1. No category

En octubre
el INCAA
acompaña a
los Festivales
de Cine en
todo el país.
5° Cortópolis. Festival Latinoamericano de
Cortometrajes
1 al 4 de Octubre, Córdoba
10° Festival Internacional de Cine Inusual
de Buenos Aires
2 al 12 de Octubre, CABA
7° Maipú Cortos. Festival de Cine de Humor
2 al 5 de Octubre, Maipú
27° Semana de Cine Nacional en La Pampa
2 al 8 de Octubre, Santa Rosa
5° Cinemigrante. Festival Internacional
de Cine y Formación en Derechos Humanos
7 al 15 de Octubre, CABA
8° Muestra Nacional DOCA
9 al 15 de Octubre, CABA
10° Festival Internacional de Cine
Independiente de La Plata «FestiFreak»
10 al 19 de Octubre, La Plata
2° Festival Internacional de Cortos
«Cuenca del Salado»
11 al 13 de Octubre, Ayacucho
14° Doc Buenos Aires — Muestra
Internacional de Cine Documental
16 al 26 de Octubre, CABA
1° Festival Internacional de Cine
de las Tres Fronteras
18 al 25 Octubre, Iguazú
5° Festival Cinematográfico «Visión
Ribereña»
19 al 26 de Octubre, Villa Constitución
8° Festival Nacional Corto Rodado
23 al 25 de Octubre, Comodoro Rivadavia
13° Muestra Internacional de
Cortometrajes Video Jujuy Cortos
27 al 31 de Octubre, San Salvador de Jujuy
10° Día Internacional de la Animación
28 de Octubre, CABA
2° Festival Nacional de Cortos
Audiovisuales realizados por Personas
con Discapacidad
29 al 31 de Octubre, CABA
1° Festival de Cine Espacio Queer sobre
diversidad sexual y género
30 de Octubre al 2 de Noviembre, La Plata
4° Festival Latinoamericano de Cine Árabe
«LatinArab»
30 de Octubre al 10 de Noviembre, CABA
INCAA /Gerencia de Acción Federal
Av. Belgrano 1586 - 8°piso. C1093 Ciudad de Buenos Aires. Argentina
Teléfono: 011 43821307 I www.incaa.gov.ar I [email protected]
ORGANIZACIÓN
Asociación Civil DocBsAs
Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
Presidenta: Lucrecia Cardoso
Gerente de Acción Federal: Félix Fiore
Coordinadora de Festivales Nacionales: Paola Pelzmajer
Fundación Cinemateca Argentina
Presidenta: Marcela Cassinelli
Sala Leopoldo Lugones
Director de programación: Luciano Monteagudo
CON EL APOYO DE
Institut français d’Argentine
Embajada de Francia
Director Consejero de Cooperación y Acción Cultural: JeanFrançois Guéganno
Agregado audiovisual regional: Christian Tison
Adjunto del agregado audiovisual: Alain Maudet
Responsable de la Cinemateca Regional: Martina Pagnotta
Mecenazgo Cultural - Buenos Aires Ciudad
Swiss Films
Relaciones Internacionales: Sabina Brocal
Coordinadora de Proyectos: Hanna Bruhin
Fundación Proa
Directora: Adriana Rosenberg
Director de proyectos: Guillermo Goldschmidt
Departamento de Prensa: Juan Pablo Correa
Goethe-Institut Buenos Aires
Director: Uwe Mohr
Curadora de Programación Cultural / Cinemateca: Inge Stache
Y LA COLABORACIÓN DE
Institut français
Departamento Cine
Directora Departamento Cine: Valérie Mouroux
Responsable Polo Cine Francés: Agnès Nordmann
Misión Américas: Anne-Catherine Louvet
Fabricación y desarrollo digital: Anne-Sophie Chollot
Embajada de Suiza en Argentina
Embajador: Hanspeter Mock
Agregada cultural: Isabelle Mauhourat
Alianza Francesa de Buenos Aires
Director general: Bruno Simonin
Directora cultural: Solen Rouillard
Arte Multiplex
Encargado general: Alejandro Caretta
Club del Espectador
Directora: Viviana Feldman
Universidad Museo Social Argentino - UMSA
Dr. Guillermo E. Garbarini Islas
Dr. Eduardo E. Sisco
Lic. Aníbal Luzuriaga
Facultad de Lenguas Modernas
Decana: Mg. María Cristina de Ortúzar
Lic. Fabiana Sandra Lassalle
2
Facultad de Artes:
Decana: Arq. Roxana Amodeo
Lic. Silvia Cristina Borja
Lic. María Alejandra Portela
AGRADECIMIENTOS
Sala Leopoldo Lugones
Fátima Gutiérrez
Suyay Benedetti
Cinemateca Argentina
Mabel Vitali
Alianza Francesa
Fanny Schaefers
Lisa Naudin
Emiliano Cavalieri
Eduardo Russo
Jorge La Ferla
Nicolás Prividera
María Iribarren
Gabriel Boschi
Sebastián Russo
Les Films d’Ici
Richard Copans
Serge Lalou
Céline Païni
Jean-Louis Comolli
Cécile Peyre
INA
Gérald Collas
Ginette Lavigne
Maryvonne Bruneau
Doc & Film International
Daniela Elstner
Hannah Horner
Sixpackfilm
Isabelle Piechaczyk
Harun Farocki Filmproduktion
Matthias Rajmann
BAFICI
Marcelo Panozzo
Paula Niklison
Festival Internacional de Mar del Plata
Marcelo Alderete
Cecilia Barrionuevo
Francisco Perez Laguna
Cinéma du réel
Maria Bonsanti
Javier Martín
Thessaloniki Documentary Festival
Dimitri Eipides
Ilse Acevedo
Festival de Locarno
Carlo Chatrian
Christoph Huber Alexandra Anthony
Silvina Stirnemann
Paula Ramos
Úrsula Rucker
Editorial
El valor de un cine utópico / The Value of a Utopian
Cinema
por/by Carmen Guarini y/and Marcelo Céspedes • P4
Introducción INCAA
por/by Lucrecia Cardoso • P9
01 Proyecciones especiales / Special Screenings • P13
Reencuentros y despedida / Reunions and Farewells
por/by Luciano Monteagudo • P14
02 Situación del documental latinoamericano / State of
