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EXCELSIOR
Sábado 3 de diciembre DE 2016
AJEDREZ
ARTURO XICOTÉNCATL
Kenneth S. Howard, American Chess Bulletin, 1904.
Mate en dos jugadas. Bien haría el lector aficionado imaginar o
crear, tanto en la partida viva como al enfrentar los problemas,
imágenes de mate. Los problemas son posiciones artificiales y
cada pieza cumple fielmente un papel en la posición.
ECOS Y REVERBERACIONES DEL MUNDIAL
LA FUERZA DE LA COSTUMBRE
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Aún no sucede pero, ¿cómo reaccionarán los maestros de ajedrez, los aficionados y los medios de comunicación si el campeonato mundial llegara a resolverse por Armagedón y que la
decisión favoreciera al conductor de las negras? El equilibrio de
lucha que exhibieron el monarca Magnus Carlsen y el retador
Sergey Karjakin en el reciente campeonato mundial de New York
abre esta posibilidad planteada, naturalmente, por el formato de
competencia, que no satisface plenamente, como lo expresamos
antes de que finalizara el match entre Car y Kar.
El formato debe cambiarse. Y hacerlo en una simbiosis o
combinación con los intereses de FIDE, de los comerciales de los
patrocinadores y de los eminentemente deportivos.
Reflexionemos en la conclusión final del criterio del Mundial:
si es tablas en la muerte súbita o Armagedón, la victoria se otorga
al conductor de las negras. Sin duda tiene mayor mérito ganar
con blancas que con negras. Bajo este prisma Karjakin fue mejor
que Carlsen en las doce partidas de formato clásico. ¿Por qué?
Porque ganó con negras. Es una costumbre tal vez de la Edad
Media, no sólo en ajedrez, sino en otros deportes, aceptar el convencionalismo que si el campeón empata conserva el título. Que
representa mayor mérito deportivo: que Juan Pérez empate con
el campeón o que el campeón empate ante cualquier otro adversario sin demostrar la posición superior que le otorga su título.
Y si se invirtiese la ecuación, es decir si se registrase empate, por
qué no conceder el título de campeón al retador?, después de todo
su esfuerzo contiene mayor mérito deportivo. El campeón estaría
obligado a dar más de sí mismo y los combates serían más intensos
y espectaculares. La fuerza de la costumbre hace aceptar la tradición y el convencionalismo. Romper este esquema es casi imposible
por razones de intereses comerciales, de lazos sociales y de amistad,
sentimentalismos, por razones muy humanas; pero lo que si se podría cambiar es el formato del Mundial de Ajedrez que mezcla diferentes ritmos de juego que si bien responden a un criterio deportivo
rompen otro: la competencia en igualdad de circunstancias. La idea
sería, tal vez, las 24 partidas, modelo que se llevó de 1951 a 1972.
La solución: Si descubre la función de la torre blanca en h8
tocará de inmediato la jugada clave. Las piezas poseen Rayos X
y hay imagen de mate con 1. Th5++. Se da mate en dos así: 1.Ac7
Txc7 2. Th5+. Si 1...Ag5 2.e3++; 1...Ag6 2.e++; 1...Ac2 2.Th5++; 1...Af4
2.Th5++; 1...Txh8 2.Th5++.
Juan José Arreola
EL ÚLTIMO DE LOS
juglares
(1918-2001)
SE CUMPLEN HOY
15 AÑOS DE LA
MUERTE DEL
ENSAYISTA,
NARRADOR Y
POETA, AUTOR
DE INFLUYENTES
OBRAS DE LA
LITERATURA
MEXICANA COMO
VARIA INVENCIÓN
Y BESTIARIO >4
KANDINSKY PINTOR RUSO
Tributo a un genio pictórico
Foto: Especial
Kandinski nació el 16 de diciembre de 1866 en Moscú.
DPA
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Hace 150 años nació el llamado padre
de la abstracción lírica y el expresionismo
PARÍS.— Hace 150 años nació en Moscú un artista que
allanaría el camino a la modernidad. Se llamaba Vassily
Kandinsky y está considerado el padre de la abstracción
lírica y el expresionismo. Con
motivo del redondo aniversario, museos de todo el mundo
rinden homenaje a este genio
que siempre fue libre.
Kandinsky. Los años parisinos (1933-1944) es el nombre de una exposición que
puede verse estos días en
el museo de arte de Grenoble (Francia) y que se centra
en la última etapa creativa
del pintor ruso. “Kandinsky
desarrolló en París un estilo
que contrastaba con todo lo
visto en su tiempo y en su lenguaje pictórico anterior”, afirma el director del recinto, Guy
Tosatto. En aquellos años empezó de cero. No en vano, uno
de sus primeros lienzos parisinos se llama Start, principio.
