresó a Madrid y
ésta le restituyó su condición de infante y los bienes que se le habían incautado al pasarse al bando carlista. El infante se casó entonces en
segundas nupcias con doña María Cristina de Borbón y Borbón, hermana del rey consorte Francisco de Asís y a quien el pueblo apodaba
como la infanta boba por su fealdad y al parecer pocas luces. Pero el infante, que además pintaba, era fotógrafo y músico, se hizo también un
personaje respetado y famoso por su importantísima colección de arte (hoy día repartida por todo el mundo), haber sido uno de los primeros
en Madrid en tener un estudio privado de fotografía y, sobre todo, por los numerosos conciertos que organizaba en su palacio actuando como
tenor que alcanzaba el ‘do de pecho’.
Estos conciertos tenían lugar en su residencia del Palacio de San Juan, que pertenecía al recinto del Palacio del Buen Retiro y que años después fue derruido para construir el actual Palacio de Comunicaciones de Cibeles. Y sobre ellos, en los que participaban los mejores músicos
madrileños del momento, daba buena cuenta la prensa de la época y también escribió el ilustre músico, compositor, pianista y musicógrafo,
Baltasar Saldoni, en uno de cuyos relatos da cuenta de la interpretación de este Stabat Mater de Francisco Andreví.
¿Y quién es, se preguntarán Vds, este tal Francisco Andreví, hoy en día totalmente olvidado?
Este músico catalán había nacido en Sanahuja, Lérida, el 7 de noviembre de 1786 y, tras formarse con diferentes maestros en Barcelona y
ordenarse sacerdote, había ocupado importantes magisterios de capilla en Barcelona, Valencia y Sevilla, llegando a la cúspide con su nombramiento como Maestro de la Real Capilla Música del Palacio de Oriente de Madrid.
Pocos meses antes del nacimiento de Isabel II se celebraron en Madrid las pruebas para cubrir el puesto de Maestro de la Real Capilla que
había quedado vacante por fallecimiento de Francisco Federici. Según la Gaceta de Madrid quedaban excluidos de estas pruebas todos los
seglares, pero tras una protesta generalizada se decidió admitir a todos los músicos sin “distinción de clase, estado ni edad”. Once músicos
se presentaron a las oposiciones, entre los más conocidos: R. Carnicer, R. Jimeno, T. Genovés, H. Eslava e I. Soriano. Una vez realizados los
duros y extensos ejercicios, como el tribunal no se ponía de acuerdo en la concesión de la plaza, tuvo que ser el propio Fernando VII quien
decidiera el puesto, nombrando a Francisco Andreví Maestro de la Real Capilla y rector del Real Colegio de Niños Cantores en julio de 1830.
Su estancia en la capital de España resulta muy fructífera pero tormentosa. Tras la muerte de Fernando VII, para cuyas exequias compone la
Misa de difuntos, obra de gran calidad y originalidad, sufre el primer reajuste de músicos la Real Capilla ordenado por la reina gobernadora
en 1834. De un segundo reajuste en 1836, que separa a 56 músicos y salmistas, es culpado Andreví por sus compañeros que le acusan de
realizar la lista por cuestiones políticas; al parecer, Andreví tenía inclinaciones carlistas y estaba en contra de los nuevos aires liberales que
quería imprimir la reina regente. Según Pedrell “se le mandó hacer una nueva planta de la capilla economizando cuanto pudiera, y para dar
ejemplo, él fue quien más sueldo se rebajó pero sin señalar persona alguna de la plantilla antigua”.
Seguramente es a causa de este escabroso asunto, y de las denuncias que surgieron contra él acusándolo de carlista, que Andreví decide
abandonar la Real Capilla y Madrid camino de Francia, donde se instala primero en Burdeos y después en París. Un informe policial al respecto de esta huída dice: “Ni a las vísperas de anteayer, ni al Corpus ha concurrido D. Fco. Andreví, ni ha pasado aviso alguno de hallarse
enfermo. De las diligencias que se han hecho para averiguar su paradero resulta que se ha mudado de casa sin que se sepa a donde..., que el
18 de mayo se ausentó de esta corte diciendo a su cuñada que iba por unos días al pueblo de Hortaleza, que volvería para el Corpus; que no
existe en tal pueblo, y que se ignora a donde se haya”. Años difíciles y problemáticos los que Andreví pasó como Maestro de la Real Capilla;
sin embargo compuso numerosas obras (Pedrell decía que su fecundidad era su gran defecto) algunas de ellas de gran calidad y originalidad
que, a pesar de que hoy en día están olvidadas permanecieron en la memoria de los músicos españoles durante el siglo XIX, especialmente
su Stabat Mater.
Después de su estancia francesa, Andreví regresa a Barcelona en 1849 donde es nombrado Maestro de Capilla de la basílica de la Virgen
de la Merced y, aunque tardíamente, comienza su merecidísimo reconocimiento como uno de los grandes músicos españoles de su época,
falleciendo poco después en la ciudad condal el 23 de noviembre de 1853.
Entre sus principales obras destacan los dramas sacros La dulzura de la virtud y El juicio universal, la cantata profana Coriolano, el Oficio y
Misa de difuntos para las honras de Fernando VII, el Stabat mater y un Tratado de armonía y composición.
Este Stabat Mater, que presentamos en primicia moderna en este concierto, fue compuesto por Andreví durante su estancia en Burdeos años
después de su huída de Madrid y publicado por el editor Canaux en París. Utiliza, como era habitual, el famoso texto latino medieval atribuido
a Jacopone da Todi y la compone para cuatro voces solistas (dos sopranos, tenor y bajo), coro y pequeña orquesta formada por 1 flauta y
quinteto de cuerdas. La obra está dividida en ocho movimientos en los que se alternan grandes y vibrantes solos, dramáticos concertantes
a 4 y solemnes conjuntos de solistas y coro, acompañados por una rica elaboración orquestal de la cuerda. El último número es de gran dificultad de conjunto y el autor compuso otro alternativo que en la edición publica adjunto como ‘otro final más fácil’. La obra fue dedicada al
infante don Sebastián Gabriel -que como se ha dicho más arriba era tenor aficionado que alcanzaba el ‘do de pecho’ y uno de los principales
dirigentes carlistas. La relación de Andreví con el infante debió ser bastante importante ya que el músico le dedicó varias obras.
El Stabat Mater se interpretó en Barcelona con gran éxito en 1845 (unos años antes del regreso de Andreví a Cataluña) y años después,
Domingo de Ramos de 1868, en Madrid
TOMÁS GARRIDO
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Arte Sacro 2015
PALOMA FRIEDHOFF BELLO
Paloma nació en Amberes, Bélgica, y creció en Madrid en el seno de una familia de músicos. Ganadora de premios en concursos internacionales en Madrid, Washington DC, Logroño, Lisboa y Barcelona, ha cantado los roles de Gilda, Musetta, Lauretta y Belinda, y recientemente
ha realizado una gira por España dando recitales de lied con la pianista Leyre Lisarri.
El año pasado participó en el programa del Steans Music Institute del Festival de Ravinia en Chicago (EE.UU.), donde debutó con la Orquesta
Sinfónica de Chicago.
Ha cantado en España, EE.UU., Alemania y Argentina, en lugares como el Auditorio Nacional de Madrid, Teatro Real, Palau de la Música de
Valencia, Sheldon Concert Hall de St. Louis, Mondavi Center de California y Burgersaal Kirche de Múnich.
Becada por La Caixa, obtuvo un máster de la Universidad de Indiana (EE.UU.), después de graduarse de la Hochschule für Musik und Theater
de Múnich y de la Escuela Superior de Canto de Madrid. También ha recibido becas de Juventudes Musicales de Madrid, Caja de Burgos y
la Fundación Alexander von Humboldt. www.palomafriedhoff.com
MAGDALENA LLAMAS
Mezzo-soprano andaluza, cursa sus estudios de canto y piano en el RCSM Victoria Eugenia de Granada. Tras terminar su carrera superior
de piano, se traslada a Madrid donde continúa sus estudios de canto en la ESC. Más tarde se traslada a los Estados Unidos, donde finaliza
sus estudios operísticos con el maestro Carlos Serrano en la Academy of Vocal Arts de Philadelphia, y con las aclamadas sopranos internacionales Sharon Sweet, Fedora Barbieri, Jessye Norman y Shirley Verret en Nueva York, completando su formación operística en The Juilliard
School of Music de Nueva York. Ha interpretado papeles como Donna Elvira (Los Ángeles), Suzuki, Clarina, el papel principal de Luisa Fernanda en Fordham Lincoln Center (2005), Romeo y Desdemona (Juilliard), Maddalena y Carmen, Adalgisa, Leonora, Flora, Dalila, Amneris
(New York Grand Opera y Riverside Opera Company (presentado en televisión de EEUU), Dorabella, Sesto, Badessa (New York), Carmen y
Rosina (Portland), the Mother en Amahl and the Night Visitors, tanto en Nueva York como en Los Ángeles. Ha participado también en el Sanibel Festival en Florida, de la mano de la Opera Theater of Connecticut, y en el Festival de Verano de Puerto Rico. En su faceta como concertista ha presentado ya ocho diferentes programas en la sala de conciertos del Carnegie Recital Hall y en otras salas, como Guggenheim Museum Auditorium, King Juan Carlos I Center de Nueva York, Teatro Cervantes de Málaga, Manuel de Falla de Granada, Auditorio Nacional de
Madrid, Festival Internacional de Música de Baeza, Irving Auditorium de Philadelphia, o CAMI Hall de New York, entre otros. Ha sido ganadora
de diferentes premios, como el Primer Premio del Visconti Competition, la Portland Opera Performing Institute Fellowship, Primer Premio del
Elsie Hilliard Hillman, becaria de la Universidad de Princeton, Westminster University o el Primer Premio del Rossini Competition, entre otros.
Por dos años consecutivos ha presentado diversos programas de concierto en la Academia de España en Roma, participando también en
la estación de conciertos del Oratorio Gonfalone de la misma ciudad. También ha sido invitada especial en el Conservatorio de la ciudad
de Baza (Granada) y la Accademia Internazionale di Musica di Roma, Orquestra Sinfónica di Roma, impartiendo Clases Magistrales. En el
pasado año ha presentado diversos programas de conciertos en The Art Institute of Chicago, el Instituto Cervantes de Roma, el palacio de
Peñalver de Guadix, la Fundación José Antonio de Alarcón, el Festival Guadix Clásica, el Merlkin Hall de Nueva York.
En el pasado mes de noviembre presentó El amor brujo, de Falla, en el Carnegie Hall de Nueva York, diversos conciertos en el Festival Chopin de Ginebra, el Instituto Cervantes de Roma y el Vaticano, culminando el año con sus conciertos de navidad con la CAM, en el Auditorio
de Murcia, junto a la Sinfónica de la misma ciudad, y la Gala del Palacio del Marqués de Salamanca, para el BBVA. Acaba de presentar una
gira de conciertos con el programa Falla y el flamenco, con la Orquesta St. Luke´s y el coreógrafo Ramón Oller, en la Brooklyn Accademy of
Music (BAM) y el Sydney Harman Hall, en Washington. Junto a la JONDE comparte programa en Santiago de Compostela, Kassen y Berlin
(Koncerthouse). Será también jurado en el Concurso Internacional de Canto Fidela Campiña .
En el próximo año participará en conciertos organizados por la Embajada de España en Chicago, Praga, Nueva York, Washington, Boston,
Alburquerque, Los Ángeles y San Francisco, entre otros. Actuará en las óperas: Aida, Norma, Don Carlo, Cosi fan tutte y Carmen, así como
en la Misa de Requiem, de Verdi, con La Sinfónica de Roma en Vaticano, Roma, NY y Washington, así como en el Auditorio Nacional con la
misma obra y la Sinfonía núm. 9, “Coral”, de Beethoven con la Orquesta Clásica Santa Cecilia y el director János Kóvacs.
En marzo del 2010 presentó su nuevo trabajo en la discográfica Verso, con obras del compositor José Luis Greco. Durante el año 2010 y 2011
grabará diferentes proyectos, entre ellos tres CD con la obra completa del maestro Olavide, con la RTVE y la dirección del Maestro Arturo
Tamayo,
Actualmente es profesora de canto en la City University of New York (CUNY) y Fordham U. Lincoln Center of New York.
FRANCISCO CORUJO
Nacido en Lanzarote, Francisco Corujo es uno de los tenores jóvenes españoles más prometedores, obteniendo premios en concursos como
Francisco Viñas o Iris Adami Corradetti. Se forma en España e Italia, con Célida Alzola y María Orán en Canarias, Manuel Cid y Tom Krause, en
la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, y con Carlo Bergonzi, en la Academia Verdiana de Busseto; su repertorio abarca óperas
como La Traviata, Rigoletto, La flauta mágica, Così fan tutte o Romeo y Julieta. También es un consumado intérprete de oratorio y sinfónico
en obras como Réquiem, de Mozart, Misa de Gloria, de Puccini, o la Novena Sinfonía, de Beethoven. Ha trabajado junto a directores como
Plácido Domingo, Jesús López Cobos, Phillipe Entremont, Joseph Pons, Giancarlo del Monaco, Liu Jä, Nicola Luisotti, Luc Bondi, Emilio Sagi,
Giuliano Carella, Robert Carsen y Vassili Petrenko.
Hace su debut en 2006, con El murcielago, de Strauss, para los Amigos Canarios de la Ópera, en Las Palmas, en el Teatro Real de Madrid con
Idomeneo, de Mozart, y La Coruña, como Macduff, en la ópera Macbeth, de Verdi. A partir de ahí Francisco ha debutado en las principales
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salas y teatros españoles e italianos: Teatro de la Zarzuela en Madrid, en La Fenice, de Venecia, como Alfredo en La Traviata, de Verdi, en la
Arena de Verona en Romeo y Julieta, de Gounod, Verdi de Salerno, como Don Ottavio, en Don Giovanni, etc.
Entre sus últimas comparecencias cabe destacar, el debut como Edgardo de Lucia di Lammermoor en la ópera de Tel Aviv, bajo la dirección
de Yshai Steckler y Emilio Sagi, Ismaele en Nabucco, de Verdi, junto al barítono Leo Nucci en La Coruña, Romeo y Julieta, de Gounod, en la
Arena di Verona, Edgardo de Lucia di Lammermoor en Pavia, Cremona y Brescia, Teatro Petruzzelli de Bari como Cassio en Otello, de Verdi,
Tristán e Isolda, de Wagner, en La Coruña, bajo la dirección Eliahu Inbal, Maggio Musicale Fiorentino con la Misa D 950, de Schubert, dirigida
por Andrea Battistoni, Ferrando en Così fan tutte, de Mozart, en Cagliari, con dirección de Cristopher Franklin y Damiano Michieletto, I due
Foscari, de Verdi, en Toulouse, Romeo en Romeo y Julieta, de Gounod, en Zagreb, debut en el Gran Teatro Nacional de Perú, como Tamino,
en La flauta mágica, de Mozart, Nemorino en L’elisir d’amore, en Busseto, debut como Rodolfo en La Bohème, de Puccini, en Tenerife, Cassio
en Otello, en Las Palmas, o Tamino en La flauta mágica, en La Coruña.
En 2013 ha salido a la luz su primer disco para el sello Playclassics, junto al pianista Ángel Cabrera, dedicado al compositor napolitano Francesco Paolo Tosti.
ISIDRO ANAYA
Inicia su actividad musical como pianista para dedicarse posteriormente al repertorio lírico, tras finalizar los estudios superiores de canto bajo
la dirección de Ana Luisa Chova, quien influye decisivamente en su carrera.
Trabaja repertorio en sus diferentes estilos con Manuel Burgueras, Félix Lavilla, Miguel Zanetti, Alejandro Zabala, y lied con Wolfram Rieger y
Jan Philip Schulze, en Múnich. Escénicamente ha trabajado con Luis Olmos, Tomás Muñoz y Emilio Sagi, entre otros.
Galardonado en diversas ocasiones, destacan los premios consecutivos obtenidos en el Festival Internacional Lírico de Callosa d’en Sarriá
para jóvenes cantantes, uno de ellos por su interpretación del Diechterliebe de Schumann.
Ha cantado en las salas y teatros más importantes de nuestro país un repertorio que abarca los roles principales en las óperas Los cuentos
de Hoffmann, La Bohème, Manon Lescaut y Gianni Schicchi, La flauta mágica, Don Giovanni, Las bodas de Fígaro, Cosi fan tutte y Bastian
y Bastiana, I puritani, Don Pasquale, L’elisir d’amore, Mireille, Carmen, Eugenio Onegin, Salomé, La Traviata y Don Carlo, El gato montés, El
retablo de Maese Pedro, Dido y Eneas, Orfeo, Julio César, así como un extenso repertorio de Zarzuela, en festivales de gran prestigio, como
el Ludwigsburger Schossfestpiele de Sttutgart, Festival d’Art Sacré de Paris, Festival de Arte Sacro y Festival de Otoño de la Comunidad
de Madrid; Semana de Música Religiosa de Cuenca, Festival Internacional de música contemporánea de Alicante, Festival Internacional de
Teatro de Almagro; Veranos de la Villa de Madrid y Festival Internacional de Música de Toledo, Festival Internacional de Música Canarias.
Del repertorio sinfónico destacan sus participaciones en Misa de la Coronación, Misa en Re Mayor, Misa en Do menor y Réquiem (Mozart),
Misa en Sol Mayor (Schubert), La Creación y Cantata Mare Clausum (Haydn), El Mesías (Haendel), Magníficat, Pasión según San Juan, Pasión
según San Mateo, Oratorio de Navidad y diversas Cantatas (Bach), Paulus y Elias (Mendelssohn), Vía Crucis (Liszt), Petite Messe Solemme
(Rossini), Novena Sinfonía (Beethoven), Carmina burana (Orff), Réquiem (Fauré), Las campanas (Rachmaninov) y Lamentaciones (Rodríguez
de Ledesma).
Ha actuado bajo la dirección de A. Leaper, T. Garrido, Ch. Badea, E. García Asensio, J. L. Temes, M. A. Gómez Martínez, J. López Cobos,
R. Weikert, D. Renzetti, D. Loos, K. Khan, O. Gershensohn, I. Yazici, J. Fabra, J. de Eusebio, V. Egea, C. Soler, G. Harms, entre otros, y junto
a orquestas como la OSRTVE, ONE, Orquesta de la Comunidad Valenciana, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta de la Comunidad de
Madrid, Orquesta de Tenerife y de La Coruña, Orquesta de Málaga, etc.
La pasada temporada ha protagonizado la ópera El casamiento, de Moussorsky, en el Teatro Real. Asimismo y en producción del mismo
teatro intervino cantando El Rey de la ópera El gato con botas, de Montsalvatge, con dirección de Emilio Sagi.
Recientemente participó en el espectáculo, producido por el Teatro Real para el día mundial de la ópera, que tuvo lugar en la Plaza de Oriente,
El pueblo contra Mozart, con guión y participación de Fernando Palacios, protagonizando varios personajes de diferentes óperas de Mozart.
En la pasada temporada interpretó la obra literaria de Javier Marías “El hombre sentimental” en calidad de cantante, actor y pianista dentro
del festival Otras miradas en una producción del Teatro Gayarre de Pamplona, representada de nuevo esta vez en el propio teatro el pasado
noviembre. El pasado enero ha sido invitado para participar en el III Festival internacional de Navidad en Moscú.
Entre sus próximos compromisos cabe destacar su participación en el Festival de Granada, Festival Internacional de Santander, Quincena
Musical de San Sebastián, Festival de Úbeda así como su colaboración con la coproducción Opera pour Tous y Ópera de Grenoble, en La
flauta mágica, de Mozart, interpretando el rol de Papageno. Asimismo representará la ópera Fausto, de Gounod, dentro del mismo festival.
CORO MATRITUM CANTAT
El Coro Matritum Cantat nació en 2003 bajo la dirección de Javier Blanco y está formado por 70 voces mixtas .Desde entonces ha recorrido
gran parte de la geografía española actuando en marcos de gran tradición musical, como las más antiguas Iglesias, Auditorios y Teatros de
Madrid y península.
Participa de forma regular en distintos Festivales y Ciclos de Música, como los organizados por la Comunidad de Madrid: Arte Sacro y Red de
Teatros; el Ayuntamiento de Madrid: Música para la Pasión y Música en Navidad; y también ha participado en distintos festivales nacionales,
como la Semana Internacional de Música Religiosa de Cuenca, el Festival Internacional de Santander...
Ha colaborado con Orquestas de gran prestigio como la Orquesta Sinfónica de Madrid, Sinfónica Neotonarte, Orquesta Sinfónica Rey Juan
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Carlos I y Orquesta Ars Futura. Desde 2008 Matritum Cantat cuenta con su propia Orquesta Sinfónica y ha realizado conciertos sinfónicos
por toda la geografía española interpretando obras como el Réquiem, de Mozart, Novena Sinfonía, de Beethoven, Stabat Mater, de Haydn,...
algunos de ellos retransmitidos por RTVE.
Matritum Cantat ha participado en distintos Concursos Nacionales, obteniendo numerosos premios.
En el terreno internacional, ha ofrecido una serie de conciertos en Portugal y ha realizado una gira por Argentina, ofreciendo su música por
las ciudades de Buenos Aires, Santa Fe, Iguazú, Rosario y Misiones.
En el terreno discográfico ha grabado los siguientes CDS:
- Venite Adoremus (18 villancicos populares y universales ), con la Editorial San Pablo.
- Oficio y Misa de Difuntos, de M. R. de Ledesma, grabación en directo con motivo de la conmemoración del Bicentenario del 2 de Mayo y
con la Orquesta Sinfónica de Madrid.
- Lamentaciones, de M. R. de Ledesma, con la Orquesta Sinfónica de Madrid, por el sello Verso.
Cabe destacar la elección del coro por parte de la Orquesta Sinfónica de Madrid, la Comunidad de Madrid y el Maestro Luís Izquierdo, para
la interpretación del Miserere, de H. Eslava, en el concierto homenaje a este director con motivo de su despedida en el campo de la dirección.
JAVIER BLANCO
Nace en Madrid, donde inicia sus estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de Música, obteniendo el título de profesor de Piano,
Composición, Acompañamiento, Solfeo y Dirección de Coro y Orquesta. Estudia piano con V. Meseguer, G. González, F. Puchol y W. Schoat.
En el terreno vocal, estudia canto con Menace, Mª E. Garmendia, L. Elizalde. Realiza estudios de composición con A. Díaz, R. Eguilaz, J.
Pagán, A. Huidobro y A. Santos, de solfeo y acompañamiento con E. Molina, E. L. de Arenosa, R. Benedito, C. Ausejo y F. Sierra. Amplía
su formación con cursos de dirección de coros con L. Vila, M. Oca y E. Silva, y de dirección de orquesta con A. Zarzo y E. García Asensio.
Becado por el Instituto de la Juventud, se traslada a Múnich y a Passau (Alemania), donde estudia dirección con R. Sund, S. Kuijen, F.
Brüggen, y S. Sondeckis. En este período es miembro del Coro Filarmónico de Europa.
Actualmente es director de la Escuela de Música y Danza Mushi, asesor musical de la Editorial San Pablo, dirige la Orquesta y Coro Matritum
Cantat, la Orquesta y Coro de la Universidad Pontificia de Comillas, Orquesta y Coro Ars Futura, el Coro Infantil Mushi y el Coro Infantil del
colegio St. Michael´s.
Ha dirigido el Grupo Vocal-Instrumental de Música Contemporánea Ad Libitum, la Coral Cristóbal de Morales, la Coral Polifónica Reinado y
la Escolanía NET.
Ha sido director invitado por la Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Sinfónica Rey Juan Carlos I y Orquesta Sinfónica Neotonarte.
Ha dirigido conciertos y óperas en prestigiosos auditorios y teatros como el Auditorio Nacional de Música, Teatro Monumental, Auditorio Conde Duque, Centro Cultural de la Villa, Teatro Juan Bravo de Segovia, Sala Pléyel de París, Auditorio de Música de Lisboa, Bruselas, Buenos
Aires y Córdoba (Argentina) y festivales, como el Festival Internacional de Santander, Festival de Arte Sacro de Madrid, Festival de Música
Sacra de Cuenca, Festival de Córdoba (Argentina ) y Festival de Periorade (Francia )
También ha realizado conciertos en distintas iglesias de la geografía española e internacional como el Monasterio de El Escorial, Silos,
Descalzas Reales, La Encarnación, Catedral de la Almudena, Cuenca, Santiago, Burgos, Comillas, Santander, Asturias, Canterbury, Oxford,
Salzburgo, Vaticano, Córdoba, Buenos Aires, etc.
En Navidad del 2001 obtuvo el premio al Mejor Director en el IX Certamen Coral del Ayuntamiento de Madrid y también ha sido galardonado
con diversos premios en concursos de masas corales con los coros que dirige o con los que ha dirigido.
CAMERATA DEL PRADO
Camerata del Prado es una orquesta de cuerda que surge en 1990. Desde entonces ha ofrecido centenares conciertos de la más diversa
índole, colaborando especialmente con la Fundacion Cajamadrid en ciclos por los pueblos de la Comunidad madrileña y en programas para
escolares junto a Fernando Argenta.
Durante cuatro temporadas consecutivas, Camerata del Prado ha ofrecido conciertos divulgativos en pequeños pueblos, que en su mayoría
era la primera vez que programaban un concierto de música clásica. Además ha realizado grabaciones de bandas sonoras para cine (Acción
Mutante, Como ser mujer y disfrutarlo, La flor de mi secreto) y televisión, ha colaborado con importantes grupos de pop-rock (J. Corcobado,
Led Zeppelin), tanto en grabaciones como en directo, y ha ofrecido actuaciones en prestigiosos festivales de música, entre otros: Semana
del Románico en Palencia, Conciertos de Semana Santa en Navarra, Semana Cervantina, Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid,
Música para la Navidad en La Rioja, Soria y Toledo, XV Setmana internacional de Música de Cambra de Montserrat, Festival internacional
de Alcañiz, Festival de Arte Sacro de Madrid, Congreso “El Conde de Aranda y la Música” en el Auditorio de Zaragoza, Festival de Otoño de
Madrid, Festival Milenium de Madrid 2002, Setmana de Música Sacra de Benidorm, Otoño Musical Soriano, Festival Internacional de Segovia,
Festival ORFIM de Oropesa del Mar, Auditorio de Atarfe (Granada), Teatro Carlos III de San Lorenzo de El Escorial, etc., programando con
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preferencia la olvidada música española de los S. XVIII, XIX y XX.
Ha actuado en el Auditorio Nacional de Madrid dentro del Ciclo de Música Contemporánea interpretando por primera vez en España la obra
Preludios y Fuga para 13 cuerdas del gran compositor polaco W. Lutoslawski.
Ha colaborado con renombrados solistas, como el violoncellista Lluís Claret y las sopranos Mª José Sánchez, Ángeles Tey y María Espada
en programas dedicados a Boccherini; con el clarinetista Roy Jowit y el trompa Eric Terwilliger en programas dedicados a Mozart; con los
violoncellistas Damián Martínez y Ángel García Jermann en los conciertos de Haydn y el violinista Santiago de la Riva.
Ha participado en la recuperación musical del oratorio Tobia, del compositor riojano del XVIII F. J. García Fajer “el españoleto”, de la música
religiosa del compositor aragonés, del XIX, M. Rodríguez de Ledesma, el melólogo Guzmán el Bueno del poeta-músico, del XVIII, Tomás de
Iriarte, junto a los actores J. L. Pellicena, Pedro Mari Sánchez y Ramón Langa, y de numerosos compositores españoles olvidados de finales
del XIX y principios del XX.
En 2006 salió al mercado su CD Delicias españolas I, dedicado a la música española para orquesta de cuerda del XIX y en 2009 su CD Delicias
españolas II, dedicado a la música española de finales del XIX y principios del XX. También ha realizado la grabación del oratorio Tobia, de F.
J. García Fajer; el cuento musical El barco de vapor y el monográfico Caminus..., del compositor Tomás Garrido, y la Musica notturna delle
strade di Madrid, de L. Boccherini, en un libro-CD dedicado a Goya.
También ha realizado el concierto conmemorativo del 500 aniversario de la fundación de la Universidad de Alcalá de Henares con la recuperación de La fortuna justa, de Jaime Balius, y el concierto conmemorativo del 200 Aniversario de la muerte de L. Boccherini en la iglesia
donde fue enterrado en Madrid.
Dentro de su divulgación social de la música clásica ha actuado en lugares tan insólitos como la cárcel madrileña de Carabanchel, ofreciendo
el primer concierto de música clásica que allí se realizaba.
El repertorio de Camerata del Prado abarca obras desde el barroco hasta nuestros días, dedicando especial atención a la recuperación de la
injustamente olvidada música española. www.cameratadelprado.es
TOMÁS GARRIDO
Nace en Arnedo, La Rioja, comenzando su actividad profesional a los 14 años como músico de pop-rock; a los 17 descubrió la música clásica
y, desde entonces, su actividad profesional ha sido tan amplia como la propia música.
Al principio estudió contrabajo y viola da gamba, formando parte del grupo experimental Glosa y, durante más de 10 años, de diversos grupos
de Música Antigua con los que participó en numerosos conciertos y grabaciones discográficas.
Posteriormente estudió violoncello con Lluis Claret y perfeccionó los estudios de Armonía con A. Barrio, finalizando los de Composición y
Dirección de orquesta en el RCSM de Madrid.
Durante ocho años ha sido violoncellista del grupo de música contemporánea Círculo, con el que ha participado en los más importantes
festivales europeos y americanos dedicados a la música actual, además de realizar una gran actividad discográfica.
También ha colaborado frecuentemente con grupos de flamenco, jazz y pop-rock, participando en numerosos espectáculos y performances.
Como compositor ha estrenado obras en Madrid, Barcelona, París, Estrasburgo, Granada, Turín, Metz, Roma, Middelburg, Nueva York, Cuenca, Salzburgo, etc.; en 1989 se le dedicó un concierto monográfico en los X Encontres de Compositors de Palma de Mallorca, interpretado
por el Grupo Circulo, y, en 1992, fue invitado a dirigir un concierto con sus obras en el centro De Ijsbreker, de Amsterdam; ha sido finalista,
en 1996, del Concurso Internacional de Composición de Montreal ‘,Ad referendum’,, en 1998 fue seleccionado por el jurado del Festival
Internacional de la SIMC, celebrado en Manchester, y, en 2006, ha sido galardonado con el Primer Premio en el Concurso Internacional de
Compositores Premios Lutoslawski 2006, de Varsovia (Polonia). Ha publicado varios CD con sus obras.
Como director de orquesta y musicólogo dedica un especial interés en recuperar la olvidada música española de los últimos siglos. Entre
otras obras, ha realizado la investigación musicológica y la posterior dirección musical en el Auditorio Nacional de Música de Madrid de los
oratorios Lamentaciones de Semana Santa y Oficio y Misa de Difuntos del compositor romántico español M. Rodríguez de Ledesma, del
oratorio Tobia del compositor riojano, del S. XVIII, F. J. García Fajer, el melólogo Guzmán el Bueno del poeta y músico, del S. XVIII, Tomás de
Iriarte, la ópera La Tarasca, de A. Martín Pompey, en una producción del Festival de Otoño de Madrid 1998, la ópera Le Revenant, de J. M.
Gomis, en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y la ópera Pompeo Magno in Armenia, de F. J. García Fajer, con la Orquesta del Arte Músico,
de instrumentos originales, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. También ha dirigido un programa de compositores españoles del siglo XX
en el XV Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante.
Ha realizado, así mismo, estudios y publicaciones sobre la música sinfónica española en tiempos de Goya e Isabel II publicando con la Institución Fernando el Católico de Zaragoza un volumen con la pequeña música religiosa de M. Rodríguez de Ledesma y con el ICCMU-SGAE de
Madrid una edición de Música española para orquesta de cuerda de los S. XVIII y XIX, Oficio y Misa de difuntos, de M. Rodríguez de Ledesma,
y las óperas Le revenant ,de J. M. Gomis, y Pompeo Magno in Armenia, de F. J. García Fajer.
Ha sido invitado a dirigir orquestas como la London Concertante, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid,
Orquesta Sinfónica de Málaga, Orquesta Sinfónica de Madrid, Coro Nacional de España, Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta
Filarmónica de Chestojowa (Polonia), Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias y Orquesta Filarmónica de la Universidad de Valencia.
También ha dirigido numerosas bandas sonoras para cine como Acción Mutante, Como ser mujer y disfrutarlo, Kika, La flor de mi secreto,
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Carne trémula, La buena estrella, Cuernos de espuma, La fuente amarilla, El milagro de P. Tinto, Cuando vuelvas a mi lado y Novios.
Actualmente es director de Camerata del Prado.
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Orquesta de Cámara Catalana / JOAN PÀMIES
MÚSICA
LAS SIETE PALABRAS DE CRISTO
EN LA CRUZ
MÚSICA RELIGIOSA EN ESPAÑA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVIII
INTÉRPRETES
Ana Rey, soprano. Montserrat Bertral, mezzosoprano. Solistas de la Orquesta de Cámara Catalana: Stanislav
Stepanek, Ingrid Barrionuevo, violines. Montserrat Vallvé, viola. Zsolt Tottzer, violoncello. Rafael Esteve, contrabajo. Eva del Campo,
clave y órgano. Joan Pàmies, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Joan Rossell
(1724-1780)
Francisco Juncà Carol
(1742-1833)
Juan Francés de Iribarren
(1699-1767)
Francisco Javier García Fajer
(1730-1809)
Melcior Juncà
(1757-1824)
Salve a duo
Ros ille coelestis *
Madrid.
Iglesia Santuario de Nuestra
Señora del Perpetuo Socorro.
10 de marzo. 20:30 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
O quam suavis
Las siete palabras de Cristo en la Cruz
Beata Mater
* Estreno en la Comunidad de Madrid
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NOTAS AL PROGRAMA
El programa que se ofrece presenta un recorrido por la música religiosa de la segunda mitad del siglo XVIII en España. Si la Salve a dúo, del
maestro de la Catedral de Toledo Joan Rossell, recuerda la influencia de Pergolessi, Las siete palabras de Cristo en la Cruz, del maestro de
Zaragoza Francisco Javier García Fajer, también conocido como Lo Spagnoletto, describe la fuerza dramática de la Pasión. El motete Ros ille
coellestis del que fue maestro de las Catedrales de Girona y Toledo, Francisco Juncà, nos muestra el virtuosismo vocal e instrumental que
imperaba en buena parte de la producción religiosa de este periodo.
Completan el programa dos obras menores, pero igualmente representativas, del maestro de Tarragona, Melcior Juncà, y del que fue maestro
de la catedral de Málaga, Juan Francés Iribarren.
JOAN ROSSELL
Joan Rossell (Barcelona, 1724 - Toledo, 1780). Se formó musicalmente en la Catedral de Barcelona con Josep Pujol y Francesc Valls. Fue
Maestro de Capilla de la Catedral de Tarragona y, posteriormente, en la Capilla Real de la Almudaina, de Mallorca. En 1764 comenzó su largo
ejercicio en la Catedral Primada de Toledo hasta su jubilación.
La Salve a duo que presentamos está fechada en el año 1753 y pertenece a la época de Mallorca (1750-1755). El lenguaje empleado por
Rossell es el habitual de la época, destacando el trabajo de los violines que es más elaborado que en el resto de su repertorio litúrgico. En
esta obra es muy evidente la influencia de Pergolessi.
FRANCISCO JUNCÀ Y CAROL
Ingresó como niño de coro en el Monasterio de Montserrat donde recibió las enseñanzas de Fra José Martí y de Benet Julià. El año 1774
ocupó el magisterio de la capilla de música de la Catedral de Girona y, en 1780, consiguió el de la Catedral Primada de Toledo, sucediendo
a Joan Rossell. Ocupó este cargo hasta el año 1792 en que el Rey le concedió una canonjía diaconal en la Catedral de Girona, ciudad en la
que residió hasta su muerte.
El motete Ros ille coelestis, escrito durante su magisterio en la catedral de Girona, es un motete eucarístico y en el mismo se aprecia el tratamiento virtuosístico de la voz así como la escritura horizontal.
JUAN FRANCÉS DE IRIBARREN
Francés de Iribarren (Sangüesa, 1699 - Málaga, 1767). Ingresó como niño cantor en el Colegio de Niños Cantorcicos de Madrid. En aquella
época, el director de ésta institución fue el famoso compositor y organista José de Torres, quien, en 1717, le recomendó para el puesto de
organista en la Catedral de Salamanca. En 1733 fue nombrado Maestro de Capilla de la Catedral de Málaga, cargo que ocupó hasta el final
de su vida.
El motete O quam suavis está fechado en 1747 y está compuesto para alto, tres violines y acompañamiento.
FRANCISCO JAVIER GARCÍA FAJER
Francisco Javier García Fajer (Nalda, 1731 – Zaragoza, 1809) también conocido com “lo Spagnoletto” fue infantico de coro en la Seo de
Zaragoza y continuó su formación en Nápoles y, posiblemente, con Lluis Serra.
Estrenó varias óperas en Roma entre 1754 y 1756 y fue Maestro de Capilla de la Seo de Terni. En 1756 asumió el magisterio de la capilla de
música de la Seo de Zaragoza, en donde residió hasta su muerte. Al componer Las siete palabras de Cristo en la Cruz, F. J. García se sitúa
dentro de una antigua tradición española y europea que está documentada desde principios del siglo XVI. La composición no tiene una finalidad litúrgica sino devocional y su finalidad era ser interpretada durante el Sermón de las Siete Palabras.