the Latin American Documentary • P23
Situación del documental latinoamericano / State of
the Latin American Documentary
por/by Carmen Guarini • Pag. 24
03 Selección argentina / Argentine Selection • P41
Selección argentina / Argentine Selection
por/by Carmen Guarini • P42
04 El Túnel del Tiempo / The Time Tunnel • P49
El Túnel del Tiempo / The Time Tunnel
por/by Luciano Monteagudo • P50
05 Miradas sobre el cine / Views on Cinema • P 59
Retratos y autorretratos / Portraits and Self-portraits
por/by Luciano Monteagudo • P60
06 La joven guardia / The Young Guard • P67
Sangre nueva / New Blood
por/by Luciano Monteagudo • P68
07 Perspectiva suiza: los trabajos y los días /
Swiss Perspective: The Labors and the Days • P79
Figuras en un paisaje / Figures in a Landscape
por/by Luciano Monteagudo • P80
08 Homenaje a Les Films d’Ici / Homage to Les Films
d’Ici • P 87
Les Films d’Ici, 30 años de creación (1984-2014) / Les
Films d’Ici, 30 Years of Creation (1984–2014)
por/by Carmen Guarini y/and Marcelo Céspedes • P88
09 Norbert Pfaffenbichler • P103
El hombre que dejó sus notas en película: Norbert
Pfaffenbichler / The Man Who Left His Notes on Film:
Norbert Pfaffenbichler
por/by Christoph Huber • P104
Français • Pag. 119
STAFF
Director general: Marcelo Céspedes
Directores de programación: Luciano Monteagudo, Carmen Guarini
Directora general de producción: Michelle Jacques-Toriglia
Asistente producción: Irene Ovadia , Paola Pernicone
Coordinador de voluntarios: Roberto D’Ambrosio
Coordinador técnico: Juan Manuel Durán
Asistente técnico: Luciano Santoro
Jefa de prensa: Cris Zurutuza
Equipo de prensa: Violeta Burkart Noé
Traducción y subtitulado electrónico: Equipo Zenit
Edición de catálogo: Diego Brodersen
Diseño gráfico: Alberto Bonino, Susana Prieto
Imprenta: Latingráfica
Diseño web: Conqueen - www.conqueen.com.ar
Tapa catálogo: Ignacio Leonidas, Santiago Olguin - Os Changos
Tráiler DocBuenosAires: Martín Céspedes
Voluntarios
Asistente coordinación voluntarios: Antonela Vita
Asistentes sala: Agustina Trupia, Anabela Morales, Ariel Fossa,
Candela Caballero, Debora Van Der, Elise Rivals, Florencia
Pricolo, Francisco Páez, Gabriela Nuñez, Karina Mobrici, Laura
Vallejos, Marcela Álvarez, Maria Inés Batyk, Maximiliano Vinca,
Mónica Mobrici, Yerin Urbina , Valeria Curcio, Gaviota Restrepo
Gutiérrez.
Coordinación registro fotográfico: Jimena Traut
Registro fotográfico: Dylan Denisovich, Geraldine Sulkin, Maia
Vargas, Manuela Mandy, Maximiliano Fuentealba, Miriam Nava,
Paula Devita.
Coordinación registro audiovisual: Marcos Galante
Registro audiovisual: Gonzalo Navarrete, Alejandra Alonso,
Naiara Arguello, José Rodriguez
Técnica: Guillermo Collini, Julio Vega, Marcos Peralta
Traducción: Jessica Mill
Comunicación: Anabela Morales, Debora Van Der Donckt,
Gimena Ruiz, Milena Amaya
Ángeles de invitados: Estefani Meza, Julio Vega, Mariana Lado,
Marie-Camille Attard
Interpretación inglés-español: Sofía González, Sabrina Verhnes,
Florencia Ribero, Yanina Filipeli, Melanie Zayat, Denise Aragona.
3
•
El valor de un cine
utópico
por Carmen Guarini y Marcelo Céspedes
4
Ésta es nuestra edición número 14 y, como cada año,
algo se renueva. El cambio es parte de este encuentro
que defiende la continuidad dentro de un permanente criterio crítico y búsqueda de miradas. Siempre
aspirando a descubrir aquello que justifica la palabra
“cine”. Siempre hurgando en los pliegues y en los
intersticios de los géneros, intentando quebrarlos,
buscando en ellos la esencia de la imagen. Una empresa utópica, inabarcable, que es la que nos estimula
cada año a seguir en esta idea de reunir en un espacio
de tiempo películas de difícil circulación, dadas las
condiciones del mercado.
En esta ocasión, el DocBuenosAires presenta, como
siempre, autores imposibles de soslayar y que por
suerte siguen produciendo piezas increíbles y únicas:
los estrenos latinoamericanos de las últimas creaciones de Sergei Loznitsa y Harun Farocki (una enorme
pérdida para los resistentes del cine), Jean-Luc
Godard en una joya restaurada, los más recientes
films de Stéphane Breton y de Jean-Louis Comolli
(este último, en calidad de estreno mundial), Edgardo
Cozarinsky, Mariana Otero… y ¡siguen las firmas!
Como cada año, también nos dedicamos a descubrir,
para el público argentino, a un cineasta tan valioso
como desconocido, y es así como llegan desde Austria
las películas de Norbert Pfaffenbichler.
En nuestro continente latinoamericano la producción
no ha sido menos fructífera, y este año nos damos
el lujo de ofrecer una sección notable en cantidad y
calidad. Películas premiadas internacionalmente que
curiosean en historias, conflictos y personajes siempre
únicos y nuestros. Y que nos cuentan el mundo que
habitamos y que difícilmente, de no ser por estos
originales puntos de vista, alcanzaríamos a ver.