En las más de 70 pinturas
que conforman la muestra, el
visitante halla coloridas formas biomórficas que recuerdan a pequeños y divertidos
peces marinos o a los Barbapapas, personajes franceses
con forma de pera que protagonizaron libros infantiles
y series animadas a finales de
los 60. Teniendo en cuenta
que estas obras fueron creadas en el contexto del exilio
de Kandinsky y el estallido de
la Segunda Guerra Mundial,
resultan sorprendentemente
despreocupadas y ligeras.
Según Tosatto, las obras
de Kandinsky suponían un
mensaje de esperanza, eran
el mensaje de un humanista cuya abstracción se anclaba en la vida. No obstante, su
pintura biomórfica y cósmica
era también un rechazo a la
abstracción geométrica. “Ese
arte era para él un arte muerto. Su abstracción era la de las
emociones”, afirma Tosatto.
Kandinsky tenía 67 años
cuando abandonó Alemania junto a su mujer, Nina,
para mudarse a un pequeño
apartamento en Neuilly-surSeine, a las afueras de París.
La ruptura con su vida anterior fue radical: “Dejó atrás su
fama y su vida al estilo Bauhaus”, explica Sophie Bernard,
comisaria adjunta de la muestra. Y también se despidió de
Alemania: desde entonces
tituló sus obras en francés y
comenzó a escribir su nombre con V en lugar de W. En la
localidad francesa murió el 13
de diciembre de 1944.
Junto con otros, fundó en
1911 en Baviera el movimiento
El Jinete Azul, que transformó
el expresionismo alemán.
2:
EXPRESIONES
Sábado 3 de diciembre DE 2016 : EXCELSIOR
R AMÓN XIR AU
Subversiones
GERARDO
LAVEAGA
@Glaveaga
El mejor manual
de seducción
“¿Cuánto te habría faltado, después
de los besos, para colmar tus deseos?”
A
rs Amatoria fue escrito hace unos dos mil
años. Su autor, Ovidio, utilizó dísticos elegíacos (estrofas en latín con un hexámetro y
un pentámetro) y acabó desterrado por el puritano Augusto, que se escandalizó por sus
“inmoralidades” y su afán de “promover el adulterio”.
Lo leí a mis 18 años, en una rústica traducción al español.
Pese a la distancia que me separa del libro, no podría exagerar la influencia que éste tuvo en mí. Se trata, en pocas
palabras, de un manual para seducir mujeres. Es un manual
lúdico, festivo, donde el ejercicio deben gozarlo tanto ellos
como ellas: “El amor furtivo es tan agradable para una mujer como para un varón”, sostiene Ovidio; “el varón no sabe
disimularlo; pero ella lo desea más escondidamente”.
Debo al texto, en primer lugar, una inyección de confianza en mí mismo: “Antes que nada, penetre en tu mente
la certeza de que a todas se les puede conquistar. Tú sólo
tienes que tender las redes. Antes se callarán los pájaros en
primavera; antes las cigarras en verano, antes dará su espalda a la liebre el perro de Ménalo, que una mujer rechace al
hombre que la pretende lisonjeramente. Accederá, incluso,
aquella de la que podría pensarse que no accedería”.
El arte de amar me aclaró, en segundo lugar, que era yo
quien debía iniciar la faena: “Es evidente que, del mismo
modo que a la mujer le da vergüenza tomar la iniciativa, así,
cuando es el hombre el que empieza, consciente de ello
gustosamente. Demasiada confianza tiene en su propia belleza el hombre, que aguarda a que ella lo solicite en primer
lugar... Júpiter mismo se acercaba en tono suplicante a las
antiguas heroínas”.
El libro, por supuesto, no “Antes callarán
contempla la emancipación
de la mujer, los embates fe- los pájaros
ministas o los posiciona- en primavera”.
mientos de la comunidad
LGTB... Más aún: Incurre en admoniciones que hoy serían
políticamente incorrectas. Pero estamos hablando de un libro que marcó mi vida. No de la escena social del siglo XXI ni
de la corrección política. Cuando terminé de leerlo, no tenía
en mente sino salir a disfrutar la vida con intensidad.
“¿Tendrá razón Ovidio?”, me pregunté en algún momento de la lectura: “Si intento conquistar a B ¿accederá?”.
Como si él hubiera estado pendiente de mis dudas, respondió: “Quizás, en un principio, te llegue una carta desabrida,
en la que te pida que dejes de acosarla. Pero lo que ella te
pida, teme que lo hagas y desea lo que no te pide: que insistas en ello; persiste y verás en breve cumplidos tus deseos”.