Entre los documentos musicales hispánicos que incluyen textos de Las siete palabras, el más destacado es, sin ninguna duda, la obra de
Francisco Javier García Fajer. Obra coetánea o inmediatamente posterior a la famosa de Josep Haydn, fechada en 1787, sigue un esquema
muy similar: introducción y siete partes (palabras o meditaciones).
Las siete palabras de Cristo en la Cruz están compuestas para tiple 1 y 2, violín 1 y 2, viola y bajo, y no presenta el texto latino de los Evangelios sino unas sencillas meditaciones versificadas en castellano sobre el contenido de Las siete palabras.
MELCIOR JUNCÀ
Melcior Juncà (Sant Joan de les Abadesses, 1757 - Tarragona, 1824). Fue niño de coro en el Monasterio Sant Joan de les Abadesses y, muy
probablemente, continuó su formación en Vic con el maestro Antoni Jordi. En 1789 obtuvo la plaza de Maestro de Capilla de la Catedral de
Tarragona, cargo que ocupó hasta 1806, aunque continuó colaborando activamente con la capilla hasta el final de su vida.
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El Motete A la Madre de Dios Beata Mater es una obra de juventud, datada en el año 1774, y está escrita para tiple, alto, violines, (trompas),
bajo instrumental y continuo.
ANA REY
Licenciada en Filología Árabe, estudió canto con la profesora Itziar Álvarez y, en el Conservatorio de Rotterdam, con la profesora Carolyn
Wantkinson. Ha completado su formación con el profesor Lambert Clement y la soprano Natasha Tupín. Forma dúo con el pianista Josep
Buforn con un repertorio que abarca la ópera y la canción española y catalana. Ha colaborado con los grupos de música antigua La Xantria
y Ars Combinatoria, con los que ha grabado dos CD: el primero dedicado al compositor catalán Josep Mir i Llussà y el otro con música de
Tomás Luís de Victoria. Ha sido miembro del coro Madrigal, dirigido por Mireia Barrera, y recientemente ha colaborado con la Fura dels Baus
en el proyecto de Carlos Padrissa, Cants de la Dona d’Aigua. También ha actuado con la Orquestra de Cambra Catalana interpretando obras
de Francisco Juncà, Joan Rossell y Antonio Vivaldi.
MONTSERRAT BERTRAL
Licenciada en Historia del Arte, ha estudiado canto con Estrella Estévez, Montserrat Aparici y Mercè Baiget. Se diploma en Canto Barroco
con Cristina Miatello en el Conservatorio Dall’Abaco de Verona. Amplía estudios con Marc Tucker, Enriqueta Tarrés y Enedina Lloris. Ha participado en producciones teatrales y operísticas como Mozart Salieri y el Requiem inacabado, Venus & Adonis, de John Blow, Dido y Eneas,
de Henry Purcell, Il più bel nome, de A. Caldara, La finta semplice y Le nozze di Figaro, de W. A .Mozart. Ha colaborado con prestigiosas
formaciones, como el Collegium Vocale de Gent, Al Ayre Español, Los Músicos de su Alteza o la Orquesta Barroca de Sevilla
ORQUESTA DE CÁMARA CATALANA (OCC)
Nace en 1986 fundada por Joan Pàmies. Su repertorio, que abarca todas las épocas y compositores, dedica una especial atención a la
interpretación y difusión de la música catalana.
La orquesta ha ofrecido más de 500 conciertos y ha actuado en algunos de los principales auditorios, ciclos y festivales de música de España.
También lo ha hecho en Albania, Francia, Italia, Polonia, República Checa, Argentina, Chile, México, Uruguay, Líbano, Túnez y China. Solistas
del prestigio de Nicanor Zabaleta, Montserrat Cervera, León Ara, Régis Pasquier, Evelyne Dubourg, Montserrat Torrent o Enrica Guarini han
actuado en sus conciertos. A esta relación se añaden nombres relevantes del panorama actual, como Ludmil Angelov, Assumpta Mateu,
Young Hee Kim, Jesús Angel León o Marco Fiorini. Entre los directores que han estado al frente de la orquesta destacan Mihail Angelov,
Marçal Gols, Lucien Jean Baptiste, Yukio Kithara o Milen Nachev. La OCC ha grabado para las radios y televisiones de España, Francia, Argentina, México y Túnez. También tiene grabados cuatro CD con música inédita, fundamentalmente, de compositores catalanes. La orquesta
está amparada en la Asociación que lleva su nombre y cuenta con el apoyo de la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona, la
Diputación de Barcelona y el Institut Ramon Llull.
JOAN PÀMIES
Nació en Valladolid, ciudad en la que cursó sus estudios de música. Posteriormente se trasladó a Barcelona donde continuó los estudios que
más tarde ampliaría en Bruselas, Stuttgart y Madrid.
Su trayectoria profesional se ha proyectado en los ámbitos de la interpretación instrumental, la docencia y la dirección orquestal y coral. Estas
actividades las ha desarrollado en España y también en Alemania, Bélgica, Bulgaria, Francia, Italia, República Checa, Suiza, Líbano, México
y Túnez.
Ha sido profesor titular de la Orquesta Nacional de España y durante 15 años ejerció como catedrático en el Conservatorio Superior Municipal
de Música de Barcelona. Es fundador y director de la Orquesta de Cámara Catalana.
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Alturaz Al Andalusí / SALAH SABBAGH
DANZA Y MÚSICA
DANZAS Y MÚSICAS RELIGIOSAS
ÁRABES
INTÉRPRETES
Alturaz Al Andalusí: Mohamad Babli, Emad Selim, bailarines. Mahmoud Fares, cantante. Abd el Salam, canún y nay. Wafir
Sheigelddin, Abdellah Afazaz, percusión y voz. Salah Sabbagh, percusión y director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Madrid.
Teatros Canal (Sala Verde).
11 de marzo. 20:30 horas.
Entrada: 5 €
Danzas y músicas religiosas árabes
-
Samai bayati Arian - música andalusí
Azan (Echo de menos) - tema sufí
Ya Imam al Rusul (El Imam de los Profetas)
Bint al balad (La chica de pueblo)
Juro no cambio el amor del Profeta
Baste Señor Todopoderoso - ney
El amor del Profeta - tema sufí
Oh, Dios nuestro - tema sufí
Longa - música andalusí
Nos salió la Luna
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NOTAS AL PROGRAMA
La música es una de las prácticas más importantes en el Sufismo.
Las remembranzas van acompañadas por distintos himnos y recitaciones. La música sufí es remembranza de Dios.
Los grandes maestros sufíes recurrían en ocasiones al sama’ (audición musical y danza derviche).
El camino sufí está formado por una diversidad de técnicas, dirigidas por los maestros, basadas en la meditación, la oración, el ayuno, la
música, la danza, la poesía y que transmiten aquello que es esencial para la apertura del corazón.
Los sufíes no solamente utilizan la danza y los cantos como una forma de manifestar la felicidad, el gozo interior; su finalidad es enfocar la
atención en Dios, Los sonidos producidos por los derviches son expresiones del amor a Dios.
MOHAMED BABLI
Bailarín de la danza del giro derviche nacido en Alepo, Siria. Empezó su carrera a los 8 años, a manos de los mejores maestros sirios de la
danza, Maulawiya y Altakaya. Durante su carrera participó en muchos festivales religiosos dentro de Siria y fuera.
EMAD SELIM
Bailarín de origen egipcio. Empezó su carrera a los 18 años y aprendió a manos de los mejores bailarines egipcios, empezando con la danza
del tanura y terminando con la danza derviche sufí turca. Ha sido miembro de los grupos derviches, sufíes y folclóricos de danza turca-egipcia
durante 9 años. Participó en multitud de eventos y festivales mundiales de China, Japón, India e Italia. Actualmente reside en Portugal, participando en todos los eventos portugueses, desde hace 7 años.
MAHMOUD FARES
Cantante, nacido en Alepo, Siria. Empezó su carrera como cantante de la música sufí, andalusí (al inshad aldini ) y al tarab estilo alepino que
es música tradicional de su país natal, tras estudiar en el Instituto Superior de Música. Dirigió en Siria el grupo de Sabri Mudalal, uno de los
grupos más famosos del país. Dio varios conciertos internacionales en 25 estados y países y, actualmente, es el cantante del grupo Alturaz.
ABD EL SALAM
Músico de origen marroquí. Fue el primer canunista de España y ha sido uno de los músicos principales de Lebrijano. Amplio conocedor de
los makames de la música árabe oriental, andalusí y sufí.
WAFIR SHEIGELDDIN
Músico de origen sudanés. Estudió en el Conservatorio Superior de Jartum. Empezó su carrera musical como acordeonista y cantante. Colaboró en España con diferentes grupos, tanto de música oriental como de otros estilos, entre ellos Radio Tarifa y Banda Morisca.
ABDELLAH AFAZAZ
Músico de origen marroquí. Estudió en el Conservatorio de Tetuán durante 8 años tocando el laúd y la percusión e interpretando música
andalusí y sufí. Ha participado con varios grupos en Marruecos y España, empezando con la música guinawa (música popular marroquí) y
terminando en España con la interpretación de música andalusí y sufí, consiguiendo una gran experiencia en los ritmos orientales y occidentales. Ha realizado numerosas giras por Marruecos y España.
SALAH SABBAGH
Nacido en Alepo, Siria, llegó a España en el año 1977 y comenzó su carrera musical interpretando música persa, de Siria, egipcia, de los
Balcanes y del norte de África. Formó parte de un grupo hispanoárabe durante 17 años y, en los años 90, participó en importantes acontecimientos y festivales como La Casa de Andalucía, Nilo Azul, Umaya, etc. Ha tenido varias intervenciones en la televisión, festivales, periódicos,
etc. Actualmente dirige el grupo Alturaz Al Andalusí, especializado en la música y danza andalusí-sufí.
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Yale Glee Club of Yale University
Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma de Madrid
MÚSICA
TE DEUM, DE MARC-ANTOINE
CHARPENTIER
INTÉRPRETES
Yale Glee Club of Yale University. Jeffrey Douma, director. Sonia Berzosa, soprano 1ª. Ana Molina, soprano 2ª.
Houda el Bekkari, alto. Raúl Torrico, tenor. Guillermo Sibón, bajo. Orquesta y Coro de la Universidad
Autónoma de Madrid. Enrique Muñoz, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
I. Yale Glee Club of Yale University. Jeffrey Douma, director
Tomás Luis de Victoria
(1548-1611)
Dos motetes
William Byrd
(1540-1623)
Agnus Dei
Frank Martin
(1890-1974)
Agnus Dei
Popular Cataluña
(arreglo de Vivancos)
Madrid.
Iglesia Santuario de Nuestra
Señora del Perpetuo Socorro.
12 de marzo. 20:30 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
El cant dels ocells
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Antiguo Himno Americano
(arreglo de Shawn Crouch)
Unclouded Day
Himno
(arreglo de Jeffrey Douma)
I’ll Go With You
Espirituales
Down By the Riverside
My Soul’s Been Anchored in the Lord
II. Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma de Madrid
Marc-Antoine Charpentier
(1643-1704)
Te Deum
- Prélude
- Te Deum laudamus
- Te aeternam Patrem
- Pleni sunt coeli et terra
- Te per orbem terrarum
- Tu devicto mortis aculeo
- Te ergo quaesumus
- Aeterna fac sum Sanctis tuis
- Dignare, Domine
- Fiat misericordia tua
- In te, Domine, speravi
III. Las dos Agrupaciones
Gabriel Fauré
(1845-1924)
Pavana
NOTAS AL PROGRAMA
Marc-Antoine Charpentier compuso su gran motete polifónico Te Deum (H. 146), en Re Mayor, probablemente entre 1688 y 1698, durante
su estancia en la iglesia jesuita de Saint-Louis, en París, donde ocupó el cargo de director musical. La obra está escrita para un grupo de
solistas, coro y acompañamiento instrumental.
Charpentier habría escrito seis arreglos distintos para su Te Deum aunque sólo se conservan cuatro de ellos. Se cree que Charpentier habría
compuesto, o al menos interpretado, esta pieza para la celebración de la victoria en la batalla de Steinkirk en agosto de 1692.
Charpentier consideraba la tonalidad de Re Mayor como “brillante y muy marcial”. La introducción instrumental, compuesta en forma de
rondó, precede al primer verso, a cargo del bajo solista. El coro y el resto de solistas van incorporándose gradualmente. Charpentier aparentemente intentó orquestar la obra de acuerdo a la exégesis tradicional del texto en latín. Por tanto, el coro predomina en la primera parte
(versos 1-10, alabanza a Dios, dimensión celestial) y los solistas individuales en la segunda parte (versos 10-20, sección Cristológica, dimensión seglar). En los siguientes versos, 21-25, se alternan tanto los solistas como el coro y el verso final es una fuga a gran escala, escrita para
el coro, con un pequeño trío en el medio.
La composición está orquestada para ocho solistas y coro acompañados de conjunto instrumental de cuerdas (un violín, dos violas, contrabajo), dos flautas, dos oboes, dos trompetas, timbales y bajo continuo. El bajo continuo se deja a cargo de un órgano y puede usarse de
apoyo una viola da gamba.
Tras el redescubrimiento del Te Deum por el musicólogo Carl de Nys en 1953, el primer registro de esta obra se hizo ese mismo año por la
Chorale des Jeunesses Musicales de Francia y la orquesta de cámara de conciertos Pasdeloup. El director de la orquesta fue Louis Martini.
El preludio instrumental de la obra fue elegido en 1954 como la sintonía de la Unión Europea de Radiodifusión.
YALE GLEE CLUB OF YALE UNIVERSITY
Desde sus inicios como un grupo de trece hombres de la clase de 1863 a su actual encarnación como un coro de ochenta voces de mujeres y
hombres, el Yale Glee Club, principal coro mixto de pregrado de la Universidad de Yale y más antigua organización musical, ha representado a
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los mejores en música coral escolar. Durante su reciente temporada del 150 aniversario, las actuaciones del Glee Club recibieron muy buenas
críticas en la prensa nacional, de The New York Times (“...uno de los mejores conjuntos de canto colegial, y uno de los más arriesgados [...]
un emocionante concierto, bellamente cantado en el Carnegie Hall”), para The Washington Post (“...bajo la dirección de Jeffrey Douma, las
sopranos - de hecho, todas las voces - cantaban como una sola voz, con una entonación impecable [...] sus comprometidos semitonos y las
sutilezas del contrapunto se convirtieron en otro mundo, incluso trascendente”).
Los estudiantes que cantan en el Glee Club de Yale pueden ser grandes en música o en ingeniería, en inglés o ciencias políticas, en filosofía
o matemáticas. Están unidos en su amor por el canto y la creencia común en que alzar la voz junto a otros para crear algo hermoso es una
de las más nobles actividades humanas.
El repertorio del Glee Club abarca un amplio espectro de la música coral desde el siglo XVI hasta la actualidad, incluyendo motetes renacentistas, obras corales contemporáneas, música folclórica, espirituales y canciones tradicionales de Yale. Comprometidos con la creación
de nueva música, el Glee Club presenta estrenos frecuentes de obras nuevas, por encargo, y patrocina dos concursos anuales para jóvenes
compositores. Han estado recientemente en el NPR’s Weekend Edition, The Choral Mix with Kent Tritle, de WQXR, y The Choir, de BBC Radio
3.
Las grandes obras maestras corales son también una parte importante del repertorio del Glee Club; actuaciones recientes incluyen el Requiem de Verdi, la Sinfonía de los Salmos de Stravinsky, Carmina Burana de Orff, Dona Nobis Pacem de Vaughan Williams, Réquiem de
Mozart, Requiem de Guerra y Cantata Misericordium de Britten, Requiem de Fauré, Missa in tempore belli, Missa in Angustiis y La Creación
de Haydn, Nänie de Brahms, Elías de Mendelssohn, Credo de Penderecki, Sinfonía de Meditaciones de Aaron Jay Kernis, y sinfonías corales
de Mahler y Beethoven.
Siendo uno de los coros más viajeros del mundo, el Glee Club de Yale ha actuado en las principales ciudades de Estados Unidos y se embarcó en su primera gira por el extranjero en 1928. Desde entonces ha aparecido ante un público entusiasta en América del Norte y Sudamérica,
Europa, Asia, Australia y África.
Históricamente, como principal defensor del intercambio coral internacional, el Glee Club ha albergado a innumerables conjuntos invitados
en Yale y en el Lincoln Center de Nueva York en relación con sus propios festivales internacionales. En 2012, el Glee Club lleva esta tradición
hacia adelante con el primer Festival Internacional Coral de Yale en New Haven. Hay planes en marcha para el segundo, en 2015.
El Glee Club ha actuado bajo la batuta de muchos distinguidos directores invitados, desde Leopold Stokowski a Robert Shaw. Colaboraciones recientes han incluido actuaciones bajo la dirección de Sir David Willcocks, Krzysztof Penderecki, Sir Neville Marriner, Dale Warland,
Nicholas McGegan, Stefan Parkman, Simon Carrington, Erwin Ortner, David Hill, y Helmuth Rilling.
El Glee Club de Yale ha tenido sólo siete directores en sus 154 años de historia y está liderado actualmente por Jeffrey Douma. Han sido anteriores directores Marshall Bartolomé (1921-1953), el primero que llevó el grupo a la fama internacional y que amplió el repertorio del Glee Club
más allá de las canciones de la universidad a una gama más amplia de gran repertorio coral; Fenno Heath (1953-1992), bajo cuyo inspirado
liderazgo, el Glee Club hizo la transición de coro masculino a coro mixto; y más recientemente David Connell (1992-2002), cuya visión ayudó
a traer las mejores tradiciones de este conjunto al siglo XXI.
JEFFREY DOUMA
Desde el otoño de 2003, Jeffrey Douma ha sido Director del Glee Club de Yale, recientemente aclamado por The New York Times como “...
uno de los mejores conjuntos de canto colegial, y uno de los más arriesgados”. También ejerce como Profesor de Dirección de Orquesta en
la Escuela de Música de Yale, donde enseña en el programa coral de posgrado, y como director fundador de los Artistas Corales de Yale. Es
Director Artístico del Festival Coral Internacional de Yale, fundado en 2012.
Douma ha aparecido como director invitado con coros y orquestas en seis continentes, incluyendo la Real Orquesta Filarmónica de Melbourne, la Orquesta de Cámara de Lituania, el Coro Filarmónico de Daejeon, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta de Cámara de
Moscú, la Orquesta Sinfónica de Tbilisi, Orquesta Solistas de La Habana, Filarmónica Tekfen de Estambul, el Coro Sinfónico de Johannesburgo, la Orquesta Sinfónica de New Haven y la Orquesta EOS del Conservatorio Central de Pekín. También es actualmente Director Musical
del Coro de Ex Alumnos de Yale, que ha dado lugar a ocho giras internacionales, y ejerció, durante cinco años, como maestro de capilla de
la Catedral de St. Joseph en Hartford, Connecticut, cuando las actuaciones iban desde La Pasión según San Juan de Bach, con orquesta
barroca, hasta el Te Deum de Arvo Pärt.
Diversos coros, bajo su dirección, han actuado en el Neue Gewandhaus de Leipzig, Dvorak Hall en Praga, la Basílica de San Pedro en Roma,
Notre Dame de París, Teatro Colón de Argentina, el Centro de Artes Orientales de Shanghai, Avery Fisher Hall y Carnegie Hall, y ha preparado
a otros para actuaciones con directores eminentes, como William Christie, Valery Gergiev, Sir Neville Marriner, Sir David Willcocks, Dale Warland, Krzysztof Penderecki, Nicholas McGegan, Mark Morris y Helmuth Rilling.
Douma se ha presentado en convenciones nacionales, estatales y divisionales de la ACDA y NCCO, y el Glee Club de Yale ha aparecido como
un conjunto destacado en la Conferencia Nacional NCCO 2009 y la Convención de la División del Este ACDA 2012. Activo con músicos de
todas las edades, Douma sirvió durante cuatro años dirigiendo la facultad del Interlochen Center for the Arts, el marco principal de prácticas
en América para los músicos de la escuela secundaria, director del Concierto de Coro, Coro de Mujeres y el Festival de Coro. Frecuentemente
ejerce para los festivales y los coros de honor. Sus compromisos más recientes incluyen la realización de clases magistrales en el International
College Choir Festival de Pekín, en la Escuela de Música de la Universidad de Michigan, en la Escuela Jacobs de Música de la Universidad
de Indiana, en la Hochschule der Künste de Zurich, en la Universidad de Fudan, en Shanghai, y en el Masterclass Internacional del Coro de
la Radio de Berlín. Los compromisos de la temporada 2014-15 incluyen festivales y clases magistrales en Nueva York, Colorado, Minnesota
y Connecticut y una aparición como director invitado del Norway’s Edvard Grieg Kor.
Como defensor de la nueva música, Douma estableció el Concurso Yale Glee Club para compositores emergentes y el Premio Fenno Heath y
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ha estrenado nuevas obras de compositores, como Dominick Argento, Bright Sheng, Ned Rorem, Jan Sandström, Ted Hearne, Hannah Lash,
Theodore Morrison, René Clausen, Lewis Spratlan, y James Macmillan. También trabaja como editor del Yale Glee Club New Classics Choral Series, publicado por Boosey & Hawkes. Sus arreglos corales son publicados por G. Schirmer. Como tenor, Douma ha aparecido como
miembro del conjunto y como solista con muchos de los coros profesionales más importantes del país, incluyendo el Dale Warland Singers,
Bella Voce de Chicago, el Oregon Bach Festival Chorus, y el Robert Shaw Festiva Singers.
En la primavera de 2003, Douma fue uno de los dos directores norteamericanos invitados a competir por el primer premio Eric Ericson, el
primer concurso internacional para los directores de coro. Antes de su nombramiento en Yale, ocupó el cargo de Director de Actividades
Corales en el Carroll College, y también enseñó en las facultades de dirección del Smith College y la Universidad Estatal de St. Cloud. Douma
obtuvo una Licenciatura en Música de la Universidad de Concordia, Moorhead (Minnesota), y el Doctorado en Artes Musicales en la Dirección
por la Universidad de Michigan. Vive en Hamden, Connecticut, con su esposa, la pianista y directora de orquesta Erika Schroth, y sus dos
hijos, Sofía y Will.
ORQUESTA Y CORO DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE MADRID
La OCUAM realiza un intenso trabajo dentro de España y el extranjero para la promoción y difusión de la cultura en general, y de la música
en particular. Su actividad como intérpretes les ha llevado a representar a la UAM y a España, como entusiastas embajadores de la actividad
musical y académica, por diferentes partes del país y del extranjero, siempre con un reconocido éxito. Desde su creación, en el año 1995,
están bajo la dirección de Enrique Muñoz Rubio. Han actuado en las salas más importantes de España, entre las que destaca el Auditorio
Nacional, donde todos los años se realiza el concierto de cierre de temporada. También han sido invitados a participar en importantes festivales, entre los que sobresalen el Festival COMA y el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid. Ha grabado dos CD, uno dedicado
a la música francesa y, el segundo, dedicado a la música de compositores españoles exiliados durante la dictadura (Carlos Palacios, María
Rodrigo, Ignacio Nieva y Manuel de Falla). Recientemente se ha grabado un DVD de un concierto con la Novena Sinfonía, de Beethoven, junto
a un documental. Actualmente está en proyecto la edición de la Misa de Requiem, de G. Verdi, así como también la grabación del Requiem,
de Enrique Muñoz.
ENRIQUE MUÑOZ
Es profesor de la Facultad de Formación de Profesorado y Educación de la UAM, desarrollando como músico una triple vertiente, como
docente, como compositor y como intérprete y director de orquesta y coros. En el campo de la composición, pertenece al grupo de compositores madrileños más activos, estrenando sus obras dentro y fuera de España y obteniendo premios nacionales e internacionales. Sus últimos
estrenos han tenido lugar en Japón, Italia, Francia, Brasil, Finlandia Senegal, Rumanía, Taiwán y en el festival de compositores madrileños
COMA 2007. Recientemente se ha editado un disco monográfico de parte de su música vocal A Capella por la Casa discográfica EMEC en
la serie Compositores Españoles, Vol. 8, interpretado por el Ensemble Vocal francés Soli-Tutti. En su trayectoria como director ha fundado y
dirigido la Orquesta La Vihuela, el Coro Maestro Barbieri, la Coral Parque Norte, la Orquesta y Coro de la UAM, el Coro de Cámara de la UAM,
y el Grupo instrumental de Cámara de la UAM.
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Cámara Sacra / Flores Chaviano
MÚSICA
CANTOS LITÚRGICOS AFROCUBANOS
INTÉRPRETES
Cámara Sacra: Akemi Alfonso, Dania Rodríguez, Ana ValdésMiranda, Yelena Lafargue, voces. David Santacecilia, Reynaldo
Macero, violines. Nadia Chaviano, viola. Ángel Paunov, violoncello. José A. García, guitarra. Ángel Herrera, percusión. Flores
Chaviano, arreglos y director.
PROGRAMA
Rodrigo Prats
(1908-1980)
Teatros, fechas y
horarios
Señor (criolla II)
Gloria (danzón III)
Santo (contradanza)
Madrid.
Parroquia Santuario de María
Auxiliadora.
13 de marzo. 20:30 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Cordero de Dios (habanera)
Juan J. Sosa
Arsenio Rodríguez
(1911-1970)
Flores Chaviano
(1946)
Salve (guajira son)
Bruca manigua (son afrocubano)
Cantos litúrgicos afrocubanos *
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Arte Sacro 2015
Pedro Julio del Valle
(1921-1969)
Emilio Grenet
(1901-1941)
Nicolás Guillén
(1902-1989)
Flores Chaviano
(1946)
Armando Medina
Señor (criolla II)
Credo (criolla, son)
Yambambó (son)
Santo
Saludo a Changó (afro)
* Estreno absoluto
NOTAS AL PROGRAMA
Cámara Sacra, ha desarrollado durante años una intensa labor de difusión de las músicas sacras de Iberoamérica, sobre todo de aquellas que
emanan de los lineamientos del Concilio Vaticano II que se basan en las músicas folklóricas de los pueblos de Iberoamérica. En este sentido
hemos puesto en solfa partituras de gran trascendencia, como la Misa criolla, de Ariel Ramírez, y decenas de piezas de la música sacra de
Cuba; nuestros últimos trabajos se refieren a lo que llamamos Góspel Afrocubano, que incluyen músicas de origen yoruba, presentes en las
liturgias sacras de origen afro. Hoy se estrena Cantos litúrgicos afrocubanos, como ejemplo de lo dicho antes, junto a las músicas de los
maestros Rodrigo Prats y Pedro del Valle que fueron de los primeros autores cubanos que estrenaron sus misas compuestas a partir de los
ritmos populares cubanos en los años que siguieron a la celebración del Concilio Vaticano II.
El término góspel significa “Palabra de Dios” (godspell), música de origen cristiana que, en el caso de Norteamérica, es la resultante de la
mezcla del cantoral y doctrinas evangélicas con las culturas afroamericanas. El góspel se hizo popular durante la década de los años 30,
del pasado siglo, y era un tipo de canto más sencillo y rítmico. Este mismo principio lo encontramos en las músicas afrocubanas que se sincretizan con la religión católica. En la variante cubana, el canto está muy ligado a los cantos y toques a los dioses del Panteón Yoruba, que
se mezclan con los santos católicos siendo en cualquier caso, cantos espirituales que invitan a las personas al encuentro con sus dioses.
Muchos compositores y trovadores más cercanos al catolicismo han compuesto canciones y misas de carácter popular y también con ritmos
afrocubanos
AKEMI ALFONSO
Nacida en La Habana, comenzó sus estudios de música en Guanabacoa Habana. En 1991 pasa a formar parte del Coro de la Ópera Nacional de Cuba. En esta etapa realiza varias giras internacionales además de papeles protagonistas en Óperas, como Bastián y Bastiana, de
Mozart, La Traviata, de Verdi, y Rita, de Donizetti. En 1996, realiza una extensa gira por España y Portugal, participando en los Veranos de
Madrid; en 1997 gana el premio Salto a la Fama, de televisión; en 1998 pasa a formar parte del elenco del espectáculo La Antología de la
Zarzuela, de José Tamayo, realizando representaciones en Filipinas, Festival Internacional de Estambul, Auditorio Nacional de México… Con
el espectáculo Una cena cantada, actúa en Oporto, Manchester, Londres, Verona, Milán, Turín Roma, Miami, etc. En 2000 se presenta en el
Teatro Nuevo Apolo de Madrid en la obra Amadeus, en el papel de Teresa Salieri.
DANIA RODRÍGUEZ RODRÍGUEZ
Licenciada en Canto Lírico, con Título de Oro, en la Universidad de las Artes de Cuba (2012). Graduada de dirección Coral en el Conservatorio
Amadeo Roldán de La Habana (2005). Obtuvo una beca de estudios de la Fundación Carolina para realizar un postgrado en el Liceu de Barcelona con el maestro Eduard Giménez (2012). Actualmente continúa su perfeccionamiento en dicha institución. Ha sido galardonada en varios
concursos en su país. En España obtuvo el Premio de la Ópera Estudio de Barcelona, de la Academia A Tempo, en el Concurso Internacional
de Canto de Les Corts (2013), fue finalista en el Concurso Internacional de Canto Montserrat Caballé (2013) y seleccionada para participar en
el Concurso Internacional de Canto Doctor Luis Sigall, de Viña del Mar (Chile), en 2013.
Entre los roles que ha cantado está la Reina de la noche (su debut a los 21 años en el estreno en Cuba de La flauta mágica, con el Teatro
Lírico Nacional de Cuba, en una puesta en escena de Andreas Baesler, destacado director alemán, en 2009). Cantó el rol de Sofía de la ópera
Il Signor Bruschino, de G. Rossini, con la Orquesta de la Opera Jove del Consevatori del Liceu, en una puesta en escena de Mikel Gorriz, en
2013. En su país ha cantado Dido y Eneas, de Henry Purcell, Bastián y Bastiana, de W. A. Mozart, Misa de los gorriones, de Mozart, y Stabat
Mater, de Vivaldi, con la Orquesta del Liceu Mozartiano de La Habana, adjunta a la Universidad de las Artes de Cuba
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ANA VALDÉS-MIRANDA CRESPO
Nació en La Habana, Cuba. Inicia sus estudios de canto en España con la soprano checa Eva Novotna, pasando los exámenes de la Associated Board of the Royal School of Music, de Londres. Recibió también clases de la eminente soprano cubana Daisy Rodríguez, en la ciudad
de Nueva York. Durante seis años cantó con la Coral Ágora de Segovia, realizando múltiples conciertos con dicha agrupación, estrenando
importantes obras y grabando dos CD. Durante varios meses asistió a los ensayos de la Coral de la Universidad Carlos III de Madrid. Ha sido
miembro de la Coral Joaquín Rodrigo, de la Universidad SEK. Asistió varios años a múltiples cursos de técnica vocal y de canto coral patrocinados por la Fundación Don Juan de Borbón. Formó parte de la Coral Talía, de la Fundación Orquesta Sinfónica Chamartín de Madrid, con
la que ha actuado recientemente en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Es miembro del grupo Cámara Sacra.
YELENA LAFARGUE JAMIERSON
Licenciada en música, en la especialidad de Canto, en 2007 por el Instituto Superior de Arte de La Habana. Debutó en ópera en 2005 con
la puesta en escena de Madame Butterfly de Puccini, con el Teatro Lírico Nacional de Cuba, en el escenario del Gran Teatro de La Habana
e interpretando el papel de Zuzuki. Ha ofrecido un sinnúmero de conciertos en diferentes salas, patrocinados por el Teatro Lírico Nacional
de Cuba. En 2006 interpretó el Réquiem, de Mozart, con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba. En 2007 debuta en Cavalleria rusticana,
de Mascagni, en los roles de Mamma Lucia y Lola, y en la zarzuela Cecilia Valdés. Fue ganadora del Primer Premio en la Décima Edición
del Concurso Nacional de Canto Mariana de Gonitch, así como ganadora del Premio Revelación y del Premio a la Mejor Interpretación del
repertorio alemán. Grabó en el álbum del saxofonista de jazz Ariel Bringuez interpretando el tema que obtuvo el Premio de Composición en el
Festival de Jóvenes Jazzistas JoJazz 2005. En 2007 culminó sus estudios superiores en el Instituto Superior de Arte, pasando a ser solista del
Teatro Lírico Nacional de Cuba. En 2008, fue seleccionada para integrar la representación cubana en la 2ª Edición de la Ronda Clasificatoria
que se realiza en La Habana para el Concurso Internacional Hans Gabor Belvedere, en Viena (Austria). En Madrid ha formado parte de varias
compañías interpretando papeles como Zuzuki de Madame Butterfly, de Puccini, Mercedes de Carmen, de Bizet, La Cantaora de La Verbena
de la Paloma. Roles como Segunda Mujer de Dido y Eneas, de Purcell , Tisbe de Cenerentola y Berta de El barbero de Sevilla, de Rossini,
Maestra de las novicias de Suor Angelica, de Puccini, Flora de La Traviata, de Verdi, Alisa de Lucía de Lammermour, de Donizetti), Magdalena
de Rigoletto, de Verdi, y óperas como Nabucco, La flauta mágica, El murciélago y Pagliacci, entre otras.
Actualmente forma parte del Musical El Rey León, interpretando los personajes de Sarabi (Reina leona) y Shenzi (hiena).
DAVID SANTACECILIA
Madrid, 1981, Director, compositor, licenciado en filosofía, violín, música de cámara, violín barroco y clave .Ha realizado cursos de perfeccionamiento con maestros como Vartan Monogian, Boris Kouniev, de cámara y clave con Ferenc Rador y Richard Egarr. Ha obtenido los
siguientes galardones: Premio de Honor Fin de Carrera (1999) y Premio de Honor (2001) en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, en Concurso Nacional de Interpretación Jacinto Guerrero (2001), VII Concurso Nacional de Música de Cámara de Vinarós (2005), Primer
Premio en el Concurso de Música de Cámara de Yanguas (2005), etc. Ha sido concertino durante tres temporadas de la Orquesta Sinfónica
de Estudiantes de la Comunidad de Madrid. Como intérprete ha realizado conciertos por toda la geografía española, así como grabaciones
para RTVE. Colabora actualmente con otras agrupaciones musicales, como la Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta SIC, y es miembro del
Cuarteto Cibeles. En la actualidad compagina su actividad concertística con la docente, impartiendo clases de violín en el Conservatorio
Amaniel, de Madrid.
REYNALDO MACERO
Nace en Cuba. Por sus méritos artísticos el gobierno cubano le concede una beca para realizar sus estudios superiores en Rusia.
Graduado del insigne Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, con el maestro Vladimir Malinin, obtiene el Título de Master of fine arts, en la
categoría de Concertista, y el Premio Fin de Carrera en la especialidad de Música de Cámara y Cuarteto con los maestros Dimitri Shebalin y
Sergei Petchugin, miembros, respectivamente, de los prestigiosos Cuartetos Borodín y Shostakovich,.
En Moscú se ha presentado en las salas Tchaikovsky, Rachmaninov, Mali Sal y Bolshoi Sal del Conservatorio.
Como solista ha colaborado con la Orquesta de Cámara de Astrakhan en el Festival de la Música en Lima (Perú) y en el Festival Bach-Vivaldi
en la ciudad de Penza (Rusia)
Su carrera le ha llevado a diferentes países: Estonia, Lituania, Finlandia, Suecia, Inglaterra, España, Portugal, Rusia, Polonia, Marruecos,
Cuba, Perú, Brasil, Colombia, México, Estados Unidos, etc.
Concertino de la Orquesta Colombus, de Moscú. Ha impartido cursos de violín y clases magistrales, organizados por la Universidad de Getafe
de Madrid, y en el Conservatorio de Cali (Colombia). Además, ha sido profesor de violín del Conservatorio Superior Padre Soler de El Escorial,
en Madrid..
Fundador y primer violín del Cuarteto Assai, ha actuado como miembro del conjunto de cámara en prestigiosas salas de toda España y el
extranjero,
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NADIA CHAVIANO
Realizó sus estudios de viola en el Conservatorio Profesional de Música de Segovia, continuando sus Estudios Superiores en el Real Conservatorio de Música de Madrid. Colabora habitualmente con diferentes orquestas españolas, como Reina Sofía Freixenet, Filarmonía de
España, grabando los programas de El Conciertazo de Televisión Española, Sinfónica Europea del Mediterráneo, de Majadahonda, de San
Sebastián de los Reyes, entre otras, dirigidas por los maestros Ros Marbà, Pedro Halffter, Odón Alonso, Leonardo Balada y Pascual Osa.
También colabora con el Ensemble de Segovia, Cuarteto Cibeles y Trío Nova Cámara, de los que es fundadora, y Cámara Sacra, Ha actuado
en París, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Auditorio de las Rozas, Festival de Soria, en los Jardines del Palacio de Aranjuez, así como
en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en Portugal, Florencia, Institutos Cervantes de Miami y en Manhattan, Nueva York. Ha asistido a los
cursos del maestro Bruno Giuranna. Actualmente trabaja en la docencia y estudia el Método Suzuki, en Edimburgo.
ÁNGEL PAUNOV
Cursa estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de San Sebastián, finalizando con Premio de Grado Superior y Matrícula
de Honor, y titulándose como Profesor Superior de Violoncello y Música de Cámara. Desde temprana edad ha pertenecido a numerosas orquestas y agrupaciones participando en numerosos festivales y ciclos musicales de prestigio. En Madrid ha sido becario y ha colaborado con
la Orquesta Sinfónica de Madrid durante 5 años. Ha colaborado también con la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Ha formado parte de
varias formaciones de cámara como Aulos Piano Trío, Ara Malikiam Ensemble, Orquesta Harmonia Sphaerarum, Delios Ensemble y Cuarteto
Fin de Siglo. Ha participado en grabaciones para músicos conocidos, así como bandas sonoras para cine y radio además de diversos espectáculos musicales. Actualmente forma parte del Cuarteto Cibeles, sigue en colaboración con varias orquestas e imparte clases de violoncello,
música de cámara y orquesta en escuelas municipales y privadas de Madrid.