Dedicamos una sección de homenaje a una productora
francesa notable por la calidad de su obra, por su
naturaleza cosmopolita y por su espíritu solidario y
siempre comprometido con la situación del mundo.
Nos referimos a la productora Les Films d’Ici, representada este año en la visita de uno de sus creadores,
Richard Copans, quien acompañará esta muestra
–curada por ellos mismos– y presentará su última
película, Un amor.
Como siempre, serán catorce días de gran intensidad y difíciles de abarcar, como cualquier festival.
El camino lo trazará cada uno de los espectadores,
muchos de los cuales esperan una cita en octubre que sabemos –y no es por jactarnos– no los
defrauda.
Cada película es buscada y pensada para construir un
panorama más o menos claro de lo que está pensando
el cine sobre el mundo, en obvia referencia a nuestro
querido Jean-Louis Comolli.
Tendríamos muchas más cosas para decir, pero los
invitamos a que recorran este catálogo, donde encontrarán –en sus textos y su montaje– nuestra visión de
este DocBuenosAires 2014.
Agradecemos la colaboración de quienes nos secundan cada año en esta aventura: la Fundación Cinemateca Argentina, la Embajada de Francia en nuestro
país, el INCAA y la Alianza Francesa de Buenos Aires.
Y de quienes se han sumado en las últimas ediciones:
Fundación Proa y Arte Multiplex Belgrano.
Nuestra sede principal es este año el Espacio INCAA
Gaumont, dado el temporario cierre por refacciones
de la Sala Leopoldo Lugones del Complejo Teatral
de Buenos Aires (CTBA) que nos albergó desde los
inicios.
Vaya también nuestro reconocimiento al apoyo de
Swiss Films, que, a través de la querida Sabina
Brocal, nos acompaña desde hace mucho tiempo,
aportando un material excepcional.
Hemos preparado varios encuentros de directores y
especialistas de cine con el público. Son obras que
no solamente merecen ser miradas, sino también
pensadas y habladas. Así, a los amigos de siempre
para algunas presentaciones, Eduardo Russo y
Jorge La Ferla, se suman otros a quienes agradecemos profundamente su colaboración.
Entre las actividades especiales de este año contamos con las masterclasses de Richard Copans (en la
sede de la Alianza Francesa de Buenos Aires) y de
Norbert Pfaffenbichler (en la Fundación Proa), quien
dialogará con el investigador y crítico Eduardo
Russo.
Queremos destacar muy especialmente a otras instituciones que apoyan desde hace ya muchos años
al DocBuenosAires: el Goethe-Institut, el Institut
Français, la embajada de Suiza y el Mecenazgo
Cultural de la Ciudad de Buenos Aires. También
estamos muy felices por la mutua colaboración e
intercambio de obras que hemos iniciado desde
su nueva gestión con el Festival Internacional de
Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) y con
el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
(FMDP). ¡Gracias a todos!
Junto a nuestro director de Programación, Luciano
Monteagudo, agradecemos con especial énfasis el
apoyo y la dedicación de nuestro equipo de trabajo
de producción y técnico.
••
5
•
The Value of a Utopian
Cinema
by Carmen Guarini and Marcelo Céspedes
6
This is the 14th edition of DocBuenosAires, and as
with every year, there is something new. Change is
all part of this festival, defending continuity within a
permanently critical eye and a search for new perspectives, ever aspiring to discover that thing that justifies
the word “cinema.” Always digging into the folds and
interstices of genres, trying to break them, searching
there for the essence of the image. It is a vast, utopian
enterprise, which stimulates us every year to continue
in this idea of bringing films together over a short
period of time that would otherwise be hard to see,
given market conditions.
As always, DocBuenosAires this year presents auteurs
who are impossible to sidestep and who luckily continue to produce incredible, unique pieces: the Latin
American releases of the latest creations by Sergei
Loznitsa and Harun Farocki (a huge loss for film buffs),
a restored gem from Jean-Luc Godard, the most recent
films by Stéphane Breton and Jean-Louis Comolli (the
latter a world premiere), Edgardo Cozarinsky, Mariana
Otero… the names go on!
As every year, we also dedicate time to unearthing for
the Argentine audience a filmmaker at once valued
and unknown, and so it is that from Austria come the
films of Norbert Pfaffenbichler.
South America’s output has been no less fruitful, and
this year we are delighted to offer a section with notable quality and quantity. Internationally acclaimed
films that pry into histories, conflicts and characters
who are always unique and typically South American, films that tell us about the world we live in and
which we would hardly see were it not for these
original points of view.
We dedicate a homage section to a French production company notable for the quality of its work, its
cosmopolitan nature and its spirit of solidarity, always
committed to the world situation. We mean of course
the production house Les Films d’Ici, represented this
year by one of its creators, Richard Copans, who will
accompany this selection, curated by Films d’Ici themselves, and present his latest film, One Love.
As always, it promises to be fourteen intense days
where it is hard to fit everything in, like any other
festival. Every spectator will find their own path, and
many of them look forward to this date in October that
we know—and we don’t mean to boast—will not
disappoint.
Every film is sought out and conceived to construct a
more or less clear overview of what cinema is thinking
about the world, in a clear reference to our dear JeanLouis Comolli.
We have much more to say, but we invite you to
browse through this catalogue, where you will find—
both in the text and the presentation—our vision of
this DocBuenosAires 2014.
We would like to thank those who work with us every
year in this adventure: the Fundación Cinemateca Argentina, the French Embassy in Argentina, the INCAA
and the Alliance Française Buenos Aires; and those
who have joined us in recent editions: Fundación Proa
and Arte Multiplex Belgrano.
Our main site for this year is the Espacio INCAA
Gaumont, due to the temporary closure of the
Sala Leopoldo Lugones of the Complejo Teatral de
Buenos Aires (CTBA) which has hosted us since the
start.
We are also grateful for the support of Swiss Films,
who through the dear Sabina Brocal have been
working with us for some time, providing exceptional material.