La perseverancia, que hoy me parece tan obvia, constituyó
una tercera revelación.
Tan es así, subraya el autor, que “el que ha conseguido
besos y no ha conseguido lo demás, será digno de perder,
incluso, lo que se le dio. ¿Cuánto te habría faltado, después
de los besos, para colmar tus deseos?”. Esta pregunta me
atormentó durante mi paso por la universidad, cuando no
concluí lo que había comenzado…
Las ocasiones en que llegué a fracasar, no me di por vencido. Cuando abandoné, lo hice porque calculé que mi conquista podría resultar costosa en tiempo y dinero. Pero mi
maestro fue un constante punto de referencia.
Siempre que cortejé a una mujer tuve en mente sus consejos. Hoy día, estos deben aplicarse con respeto, cortesía y
la prudencia necesaria para saber cuándo no significa no.
Pese a estas admoniciones —y aunque me sonroje admitirlo—, debo reconocer que este libro influyó más en mí que
La divina comedia, Don Quijote o Fausto…
Xirau nació en
Barcelona, el 20
de enero de 1924.
“Lector puro
y generoso”
Foto: Secretaría de Cultura/Archivo
Presentaron la tercera edición del Genio y figura de sor
Juana Inés de la Cruz, publicada por El Colegio Nacional
POR VIRGINIA BAUTISTA
E n v i a da
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GUADALAJARA.— Las páginas
que el poeta y filósofo Ramón
Xirau (1924) le ha dedicado a
sor Juana Inés de la Cruz tienen un espacio propio, porque
él ha sido un lector apasionado
de la obra de la escritora novohispana y esa visión ofrece
a los jóvenes: “la de un lector
que la lee, la de un divulgador”,
afirmó José María Espinasa.
“Xirau es un lector puro y
generoso. Un personaje extraño y multifacético que nunca
separó la reflexión de la poesía”, agregó el poeta y editor
sobre el mexicano de origen
catalán que no pudo asistir la
noche del jueves a la presentación de la tercera edición,
corregida, del libro Genio y
figura de sor Juana Inés de la
Cruz que acaba de publicar El
Colegio Nacional.
“Ramón quería estar aquí
con nosotros, pero, por los
problemas de salud que
le pueden causar los viajes y el aire acondicionado,
Cuando Xirau
ingresó a El
Colegio Nacional
fue Octavio Paz
quien pronunció
el famoso discurso
de recepción.”
“Xirau es un
personaje que
nunca separó
la reflexión
de la poesía.”
JOSÉ MARÍA
ESPINASA
FUNCIONARIO Y EDITOR
decidió acompañarnos a través de una videoconferencia;
él estará escuchando desde su
hogar”, señaló el director editorial del organismo, Alejandro Cruz Atienza.
Sin embargo, el enlace virtual con el también ensayista
de 92 años no fue posible y el
público asistente, jóvenes en
su mayoría, no pudieron tener
un mayor acercamiento con
quien dedicó 70 años de su
vida a impartir clases en la Facultad de Filosofía y Letras de
la UNAM y formar así a varias
generaciones tanto de poetas como de filósofos. Espinasa explicó que a Xirau no se le
habría ocurrido escribir algo
sobre la máxima figura de las
letras novohispanas si no se lo
hubiera pedido el crítico literario argentino José Bianco, a
sugerencia del poeta mexicano Octavio Paz, en 1967.
“Este volumen se publicó en Buenos Aires hace 50
años y hace mucho que no
se reimprimía y Ramón tenía
ese pendiente, quería hacerlo”, agregó por su parte Cruz
Atienza. Por eso, El Colegio
Nacional, al que Xirau ingresó
el 5 de noviembre de 1974, no
sólo lanza esta edición conmemorativa, sino que acaba de publicar el quinto tomo
de las Obras Reunidas de este
divulgador de las ideas y “dos
están en camino”, adelantó.
“Cuando Ramón ingresó
a El Colegio fue Octavio Paz
quien pronunció el famoso
discurso de recepción en el
que lo llamó ‘hombre-puente’”, recordó el editor sobre
quien hasta la fecha, a pesar de haberse naturalizado
mexicano en 1955, escribe su
poesía en catalán, su lengua
materna. Es además un hombre-puente, agregó Espinasa,
porque no tiene problemas
en reflexionar como poeta, es
decir, unir la razón con lo sensorial, y porque “conservó su
fe católica, pero esto nunca le
impidió pensar con absoluta
libertad. Nosotros caminamos
por ese puente leyéndolo”.
