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APRENDER COMO ENFOCARSE
EN LA INTERPRETACIÓN DE
LA MARIMBA
Por Brian Zator
Calidad del Sonido.
Uno de los aspectos fundamentales a la hora
de ejecutar cualquier instrumento es la calidad
del sonido. Hay que tener en cuenta las áreas
en donde se toca la placa de la marimba (borde,
nodos, centro y fuera del centro), las baquetas a
utilizar y la técnica a usar (Stevens, tradicional,
musser entre otras).Los percusionistas necesitan
entrenar su oído para identificar una buena producción del sonido de la marimba y entender él
porque es tan diferente de un mal sonido.
Una vez esto se ha logrado el intérprete debe
entrenar sus manos para ejecutar el instrumento de una manera consistente.
Un sonido pobre en la marimba tiene que ver
con una producción débil, sorda y atascada. En
oposición debería ser rica, llena y resonante para
que sea óptima y balanceada. Existen cuatro
áreas sobre las cuales se puede tocar el teclado.
La primera esta al centro de las placas en donde
se encuentra más la fundamental de la nota, no
tanto con un matiz resonante pero si con ataque
conmovedor. La segunda área se encuentra localizada un poco fuera del centro de la placa en
donde se halla la más amplia gama de matices
y un tono fuerte de la fundamental, generando
un sonido ligeramente más cálido que en el
centro. El nodo que es la tercera área se encuentra en el cruce entre la placa y la cuerda que las
sostiene a travesando el instrumento longitudinalmente. Esta área no posee casi un tono de
fundamental pero es usada ampliamente para la
generación de efectos sonoros y finalmente se
encuentra en el borde de la placa la cual posee
una calidad de sonido similar a la ofrecida fuera
del centro, aunque son muy similares , no son
iguales.
Factores como el sonido deseado, el tempo
y el movimiento determinaran la escogencia
entre tocar un poco fuera del centro o el borde,
como es el caso de las notas superiores del teclado.
Yo prefiero tocar un poco fuera del centro a
pesar del rango del instrumento, siendo mi prioridad una permanente consistencia en la calidad del sonido. En general el marimbista debe
de practicar para adquirir un buen sonido
en las diferentes áreas mencionadas, entrenar el
PERCUSSIVE NOTES
32 MARCH 2011
oído para detectar los cambios en la calidad del
sonido y esforzarse por aplicar esta estabilidad a
la hora de realizar el calentamiento, la lectura a
primera vista y sus interpretaciones.
La selección de las baquetas también afectan
el sonido, existen muchas marcas y tipos, pero
experimentar con muchas de ellas hasta encontrar aquellas con las cuales se sienta cómodo el
intérprete es muy importante. Las baquetas deben de tener la suficiente cantidad de peso para
crear el sonido deseado ya que ellas son las que
producirán el tono que se busca.
Técnica.
Independientemente de la técnica que se
use el resultado debe ser proveer siempre un
buen sonido sin tener que pensar en él. Los
movimientos técnicos deben de ser relajados y
naturales que no entorpezcan otros aspectos del
aprendizaje de la marimba. Como se mencionó
anteriormente, la técnica afecta la calidad del
sonido. Uno de los ejercicios que uso con mis
estudiantes es permitir que ellos toquen una escala utilizando diferentes cantidades de presión
sobre la placa. Primero tocan con los músculos
tensos, sin generar movimiento de las muñecas,
seguidamente lo hacen relajados con movimientos de las muñecas, agregándole peso del
brazo. Inmediatamente ellos escuchan la diferencia entre los dos métodos. También hago que
ellos se ubiquen en un rincón del salón para que
escuchen las diferencias entre uno y otro método, el alumno con los ojos cerrados comienza a
sentir como la sensación de escuchar se intensifica siendo capaz de detectar las diferencias
aurales entre los dos.
Sin discutir las técnicas específicas existen
varios tipos de fundamentos para la interpretación a 2 y 4 baquetas. Estos fundamentos
son los rudimentos de los instrumentos de
teclado. Aislarse, practicar y desarrollar las
siguientes técnicas le permitirán aprender
la música mucho más rápida y
fácilmente.
El agarre a cuatro baquetas incluye los dobles
verticales, el alternado simple, el independiente
simple, el doble lateral y el triple lateral. Estos
nombres son adoptados por Leigh Howard
Stevens, autor del método Stevens “method
of movement for marimba” y son la base de la
técnica para la interpretación de la marimba a
dos y cuatro baquetas.