We have organized various opportunities for the public to meet directors and film specialists. These are
films that not only deserve to be seen, but contemplated and talked about. We are deeply thankful to
our usual friends Eduardo Russo and Jorge La Ferla
for their presentations, as well as other friends for
their hard work.
This year’s special activities include masterclasses
with Richard Copans (at the Alliance Française site)
and Norbert Pfaffenbichler (at Fundación Proa), who
will be talking to researcher and critic Eduardo Russo.
We would like to give special thanks to other institutions that have supported DocBuenosAires for many
years: the Goethe-Institut, the Institut Français, the
Swiss Embassy, and the Cultural Patronage of the City
of Buenos Aires. We are also very happy to be able
to work mutually and exchange films with the Buenos
Aires International Independent Film Festival (BAFICI)
under its new director, and with the Mar del Plata
International Film Festival (FMDP). Thank you all!
Along with our Director of Programming, Luciano
Monteagudo, we would like to express our gratitude
to our production and technical team for their support
and dedication.
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7
8
Nos enorgullece formar parte de una nueva edición de
DocBuenosAires, un festival internacional de cine documental donde se nos invita a disfrutar producciones
de todo el mundo y a conocer tendencias audiovisuales. Y, en ese sentido, celebramos y acompañamos una
iniciativa de estas características: el trabajo en equipo
que trae como resultado una muestra convocante y
diversa en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Porque a las proyecciones se suman seminarios, talleres y mercados, que producen el encuentro, fomentan
el debate, la participación y la capacitación de quienes
asisten a ellos. Porque cada festival o muestra de
cine que se suma va conformando un mapa cultural
en nuestro país, lleno de oportunidades. No solo para
quienes tienen acceso a producirlos, sino también para
aquellos que pueden participar como público, y, de ese
modo, se enriquece este circuito. Un circuito que necesita de muchas partes para funcionar: productores,
actores, directores, trabajadores y espectadores, en
una relación que impulsa a la industria audiovisual.
Una edición más de DocBuenosAires que tenemos
el honor de presenciar, ¡y les deseamos que sean
muchas más!
Lucrecia Cardoso
Presidenta
Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
We are proud to be part of a new edition of
DocBuenosAires, an international documentary film
festival where we can enjoy productions from all over
the world and discover audiovisual trends. And in
this respect, we celebrate and support an initiative
of these characteristics: teamwork that leads to a
diverse festival in the City of Buenos Aires with a wide
appeal. In addition to screenings there are seminars,
workshops and markets, great for networking,
debating, participating and training all those who
attend. Each new film festival creates a cultural map
of Argentina, full of opportunities. Not only for those
who have access to producing them, but also for those
who can participate in the audience, and this is how
this circuit is enhanced. It is a circuit that needs many
parts to work: producers, actors, directors, workers
and spectators, in a relationship that nourishes the
audiovisual industry.
We are honored to be present at yet another edition
of DocBuenosAires, and let us hope that there will be
many more!
Lucrecia Cardoso
President
National Institute of Film and Audiovisual Arts (INCAA)
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14° MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE DOCUMENTAL
16-29 de Octubre 2014
FUNCIONES PRESENTADAS POR DESTACADOS
CRÍTICOS, TEÓRICOS Y DIRECTORES
Jean -Luc Godard x NICOLÁS PRIVIDERA
Jueves 16, viernes 17 de Octubre 18:30 h.
Cine Arte Multiplex
Norbert Pfaffenbichler x EDUARDO RUSSO
Sábado 18 de Octubre 17:00 h. y 19:00 h
Domingo 19 de Octubre 17:00 h.
Fundación Proa
Jean -Louis Comolli x JORGE LA FERLA
Jueves 23 de Octubre 20:00 h.
Alianza Francesa de Buenos Aires
Jean -Louis Comolli x GABRIEL BOSCHI
Viernes 24 de Octubre 18:00 h .
Alianza Francesa de Buenos Aires
Jérémie Reichenbach x SEBASTIÁN RUSSO
Viernes 24 de Octubre 20:00 h.
Alianza Francesa de Buenos Aires
Colectivo MAFI x MARIA IRIBARREN
Sábado 25 de Octubre 14:00 h.
Cine Gaumont
MÁS INFORMACIÓN
www.docbsas.com.ar // [email protected]
FUNCIONES PRESENTADAS POR SUS REALIZADORES
RICHARD COPANS, productor, realizador, director de
fotografía y fundador de Les Films d’i ci.
ARAMI ULLÓN, directora paraguaya – suiza que
presentará El tiempo nublado .
NORBERT PFAFFENBICHLER, director austríaco que
presentará una selección de cortos y largos que dirigió
en los últimos 10 años.
ALEXANDRA ANTHONY, directora estadounidense que
presentará Perdido en tierras salvajes .
NICOLÁS MACARIO ALONSO, director colombiano que
presentará Monte adentro.
JUAN ÁLVAREZ NEME , director uruguayo que presentará
Avant, sobre el trabajo que realizó Julio Bocca con la
Compañía Nacional de Ballet en Montevideo.
EDGARDO COZARINSKY, director de la película, Bulevares
del crepúsculo.
LUCÍA RIERA, directora de la película La caja de arriba
del ropero .
MANUEL ABRAMOVICH, director de la película La Reina.
CINTHIA V. RAJSCHMIR, directora de la película Huyendo
del tiempo perdido .
LEÓN LEÓNIDAS, director de la película Potosí al 3800.
FERNANDO DOMÍNGUEZ, director de la película Salers.
PABLO RATTO, productor argentino de la película Avant,
coproducción con Uruguay.
FRANCA GONZÁLEZ, productora argentina de la película
Los adioses, coproducción con Canadá.
NATALIA DE LA VEGA, productora argentina de la
película El vals de los inútiles, coproducción con Chile.
ALEJANDRO NANTÓN, productor de la película Hamdan ,
coproducción con Palestina y Nueva Caledonia.
