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LA EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA
Los principales materiales eran la piedra (caliza o
mármol), el bronce, la terracota, la madera, el oro y
marfil y, ocasionalmente, el hierro.
ETAPAS:
PERÍODO ARCAICO: 650-480
“ CLÁSICO: 480-326
PERÍODO HELENÍSTICO: 326-30
PERÍODO ARCAICO (650-480 a. C.)
Frontalidad, hieratismo, monumentalidad, son sus
características fundamentales.
La gran mayoría de las estatuas son:
KOUROS (pl. KOUROI): muchachos Apolos,
atletas y
KORÉ (pl. KORAI): muchachas, posiblemente
diosas.
Kouros del Cabo Sunion
En sus primeros pasos el arte escultórico griego parte
de formas egipcias —un arte egipcio ya decadente—
pero su interés por la investigación le lleva a un mayor
conocimiento de la figura humana, de la coordinación
de todas sus partes y de su instalación en el espacio,
hasta llegar a un total control de las formas.
Ello fue posible debido a la distinta concepción del
arte entre ambas culturas. Para un egipcio una estatua
podría servir para "retratar" políticamente a alguien —
con sus atributos de poder— o para albergar el KA
(alma) del difunto. En ambos casos el registro
expresivo se va a concentrar en el rostro. De este
modo, el cuerpo no es más que un pedestal para la
cabeza: EL ROSTRO COMO ESPEJO DEL ALMA
(algo parecido sucederá en Roma, con estatuas con
cabezas de quita y pon). Por otra parte, en Egipto no
se buscaba el realismo, plasmar el espacio o el tiempo,
sino la imagen de lo intemporal.
Las primeras estatuas de mujeres se caracterizan
por concebirse la figura humana como una estructura
compacta, sólida., sin apenas rasgos expresivos. El
ropaje está acartonado.
Para un griego el arte es un RETO, una pregunta, un
problema a resolver. El arte griego es, además, un arte
de cuerpos. Para ellos un retrato es de cuerpo entero;
mientras una escultura egipcia no resiste una
mutilación de la cabeza, una griega del período clásico
o más avanzada, sí.
Hera de Samos
La Hera de Samos (c.575-50) a pesar de su
cronología
relativamente
avanzada,
ilustra
perfectamente las características de la primera fase de
la escultura griega: rigidez, falta de plasticidad. Su
carácter es columnario, los pliegues del peplos
recuerdan las estrías de una columna. En este sentido
estamos todavía ante algo muy poco griego: la estatua,
mutilada, pierde toda su expresividad. La poca que
tendría estaría concentrada en la cabeza, al modo
egipcio.
Detalle del kouros del Cabo Sunion
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La Koré del peplos (c. 540-30) presenta la técnica
de la "sonrisa arcaica", que pretende (según algunos
autores) animar la expresión facial. Encontraremos
esculturas arcaicas posteriores que no la tengan, por lo
que no puede ser utilizada como patrón cronológico.
Se conservan restos de policromía.
Si en las korai el campo de investigación era la
vestimenta, en los kouroi lo era el cuerpo humano. En
sus primeros pasos los escultores realizaban un
tratamiento rutinario de la anatomía, sin apenas
modelado. El gran tamaño de algunas de estas figuras
(más de 3 m) acentúa su colosalismo, algo que
parecerá desmesurado a los ojos de un clásico. Ese
afán plebeyo por lo grande volverá a existir en el
mundo antiguo en la época helenística y en Roma.
Koré del peplos
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PERÍODO CLÁSICO (480-326 a. C.)
Obra: Doriforo
Obra: Discóbolo
Autor: Polícletos
Estilo: Escultura griega clásica Cronología: s. V a. C.
Autor: Mirón
Estilo: Escultura griega clásica Cronología: s. V a. C.
Contexto histórico-artístico: Resumen de la evolución
de la escultura griega desde el periodo arcaico.
Contexto histórico-artístico: Resumen de la evolución
de la escultura griega desde el periodo arcaico.
Análisis: El ideal del artista de la Grecia del clasicismo
Análisis: Muestra interés por investigar nuevas actitudes,
es la ARMONÍA, la reproducción de la realidad de
ensayar nuevas posturas. Fue el primero en lograr un
forma PARADIGMÁTICA, es decir, eliminando todas
gran realismo en sus figuras, expresando perfectamente
las imperfecciones que puedan hacer del cuerpo
el esfuerzo físico de un atleta que morirá intentando
superar su propio récord. Mirón inaugura el nuevo
humano algo poco placentero o disarmónico. Quizás el
camino que acaba con la frontalidad y el poco realismo
primer artista que teorizó acerca de esta cuestión fue
de la escultura arcaica. La obra fue tan admirada en la
Polícletos. Se sabe que escribió un tratado sobre las
Antigüedad que los romanos mandaron hacer de ella
infinidad de copias. Dado que el original, en bronce, de
proporciones humanas, el Canon, del cual sabemos que
ha perdido, son esas copias (la mejor de todas la del
la base estaba en una teoría de las proporciones
British Museum) las que nos permiten conocer la valía
humanas basada en el número: “se llega a la belleza a
de Mirón. Se cree que, ya de avanzada edad, trabajó en
la decoración escultórica del Partenón, a las órdenes del
través de los números”. Para él, un hombre bien
escultor Fidias.