Él apostó por la idea de una
poesía pura, no contaminada
por el sentimiento, la moral o
la política. “Y frecuentó mucho la obra de Sor Juana; de
hecho, Ramón fue quien interesó a Paz por la monja jerónima, quien después escribiría
Las trampas de la fe. Fue un
puente para el propio Paz”,
indicó quien conoció a Xirau
cuando tenía 16 años y desde
entonces ha sido una especie de discípulo suyo, aunque
fuera de las aulas.
Cruz Atienza destacó que,
además de los poemas de Xirau inspirados en la obra de
la llamada Décima Musa y su
guía de interpretación de Primero sueño, se incluyen en
Genio y figura de sor Juana
Inés de la Cruz textos de críticos y sorjuanistas fundamentales como Antonio Alatorre,
Margo Glantz, José Pascual
Buxó y Octavio Paz.
EL RADAR EXPRESIONES
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CAMPUS EN AUSTIN
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El libro
Fray Servando, independentista
La alcancía de cerdito vivió una larga vida en mi cuarto.
Cualquiera que la sacudiera podía oír una sola moneda.
Un día como hoy
pero de 1827, murió el
teólogo, historiador
e independentista
mexicano fray Servando
Teresa de Mier, dominico,
liberal y autor de tratados
sobre filosofía política
en el contexto de la
independencia. Nació el
18 de octubre de 1765.
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DALLAS.— El Centro Harry Ransom de la
Universidad de Texas,
que alberga el archivo del colombiano Gabriel García Márquez,
adquirió una colección
de libros que le fueron regalados al escritor, muchos dedicados.
La institución precisó que la colección de
180 libros revela conocidas e inesperadas
Mario Palomera
Diseño
amistades, así como
conexiones entre el ganador del Nobel de Literatura 1982 y otros
personajes. Se incluyen
libros con dedicatorias
para García Márquez
de al menos otros cinco Nobel: Toni Morrison
(1993); Orhan Pamuk
(2006); Pablo Neruda
(1971); Mario Vargas Llosa (2010) y Nadine Gordimer (1991). (Notimex)
EXCELSIOR : Sábado 3 de diciembre DE 2016
EXPRESIONES
PLANETA DANZA
COLUMNA INVITADA
Fidel y
el ballet
POR ROSARIO MANZANOS
E s p e c ia l
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Considerada como la principal diáspora del ballet en el
mundo, la Escuela Cubana
de Ballet —entendida como
fenómeno estético— no ha
promovido la danza clásica como actividad de élite,
como sucede en resto del
mundo; al contrario, es una
actividad masiva y conformada por un público especializado, crítico y por demás
exigente.
El inicio del fenómeno
balletístico isleño se dio a
partir de la presencia de los
esposos Alicia y Fernando
Alonso, y un hermano de este
último, Alberto. Los tres habían iniciado desde 1948 un
periplo para sostener un proyecto profesional de ballet.
La historia del inicio de la
colaboración entre los Alonso y el gobierno cubano es
legendaria. En 1991 Fernando Alonso la contó a detalle
al periodista Enrique Maza,
entonces jefe de información de la revista Proceso. Data de cuando en 1959,
una noche Fidel Castro visitó
la casa de Alicia y Fernando
inesperadamente.
Fernando narró: “A las
dos de la madrugada tocaron a mi puerta bajé a abrir,
eran Antonio Núñez Jiménez, presidente entonces de
la Academia de Ciencias y Fidel Castro. Me sorprendí”.
Castro estuvo conversando de todo lo imaginable con
los esposos hasta cerca de las
cuatro de la mañana. Al despedirse, justo bajando las escaleras de pronto increpó a
Fernando: “Yo vine a hablar
de ballet. ¿Cuánto dinero necesitarían ustedes para reorganizar la compañía?” Un
tímido Fernando le contestó
‘Unos 100 mil pesos, es decir,
unos 100 mil dólares’, le dije.
Fidel me contestó: ‘Te vamos
a dar 200 mil, con la condición de que hagas una buena
compañía.”
Se establecieron múltiples
estrategias para encontrar
alumnos, particularmente varones. Una de ellas fue
buscar niños huérfanos, en
hospicios para establecer si
tenían condiciones físicas,
El Ballet Nacional de Cuba y
su escuela proveerían un internado, alimentación, servicios de salud y educación.
Durante esa avanzada
hallaron a uno de los más extraordinarios bailarines de su
época: Jorge Esquivel, que al
igual que Carlos Acosta han
sido considerados dos de las
estrellas más grandes que ha
tenido el ballet mundial.
BREVES
El arranque del fenómeno coreográfico
isleño se dio a partir de la presencia
de los esposos Alicia y Fernando Alonso
Foto: © Doug Kim/ Tomada de blog.ricecracker.net/
El inicio del éxito de la danza en Cuba se dio en 1959.