•
01
Proyecciones
especiales
Special Screenings
•
Reencuentros y
despedida
por Luciano Monteagudo
Como cada año, vuelven a las Proyecciones Especiales
varios viejos amigos del Doc y se suman también
algunos nuevos. Dos años atrás, dedicamos una
retrospectiva completa a la obra documental del extraordinario cineasta ruso-ucraniano Sergei Loznitsa,
y ahora su trabajo más reciente, Maidan, consagrado
en el último Festival de Cannes, será a la vez nuestro
film de apertura y de clausura. Y no es para menos.
Los 130 minutos que consigue Loznitsa con esos tres
meses de resistencia y combate con que la población
de Kiev sostuvo la toma de la plaza de Maidan son
fascinantes, porque, contra lo que hubiera hecho
cualquier otro documentalista, el director ucraniano
no realizó el habitual, chapucero reportaje de urgencia
con los que se suele dar cuenta de estos acontecimientos, sino que empleó un rigurosísimo dispositivo
de puesta en escena. A pesar de que –por primera
vez en su obra– tuvo que trabajar con la realidad inmediata, sin una minuciosa planificación previa, como
es su costumbre, Loznitsa aplicó su genio de cineasta
al problema. Descartó cualquier tipo de entrevistas,
narradores o cabezas parlantes, utilizó grandes planos
generales fijos y largas tomas sin cortes. Pero, por
sobre todas las cosas, evitó sistemáticamente el
gran angular y la cámara en mano, tan televisiva y
trillada en estos casos. El resultado es simplemente
asombroso, una rara obra de arte que da cuenta cabal
de esos acontecimientos pero, al mismo tiempo, los
trasciende, como si con una revolución pudiera contarlas todas, de la mejor manera posible.
Crítico, teórico, cineasta y docente, el francés JeanLouis Comolli, que también tuvo su retrospectiva en
el DocBuenosAires, y casi no hay edición en la que no
esté presente, nos ofrece en esta ocasión un sorpresivo regalo: el estreno mundial de Cine documental,
14
fragmentos de una historia, su brillante, lúcida lectura
del género, una producción de Gérald Collas para el
Institut national de l’audiovisuel (INA) recién salida
del horno y que será de visión imprescindible para
los muchos seguidores que Comolli tiene en nuestra
ciudad.
En el caso de Los arquitectos de Sauerbruch Hutton,
se trata de una despedida. Cuando vimos el film en
marzo pasado, en el Cinéma du réel del Centro Pompidou de París, e inmediatamente lo seleccionamos
para el Doc, no podíamos imaginar que sería la última
realización del alemán Harun Farocki, otro teórico y
documentalista que, como Comolli, tiene también (y va
a seguir teniendo, a pesar de su temprana muerte) una
legión de incondicionales en Buenos Aires. Su película
final vuelve sobre un tema que siempre obsesionó a
Farocki, la dificultad esencial de filmar aquello que se
resiste a ser filmado: la abstracción, el pensamiento.
Inmerso de lleno en el trabajo cotidiano de ese famoso
estudio de arquitectura berlinés, el realizador regresó
por primera vez en muchos años al documental puro
y duro. Pero lo hizo, claro, a su modo, enfrentando
el verbo con la materia. Todo su film, que no pierde
detalle de las discusiones de los arquitectos entre sí
y luego con sus contratistas, pone en escena el arte
esencial de la arquitectura: producir formas a partir de
discursos.
Otro alemán, Thomas Heise, que fue un descubrimiento del DocBuenosAires 2006 con una retrospectiva
que –siempre en colaboración con el Goethe-Institut–
se fue actualizando en el transcurso de los últimos
años, también regresa al Doc. Y así como uno de sus
trabajos anteriores, Sistema solar, lo había llevado al
Norte Argentino, ahora Städtebewohner parte de un
poema de juventud de Bertolt Brecht para acercarse al
pequeño infierno de la Comunidad San Fernando, una
prisión juvenil mexicana, filmada en un bello y riguroso
blanco y negro.
Si de instituciones se trata, en A cielo abierto, la
francesa Mariana Otero (de quien ya habíamos exhibido hace cuatro años su estupendo Entre nuestras
manos) se interna, con la sensibilidad y la capacidad
de observación que la caracterizan, en un albergue
para chicos psíquica y socialmente en dificultades. Y
en el otro extremo de la franja etaria, en Los adioses,
la canadiense Carole Laganière (con la ayuda en la
producción de la argentina Franca González) se sumerge, con tanta delicadeza como coraje, en una casa de
retiro para enfermos terminales.
Finalmente, Costa da morte, del “galego” Lois Patiño,
ganador de la sección Cineastas del Presente del
Festival de Locarno 2013, tiene su lugar en el programa porque (aunque ya se había exhibido en el último
BAFICI) las buenas películas siempre merecen una
segunda oportunidad.
••
•
Reunions and Farewells
by Luciano Monteagudo
As every year, various old friends of DocBuenosAires
return to Special Screenings, while many new
ones appear as well. Two years ago, we dedicated
a complete retrospective to the work of the
extraordinary Russian-Ukrainian filmmaker Sergei
Loznitsa, and now his most recent work, Maidan,
acclaimed at the last Cannes Film Festival, will be
our opening and closing film. This is no exaggeration.
The 130 minutes that Loznitsa gets from three months
of resistance and combat as the population of Kiev
take Maidan Square are fascinating. Unlike what any
other documentary maker might have done, Loznitsa
did not pull off the usual slapdash, urgent report
as these events are so often treated, but rather put
into practice a highly rigorous mise en scène device.
Despite the fact that, for the first time in his career,
he had to work with immediate reality, without his
customary meticulous prior planning, Loznitsa applied
his genius as a filmmaker to the problem. He ruled out
any kind of interview, narrators or talking heads, used
large general fixed shots and long takes without cuts.
But, above all, he systematically avoided the wide
angle and handheld camera, so televisual and trite in
these cases. The result is simply breathtaking, a rare
work of art that depicts these events clearly but at the
same time transcends them, as if a revolution could
tell it all, in the best possible way.