JOSÉ ANTONIO GARCÍA FUERTES
Nacido en Llanes (Asturias) en 1973. Termina sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con el catedrático Miguel Ángel Jiménez. Su formación se completa asistiendo a numerosos cursos y masterclass con las figuras más relevantes. Ha tocado en
numerosas localidades de España, Portugal, Inglaterra, Pakistán, países de Asia Central, Vietnam, etc. Se ha presentado como solista en
importantes salas junto a diferentes orquestas. Asimismo ha realizado grabaciones para Radio y TV. Es invitado a participar en festivales de
música y guitarra, entre los más recientes Festival Luna Lunera, Festival Internacional Andrés Segovia, Jornadas de Música Contemporánea
de Segovia, International Guitar Festival, Bath (Inglaterra)... Presta una especial atención a la música de cámara siendo integrante de diversos
grupos, como Trío Nova Cámara, Dúo Caprice, colaborando estrechamente con otros muchos, como Cámara Sacra.
ÁNGEL HERRERA
Nació en La Habana y es descendiente de una familia de músicos cubanos que participan activamente en la vida musical cubana: Estudió
percusión en la capital de la isla y desde hace algunos años reside en Madrid, donde continúa su actividad musical. Desde hace tiempo
participa de los conciertos de Cámara Sacra, siendo un gran conocedor de los tambores batá y todo la percusión cubana..
FLORES CHAVIANO
Guitarrista, compositor y director nacido en Cuba, ha desarrollado una intensa actividad concertística por diferentes continentes, de Asia a
América, desde Pekín a New York, pasando por Berlín, Puerto Rico, México D. F., Miami, Los Ángeles, Polonia, Rusia, República Checa, Suecia, Italia, La Habana, Venezuela y, en España, en los Festivales Internacionales de Granada, Alicante, Navarra, Asturias, León, Auditorio Nacional de Música de Madrid, etc. Es miembro de la Asociación de Compositores Madrileños. Ha realizado el estreno de decenas de obras de
compositores actuales que le han dedicado sus partituras y tiene un amplio catálogo de obras para diferentes combinaciones instrumentales.
Ha estrenado obras con las Orquestas Sinfónicas de Granada, recientemente con la Simón Bolívar de Caracas, del Principado de Asturias,
Nacional de México, Gdansk (Polonia), Clásica de Madrid, del Principado de Asturias, de la Comunidad Autónoma de Madrid, de Cámara del
Nalón, Nacional de El Salvador, Filarmónica de Montevideo. Su obra sinfónica Ni-Fe, fue interpretada en la sede de la ONU, en Nueva York,
por la Orquesta del Nalón. Ha sido un gran difusor de la música del compositor Esteban Salas, máximo representante del barroco cubano,
autor de música sacra. En diciembre pasado, realizó un concierto monográfico con la obra de Salas, organizado por The Cuban Cultural
Center de New York. Para dar realce a tan importante acontecimiento fundó la Capilla Musical Esteban Salas de Nueva York.
En el próximo mes de marzo se estrena su obra sinfónico-coral Son de negros con texto de García Lorca. El estreno tendrá lugar en el Carnegie Hall y la sede de la ONU, en Nueva York.
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In Hora Sexta / JUAN MANUEL CONEJO
MÚSICA
DE LA MÍSTICA EN LA MÚSICA
TRAS LAS HUELLAS DE SANTA TERESA
INTÉRPRETES
In Hora Sexta: Paula Coll Lapido, Beatriz Teixeira, Patricia Sáenz-Díez Molina, sopranos. Eva González Morán, Meike Von
Osten, Mar Díaz-Malaguilla, altos. Abraham González Ponce, Juan Manuel Conejo González, Jorge Paniagua de la Fuente,
tenores. Javier Caballero Guerrero, Xavier Dupac, Carlos Martínez de Ibarreta, bajos. Juan Manuel Conejo González,
director.
PROGRAMA
Kassia
(c. 810- c. 867)
John Tavener
(1944-2013)
Hildegard von Bingen
(1098-1179)
Arvo Pärt
(1935)
Carlo Gesualdo
(1560-1613)
Loïc Pierre
Teatros, fechas y
horarios
Troparion (cuarto tono)
The Lamb
Torremocha.
Iglesia de San Pedro Apóstol.
14 de marzo. 19:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
O virtus sapientiae
O Immanuel
Tribulationem et dolorem
Étude 4
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Tomás Luis de Victoria
(1548-1611)
Fernando Moruja
(1960-2004)
Francisco Guerrero
(1528-1599)
Olivier Messiaen
(1908-1992)
Cristóbal de Morales
(c. 1500-1553)
Pēteris Vasks
(1946)
Henryk M. Górecki
(1933-2010)
Amicus meus / Judas mercator pessimus
Lux aeterna
Si tus penas no pruevo
O sacrum convivium
Parce mihi Domine
Nosapi parsapi
Totus tuus
IN HORA SEXTA
Según los contratos de los organistas de algunas catedrales españolas, en la hora sexta (hacia las tres de la tarde) debían realizar un pequeño
concierto para todo aquel que se acercase al recinto catedralicio. Con este espíritu de difusión musical nació el Grupo Vocal In Hora Sexta
en la primavera de 2002, dándose a conocer en las Navidades del mismo año.
Con mucha ilusión, unos cuantos amigos procedentes de diversos coros, se unieron para crear un grupo de cámara distinto dentro del ambiente coral de Madrid. Un grupo con buena formación vocal y musical capaz de afrontar simultáneamente proyectos tan dispares y exigentes
como la música del renacimiento y primer barroco y la estrictamente contemporánea de los ss. XX y XXI.
En los primeros años, In hora Sexta presta una especial atención a repertorios poco usuales, ofreciendo programas muy atractivos. Su trabajo y dedicación fueron pronto reconocidos al otorgársele, en noviembre de 2003, el Primer Premio en el I Concurso de Polifonía Religiosa
convocado por el Arzobispado de Madrid y la Academia de Arte e Historia de San Dámaso.
Desde entonces el grupo ha participado en los Ciclos de Música de Semana Santa del Ayuntamiento de Madrid, en los Ciclos de Clásicos
en Verano de la Comunidad de Madrid, en los Ciclos de Música Sacra del Ayuntamiento de Getafe y ha sido invitado de la Federació Coral
de Catalunya en el Maig Coral del Barcelonés, en Los Caprichos Musicales de la Isla Baja de Tenerife y en el Festival Internazionale Corale
di Musica Sacra de Cagliari en Cerdeña, Italia; también en el Festival Via Magna de Madrid y en el Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos. Además, ha realizado giras invitado por diversas instituciones de Toledo, Segovia, Barcelona, Valencia, Tenerife,
Medinaceli, El Escorial y Santander.
El interés de In Hora Sexta por profundizar en la música antigua española le ha llevado a interpretar la Misa Pro Defunctis, de Pedro Escobar
(ss. XV-XVI), recuperada por el grupo para el programa de la Ruta Quetzal de 2004, o la Agenda Defunctorum, de Juan Vásquez.
En 2007 In Hora Sexta recuperó y grabó, bajo la supervisión de José Sierra, catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, la Misa de Nuestra Señora, con el canto llano de Martín de Villanueva. Esta misa pertenece a los fondos musicales del Monasterio de El
Escorial, en el que el propio Villanueva fue maestro de capilla a finales del siglo XVI. El interés de su recuperación radica en traer del olvido el
peculiar estilo de interpretación de las misas alternatim basadas en el canto llano de la época post-trentina. La grabación de esta obra está
disponible en la colección de música de los Maestros de Capilla de El Escorial.
La vocación del grupo por aunar la tradición de la música antigua y la modernidad de los ss. XX y XXI ha dado como fruto programas como el
dedicado al texto O Magnum Mysterium, que abarca desde el estilo gregoriano hasta el estreno absoluto de una obra escrita para la ocasión.
O las giras dedicadas a la música de Monteverdi y Barber, en 2008, al compositor vasco Vicente Goicoechea, en 2009, y, de nuevo, a Martín
de Villanueva, en 2010.
Entre los programas recientes interpretados por In Hora Sexta destacan el de Música Española del Medievo al siglo XXI en el Ciclo Música
in Tempore, de Chinchón, y el consagrado a Tomás Luis de Victoria; conmemorando en 2011 el IV centenario de su muerte, interpretó las
Lamentaciones del Profeta Jeremías, entre otras, en el Ciclo de Semana Santa del Ayuntamiento de Madrid, en el Simposio Internacional de
la Sociedad Española de Musicología y en el Festival Internazionale Corale di Musica Sacra de Cerdeña. Tal ha sido el éxito de este programa,
que el grupo fue invitado a interpretarlo, en octubre de 2012, en la parroquia Santa Anna de El Vaticano y a cantar en la misa dominical en la
Basílica de San Pedro.
In Hora Sexta ha colaborado con directores de la talla de Josep Ramón Gil–Tárrega o Raúl Mallavibarrena, director y fundador de Musica
Ficta, con quien el grupo preparó en 2014 un programa basado en el Officium Hebdomadae Sanctae, de Victoria.
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Interpretar esta música ha implicado un arduo trabajo tanto en la selección del repertorio –que incluye obras de C. Monteverdi, C. Gesualdo,
W. Byrd, H. Schütz, J. Anchieta, H. Purcell, T. L. de Victoria, F. Poulenc, D. Milhaud, V. Miskinis, Z. Kodaly, S. Barber, B. Britten, A. Piazzolla,
A. M. Russo y un largo etcétera– como en la preparación vocal de sus componentes.
JUAN MANUEL CONEJO GONZÁLEZ
Realiza sus estudios superiores en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Ha participado en los Cursos Internacionales de Dirección Coral en Lleida, Tarragona, Daroca y en la Academia de Dirección Coral de la
Confederación Coral del País Vasco, estudiando, entre otros, con Josep R. Gil Tárrega Enrique Azurza, Nestor Andrenacci, Lluis y Josep Vila,
Johan Duicjk y Werner Pfaff.
Actualmente es Director del Grupo Vocal In Hora Sexta de Madrid y profesor de lenguaje musical y coro en el Conservatorio Profesional de
Getafe.
Ha estudiado composición con Antón García Abril, Manuel Seco de Arpe, Alejandro Román y Zulema de la Cruz, ampliando su formación con
numerosos cursos y seminarios tanto en el ámbito de la dirección coral como compositivo.
Es miembro activo de la Asociación Madrileña de Compositores “AMCC”, posee varias publicaciones editadas por Real Musical y Editorial
Piles y ha conseguido diversos galardones. www.inhorasexta.com
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Los Músicos de Urueña
MÚSICA
LA LÍRICA ESPIRITUAL EN LOS
TROVADORES MEDIEVALES
DANZA Y MÚSICA EN DIRECTO
INTÉRPRETES
Los Músicos de Urueña: Luis Delgado, César Carazo, Jaime Muñoz y Bill Cooley.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
- La lírica espiritual en los trovadores medievales
San Lorenzo de El Escorial.
Teatro Real Coliseo de Carlos III.
14 de marzo. 20:00 horas.
Entrada: de 11 a 16 €.
NOTAS AL PROGRAMA
Partiendo de la transcripción realizada por Ismael Fernández de la Cuesta, el concierto está basado en la lírica espiritual de las canciones de trovadores. Estas se comparan en el programa con
los temas afines en el repertorio de las Cantigas del Rey Alfonso, en el legado musical del Rey
Theobaldo I y en la Música Andalusí que ha sobrevivido por tradición oral en el Magreb. Son textos
de enorme intensidad espiritual que nos acercan al sentimiento religioso de la época. Se trata de
un repertorio que refleja la sobriedad religiosa de aquellos tiempos, solo comparable a la intensa
emoción que reflejan los textos y las melodías. El movimiento poético y musical de los trovadores
se desarrolla en el Sur de Francia, la antigua Occitania, entre los siglos XII y XIV, teniendo un reflejo
creativo en otras regiones europeas y una estrecha relación con las Cortes del Norte de la Península Ibérica. Todas las piezas van precedidas de explicaciones que sitúan al oyente en el entorno
de cada una de ellas, haciendo que el concierto resulte ameno e informativo.
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LOS MÚSICOS DE URUEÑA
Tras más de veinticinco años de trabajo en diversas formaciones, y con una profunda experiencia en el campo de la música medieval, César
Carazo y Luis Delgado fundan en 1998 el grupo Los Músicos de Urueña.
Su propósito es el de llevar a cabo un trabajo creativo pero riguroso sobre la música medieval de la Península Ibérica, contando para ello con
la proximidad cultural y geográfica del Magreb y de la Occitania medieval.
El nombre de Urueña se toma de la villa murada vallisoletana, que es sede del Museo de Instrumentos del Mundo, en el que se exponen al
público parte de los fondos de la colección de instrumentos de Luis Delgado. Ésta reúne más de 1200 piezas.
Las transcripciones utilizadas parten del trabajo de los musicólogos especializados en el tema: Higinio Anglés, Arcadio Larrea Palacín, Ismael
Fernández de la Cuesta, Luis Lozano Virumbrales, Julián Ribera Tarrago, etc. y las formaciones del grupo se adaptan a los programas y propósitos de cada concierto.
LUIS DELGADO
Interprete y autor, ha trabajado en numerosos grupos. Desde 1970 se dedica a la música antigua, primero con la Orquesta Gaspar Sanz, luego
con el grupo Atrium Musicae, posteriormente con el ensemble Cálamus, con La Musgaña, con el Ensemble Hispano-Marroqui Ibn Baya y
con el Grupo de Música Antigua de Eduardo Paniagua. En la actualidad pertenece al Ensemble francés Le Tre Fontane, dedicado a la música
medieval occitana. Como autor ha compuesto varias bandas sonoras para TV (Alquibla, de Juan Goytisolo, Don Juan Tenorio, de José Luis
García Berlanga, La Transición, de Victoria Prego, etc.), ballets para la compañía de Víctor Ullate (Arrayán D´araxa, Jaleos, Seguiriya, Homenaje al Maestro Escudero, para la RAI, etc.), y la música de diversos montajes teatrales del Teatro de la Abadía de Madrid, bajo la dirección de
José Luis Gómez (Cervantes, Valle Inclán, Bertold Bretch,...). Ha realizado giras en todo el mundo y es compositor permanente del Planetario
de Madrid, habiendo trabajado también para los de Nueva York, Coruña, Cuenca y Pamplona. Como solista ha publicado 17 discos, 22 como
miembro de distintos grupos, ha producido más de 30 trabajos y colaborado en más de 100 grabaciones: María del Mar Bonet, Amancio
Prada, Joaquín Díaz, Luis Paniagua, Kepa Junkera, Vainica Doble, Le Tre Fontane, Voces Huelgas, etc. Posee una colección de más de mil
instrumentos musicales que se exhibe al público en el Museo de la Musica de Urueña.
CÉSAR CARAZO
Natural de Badajoz, inicia sus estudios musicales y de violín en el Conservatorio de su ciudad. En 1983 realiza estudios de Canto en la Escuela
Superior de Madrid y, en el Conservatorio de San Lorenzo del Escorial, de contrapunto y fuga. Ha participado en un gran número de cursos
de interpretación de música barroca, con maestros como Marius van Altena, Isabel Poulenard, Harry van der Kamp en Holanda, San Lorenzo
de El Escorial, Mijas, Daroca. Desde 1983 ha pertenecido al grupo Neocantes, dedicado al estudio e interpretación de la música renacentista
y barroca española con el que ha realizado un innumerable número de conciertos por España y en el extranjero. Desde 1993 colabora con
el grupo Música Antigua, de Eduardo Paniagua, con el que se ha especializado en la interpretación de la música medieval española en sus
tres facetas, cristiana, andalusí y sefardí. Desde el 2000, colabora con Felipe Sánchez Mascuñano en los Grupos Axivil Criollo, dedicado a la
música cubana del s. XIX, y Axivil Castizo, dedicado a la música barroca española. Ha colaborado con otros grupos de música antigua como
Tre Fontane, Al Aire Español, Capilla Real de Madrid, Capella Real de Jordi Savall, Capilla Peñaflorida, Accentus (Viena). Con el Concento
Musical de G. Torrellas ha intervenido como solista en montajes de oratorios, como El Mesias, Réquiem, de Mozart, Dies Irae, de Caldara, Las
Vísperas de la Virgen, de Monteverdi... Con el grupo Ópera Bequadro y la Compañía Madrid Goyesco colabora habitualmente en la puesta en
escena de óperas como La flauta mágica, Bastian y Bastiana, y un gran número de tonadillas de Blas de la Serna, Pablo del Moral, maestro
León, etc.
Ha participado en un gran número de grabaciones discográficas con el Grupo de Música Antigua de Eduardo Paniagua, Neocantes, Concerto
Musical, Capilla Real de Madrid, Capella Real de Cataluña, Axivil Criollo, Quarteto de Urueña, Tre Fontane, Pere Ros, Ibn Bayya, etc.
JAIME MUÑOZ
Nace en Madrid en1965. Entre los años 1987-1991 cursa estudios de solfeo y flauta en el Conservatorio Municipal de Madrid. Posteriormente
estudiará clarinete y saxo soprano en La Escuela de Música Creativa y en el Taller de Músicos de Madrid teniendo como profesores entre
otros a Wade Matthews, Tom Hornsby y Willie Urrea. Dado que su interés siempre ha estado centrado en la música étnica, son diversos los
talleres-seminario a los que acude: en 1991 seminario de flauta travesera de madera impartido por Jean-Michael Veillon, en Bretaña; en 1998
seminario de Kaval (flauta búlgara), en Pamporovo, Bulgaria; en 2000 clases de clarinete búlgaro con Ivo Hristov, en Madrid, etc. Comienza
a tocar profesionalmente en 1987 cuando entra a formar parte del grupo de música tradicional castellana La Musgaña. Al año siguiente son
galardonados con el Primer Premio en el Concurso Nacional de Música Folk convocado por el Ministerio de Cultura. A partir de entonces
ha realizado giras con esta formación por toda Europa, EEUU y Canadá. En 1995 comienza a componer y arreglar música tradicional para el
grupo de teatro infantil El Globo Rojo, poniendo música entre otras obras a Romeo y Julieta, El sastrecillo valiente, o Don Quijote. A principios de 1998 compone música con La Musgaña para Divinas Palabras, de Valle-Inclán, por encargo del grupo de teatro, de Sevilla, Atalaya.
Paralelamente a su trabajo con La Musgaña en la actualidad colabora asiduamente, tanto en grabaciones como en conciertos, con el músico
y compositor Luis Delgado, con el grupo de Música Antigua de Eduardo Paniagua y con el grupo Alfonso X el Sabio. Otros músicos con los
que ha colaborado en grabaciones o directo son: Joaquín Díaz, Javier Bergia, Eduardo Laguillo, Kepa Junkera, María Salgado, Bleizi Ruz, etc.
BILL COOLEY
Esta licenciado en Música por el Conservatorio Hartt School of Music, en Connecticut (EEUU) y ha estudiado etnomusicología en NYU. Está
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especializado en música medieval y en música clásica, tanto turca como árabe; toca el ud, laúd medieval, psalterios medievales y percusión
árabe. Entre sus estudios de posgrado destacan las clases con el maestro-percusionista Glen Velez en NYC y con el maestro-laudista Udi
Necati Çelik en Estambul. Construye sus propios instrumentos medievales de cuerda pulsada investigando las diversas fuentes de mayor
influencia de los siglos XIII y XIV.
Desde el año 2002 vive en España donde ha grabado varios discos de música medieval, sefardí y turca y ha colaborado con muchos grupos/
músicos; entre ellos La Capella de Ministrers, Quarteto de Urueña, Eduardo Paniagua, Necati Çelik Trio, Eliseo Parra, Ana Alcaide, Judith
Cohen, Dmitris Psonis, Francisco Luengo, Esquivel, Puy de sons d’autrefois, entre otros.
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Yuval Gotlibovich
MÚSICA
BACH EN SUITE
INTÉRPRETES
Yuval Gotlibovich, viola.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
I.
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
Suite para violoncello nº 5, en Do menor, BWV 1011
- Preludio
- Allemande
- Courante
- Sarabande
- Gavottes I y II
- Gigue
Madrid.
Real Iglesia Parroquial de
Santiago y San Juan Bautista.
15 de marzo. 20:15 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
II.
Ben-Zion Orgad
(1926-2006)
Menachem Wiesenberg 1
(1950)
Monologue for solo viola *
Monodialogue (a Fantasy for viola solo) *
* Estreno en Europa
** Estreno en España
1
En el concierto estará presente el compositor Menachem Wiesenberg
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NOTAS AL PROGRAMA
Cada pieza de este recital utiliza la viola no sólo como un instrumento melódico, sino que usa la cualidad sombría de su sonido como un punto
de partida a una extensión virtuosística de sus posibilidades, hasta el punto de convertir la viola enteramente en un nuevo instrumento. En el
caso de J. S. Bach, así como en el de Menachem Wiesenberg, con aproximadamente 300 años de diferencia entre ellos, se utiliza la técnica
de una distinta afinación del instrumento para llegar a una resonancia diferente y, por lo tanto, a una calidad diferente de tono, que es una
parte inseparable del carácter fundamental de cada pieza. En Bach la cuerda superior se baja de la a sol, y hace sonar simpáticamente do y
sol, la tríada base de Do menor, la tonalidad de esta Suite.
En la de Wiesenberg se baja la cuerda más grave ampliando el registro de la viola, no sólo hacia arriba sino también hacia abajo, con un
sonido vigoroso y valiente.
Ben-Zion Orgad ha encontrado la inspiración de su pieza en el folclore árabe, ajeno a la viola. La fusión de materia prima de Oriente Próximo
con la técnica composicional occidental crea un nuevo estilo y un nuevo sonido para la viola.
El período de seis años en el que Johann Sebastian Bach sirvió como maestro de capilla del príncipe Leopoldo, en la Corte de Cöthen, resultó
ser una de las épocas más productivas en la carrera creativa del compositor. Durante los años de Cöthen, Bach compuso el primer volumen
de El clave bien temperado, las Invenciones a dos y tres voces, las Suites inglesas y Suites francesas, para clave, las seis Sonatas para violín
solo, los Conciertos de Brandenburgo, las cuatro Suites para orquesta, las tres Sonatas para violoncello y piano y las seis Suites para violoncello solo. Estas últimas obras fueron un hito en la historia de este instrumento.
El origen de la composición de estas seis Suites para violoncello solo sigue siendo un misterio. Durante muchos años la viola da gamba
representó las cuerdas graves en la composición musical del Barroco. En general, la viola da gamba se utilizó para complementar al clave
como continuo en la música de cámara y orquestal (Bach escribió suites para la viola da gamba y dio al instrumento un lugar destacado en
su Pasión según San Mateo). El principal problema del suave sonido de la viola da gamba (que tenía un registro intermedio entre el de la viola
y el del violoncello actuales) fue la falta de un volumen suficiente para las grandes salas que comenzaron a surgir en el panorama europeo de
principios del siglo XVIII. En un momento dado (tras su período de Cöthen en 1731), Bach introdujo un instrumento de su propio diseño, el
violoncello piccolo, un violoncello de cinco cuerdas. El violoncello, sin embargo, se convirtió en el sucesor de la viola da gamba. (Telemann
también promovió el nuevo instrumento en sus composiciones.). En general, no obstante, el violoncello seguía siendo utilizado para duplicar
al bajo continuo. Como mucho, el instrumento tenía una función contrapuntística más que destacadamente melódica o virtuosística.
.
En Cöthen, Bach entró en contacto con dos músicos extraordinarios: el violinista y violagambista Christian Ferdinand Abel y el violoncellista
Christian Bernardo Linike. Cualquiera de estos virtuosos pudo haber alentado la composición de sus seis Suites para violoncello solo, entre 1717 y 1723. En estas partituras Bach superó las limitaciones de la convención Barroca. El violoncello fue usado como un instrumento
vistuosístico más, y no simplemente como relleno de una línea de bajo. Uno de los aspectos más asombrosos de estas suites, es que son
solistas. Era como si el compositor anunciara la aparición del instrumento. Él también desafió la facilidad técnica de los exponentes del nuevo
instrumento. Aquí el violoncellista expone su habilidad plenamente.
Cada una de las suites para violoncello de Bach tiene seis movimientos: Preludio, Allemande, Courante, Sarabande, Minué o Gavotte, y Gigue. La Suite Nº 5 es una de las dos en modo menor (la Suite Nº 2 en Re menor, BWV 1008, es la otra). Bach indica explícitamente al intérprete
de cello bajar su cuerda de la a sol, un tono más bajo, en la quinta suite. El Preludio de apertura es el único en estas suites para violoncello
compuesto en forma de obertura francesa: una sección de apertura lenta seguida de una rápida fuga a dos voces. Hay figuración extensa y
ritmos punteados en el Allemande (un empleo totalmente nuevo del violoncello solo, incluso para los estándares de estas suites). El ligero y
rápido Courante es la versión francesa del baile más que el modelo italiano empleado en otras suites. La Sarabande se desarrolló en España
donde fue introducida por los árabes en el siglo XVII. Las zarabandas de Bach son a menudo sus exposiciones musicales más elocuentes.
Las dos Gavottes están ambas en modo menor y la Gigue final concluye la partitura con un aire melancólico.
Los manuscritos originales de estas suites para cello se han perdido. Las interpretaciones contemporáneas se han basado en facsímiles de
la viuda de Bach, Anna Magdalena, y su alumno Kellner. Estas copias manuscritas con frecuencia omiten indicaciones de arco, marcas de
tempo y adornos. Muchos violoncellistas han realizado sus propias versiones de estas partituras. El gran violoncellista, director de orquesta
y humanista Pablo Casals, fue responsable de introducir estas notables obras en la audiencia del de siglo XX. Así como su acercamiento fue
sumamente idealizado, destacó la profunda reverencia de Casals por Bach y su innata humanidad brilla en cada compás (en sus grabaciones
pioneras de estas suites). El distinguido violoncellista y profesor Janos Starker cree que “todos los matices musicales observables (de la
época de Bach) ya sea en las notas, ornamentos, frases, dinámicas o tempi, deben ser dejados al criterio expresivo de cada intérprete, y la
validez de cada acercamiento interpretativo descansará únicamente sobre el poder comunicativo del ejecutante. Ninguna tradición o verdad
pueden ser invocadas para justificar cualquier tentativa que no satisfaga las necesidades y las exigencias de las normas ya aceptadas de la
praxis interpretativa de nuestro tiempo. Una vez interpreté a Bach como Casals, pero lo he comprendido mejor por mí mismo. Los estudiantes
deben aprender ese acercamiento con el moderno instrumento.”
Aún hoy, una interpretación histórica de estos trabajos es tanto una opción artística personal como una interpretación concebida en términos más contemporáneos. De la misma manera, el acercamiento más expresivo de Casals (con sus raíces en el concepto decimonónico de
intérprete de violoncello y composición) es igualmente válido por su elocuencia profundamente sentida. (Casals adoró a Bach por encima de
todos los otros compositores. También como gran director, Casals dirigió una interpretación notablemente apasionada de las Suites orquestales, los Conciertos de Brandenburgo y los conciertos para instrumentos solistas). Uno de los aspectos fascinantes de estas partituras, y los
misterios que las rodean, es que cada ejecutante debe tener su propio concepto y acercamiento personal a la música. Estas obras concibieron totalmente el violoncello como un instrumento solista.
Monologue, de Ben-Zion Orgad, es una obra básicamente monódica y sus patrones rítmicos siguen modelos comunes para el mundo del
Oriente Próximo árabe. Estos modelos hacen múltiples cambios rítmicos y todas las variaciones posibles.
Monodialogue, una Fantasía para viola solista, de Menachem Wiesenberg, está dedicada a la violista Tabea Zimmermann. El núcleo motívico
de la obra se basa en la realización de las letras de su nombre: Ta-Be-A, que se traducen musicalmente por los nombres alemanes de las
notas Si-Si bemol-La. La forma y la configuración de la obra consiste en el examen de las interrelaciones de estas tres alturas. Como parte
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de la idea motívica, se requiere al intérprete afinar la cuerda más baja de la viola medio tono por debajo, de Do a Si. Monodialogue es una
pieza bastante libre en cuanto a sus tempi y sus matices. La inspiración de su expresividad debe mucho al carácter único y especial de Tabea
Zimmermann.
Estas dos últimas piezas, de dos de las generaciones más importantes de compositores israelitas, están inspiradas en motivos melódicos
derivados de cantos bíblicos y usan patrones rítmicos comunes al mundo árabe y oriental.
NOTAS AL PROGRAMA DE LAWRENCE BUDMEN
Ben Zion-Orgad
Fue un compositor, profesor y poeta de origen israelí. Su familia emigró a Palestina en 1933, donde comenzó clases de violín en 1936. Desde
1942 hasta 1946, Orgad estudió violín y composición con Rudolf Bergmann y Paul Ben-Haim, en Tel Aviv, y en 1947 con Josef Tal, en Jerusalén.
En los años 1949, 1952 y 1961 formó parte en la cursos de composición en el Berkshire Music Center en Tanglewood, con Aaron Copland y
otros.
Desde 1960 hasta 1962 estudió composición en la Universidad de Brandeis en Waltham. A partir de 1956, Orgad fue empleado por el Ministerio israelí de Educación, en el Departamento de su escuela de música. Sus obras musicales consisten principalmente en música de coro y
canciones, aunque también escribió obras para orquesta y música de cámara.
El Monólogo para viola es básicamente monódico y sus modelos rítmicos siguen patrones comunes de la estructura musical de Oriente Medio. Estos modelos hacen cambios rítmicos coloristas con posibles variaciones.
Ben-Zion Orgad es uno de los compositores israelíes que se derivan hacia estilos melódicos y rítmicos de inspiración bíblica tradicional de
Oriente Medio y traducen la prosodia típica de las lenguas semíticas en melodía musical y ritmo. Sus trabajos incluyen ciclos de la canción,
composiciones para instrumento solo, obras para coro como O Lord our Lord : (Psalm VIII) : Motet, cantatas bíblicas, música para la orquesta,
con trompa, su obra Taksim, para arpa, Variaciones en Do, para piano, etc.
Entre sus trabajos más importantes destacan Hatzvi Israel (La Belleza de Israel, sinfonía, 1949/1964), Balade (orquesta, 1971), Ashmoret
shlishit (El Tercer Reloj, orquesta, 1978), Hallel (1978), Individualizaciones II: Concertante (violín, violoncelo y orquesta de cámara, 1990), Seis
Filigranas (cámara, 1989-1993; núm. 6, para orquesta de cuerdas).
MENACHEN WIESENBERG
Compositor, arreglista, pianista y pedagogo, es uno de los más prolíficos y aclamados músicos de Israel
Wiesenberg es ganador del 1998 Prime Minister prize for composition y fue galardonado, en 1992, por sus sobresalientes logros en el campo
de la música de concierto por la Sociedad de Autores, Compositores y Editores de Música en Israel (ACUM Ltd.). Se le concedieron becas
como compositor residente por la Rockfeller Foundation, la Bogliasco Foundation y el Virginia Center for Creative Arts.
Ha recibido encargos y premios de composición por el Oregon Bach Festival, el Schleswig-Holstein Festival en Germany, el Lille Festival
en Francia, Wisconsin University, el Relache Ensemble en Philadelphia, el Council for Culture and Arts en Israel, y la Tel-Aviv Foundation for
Culture and Arts, entre muchos otros.
Su obra abarca una amplia gama de estilos, desde orquestal, de cámara y obras vocales en el campo clásico, a la música ligera y el jazz. Su
música ha sido tocada en Alemania, Austria, Francia, Irlanda, República Checa, Croacia, Países Bajos, Bélgica, Italia, Chipre, EE.UU., Australia, Nueva Zelanda, Colombia, Brasil, Japón y Taiwán. Ha sido interpretada por la Orquesta Sinfónica de Dallas, la Orquesta Filarmónica
de Israel, la Orquesta Filarmónica de Jerusalén, la Camerata Jerusalén de Israel, la Orquesta de Cámara de Israel, la Orquesta Sinfónica de
Haifa y la Orquesta Sinfónica de Rishon Lezion, así como agrupaciones de cámara como el Cuarteto Jerusalén, el Cuarteto Huberman, el
Cuarteto Aviv, el Cuarteto Lumina, el Relache Ensemble, el Musica Nova Ensemble, y por solistas de renombre como la violista alemana Tabea
Zimmermann y el violoncellista estadounidense Ron Leonard.
Ha ganado renombre por sus arreglos de canciones populares israelíes y judías. Su interés por la música tradicional de su tierra nativa es una
motivación fundamental en toda su actividad compositiva.
Su música ha sido difundida internacionalmente en más de nueve CD, distribuidos principalmente por los sellos internacionales EMI y Koch.
Las interpretaciones de su música han tenido muchas emisiones a través de Radio Colonia, Radio Baviera, Radio Ginebra, Radio International
Francesa y por el Servicio de Radiodifusión de Israel.
Actúa como solista y como pianista de música de cámara en Israel, Europa y América. Ha tocado, entre otros, con la violista alemana Tabea
Zimmermann, el clarinetista estadounidense Charles Niedich, la prestigiosa cantante israelí Mira Zakai, el violinista Hagai Shaham y los violoncellistas Hillel Zori y Zvi Plesser.
Realizó un master en la Julliard School of Music y actualmente es profesor titular y responsable del departamento de Jazz y Música Aplicada
de la Academia de Música de Jerusalén. Además, es Asesor Musical e Instructor Principal del Grupo de Jóvenes Músicos del Centro de
Música de Jerusalén, fundado por el maestro Isaac Stern.
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YUVAL GOTLIBOVICH
Nació en Israel, en 1977.
Ganador de diversos concursos internacionales, Yuval Gotlibovich sobresale como uno de los violitas más solicitados de su generación.
Ha ganado el Primer Premio en la VIII Competición Internacional Lionel Tertis, en la competición “Aviv” en 2004, en Israel, y en el Concurso
Nacional de Música de Cámara “Fischoff”, en Indiana (USA).
Su actividad concertística se desarrolla en Europa, Estados Unidos, Canadá e Israel.
Como solista ha tocado con la Orquesta Sinfónica de Jerusalén, Tel-Aviv Soloists Ensemble, Ostrobothnian Chamber Orchestra y Texas Festival Orquesta, entre otras agrupaciones.
Ha colaborado tocando música de cámara con renombrados artistas como Menahem Pressler, Marc André Haemlin, George Pludmahcer,
Nobuko Imai y Janos Starker, entre otros.
Sus conciertos se pueden escuchar en cadenas de radio y televisión como la BBC en el Reino Unido, CBC en Canadá, IBA en Israel, FRA
en Francia, Deutschlandfunk en Alemania y NPR en los Estados Unidos. Asimismo, ha tocado como solista y recitalista en importantes salas
como la Wigmore Hall en Londres, Tel--‐Aviv Opera House y el Kennedy Center en Washington.
Yuval Gotlibovich pone un énfasis especial en los conciertos de música contemporánea. En este sentido, ha trabajado con el Ensemble
Modern en Frankfurt, Ensemble Callisto en Chicago, Ictus en Brusselas, 21 en Israel y ha trabajado con compositores como Krzysztof Penderecki, Henri Deutilleux y György Kurtag.
Además, compositores como Alexandre Eisenberg y Justin Merritt le han dedicado sus conciertos para viola.
Toca y enseña regularmente en importantes festivales de verano como son Kuhmo en Finlandia, Round Top en Texas, Giverny y Villefavard en
Francia y en los congresos mundiales de viola.
Ha sido profesor de viola en la Universidad de Indiana de 2004 a 2008.
Actualmente es Profesor de Viola en el Conservatorio Superior del Liceu en Barcelona y a partir de septiembre de 2009 comenzó a impartir
clases en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid como Profesor Asistente de la Profesora Titular Diemut Poppen en la Cátedra
de Viola Fundación BBVA y como Profesor Principal en el Conservatorio Della Svizzera Italiana, en Lugano.
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Grupo Música Antigua / Eduardo Paniagua
MÚSICA
CANTIGAS CENTENALES.
CORAZÓN DE CASTILLA
EL ESCRIPTORIUM REAL Y LAS RAÍCES DE LA MÚSICA EUROPEA
INTÉRPRETES
Grupo Música Antigua. César Carazo, canto, fídula y viola. Eduardo Paniagua, salterio, cítara, dulcimer y coro.
Luis Antonio Muñoz, canto, viola y coro. Eduardo Paniagua, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Cantigas Centenales. Corazón de Castilla.
El escriptorium real y las raíces de la música europea.
Cantigas de Santa María (Alfonso X El Sabio, 1221-1284)
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
El Molar.
Iglesia Parroquial de Nuestra
Señora de la Asunción.
15 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Intitulatio. Don Afonso de Castela
Prólogo. Porque trobar é cousa en que jaz
CSM 1-Los siete gozos. Des ogemais quer’ eu trovar
CSM 100-Estrella del día. Santa Maria, strela do dia
CSM 200-Alabé, alabo y alabaré. Santa Maria loei e loo e loarei
CSM 279-Gran enfermedad. Santa Maria, valed’, ai Sennor
CSM 300-Siempre loar. Muito deveria ome sempr’ a loar
CSM 400-Maneras de loar. Pero cantigas de loor fiz de muitas maneiras
CSM 401-Epílogo petiçon. Macar poucos cantares acabei e con son
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NOTAS AL PROGRAMA
Las Cantigas Centenales son las obras que abren y cierran las distintas etapas de la historia de la redacción de los Códices: Cantigas 1,
100, 200, 300 y 400, además del Prólogo y el Epílogo. En ellas se refleja la autoría y las intenciones del Rey Alfonso X y contienen todo su
proyecto cultural de reinado y de relación devocional con Santa María, su mentora y protectora. Contiene la intimidad del rey, autoanálisis,
crítica de sus intenciones y la solicitud del “galardón” del trovador a cambio de la entrega del libro (códices) de sus loores a la Virgen. Por ello
he denominado este proyecto El corazón de Castilla.