El furor
revolucionario
de Cuba alcanzó
a los artistas
de la danza en
México.”
ROSARIO
MANZANOS
Cuba se fue al alza y quedaron establecidas como
columnas del fenómeno
Alicia Alonso como bailarina modelo, Alberto Alonso
como coreógrafo y Fernando Alonso como padre de la
metodología que derivó en el
fenómeno estético de la Escuela Cubana de Ballet.
Fue durante el gobierno
de Luis Echeverría que México creó estrechos vínculos
con el Ministerio de Cultura
de Cuba y se estableció que
la técnica cubana sería el
modelo para la enseñanza de
ese arte en las escuelas oficiales mexicanas. Maestros
mexicanos viajaron durante
largos periodos a la isla para
profesionalizarse en el tema.
Al mismo tiempo, jovencitos mexicanos dotados viajaron becados a Cuba
para formarse como bailarines. Entre ellos se destacan
como figuras centrales para
el ballet en México: Tihuí
Gutiérrez, hoy maestra en la
Compañía Nacional de Danza del INBA, y Cuauhtémoc
Nájera, actual coordinador
nacional de danza del INBA.
Ambos fueron en su momento dos de los mejores bailarines que México ha tenido.
LO CONTEMPORÁNEO
Y EL FOLKLOR
El furor revolucionario de
Cuba alcanzó rápido a los
artistas de la danza en México. La presencia más trascendental en el fenómeno
dancístico cubano fue la del
chiapaneco Rodolfo Reyes,
quien llegó a la isla durante
una gira del Ballet Nacional
de México, de Guillermina
Bravo, en 1959, y se quedó.
En varias entrevistas que
le he hecho a Reyes, siempre ha sido contundente:
“hubiese sido un error no
quedarse y no participar en
aquello.” El bailarín fue un
gran impulsor de la reivindicación de múltiples fenómenos tradicionales que
existían en la isla.
Fue así que Argeliers León
y María Teresa Linares le propusieron que fundara el Conjunto Folklórico Nacional de
Cuba en1961. Con la certeza de que la danza tradicional es siempre parte de un
contexto antropológico, Reyes abrió entonces un espacio paradigmático en el que
danzantes, bailadores, cantantes y músicos se incorporaron. De forma posterior,
Reyes colaboró con los gobiernos de Chile y Nicaragua,
entre otros. Sus obras siguen
en repertorio en Cuba.
Dentro del fenómeno
contemporáneo, los mexicanos Waldeen, Elena Noriega
y Manuel Hiram, entre otros,
incursionaron al inicio de ese
tipo de danza en Cuba. Pero
la autoridad que creó una
metodología de formación a
través de una mezcla de técnicas Graham y Limón y las
raíces africanas fue el cubano Ramiro Guerra, quien
fundó Danza Nacional de
Cuba, hoy Danza Contemporánea de Cuba.
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MUNDO
MAYA
Hallazgo
El cráneo de un hombre
con más de 10 mil años
de antigüedad, restos de
megafauna y un altar prehispánico maya destacan
en el hallazgo del proyecto Gran Acuífero Maya que
hizo el INAH en Yucatán.
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Umbrales mínimos
Onetti: El amor ese infierno tan temido
J
POR LEDA RENDÓN
uan Carlos Onetti (1909-1994) era un escritor obsesionado principalmente con
cuatro temas: el amor, la muerte, la reflexión sobre los mecanismos de la ficción
y el mal. A lo largo de casi cincuenta años, el uruguayo animó la ciudad de Santa
María en la que habitan la mayor parte de sus personajes. Este territorio cuestiona
el nuevo espíritu latinoamericano y revela una esencia cosmopolita y subversiva. El
espacio sanmariano es deprimente, mentiroso, misógino, en suma, decadente. Recuerda a las pinturas de Otto Dix y sus escenarios de prostíbulo. Aunque esconde
dentro del fracaso de todos sus personajes una extraña luz, quizá esa que significa tocar fondo en una vida atribulada. Santa María es un espacio textual inventado por Brausen, el protagonista de La vida breve, así será el escenario de 13 relatos y tres novelas. Este corpus delata
la idea de obra total que observamos por ejemplo en William Faulkner y en Thomas Mann.
Uno de los relatos que tiene como telón de fondo a Santa María es El infierno tan temido.