The French critic, theorist, filmmaker and teacher
Jean-Louis Comolli, who has also had his
retrospective at DocBuenosAires, and has been
present at nearly every edition, offers us on this
occasion a surprise gift: the world premiere of
Documentary Cinema, Fragments of History, his
brilliant, lucid reading of the genre, a Gérald Collas
production for the Institut National de l’Audiovisuel
(INA) fresh from the oven, and which will be essential
viewing for Comolli’s many followers in Buenos Aires.
The case of Sauerbruch Hutton Architects is more
of a farewell. When we saw the film last March, at
the Cinéma du réel at the Pompidou Center in Paris,
and immediately chose it for DocBuenosAires, we
could not imagine that it would be the last work of
German filmmaker Harun Farocki, another theorist and
documentarian who, like Comolli, also has (and will
continue to have, despite his early death) a legion of
diehard fans in Buenos Aires. His final film returns to
a subject that always obsessed Farocki, the essential
difficulty of filming that which resists being filmed:
abstraction, thought. Fully immersed in the everyday
work at the famous Berlin architecture studio, the
director returned for the first time in many years to
pure and simple documentary. But of course, he did it
his way, setting language against material. The whole
film, which misses no details in the discussions among
architects and then with their contractors, shows the
essential art of architecture: to produce forms from
discourses.
Another German returns to DocBuenosAires: Thomas
Heise was a discovery at DocBuenosAires 2006 with
a retrospective which—in collaboration with the
Goethe Institut—has been updated over the course
of recent years. Just as one of his previous works,
Solar System, had taken him to the Argentine north,
now Städtebewohner starts from a poem about youth
by Bertolt Brecht to get close to the hell on Earth of
the Comunidad San Fernando, a juvenile detention
center in Mexico, filmed in a beautiful and rigorous
black and white.
Continuing with institutions, Like an Open Sky, by
French director Mariana Otero (whose stupendous
In Our Hands we screened four years ago), explores
a home for psychologically and socially troubled
children, with her typical sensitivity and capacity for
observation. And at the other end of the age scale,
in Some Farewells, the Canadian Carole Laganière
(with the help of Argentine producer Franca González)
immerses herself, gently yet courageously, into a
hospice for the terminally ill.
Last of all, Coast of Death by the Galician Lois Patiño,
winner of the Filmmakers of the Present section at the
2013 Locarno Festival, has his place in the program
because, although his film was screened at the last
BAFICI, good films always deserve a second chance.
••
15
Maidan / Maidan
Maidan
UCRANIA/UKRAINE - HOLANDA/NETHERLANDS, 2014, 130’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Sergei Loznitsa • PRODUCTOR/PRODUCER Sergei Loznitsa, Maria Baker • IMAGEN/
IMAGE Sergei Loznitsa, Sergiy Stefan Stetsenko, Mykhailo Yelchev • MONTAJE/EDITING Danielius Kokanauskis,
Sergei Loznitsa • SONIDO/SOUND Vladimir Golovnitzkiy • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Atoms&Void,
The Netherlands Film Fund, Against Gravity.
•
Maidan es una crónica de la rebelión civil contra el
régimen del presidente Yanukovich, que tuvo lugar en
Kiev (Ucrania) durante el invierno de 2013/14. La película sigue el desarrollo de la revolución: desde protestas pacíficas de medio millón de personas en la plaza
Maidan, hasta los sangrientos enfrentamientos entre
manifestantes y la policía antimotines. Maidan es el
retrato de una nación que se despierta y redescubre
su identidad. “En contraste con muchos documentales
realizados sobre un evento histórico, Maidan seguirá
vigente más allá de la actual turbulencia ucraniana
como un testigo imperioso y una respuesta paradigmática a un momento trascendente, demasiado fresco
para ser procesado en su totalidad. El director Sergei
Loznitsa, criado en Kiev, vuelve a sus raíces de no ficción y utiliza casi exclusivamente tomas fijas filmadas
desde diciembre de 2013 a febrero de 2014, captando
de manera emotiva y minimalista la trayectoria de
la protesta, eufórica primero, sitiada después” (Jay
Weissberg, Variety).
••
16
•
Maidan chronicles the civil uprising against the
regime of President Yanukovych that took place in
Kiev (Ukraine) in the winter of 2013/14. The film
follows the progress of the revolution: from peaceful
rallies, half a million strong, in the Maidan square,
to the bloody street battles between protestors and
riot police. Maidan is a portrait of an awakening
nation, rediscovering its identity. “In contrast with
most documentaries made in the wake of an historic
event, Maidan will last beyond the current Ukrainian
upheaval to stand as compelling witness and a model
response to a seminal moment too fresh to be fully
processed. Going back to his nonfiction roots, Kievraised helmer Sergei Loznitsa uses almost exclusively
fixed master shots filmed from December 2013 to
February 2014, capturing in an emotionally gripping,
minimalist way the protest’s trajectory from euphoric
to besieged” (Jay Weissberg, Variety).
••
Los arquitectos de Sauerbruch Hutton / Sauerbruch Hutton Architects
(Sauerbruch Hutton Architekten)
© Harun Farocki 2013
ALEMANIA/GERMANY, 2013, 73’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Harun Farocki • GUIÓN/SCRIPT Harun Farocki • IMAGEN/IMAGE Harun Farocki •
MONTAJE/EDITING Ingo Kratisch • SONIDO/SOUND Matthias Rajmann • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Harun
Farocki Filmproduktion.
•
Arquitectos trabajando: nada más cinematográfico
ni más gráfico que la alternancia entre lo diseñado y
lo construido, entre lo plano y lo tridimensional. Pero
esta película de título muy corporativo, rodada durante
tres meses en un gran estudio berlinés, se separa de
esa nitidez para instalar una duda generalizada, una
duda más referida a su propia mirada crítica que al
valor de lo que filma. […] En este retrato de grupo,
los creadores aparecen como maestros retóricos y,
al mismo tiempo, como niños que juegan con los
materiales y los colores. A través de sus palinodias,
Farocki interroga nada menos que las relaciones entre
el verbo y la materia, y sin duda también encuentra
un espejo del cine en el renovado misterio del arte
arquitectónico: producir formas a partir de un estilo
(Charlotte Garson, Cinéma du Réel).