Las Cantigas de Alfonso X el Sabio se conservan en cuatro códices del siglo XIII. El contenido de los diferentes códices es complementario y
en su conjunto contienen 427 canciones hechas en honor de Santa María por su trovador el Rey Alfonso X. La mayor obra lírica del Medievo
mundial. Según avanzaba la composición y la compilación de las cantigas, el Rey Sabio hizo una reorganización para cada códice nuevo.
De las cien cantigas originales (Códice de Toledo, MS To de la Biblioteca Nacional), hasta llegar al total de las 400 (MS E, Biblioteca de San
Lorenzo de El Escorial), va pausando cada 100 cantigas con un loor especial y personal de “Alfonso” su trovador, las Cantigas Centenales.
En este concierto mostramos estas cuatro Cantigas Centenales y otras emblemáticas que abren y cierran el cancionero (Intitulatio o pregón,
Prólogo, CSM 1 y Epílogo CSM 401), También se incluye la singular CSM 279 sobre la gran enfermedad del Rey. En todas ellas se muestra los
propósitos del Rey Sabio como devoto de su Señora celestial a modo de firma personal. La intención de estos poemas cantados tiene que
ver con su específica colocación en los códices. Alfonso tuvo en esta gran empresa poetas y músicos colaboradores, aunque desconocemos
el motivo de porqué sus nombres no figuran. En esta selección de singulares cantigas se siente de modo evidente la “presencia” personal de
Alfonso, no sólo como mecenas.
Intitulatio. Comienzan los códices y este trabajo con la denominada Intitulatio, proclama o pregón, donde se introduce a su autor Don Alfonso de Castilla, enumerando los títulos de su realeza. Sin notación musical y con octosílabos de rima cruzada, se declara las razones de
la empresa cultural: “hizo cantares y melodías gustosos de cantar en honor y alabanza de la Virgen Santa María, en quien él mucho confía”.
El título Rey de Romanos indica que este poema se compuso entre los años 1257 y 1275, etapa de la pretensión del Rey sobre el Imperio
Romano Germánico.
El Prólogo va indicando los talentos necesarios para trovar bien. Declara el Rey que, aunque no los posee todos, toma la decisión de abandonar los amores humanos mundanos y dedicarse a las alabanzas de María, de la que espera el “galardón de amor” de todo trovador. Sus
7 estrofas tienen la métrica de “maestría” propia de los cantos de amor provenzal, con seis versos oxítonos, acento en la última sílaba, sin
estribillo.
Los siete gozos. La Cantiga 1 es la primera de loor, como las decenales. El resto de cantigas cuenta milagros. Este loor presenta la vida de
María en siete momentos cruciales de su Hijo, ligados a los “7 Gozos” recogidos en el culto: Anunciación y Visitación, Natividad con la llegada
al portal, Epifanía con los tres Reyes Magos, Resurrección con el sepulcro vacío, Ascensión en una nube, Pentecostés y el Espíritu Santo y
la Asunción al cielo y Coronación de la Virgen. Esta cantiga tiene su contrapeso con la de los “7 Pesares”, originariamente la número 50 en el
primer códice (403 en la numeración de Mettman), grabada en el CD Cantigas de Nuestro Señor Pneuma PN-1280. Sus 8 estrofas ofrecen la
singularidad de tener 8 miniaturas, cuando el resto de cantigas tienen 6 llenando una hoja del códice. Otra excepción son las cantigas acabadas en 5 que, por ser textos largos “cantigas grandes”, tienen 12 miniaturas ocupando dos hojas. Las maravillosas y variadas miniaturas
de las cantigas son “pintura que se escucha” pues acompaña al poema enriqueciéndolo visualmente.
Estrella del día. La cantiga 100, es la más conocida del cancionero, Santa Maria, strela do dia. Se trata de una glosa del Ave maris stella
compuesta por Venancio Fortunato en el siglo VI. Ocupa el lugar de la originaria cantiga 100 que cerraba el primer códice (To), Madre de Deus
ora por nos, canto de la Sibila y mediación de la Virgen ante el juicio final, que pasó a ser la número XII del apéndice de las fiestas de Santa
María (422 de Mettman), grabada en el CD La Vida de María, Pneuma PN-610.
El Rey, de rodillas en la miniatura, se dirige de tu a la Virgen en las dos últimas estrofas y en nombre de todos (nos). El rey pide que nos oriente,
como estrella matutina, hacia el futuro que deseamos; el Paraíso que muestra en la última miniatura. Paraíso con palmeras, frutos y ángeles
músicos con instrumentos, varios de ellos de origen andalusí: laúd, rabab, qanun (salterio) y tar (pandereta). Alfonso X escogió la estrella para
emblema de la “Orden de Santa María” que fundó en 1272.
Alabé, alabo y alabaré. La Cantiga 200 concluye el códice E con la misma intención que empezaba en el Prólogo. El Rey habla de sí mismo en
relación con Santa María. “La he cantado, le canto y cantaré sus méritos” y nos explica porqué. Los tres tiempos de la acción se completan
con la promesa de continuar cantando nuevas cantigas (loaré) y que otros seguirán su ejemplo. Es una cantiga de loor por lo que ella es, no
por lo que hace (milagros). En un símil arquitectónico de los códices como si fueran una catedral, las cantigas de loor son su sentido estructural. Las cantigas de milagros son la parte decorativa. En esta cantiga el Rey es el autor y los súbditos-discípulos escuchan todo aquello que
le ha sido concedido, (más de lo que puedo contar): buena familia, salud en las enfermedades, ayuda en las batallas, salir de conspiraciones.
Y desea al final, verla a Ella “la que siempre amé”.
Gran enfermedad. La Cantiga 279 es especial por ser el primer milagro de curación. Puede incluirse entre las centenales por su carácter
autobiográfico. En el códice de Toledo (To) figura como la X del Apéndice. Con forma de balada, Alfonso pide auxilio para sí mismo, “vuestro
trovador” atenazado de dolor y cercano a la muerte. A partir del año 1269 el Rey empeora su salud y una forma de agradecer su curación es
continuar componiendo cantigas de loor.
Siempre loar. El mensaje de la Cantiga 300 tiene dos partes. La primera versa sobre la conveniencia de loar a Santa María con la exposición
estereotipada de sus atributos en disposición paralelística, con las contradicciones que ya dijera la Cantiga 180; madre e hija (de Dios),
sierva y señora, etc. Continúa con el agradecimiento por su acción mediadora para interceder por nuestros pecados. La segunda parte es
de carácter personal. El rey se siente incomprendido y desengañado de familiares y consejeros. Es criticado por sus actuaciones políticas y
financieras, y también por sus logros culturales. Y ante el descontento que existe en su reino pide a la Virgen que se ponga de su lado, por
su probada fidelidad a Ella. Exhorta a todos a loarla ya que no han valorado ni agradecido sus cantares y sones. Esta cantiga alterna versos
de 7 y 4 sílabas.
Maneras de loar. La Cantiga 400 cierra el cancionero y el Rey da por concluida la tarea de hacer loores a la Madre de Nuestro Señor, que
había anunciado en los versos 13 y 14 del Prólogo. Es una cantiga sin refrán, excepcionalidad que comparte sólo con las Cantigas 1, 340
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(con forma de albada) y el Epílogo. En contraste a la intensidad y propósito del “loaré” de la Cantiga 200, en la Cantiga 400 hay un detalle
de humildad al hablar en primera persona sobre la fragilidad y pequeñez de su obra realizada, frente a la que hace Santa María. No obstante
el Rey se muestra seguro de su recompensa a pesar de la desproporción de su esfuerzo económico en financiar códices y catedrales en
honor a la Virgen, frente al valor de la figura y milagros de la Virgen. Da a entender el amor con el que ha confeccionado el cancionero. Este
aprecio queda corroborado al mandar en su testamento que los códices se guarden y canten en el templo allí donde sea enterrado (catedral
de Sevilla). Alfonso pide a Santa María que acepte las cantigas y le suplica la mediación con su Hijo, el salvador de la humanidad, para la
salvación de su alma.
Epílogo. Cantiga 401. Diez largas estrofas de diez versos cerraba el primer proyecto de 100 Cantigas de amor a Santa María, como si de un
diwan andalusí se tratara. La cantiga de petiçon empezaba así: “Pois cen (cien) cantares feitos acabei e con son”. Pero las cantigas fueron
aumentando su número con las de las Fiestas del año y de las cinco Fiestas de Nuestro Señor, y después duplicándose y cuadruplicándose
hasta el total que disponemos. El Epílogo cambió su primer verso a “Macar poucos cantares acabei e con son” (Aunque pocos cantares
he acabado…). En el códice E esta cantiga concluye el cancionero y recuerda el pacto con la Virgen hecho desde el Prólogo por el que Ella
debería rogar por la salvación de su siervo trovador. Tanto la protección de su persona, como el auxilio a su gobierno del reino, en los malos
momentos de traición y deslealtad. El canto es una oración de encendida emotividad y devoción.
La preciosa colección de las Cantigas identifica a Alfonso como el protegido de la Virgen, a imagen del rey Salomón. El conocimiento de sus
escritos legislativos y científicos se completan con el conocimiento de las cosas de Dios. Alfonso es un Rey Sabio con fe, e interlocutor en
los asuntos del Cielo. Los códices son también una obra penitencial personal por el compromiso adquirido con la Virgen cuando se convirtió
en su trovador. El itinerario de las Cantigas Centenales muestran su tesón artístico, su autoría personal y la seguridad de obtener esa recompensa que pide en la cantiga final, el Paraíso cuando terminen sus días en este mundo.
Este programa corresponde al CD número 32 del proyecto de la Grabación Integral de las Cantigas. Un empeño cultural personal que se
inició en 1994.
En www.pneumapaniagua.es se puede ver esta Colección de Cantigas editadas.
EDUARDO PANIAGUA
Premio Música Clásica 2009 de la Academia de la Música de España.
Nominado Premios UFI 2010, 2011y 2012 Música Clásica (Unión Fonográfica Independiente).
.
Nacido en Madrid en 1952, es arquitecto y especialista de la música de la España medieval. A los 16 años graba sus primeros cuatro discos
con el grupo Atrium Musicae. Miembro fundador de los grupos Cálamus y Hoquetus, se especializa en la música arábigo-andaluza. En 1994
crea los grupos Música Antigua e Ibn Báya, para el trabajo musical sobre las Cantigas de Alfonso X y la música andalusí respectivamente.
En paralelo funda y dirige el sello discográfico Pneuma. Por su trabajo y por la difusión de estas músicas inéditas está recibiendo excelentes
críticas y premios internacionales, siendo nominado como Mejor Artista de Música Clásica en los Premios de la Academia de la Música en
los años 1997, 2000 y 2004.
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Collegium Marianum Praga / La Capilla real de madrid /
OSCAR GERSHENSOHN
MÚSICA
LAMENTACIONES DE JEREMÍAS
INTÉRPRETES
IInma Férez, soprano. Marta Infante, mezzo. Ariel Hernández, tenor. JENS POKORA, barítono. Collegium
Marianum Praga. La Capilla Real de Madrid. Oscar Gershensohn, director.
PROGRAMA
Jan Dimas Zelenka
(1679-1745)
Teatros, fechas y
horarios
Lamentación de Jeremías para el Jueves Santo, para
bajo y orquesta, ZWV 53 *
Madrid
Real Parroquia de San Ginés
17 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Laetatus Sum, para soprano, alto y orquesta, ZWV 90 *
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
Cantata Mache dich, mein Geist, bereit, BWV 115, para
cuarteto solista y orquesta
* Estreno en España
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INMA FÉREZ
Nacida en Madrid, recibió el título de Licentiate of the Royal Schools of Music (UK) en Canto, y es Licenciada en Pedagogía.
Especializada en el repertorio de los siglos XV al XVIII, destaca en su dedicación a J. S. Bach. Ha interpretado como soprano solista más de
un centenar de sus Cantatas y todas sus grandes composiciones, principalmente con La Capilla Real de Madrid (O. Gershensohn). Asimismo,
con la obra de Bach ha disfrutado de la colaboración con directores y maestros, como G. Leonhardt, R. Egarr, H. Kurosaki, W. Katschner, K.
Linder-Dewan… Su trabajo, ligado desde hace años a la interpretación bachiana, ha recibido en numerosas ocasiones el elogio de la prensa
musical.
Otra parte sobresaliente de su labor se ha centrado en Monteverdi y los compositores del temprano barroco, además de numerosos oratorios
de Haendel, música sacra del barroco francés (Charpentier, Campra, Rameau, Mondonville), óperas de Purcell y Haendel y el repertorio del
renacimiento, especialmente el del Siglo de Oro español. Ha actuado, entre otros, junto a Lautten Compagney Berlin, Collegium Marianum
Prague, Ensemble Sopra il Basso (Holanda), Dresdner Barockorchester, Helsinki Barockorchester, Israeli Barrocade y, próximamente, con el
Ensamble Barroco del Salzburg Mozarteum. Interpretará próximamente la Matthäus-Passion, de Bach, en el Auditorio Nacional, Cantatas y
Missa Brevis, también de Bach, en el Festival de Música Barroca de la Sinfónica de Praga, y obras de los Cancioneros españoles (siglos XV
al XVII), invitada por el Aequinox Festival Neuruppin de Alemania.
MARTA INFANTE
La mezzosoprano leridana realizó los estudios superiores de Canto en la Universidad de Ostrava, República Checa. Ha cantado con la
Orquesta Nacional de España, Filarmónica de Málaga, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Sinfónica de Madrid, Sinfónica de Galicia, Orquesta Nacional de El Salvador, Sinfónica Región de Murcia, entre otras, y ha trabajado con directores como J. Casas, J. Ramón Encinar, A.
Ceccato y L. Botstein. Junto a Jorge Robaina realiza recitales de lied en el Teatro Calderón de Valladolid, Caixaforum Barcelona, Fundación
Juan March, de Madrid, Maestranza de Sevilla y Palau de la Música Catalana, siendo premiada en El Primer Palau por su interpretación de
Mahler y Dvórak.
En relación a la música antigua ha cantado en numerosos países europeos, en las principales ciudades de Sudamérica, Oriente Medio y
Japón, y en los festivales y salas más importantes de nuestro país, actuando con La Caravaggia, Concierto Español, Orquesta Barroca de
Sevilla, Capilla Real de Madrid, Los Músicos de su Alteza, Capella de Ministrers, Hippocampus, Acadèmia 1750, Collegium 1704 (Chequia),
Anthonello (Japón), y ha sido dirigida por destacados directores, como E. Onoffri, F. M. Sardelli, P. Goodwin, O. Dantone, R. Egarr y R. Alessandrini. Ha grabado para Mezzo, Cesky Rozhlas, RTVE, Catalunya Música y discográficas, como Alpha, Glossa, Echiriadis, EMEC y CDM.
Entre su extensa discografía destacan Alto cantatas de Telemann, Tonos al arpa, Cantate Contarini, galardonado con el Premio Prelude
Classical Musi, 2010, de Holanda, Amor aumenta el valor e Iphigenia en Tracia, de Nebra, y Juditha Triumphans, de Vivaldi, bajo la dirección
de Ottavio Dantone.
ARIEL HERNÁNDEZ
Nacido en Cuba, inicia los estudios musicales a muy temprana edad. Es licenciado en Música por el Instituto Superior de Artes de La Habana.
Ha actuado como tenor solista y percusionista de la Schola Cantorum Coralina desde 1998, participando en numerosas giras nacionales e
internacionales y en varios trabajos discográficos.
Ha recibido los siguientes cursos de postgrado: Canto, con la profesora argentina Ivette González, El Barroco en las Españas, con el profesor
Josep Cabré, Técnica e interpretación de negros espirituales, con el profesor estadounidense Kenneth Nafzinger.
Desde el año 2004 reside en España, donde comienza a trabajar con la profesora Almudena Ortega y realiza actuaciones como tenor lírico
ligero en recital con su pianista habitual Josu Okiñena. Ha sido miembro del Festival-Ensemble Stuttgart (Helmut Rilling) del Europa Chor
Akademie (Joshard Daus). Ha trabajado también bajo la batuta de Federico María Sardelli, Kent Nagano, Ton Koopman, Andreas Spering y
Paul Goodwin, entre otros. Fue miembro del grupo Nova Lux Ensemble, de la Coral de Cámara de Pamplona, y ha realizado conciertos con
La Capilla Peñaflorida y con La Capilla Real de Madrid. Actualmente es Jefe de Cuerda de Tenores del Coro Nacional de España.
JENS POKORA
Jens Pokora estudió Canto y Pedagogía del Canto en la Escuela Superior de Música Hanns Eisler, de Berlín, y en la Escuela Superior de
Música y Teatro Felix Mendelssohn-Bartholdy, de Leipzig. Participó en diferentes cursos de máster bajo la dirección, entre otros, de Elisabeth
Legge-Schwarzkopf, Barbara Schlick, Bernd Weikl, Claudia Eder, Dietrich Fischer-Dieskau y Gabriel Garrido. También ha sido alumno del
bajo Franz Crass.
Diversos festivales internacionales han contado con su participación, como por ejemplo el Festival de Ópera de Rheinsberg o el Festival de
Schwetzingen, en Alemania. En España ha participado en el Festival de Montserrat (Valencia) y en el Festival de Música Religiosa de Cuenca.
Jens Pokora ha formado parte de los ensembles de los Teatros de Ópera de Bielefeld y de Mainz, en Alemania, y ha actuado como invitado
en muchos otros teatros, como en el de la Ópera de Leipzig, Wiesbaden o Darmstadt. Ha desarrollado gran parte de su actividad profesional
en el campo de la música sacra, en el del recital y en el de concierto, participando en numerosas grabaciones comerciales y para la radio y
televisión, y ha participado en numerosas giras internacionales por Europa y Estados Unidos.
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COLLEGIUM MARIANUM PRAGA
Desde su fundación en 1997, el conjunto de Praga Collegium Marianum se ha centrado en la interpretación de la música de los siglos XVII y
XVIII, especialmente la compuesta por los compositores que nacieron o trabajaron en el centro de Europa.
Collegium Marianum es uno de los pocos conjuntos profesionales especializados en este campo en la República Checa, no sólo ofrece actuaciones musicales, sino que también proyectos escénicos regularmente. Desde 1999 el grupo ha estado bajo la dirección artística de la especialista en flauta travesera Jana Semerádová, que también aparece regularmente como solista con algunas de las orquestas más prestigiosas
de Europa. Su investigación se activa junto con el estudio del gesto barroco, declamación y danza, esto ha permitido a Jana Semerádová
ampliar el perfil del conjunto Collegium Marianum y presentar proyectos en los que se incluye la danza y el teatro barroco. Su programación,
con una temática única, se ha traducido en una serie de modernos estrenos de música histórica presentados cada año. El conjunto ha colaborado con renombrados directores europeos, solistas, y coreógrafos como Andrew Parrott, Blažíková Hana, Damien Guillon, Peter Kooij,
Sergio Azzolini, François Fernandez, Simona Houda Šaturová, Lazar Benjamin, Monory Jean-Denis y Skamletz Gudrun. Collegium Marianum
ha recibido elogios de la crítica, tanto en casa como en el extranjero. El conjunto se ha presentado numerosas veces en la Radio Checa y
televisión, así como en la radio en el extranjero. Actúa regularmente en prestigiosos festivales de música y escenarios, tanto en la República
Checa como en otros países de Europa, entre ellos el Festival Alter Musik Regensburg, Leipzig Bachfest, Festspiele Potsdam, Europa Mitte,
Festival de Sablé, Festival Bolzano, Palau Música Barcelona, Pražské jaro, o Concentus Moraviae. En 2008, el grupo inició una fructífera colaboración con el sello Supraphon. Dentro de la Música del Siglo XVIII de Praga, serie que ha lanzado cuatro grabaciones: Concertos & arias
de J.J.I. Brentner, Coeli Rorate / Música para el Adviento y La Navidad en la Praga barroca, conciertos y sinfonías de F. Jiránek (RRI elección
del editor, Diapason) y Sepolcri por J.D. Zelenka. El conjunto también ha figurado en el CD de la soprano Simona Houda-­‐Šaturová, Gloria.
En 2012, el Collegium Marianum presenta la XII edición del ciclo de conciertos veladas barrocas, dedicados este año a la celebración del
aniversario del músico y rey Federico II el Grande. Las veladas del Barroco, con su programación temática y estrecha interconexión con los
espacios históricos del casco antiguo de Praga son únicos, no sólo en la República Checa, sino también en el contexto internacional. Collegium Marianum es el conjunto residente de las fiestas internacionales de música Festival de Verano de Música Antigua. En enero de 2010
Collegium Marianum fue galardonado con honor para los créditos de calidad y para la promoción general de la música checa, presentada por
el Consejo Internacional de Música de la UNESCO.
LA CAPILLA REAL DE MADRID
La Capilla Real de Madrid viene desarrollando, desde su fundación en 1992 por Oscar Gershensohn, una sobresaliente y fecunda labor en el
terreno de la interpretación historicista con instrumentos de época, gozando su trabajo de amplio reconocimiento nacional e internacional. Su
dedicación al estudio e interpretación de la literatura musical universal le ha llevado a cosechar, a lo largo de los años, importantes éxitos y
premios de crítica en escenarios de España, Europa y América, donde ha sido invitada por numerosos Festivales e Instituciones.
Siendo J. S. Bach un compositor central en su actividad, en 2013 crea el Proyecto Círculo Bach, que, en colaboración con el Círculo de Bellas
Artes de Madrid-Casa Europa, aborda la interpretación, estudio y difusión del legado bachiano. Este proyecto, distinguido con el Alto Patrocinio del Parlamento Europeo, tiene como precedente el exitoso Ciclo Integral de Cantatas de J. S. Bach desarrollado, entre 2004 y 2012, con
La Capilla Real de Madrid como conjunto residente y programador.
Su actividad concertística ha recorrido a su vez la literatura musical universal: Conciertos y Ciclos dedicados a Monteverdi, Haendel, Purcell,
Charpentier, Rameau, Campra, Mozart y Haydn, amén de Bach, presente de manera permanente. También ha llevado a escena óperas como
Orfeo ed Euridice (Glück), Acis and Galatea (Haendel), The Fairy Queen y Dido and Aeneas (Purcell), y Le malade imaginaire (Molière-Charpentier), representadas en importantes escenarios históricos, como el Teatro Romano de Mérida. Dentro del repertorio renacentista, ha tenido
especial presencia y reconocimiento su interpretación de numerosas obras de maestros del Siglo de Oro español. Asimismo ha reestrenado
diversas composiciones del barroco español, como Iphigenia en Tracia, de J. de Nebra, o el Requiem, de F. Corselli.
Bajo la dirección de Oscar Gershensohn, La Capilla Real de Madrid ha disfrutado de la colaboración junto a otros ensambles, dentro del
espíritu de encuentro e intercambio, como lo ha sido con Lautten Compagney Berlin, Helsinki Barockorchester y, próximamente, junto a The
Israeli Barrocade Ensemble, invitada por The Abu-Gosh Israel Festival, con la Dresdner Barockorchester en el Círculo Bach, y con Collegium
Marianum Prague en el Spring International Music Festival, de Praga. En abril de 2015 interpretará la Matthäus-Passion, de Bach en el Auditorio Nacional, dentro del prestigioso ciclo Juventudes Musicales.
OSCAR GERSHENSOHN
Nacido en Buenos Aires, es Licenciado en Dirección Orquestal por la Universidad Nacional de La Plata. En 1984 se traslada a Israel, donde
amplía los estudios de Dirección en la Jerusalem Rubin Academy con el ‘Master Artist Diploma’, completándolos además en el Jerusalem
Music Centre. En 1986 es nombrado director del Jerusalem Oratory Choir y, en 1988, director adjunto del Israel National Choir, colaborando
así con la Israel Philharmonic Orchestra y su director titular Zubin Mehta.
Desde 1990 reside en España, fundando en 1992 La Capilla Real de Madrid. Al frente de este conjunto, desarrolla una fecunda y reconocida
labor en el mundo del oratorio, la ópera barroca, el período renacentista y el temprano barroco, sobresaliendo especialmente en su dedicación a la obra de J. S. Bach. Tras haber sido director y programador del Ciclo Integral de Cantatas de J. S. Bach (2004-2012), crea en 2013 el
Círculo Bach, proyecto que dirige en colaboración con el Círculo de Bellas Artes-Casa Europa, y que ha sido reconocido con el auspicio del
Parlamento Europeo. A su vez, crea el Coro de Niños de La Capilla Real de Madrid-Círculo Bellas Artes.
En calidad de director invitado ha dirigido, entre otras, los siguientes agrupaciones: Israel Broadcasting Orchestra, International Cultural Centre for Youth Orchestra, Rubin Academy Orchestra, Contemporary Music Group Jerusalem, Cameran Singers Tel Aviv, The Israel Sinfonietta,
Haifa Symphonic Orchestra, Acco Festival Orchestra, Ensemble Baroque de Limoges, Sinfónica de Mendoza, Helsinki Baroque Orchestra,
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Sinfónica de Asturias, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Coro y Orquesta de la Comunidad de Madrid y del Principado de Asturias. Ha sido
Director Artístico del Coro de Niños de la Comunidad de Madrid (2009-2012) y del Coro Vía Magna (1999-2014). Ha sido invitado en el World
Music Festival Stockholm, Liturgica Israel Festival, Abu-Gosh Israel Festival, Alte Oper Frankfurt, Ludwisgburger Schlossfestspiele, Teatro
Coliseo-Mozarteum Argentina, Festival d’Art Sacré de Paris, entre otros muchos.
Dentro del Círculo Bach, ha dirigido a notables ensambles de instrumentos de época, como Lautten Compagney Berlin, Collegium Marianum
Prague y, próximamente, a The Israeli Barrocade Ensemble, Dresdner Barockorchester, y Coro de la Sing-Akademie zu Berlin.
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BRUNO FORST / Schola Antiqua
JUAN CARLOS ASENSIO PALACIOS
MÚSICA
MÚSICA LITÚRGICA EN TIEMPO DE
TERESA DE JESÚS
INTÉRPRETES
Bruno Forst, órgano. Schola Antiqua. Juan Carlos Asensio Palacios, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Música litúrgica en tiempo de Teresa de Jesús (1515-1582)
Reconstrucción de una Misa de Nuestra Señora con canto llano y versos de órgano
de las tablaturas de Gonzalo de Baena (1540) y de Luis Venegas de
Henestrosa (1557)
Madrid.
Iglesia Parroquial de San José.
19 de marzo. 21:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
I. Officium: Salve sancta parens (Modo II, canto llano)
II. Kyrie eleison (Anónimo, Modo I)
- Rex virginum (canto llano)
- Kyrie eleison (tecla)
- Kyrie eleison (canto llano)
- Christe eleison (tecla)
- Christe Dei splendor (canto llano)
- Christe eleison (tecla)
- Amborum sacrum (canto llano)
- Kyrie eleison (tecla)
- Kyrie eleison (canto llano)
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III. Gloria in excelsis Deo (altenatim, Modo VII)
- Et in terra pax hominibus (tecla, de la Missa de Beata Virgine, de Josquin)
- Domine fili Unigenite (tropado, canto llano)
- Qui tollis peccata mundi (tecla, de la Missa Ave maris stella, de Josquin)
- Cum Sancto Spiritu (canto llano)
IV. Oratio Colecta: Concede nos (canto llano)
V. Lectio libri Sapientiae (canto llano)
VI. Gradual: Benedicta et venerabilis (Modo IV)
VII. Unica es columba mea (tecla, de Francisco de Peñalosa)
VIII. Alleluia: Virga Iesse (canto llano, Modo VII)
IX. Evangelium: In illo tempore locuente Ihesu (canto llano)
X.Credo in unum Deum (alternatim)
- Patrem omnipotentem (tecla, de la Missa Mon pére, de Loysset Compère)
- Crucifixus etiam (tecla, de la Missa Mon père, de Loysset Compère)
- Et ascendit in celum (tecla, de la Missa Mon père, de Loysset Compère)
- Et iterum venturus est (canto mixto)
XI. Offerenda: Felix namque es (canto llano, Modo I)
XII. Motete: Mater, Patris et Filia (tecla, de Antoine Brumel)
XIII. Prefacio (canto llano)
XIV. Sanctus (alternatim, Modo I)
- Sanctus, sanctus, sanctus (tecla, de la Missa Sola la fare, de Antonio de Baena)
- Pleni sunt celi (canto llano)
- Hosanna in excelsis (tecla, de la Missa Sola la fare, de Antonio de Baena)
- Benedictus (tecla, Misa sin identificar, de Antonio de Baena)
- Hosanna in excelsis (canto llano)
XV. Elevación: Contratulamini mihi omnes (tecla, de Juan de Anchieta)
XVI. Agnus Dei (alternatim, Modo I)
- Agnus Dei I (tecla, de la Missa Ave maris stella, de Josquin Despres)
- Agnus Dei III (canto llano)
- Agnus Dei II (tecla, de la Missa Ave maris stella, de Josquin Despres)
XVII. Communicanda: Beata viscera (canto llano, Modo I)
XVIII. Motete: Te Matrem Dei (tecla, anónimo del Libro de cifra nueva. Venegas)
XIX. Oratio post communio (canto llano)
XX. Salve Regina (tecla). Anónimo [Cabezón] del Libro de cifra nueva. Venegas
XXI. Oratio et Benedictio (canto llano)
BRUNO FORST
He estudiado con Paule Rochais, en Cognac, y con Francis Chapelet en el Conservatorio Nacional de Región de Burdeos, donde obtuve en
1996 una medalla de oro de órgano. El mismo año me trasladé a España, donde resido desde entonces.
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Apasionado por el órgano Ibérico, me dedico al estudio de las tablaturas y a la interpretación sobre instrumentos históricos. A través de la
lectura atenta de las fuentes, de la práctica del clavicordio, de un constante intercambio con otros intérpretes, constructores de instrumentos,
musicólogos e historiadores, intento hacerme una imagen clara de lo que pudo ser en realidad la interpretación de la música de tecla entre
los siglos XVI y XVIII. He realizado una edición práctica del Arte Novamente Inventada pera Aprender a Tãger, de Gonzalo de Baena (Lisboa
1540), primer libro de órgano publicado en la Península Ibérica. También he supervisado la recuperación y edición del Libro de Órgano, de
Melchor López (1759-1822).
Enfoco mi investigación como intérprete y no como un estudioso; por ello, además de una intensa actividad de concertista solista, que me
ha llevado por Europa, Estados Unidos, México y Brasil, he creado la Capilla de Extravagantes con la que llevo a la práctica el fruto de mis
trabajos en conciertos y grabaciones.
SCHOLA ANTIQUA
Desde su fundación en 1984 Schola Antiqua se dedica al estudio, investigación e interpretación de la música antigua y en especial del canto
gregoriano. Todos sus componentes se formaron como niños de coro en la Escolanía de la Abadía de Santa Cruz del Valle de los Caídos.
Su repertorio se centra en la monodia litúrgica occidental así como en la polifonía del Ars Antiqua y Ars Nova. En su repertorio se incluyen
interpretaciones alternatim con órgano y con conjuntos vocales e instrumentales (La Colombina, Ensemble Plus Ultra, His Majesty’s Sagbutts
and Cornetts, La Grande Chapelle, Ensemble Baroque de Limoges, La Capilla Real de Madrid, Ministriles de Marsias, The English Voices,
Alia Musica, Orquesta Barroca de Venecia, The Tallis Scholars, Ensemble Organum). Ha actuado en numerosos festivales en Europa, USA,
Próximo Oriente y Japón.
Su discografía incluye registros dedicados al canto mozárabe (Officium Defunctorum), al canto gregoriano (Octoechos Latino, Terribilis est
& Dicit Dominus) y a reconstrucciones litúrgicas: Officium Hebdomadae Sanctae, de T. L. De Victoria (La Colombina), Missa Super Flumina
Babylonis, de F. Guerrero (Ensemble Plus Ultra & His Majestys Sagbutts and Cornetts), Réquiem, de Mateo Romero, Vísperas de Confesores,
de José de Nebra, Officium Defunctorum, de García Fajer, Missa O Gloriosa Virginum, de Rodríguez de Hita (La Grande Chapelle), Oficio de
la Toma de Granada, de Fray Hernando de Talavera, la Missa Laetatus sum, de Victoria, junto al Ensemble Plus Ultra & His Majestys Sagbutts
and Cornetts (Archiv). Su más reciente registro, del pasado año 2014, está dedicado a la pedagogía de la música en la Edad Media. Schola
Antiqua no olvida la participación litúrgica como genuino contexto de la monodia litúrgica, tanto gregoriana como hispánica.
JUAN CARLOS ASENSIO PALACIOS
Es colaborador del Atêlier de Paléographie Musicale de la Abadía de Solesmes y hasta el curso 2009 ha sido Profesor de Canto Gregoriano,
Notación, Historia y Análisis de la Música Medieval en el Conservatorio Superior de Música de Salamanca. En la actualidad es profesor de
Historia de la Música Medieval, Notación y Cantos Litúrgicos en la Escola Superior de Música de Catalunya y de Musicología en el Real
Conservatorio Superior de Música de Madrid. Desde 1996 es director de Schola Antiqua y, desde 2001, miembro del Consiglio Direttivo de
la Associazione Internazionale Studi di Canto Gregoriano, investigador asociado del Centro de Investigación Internacional de la Lengua Española (Cilengua) y editor de la revista Estudios Gregorianos.
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coro Maestro Barbieri / Fernando Rubio
MÚSICA
ESPIRITUALES NEGROS
INTÉRPRETES
Mónica Dorta, voz. Coro de niños “Aula de Músicas”. Ángela Morales, directora. Grupo Ierê. Coro Maestro
Barbieri. Fernando Rubio, director.
PROGRAMA
Tres espirituales negros
Teatros, fechas y
horarios
Deep River
Swing low, sweet chariot
Madrid.
Centro Cultural Pilar Miró.
21 de marzo. 20:00 horas.
Entrada: 5 €.
Soon ah will be done
Enrique Muñoz
(1957)
Élegie pour Martin Luther King
Bob Chilcott
(1955)
A little Jazz Mass
Paul Halley
(1952)
Freedom Trilogy
- Kyrie
- Gloria
- Sanctus
- Benedictus
- Agnus Dei
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NOTAS AL PROGRAMA
Con este programa la Coral Maestro Barbieri, que habitualmente transita más el llamado repertorio “clásico” plantea una nueva experiencia
desde el principio de que no existen fronteras reales en la música, ni siquiera para la Música Sacra, y que se puede hacer una propuesta
sobre textos y sentimientos estrictamente espirituales y/o religiosos también transitando por la profundidad del espiritual negro o la frescura
del Jazz o la fusión con el Gospel o la música africana, sin pretender clasificaciones ni corsés, sólo nuestra base: la música coral.
Por eso esta propuesta de concierto no busca encasillarse en un estilo, sino ser, sobre todo, música viva. Y no sólo música viva porque sus
autores (a excepción de los espirituales negros) estén vivos y en activo, que también, sino porque a través de otros lenguajes nos transmiten
esa música sacra con ritmos, sonoridades, instrumentos, que nos han impregnado y forman parte indisoluble de nuestro presente musical,
incluso el de aquellos que han optado por una senda más puramente clásica, o contemporánea.
Así iniciamos el recorrido desde la raíz de estos lenguajes, los espirituales negros, y la raíz de nuestro canto: el canto a cappella, en la parte
más tradicionalmente coral del concierto, con una pequeña muestra de espirituales negros clásicos: Deep River, Swing low, sweet chariot...
Disfrutando el origen, para disfrutar el recorrido que emprendemos.
Seguirá una pieza estrechamente ligada por su temática, la del español Enrique Muñoz, Élégie pour Martin Luther King, un auténtico Aleluya
sobre texto en francés del poeta senegalés Leopold Senghor, que, homenajeando al histórico activista norteamericano, pone como protagonistas a los propios negros puestos en pie por su libertad, en un lenguaje tonal pero con reminiscencias del lenguaje contemporáneo de
su autor.
Y pasamos a una “rara avis”, ya desde su concepción, y la pieza más extensa del programa, la del compositor y cantante Bob Chilcott, uno
de los más demandados compositores y directores corales británicos de la actualidad: la misa A little Jazz Mass; que pese a seguir las cinco
partes del ordinario de una Missa Brevis, en latín, es ya música puramente jazzística acompañada por una formación clásica en el género, un
trío de piano, bajo y batería, consiguiendo una brillante obra que pasando por distintos afectos, desde el “bluesy feel” al “swing”, consigue
aunar estas dos tradiciones tan aparentemente alejadas de una forma elegante y nada forzada.
El programa termina con una original obra del británico afincado en Canadá Paul Halley, su Freedom Trilogy, en la que se vuelve a unir el texto
religioso, representado por el famoso himno inglés Amazing Grace, también con la idea de libertad y emancipación, sabiamente combinado
en un curioso “medley” o popurrí junto a fragmentos de un Kyrie Eleison, de la tradición gregoriana, y dos cantos africanos, Haleluya, pelo tsa
rona y Siyahamba, que se suceden y entremezclan de forma fluida. Sobre la base instrumental de trío de jazz, aunque en un estilo que queda
a caballo entre la frescura de la música africana y la solidez del gospel.