El cuento relata la historia de Risso, quien comienza a recibir fotografías de su exmujer, Gracia César, teniendo relaciones sexuales con diferentes hombres. Enseguida nos enteramos, a
partir de una narración fragmentada, de cómo fue su matrimonio mientras Risso sólo podía
ofrecer “una asombrada, leal, incomprensión” (201). Pronto las fotos le llegan a otros habitantes de Santa María, entonces el periodista de El Liberal, Risso, piensa que: “El amante que ha
logrado respirar en la obstinación sin consuelo de la cama el olor sombrío de la muerte, está
condenado a perseguir —para él o para ella— la destrucción, la paz definitiva de la nada” (201).
Este “consuelo” le será otorgado cuando su pequeña hija vea una de las fotos.
El infierno tan temido es un cuento de amor dentro
del universo de Onetti, en donde este sentimiento es casi Para Onetti, El
siempre doloroso o pervertido. Recordemos la relación
infierno tan temido
sádica que mantienen Brausen y la Queca en La vida breve. Pensemos en el amor cochino de Jorge Malabia y Julita es cuento de amor.
en Juntacadáveres. No olvidemos a Larsen con la loca y
babeante de Angélica Inés en El astillero. Gracia delira de pasión por Risso, monta escenarios
carnales pensando en él: “Trataba de sonreír y de tentar, remedaba los chasquidos cariñosos
que se hacen los recién nacidos, calculando el paso de los segundos, calculando al mismo
tiempo la intensidad con que la foto aludiría a su amor con Risso” (197). Gracia representa la
mujer onettiana perfecta, porque es de tanto usarse a sí misma casi puta; es además una muchacha de las que los personajes de Onetti, generalmente, se enamoran.
Los héroes onettianos sólo pueden relacionarse a través del dolor y a partir de pequeños
instantes de cariño retorcido, son prófugos de la idea melodramática amorosa de muchos textos contemporáneos. Al tiempo convivimos con espíritus libres en la búsqueda permanente
de su ser auténtico. Por esa razón, la mayoría escapa, ya sea del matrimonio o de alguna relación pasajera. La idea es huir, cambiar de territorio; negar el yugo del otro para atarlo al recuerdo con más fuerza. El infierno tan temido es un cuento que marca una sutil diferencia en
la narrativa de Onetti, ya que no es el hombre el que busca una nueva vida breve en el cuerpo
femenino, sino es Gracia quien colecciona instantes afectuosos como ofrendas para Risso. La
fascinación de Onetti por las mujeres jóvenes, locas y promiscuas llega a su cúspide en este
relato en el que las fornicaciones malignas dan a luz al amor.
TÍTULO:
Cuentos completos
AUTOR:
Juan Carlos Onetti
EDITORIAL:
Alfaguara, México, 2013; 536 pp.
4:
EXPRESIONES
Sábado 3 de diciembre DE 2016 : EXCELSIOR
JUAN JOSÉ ARREOLA
POR RAFAEL
MIRANDA BELLO
Especi a l
[email protected]
C
reyente apasionado de las
posibilidades
artesanales del
lenguaje, Juan
José Arreola practicó la esgrima del verbo espontáneo, y
fue tan diestro en el malabarismo de la palabra improvisada como espléndido en la
invención de asombros literarios. Fabulador de obra reducida, pero prodigiosa, Borges
cifró su labor narrativa –en el
volumen de los Cuentos fantásticos del escritor que murió
en Guadalajara, Jalisco, el 3 de
diciembre de 2001, incluido
en la Biblioteca Personal del
autor argentino— bajo el signo de la libertad: “Libertad de
una ilimitada imaginación, regida por una lúcida inteligencia”. Mientras que en el libro
titulado Poesía en movimiento, Paz definió algunos de sus
cuentos como “verdaderos
poemas en prosa”, que no carecían de “fantasía, humor, y
el elemento poético por excelencia, el elemento explosivo:
lo inesperado (...) La corriente que transmiten esas transparentes paradojas es de alto
voltaje”, afirmó el Nobel de
Literatura. Y Cortázar, en una
carta de 1954, luego de elogiar
la puntería literaria de Arreola,
a quien consideraba ante todo
un poeta —“usted no puede
ver las cosas más que con los
ojos del poeta”, afirmaba–, y
asombrado con la capacidad
fulminante de sus narraciones breves, escribió: “Usted
es una hormiga león, si son las
hormigas león las que hacen
un embudo en la arena para
que sus víctimas resbalen al
fondo. Cuatro palabras y zás,
adentro. Pero vale la pena ser
comido por usted”.
APEGO A LAS LETRAS
Originario de Zapotlán el
Grande, Jalisco, Arreola nació
el 21 de septiembre de 1918.