••
•
Architects at work: a priori nothing lends itself
better to cinema, nothing is more graphic than shots
that alternate between the drawing and the built
structure, between the two-dimensional plan and
the three-dimensional result. Yet this film, with its
corporate-sounding title, shot over three months in a
large Berlin-based firm, abandons this clarity to instill
a generalized doubt—not so much about the value of
those it films as about its own critical viewpoint. … In
this group portrait, the creators appear both as master
rhetoricians and children playing with materials and
colors. Through their changing opinions, what Farocki
is questioning is nothing less than the relationships
between word and matter—which inevitably
finds a mirror of cinema in the renewed mystery
of architectural art: producing form from discourse
(Charlotte Garson, Cinéma du Réel).
••
17
Costa da morte / Coast of Death
ESPAÑA/SPAIN, 2013, 84’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Lois Patiño • GUIÓN/SCRIPT Lois Patiño • PRODUCTOR/PRODUCER Felipe Lage Coro,
Martin Pawley • IMAGEN/IMAGE Lois Patiño • MONTAJE/EDITING Pablo Gil Rituerto, Lois Patiño • SONIDO/
SOUND Miguel Calvo “Maiki”, Erik T. Jensen • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Zeitun Films.
•
En la vida cotidiana, la conducta óptica rara vez imita
a la panorámica del cine. Tal vez por eso en el cine no
hay muchas panorámicas como planos centrales. En
Costa da morte, excepto por tres planos medios, la
panorámica señorea la puesta en escena. ¿Reinventar
la visión en el cine? La concepción del paisaje en el
cine de Patiño alcanza aquí su mayor depuración. En
su primer largometraje elige una ciudad costera de
Galicia para extremar su método, y toma una decisión
inesperada: darle un lugar sustancial a la palabra. Lo
interesante es su ingenio democrático: el discurso del
film es el paisaje; a veces los hombres cuentan historias de naufragios y guerras, ensayan genealogías
cómicas de los nombres de las montañas circundantes, rememoran anécdotas. Pero es Costa da morte la
que habla por ellos, porque siempre los vemos como
parte del paisaje. La inteligente sensibilidad del registro es inapelable. En tiempos en que la experiencia
perceptiva se confunde con la realidad anabólica del
3D, llega este film de Patiño para purificar la retina del
espectador (Roger Koza, del catálogo del 16º BAFICI).
••
18
•
n everyday life, optical behavior rarely imitates film’s
panoramic shot. Perhaps that’s why films don’t have
as much panoramic shots as frontal shots. In Coast
of Death, except for three medium shots, panoramic
shots rule the mise en scène. Reinventing vision in
film? Here, the conception of landscape in Patiño’s
cinema reaches its peak. In his first feature-length
film, he chooses a coastal city in Galicia in order
to take his method to extremes, and makes an
unexpected choice: giving words an important part.
What’s interesting is his democratic inventiveness:
the films discourse is the landscape; sometimes men
tell stories of shipwrecks and wars, practice comical
genealogies of the names of the nearby mountains,
recall anecdotes. But it is Coast of Death that does
the talking, because we always see them as part of
the landscape. The intelligent sensibility of the point
of view is indisputable. In times in which perceptive
experience gets mixed up with 3D’s anabolic reality,
Patiño’s film is here to purify the audience’s retina
(Roger Koza, 16th BAFICI catalogue).
••
Los adioses / Some Farewells
(Des Adieux)
CANADÁ/CANADA-ARGENTINA, 2014, 63
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Carole Laganière •IMAGEN/IMAGE Franca González •MONTAJE/EDITING Aube Floglia,
Arianne Pétel-Despots •SONIDO/SOUND Lucas Meyer •MÚSICA/MUSIC Luc Sicard •PRODUCIDA POR/PRODUCED
BY Les Productions Sous Zéro, Franca González Cine, INCAA, ONF/NFB.
•
La Maison Michel Sarrazin es una casa adonde la
gente va a morir. Los pacientes transcurren allí sus
últimos días intentando recuperar la dignidad que la
enfermedad les robó hace mucho. Las colchas están
hechas a mano. Los baños de inmersión son reparadores. La morfina embriaga hasta a los dolores más
crueles. Nadie está solo. En verano se permite dormir
bajo la luz de la luna. La mirada sensible de Carole
Laganière, una de las más reconocidas documentalistas de Quebec, se ocupa de recoger los gestos que
todavía ligan la muerte con la vida. La entrega y la
impotencia de los que se quedan, junto a los esfuerzos
afectuosos de quienes ya prevén su partida.
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•
Michel Sarrazin mansion is a place where people go
to die. Patients spend there their last days trying to
recover the dignity that illness once stole from them.
Blankets are all handmade, baths are fortifying and
morphine has the power to drown even the wicked of
pains. Nobody is alone and, in summer, one is allowed
to sleep under the moonlight. The sensitive point of
view according to Carole Laganière—one of the most
renowned documentary filmmakers in Quebec—picks
up the gestures that bond together both life and death.
The helplessness and surrender of the ones who
stay, the affectionate struggle of those who painfully
anticipate their farewell.
••
19
Städtebewohner
ALEMANIA/GERMANY, 2014, 87
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Thomas Heise • GUIÓN/SCRIPT Thomas Heise • PRODUCTOR/PRODUCER Thomas
Heise • IMAGEN/IMAGE Robert Nickolaus • MONTAJE/EDITING Mike Gürgen • SONIDO/SOUND Markus Krohn •
MÚSICA/MUSIC Bowen Liu • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Heise Film, Hochschule für Film und Fernsehen
Konrad Wolf.