MÓNICA DORTA
Tiene su formación entre el teatro y la música. Formada por el Conservatorio Superior de Música de Santa Cruz de Tenerife, en canto lírico,
buscó perfeccionarse también en el canto moderno con un pasaje por la Escuela Creativa. Tiene su raíz técnica e interpretativa en la música
clásica, lo que posibilitó crear un modo auténtico de cantar jazz, blues y otros estilos que piden matices populares. También estudió en el
Estudio Internacional del actor Juan Carlos Corazza e hizo su postgrado en Arte Dramático en el Trinity Colege of London.
Actualmente colabora con docencias en los laboratorios de Consuelo Trujillo, es profesora de canto en el Estudio Internacional (J. Carlos
Corazza) y en la escuela Bululú. También hizo parte del elenco de Los Iluminados, obra en cartel en el Teatro Español (2013).
Lleva casi tres años colaborando con el pianista Andre Jah Jah, con el Dúo Ierê Jazz, con el que actuaron en importantes escenarios de
Madrid, entre ellos las salas Moby Dick, Intruso, Barco y en el último Festival de Jazz de la ciudad (2014).
ÁNGELA MORALES
Nace en Madrid, donde realiza sus estudios musicales, titulándose en el Conservatorio Superior de Música de Madrid en Flauta de Pico y
Canto. Se especializó en el estudio de la Flauta de Pico en Brujas (Bélgica) y Boston (EEUU). Por otra parte ha realizado estudios de percusión, clarinete y canto.
En cuanto a sus estudios como maestra, es Diplomada en la Formación del Profesorado de E.G.B. y Doctora en Didáctica de la Expresión
Musical por la Universidad Autónoma de Madrid. Fruto de su investigación en diferentes campos de la pedagogía musical ha presentado
diferentes trabajos en Congresos sobre las nuevas titulaciones de grado, situación de la educación musical en la Educación Primaria, Organización curricular, Proyectos de innovación docente, entre otros. Así mismo, imparte asiduamente cursos de perfeccionamiento del profesorado de Educación Primaria en la especialidad de Educación Musical, organizados por diferentes organismos nacionales e internacionales.
Actualmente aborda dentro del mundo de la música una doble vertiente, dentro del mundo de la docencia y de la interpretación.
Como fruto de todo ello, en los últimos años colabora con el Centro de Estudios Musicales “Aula de Músicas” como directora del coro de
niños, así como en la estructuración y puesta en marcha del Proyecto Curricular del Grado Elemental.
ANDRE JAH JAH
Es un pianista brasileño que vive en España desde 2006. Su primera formación fue clásica por excelencia en el Conservatorio Musical Souza
Lima, donde desarrolló su técnica y articulación pianística. En España siguió sus estudios musicales en la Universidad Autónoma de Madrid,
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donde hace su Doctorado, y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde también cursó asignaturas del master en música.
Descubrió a través del jazz, la libertad artística interpretativa y creadora. Este contacto se dio después de finalizar sus estudios de piano clásico. En Brasil estudió con Cristina Simalha, Miguel Laprano, Lupa Santiago, Guilherme Ribeiro y en España con Adolfo Delgado. Su particular
visión del jazz y de la improvisación se deben sobre todo a esta mezcla de géneros. Actualmente es profesor en la Universidad Autónoma de
Madrid, de las asignaturas de Piano Clásico, Popular, Armonía e Improvisación además de ser Director del Combo de Jazz.
Lleva casi tres años colaborando con la cantante Mónica Dorta, con el Dúo Ierê Jazz, con el que actuaron en importantes escenarios de
Madrid, entre ellos las salas Moby Dick, Intruso, Barco y el último Festival de Jazz de la ciudad (2014).
EDMAR MATOS
Empezó a tocar la batería de forma totalmente autodidacta en el año 2007, y pasó a ser miembro del Coro Gospel de Madrid, primer
“masschoir” del género en la ciudad.
Lleva desde el año 2012 estudiando en la Escuela de Música Creativa, donde sigue estudiando Lenguaje Musical, Piano y Batería, además
de tomar parte en los proyectos de agrupación y combo de dicha escuela.
Ha compartido escenario con músicos como Damien Sneed, Joakim Arenius y Sayo Oyama, y es integrante del grupo Moving Foward, con
Nelson Rebolledo y Kevin A. Vásquez.
NELSON REBOLLEDO
A la edad de 10 años empieza a tocar el bajo eléctrico en una iglesia local a la vez que realizaba estudios de contrabajo con Karen Martirossian, en la Escuela de Música y Conservatorio Manuel de Falla. El interés por la música le llevó a estudiar diversos estilos musicales, entre
ellos el jazz, rodeándose de músicos profesionales y llegando a tocar en el Festival de Jazz de Madrid durante tres años.
Es miembro del grupo Moving Foward, juntamente a Edmar Matos.
CORAL “MAESTRO BARBIERI”
La Coral Maestro Barbieri nace en 1986 con ocasión de la puesta en marcha de la Escuela Municipal de Música Maestro Barbieri, en Madrid,
de la mano del profesor Enrique Muñoz. En 1994 se desliga de esta Escuela, conformándose como coro independiente. Entre los años 1990
a 1996 fue dirigida por el profesor Segundo Jiménez, con quien se especializó en música del Renacimiento Europeo. En 1996 pasa a ser
su director Fernando Rubio, con el que abordan la búsqueda de un amplio espectro de repertorios polifónicos. Su larga trayectoria musical
le permite abordar diversos estilos y autores, abrazando tanto la música sacra como la profana y popular. Cabe destacar la realización de
comprometidas obras de la música coral, como el Réquiem, de Gabriel Fauré, la Misa de la Coronación, de Mozart, la Novena Sinfonía, de
Beethoven, el Gloria, de Vivaldi, o los Funerales de la Reina Mary, de Purcell, entre otras.
A lo largo de sus 28 años de trayectoria ha participado en muy diversos certámenes, cursos e intercambios con otras entidades musicales, tanto de nuestra Comunidad como del resto del territorio español. Ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de la Catedral de Madrid,
la Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma de Madrid, la Orquesta Athanor de Rivas, la Orquesta del Conservatorio de Móstoles, las
Bandas Municipales de Villaverde y de Vallecas, el grupo instrumental La Gallarda y el cuarteto Alboka. Ha participado asiduamente en los
Talleres de Canto y Dirección Coral de la Universidad Complutense y la Fundación Mozart y ha organizado diversos cursos de música para
el Ayuntamiento de Madrid.
En 2006 fue invitada a participar en Hungría en el encuentro internacional Éneklö Magyarország, en la localidad de Eger, al que acudió con un
programa de divulgación de la música coral española e hispanoamericana. En 2006 y 2007 participó como coro de apoyo en las dos primeras
ediciones en Madrid del Concierto Participativo El Mesías, de G. F. Haendel, de la Fundación La Caixa, en el Auditorio Nacional de Música
y en el Teatro Real de Madrid, junto a solistas internacionales y la Orquesta y Coro The Age of Enlightenmen, de Gran Bretaña, dirigidos por
Richard Egarr, y la Orquesta Barroca de Sevilla, bajo la dirección de Pierre Cao.
En 2007 organizó también el I Encuentro Internacional de Corales Maestro Barbieri en el Centro Cultural Galileo, y en marzo de 2010 ha actuado en París con el Requiem, de J. Rutter, en colaboración con la Orquesta y Coro de la UAM, con cuya formación ha colaborado también
con la Novena Sinfonía, de Beethoven, Un Requiem alemán, de Brahms, y la Misa de Requiem, de Verdi.
En 2013 y 2014 son invitados a participar en el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid (al que acudirán también en 2015, en colaboración con el grupo Ierê Jazz) y, en 2013, al Festival de Música Antigua y Sacra de Getafe. Ese mismo año publican su primer disco, con
motivo de su XXV Aniversario.
FERNANDO RUBIO RODRÍGUEZ
Finaliza sus estudios de profesor superior de canto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, su ciudad natal. También realiza
estudios complementarios de piano, así como diversos cursos y seminarios de dirección impartidos por Martin Schmidt, Juan Esteban, Óscar
Gershensohn, Josep Prats y María Felicia Pérez, habiendo trabajado durante años con Jordi Casas. Amplía durante tres años sus estudios de
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Dirección Coral en Milán (Italia), en la Milano Choral Academy, bajo la dirección del maestro Marco Berrini. Compagina su faceta de dirección
coral con la de cantante solista, y desde 1991 es bajo titular del Coro de la Comunidad de Madrid, participando también en muy diversos
grupos de cámara. Ha trabajado con directores del prestigio de R. Frühbeck de Burgos, Claudio Abbado, Riccardo Muti, Jesús López Cobos,
García Navarro, Peter Maag, Helmut Rilling, Harry Christophers, Robert King, A. Ros Marbà, Gómez Martínez, Sergiu Comissiona, Eric Ericson, Martin Schmidt, Odón Alonso, G. Rohzdestvensky, Leo Brouwer, etc.
Es desde 1996 director de la Coral Maestro Barbieri; es codirector asimismo del Coro de Cámara Clavileño y ha dirigido en el pasado agrupaciones como el Coro Aldebarán y el Coro Allegro. Ha sido director invitado de la Orquesta Athanor y de la Orquesta de la Universidad
Autónoma de Madrid.
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José Luis Merlín / Ernesto Schmied
MÚSICA
EL CRISTO DE LA QUEBRADA
INTÉRPRETES
José Luis Merlín, guitarra. Ernesto Schmied, flautas.
PROGRAMA
José Luis Merlín
(1952)
Teatros, fechas y
horarios
Nuevos arraigos *
Al Cristo de la Quebrada *
- Milonga del ausente
- Zamba del regreso
- Al peregrino
Camile Saint-Saëns
(1835-1921)
Cabanillas de la Sierra.
Iglesia Parroquial de San Juan
Bautista.
21 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
El cisne
Jacob van Eyck
(1590-1657)
Fantasía sobre El ruiseñor
José Luis Merlín
(1952)
Catedral de los pájaros *
Evocación *
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Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
George Friedrich Haendel
(1685-1759)
Maurice Ravel
(1875-1937)
Prelude & Invención
Adagio
Pavane pour une infante défunte
Alberto Ginastera
(1916-1983)
Preludio americano
Heitor Villa-Lobos
(1887-1959)
Distribuição de flôres
José Luis Merlín
(1952)
Danza de diciembre *
* Estreno en España
NOTAS AL PROGRAMA
Las piezas que integran el programa conforman una obra que se desarrolla en varias secciones en las que el elemento unificador es la figura
del Cristo de la Quebrada, un símbolo y un espacio para la reflexión y el encuentro con uno mismo que se halla en la provincia de San Luis
en el centro norte de la república Argentina.
José Luis Merlín ha escrito esta suite para guitarra y flauta dulce inspirándose en aires de carácter folclórico en los que se dejan ver trazos
del barroco, el impresionismo y un sinfín de coloraturas que hacen de este estreno una ocasión única de recorrer este camino espiritual tan
especial e íntimo.
Este recorrido entrelaza las obras de Merlín con otras de autores como Johann Sebastian Bach, Jacob van Eyck, Alberto Ginastera, Georg
Friedrich Haendel, Camille Saint-Saëns y Heitor Villa-Lobos.
JOSÉ LUIS MERLÍN
Músico integral que combina su carrera de concertista con la de compositor. Desde Agustín Barrios Mangoré pocos han sido los guitarristas
que han interpretado un repertorio de gran calidad de creación propia. El lenguaje musical de Merlín está influido por diversos elementos del
folclore sudamericano sin renunciar a los clásicos, propios de la escuela de guitarra del siglo XXI.
Desde los cinco años estudió guitarra y teoría y solfeo con Vicente Degese; se perfeccionó con Abel Carlevaro y realizó estudios de armonía,
contrapunto, formas musicales e instrumentación con Leónidas Arnedo.
Sus obras son ejecutadas y grabadas por un gran número de guitarristas en todo el mundo y sus publicaciones son editadas por Guitar Solo
Publisher y Theodore Presser (EE.UU.), Tuscany Publications y Shamrock (Austria). Ha editado un gran número de trabajos discográ!cos en
España, Estados Unidos, Japón, Austria y Argentina y su biografía está publicada en el International Who’s Who in Music (Reino Unido).
Ha realizado más de treinta giras internacionales en Irlanda, España, Austria, EE.UU. (más de 120 conciertos), Canadá, Cuba, Alemania,
Francia, Suiza, Italia, Brasil, Ucrania y Uruguay. Entre las prestigiosas salas caben destacar: Naciones Unidas (New York), Meridian House
International (Washington), Teatro Nacional de La Habana, Teatro Colón (Buenos Aires) y es invitado como profesor para dar clases y conferencias en universidades de Estados Unidos y Alemania.
ERNESTO SCHMIED
Especialista en flautas históricas, ha actuado en numerosas salas de concierto de Latinoamérica, Europa, Oriente Medio, Japón y norte de
África. Invitado frecuente de importantes festivales y orquestas: Internacional de Santander, Houde Muziek Utrecht, Quincena Musical Donostiarra, Calw Festspiele, Appenzeller Konzerthaus, Musica Barroca do Porto, South Bank, Islington Early Music Week, Orquesta Sinfónica
de Madrid, Orquesta Concerto, Orquesta Schola Cantorum, Orquesta Barroca de Sevilla y Concierto Español. Colabora con solistas y agrupaciones de cámara cuyo repertorio abarca desde el renacimiento hasta la música de reciente creación.
Dentro de su amplia discografía obtiene el prestigioso premio Choc de Le Monde de La Musique en enero de 2000 por el primer trabajo discográfico de Speculum, Fumeux fume par fumee. Sus grabaciones dedicadas íntegramente al Cancionero de El Escorial cuentan con siete
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volúmenes premiados con 5 Diapassons, de la revista Diapasson, y 4 Etoiles de Le Monde de la Musique.
Es director artístico del Festival de Música Infrecuente y desde el año 2000 ha potenciado una programación ecléctica en consonancia con
las exigencias de un público moderno.
La integración de nuevas tecnologías sonoras con instrumentos acústicos se materializa en diversos programas entre los que destaca un
concierto conferencia titulado Imaginarium y el programa a solo La Spagna de ida y vuelta.
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Camerata Dirdam / JOSÉ IGNACIO LÓPEZ
MÚSICA
MARIA ET SACRIS CANTICIS
INTÉRPRETES
Camerata Dirdam. José Ignacio López, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Ferran Cruixent
Ortodoxia rusa
Wolfgang Amadeus Mozart
(1756-1791)
Ennio Morricone
(1928)
Ortodoxa rusa
Espiritual
Giulio Caccini
(1550-1618)
Ave Maria
Gospidi pomiliu
Kyrie, KV 90
El Molar.
glesia Parroquial de Nuestra
Señora de la Asunción.
22 de marzo. 20:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Ave María guaraní
S’nami Boj
Lord I Want
Ave Maria
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Zoltán Kodály
(1882-1967)
Stabat Mater
Quirino Gasparini
(1721-1778)
Adoramus te
José Ignacio Prieto
(1900-1980)
In Monte Oliveti
Charles Gounod
(1818-1893)
Ave verum
Javier Busto
(1949)
Ave María
Franz Liszt
(1811-1886)
Anton Bruckner
(1824-1896)
John Rutter
(1945)
A. José
Oh salutaris hostia
Locus iste
A gaelic Blessing
Ave María
Gioachino Rossini
(1792-1868)
Salve o vergine Maria
Ferran Cruixent
Pacem relinquo vobis
NOTAS AL PROGRAMA
“María es siempre el camino que conduce a Cristo” (Pablo VI).
A través de diferentes canciones a María, principalmente Ave María, hacemos un recorrido que nos transportará musicalmente a diferentes
pasajes de la vida de Cristo, con especial énfasis en la Pasión, sin dejar de lado la liturgia, con otras obras sacras cuyos autores, principalmente contemporáneos, le han dado una impronta especial, transmitiendo la sensibilidad y recogimiento que el tiempo litúrgico requiere.
Camerata Dirdam, además, aporta matices, silencios y energía para lograr un ambiente mágico, cuasi místico, durante el concierto.
CAMERATA DIRDAM
Camerata Dirdam nació en febrero de 2008 realizando sus primeros conciertos en diversas poblaciones de la sierra norte madrileña con la
intención de compartir su sensibilidad y cariño por la música coral y convertirse en un referente de la Comunicad de Madrid.
Esta agrupación se compone de un reducido grupo de aficionados a la música de diferentes edades y profesiones. La dirección musical corre
a cargo de José Ignacio López Vallejo, cuya formación, versatilidad y dedicación garantiza un aire innovador y cercano en las actuaciones.
El repertorio no se limita a las obras habituales, sino que incluye también piezas menos conocidas, autores y estilos totalmente diversos:
música medieval, renacentista, barroca o clásica, composiciones religiosas del siglo XX, adaptaciones de músicas étnicas y de canciones
regionales, de cantautor, pop, folk, habaneras, tangos, boleros, etc.
Desde su formación, Camerata Dirdam se ha ido consolidando como conjunto coral de calidad en El Molar, en la Comunidad de Madrid,
en muchas partes de España y también en el extranjero. La Coral es invitada frecuentemente a realizar conciertos en diversas ciudades de
España. Fue invitada especial en el certamen La Mina y la Mar en la Felguera, Asturias (junio de 2010 y 2011). Respecto a encuentros e intercambios, destacamos los llevados a cabo con el Coro Lopes-Graça, de Lisboa (2009-11), y el coro Iubilate, de Murcia (2011-2012).
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Nao d’amores / ANA ZAMORA
TEATRO Y MÚSICA
MISTERIO DEL CRISTO DE LOS
GASCONES
INTÉRPRETES
NAO d’amores: Elvira Cuadrupani, Juan Pedro Schwartz, Javier Carramiñana, Nati Vera, interpretación y manipulación del
Cristo. Alicia Lázaro, vihuela y zanfona. Eva Jornet, flautas, cromorno y chirimía. Isabel Zamora, espineta y cornamusa. Sofía
Alegre, Alba Fresno, viola de Gamba. Ernesto Arias, Vicente Fuentes, trabajo de verso. Elena Rayos, ayudante de dirección.
Amalia Portes, coordinación técnica. Ángeles Martín, Nuria Martínez, realización de vestuario. Richard Cenier, Peroni, realización
de escenografía. Alicia Lázaro, música original, arreglos y dirección musical. David Faraco, trabajo de títeres. Miguel Ángel Coso,
David Faraco, Sofie Krog, diseño y realización del Cristo. Richard Cenier, diseño de escenografía. Deborah Macías, vestuario.
Miguel Ángel Camacho, iluminación. Lieven Baert, coreografía. Nao D’amores, S. L., producción. Henar Montoya, Producción
ejecutiva. Ana Zamora, dramaturgia y directora.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Pinto.
Teatro Municipal Francisco Rabal
22 de marzo. 18:00 horas
Entrada: 6 €
* Misterio del Cristo de los Gascones
NOTAS AL PROGRAMA
Misterio del Cristo de los Gascones, es el espectáculo más emblemático de la extensa y rigurosa trayectoria de una Nao d´amores que, desde su fundación en el año 2001, ha transitado
con gran éxito el repertorio dramático prebarroco español.
Esta propuesta escénica que, desde su estreno en el año 2007, no ha parado de recibir premios y de girar por Europa y América, supone una profunda inmersión en nuestro teatro primitivo desde una visión absolutamente contemporánea. Se trata de una recreación libre de la
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ceremonia litúrgica que debía representarse en la Iglesia de San Justo, en Segovia, en tiempos medievales, para la cual se talló el Cristo de
los Gascones, una de las piezas más significativas del patrimonio románico español.
A través de una dramaturgia realizada a partir de texto históricos de diversa procedencia, mediante la investigación e interpretación en directo
de piezas musicales que pudieron articular una ceremonia de este tipo, desarrollamos una puesta en escena que combina el trabajo actoral
con el teatro de títeres y que supone un acercamiento a los orígenes del teatro moderno. Una reivindicación por nuestro peculiar “patrimonio
vivo”, abordada desde una perspectiva absolutamente contemporánea.
NAO D’AMORES
En el año 2001 nace Nao d´amores, colectivo de profesionales procedentes del teatro clásico, los títeres y la música antigua, que bajo la
dirección de Ana Zamora, desarrolla una labor de investigación y formación para la puesta en escena del teatro medieval y renacentista.
El punto de partida surge de su interés por textos que no forman parte del repertorio habitual, pero que constituyen escalones básicos a la
hora de comprender la evolución de nuestra historia dramática y que permanecen al margen de la escena actual por el absurdo desajuste
entre el campo de los estudios filológicos y el de la práctica teatral.
Lejos de pretender una reconstrucción arqueológica, su manera de escenificación articula técnicas escénicas muy primitivas desde una óptica contemporánea, para reivindicar el hecho teatral en su carácter específico, único e irrepetible. Es su apuesta por el teatro clásico como
bien cultural que repercute directamente en el desarrollo intelectual, creativo y lúdico de los ciudadanos.
En el año 2008, a través de un convenio con el Excmo. Ayuntamiento de Segovia, Nao d´amores iniciaba una nueva etapa como Compañía
Residente en la Casa del Arco del Socorro, espacio en el que actualmente desarrolla su labor de investigación, formación y creación en torno
al teatro primitivo español.
Este mismo año, Ana Zamora y Nao d´amores son galardonados con el Premio Ojo Crítico de RNE por su “imprescindible viaje a los orígenes
de nuestro teatro, guiados por una mirada respetuosa a la vez que imaginativa; culta al tiempo que popular”.
Su primer espectáculo, Comedia llamada Metamorfosea, de Joaquín Romero de Cepeda, estrenado en el año 2001, durante el XXIV Festival
Internacional de Teatro Clásico de Almagro, recibió el Premio José Luis Alonso de la Asociación de Directores de Escena de España a la mejor
dirección novel de la temporada.
El segundo montaje de la compañía, Auto de la Sibila Casandra, de Gil Vicente, estrenado también en el Festival de Almagro (2003), abriría
la puerta de acceso a nuevas participaciones en los principales festivales de teatro clásico: Festival de Teatro Clásico de El Escorial (2003),
Festival Medieval de Elche (2003), Jornadas del Siglo de Oro de Almería (2004), Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid (marzo
2004), Festival Clásicos en Alcalá (2004). El Auto de la Sibila Casandra, fue también incluido en la programación de temporada del Teatro de
La Abadía de Madrid, cosechando un enorme éxito de crítica y público. Considerado el primer texto feminista de la historia del teatro peninsular, ha girado a la largo del año 2012, con el apoyo del AECID, por media Hispanoamérica: Perú, Argentina, Uruguay y Chile.
En el verano de 2004, se estrenaría, una nueva producción de Nao d´amores: Auto de los Cuatro Tiempos, de Gil Vicente. Este espectáculo
abría una sólida línea de colaboración con el Teatro de La Abadía, institución de alguna manera hermanada a la nuestra, que nos ofrecía su
infraestructura como apoyo a la creación y nos invitaba nuevamente a formar parte de su programación de temporada. Este espectáculo, aún
disponible en repertorio, se ha representado en los escenarios más prestigiosos de España y Portugal.
En el año 2007, se estrenaba en Segovia Misterio del Cristo de los Gascones, en colaboración con la Junta de Cofradías de Semana Santa
de Segovia y el Teatro de La Abadía. Esta producción fue elegida Mejor y más interesante espectáculo del 2007 por la revista Cultural de El
Mundo, recibió el Premio ADE de Dirección 2008 y ha quedado finalista a numerosos galardones: Premio Valle- Inclán 2008, Mejor Dirección
y Mejor Espectáculo en los Premios Teatro de Rojas de Toledo 2008, Mejor dirección veterana en los Premios Chivas-Telón 08, Espectáculo
Revelación en los Premios MAX 2008. Este espectáculo, sigue representándose cada año para inaugurar la Semana Santa segoviana y ha
girado por los festivales más importantes de teatro clásico y música antigua de España, así como por Italia, Portugal y Colombia.
En el año 2008, se estrenaba Auto de los Reyes Magos, nuestra primera experiencia de coproducción con el Teatro de La Abadía, que suponía
un viaje a los orígenes del teatro a través del texto dramático más antiguo escrito en castellano. Este espectáculo recibió el Premio a la Mejor
Dirección en los Premios Teatro de Rojas en 2010 y fue finalista del Premio Valle-Inclán 2009, otorgado por la Revista El Cultural del diario
El Mundo, y a las categorías de Mejor Adaptación de obra teatral y Mejor Dirección Musical en los Premios MAX2009. El Auto de los Reyes
Magos, además de realizar los circuitos habituales de gira de Nao d´amores por España, fue representado en abril de 2009 en el prestigioso
Piccolo Teatro de Milán (Italia).
En el verano de 2010, se estrenaba en Lisboa Dança da Morte / Dança de la Muerte, una coproducción bilingüe con el prestigioso Teatro da
Cornucópia, protagonizada por Luis Miguel Cintra, la gran figura actoral del panorama teatral y cinematográfico portugués. Un espectáculo
articulado con textos de los siglos XV y XVI, que giran en torno a la temática de las Danzas Macabras, que ha circulado por importantes
plazas, como el Festival Internacional de Almada, los Festivales de Teatro Clásico de Almagro, Olmedo y Olite, la Mostra Internacional de
Ribadavia, el Festival de Música Antigua de Gijón, la Mostra Portuguesa 2010, y que era invitado a participar en la programación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico en la temporada 2010/2011. Este espectáculo fue nominado como finalista a los Premios Max 2011, en la
categoría Mejor Dirección Musical.
Como equipo estable de reconocida trayectoria en la puesta en escena de nuestro teatro primitivo, los componentes de Nao d´amores, han
colaborado artísticamente con la Compañía Nacional de Teatro Clásico en los espectáculos Viaje del Parnaso (2005) de Miguel de Cervantes,
bajo la dirección de Eduardo Vasco y Tragicomedia de Don Duardos (2006), de Gil Vicente, bajo la dirección de Ana Zamora. Sin embargo,
en marzo de 2012, se estrenaba nuestra coproducción, con la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Farsas y Églogas, de Lucas Fernández,
que, en la actualidad, tras haber hecho temporada en la sede de la CNTC en Madrid, se encuentra girando por España y que es exponente
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del desarrollo técnico alcanzado en 11 años de investigación sobre cómo representar el repertorio más antiguo de nuestro teatro clásico.
En el año 2013, con el estreno de Penal de Ocaña, de María Josefa Canellada, se inaugura una nueva línea de investigación alternativa que
bajo el nombre “Nao d´amores navegando hacia el presente”, ofrece otras vías de trabajo vinculadas al ámbito contemporáneo.
Nao d´amores, cuenta con varias publicaciones bibliográficas y discográficas y realiza habitualmente, en su sede de trabajo en Segovia, cursos de formación teóricos y prácticos en torno al teatro pre-barroco, abiertos al público general, así como a aficionados al teatro y profesionales de las artes escénicas. Además, la compañía colabora habitualmente con grupos de investigación de diversas universidades españolas,
además de tener un convenio de colaboración con la Real Academia de Historia y Arte de San Quirce.
ANA ZAMORA
Titulada Superior en Dirección de Escena y Dramaturgia por la RESAD (1996-2000), ha ampliado su formación con directores como Jacques
Nichet, Massimo Castri y Stephan Schuske. En el año 2001, funda Nao d´amores, colectivo de profesionales procedentes del teatro clásico,
los títeres y la música antigua, que desarrolla una labor de investigación y formación para la puesta en escena del Teatro Prebarroco. Con
esta compañía ha estrenado los siguientes espectáculos: Comedia llamada Metamorfosea, de Joaquín Romero de Cepeda (2001), Auto de
la Sibila Casandra, (2003) y Auto de los Cuatro Tiempos (2004), ambos de Gil Vicente, Misterio del Cristo de los Gascones (2007), Auto de
los Reyes Magos, en coproducción con el Teatro de la Abadía (2008), Dança da Morte/Dança de la Muerte, en coproducción con Teatro da
Cornucopia de Lisboa (2010); Farsas y Églogas, de Lucas Fernández, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2012).
Como directora, ha realizado puestas en escena de textos muy diversos, entre los que podríamos destacar: Ligazón, de Valle- Inclán, dentro
del espectáculo Avaricia, Lujuria y Muerte producido por el Centro Dramático Nacional (2009); Hojas del Árbol Caídas, a partir de textos de
Espronceda en un trabajo de investigación para la ESAC (2008); Tragicomedia de Don Duardos, de Gil Vicente, para la Compañía Nacional de
Teatro Clásico (2006); o El Amor al Uso, de Antonio de Solís, para la Compañía José Estruch (2002). Ha desempeñado los cargos de Ayudante
de Dirección en los Equipos Artísticos de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, bajo la dirección de Eduardo Vasco (2005-2006), y en el
Teatro de La Abadía, bajo la dirección de José Luis Gómez (2003-2004).
En el ámbito de la gestión cultural, formó parte del equipo organizador de Titirimundi- Festival Internacional de Teatro de Títeres de Segovia
(2000-1993) y del Festival Internacional Folk Segovia (2000-1990).
Además, ha participado como ponente en múltiples encuentros y conferencias, ha impartido diversos talleres formativos y ha realizado publicaciones en distintas revistas especializadas en el ámbito teatral y filológico.
Ana Zamora ha recibido a lo largo de su trayectoria profesional diferentes premios: Premio Fuente de Castalia 2012, Premio Nebrija a Escena
2011, Mejor Dirección Teatral en los Premios Teatro de Rojas 2010; Premio Ojo Crítico de Teatro 2008 otorgado por Radio Nacional de España; Premio ADE de Dirección 2008, Premio Clásicos 2007 de RTV Surco / TV La Mancha, Premio Segoviana Bien Vista. Categoría Cultura y
Arte (2002); Premio José Luis Alonso, de la ADE (2001). Habiendo sido nominada también para otros prestigiosos galardones entre los que
podríamos resaltar: finalista a los Premios Max 2009 y 2010, (en las categorías Mejor Adaptación Teatral, y Espectáculo Revelación), o finalista
al Premio Valle-Inclán, de El Cultural, en sus ediciones de 2009 y 2008.
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Teresina JordÀ
MÚSICA
SONATAS DE ALBARRACÍN
INTÉRPRETES
Teresina JordÀ, piano.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
I.
Anónimos
(siglo XVIII)
Sonata nº 1 en Re Mayor
Sonata nº 2 en Si bemol Mayor
Madrid.
Centro Cultural de los Ejércitos.
23 de marzo. 19:30 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Sonata nº 3 en Sol Mayor
José Castel
(1737-1807)
Sonata nº 4 en Sol Mayor
Sonata nº 5 en Do Mayor
Sonata nº 7 en Do Mayor
II.
José Castel
(1737-1807)
Sonata nº 6 en Do Mayor
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Anónimos
(siglo XVIII)
Rafael Ustáriz
(1754-1802)
Sonata nº 8 en Do Mayor
Sonata nº 11 en Do Mayor
Sonata nº 12 en Si bemol Mayor
- Andante
- Allegro
- Rondó
Sonata nº 13 en Do menor
NOTAS AL PROGRAMA
Dentro de la colección de Música de tecla de la Catedral de Albarracín, la estructura de las siete primeras sonatas presenta un diseño bipartito
monotemático, delatando la atmósfera preclásica. Los frecuentes adornos denotan un estilo galante, muy habitual en la segunda mitad del
siglo XVIII español.
Las Sonatas de (José) Castel se destinan al órgano según el manuscrito, no obstante, el estilo, la estructura, la manipulación de algún diseño
en la reexposición nos lleva a pensar que es una escritura para clave o pianoforte.
Las cuatro sonatas grandes, en uno o dos movimientos, resumen aires y formas mozartianas, sabor clásico, con su esquema tripartito y sus
dos temas contrastantes.
Como colofón al programa se presentan las dos Sonatas de Rafael Ustáriz, compositor de ascendencia vasco-navarra que vive a caballo
entre el siglo XVIII y el XIX y que, al parecer, ejerció su magisterio en La Rioja, conservándose algunas composiciones en la Colegiata de
Roncesvalles.
Estas dos Sonatas pertenecen al preclasicismo, por sus esquemas bipartito bitemático y tripartito bitemático.
La Música de Tecla de Albarracín contribuye con su impresión y grabación a clarificar y apoyar el capítulo de la música española del siglo XVIII
que, hasta ahora, apenas ha logrado tener eco en la historiografía musical europea, con excepción de la obra del padre Soler.
Este trabajo nos presenta un potente y cálido repertorio de música de tecla, cuyas obras debieran haber merecido más estima en el correr
de los años.
Su recuperación, tras los trabajos de investigación realizados especialmente en la última década, resulta ser legítima y beneficiosa.
TERESINA JORDÀ
Concertista de piano, compositora, pedagoga y musicóloga catalana mundialmente reconocida. Artista creativa, plural y polifacética. Más
de dos mil conciertos en los principales auditorios internacionales. Valorada en todos los continentes. Actuaciones en más de cien países,
en piano recital, a dúo de pianos con Pepita Cervera, su madre y maestra, y como solista de las principales orquestas europeas, de EEUU y
Latinoamérica.
Compositora con más de doscientas obras estrenadas y editadas en CD.
Musicóloga con investigaciones sobre la Música de tecla del siglo XVIII y sobre la Occitania, trabajos reconocidos y premiados por el INAEM.
Ha interpretado la obra completa de Enrique Granados en conciertos monográficos por toda Europa, recibiendo de la hija del compositor,
Natalia Granados de Carreras, varios manuscritos inéditos. Amplísima y reconocida discografía Autora del libro Pepita Cervera, anécdotas y
vivencias -Editorial Milenio – y La espiral de la vida.
Con su madre y maestra, la insigne pianista Pepita Cervera, ha creado su Escuela Internacional de Posgrado en Cataluña y Madrid, donde se
han formado primeras figuras en concertismo, pedagogía, musicología, dirección coral y dirección orquestal.
Ha producido con Pablo Rueda, concertista con el que ha compartido numerosas giras de conciertos por Europa, la discografía Quimera
Azul, palabras sonoras en el recuerdo, dedicada a Pepita Cervera y Concha Rueda, cuya segunda edición ha estado copatrocinada junto
con la Diputació de Lleida por Els Armats de Lleida. Dicha producción ha sido presentada el 17 de enero en el Auditorio Enric Granados de
Lleida y, el 23 del mismo mes, en el prestigioso Colegio Español de la Citè Universitè en París, bajo el patrocinio de la Embajada de España
en la UNESCO.
Autora, asimismo, de una amplia obra gráfica. Las últimas exposiciones de Teresina Jordà con 60 originales, han estado presentadas en las
sedes de Els Armats de Lleida y en el Teatro Amaya de Madrid.
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Schola Gregoriana de Madrid / Antonio Peces
MÚSICA
CANTO GREGORIANO PARA CUARESMA
Y PASCUA
INTÉRPRETES
Schola Gregoriana de Madrid, Antonio Peces, director.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Madrid.
Parroquia de San Manuel y
San Benito.
25 de marzo. 20:30 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
I.
- Ave Maris stella
- Hosanna filio David
- Exsurge Domine
- Conditor alme siderum
- Pueri hebraeorum
II.
- Salve festa dies
- Qui biberit
- Nemo te condemnavit
- Media vita
- Domine tu mihi lavas pedes
- O sacrum convivium
Final
- Videns Dominus flentes
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NOTAS AL PROGRAMA
El programa que presenta la Schola Gregoriana de Madrid se centra, fundamentalmente, en el tiempo litúrgico de Cuaresma. Las Scholas
Femenina y Masculina interpretan obras fundamentales del repertorio Gregoriano en el que la profundidad, dramatismo y esperanza en la
resurrección se ven reflejados a lo largo del Concierto.
SCHOLA GREGORIANA DE MADRID
El coro Schola Gregoriana de Madrid, dirigido hasta 2013 por Francesco Ercolani y desde 2014 por Emilio Rubio Sadía, tiene por finalidad
la interpretación, el estudio y la divulgación del Canto Gregoriano; cuenta con dos Scholas: La Schola Masculina y la Schola Femenina. La
faceta musical de la Schola Gregoriana de Madrid abarca todos los aspectos y periodos litúrgicos, así como la celebración de conciertos y
recitales de canto gregoriano.
La Schola ha ofrecido conciertos en Madrid, Castilla-La Mancha, Castilla y León, Extremadura, Andalucía,... Italia, El Vaticano y ha participado en numerosos festivales de música como el de Quintanar de la Orden, Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, Festival Internacional de
Úbeda y Baeza, Vía Magna, así como en diversas entrevistas y reportajes en las distintas cadenas de TV y radio.
En 2007 El Vaticano invitó a la Schola Gregoriana de Madrid para acompañar la liturgia de la Misa Mayor del 8 de siciembre, así como a cantar
en la audiencia papal del 5 de diciembre, tras lo anterior, el Papa ofreció al Coro formar parte de su Capilla Musical. En diciembre de 2008
ofrece un concierto ante el Cuerpo Diplomático acreditado en España .
El coro Schola Gregoriana de Madrid aparece con diferentes reseñas (páginas.235, 253 y 281) en el Libro de Oro de la Música Española
2007/2008, así como en la edición 2008/2009 aparece como el único coro de canto gregoriano de nuestro país ( Pág. 38 y 39 ).