Los rudimentos para el agarre a dos baquetas
incluyen técnicas que se encuentran fundamentadas en la literatura estándar para teclado. Los tipos de ejercicios incluyen escalas por
acercamientos ascendentes de terceras, cuartas,
quintas etc., e intervalos más grandes, arpegios,
patrones de acordes, acordes tremolados y los
golpes dobles.
Aplicando estos golpes fundamentales en
diferentes ejercicios de calentamiento y creando
patrones en diferentes tonalidades se desarrollará un conocimiento completo de todas las
escalas y poseerá una técnica sólida que contribuya a la concentración para hacer música y
la relajación necesaria para crear movimientos
naturales.
Notas y Ritmos Correctos.
Uno debe de aprender las notas con precisión
y ser capaz de tocarlas correctamente sobre una
sólida base técnica, aunque esta observación es
obvia es una afirmación extremadamente importante.
Cuando se aprende una nueva pieza musical
por primera vez la tendencia es aprender las
notas y el ritmo lo más rápido posible lo cual
genera una exactitud incorrecta. Sin un adecuado aprendizaje de las notas y el ritmo la aplicación de los otros procesos consumirá mayor
tiempo y causaran una mayor frustración.
Mantener un tempo lento en el aprendizaje de
la nueva pieza puede hacer que las notas y el ritmo sean interpretados acertadamente. El tempo
final será mucho más confortable de hacer ya
que el proceso Kinestésico fue realizado de forma satisfactoria.
Si el primer objetivo del intérprete es la velocidad. Las notas, el ritmo y la música sufrirán
las consecuencias.
Dinámicas.
Las dinámicas son muy importantes para expresar las ideas del compositor en gran detalle,
sin ellas la música pierde vida. Mientras estas
estén plasmadas claramente por el compositor
o editor de la obra, las decisiones discretas del
intérprete serán las que direccionen su resultado
final.
Como músicos tenemos la necesidad de expresar la música de la manera como la escuchamos en nuestras mentes. Entonces existe una
línea muy delgada entre “lo que el compositor
quiere” y “lo que el intérprete quiere”. Aquí
hallamos una flexibilidad ya que es responsabilidad del interprete expresar lo más claramente la
intención del compositor, pero a su manera.
Para comunicar totalmente las ideas musicales y
expresivas dentro una pieza uno necesita tener
un amplio espectro dinámico y debe por lo
tanto demostrar una diferencia clara entre cada
marcación o indicación que se encuentre en la
partitura. Exagerar las dinámicas puede ayudar
a llevar esa idea musical a la audiencia de una
manera más clara.
Primero toque las dinámicas exacto como el
compositor las escribió, luego experimente con
algunas ideas propias haciendo anotaciones en
la partitura para asegurar las secciones que se
quieren ajustar y ciertas dinámicas que estén
relacionadas entre sí y desee describir. Hágase
las siguientes preguntas. ¿Qué relación quiero
darle a un sección marcada con mezzo-forte
con otra marcada mezzo-piano?, ¿cuál es la forma de la obra y como pueden diferenciarse las
secciones en términos de expresión dinámica?,
¿cómo puede el estilo de la obra diferenciar
o relacionar una sección donde está marcada
forte con otra sección que también tiene esta
indicación?
Escuche grabaciones de profesionales para
adquirir ideas de expertos. Yo recomiendo escuchar la grabación para ver si usted disfruta
la pieza y luego quítela e intente escucharla
internamente tantas veces hasta que las notas queden dentro de sí, vuelva a escuchar la
grabación y de esta manera encontrara su propia
forma de tomar decisiones musicales y no simplemente emular otras interpretaciones.
Fraseo.
El fraseo de una obra tiene que ver con la
idea de “una gran pintura”. Ya que cuando se interpreta una pieza uno debe conocer la totalidad
de la forma y estructura de los motivos melódicos y rítmicos que le dan forma a ella. Sabiendo
donde ocurren los “picos y valles” de la obra, estos le ayudaran a transmitir con mayor exactitud
la música a la audiencia.
El conocimiento total de la forma musical
(Sonata, rondo, tema con variaciones etc.)Puede
ser analizado y luego usado para extraer las
secciones más pequeñas para hallar elementos
similares y contrastantes. Primero marque las
cadencias y determine su importancia en la forma total, seguidamente busque las frases y use
su criterio musical para determinar dónde están
estas y qué hacer con ellas.
Experimente con una sección utilizando
diferentes tipos de fraseo. La música se mueve
usualmente hacia adelante debido a elementos
motivicos y armónicos y es deber del interprete
determinar hasta qué punto este movimiento
llega y descubrir donde hallar esta tendencia
dentro de las frases y secciones que allí se presentan. Estos aspectos de frase pueden aplicarse
en los primeros pasos del aprendizaje de la obra,
pero deben de ser claros una vez la pieza esté
lista para ser interpretada.