En el texto De memoria y olvido —bisagra biográfica de las
singulares ficciones que pueblan el Confabulario (1952)—,
hace una evocación del comienzo de su vida entre animales de rancho, y cuenta: “Di
los primeros pasos seguido
precisamente por un borrego negro que se salió del corral. Tal es el antecedente de la
angustia duradera que da color a mi vida, que concreta en
mí el aura neurótica que envuelve a toda la familia y que
por fortuna o desgracia no ha
llegado a resolverse nunca en
la epilepsia o la locura. Todavía este mal borrego negro
HOY, 15 ANIVERSARIO LUCTUOSO
No dijo sino
Foto: Archivo
LO ESENCIAL
“Usted
posee lo que
Rimbaud
llamaba ‘le lieu
et la formule’,
la manera
de agarrar
al toro por
los cuernos
y no, ay, por
la cola como
tantos otros”,
le escribió
Cortázar al
autor de Varia
invención
me persigue y siento que mis
pasos tiemblan como los del
troglodita perseguido por una
bestia mitológica”.
A consecuencia de la Guerra Cristera —que alborotó los
prejuicios religiosos de su familia y lo mantuvo alejado de
las aulas escolares—, creció
alimentando su apego natural por la letras, y muy pronto
leyó a Dante, a Baudelaire, a
Whitman, y encontró un cosmos de influencia estilística
en las obras de Papini y Marcel Schwob. En la década de
los treinta fue aprendiz de encuadernador, y mientras trabajaba como dependiente en
diferentes tiendas de Guadalajara, vertió sus primeros esfuerzos literarios en pedazos
de papel de envoltura. Por
esos años también comenzó
a actuar, y en 1945 viajó a París para hacer estudios de arte
dramático, auspiciado por el
actor Louis Jouvet, e incluso
llegó a presentarse en el escenario de la Comedia Francesa.
A su regreso a México, trabajó en el Fondo de Cultura
Económica haciéndose pasar
por filólogo y gramático, y se
desempeñó como traductor,
redactor y corrector. Su oficio narrativo echó raíces con
la publicación del libro Varia
invención (1949), y años después, Cortázar escribió en la
carta ya citada: “Me parece
que lo mejor de Confabulario
y de Varia invención nace de
que usted posee lo que Rimbaud llamaba ‘le lieu et la formule’, la manera de agarrar al
toro por los cuernos y no, ay,
por la cola como tantos otros
que fatigan las imprentas de
este mundo. Y por eso acabo
de leer sus cuentos —y releer
los que más me gustan, y después superleerlos, que consiste en leerlos en el recuerdo—,
y estoy contento”.
EN SU TINTA
Además de ser un ajedrecista
empedernido —que siempre
prefirió afrontar cualquier desafío en la infinitud bélica de
los escaques, antes que enzarzarse en una partida solitaria en el tablero insondable de
la página en blanco—, Arreola ensayó jugadas relevantes
en el frente editorial. En Guadalajara fundó la revista Eos
Usted
(Arreola) es
una hormiga
león, si son
las hormigas
león las que
hacen un
embudo en la
arena para que
sus víctimas
resbalen al
fondo. Cuatro
palabras y zas,
adentro.”
JULIO CORTÁZAR
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ACERVO MIGUEL HERNÁNDEZ
Hernández (30 de
octubre de 1910-28
de marzo de 1942).
Comparten legado del poeta
EFE
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MADRID.— La máquina de
escribir que utilizó cuando era
corresponsal, las cartas a su
esposa... Esos son algunos de
los casi seis mil documentos y
26 mil 684 imágenes del legado de Miguel Hernández que
desde ayer son de acceso público a través de internet.
Han sido dos años de labor
para registrar cada uno de los
cinco mil 819 manuscritos, folletos, partituras, prensa histórica y grabaciones sonoras,
más las imágenes, que componen el archivo de Miguel
Hernández, adquirido por la
Diputación de Jaén a la familia
del poeta en 2012, explica su
presidente, Francisco Reyes.
De ellos, cerca de un millar
son manuscritos literarios y
unas mil 700 cartas del poeta
con artistas, además de libros,
cuadros y obra gráfica.
Reyes presentó anoche en
Madrid la conclusión del proyecto de digitalización, un
compromiso que adquirieron
con la familia cuando compraron por tres millones de
euros el legado.
El Instituto de Estudios
Giennenses (IEG) custodia
desde agosto de 2012 el conjunto del legado, fruto del
acuerdo firmado entre la Diputación de Jaén y los herederos del mismo, que lo sacaron
del Archivo Municipal de Elche, donde estaba antes.
Parte del legado del poeta está en el Museo Miguel
Hernández/Josefina Manresa, abierto en marzo de
2015 en Quesada (Jaén), en la
cuna de la mujer del poeta.