Desde 2008 ha ofrecido más de 300 conciertos y funciones religiosas integrados en las Redes de Teatros, Catedral de Cuenca, Ciclos de
Navidad y Semana Santa en diferentes provincias españolas, Auditorio Nacional de Música, junto con la Orquesta y Coro Santa Cecilia, el 30
de abril 2009, Festival Internacional de Úbeda y Baeza, el 10 de mayo 2009, Museo del Prado, Museo de Bilbao, Catedral de la Almudena,
durante todo el año 2011, con motivo del Centenario de la construcción de la Cripta, Catedral de Jaén, Catedral de Getafe, Catedral de Alcalá
de Henares.
Ha participado en la puesta en escena musical de la serie televisiva “Toledo”, ha montado e interpretado la Misa de difuntos, de Ledesma,
junto con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, y ha ofrecido en 2009 el Concierto del Patrimonio de la Humanidad, en Alcalá de Henares.
En 2011 graba su segundo CD, “Música para los sentidos”, y monta la Misa Flamenca Gregoriana, con Tito Losada y Antonio Canales, programa que se repite en 2014
También en este año ofrece una serie de conciertos en torno a Tomás Luis de Victoria, junto con la Schola Polifónica de Madrid.
ANTONIO PECES
Nace en Talavera de la Reina (Toledo). Inicia sus estudios musicales como clarinetista con Máximo Muñoz y Vicente Peñarrocha en el Real
Conservatorio de Música de Madrid, a la vez que comienza a formar parte del coro Gaudeamus. Continúa sus estudios de clarinete en el
Conservatorio de Rótterdam con Walter Boeyekens y posteriormente en Madrid con Vicente Alberola. Continúa su formación académica con
los estudios de contrapunto y fuga, segundo de composición y grado medio de piano, completando estos estudios con clases de técnica
vocal, impartidas por la soprano Alicia Barrenechea, y clases de técnica Alexander por Simon Fitzgibbon.
Desde 1995 orienta su formación musical hacia el campo de la fenomenología, desarrollado por Sergiu Celebidache, a través de cursos de
cámara impartidos por Jordi Mora y de cursos de dirección, fenomenología y cámara impartidos por Konrad Von Abel.
Ha colaborado con numerosas orquestas (Orquesta del Conservatorio de Rótterdam, Orquesta de Estudiantes de la Comunidad de Madrid,
Teatro Madrid, Abadía, Carlos III, Siglo XXI, Complutense, Orquesta de Profesores del Conservatorio de Arganda) y es miembro de la Neue
Internationale Philharmonie, de Múnich.
Como instrumentista de cámara, ha interpretado numerosos conciertos con grupos de música, como el Trío de Clarinetes Bouffil, el Octeto
de Viento del Conservatorio de Rótterdam, el Trío con viola y piano Euterpe, el Quinteto de Viento Fundación…
Ha sido profesor de clarinete del Conservatorio de Ferraz, la Escuela de Música de San Lorenzo de El Escorial y del Conservatorio de Arganda, donde durante el curso 2006/07 dirigió su orquesta.
Ha dirigido numerosos coros como el Coro del Conservatorio de Arganda del Rey, el coro Capilla Renacentista de Madrid, el coro de la
Escuela de San Lorenzo de El Escorial… Es fundador y director actual del Coro Tomás Luis de Victoria de Brunete y, desde 2012, del Coro
Gaudeamus de Madrid, con los que ha interpretado numerosos conciertos. Ha participado en prestigiosos ciclos de música con estos coros,
como el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, ciclo de música de Medina de Río Seco, Clásicos en Verano de la Comunidad de
Madrid, ciclo de música de Santo Domingo de la Calzada, conciertos para Patrimonio…
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David Salinas / Trío Vega
MÚSICA
CUARTETO PARA EL FIN DE LOS
TIEMPOS, DE OLIVIER MESSIAEN
INTÉRPRETES
David Salinas, clarinete. Trío Vega: Lina Tur Bonet, violín, Orfilia Saiz Vega, violoncello. Domenico Codispoti, piano.
PROGRAMA
Olivier Messiaen
(1908-1992)
Teatros, fechas y
horarios
Cuarteto para el fin de los tiempos
- Liturgie de cristal (Liturgia de cristal)
- Vocalise, pour l’Ange qui annonce la Fin du Temps
(Vocalización, para el Ángel que anuncia el fin del
tiempo)
Madrid.
Escuela Técnica Superior de
Ingenieros de Telecomunicación
de la Universidad Politécnica de
Madrid (E.T.S.I.T.)
26 de marzo. 19:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
- Abîme des oiseaux (Abismo de los pájaros)
- Intermède (Intermedio)
- Louange à l’Eternité de Jésus (Loa a la Eternidad
de Jesús)
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- Danse de la fureur, pour les sept trompettes
(Danza de la furia, para las siete trompetas)
- Foullis d’arcs-en-ciel, pour l’Ange qui annonce la
Fin du Temps (Locuras del arco iris para el Ángel
que anuncia el fin del tiempo)
- Louange à l’immortalité de Jésus (Loa a la Inmortalidad de Jesús)
NOTAS AL PROGRAMA
He visto un ángel pletórico de energía, descendiendo del cielo, revestido de nubosidades, con un arco iris sobre la cabeza. Su cara era como
el sol, sus pies como palomas de fuego. Posaba su pie derecho sobre el mar, su pie izquierdo sobre la tierra, y se sostenía derecho tanto sobre
el mar como sobre la tierra; levantó la mano hacia el cielo y juró por Aquel que vive por los siglos de los siglos, diciendo: “Ya no habrá más
tiempo pues en el día de la trompeta del séptimo ángel, se consumará el misterio de Dios”. (Apocalipsis de San Juan. Capítulo X).
Concebido y escrito durante mi cautividad, el Quatuor pour la Fin du Temps se presentó en primera audición en el Stalag VIII A el 15 de enero
de 1941, por Jean Le Boulaire (violinista), Henri Akoka (clarinetista), Etienne Pasquier (violoncellista) y yo mismo, al piano. Estuvo directamente
inspirado por el citado fragmento de El Apocalipsis. Su lenguaje musical es esencialmente inmaterial, espiritual y católico. Los modos poseen
melódica y armónicamente una especie de ubicuidad tonal y acercan al auditor a la eternidad en el espacio o infinito. Los ritmos especiales,
fuera de toda medida, contribuyen poderosamente a alejar lo temporal.
OLIVIER MESSIAEN
DAVID SALINAS
David Salinas es un clarinetista único y brillante, y un artista polifacético y versátil. Buena muestra de ello dan sus conciertos que se han
ofrecido en salas que van desde el Auditorio Nacional, en Madrid, hasta el Bogui Jazz Club, y en el marco de Festivales como el de Santander
o Segovia, o los de Jazz de Madrid o Lugo, por citar sólo algunos. Sus programas recogen un compromiso de cercanía y profundidad que se
reflejan en la selección del repertorio y en la interpretación creativa.
Se le han concedido, entre otros, el Primer Premio y el Premio Especial del Público del Harmonie Prix, Primer Premio en su sección, Solistas
de Viento Madera, De Doelen Jonge Solisten, Premio Araba Fenice del Festival Internacional de Música del Mediterráneo. Ha recibido becas
de estudios de la Diputación de Bizkaia y las Fundaciones Schuurman Schimmel van Outeren y Dorrie Stoop. Ha formado parte de diversas
orquestas, como la Sinfónica de Bilbao, Euzkadi y Navarra, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Bilbao Philarmonia y Rotterdam Philarmonic, entre otras.
Actúa como solista, en recital, y en conciertos de música de cámara en Festivales de Italia, España, Francia, Holanda, Bélgica, Reino Unido y
Portugal, habiéndose presentado como solista en salas como la del Palacio de Festivales de Santander, Sala de Cámara del Concertgebouw
de Ámsterdam, Euskalduna Jauretxea, en Bilbao, Instituto Cervantes de París y el Palau de la Musica de Valencia.
Miembro fundador del Ensemble Kuraia para la difusión de la música actual, es el dedicatario de diversa música para su instrumento, habiéndosele encargado el estreno de piezas de Isabel Urrutia (Gorabeherak) y de Luis de Pablo (Solo-Kunst), entre otros.
LINA TUR BONET
Violinista que se ha colocado en la élite de los músicos de su generación, versátil y muy reclamada en toda Europa para agrupaciones de
primer orden mundial; es también requerida con frecuencia como concertino en diversas agrupaciones, como el Clemencic Consort, Il Complesso Barocco, la Orquesta de Cámara de Mannheim, Concerto Köln, Bach Consort Wien, Hofkapelle München, United Continuo Ensemble,
Orquesta del Palau de les Arts de Valencia, la Capilla Real y muchas otras, actuando en el Lincoln Center New York, Berliner Philarmonie,
Scala de Milan, Proms del Royal Albert Hall, Festival de Aix-en-Provence, Barbican Centre, Theatre des Champs Elysèes, Théàtre Royal de la
Monnaie, Bunkamura Hall, Ópera de Sydney o Filarmónica de San Petersburgo. Recientemente ha estrenado la obra Melancholia, para violín
solo, que le ha dedicado el compositor José Maria Sánchez Verdú.
Lina Tur Bonet es fundadora y directora de la agrupación MUSIca ALcheMIca
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TRÍO VEGA
El Trío Vega es una formación que emerge con fuerza en el panorama musical español.
Compuesto por el violinista Marc Paquin, la violoncellista Orfilia Saiz Vega y el pianista Domenico Codispoti, se crea en 2010 con la intención
de profundizar en su pasión por la música de cámara y de concentrar su actividad musical en esta agrupación camerística.
Su repertorio abarca desde las obras maestras del clasicismo, romanticismo, impresionismo y siglo XX, hasta nuestros días con el estreno de
obras nuevas creadas para el Trío Vega como Ataraxia, de Juan Cruz Guevara, y la recuperación de obras desconocidas.
Sus miembros han sido galardonados con premios en concursos nacionales e internacionales como el Primer Premio para violín “Rovere
d’Oro”, concurso internacional de Italia, Premio “Birdie Warshaw” para violoncello, Premio “Dorothy Adams String Quartet Competition”,
“Deutsche Bank Pyramid Award”, primer Premio en el prestigioso Concurso Internacional de piano “Pilar Bayona” de Zaragoza.
Con esta y otras agrupaciones han actuado en salas de Inglaterra, Francia, Suiza, España, Italia, Estados Unidos, los Emiratos Árabes y la
República Checa entre las que cabe destacar, Wigmore Hall, Grande Salle du Conservatoire de Ginebra, Musicades de Lyon, Schubertiades
Suisses, Conservatorio de París, etc.
Recientemente han obtenido el reconocimiento del público en la Fundación Botín de Santander, Fundación Juan March de Madrid, Auditorio
Manuel de Falla de Granada, Sociedad Filarmónica de Gijón y participado en conciertos en Suiza y Kazakhstan.
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Praeteritum Ensemble / Pablo Suárez Calero
MÚSICA
DE LO PROFANO A LO SACRO
INTÉRPRETES
Praeteritum Ensemble: María Fuensanta Morcillo, soprano. Laura Delgado, violín. Paula García, viola. Marco Pannaría, violoncello. Laura Asensio, contrabajo. Pedro Jesús Gómez, cuerda pulsada. Pablo Suárez Calero, concertino y director.
PROGRAMA
Antonio Vivaldi
(1678-1741)
Teatros, fechas y
horarios
Allegro, del Concierto para cuerdas en Sol menor,
RV 725
Madrid.
Centro Cultural Paco Rabal.
28 de marzo. 20:00 horas.
Entrada: 6 €.
Semper maesta, sconsolata, aria de Sum in medio
tempestatum, RV 632
Concierto para cuerdas en Re Mayor, RV 127
Nulla in mundo pax sincera, RV 630
Concierto para cuerdas en Sol menor, RV 157
Cum Dederit de Nisi Dominus, RV 608
Concierto para cuerdas en Si menor, RV 168
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Vedrò con mio diletto de la ópera Giustino
Concierto para cuerdas en Sol menor, RV 156
Leonardo Leo
(1694-1744)
Antonio Vivaldi
(1678-1741)
Manca Solecita, de la ópera Il Demetrio
Ciaccona, del Concierto para cuerdas en Do Mayor,
RV 114
In furore iustissimae irae, de In furore, RV 626
NOTAS AL PROGRAMA
El maestro veneciano es popularmente conocido por su música instrumental, y particularmente la más unida a su instrumento de cabecera,
el violín.
Sin embargo el buen aficionado a la música barroca concuerda en que su repertorio vocal, mayoritariamente dedicado a la ópera, alcanza
cotas de calidad y expresión al mismo nivel que su obra instrumental. Es en el resto de su música vocal, cantatas, serenatas, motetes y oratorios, donde “el cura pelirrojo” alcanza sus más altas cotas de intimismo y expresión más cercana al alma humana.
En este programa, Praeteritum enfrenta estas dos facciones del repertorio vivaldiano (apropiadamente adornado con la divina Manca Solecita, de Leonardo Leo), como son la sacra y la profana, de manera que, lejos de ser opuestos, el género profano vehiculiza extraordinariamente
la profundidad y el afecto resultante de la escucha de sus arias y motetes.
ENSEMBLE PRAETERITUM
Ensemble Praeteritum es un conjunto instrumental formado en el año 2011. A pesar de su reciente creación, ya ha sido invitado a participar
en grandes festivales de música: Festival Internacional de Música de Toledo, Feria de las Artes Escénicas de Castilla La Mancha, Semana de
Música Religiosa de Las Pedroñeras, Festival de Música de La Mancha y VI Festival de Música de Huéscar.
Los músicos de ésta agrupación se han formado en los mejores centros europeos, con grandes maestros como N. Chumachenco, S. Accardo, I. Oistrakh, B. Westphal, B. Sargent, F. Gulli, A. Dumay, J. Savall, H. Smith, J. Griffiths, J. M. Moreno, J. C. de Mulder, I. Ozim, L. HondaRosenberg, S. Popov, T. Kerstens, M. Barrueco, P. Müller, W. Boettcher, T. Zimmermann, N. North y Nobuko Imai.
De su primer trabajo discográfico, ‘Vivaldi senza fine’, cabe destacar el hilo conductor de sus conciertos, que son obras del barroco temprano
y tardío, entrelazadas por medio de recitativos, improvisaciones y cadencias instrumentales que generan un innovador modelo de concierto
‘senza fine’.
MARÍA FUENSANTA MORCILLO
Nace en Albacete e inicia sus estudios musicales a la edad de 8 años. Estudia en el Real Conservatorio Profesional de Música y Danza de
Albacete y en la Escuela Superior de Canto de Madrid.
Ha estudiado con profesores como Mª Llanos Pérez, Aída Monasterio, Ana Luisa Chova, Elena Obraztsowa, Victoria de los Ángeles, Suso
Mariategui, Celsa Tamayo, Melba Ramos y Virginia Zeani, entre otros.
Ha obtenido diversos premios en diferentes concursos de Canto. Dentro de sus actuaciones destacan las realizadas en escenarios como
el Palacio de Festivales de Cantabria, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Cervantes de Málaga, Palacio de la Ópera de La Coruña,
Auditorio de Las Palmas de Gran Canaria, Auditorio de Tenerife, Centro Cultural de la Villa de Madrid, etc.
LAURA DELGADO
Nació en Zamora (España) en 1993. Empezó sus estudios de violín con el profesor Jesús Ramos Hidalgo en el Conservatorio de Zamora y
complementó sus estudios con las clases del profesor Lev Chistyakov, durante 3 años. Desde el curso 2011/12 estudia en la Escuela Superior
de Música Reina Sofía con la profesora Ana Chumachenco y su asistente Zorik Tatevosyan. Recibe beca de la Fundación Albéniz y Jaime
Castellanos.
Asimismo, como alumna de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, recibe regularmente clases de música de cámara del profesor Heime
Müller (Artemis Quartet). Ha recibido también clases magistrales de violín de maestros como Miriam Fried, Gerard Poulet, Mauricio Fuks,
Edvard Grach o Bartosz Bryla y de música de cámara de Günter Pichler y Valentin Erben (Alban Berg Quartet).
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Además, ha formado parte de la Orquesta Sinfónica Freixenet, bajo la batuta de Jesús López Cobos, Pablo González y Víctor Pablo Pérez,
de la Orquesta de Cámara Sony, bajo la batuta de Maximiano Valdés y Antoni Ros Marbà, y de la Camerata E.ON de la Escuela Superior de
Música Reina Sofía, bajo la dirección de Gordan Nikolic y de Günter Pichler, con la que ha aparecido como solista interpretando conciertos
de Haydn y Vivaldi.
En 2007 accedió a la Joven Orquesta Sinfónica de Castilla y León, donde ha tocado bajo la batuta de directores como Jesús López Cobos
o Rubén Gimeno.
En mayo de 2010 ganó el Primer Premio en la categoría de solistas en el Primer Concurso de Interpretación Claudio Prieto. En mayo de 2011
ganó el Segundo Premio y el Premio Jesús de Monasterio a la mejor interpretación de música española en la categoría juvenil del IX Concurso
Internacional de Violín Violines por la Paz, en Torres (España). En agosto de 2014 ganó el Primer Premio, en la modalidad A, del XVI Concurso
Internacional de Violín Villa de Llanes.
En junio de 2014 recibió de manos de Su Majestad la Reina la Mención de Alumna más Sobresaliente de la Cátedra de Violín de la Escuela
Superior de Música Reina Sofía, así como la mención de Cuarteto de Cuerda más Sobresaliente, como miembro del Cuarteto Óscar Esplá.
PAULA GARCÍA
Nace en Madrid. Ha estudiado con los maestros Diemut Poppen, Jean Philippe Vasseur, Dionisio Rodríguez, Jonathan Brown y Yuval Gotlibovich. Asimismo, ha recibido clases magistrales de Tabea Zimmermann, Ulrich Knopfler, Thomas Riebl, Hariolf Schlichtig y Tatjana Masurenko.
Desde el curso 2010/11 es alumna de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en la Cátedra de Viola con la Profesora Titular Diemut Poppen. En junio de 2013 recibió de manos de Su Majestad la Reina la Mención de Alumna más Sobresaliente de su cátedra.
En 2004 obtuvo el Premio Ciudad de Toledo en el VII Concurso Diputación de Toledo para Instrumentos de cuerda. Igualmente, recibió el
Primer Premio en el IX y X Concurso de Música de Cámara de su conservatorio y, en 2009, el Premio Extraordinario y Mención Honorífica en
la especialidad de viola en el Conservatorio de Música Adolfo Salazar, entre otros galardones.
En su experiencia orquestal destaca su participación en orquestas como la Joven Orquesta Gustav Mahler (GMJO), Joven Orquesta de la
Unión Europea (EUYO), Joven Orquesta Nacional de España, Jeune Orchestre Athlantique, Wiener Jeunesse Orchester. Ha trabajado con directores como Gianandrea Noseda, Philippe Jordan, Sigiswald Kuijken, Lütz Koehler y Enrico Onofri, con los que ha participado en festivales
como el Festival de Bolzano, BBC Proms y el Festival Internacional de Edimburgo.
Ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta de Cámara Andrés
Segovia y con la Orquesta Opus 23, de la que es miembro fundador.
En el ámbito de la música de cámara, ha recibido clases de Günter Pichler (Alban Berg Quartet), Heime Müller (Artemis Quartet), Cuarteto
Quiroga, Ferenc Rados y Marta Gulyás, y ha tocado en salas como el Auditorio Nacional de Música de Madrid, Fundación Juan March, Caixaforum de Madrid y Palma de Mallorca, Fundación Mutua Madrileña.
En julio de 2013 participó en el Encuentro de Música y Academia de Santander donde tocó junto a Eldar Nebolsin, Menahem Pressler e Ivan
Monighetti.
Actualmente estudia en la Hochschule für Musik Felix Mendelssohn, de Leipzig, con el profesor Guy Ben Ziony.
MARCO PANNARÍA
Nace en Madrid. Obtiene el Título Superior de Violoncello con las más altas calificaciones en el Real Conservatorio Superior de Música de
Madrid bajo la cátedra de Iagoba Fanlo.
Complementa sus estudios con clases magistrales de interpretación, pedagogía y perfeccionamiento técnico con los maestros Lluís Claret,
Ángel L. Quintana, David B. Quiggle, S. Popov, D. Balan, P. Müller, W. Böettcher, R. Neculai, N. Sílaghi, Endellion String Quartet y con el
Cuarteto Casals.
Ha sido colaborador de la Orquesta Nacional de España, la Filarmónica de Toledo, Orquesta Odissea, Orquesta Escuela de la Sinfónica de
Madrid, Harmonia Sphaerarum, profesor colaborador de la Orquesta de la Universidad Carlos III de Madrid y solista de la Orquesta Sinfónica de Albacete y de la Orquesta Siglo XXI con las que ha actuado en numerosas salas de Castilla-La Mancha y en el Auditorio Nacional de
Madrid.
Ha sido miembro fundador del cuarteto de cuerda Matiz con el que ganó el Concurso Nacional de Música de Cámara de Madrid (Madrid, abril
de 2004) y el Concurso Internacional de Música de Cámara Josep Mirabent i Magrans (Barcelona, julio de 2004).
También ha sido fundador del cuarteto de cuerda Langsamer, con el que ganó el Primer Premio en el I Askalon Festival de Música de Cámara
(Toledo, mayo de 2006) y con el que ha actuado en importantes salas, como el Auditorio de Galicia, el Auditorio de Tarragona y el museo Molí
de Paperer en Barcelona.
En la actualidad graba y compone para el sello discográfico de Radio Televisión Española.
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LAURA ASENSIO
Laura Asensio nace en Soria donde comienza sus estudios musicales a la edad de ocho años en el Conservatorio con el profesor de contrabajo Antonio Pérez. A los doce años gana el II Premio en el Concurso Música saludable y, con dieciséis, el Concurso Arte Creativo, en Soria.
Posteriormente realiza sus estudios superiores en el Conservatorio de Córdoba con los profesores Ángel Santafé y Lucian Ciorata, donde
finaliza sus estudios con Matrícula de Honor, la primera otorgada en Contrabajo por este centro hasta entonces. En este tiempo amplía su
formación en cursos y clases magistrales con profesores como Gary Karr, Thomas Martin, Slawomir Grenda, Nabil Shehata y Dorin Marc y
realiza cursos de contrabajo barroco y violonne con la solista de la Orquesta del Siglo XVIII, Maggie Urquhart.
Desde los 17 años es miembro de la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España), elegida solista de la Sección de Contrabajos en múltiples
ocasiones. Profesionalmente realiza colaboraciones con orquestas españolas, como la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española
(OSRTVE), Orquesta Nacional de España (ONE), Orquesta Filarmónica de Las Palmas de Gran Canaria (OFGC), Real Orquesta Sinfónica de
Sevilla (ROSS), Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL), Orquesta Barroca de la Academia de Música Antigua de la Universidad de
Salamanca, Orquesta Ciudad de Almería, Orquesta de Cámara del Gran Teatro Falla de Cádiz, entre otras.
Así mismo ha formado parte de la EUYO European Union Youth Orchestra (EUYO) y fue elegida para colaborar con la Orquesta Simon Bolivar, en Caracas (Venezuela). También participó en el primer encuentro de la Orquesta Iberoamericana, dirigida por Gustavo Dudamel, y en el
Homenaje al Maestro Jose Antonio Abreu, realizando una gira de conciertos en Miami y en el Carnegie Hall de New York.
En el terreno de Música de Cámara ha actuado con el grupo de la Orquesta Nacional, Sonor Emsemble, en Corea del Sur y en España, y actúa
en la EXPO de Zaragoza 2008 con el Dúo Dos, del que forma parte junto a su hermana violoncellista, Silvia Asensio.
Ha sido becada por el Ministerio de Cultura y por la Asociación de Artistas, Intérpretes y Ejecutantes Española (A.I.E.) para realizar estudios de
postgrado en la Hochschule für Musik Hanns Eisler, de Berlín, con el solista de contrabajos de la Berliner Philharmoniker, Esko Laine, donde
realiza actuaciones con la orquesta de la escuela, con maestros como Sir Simon Rattle.
En marzo de 2012 impartió el Curso de Perfeccionamiento de Contrabajo en el Conservatorio Profesional de Música de Jaén.
Desde 2010 hasta julio de 2012 ha formado parte de la plantilla de la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española (OSRTVE) como Profesora interina de Contrabajo y en su faceta pedagógica es Profesora de Contrabajo en La Caja del Arte, en Torrejón de Ardoz, (Madrid). Actualmente es músico freelance, miembro fundadora de la Orquesta Opus23, colabora con la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM),
Orquesta de Cámara Andrés Segovia (OCAS), Orquesta Clásica de España (OCE), y Orquesta Clásica Santa Cecilia, entre otras.
PEDRO JESÚS GÓMEZ
Nace en Albacete. Se gradúa como Profesor Superior de Guitarra bajo la dirección docente de José Tomás. Continúa su formación en la
Escola Luthier de Barcelona con A. Garrobé y en el Reino Unido con S. Dinnigan, T. Kerstens y N. North, entre otros. Obtiene un Master en
interpretación con M. Barrueco. Consigue el Título Superior de Música en Instrumentos de Cuerda Pulsada del Renacimiento y Barroco, en
el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con los laudistas José M. Moreno y Juan C. de Mulder. D.E.A en Musicología por la
Universidad Complutense de Madrid. Han tenido también una gran influencia en su formación H. Smith, J. Griffiths, R. Barto y J. Savall.
Ganó el Primer Premio Internacional Andrés Segovia de Música española para guitarra (Compostela, 1997).
Es fundador del grupo La Reverencia, con el que ha actuado en diversos países europeos. Es miembro del Duo La Spagna, junto al violagambista Jorge Miró. En la actualidad forma parte del Dúo Madrigal y del Ensemble Praeteritum.
Ha tocado diversos conciertos en el Early Music Berkeley Festival (EE.UU., 2006) y colaborado con la Capilla Antigua de Chinchilla, Estampida
Real, Illuni Música, I.K.B., Concentus Torrejón y Velasco, Capella Saetabis, Ars XVII, Malebolge y ensemble Orfeo. También ha actuado dentro
del marco del Festival de Córdoba, en Guildhall de Bath (Reino Unido), en el Teatro Termis de Salónica (Grecia), en el Teatro Parque de España
de Rosario (Argentina) y en el Teatro de Osasco (Sao Paulo, Brasil).
Ha publicado 8 trabajos discográficos para los sellos Tres Bien, Tañidos, Ars Harmónica, Arsis-Prion, Vanitas y 6×8.
Ha publicado el libro Robustiano Hernández y el Fondo de Música para guitarra de Tobarra, e intabulaciones para la música de D. Ortiz, para
vihuela sola. Ha inspirado a compositores como David Cuevas, Roxana Paredes o Ignacio Sánchez a escribir nueva música de guitarra para
él, estrenando Camino Crítico, en 2003, Drigoniana, en 2004, María del Carmen, en 2006, y Nuevas Diferencias de Vacas, en 2011. Realizó la
primera grabación mundial de Tres Divertimenti, de Salvador Brotons.
PABLO SUÁREZ CALERO
Nace en Madrid. Estudia en la Hochschule für Musik en Freiburg (Alemania), con Nicolás Chumachenco, en la Accademia Walter Stauffer, de
Cremona (Italia), con Salvatore Accardo, y en la Chapelle Royale de Bruselas (Bélgica), con Augustin Dumay. Han tenido también una gran
influencia en su formación Gonçal Comellas, Franco Gulli e Igor Ozim; en sus estudios de viola, Tabea Zimmermann. Asiste activamente al
curso de Salvatore Accardo en la Accademia Musicale Chigiana de Siena.
Es Concertino invitado en Orchestre Philarmonique de Marseille, Orchestre National Bordeaux Aquitaine, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Helsinki Philharmonic Orchestra, Royal Danish Orchestra, Trondheim Symphony Orchestra, Island Symphony
Orchestra.
Es miembro de la Orquesta de Cámara Reina Sofía, con la que ha estrenado, como solista, Resonancia de mareas, de César Camarero.
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Ha dado numerosos conciertos y recitales en España, Alemania, Ucrania, Francia, Italia, Suiza, Reino Unido, Islandia, Finlandia y Noruega.
Ha ofrecido el ciclo Grandes Sonatas Románticas en el Auditorio Conde Duque de Madrid. Interpreta conciertos con las integrales de los 24
Caprichos, de Niccolò Paganini y las Seis sonatas para violín solo, de Eugène Ysaÿe.
Recientemente ha grabado para Radio France el Concierto para violín y orquesta, de Alberto Ginastera, junto a la Orquesta Filarmónica de
Marsella. También ha grabado para Radio Televisión Española el Concierto para violín y orquesta nº 3, de Camille Saint-Saëns, junto a miembros de la Orquesta de Cadaqués.
Ha colaborado con artistas como H. Schellenberger, E. Leonskaya, Ch. Poltéra, J. J. Kantorow, X. de Maistre, Ch. Rousset, entre otros.
Actualmente es Profesor de violín en el Conservatorio Superior de Música de Aragón.
Toca un violín Carlo Antonio Testore, Milán 1732.
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CORO ÁNGEL BARJA /Orquesta de Cámara Ibérica /
AITOR OLIVARES
MÚSICA
RÉQUIEM, DE WOLFGANG AMADEUS
MOZART
INTÉRPRETES
Aldo Mata, Eduardo González , violoncellos. Rebeca Cardiel, soprano. Marina Pardo, contralto. Javier Checa, tenor.
Fabio Barrutia, bajo. Coro Ángel Barja. Aitor Olivares, director. Orquesta de Cámara Ibérica.
Miguel Fernández Llamazares, director artístico.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Concierto para dos cellos en Sol menor, Rv 531, de Antonio Vivaldi (1678-1741)
- Allegro
- Largo
- Allegro
Madrid.
Parroquia Nuestra Señora de los
Ángeles.
28 de marzo. 21:15 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Réquiem en Re menor, Kv 626, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
I. Introitus: Réquiem (coro y soprano)
II. Kyrie (coro)
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III. Secuentia
- Dies Irae (coro)
- Tuba Mirum (soprano, contralto, tenor y bajo)
- Rex tremendae (coro)
- Recordare, Pie Jesu (soprano, contralto, tenor y bajo)
- Confutatis (coro)
- Lacrimosa (coro)
IV. Offertorium
- Domine Jesu (coro, soprano, contralto, tenor y bajo)
- Hostias (coro)
V. Sanctus (coro)
- Sanctus (coro)
- Benedictus (coro, soprano, contralto, tenor y bajo)
VI. Agnus Dei (coro)
VII. Communio: Lux aeterna (coro)
NOTAS AL PROGRAMA
El Concierto para dos violoncellos, Rv 531, de Antonio Vivaldi es un concierto a destacar entre los cientos que escribió y uno de sus dobles
conciertos más tempranos, en torno hacia 1713-1717, según se deduce del papel de su autógrafo y de la incisiva rítmica, que lo relaciona
con la serie de L’Estro armónico, Op. 3. Dramático y tempestuoso el primer Allegro y vehemente y obstinado el segundo, ambos movimientos
ofrecen múltiples demostraciones de virtuosismo -notas repetidas, arpegios, rápidas escalas- y posibilidades de diálogo entre ambos solistas
y en relación con el tutti. En medio, el meditativo Largo, permite que los violoncellos expongan su lírica cantinela con el único y discreto apoyo
del bajo continuo, al modo de una sonata en trío.
La Misa de Réquiem, en Re menor, Kv. 626, de Wolfgang Amadeus Mozart, es una obra basada en los textos latinos para el réquiem, acto
litúrgico católico celebrado tras el fallecimiento de una persona; se trata de la decimonovena y última misa escrita por Mozart, quien murió
antes de terminarla.
En junio de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano nº 27 (Kv. 595). Días antes en
su casa se presentó un desconocido vestido de negro que rehusó identificarse, y encargó a Mozart la composición de un réquiem. Le dio un
adelanto y quedaron en que regresaría en un mes. Pero el compositor fue llamado desde Praga para escribir la ópera La clemencia de Tito,
para festejar la coronación de Leopoldo II. Cuando subía con su esposa al carruaje que los llevaría a esa ciudad, el desconocido se presentó
otra vez, preguntando por su encargo. Esto sobrecogió al compositor.
Más tarde se supo que aquel sombrío personaje era un enviado del conde Franz von Walsegg, músico aficionado cuya esposa había fallecido.
El viudo deseaba que Mozart compusiese la misa de réquiem para los funerales de su mujer, pero quería hacer creer a los demás que la obra
era suya y por eso permanecía en el anonimato.
Según la leyenda, Mozart, obsesionado con la idea de la muerte desde la de su padre, debilitado por la fatiga y la enfermedad, muy sensible
a lo sobrenatural por una supuesta vinculación con la francmasonería en esa época de su vida, e impresionado por el aspecto del enviado,
terminó por creer que éste era un mensajero del destino y que el réquiem que iba a componer sería para su propio funeral.
Antes de morir, Mozart consiguió terminar tan solo tres secciones con el coro y órgano completo: Introitus, Kyrie y Dies Irae. Del resto de la
Secuencia dejó las partes instrumentales, el coro, voces solistas y el cifrado del bajo y órgano incompletos, además de anotaciones para su
discípulo Franz Xaver Süssmayr. También había indicaciones instrumentales y corales en el Domine Jesu y en el Agnus Dei. No había dejado
nada escrito para el Sanctus ni el Communio. Aunque en un principio Constanze, su viuda, pidió al músico de la Corte Joseph Leopold Eybler
que terminase el Réquiem, fue su discípulo Süssmayer quien lo acabó, siguiendo las directrices de Mozart, completando las partes faltantes
de la instrumentación, agregando música en donde faltaba y componiendo íntegramente el Sanctus. Para el Communio, simplemente utilizó
los temas del Introito y el Kyrie, a manera de reexposición, para darle cierta coherencia a la obra.
Aunque al parecer se interpretaron extractos del Réquiem en una misa en memoria de Mozart, celebrada el 10 de diciembre de 1791, el
estreno de la obra completa se produjo en Viena el 2 de enero de 1793 en un concierto en beneficio de Constanze Weber, viuda del músico
austríaco. Fue interpretado de nuevo el 14 de diciembre de 1793, durante la misa que conmemoraba la muerte de la esposa del conde Walsegg y bajo la dirección del propio conde.
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ALDO MATA
Uno de los más polifacéticos y eclécticos músicos de su generación, su compromiso con la música es máximo y su actividad variopinta:
tocando de solista con orquesta, recitales, conciertos de música de cámara (Trío Alborada), haciendo el continuo en música barroca (Tempo
di Basso), impartiendo clases de cello (Conservatorio Superior de Castilla y León), escribiendo artículos en revistas como Audio Clásica (no
en vano, desde el año 2000 es Doctor cum laude en Música, en la especialidad de cello, historia de la música y cámara por la Universidad
de Indiana en Bloomington, EEUU), grabando obras estrenadas por él (Naxos), impartiendo clases de música de cámara (Centro Superior
Katarina Gurska), preparando las secciones de cello de jóvenes orquestas (JONDE), haciendo de primer cello (Orquesta Ibérica, OSCyL), o
incluso improvisando en conciertos con Ara Malikian...
Fueron sus profesores María de Macedo, Arizcuren, Monighetti, Scholes y Starker. Merced a las enseñanzas musicales del maestro Rados
(sin duda la influencia musical más importante recibida durante su carrera) y al contacto con algunos de los más interesantes intérpretes
historicistas del momento (Cocset, Dieltiens, Jaap ter Linden, Koopman, Coin, etc.), sus interpretaciones devienen algo novedoso y personal
en extremo. Su afán por recuperar las sensaciones de los considerados grandes violoncellistas de la historia (Boccherini, Duport, Romberg,
Popper, Franchomme, etc.) le lleva a ofrecer sus actuaciones con cuerdas de tripa y sin uso de la pica (artilugio que sólo fue habitual a partir
de la primera mitad del s. XX). Recientemente interpreta con orquesta los conciertos de Dvorak y Schumann de esta manera (tal y como
ocurrió en el estreno). Toca un violoncello Giuseppe Nadotti, Piacenza, 1787.
EDUARDO GONZÁLEZ
Su inquietud desde joven por la música le hace contar con una formación de las más extensas del panorama español, habiendo estudiado
con los mejores profesores en España (José Enrique Bouché, Aldo Mata, Asier Polo, Iagoba Fanlo o Angel García Jermann…), cuatro años de
formación en Alemania (becado por la prestigiosa Fundación Von Humboldt, con los profesores Alexander Hülshoff, Johannes Goritzki, Young
Chang Cho…), y un postgrado con la solista de la Staatskapelle de Berlín, Elena Cheah.
Como intérprete ha actuado tanto como solista como en grupos de cámara por todo el mundo y su actividad pedagógica es muy extensa
(es profesor de Conservatorio desde hace ocho años y recientemente ha sacado la plaza por oposición en el Conservatorio Superior de
Castilla-La Mancha), siendo invitado por diversas instituciones para dar clases (Universidad de Shengyang, Dalian en China, o en los Cursos
Internacionales de Toledo, Astorga…).
Es promotor de diversas agrupaciones: Orquesta de Cámara L’Invenzione, junto con el violinista Vicente Huerta; Tempo di basso, junto al
cellista Aldo Mata, con el que ha grabado un primer CD, para el sello Tañidos, con obras de los pioneros de las escuelas violoncellísticas:
Barrière, Boccherini, Pablo Vidal y Popper . Toca un cello Gaetano Sgarabotto, Parma, 1935
REBECA CARDIEL
Nacida en Zaragoza, diplomada en flauta travesera y licenciada en canto por la Escuela Superior de Canto de Madrid. Comienza sus estudios
de música a los siete años, completando su formación con profesores de canto y escena, como Carlos Chausson, Reri Grist, Helen Donath,
Ettore Papadia, Nicola Beller, Paul Currant, Montserrat Caballé y Carlos Mena.