proporcionado es aquel cuya altura se corresponde con
la suma de seis cabezas. Establece en sus figuras una
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proporciones
postura particular: una de las piernas se convierte en
puntos
más
salientes,
en
comparación con el de Policleto, son la esbeltez del
sostén del cuerpo, la otra retrocede y descansa; esto da
cuerpo y la reducción del volumen de la cabeza, además
lugar a un movimiento cruzado, una ligera curvatura
de aumentar en una cabeza la altura, quizás por
influencia del orden corintio, entonces muy de moda. El
que iría desde la punta del pie que retrocede hasta el
brazo derecho se extiende hacia el espectador que mira
hombro del lado opuesto; de esta forma, la línea del
de frente la estatua, con un efecto inconcebible dentro
tronco y la de la pelvis no son paralelas, no están en la
de lo clásico, porque rompe algo que la estatuaria
tradicional se esforzaba en mantener a cualquier precio:
misma línea; además, el hombro de la pierna-columna
no romper el espacio-límite. Teniendo en cuenta que
baja y el otro sube: a esto se lo llama “ritmo policlético
fue el retratista favorito de Alejandro Magno, igual que
o contrapposto”: supone una investigación en espacio, ya
el conquistador invadía territorios, Lisipo hace que su
figura invada el espacio.
que se sitúa a la figura en dos planos diferentes.
Obra: Apoxiomenos
cuyos
Autor: Lisipo
Estilo: Escultura griega clásica Cronología: s. IV a. C.
Obra: Venus púdica
Autor: Praxíteles
Estilo: Escultura griega clásica Cronología: s. IV a. C
Contexto histórico-artístico: Resumen de la evolución
de la escultura griega desde el periodo arcaico.
Contexto histórico-artístico: Resumen de la evolución
de la escultura griega desde el periodo arcaico.
Análisis: Su nombre procede de la acción del atleta que
se limpia con un estrigililo la piel cubierta del polvo de la
Venus aparece saliendo del baño completamente
palestra. La figura en sí obedece a un nuevo canon de
desnuda pero tapándose con pudor el pubis. La diosa,
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momento, y su obra supuso la ruptura con la tradición y
como es normal en Praxíteles, se representa como una
la innovación iconográfica (fue el primero en introducir
simple mortal, lo cual no gustó demasiado a alguno de
el desnudo femenino). Esta obra, titulada Hermes y
sus contemporáneos. La obra permite apreciar las
Dionisos, presenta al joven Hermes ofreciendo a su
pequeño hermanastro tal vez un racimo de uvas. Es un
características básicas del estilo del autor: "curva
tema anecdótico y es importante la introducción de
praxitélica", modelado suave, canon esbelto... etc. Dado
niños tan pequeños como tema escultórico.
que a Praxíteles no le interesaba el “principio de
diartrosis” (marcar la transición entre las masas
musculares), es normal que fuera el primero en esculpir
a una mujer desnuda. El tema es anecdótico, otra
característica del arte praxitélico.
Obra: Ménade danzante
Autor: Scopas
Estilo: Escultura griega clásica Cronología: s. IV a. C
Contexto histórico-artístico: Resumen de la evolución
de la escultura griega desde el periodo arcaico.
Obra: Hermes con Dionisos niño
Autor: Praxíteles
Cada figura de Scopas, en contraste con las siluetas de
Estilo: Escultura griega clásica Cronología: s. IV a. C
Praxiteles, gira sobre sí misma, se vuelve un lado u otro,
Contexto histórico-artístico: Resumen de la evolución
dirige los brazos y las piernas en todas direcciones y
de la escultura griega desde el periodo arcaico.
parece toda ella inflamada por el éxtasis religioso. Es el
caso de la Ménade furiosa, semidesnuda, enloquecida
El autor es Praxíteles, pues son propios de su escultura
por el vino y el baile. Su figura está concebida para ser
el modelado refinado y el contrapposto, que define la
vista en todos sus ángulos con un movimiento que se
típica curva praxitélica. Es el gran escultor de este
manifiesta con una viveza y un patetismo que no tienen
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precedentes en el arte clásico. Influirá en la escultura
manierista (Italia, s. XVI), en la contorsión de sus
formas.
OBRAS: LOS TÍMPANOS DEL PARTENÓN
AUTOR: FIDIAS
ESTILO: ESCULTURA GRIEGA CLÁSICA
CRONOLOGÍA: S. V a. C.
Contexto histórico-artístico: el de la Acrópolis de Atenas
Análisis: Representan episodios de la vida de Atenea, la patrona de la polis. Por las descripciones de Pausanias y los
dibujos que Jacques Carrey realizó en 1674, se puede intentar una reconstrucción del tema y la composición de estas
partes del templo. En el British Museum se conservan los mármoles Elgin, las piezas escultóricas del Partenón mejor
conservadas.
Frontón este. Nacimiento milagroso de Atenea. Atenea nace de la cabeza de Zeus, cuando éste recibe un golpe de
hacha proporcionado por Hefaistos (Vulcano), el celoso marido de Afrodita (Venus).
Es importante la inclusión de los caballos de Sol y Luna ya que suponen una novedad frente a las típicas figuras
acostadas de los vértices del frontón. Aparece la técnica de los “paños mojados” en algunas de las figuras femeninas.
Frontón oeste. Lucha entre Poseidón y Atenea por el dominio del Ática. Es el tema que llevó a la construcción del
Erechteion. Aquí, Fidias ya no tiene la excusa de las cabezas de caballo, pero en el vértice izquierdo coloca una figura
tumbada que representa al río Iliso, que discurría por el Ática (la región que dominaba Atenas).
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