Manresa (1916-1987) era hija
de un guardia civil que fue
trasladado a Orihuela (Alicante) siendo ella muy pequeña,
y fue allí donde, con 17 años,
conoció a Hernández.
Su noviazgo duró tres años,
y el 9 de marzo de 1937, en
plena Guerra Civil, se casaron. En ese tiempo, Hernández (1910-1942), alistado en
el Ejército de la República,
fue nombrado responsable
de información del Gobierno
y destinado al frente de Jaén
como comisario de cultura
para dirigir el periódico Altavoz del Frente Sur.
La Diputación de Jaén decidió en 2012 que uno de sus
poemas, Aceituneros, fuera la
letra del himno de la provincia, una decisión que “acrecentó las relaciones entre los
herederos y la Diputación”.
El interés de la familia era
que el legado quedara asegurado en su unidad e integridad
y de ahí surgió una primera
propuesta de cesión de uso a
la Diputación; la creación en
Quesada de un museo que
vinculara a Hernández y Manresa a la localidad; y la custodia del conjunto del legado
por 20 años.
Finalmente, la Diputación
de Jaén acordó con los herederos la adquisición definitiva
del legado. “El legado estaba
entonces desprotegido y se
llegó a un acuerdo con la familia para que se depositara
en el IEG con el objetivo de
custodiarlo e inventariarlo. El
propósito no era guardarlo en
cajas sino hacer posible que
llegara a cualquier sitio en el
que haya interés por su obra,
lo que es posible gracias a internet”, detalla Reyes.
La idea ha sido siempre,
subraya, “hacerlo más universal y acercarlo no sólo a los
—en la que publicó el cuento Hizo el bien mientras vivió
(1943)—, y más tarde, junto a
Rulfo y Antonio Alatorre, dio
a la imprenta otra que se llamó Pan. En la Ciudad de México, a partir de 1950, dirigió la
editorial Los presentes, en la
cual llegó a publicar un par de
series que ejercieron un peso
considerable en el panorama literario de la época. Entre
1958 y 1963 dedicó su atención a los Libros y Cuadernos del Unicornio, y de 1964 a
1967, impulsó Mester, una revista y proyecto editorial que
involucraba a los integrantes
de su Taller Literario.
“Sólo me gustaría apuntar, que confabulados o no, el
autor y sus lectores probables
sean la misma cosa. Suma y
resta entre recuerdos y olvidos, multiplicados por cada
uno”, escribió el autor de Bestiario (1959), que al principio tuvo el título de Punta de
plata, y recoge los Cantos del
mal dolor y Prosodia —que
con elocuencia él mismo calificaba de “prosa poética y
poesía prosaica”–; La feria
(1963), novela coral que recrea
la historia de su pueblo natal;
y Palindroma (1971), una reunión de textos que se amplía
con Variaciones sintácticas y
Doxografías.
En total, algunos cientos
de extraordinarias páginas
que parecen pocas —y en las
que se han encontrado algunas vetas de misoginia no del
todo involuntarias—, pero en
las cuales, como apuntó certeramente Felipe Garrido al
prologar la Narrativa completa de quien fue bautizado por
su hijo Orso como “el último
de los juglares”, sus muchas
virtudes “están coronadas
por el taimado arte de sacarle
ventaja al lector; de administrar a voluntad lo que se dice
y lo que se calla; de avanzar
con el paso justo y la palabra
precisa. Dueño del oficio, conocedor profundo de los mecanismos del cuento, Arreola
es un prodigio de economía,
de no decir sino lo esencial”.
En una charla que mantuvo con Fernando del Paso,
incluida en el “libro hablado”
Memoria y olvido, el visionario que se dedicó a contar lo
que aprendió las pocas horas
que su boca estuvo “gobernada por el otro”, y lo que oyó,
“un solo instante a través de la
zarza ardiente,” dijo: “Porque
me ha sido dada la palabra me
pierdo en palabras y no puedo hallar la palabra que realmente me defina. En el fondo
no sé quien soy. Me escondo
tras una muralla de palabras.
Me oculto, como el calamar,
en su mancha de tinta”.
Foto: Cortesía Fundación Miguel Hernández
3
MILLONES
de euros costó el
acervo del poeta.
estudiosos sino todos los hernandianos del mundo”.
Hernández, tras una peripecia por cárceles de Sevilla, Madrid, Palencia y Ocaña,
terminó en el Reformatorio de
Adultos de Alicante.
Fue allí donde enfermó de
tifus y luego de la tuberculosis que le provocó la muerte
la madrugada del 28 de marzo de 1942 con sus “grandes
ojos azules abiertos bajo el
vacío ignorante”, como dice el
poema que le dedicó Vicente
Aleixandre.