Entender la forma y la estructura de las frases
asociadas a los elementos armónicos y de motivo presentes, le permitirán crear una dirección
musical clara y generar interés y unidad a través
de la pieza. Determine que funciona mejor para
la música y escríbalo en sus apuntes, aunque una
buena pieza pocas veces se expresa por sí misma
a veces el intérprete solo necesita hacerse a un
lado del camino y dejar que la música hable.
Presencia Escénica.
Los cinco aspectos anteriores tienen más
relación con la forma de aprender una pieza
musical. Esta sección trata principalmente de
la forma como se lleva la interpretación de
las ideas del compositor a la audiencia. Los
músicos tienen una gran oportunidad cuando
tocan porque pueden expresar sus emociones y
sentimientos para transmitir efectivamente sus
ideas, pero algo que le da al intérprete cierta
chispa es la presencia escénica.
La presencia escénica puede ayudarle a atrapar la atención de una audiencia a un nivel más
alto, los percusionistas tienen una gran ventaja
sobre otros músicos ya que sus instrumentos
les permiten ser extremadamente visuales .Con
la marimba tenemos ocho o nueve pies de
distancia y entre cuatro y cinco octavas para
desplazarnos, además de tener agarradas de 2 a
6 baquetas al mismo tiempo. El estímulo visual
que generan los movimientos naturales alrededor de la marimba es mucho más interesante
que el estímulo que puede producir mover una
llave, una válvula o tocar el piano.
¿Qué se debe hacer sobre el escenario y que
no se debe hacer sobre él? Si no lo ha hecho con
anterioridad puede ser que le tome algún tiempo sentirse cómodo mientras empieza a trabajar
dentro de su interpretación, claro está, que un
espejo o grabarse en video puede ser de gran
ayuda para empezar.
La expresión facial y los movimientos cor-
porales pueden ayudar a atrapar la atención
de la audiencia así como puede comunicar de
igual forma sus ideas. Cuando interprete una
obra divertida o llena de luz no tenga miedo de
disfrutar de la música (sonreír está bien), si la
audiencia ve que está disfrutando mientras toca,
ellos disfrutaran escucharlo, sin necesidad de
exagerar su expresión facial. Pequeñas diferencias pueden hacer cambiar el flujo del humor
entre el intérprete y el público.
La euforia y la ansiedad tienen dos contextos
diferentes así como la tienen dos expresiones
del rostro. En vez de forzar o preparar estas acciones, siéntase inmerso en la música y deje que
su rostro y los movimientos corporales fluyan
de una forma natural.
El movimiento del cuerpo puede ayudar en
varios aspectos particulares de la música, por
ejemplo puede preparar la forma de cómo empezar una obra y a su vez comunicar las diferencias entre una sección y otra o notas que ya han
sido interpretadas al igual que las frases y los
puntos de transición de ella a través el cuerpo.
Por ejemplo si hay una repentina cadencia
precedida por un aumento de intensidad es
probable que la audiencia contenga la respiración hasta sentir su resolución. Lleve la intensidad a un nivel más alto. No mueva ningún
musculo y mantenga la respiración antes de resolver el acorde. Usted puede conscientemente
atraer la audiencia a través de los otros cinco
aspectos ya mencionados sumado a la presencia
escénica.
Tenga en cuenta que cosas no debe de hacer
en escena. Cómo decirle a la audiencia que usted se equivocó en una nota. Algunos lo sabrán
sin decírselos pero no todos. Para el público
todo lo que usted haga parecerá cómodo e intencional. Nunca deje que la audiencia sepa que
algo no ha sido planificado, ya que esto deteriorara toda la interpretación. No importa lo que
pase, mantenga la calma, olvide el error y siga
adelante.
En general usted debe mostrar confianza
.Más que el trabajo sobre la música que haya realizado durante incontables horas preparándose
para esta presentación en particular, este seguro
de sí mismo y manténgase enfocado sobre los
aspectos positivos de su interpretación.
Conclusión.
Como músicos estamos en constante
búsqueda por obtener una perfección en la
interpretación. Mientras esto es casi imposible
de conseguir, existen caminos que podemos
seguir en búsqueda de una interpretación de
alto nivel. Combinando objetivos a largo plazo
en la búsqueda de la calidad del sonido y en el
desarrollo de la técnica a corto plazo en el contexto de una pieza musical podemos lograr una
aproximación más completa de la interpretación
musical.
PERCUSSIVE NOTES
33 MARCH 2011