Debutó en el Festival Barroco de Málaga en 2011 con el papel protagonista de la ópera Acis y Galatea (Haendel), bajo la dirección de Gregorio Esteban y Michael Thomas. Solista en la zarzuela barroca Vendado es amor, no es ciego (José de Nebra) por primera vez representada
en 2013, en el papel de Eumene, también representada en febrero de 2014 en el Teatro Pavón de Madrid, bajo la dirección de Raúl Arbeloa.
En enero de 2014 debuta con el papel de Zerlina, de la ópera Don Giovanni (Mozart), en el Teatro Principal de Castellón, bajo la dirección de
Rafa Lloret y Carlos Amat, repitiendo papel en junio de 2014, en Madrid. En febrero de 2014 participa en el montaje de la ópera Hänsel und
Gretel (Humperdink), en el papel de la bruja. Solista en el Auditorio de León y en el Festival Arte Sacro de Madrid, junto con la Orquesta de
Cámara Ibérica, dirigida por Miguel Fdez. Llamazares, en el Stabat Mater, de Pergolesi. Ha realizado diversos recitales de ópera y zarzuela
con actuaciones por varias provincias españolas. En octubre de 2014 debutó el papel de Ascensión de La del manojo de rosas, en Ciudad
Real, con la compañía lírica Musiarte Producciones e Eustasia de El Caserío, con la Fundación Excelentia, en el Teatro Real de Madrid y en
noviembre interpretó el Gloria, de Vivaldi, en Tres Cantos y Adina de L’elisir d’amore (Donizetti), en Murcia.
Fuera de papeles escénicos ha formado parte del grupo vocal Voces alayre, dirigido por Lluis Villamajó, centrado en repertorio de cámara
renacentista y barroco; en la obra La Pasión según San Mateo (Bach), bajo la dirección de Eduardo López Banzo, Gloria (Poulenc), El Mesías
(Haendel), Oratorio de Navidad (Bach) con el coro de RTVE, Don Pasquale (Donizetti) en la región de Sonora (México), La Bohème (Puccini) y
La Traviata (Verdi) en Madrid. Gira por Corea con el coro Millennium, con repertorio de zarzuela y canción coreana, siendo solista. Ha formado
parte de la Capilla Renacentista y del grupo vocal femenino Enchiriadis (coro ganador del Gran Premio Nacional 2010 y segundo premio de
polifonía en el Concurso Internacional de Neuchatel, Suiza).
Forma parte del grupo aragonés Mikrópera, que trata de acercar el mundo de la lírica al público familiar y escolar, con más de doscientas
actuaciones, con obras como Hansel y Gretel, ¿Hormiga o Zigarra?, con música de Mozart, o Plumas de seda, con música de Puccini y Verdi.
Ha actuado también con Óperadivertimento en los espectáculos Caperucita Roja, La pequeña flauta mágica y, próximamente, Pinocho, en el
Teatro Bellas Artes de Madrid, así como diversos teatros de la geografía española (Benicassim, Bilbao, Zaragoza, Logroño, Galicia).
Ha cantado en diversas formaciones desde los 13 años, tanto clásicas como modernas, siendo solista en la Expo Zaragoza 2008, en el espectáculo Broadwaymanía en el Teatro Gaztambide (Tudela); ha realizado giras con diversos coros gospel tanto en España como en Seattle
y Nueva York, siendo solista en el Symphony Space (NY). Actualmente forma parte del coro Gospel Factory (Madrid) con el que ha realizado
diversos conciertos por todo el territorio español, varias intervenciones en programas televisivos, publicidad, doblaje de películas y galas de
premios.
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MARINA PARDO
En 1994 es seleccionada por Alfredo Kraus para perfeccionar sus estudios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid y en
ese mismo año se le concede el Primer Premio en el II Festival Lírico de Callosa d’En Sarriá, otorgado por Elena Obratzsova y la prestigiosa
maestra Ana Luisa Chova. También ostenta la primera clasificación femenina en el VI Concurso Internacional Francisco Alonso y la Medalla
de Plata al Mérito Artístico de Juventudes Musicales de Santander.
Ha ofrecido numerosos recitales con su pianista habitual, Kennedy Moretti, entre los que destaca el Winterreise de Schubert en el Auditorio
Nacional. Con el guitarrista José María Gallardo así como con su grupo La Maestranza ha actuado en el Festival de Guitarra de Dublín, en la
sede de la UNESCO en Beirut y en el Teatro de la Filarmónica de Varsovia.
Dentro de la música sinfónica y bajo las batutas de Zedda, Malheiro, Valdés, García Asensio, Heltay, Encinar, Rilling, Guth, Levine, Stubs,
Ortega, Alapont, Albiach, Brouwer, Frühbeck de Burgos, López Cobos, Herbig y Steinberg debuta en el Campoamor con Alexander Nevski
de Prokofiev y destacan, entre otras, Das Lied von der Erde de Mahler en el Palacio Euskalduna de Bilbao con Ros Marbá, la misma obra en
versión de Schoemberg-Riehn en el Palau de la Música de Valencia, Alt Rapsodie de Brahms en el Teatro Monumental de Madrid, Misa en
La bemol Mayor de Schubert en la Liederhalle de Stuttgart con la Bachakademie, The Messiah de Haendel en la Mezquita de Córdoba, su
colaboración con la Compañía Nacional de Danza en el espectáculo “Raptus” de Nacho Duato cantando los Wesendonk Lieder de Wagner
en el Teatro Real y El amor brujo de Falla en gira (Argentina y Brasil) con la Real Filarmonía de Galicia dirigida por Ros Marbá.
En el terreno de la música antigua y barroca ha interpretado Dido & Aeneas de Purcell (Sorceress), L’Incoronazione di Poppea de Monteverdi
(Nerone) y Giulio Cesare de Haendel (Sesto / Cornelia) y ha grabado para el sello K617, que distribuye Harmonía Mundi, el papel de Ulisse de
la ópera de Martin y Soler Ifigenia in Aulide, así como el de Argirio de la ópera de Manzoni Aminta, con la Real Compañía Ópera de Cámara...
Así mismo perteneció a la antigua formación de Al Ayre Español con la que actuó en los más prestigiosos festivales europeos del género
(Herne, Utrecht, Libramont, Schleswig-Holstein, Societé Philarmonique de Bruxelles…) representando las zarzuelas barrocas Acis y Galatea
y Júpiter y Semele de Literes y grabándolas para Harmonia Mundi, disco por el que recibieron el Premio Nacional de Música 2005, así como
numerosos premios y reconocimientos discográficos. También ha cantado música barroca con Zarabanda (Alvaro Marías) y renacentista con
los grupos Speculum y Camerata Iberia, en eventos como el Festival Internacional de Santander, el de Aranjuez o el Emilia Romagna, en Italia.
Forma dúo con el vihuelista Juan Carlos de Mulder, con quien interviene en numerosos festivales especializados.
En el campo de la ópera “de repertorio” ha intervenido en numerosas producciones como Le Nozze di Figaro (Cherubino), Die Walküre (Grimgerde), Carmen (Mercedes), La Traviata (Flora), Die Zauberflöte (III Dama), Il Barbiere di Siviglia (Berta), Lucia di Lammermoor (Alisa), Otello
(Emilia), Tancredi (Ruggiero), Rigoletto (Maddalena), L’enfant et les sortilèges (L’Ecureuil), Manon (Rosette), Elektra (Erste Magd), The Rape of
Lucretia (Lukretia), La Verbena de la Paloma (Cantaora, Señá Rita), Doña Francisquita (Aurora), Die Frau ohne Schatten (Dienerin), The Little
Sweep (Miss Bagott), Eugen Onegin (Olga), La Sonnambula (Teresa), bajo la dirección escénica de Sagi, Iturri, García, Poda, Bollaín, Guti,
Rodríguez Aragón, Portacelli, Plaza, Pontigia, Kemp, López, Font (Els Comediants), Garcia, Palés, Lavelli, Joel, Pizzi , Ichikawa y de Ana en
los más importantes teatros españoles (Real, Zarzuela, Villamarta, Maestranza, Santander, Perelada, Arriaga) así como en el Carlo Felice de
Genova (Onegin).
Intervino en La Tarasca de Martín Pompey (estreno absoluto al que asistió el ya fallecido maestro) y Il viaggio a Reims de Rossini (estreno en
España). Antonio Noguera escribió para ella las Nanas que estrenó en la Fundación Marcelino Botín dentro del ciclo Compositores Cántabros.
En 2005 estrenó la ópera de cámara para mezzosoprano y actor El Respirar de las Estatuas, de Juan Manuel Artero, en el I Festival de Música Contemporánea de Toledo, junto al actor Jose Luis Gómez y el Grup Instrumental de Valencia dirigido por Cerveró, en un programa que
incluía las Folksongs de Berio. Artero ha escrito posteriormente para ella Sobre lo Inútil Perpetuo, estrenado en la Residencia de Estudiantes
de Madrid con motivo del centenario de Manuel Altolaguirre. Miquel Ortega le dedicó una de las canciones de su ciclo y en 2006 estrenó el
Réquiem, de García Román, en los Festivales Internacionales de Granada y Santander.
En 2003 salió al mercado el disco The Caterpillar, Albéniz songs, grabado para el sello Deutsche Grammophon con Rosa Torres Pardo y cuyo
contenido ha interpretado en el Teatro Real, entre otros.
Uno de los roles de los que Marina Pardo ha hecho su caballo de batalla es “la Abuela” de La vida breve, de Manuel de Falla, que ha interpretado en numerosas ocasiones en giras con la ONE, ORTVE, New York Philarmonic, Israel Philharmonic, Dresdner Philarmonie, Real Orquesta
Sinfónica de Sevilla y Nacional Danesa con los maestros Pons, Halffter, Ros Marbá y Frühbeck de Burgos, en salas como la Konzerthaus
Wien, Avery Fischer Hall at Lincoln Center en New York o la Mare Palatui de Bucarest.
JAVIER CHECA
Licenciado en canto en la Escuela Superior de Canto de Madrid, realiza sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de
Málaga y en el Conservatorio Manuel de Falla de Cádiz. Ha recibido clases de repertorio y técnica vocal con los maestros Francisco Heredia,
Teresa Berganza, Suso Mariategui, Edelmiro Arnaltes, Ana Mª Sánchez, Miguel Zanetti, Mª Dolores Marco, Claudio Desderi, David Manson,
Aurelio Viribay, Jorge Robaina,… entre otros.
Ha sido premiado por la Diputación de Cádiz en el Primer Curso de Canto de Cádiz y becado por la Junta de Andalucía para el taller y montaje
de Le nozze di Figaro. Actúa en diversas óperas y zarzuelas: Monteverdi, L’Orfeo (Apollo/pastore), Haendel, Acis & Galatea (Acis), Porpora,
Polifemo (Acis), Mozart, Bastian e Bastiana (Bastian), Die Zauberflöte (Tamino), Don Giovanni (Don Ottavio), Le Nozze di Figaro (Basilio), Donizetti, L’elisir d’amore (Nemorino), Verdi, La Traviata (Gastone), Otello (Rodrigo), Falstaff (Fenton), Leoncavallo, Pagliacci (Beppe), Barbieri,
El barberillo de Lavapiés (Lamparilla), Serrano, Los claveles (Fernando), Sorozábal, Black el payaso (Dupont), Moreno Toroba, Luisa Fernanda (Javier), Guerrero, Los gavilanes (Gustavo), Chueca, La alegría de la huerta (Alegrías). En el campo del oratorio ha interpretado, Credo,
Beatus Vir, Vivaldi. Te Deum, Charpentier. Réquiem en Re menor, Davide penitente, Misa de la Coronación, Gran misa en Do menor, Mozart.
Die Schöpfung, Stabat Mater, Laudate Populi, Haydn. Cristo en el monte de los olivos (Christus am Ölberge) Beethoven. L’enfant prodige,
Debussy. Miserere, Iribarren. Miserere, Ocón. Catulli Carrmina, Orff.
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Arte Sacro 2015
Participa desde la temporada 1994-95 en producciones líricas y sinfónico-corales de Teatro Real (Madrid), Gran Teatro Liceo (Barcelona),
Teatro Maestranza (Sevilla), Auditorio Nacional (Madrid), Amichialle Ponchielli (Cremona), Petruzzelli (Bari), Politeama Greco (Lecce), Calderón
(Valladolid), Palacio de la Ópera (A Coruña), Cervantes (Málaga), Isabel La Católica (Granada), Villamarta (Jerez de La Frontera), dirigido por
maestros como López Cobos, Christie, Corboz, Janson, Casas, Encinar, Zedda, Víctor Pablo Pérez, Ros-Marbá, Odón Alonso, Roa, Ortega,
Dantone… y la dirección escénica de Zeffirelli, Saggi, Pizzi, de Ana, Plaza, Gasparon, del Monaco...
FABIO BARRUTIA
Nace en Madrid en 1979, donde inicia sus estudios musicales a temprana edad. Estudió viola, realizando diversos conciertos como solista,
en orquesta o en agrupaciones de cámara. Su andadura musical comienza en 1991, en la Escolanía del Centro Cultural Fernando de los Ríos.
En 1993, ingresa en el Coro de cámara Castelnuovo Tedesco, como solista y subdirector y, en 1996, en la orquesta con el mismo nombre,
como solista de viola y ayuda de dirección, bajo la tutela de Eduardo Córcoles.
Ha recibido clases de maestros como Samuel Ramey, Vicente Sardinero, Ana Fernaud,... y de repertoristas, como Istvan Cserjan, Rafael
Senosiain,… Actualmente continúa su formación con los maestros Sara Matarranz y Jorge Robaina.
Colabora con gran número de orquestas y coros: Orquesta y Coro Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Pittsburg, Coro y Orquesta
Sinfónica de Radio Televisión Española, Coro y Orquesta de la Comunidad de Madrid, Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, Coro y Orquesta
Sinfónica de Madrid, Soloist of London, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Real Filarmonía de Galicia, Orquesta Sinfónica de Galicia,
Orchester und Chor Berliner Bach Akademie, Orquesta Metropolitana de Madrid, Orquesta Filarmónica de Sonora…
Ha realizado conciertos por gran parte de la geografía española y en el extranjero, Lincoln Center (NY), Konzerthaus (Berlín), Auditorio Cívico
Municipal (Guaymas, México), Auditorio Cívico del Estado (Hermosillo, México), Teatro del ITSON (Cd. Obregón, México), Teatro Real y Sala
Gayarre (Teatro Real de Madrid), Auditorio Nacional de Música (Madrid), Teatro Monumental (Madrid), Teatros del Canal (Madrid), Teatro Guimerá (Tenerife), Teatro Principal (Palma de Mallorca), Teatro Principal (Santiago de Compostela)…
Ha trabajado con directores de la talla de Nicola Luisotti, Mariss Jansons, Frühbeck de Burgos, Walter Weller, Didier Puntos, Gabriele Ferro,
Jesús López Cobos, Alberto Zedda, José Ramón Encinar, Antoni Ros Marbà, Silvia Sanz, Jorge Rubio, Antonio Fauró…
Su repertorio abarca todos los estilos, tanto en ópera, con roles como Leporello Y Don Giovanni (Don Giovanni, W. A. Mozart), Guglielmo (Cosi
fan tutte, W. A. Mozart), Figaro y Conde (Le nozze di Figaro, W. A. Mozart), Papageno (Die Zauberflöte), Belcore (L’elisir d’amore, G. Donizetti),
Don Pasquale y Malatesta (Don Pasquale, G. Donizetti), Marcello (La Bohème, G. Puccini), Germont (La Traviata, G. Verdi), L‘Orloge y Le Chat
(L‘enfant et le sortileges, M. Ravel)… -como en canción de concierto -con un amplio repertorio de canciones y ciclos, como Winterreise y
Schwanengesang (F. Schubert), Dichterliebe (R. Schumann), Banalites (F. Poulenc), Travel of Song (V. Williams), entre otros-, y oratorios, entre
los que destacan El Mesías (G. F. Haendel), Réquiem (W. A. Mozart), Réquiem (G. Fauré), Un Réquiem alemán (J. Brahms),…
CORO ÁNGEL BARJA
El Coro Ángel Barja nace en febrero de 1991, por iniciativa de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de León y con el propósito de dar cabida a jóvenes estudiantes dentro del mundo coral. Tomó el nombre de Ángel Barja, como homenaje a este ilustre músico, nacido en Orense
en 1938 y fallecido en León en 1987, y que desarrolló buena parte de su actividad musical en esta ciudad.
Su director fue desde su fundación en 1991, José Vilval Ángel Sarmiento hasta el año 2001, cuando se encarga del coro Aitor Olivares García.
Su repertorio trata de cubrir épocas tan distantes y diferentes como el Renacimiento y la actual, si bien, durante los últimos años centra
sus esfuerzos en las músicas desarrolladas en las diferentes culturas y estilos durante los siglos XX y XXI y en encargar y difundir obras del
folclore leonés.
En octubre de 2003 se integra en Juventudes Musicales de León y pasa a formar parte del convenio de colaboración cultural entre Juventudes
Musicales y la Universidad de León.
De los numerosos programas que avalan su existencia cabe destacar su actuación en varios festivales internacionales: IX Festival Internacional Chants et Musiques du Monde, en Francia; Ciclo de Conciertos de Semana Santa y Pascua, en Oporto (Portugal); 34ª Ressegna Internacional di Capella Musicalle, en Loreto (Italia).
Varios son los premios que jalonan su existencia de los que cabe destacar:
- Primer Premio en el Certamen Villa de Avilés, en 2006.
- Primer Premio en el Certamen de Zumárraga, en 2007.
- Primer Premio en el Certamen de Molina de Segura, en 2007.
- Segundo Premio en el Gran Premio Nacional de Canto Coral, en 2008, realizado en Zumárraga.
- Premio en la modalidad de Polifonía en el Gran Premio Nacional de Canto Coral, en 2009, que se celebró en San Vicente de la Barquera.
- Premio en la modalidad de folclore en el Gran Premio Nacional de Canto Coral, de 2010, que se celebró en Zaragoza.
- Segundo Premio en el Certamen Villa de Avilés, en 2010.
- Tercer Premio en el Certamen Coral de Ejea de los Caballeros, en 2013.
- Segundo Premio y Premio del público en el Concurso Nacional Antonio José de Burgos, en 2014.
- Primer Premio y Premio a la mejor obra de región de origen en el Certamen Coral Internacional Villa de Avilés, en 2014.
En 2010 participó en el XXVII Festival Internacional de Órgano, que se celebró en la Catedral de León, recuperando música del Archivo Catedralicio de los maestros de capilla de la misma, en el siglo XVIII. En 2011 y 2012 participó con varios conciertos en el Memorial Ángel Barja,
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ciclo que se celebra cada año en la provincia de León.
En noviembre de 2011 comienza su andadura el nuevo Coro Juvenil Ángel Barja, bajo la dirección compartida de Elena Fernández Delgado
y Aitor Olivares García, afianzando así este proyecto coral.
ORQUESTA DE CÁMARA IBÉRICA
La Orquesta de Cámara Ibérica se forma en el año 2000 y está integrada por una selección de instrumentistas profesionales, principalmente
de cuerda, procedentes de Orquestas Sinfónicas y Conservatorios de Castilla y León, Asturias y Madrid. Desde 2001 es orquesta residente
del Festival de Música Española de León.
La Orquesta Ibérica nació con el objetivo de especializarse en música española contemporánea, sin olvidar las creaciones de los compositores de generaciones anteriores, y cubrir así la carencia de este tipo de agrupaciones en nuestro país. Entre sus numerosas actuaciones
cabe destacar las realizadas en Riudoms (Tarragona) con motivo del Año Gaudí (2002), Festival Ibéro-Andalou de Tarbes y Bigorre (Francia),
Fundación Caja Vital en Vitoria, Festival de Música Española de León, Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, etc. La Ibérica ha
estrenado obras de compositores españoles de renombre, como Claudio Prieto, José Mª García Laborda, Mario Gosálvez, Salvador Brotons,
Flores Chaviano o Leonardo Balada.
En 2008, la Ibérica debuta, bajo la dirección de José Luis Temes, en el Auditorio Nacional de Madrid y en la temporada oficial del Auditorio de
León, cosechando elogios de la crítica especializada y del público. En 2010, la Ibérica participa en el Festival de Música Contemporánea de
Málaga, bajo la dirección de Tomás Garrido. Ese mismo año graba, en el Auditorio de León, su primer CD para el sello internacional Naxos,
con la obra para cuerdas de Leonardo Balada, bajo la dirección de José Luis Temes.
Desde su creación la orquesta trabaja bajo la dirección artística de su fundador: el violinista leonés Miguel Fdez. Llamazares, actuando con
concertinos y directores invitados, como Héctor Corpus, Víctor Parra, Serguei Teslya, Krzysztof Wisniewski, Pawel Hutnik, Salvador Brotons,
Virginia Martínez, Rubén Gimeno, José Luis Temes o Aitor Olivares y acompañando a solistas de reconocido prestigio, como las pianistas Teresa Pérez y Julia Franco, los violinistas Ara Malikian y Víctor Parra, el violista Luis Magín Muñiz, el acordeonista Iñaki Alberdi, los guitarristas
Ignacio Rodes y Bertrand Piétu, la arpista Ségolène Brutin, las sopranos Rut Marcos, Mª José Sánchez, Marta Arce, Ana Mª Castillo y Rebeca
Cardiel, la mezzo Marina Pardo y el violoncellista Aldo Mata.
Desde 2011 actúa también en formación de Ensemble, habiendo girado con éxito por toda España el programa Las 8 Estaciones: Vivaldi y
Piazzolla, junto al violinista Ara Malikian. En 2012 estrenan el espectáculo Danzas y zarzuelas (música, lírica y danza); en 2013, Tangos, milongas y habaneras, en el que mezclan música y danza. Su última producción es Falla y Lorca: reencuentro en La Alhambra, un espectáculo de
música, poesía y danza que ha sido estrenado en el 27º Festival de Música Española de León. Más información: www.orquestaiberica.com
AITOR OLIVARES
Nace en Guecho (Vizcaya). Comienza sus estudios musicales a los ocho años, ingresando como niño cantor en la Schola Cantorum Catedral
de León, ampliándolos posteriormente en el conservatorio de esta ciudad. Finaliza sus estudios profesionales de violín en el conservatorio
de dicha ciudad a los 21 años. Diplomado en la especialidad de Educación Musical por la Facultad de Educación de la Universidad de León,
ha colaborado como violinista en la Orquesta JJMM-ULE (1998-2001), participando en diversos montajes sinfónicos, sinfónico-corales y
operísticos. Desde 1995 es miembro, como cantante (bajo) e instrumentista (vihuela de arco) del Ensemble de música medieval Abendmusik,
participando en numerosos festivales nacionales de música antigua.
También fue miembro activo del Coro Ángel Barja desde 1992 hasta 2001, año en el que se encarga de su dirección. Numerosos premios
a nivel nacional avalan su trayectoria con este joven coro que actualmente desarrolla su actividad coral como Coro Juventudes Musicales
Universidad de León.
- Primer Premio en el Certamen Villa de Avilés, en 2006.
- Primer Premio en el Certamen de Zumárraga, en 2007.
- Primer Premio en el Certamen de Molina de Segura, en 2007.
- Segundo Premio en el Gran Premio Nacional de Canto Coral, en 2008, realizado en Zumárraga.
- Premio en la modalidad de Polifonía en el Gran Premio Nacional de Canto Coral, en 2009, que se celebró en San Vicente de la Barquera.
- Premio en la modalidad de folclore en el Gran Premio Nacional de Canto Coral, en 2010, que se celebró en Zaragoza.
- Segundo Premio en el Certamen Villa de Avilés, en 2010.
- Tercer Premio en el Certamen coral Ejea de los Caballeros, en abril de 2013.
- Segundo Premio y Premio del público en el Concurso Nacional Antonio José de Burgos, en 2014.
- Primer Premio y premio a la mejor obra de Región de Origen en el Certamen internacional Villa de Avilés, en 2014.
De 2000 a 2002 fue profesor de violín en la Escuela de Música del Ayuntamiento de Valencia de Don Juan. Desde el año 2000 es profesor de
Violín, Orquesta y Coro en la Escuela de Música del Ayuntamiento de La Robla. Desde 1992 hasta el año 2007 forma parte de las aulas corales
municipales, siendo director de las aulas corales de Cervantes, Carbajalas y de Carmelitas Sagrado Corazón, todas ellas en la capital leonesa.
De septiembre de 2012 a junio de 2014 ha sido director del Grupo Vocal del Conservatorio Profesional Peñacorada.
Desde el año 2000 es profesor de Violín de la Escuela Municipal de Música de La Robla en León y, desde el año 2007, también se encarga
de su dirección.
Ha colaborado con el coro de la Sinfónica de Galicia como cantante de coro en Óperas.
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Ha realizado numerosos cursos de dirección coral, como los ofrecidos por Maite Oca, Adolfo Gutiérrez Viejo, Lluis Vila, Iñaki Tolarechipi, Joan
Company, Basilio Astúlez, Xavier Sarasola, Albert Alcaraz, Javier Busto, Néstor Andrenacci, César Alejandro Carrillo, Johan Duijck, George
Grün, Gabriel Baltes, Philip Lawson y Peter Philips.
En septiembre de 2013 ha recibido clases magistrales de dirección de orquesta, con los maestros Bruno Aprea y Joaquín Soriano, en el X
Curso para pianistas y directores organizado por la Fundación Eutherpe de León.
Ha realizado talleres con diversos coros trabajando repertorios variados y técnica vocal:
- En noviembre de 2009, en Villalón de Campos, con el Coro Annuba de Salamanca.
- En marzo y mayo de 2011 realizó dos talleres con La Coral del Milenario de La Bañeza (León) para preparar la grabación de su primer disco.
- En abril de 2012 Taller coral con la Coral de Bembibre.
- En abril de 2010 y de 2012 trabajó con el Coro En Femenino Plural, de Ponferrada.
- En febrero de 2014 impartió un taller de voz para la asociación de escuelas de Música de León.
- En noviembre de 2014 trabajó con la Coral Excelsior de Astorga.
- Desde 2011 dirige el coro leonés Capella Lauda y, junto a Elena Fernández Delgado, el Coro Juvenil Ángel Barja.
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CICLO DE ÓRGANO
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FELIPE
Felipe LÓPEZ
López / MARIE-BERNADETTE
marie-bernadette DUFOURCET
dufourcet /
ROBERTO
roberto FRESCO
fresco
MÚSICA
ÓRGANO ROMÁNTICO EN EL
MADRID DE 1900
TRES CONCIERTOS INAUGURALES DEL ÓRGANO DE LA IGLESIA DE SANTA CRUZ
INTÉRPRETES
Felipe López, Marie-bernadette dufourcet, roberto fresco, órgano
PRESENTACIÓN
Teatros, fechas y
horarios
Con motivo de la reconstrucción y restauración del órgano Cavaillé-Coll/Mutin de la Iglesia de
Santa Cruz, que perteneció al desaparecido Teatro Lírico de Madrid, se presentan estos tres conciertos de órgano romántico, en forma de un pequeño ciclo, para ilustrar musicalmente el repertorio organístico que se escuchaba en toda Europa durante las últimas décadas del siglo XIX y el
comienzo del siglo XX.
El órgano fue adquirido en París mediante un encargo a la parisina casa constructora CavailléColl/Mutin debido al empresario Luciano Berriatua, que fue el promotor y quien financió la construcción del Teatro, en estrecha colaboración artística con los músicos Ruperto Chapí, Tomás
Bretón y otros compositores del momento empeñados en que Madrid dispusiese de un gran
escenario tanto para la lírica como para el género sinfónico nacional.
Madrid.
Parroquia de la Santa Cruz.
2, 16 y 24 de marzo. 21:00
horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Es importante resaltar que el órgano encargado a Cavaillé-Coll estaba diseñado para una gran
sala de conciertos y, por tanto, su dotación de registros estaba pensada no para una iglesia sino
para tocar junto a una gran orquesta sinfónica, dentro de una acústica distinta a la de un templo.
Por ello, en su inauguración, tendría lugar un acontecimiento que no ha sido valorado en toda su
dimensión hasta ahora, y que consistió en la interpretación de la Fantasía dialogada Op. 35 para
órgano y orquesta de Lèo Boëllman y que supuso la primera audición en Madrid, y posiblemente
en el resto de España, de una obra de carácter sinfónico para órgano y orquesta en un teatro, es
decir, en concierto.
Apenas cuatro años después de su inauguración, el desastre económico del Teatro Lírico condujo
a la quiebra de la empresa y a la ruina del empresario Berriatua. De inmediato se llegó al embargo
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de los bienes muebles y maquinaria del teatro. El órgano pasaría, quizá por intervención de Ruperto Chapí, a la tribuna de la nueva Iglesia de
Santa Cruz en la calle Atocha. El instrumento fue desmontado y vuelto a remontar por la casa organera madrileña “Ricardo Rodríguez”, ocupando la tribuna trasera del templo en una posición no especialmente favorable ni acústica ni visualmente para su cometido.
Se mantuvo en servicio durante todo el siglo XX, sufriendo considerables daños derivados de la Guerra Civil, y de la intervención de algún organero desaprensivo que le privó de numerosos elementos de la tubería original. A finales de los años 70, le despojaron de toda su mecánica y
piezas originales, perdiendo el sistema original de transmisión y un teclado de la consola. Totalmente transformado en un órgano eléctrico, con
secretos de baja calidad, sistema de viento primitivo, y los elementos sonoros muy mermados y deteriorados, llegó en muy malas condiciones
hasta comienzos del siglo XXI. Afortunadamente, la enorme cantidad de piezas originales de las que fue despojado el año 1979, el equivalente
en peso a varias toneladas, se conservó debidamente almacenado y clasificado en una sala lateral de la tribuna, gracias al entusiasmo de dos
jóvenes músicos, hoy día profesionales.
Su reconstrucción y restauración se ha enmarcado dentro del “Plan de Recuperación de Órganos Históricos” de la Comunidad de Madrid, en
lo que posiblemente haya sido el proyecto más ambicioso de los diez hasta ahora culminados. La Dirección General de Patrimonio Histórico,
dependiente de la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura, planteó el trabajo desde el punto de vista de la restauración fiel y exacta de todas
las piezas conservadas que permitiesen reconstruir el órgano tal cual fue montado en el templo a principios del siglo XX, sin añadir ningún elemento sonoro ni mecánica que no fuese la original.
Se ha recuperado un valioso instrumento para Madrid.
Tras su restauración en taller, se ha remontado sobre una tribuna lateral donde acústica y visualmente suena y se contempla en todo su esplendor. Para ello ha sido necesario una obra de refuerzo de la tribuna, de manera que el instrumento no apoye sobre el forjado sino sobre una
estructura que descansa sobre los muros laterales y el trasero, debido a su peso de casi nueve toneladas.
Los trabajos de restauración fueron adjudicados mediante concurso público a la empresa organera Carlos Álvarez Organeros, de Villel (Teruel),
quienes han realizado un magnífico trabajo tanto en las partes instrumentales (mecánica, tubería, etc.), reconstruyendo la máquina Barker, el
mueble y el armazón interior.
NOTAS AL PROGRAMA DE MARIANO SANTAMARÍA
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Felipe López
MÚSICA
ÓRGANO ROMÁNTICO EN EL
MADRID DE 1900
PRIMER CONCIERTO INAUGURAL DEL ÓRGANO DE LA IGLESIA DE SANTA CRUZ
INTÉRPRETES
Felipe López, órgano.
PROGRAMA
Johann Sebastian Bach
(1685-1750)
Toccata y fuga en Re menor, “Die Dorische”,
BWV 538 1
Leo Boëllmann
(1862-1897)
Suite Gothique, Op. 25 1
Ruperto Chapí
(1851-1909)
Serenata morisca 2
Cesar A. Franck
(1822-1890)
1
Teatros, fechas y
horarios
Madrid.
Parroquia de la Santa Cruz.
2 de marzo. 21:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
- Introduction-Choral
- Menuet gothique
- Priere à Notre Dame
- Toccata
Coral nº 1 en Mi Mayor
En conmemoración de las obras interpretadas en el concierto inaugural de este
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órgano Cavaillé-Coll / Mutin el día 3 de Abril de 1902, en su primer emplazamiento en el Teatro Lírico de Madrid, a cargo del
profesor del Real Conservatorio, Don Valentín de Arín.
2
Versión para órgano según una transcripción manuscrita de la Biblioteca Municipal “Víctor Espinos”, de Madrid.
NOTAS AL PROGRAMA
En el primer concierto de este ciclo se han querido repetir los autores que figuraron en el programa con el que, el 5 de mayo de 1902, se
presentó este órgano en su primitiva sede del Teatro Lírico de Madrid, en una velada en la que también se inauguraba el nuevo coliseo que
estaba ubicado en la calle del Marqués de la Ensenada, en el solar que actualmente ocupa el Instituto Francés. Aquél fue un acto múltiple en
contenidos, todos instrumentales y sinfónicos. Después del descanso, y antes de la segunda parte, tuvo lugar un intermedio que consistió en
un breve recital de órgano a cargo de D. Valentín de Arín, profesor del Real Conservatorio, en el que interpretó un Adagio del II Concierto de
Johann Sebastian Bach (sic), seguido de la Fantasía Dialogada Op. 35 para órgano y orquesta de Lèo Boëllmann. En la primera parte, se habían incluido obras sinfónicas de compositores españoles, en la que se interpretaron piezas de Salvador Giner, Tomás Bretón, y Ricardo Villa,
quien dirigía la orquesta. En la segunda parte, sonaron obras de Rossini, Saint-Saëns, y, de fin de fiesta, la Obertura de Maestros Cantores
de Wagner. Como programa típico de la inauguración de un teatro y de un órgano, la idea de convertir aquel nuevo escenario en un punto
de referencia de la música sinfónica y lírica nacional, dio como resultado un variado y colorístico repertorio, mezclando autores y estilos. De
aquél inolvidable acontecimiento daría buena cuenta la prensa diaria de Madrid en las jornadas siguientes.
Ya que no nos es posible hoy repetir el repertorio que se interpretó al órgano, por no disponer de la orquesta, sí que incluimos obras significativas de esos dos autores.
La Tocata y Fuga Dórica de Bach es una obra de juventud en la que encontramos elementos de contraste en las sonoridades de los dos
teclados del órgano, así como secciones de pedal sobre notas tenidas, y efectos armónicos que luego aparecerán en sus grandes pasiones.
La Fuga está planteada sobre un sencillo sujeto y un segundo tema que logra desarrollar, mediante la alternancia de ambos, una forma en la
que posiblemente encontraríamos unos de los modelos más escolásticos del genio de Leipzig.
Lèo Boëllmann es un compositor reconocido hoy día fundamentalmente por su repertorio organístico, y concretamente por la obra que vamos a escuchar, la Suite Gótica, así como por otra Suite y por una pequeña colección de obras de carácter litúrgico con el título de “Horas
Místicas”. La Suite Gótica es suficientemente famosa entre el gran público, especialmente por el tercer y cuarto movimiento, la “Plegaria a
Nuestra Señora” (Prière a Nôtre Dame) que contiene un motivo melódico que ha servido incluso para ser transcrito para ser cantado, algo que
es inusual. Y la Tocata, que con un carácter entre serio y burlesco, está claramente definida por el tema punteado que aparece en el pedal, y
que dialoga con el tema melódico que aparece en la mano derecha.
Chapí, junto con Bretón, fueron los grandes instigadores de la gran empresa del Teatro Lírico, patrocinada por Luciano Berriatua. Esto justifica la presencia del autor alicantino en este recital. Chapí escribió su Fantasía Morisca como una obra sinfónica para gran orquesta en
varios tiempos, que algunos musicólogos la adscriben al movimiento alhambrista y, por supuesto, a esa corriente musical basada en temas
populares españoles, con toques de pintoresquismo. La transcripción para órgano, que puede ser atribuida al propio Chapí, aparece en un
manuscrito de la biblioteca musical Víctor Espinós de Madrid, y corresponde sólo y exclusivamente a la Serenata. Posiblemente, se pensó
para ser interpretada en este instrumento que hoy inauguramos.
César Franck escribe los tres grandes Corales para órgano en 1890, en los que quizá mejor se encuentra reflejado su modelo de lenguaje
organístico. Franck es sinónimo de órgano Cavaillé-Coll, ya que toda su música escrita para este instrumento está pensada y dirigida para
ser interpretada en un instrumento de tres manuales y pedal como el que disponía en la Basílica de Santa Clotilde en París. En el Coral nº 1,
en mi mayor, bajo un carácter amable, con una música bella llena de buenos sentimientos, y, al igual que en los otros tres, cada uno en un
carácter o afecto, Franck expone el tema de su coral para, partiendo de él, plantear un desarrollo a base de variaciones sobre la melodía del
mismo, intercalando otras secciones o episodios, tras los que vuelve cíclicamente a repetir el tema principal, total o parcialmente. Esta pieza
es quizá una de las obras donde Franck demuestra un alarde de talento armónico en el manejo de los enlaces y resoluciones de acordes,
dentro de la más pura armonía tradicional.
NOTAS AL PROGRAMA DE MARIANO SANTAMARÍA
FELIPE LÓPEZ
Organista titular de la Real Iglesia de San Ginés y del gran órgano Merklin del Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro, desde 1995.
Es asesor técnico para el Plan de Recuperación de Órganos Históricos de la Comunidad de Madrid, desde 1998.
A lo largo de su carrera como intérprete, ha participado en diversos foros musicales como los del Instituto Cervantes de Roma, Musikverein
Stuttgart-Zuffenhausen (Alemania), Ciclo de Órganos de Valladolid, Festival de Otoño, Festival de Santander y Festival de Arte Sacro de Madrid; International Festival of Contemporain Music Varsovia, Conciertos para Jóvenes de la Fundación Juan March, así como en numerosos
ciclos organizados por Radio Clásica, entre ellos, en el IV Ciclo de Música Española para Órgano, y Música para Órgano del siglo XX (1999).
En 1984 obtiene el Premio Nacional del Disco del Ministerio de Cultura. Es autor de varias producciones musicales centradas en la recuperación del repertorio del siglo XIX español, y tiene en su haber reestrenos de música del siglo XX de autores vivos, como Luis de Pablo, Kaija
Saariaho, Adolfo Núñez, Mauricio Sotelo, Helmut Lachemann, etc. Tiene registrados discos para los sellos EMI-Hispavox, RTVE-Música y
DECCA, así como numerosas grabaciones para Radio Clásica, Televisión Española, Radio Berlín y la SDR-1.
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Nacido en Madrid, se gradúa como Profesor Superior en Piano, Musicología y Órgano, en el Real Conservatorio Superior de Música de
Madrid y en el Conservatorio Municipal de Barcelona, consiguiendo los Premios de Honor Fin de Carrera, en Piano y Órgano, al finalizar los
estudios. Asiste a cursos internacionales de interpretación con los maestros André Isoir y Lionell Rogg y Marie-Claire Alain, en París. Paralelamente sigue cursos con Jacques Ogg y Keneth Gilbert. Entre 1989 y 1994 residió en Alemania realizando estudios de perfeccionamiento con
los maestros Ludger Lohmann y Jon Laukvik, en Órgano, Música de Cámara, Improvisación y Dirección de Orquesta, en la Musikhochschule
de Stuttgart. Entre 1992 y 1994, ocupó el puesto de Organista-Kantor en la Evangelische Johanneskirche de Stuttgart-Zuffenhausen. Además de su dedicación como solista, es promotor y director del conjunto Anima Mvsica Consort. Es titulado superior por la UNED y posee un
Máster de especialización.
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Marie-Bernadette Dufourcet
MÚSICA
ÓRGANO ROMÁNTICO EN EL
MADRID DE 1900
SEGUNDO CONCIERTO INAUGURAL DEL ÓRGANO DE LA IGLESIA DE SANTA CRUZ
INTÉRPRETES
Marie-Bernadette Dufourcet-Hakim, órgano.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Charles-Marie Widor
(1844-1937)
Allegro vivace de la 5ª Sinfonía, Op. 42
Cesar A. Franck
(1822-1890)
Coral nº 2 en Si menor
Maurice Duruflé
(1902-1986)
Scherzo, Op. 2
Naji Hakim
(1955)
Marie-Bernadette Dufourcet
Madrid.
Parroquia de la Santa Cruz.
16 de marzo. 21:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Arabesques
Improvisación libre
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NOTAS AL PROGRAMA
El segundo concierto se abre con una obra de Charles M. Widor, compositor y organista francés que consagra en su música al órgano como
instrumento sinfónico. De su colección de sinfonías para órgano, escuchamos el primer tiempo de la primera, Op. 42, el famoso Allegro
vivace, una elaborada pieza en la que el tema principal, en dos partes, es tratado en forma de variaciones sinfónicas, utilizando todos los
recursos expresivos y colorísticos del órgano Cavaillé-Coll.
El Coral nº 2 en Si menor de César Franck contrasta completamente en carácter y afecto con el nº 1 escuchado en la primera sesión de
este ciclo de órgano. Comienza con una melodía en los bajos que sugiere un ambiente misterioso e inquietante por su carácter, al que se
contrapone un segundo motivo sobre el que se irá construyendo sucesivamente la melodía del coral en forma cíclica, y sobre el que se irán
montando sucesivos episodios, entre ellos, un fugado que culmina en un desarrollo de tipo rapsódico. La obra concluye como empieza: con
la misma serenidad, pero algo más afable en el afecto.
Maurice Duruflé es el último gran compositor de la tradición sinfónico romántica francesa para órgano, exceptuando a sus contemporáneos
Jehan Alain (1911-1940) y Olivier Messiaen (1908-1992). Duruflé fue siempre fiel a los principios de la liturgia católica tradicionales, surtiéndose siempre del inmenso caudal que le proporciona el repertorio de la monodía gregoriana, plenamente reformada y revisada por el nuevo
Gradual Solesmense. Su música es capaz de crear aún nuevas texturas sonoras en el órgano partiendo de las melodías tradicionales del
repertorio modal, con una armonización clásica, también modal, con resultados distintos a los de Olivier Messiaen. Fue un compositor excesivamente celoso de la calidad de su producción, por lo que su catálogo no es muy amplio. Buen ejemplo de ello es el Scherzo, Op. 2 que
escuchamos en este concierto.
Fuera de la época y contexto que envuelve la inauguración del órgano, la obra del compositor y organista en activo Naji Hakim es, sin duda,
un atractivo e interesantísimo referente de la moderna creación y composición para órgano en nuestros días a nivel internacional. De su
extensa producción escuchamos hoy Arabesques, que el propio autor presenta como una suite para órgano basada en canciones y danzas
propias del folklore de los países mediterráneos con influencias del jazz. En sus seis movimientos -Prélude, Pastorale, Libanaise, Arabesque,
Litanie y Rondeau- encontraremos melodías ornamentadas, armonía modal, una métrica irregular y una expresividad basada en el diálogo
de todos estos elementos.
NOTAS AL PROGRAMA DE MARIANO SANTAMARÍA
MARIE-BERNADETTE DUFOURCET
Nació en Francia. Es de ascendencia española por vía materna. Catedrática y Doctora en Musicología de la Sorbona, enseña en la Universidad de Burdeos. Es también Profesora invitada del Departamento de Música de la Universidad Autónoma de Madrid y colabora con el CSIPM
(dir. Prof. B. Lolo) de esa misma universidad.
Estudió el órgano con Marie-Claire Alain, Jean Langlais y, en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París, con Rolande
Falcinelli. En ese mismo conservatorio, obtuvo los primeros premios de Órgano, Improvisación, Armonía, Contrapunto, y los segundos premios de Fuga, Instrumentación y Orquestación.
Licenciada en interpretación del Trinity College of Music de Londres, obtuvo a continuación varios primeros premios de órgano e improvisación en las competiciones internacionales de Rennes (Francia), St. Albans (Inglaterra), Beauvais (Francia) y el Segundo Premio de Interpretación en el Concurso Internacional de Chartres (Francia).
Es organista emérita del órgano Cavaillé-Coll de la iglesia Notre-Dame-des Champs de París. Participa como intérprete, profesora o miembro
de tribunales en varios festivales europeos y americanos, así como en Oriente Medio. En julio de 2002, invitada por la American Guild of
Organists de Estados Unidos en Seattle, creó el Seattle Concierto para órgano y orquesta sinfónica, de su marido Naji Hakim; la Orquesta
Sinfónica de Seattle fue dirigida por su director el maestro Gerard Schwarz. Interviene periódicamente en el programa radiofónico estadounidense Pipedreams, de Michael Barone (National Public Radio) y también en BBC 3.
Grabó para Priory (Inglaterra), REM (Francia), Motette Ursina (Alemania), Ifo (Alemania), Rejoyce, Signum. En 2008, con motivo de las conmemoraciones en honor de Olivier Messiaen, grabó para Rejoyce/Ifo la integral del Livre du Saint-Sacrement con el órgano de la iglesia de
la Trinidad en Paris.
En 2011, recibió la medalla de Chevalier des Palmes académiques y, en 2013, el Gobierno francés la condecoró con la medalla de Chevalier
dans l’Ordre National du Mérite.
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Arte Sacro 2015
Roberto Fresco
MÚSICA
ÓRGANO ROMÁNTICO EN EL
MADRID DE 1900
TERCER CONCIERTO INAUGURAL DEL ÓRGANO DE LA IGLESIA DE SANTA CRUZ
INTÉRPRETES
Roberto Fresco, órgano.
PROGRAMA
Teatros, fechas y
horarios
Charles-Marie Widor
(1844-1937)
Franz Liszt
(1811-1886)
Cesar A. Franck
(1822-1890)
Oskar Merikanto
(1868-1924)
Mattehus-Final
Adagio
Madrid.
Parroquia de la Santa Cruz.
24 de marzo. 21:00 horas.
Entrada libre hasta completar
aforo.
Grande Piéce Symphonique, Op.17
Sarabande
Prelude
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Alexander Guilmant
(1837-1911)
Sonatina
Sonata pour orgue nº 1 en Re menor, Op. 42
- III. Finale: Allegro assai
NOTAS AL PROGRAMA
El tercer concierto resulta especialmente atractivo por la particularidad de que, en su contenido -todo él con música de autores adscritos al
romanticismo y nacidos en el siglo XIX- está latente el legado de Johann Sebastian Bach.
Con la excepción de la Gran Pieza Sinfónica de Franck, el resto del programa, de un modo u otro tiene una vinculación temática o morfológica
íntimamente relacionada con la obra para órgano de Bach.
Charles Widor escribe el Mattehus-final como homenaje a la obra de Bach, en forma de una paráfrasis del coro final de la “Pasión según San
Mateo”. Una obra magnífica. La interpretación que propone Widor sobre este coro de la Pasión es en especial sorprendente para el que la
oye por primera vez.
Óscar Merikanto es un compositor postromántico no especialmente conocido. Fue organista y director de la ópera finlandesa y se formó
musicalmente en el Conservatorio de Leipzig. Las dos obras que escuchamos guardan una especial relación estilística con el estilo de escribir
de Johann Sebastian Bach en la Suites para cémbalo, pero con el concepto musical de un compositor postromántico.
Alexander Guilmant es uno de los grandes compositores y organistas franceses, un músico en el que puede más su enorme capacidad de
inspiración melódica, con temas realmente atractivos. Guilmant es otro de los grandes cultivadores del género sinfónico organístico de la
segunda mitad del siglo XIX, aunque él denomina sonatas a las que realmente son sinfonías para órgano, como el caso de la nº 1 en Re
menor, Opus 42, de la que escuchamos el Finale. Sin embargo Guilmant no solamente ha pasado a la historia por ser un gran intérprete y un
magnífico compositor, sino por haber sido uno de los promotores de la reedición de los maestros clásicos franceses, en colaboración con el
musicólogo François-Joseph Fétis. Es por ello que Guilmant conocía perfectamente la obra de Bach y su Sonatina no es más que una transcripción del Actus tragicus de la Cantata nº 106 de Bach, que lleva por título “Gottes Zeit ist die aller beste Zeit”.
La Gran Pieza Sinfónica de César Franck es considerada por muchos como “la sinfonía para órgano” de este autor de origen belga. Obra de
gran extensión, está dividida en tres secciones, que se interpretan sin solución de continuidad a partir del gran motivo o frase inicial, mediante
la cual Franck demuestra tener un concepto del tratamiento melódico aplicado a partir de frases musicales de hasta 12 compases. Una forma
de crear que hace precisamente a Franck particularmente distinto de sus contemporáneos interpretados en esta velada, Widor y Guilmant.
NOTAS AL PROGRAMA DE MARIANO SANTAMARÍA
ROBERTO FRESCO
Organista titular de la Catedral de Santa María la Real de la Almudena de Madrid y profesor de órgano del Centro Superior de Enseñanza
Musical Katarina Gurska, también en Madrid.
Nace en Astorga en 1967. En esa ciudad inicia su educación musical y posteriormente la continúa en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Entre 1994 y 1996 estudia, en la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Viena, con Michael Radulescu, personalidad a la que debe
muchos rasgos de su pensamiento musical. Pero ha sido la española Montserrat Torrent quien ha ejercido verdadera influencia sobre él, no
sólo en cuestiones relativas a la interpretación sino también en cuestiones directamente relacionadas con la pedagogía, muy especialmente
sobre la música española.
Su carrera como concertista y profesor le ha llevado a través de Europa, EEUU, América Latina y las Islas Filipinas y ha colaborado habitualmente con solistas y grupos vocales e instrumentales, abordando repertorios que abarcan seis siglos de música para órgano. Ha realizado
diversos trabajos discográficos que incluyen tanto música antigua como música del siglo XX. En lo que al terreno de la enseñanza se refiere,
ha sido profesor de clave en el Conservatorio Superior de Música de Castilla y León y en el Conservatorio Profesional de Música Federico
Moreno Torroba, de Madrid. Así mismo ha sido profesor de órgano en el Conservatorio Profesional de Música de Palencia y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Es fundador y director de la Academia de Órgano Fray Joseph de Echevarría que se organiza anualmente en torno a los órganos históricos
de Tierra de Campos (Palencia) y que tiene como finalidad la promoción de los órganos antiguos españoles y de toda la literatura que ha sido
escrita para ellos.
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CINE
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Ciclo de Cine
EL CIELO SOBRE BERLÍN, de Win Wenders
(Alemania, 1987). Duración 128 min.
Reparto: Bruno Ganz, Peter Falk, Solveig Dommartin, Otto Sander, Curt Bois, Hans Martin Stier, Elmar Wilms, Lajos Kovacs,
Bruno Rosaz.
Madrid. Ateneo de Madrid. 20 de febrero. 18:30 horas
Dos ángeles sobrevuelan Berlín, ciudad dividida por el “muro de la vergüenza”. Sólo son visibles para los niños y los hombres de
corazón puro. Uno de ellos, decidido a conocer los sentimientos de los mortales, se enamora de una joven trapecista...
EL TERCER MILAGRO, de Agnieszka Holland
(Estados Unidos, 1999). Duración 118 min.
Reparto: Ed Harris, Anne Heche, Armin Mueller-Stahl, Ken James, Charles Haid, Barbara Sukowa.
Madrid. Ateneo de Madrid. 20 de febrero. 20:50 horas.
Frank Shore, un sacerdote conocido como el “asesino de milagros”, es llamado urgentemente por su obispo para que actúe
como abogado del diablo: una estatua de mármol de un convento de Chicago llora lágrimas de sangre. El párroco propone la
beatificación de Helen O’Regan, una santa mujer a quien la comunidad cree responsable del milagro.
SAMSARA, de Pan Nalin.
(India, Francia, Italia, Alemania, 2001). 145 min.
Reparto: Shawn Ku, Christy Chung, Neelesha BaVora, Tenzin Tashi, Jamayang Jinpa.
Madrid. Ateneo de Madrid. 21 de febrero. 18:30 horas.
Después de tres años de reclusión voluntaria en una ermita perdida en la región del Ladakh
en el Himalaya, Thasi emerge de un trance profundo. De vuelta en el monasterio budista
donde vivió desde los cinco años, el joven va recuperando sus fuerzas vitales. Pero el
regreso trae resultados inesperados, Thasi empieza a experimentar el despertar a la vida
sexual y comienza a cuestionarse los valores de su vida monacal en el monasterio.
LA NOCHE OSCURA, de Carlos Saura.
(España, 1989 ). Duración 93 min.
Reparto: Juan Diego, Fernando Guillén, Manuel de Blas, Julie Delpy, Abel Vito, Adolfo
Thous, Fermí Reixach.
Madrid. Ateneo de Madrid. 21 de febrero. 21:15 horas.
En 1577, San Juan de la Cruz es encerrado por los Carmelitas, quienes le castigan por
sus ideas. Sufriendo un martirio atroz, pretenden doblegar su fe. Consiguen justamente
lo contrario: que San Juan de la Cruz ahonde en su idea de volver a un monacato íntimo
con Dios. Durante el cautiverio, cree que Dios le dicta unos poemas, que conmueven a su
carcelero, la única persona con quien tiene contacto.
LA BIBLIA, de John Huston
(Estados Unidos, 1966). Duración 174 min.
Reparto: Michael Parks, Ulla Bergryd, Richard Harris, John Huston, Stephen Boyd, George
C. Scott, Ava Gardner, Peter O’Toole, Zoe Sallis, Gabriele Ferzetti, Eleonora Rossi Drago, Franco Nero, Pupella Maggio, Robert Rietty, Peter Heinze, Roger Beaumont, Gianluigi
Crescenzi, Maria Grazia Spina.
Madrid. Ateneo de Madrid. 22 de febrero. 18:30 horas.
Cuenta los primeros 22 capítulos del Génesis: la creación del mundo, la expulsión del
hombre del Paraíso Terrenal, la expansión del Pueblo de Dios por la faz de la Tierra, el
Diluvio Universal o la destrucción de Sodoma y Gomorra.
Teatros, fechas y
horarios
CICLO DE CINE
Madrid. Ateneo de Madrid.
EL CIELO SOBRE BERLÍN
20 de febrero. 18:30 horas.
Entrada 5 €
(socios: entrada gratuita).
EL TERCER MILAGRO
20 de febrero. 20:50 horas.
Entrada 5 €.
(socios: entrada gratuita).
SAMSARA.
21 de febrero. 18:30 horas.
Entrada 5 €.
(socios: entrada gratuita).
LA NOCHE OSCURA.
21 de febrero. 21:15 horas.
Entrada 5 €.
(socios: entrada gratuita).
LA BIBLIA.
22 de febrero. 18:30 horas.
Entrada 5 €.
(socios: entrada gratuita).
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Arte Sacro 2015
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Direcciones
ALALPARDO
Tel.: 91 894 31 17
Desde C/ Conde de Casal, autobús 337
Iglesia Parroquial de San Cristóbal
C/ Martín Álvarez, 8
Tel.: 91 620 21 22
Desde Plaza de Castilla, autobuses 182 y 254
* Todo Bach
Felipe López, órgano
8 de marzo. 20:00 horas
* El Códice de las Huelgas. Cantos femeninos del siglo XIV
Cuarteto Femenino Arsys. Ligia Gutiérrez, directora
22 de marzo. 19:00 horas
ALCALÁ DE HENARES
Catedral Magistral de los Santos Niños
Plaza de los Santos Niños, s/n
Tel.: 91 888 09 30
Desde el intercambiador de Avenida de América, los autobuses 223, 227, 229 y Cercanías Renfe C2 y C7
* Misa de Santa Teresa, de Johann Michael Haydn
Sociedad Lírica Complutense. Vicente Ariño, director
7 de marzo. 21:00 horas
CABANILLAS DE LA SIERRA
COLMENAR VIEJO
Basílica de la Asunción de Nuestra Señora
C/ Isabel la Católica, 2
Tel.: 91 845 20 52
Desde Plaza de Castilla, autobuses 721 y 722 y Cercanías
Renfe C-4B
* Música Sacra en la época de los Reyes Católicos
Schola Polifónica de Madrid y Trío de instrumentos antiguos
Antonio Peces, director
13 de marzo. 20:00 horas
* Stabat Mater de Vivaldi y de Pergolesi
Camerata Castellana
20 de marzo – 20:00 horas
Teatro Municipal Buero Vallejo
Iglesia Parroquial de San Juan Bautista
C/ La Iglesia s/n
Tel.: 91 843 90 03
Desde el intercambiador de Plaza de Castilla: autobús 191
(empresa Continental Auto)
EL MOLAR
* El Cristo de la Quebrada
José Luis Merlín, guitarra. Ernesto Schmied, flauta
21 de marzo. 20:00 horas
* El Coro y la Orquesta en el Barroco religioso
Coro y Orquesta de la Universidad Rey Juan Carlos. Ángel del Palacio, director titular. Carlos Fernando Chaves,
director invitado
22 de febrero. 20:00 horas
COLLADO VILLALBA
Parroquia de la Virgen del Camino
Plaza Julio Hernández Rubio, s/n
Tel.: 91 851 00 91
Desde Moncloa autobús 687 y Cercanías Renfe C3, C8B y C10
* Stabat Mater de Vivaldi y de Pergolesi
Camerata Castellana
27 de marzo. 20:15 horas
COLMENAR DE OREJA
Iglesia Parroquial de Santa María la Mayor
Costanilla de las Ánimas, 1
Iglesia Parroquial de Nuestra Señora de la Asunción
C/ Germán Ortega, 1
Tel.: 91 841 00 08
Desde Plaza de Castilla, autobús 193
* Cantigas Centenales. Corazón de Castilla
Grupo Música Antigua. Eduardo Paniagua, director
15 de marzo. 20:00 horas
* Maria et sacris canticis
Camerata Dirdam. José Ignacio López, director
22 de marzo. 20:00 horas
GETAFE
Iglesia Catedral de Santa María Magdalena
Plaza de Santa María Magdalena s/n
Tel.: 91 682 50 12
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Direcciones
Desde Atocha, autobús 441 y cercanías Renfe C-4
21 de febrero - 18:30 horas
* Para el espíritu: órgano y gregoriano
Capilla Gregoriana de la Fundación Don Hernando de Aragón. Esther Ciudad, órgano, Ismael Villanueva, director
22 de febrero. 20:00 horas
* La noche oscura, de Carlos Saura (Ciclo de Cine)
21 de febrero - 21:15 horas
* Stabat Mater de Vivaldi y de Pergolesi
Camerata Castellana
7 de marzo. 20:00 horas
* La Biblia, de John Huston (Ciclo de Cine)
22 de febrero - 18:30 horas
HOYO DE MANZANARES
* Ávila en el Renacimiento. 500 Aniversario del nacimiento
de Santa Teresa.
Elena Gragera, mezzosoprano. Anton Cardó, piano
23 de febrero - 20:00 horas
Teatro Municipal las Cigüeñas
Plaza de la Iglesia s/n
Tel.: 91 856 76 04
Intercambiador de Moncloa. Autobús 611
* De lo bello y sus formas
Gudrún Ólafsdóttir, mezzosoprano. Sonor Ensemble. Luis
Aguirre, director
3 de marzo – 20:00 horas
* Concierto Música Sacra
Helena Gallardo, soprano.. Trío Clásico
7 de marzo. 20:00 horas
Centro Cultural de los Ejércitos
C/Gran Vía, 13
Tel.: 91 522 23 09
Metro: Gran Vía, Sevilla
Autobuses: 1, 3,46, 74
LA CABRERA
Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga
Sierra Norte
C/ Avenida de la Cabrera, 96
Tel.: 91 868 95 30
Desde el intercambiador de Plaza de Castilla, autobuses
190B, 191, 194, 195, 196 y 199
* La música sacra en el tango
Orquesta y Coro Matritum Cantat. Javier Blanco, director
28 de febrero. 20:00 horas
MADRID
Ateneo de Madrid (Salón de Actos)
C/ Prado, 21
Tel.: 91 429 17 50
www.ateneodemadrid.com
Metro: Antón Martín, Sevilla
Autobuses: 5, 6, 9, 15, 27, 32, 51, 52, 53, 57,150
* El cielo sobre Berlín, de Win Wenders (Ciclo de Cine)
20 de febrero - 18:30 horas
* El tercer milagro, de Agnieszka Holland (Ciclo de Cine)
20 de febrero - 20:50 horas
* Samsara, de Pan Nalin (Ciclo de Cine)
* Sonatas de Albarracín
Teresina Jordà, piano
23 de marzo – 19:30 horas
Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas
C/ Felipe de Diego, 11
Tel.: 91 507 97 40
Cercanías Renfe: Asamblea de Madrid-Entrevías
Autobuses: 57 desde Atocha y 144 desde Entrevías
* De lo profano a lo sacro
Praeteritum Ensemble. Pablo Suárez Calero, concertino y
director
28 de marzo – 20:00 horas
Centro Cultural Pilar Miró
Plaza de Antonio María Segovia s/n
Tel.: 91 305 24 08
Metro: Villa de Vallecas
Cercanías Renfe: Vallecas y Santa Eugenia
Autobús: 58
* Espirituales Negros
Coro de niños “Aula de Músicas”. Ángela Morales, directora. Grupo Ierê . Coro Maestro Barbieri. Fernando Rubio,
director
21 de marzo – 20:00 horas
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Direcciones
Escuela Técnica Superior de Ingenieros de Telecomunicación de la Universidad Politécnica de Madrid
Avda. Complutense, 30 (Ciudad Universitaria)
Tel.: 913367243
Metro: Ciudad Universitaria
Autobuses: 82, G,U
* Cuarteto para el fin de los tiempos, de Olivier Messiaen
David Salinas, clarinete. Trío Vega
26 de marzo – 19:00 horas
Iglesia de San Jerónimo el Real
C/ Moreto, 4
Tel.: 91 420 30 78
Metro: Banco de España, Atocha
Cercanías Renfe: Atocha
Autobuses: 19, 133,146
Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro
C/ Manuel Silvela, 14
Tel.: 91 593 33 10
Metro: Alonso Martínez y Bilbao
Autobuses: 21
* Réquiem en Sol menor, de Domenico Cimarosa.
Coro Francisc Poulenc. Blanca Anabitarte Urrutia, directora. Diego Fernández, órgano. Orquesta Escénicas. Francisco Luis Santiago, director
24 de febrero - 20:30 horas
* Laudate Dominum
Coro de San Jerónimo el Real
Rubén Sánchez-Vieco, órgano. Agrupación Musical “La
Muela” (Toledo). Ricardo Lesmes, director. Vicente Sempere, director
20 de febrero – 20:30 horas
Iglesia de San Pedro El Viejo
C/ del Nuncio, 14
Tel.: 91 365 12 84
Metro: La Latina, Tirso de Molina
* Las siete palabras de Cristo en la Cruz. Música religiosa
en España en la segunda mitad del siglo XVIII
Orquesta de Cámara Catalana. Eva del Campo, clave y
órgano. Joan Pàmies, director
10 de marzo – 20:30 horas
* Te Deum, de Marc-Antoine Charpentier
Yale Glee Club of Yale University. Jeffrey Douma, director
. Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma de Madrid.
Enrique Muñoz, director
12 de marzo – 20:30 horas
Parroquia de la Concepción de Nuestra Señora
C/ Goya , 26
Tel.: 91 577 34 38
Metro: Príncipe de Vergara y Velázquez
Autobuses: 9, 19, 21, 23, 53 y 74
* Nova et Vetera
Dúo Tubox
28 de febrero – 20:00 horas
Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel
Glorieta Pintor Sorolla, 2
Tel.: 91 448 36 20
Metro: Iglesia
Autobuses: 3, 5, 16, 37, 40, 61 y 147
* Stabat Mater, de Francisco Andreví.
Coro Matritum Cantat. Javier Blanco, director. Camerata
del Prado. Tomás Garrido, director
9 de marzo – 21:00 horas
* Auto Sacramental
Luis Antequera, autor. Grupo Ecos. Almudena Albuerne,
directora
27 de febrero – 20:45 horas
Iglesia Parroquial de San José
C/ Alcalá, 43
Tel.: 91 522 67 84
Metro: Sevilla, Banco de España
Cercanías Renfe: Recoletos
* Música Litúrgica en tiempo de Teresa de Jesús
Schola Antiqua. Bruno Forst, órgano. Juan Carlos Asensio, director
19 de marzo – 21:00 horas
Parroquia de la Santa Cruz
C/ Atocha, 6
Telf.: 91 429 42 41
Metro: Sol, Antón Martín
Cercanías Renfe: Sol
* Órgano romántico en el Madrid de 1900.
Primer Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia de
Santa Cruz (Ciclo de Órgano)
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Direcciones
Felipe López, órgano
2 de marzo - 21:00 horas
Cercanías Renfe: Embajadores
Autobuses: 21, 34, 36, 41,119
* Órgano romántico en el Madrid de 1900.
Segundo Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia de
Santa Cruz (Ciclo de Órgano)
Marie Bernadette Dufourcet-Hakim, órgano
16 de marzo - 21:00 horas
* Cantos litúrgicos afrocubanos
Cámara Sacra. Flores Chaviano, director
13 de marzo – 20:30 horas
* Órgano romántico en el Madrid de 1900.
Tercer Concierto Inaugural del Órgano de la Iglesia de
Santa Cruz (Ciclo de Órgano)
Roberto Fresco, órgano
24 de marzo - 21:00 horas
Parroquia de San Manuel y San Benito
C/ de Alcalá, 83
Tel.: 91 435 76 82
Metro: Retiro
Autobuses: 52,53
* Canto Gregoriano para Cuaresma y Pascua
Schola Gregoriana de Madrid. Antonio Peces, director
25 de marzo – 20:30 horas
Parroquia Nuestra Señora de los Ángeles
C/ Bravo Murillo, 93
Tel.: 91 533 43 43
Metro: Cuatro Caminos
Autobuses: C, 3, 37, 45, 149
* Mapping
Iván Andrés (multimedia) y Celia Talamante (imagen y sonido). Daniel Oyarzabal, órgano
25 de febrero – 19:00 horas
Real Iglesia Parroquial de Santiago y San Juan
Bautista
C/ de Santiago, 24
Tel.: 91 548 08 24
Metro: Sol, Ópera
Cercanías Renfe: Sol
* Bach en Suite
Yuval Gotlibovich, viola
15 de marzo - 20:15 horas
* Réquiem, de Wolfgang Amadeus Mozart
Coro Ángel Barja. Aitor Olivares, director. Orquesta de Cámara Ibérica. Miguel Fernández Llamazares, director
28 de marzo – 21:15 horas
Parroquia de Nuestra Señora del Carmen y San Luis
C/ del Carmen, 10
Tel.: 91 522 67 69
Metro: Sol, Callao, Gran Vía
Cercanías Renfe: Sol
* Las siete palabras de Cristo, de Franz Joseph Haydn
Real Orquesta de Cámara de Madrid. Isidro Barrio, director
21 de febrero – 20:45 horas
Parroquia Santuario de María Auxiliadora
C/ Ronda de Atocha, 25
Tel.: 91 506 21 07
Metro: Embajadores
Real Conservatorio Superior de Música de Madrid
C/ Santa Isabel, 53
Telf. 91 539 29 01
Metro: Atocha
Cercanías Renfe: Atocha Renfe
Autobuses: 6, 10, 26, 27,34
Real Parroquia de San Ginés
C/ Arenal, 13
Tel.: 91 366 48 75
Metro: Sol, Ópera
Cercanías Renfe: Sol
* Zuipaqui
Harmonia del Parnàs. Marian Rosa Montagut, clave y directora
26 de febrero – 20:00 horas
* Lamentaciones de Jeremías
Collegium Marianum Praga. La Capilla Real de Madrid.
Oscar Gershensohn, director
17 de marzo – 20:00 horas
Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer)
C/ San Bernardo, 44
Tel.: 91 532 85 31
Metro: Noviciado, Plaza de España
Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015 Arte Sacro 2015
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Direcciones
Autobuses: 147
21 de marzo – 20:00 horas
* Homenaje a Santa Teresa
Diego Fernández Magdaleno, piano
19 de febrero – 20:00 horas
PINTO
* Omaggio a Santa Teresa de Ávila
Ensemble Nuove Musiche. Francesco Ottonello, director
4 de marzo - 20:00 horas
Teatro Municipal Francisco Rabal
c/ Alpujarras, 3
Tel.: 91 248 38 10
Desde Atocha: Cercanías Renfe C3 - dirección Aranjuez
Desde Legazpi: Autobús 421
Teatros del Canal
C/ Cea Bermúdez, 1
Tel.: 91 308 99 99
www.teatroscanal.com
Metro: Canal
Autobuses. 3, 12, 37, 149
Misterio del Cristo de los Gascones (Teatro y música en
directo)
Nao d’Amores. Ana Zamora, directora
22 de marzo. 18:00 horas
Danzas y músicas religiosas árabes (Danza y música en
directo)
Alturaz Al Andalusí. Salah Sabbagh, director
11 de marzo – 20:30 horas
Real Monasterio de Santa María de El Paular
Carretera M-604, Km. 26,5 (a 1,93 km. de Rascafría)
Tel.: 682 76 89 31
Desde Intercambiador de Plaza de Castilla, autobús 194
NAVALAFUENTE
* Música Sacra en la época de los Reyes Católicos
Schola Polifónica de Madrid y Trío de instrumentos antiguos
Antonio Peces, director
28 de marzo. 12:30 horas
RASCAFRÍA
Parroquia de San Bartolomé
Plaza de la Iglesia s/n
Tel.: 91 847 06 93.
Desde Intercambiador de Plaza de Castilla, autobús: 726
* Oficio de Semana Santa de Tomás Luis de Victoria
Coro Tomás Luis de Victoria. Antonio Peces, director
7 de marzo. 17:00 horas
PARACUELLOS DE JARAMA
Iglesia Parroquial de San Vicente Mártir
C/ Real de Burgos, 13
Tel.: 91 658 02 56
Autobuses: 211 y 212
* Concierto Música Sacra
Helena Gallardo, soprano. Trío Clásico
Teatro Real Coliseo de Carlos III
C/ Floridablanca, 20
Tel.: 91 890 44 11
Desde el intercambiador de Moncloa autobuses 661 y 664
y Cercanías Renfe C3
* La lírica espiritual en los trovadores medievales
Los Músicos de Urueña
14 de marzo. 20:00 horas
* El Códice de las Huelgas. Cantos femeninos del siglo XIV
Cuarteto Femenino Arsys. Ligia Gutiérrez, directora
7 de marzo. 20:00 horas
Teatro Centro Cultural
C/ de la Ronda de las Cuestas, 39
Tel.: 620 843 900
Autobuses: 211 y 212
SAN LORENZO DE EL ESCORIAL
SAN SEBASTIÁN DE LOS REYES
Iglesia Parroquial de San Sebastián Mártir
C/ del Viento, 1
Tel.: 91 651 02 58
Cercanías Renfe: C-1, C-2 y C-7a
Autobuses: 152 A, 152 B, 156, 161 y 166.
* Música Sacra en la época de los Reyes Católicos
Schola Polifónica de Madrid y Trío de instrumentos antiguos
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Direcciones
Antonio Peces, director
20 de febrero. 20:30 horas
TORRELODONES
Teatro Bulevar
Avda. Rosario Manzaneque, 1
Telf.: 91 859 26 57 / 06 46
Desde Intercambiador de Moncloa autobús 631
* Misa de Santa Teresa, de Johann Michael Haydn
Sociedad Lírica Complutense. Vicente Ariño, director
28 de marzo. 20:00 horas
TORREMOCHA DE JARAMA
Iglesia de San Pedro Apóstol
C/ Uceda, 7
Tel.: 91 843 16 96
Autobuses: Desde Intercambiador de Plaza de Castilla:
197
* De la Mística en la Música. Tras las huellas de Santa
Teresa
In Hora Sexta. Juan Manuel Conejo, director
14 de marzo. 19:00 horas
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XXV
FESTIVAL DE ARTE SACRO 2015
Arte Sacro 2015
Consejería de Empleo, Turismo y Cultura
Dirección General de Artes Escénicas, Música y Audiovisual
Dirección artística: Consuelo Díez
AGRADECIMIENTOS
Ateneo de Madrid
Ayuntamiento de Alcalá de Henares
Ayuntamiento de Alalpardo
Ayuntamiento de Cabanillas de la Sierra
Ayuntamiento de Collado Villalba
Ayuntamiento de Colmenar de Oreja
Ayuntamiento de Colmenar Viejo
Ayuntamiento de El Molar
Ayuntamiento de Getafe
Ayuntamiento de Hoyo de Manzanares
Ayuntamiento de La Cabrera
Ayuntamiento de Navalafuente
Ayuntamiento de Paracuellos de Jarama
Ayuntamiento de Pinto
Ayuntamiento de Rascafría
Ayuntamiento de San Lorenzo de El Escorial
Ayuntamiento de San Sebastián de los Reyes
Ayuntamiento de Torrelodones
Ayuntamiento de Torremocha de Jarama
Basílica de la Asunción de Nuestra Señora de Colmenar Viejo
Catedral-Magistral de los Santos Niños de Alcalá de Henares
Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte de La Cabrera
Centro Cultural de los Ejércitos
Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas
Centro Cultural Pilar Miró
Escuela Técnica Superior de Ingenieros de Telecomunicación de la Universidad
Politécnica de MadridIgleisa de San Pedro El Viejo de Madrid
Iglesia Catedral de Santa María Magdalena de Getafe
Iglesia de San Jerónimo el Real de Madrid
Iglesia de San Pedro Apóstol de Torremocha de Jarama
Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel de Madrid
Iglesia de Santiago y San Juan Bautista de Madrid
Iglesia Parroquial de Nuestra Señora de la Asunción de El Molar
Iglesia Parroquial de San Cristóbal de Alalpardo
Iglesia Parroquial de San José de Madrid
Iglesia Parroquial de San Juan Bautista de Cabanillas de la Sierra
Iglesia Parroquial de San Sebastián Mártir de San Sebastián de los Reyes
Iglesia Parroquial de San Vicente Mártir de Paracuellos de jarama
Iglesia Parroquial de Santa María la Mayor de Colmenar de Oreja
Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro de Madrid
Parroquia de la Concepción de Nuestra Señora de Madrid
Parroquia de la Santa Cruz de Madrid
Parroquia de Nuestra Señora del Carmen y San Luis Obispo de Madrid
Parroquia de San Bartolomé de Navalafuente
Parroquia de San Manuel y San Benito de Madrid
Parroquia Nuestra Señora de los Ángeles de Madrid
Parroquia Santuario de María Auxiliadora de Madrid
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FESTIVAL DE ARTE SACRO 2015
Arte Sacro 2015
Consejería de Empleo, Turismo y Cultura
Dirección General de Artes Escénicas, Música y Audiovisual
Dirección artística: Consuelo Díez
AGRADECIMIENTOS
Real Conservatorio Superior de Música de Madrid
Real Iglesia Parroquial de Santiago y San Juan Bautista de Madrid
Real Monasterio de Santa María de El Paular de Rascafría
Real Parroquia de San Ginés de Madrid
Teatro Bulevar de Torrelodones
Teatro Centro Cultural de Paracuellos de Jarama
Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer)
Teatro Municipal Francisco Rabal de Pinto
Teatro Municipal La Cigüeñas de Hoyo de Manzanares
Teatro Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial
Teatros del Canal
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