•
El comienzo muestra un paisaje polvoriento en las
afueras de la ciudad, acompañado por un poema de
1921, escrito por Bertolt Brecht y recitado por una
joven. Es sobre la desaparición de un hombre, sobre
cómo se desvanece la espera por él y, finalmente, su
recuerdo. Städtbewohner cuenta la historia de la vida
cotidiana en la Comunidad San Fernando, una cárcel
de la Ciudad de México. Ahí viven actualmente 200
prisioneros, infractores que fueron condenados como
menores para salir como hombres de 23 años. Con
silenciosas observaciones, la película muestra la vida
de los internos de San Fernando.
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20
•
The beginning shows a dusty landscape somewhere
on the outskirts of the city accompanied by a poem
from 1921, written by Bertolt Brecht and spoken by
a young woman. It is about the disappearance of a
man, how waiting for him fades and eventually the
memory thereof. Städtebewohner tells the story of
everyday life in the Comunidad San Fernando, a prison
in Mexico City. About 200 prisoners are currently living
here, offenders who were sentenced as juveniles for a
maximum of 5 years to San Fernando in order to leave
it as men not older than in the age of 23. In quiet
observations the film portrays the life of the residents
of San Fernando
••
A cielo abierto / Like an Open Sky
(À ciel ouvert)
©Copyright Romain Baudean
FRANCIA/FRANCE-BÉLGICA/BELGIUM, 2014, 113’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Mariana Otero • GUIÓN/SCRIPT Mariana Otero, Anne Paschetta • PRODUCTOR/
PRODUCER Denis Freyd, Jean-Pierre y/and Luc Dardenne • IMAGEN/IMAGE Mariana Otero • MONTAJE/
EDITING Nelly Quettier • SONIDO/SOUND Olivier Hespel, Félix Blume • MÚSICA/MUSIC Fred Fresson •
PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Archipel 33, Arte France Cinéma, Les Films du Fleuve, RTBF.
•
Alysson observa su cuerpo con desconfianza. Evanne
se aturde hasta caerse. Amina no logra hacer salir
las palabras de su boca. En la frontera franco-belga
existe un lugar fuera de lo común que se ocupa de
estos niños con problemas psíquicos y sociales. Día
tras día, los adultos tratan de entender el enigma
que representa cada uno de ellos y, caso por caso,
inventan soluciones que los ayudarán a vivir más
aliviados. Mientras relata sus historias, A cielo abierto
nos ofrece su singular visión del mundo.
••
•
Alysson observes her body warily. Evanne makes
herself dizzy until she falls over. Amine can’t manage
to get the words out of her mouth. On the FrancoBelgian border, there is a place out of the ordinary that
takes in these psychologically and socially troubled
children. Day after day, the adults try to understand
the enigma that each of them represents, case by
case, without ever imposing on them solutions that
will help them live in peace. Over the course of their
stories, Like an Open Sky opens us up to their unique
vision of the world.
••
21
Cine documental, fragmentos de una historia / Documentary Cinema, Fragments of History
(Cinéma documentaire, fragments d’une histoire)
Classe de lutte by Groupe Medvedkine © ISKRA
FRANCIA/FRANCE, 2014, 60’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Jean-Louis Comolli • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici, INA,
Documentaire sur Grand Écran, Mouvement, Ciné Plus.
•
Un recorrido (muy) subjetivo por la historia del cine
documental, que también es nuestra historia, desde
Louis Lumière (1895) hasta Yann Le Masson (1973).
Con citas de Robert Flaherty, Dziga Vertov, Jean
Rouch, Mario Ruspoli, Robert Drew, Johan van der
Keuken, Maurice Pialat, Guy Debord, Joris Ivens, Luis
Buñuel, Shohei Imamura, Pierre Perault.
••
22
•
A (very) subjective look at the history of documentary
cinema, which is also our history, from Louis Lumière
(1895) to Yann Le Masson (1973). With comments
from Robert Flaherty, Dziga Vertov, Jean Rouch, Mario
Ruspoli, Robert Drew, Johan van der Keuken, Maurice
Pialat, Guy Debord, Joris Ivens, Luis Buñuel, Shohei
Imamura, Pierre Perrault.
••
•
02
Situación del
documental
latinoamericano
State of the
Latin American
Documentary
•
Situación del
documental
latinoamericano
por Carmen Guarini
Estamos muy felices de presentar en esta edición 2014
una producción de cine documental latinoamericano
abundante en calidad, cantidad y representatividad.
Esto da cuenta del sorprendente crecimiento del documental en la región. Tanto por su temática como por
su tratamiento, todos estos films aportan al lenguaje
cinematográfico y a las historias que narran novedad,
sorpresa y testimonio del estado actual de las cosas.
Un momento histórico de democracias que acompañan
el crecimiento cultural y el debate dando cuenta de una
gran madurez en la producción cinematográfica de muchos de nuestros países, incluso en aquellos donde esta
producción recién comienza a desarrollarse. Por eso es
muy satisfactorio para el DocBuenosAires haber podido
reunir una muestra tan diversa y con la presencia de
tantos países. No es posible en este breve espacio
reseñar cada una de estas películas, pero intentaremos
dar un panorama para que los espectadores logren
orientar sus intereses.
El documental andino pasa por un momento de fortaleza
y crecimiento sin precedentes. La muerte de Jaime
Roldós (Ecuador; Manolo Sarmiento y Lisandra I. Rivera)
es un film que, en sus dos horas de duración, combina
el periodismo de investigación con el ensayo, a partir
de la utilización de un sorprendente material de archivo
inédito hasta este momento en su propio país. Monte
adentro (Colombia-Argentina; Nicolás Macario Alonso)
es un trabajo de gran belleza que se adentra en el
mundo de lo que queda de las familias muleras de
aquel país caribeño. Una visión de la simultaneidad de
los mundos que nos habitan. Y que, además, podríamos
poner en diálogo con la libertad creativa de El corral y el
viento (Bolivia, Miguel Hilari), una película realizada con
un equipo de rodaje muy reducido, que tras la búsqueda
de una historia personal captura de manera sensible
una comunidad de la zona del lago Titicaca en pleno
proceso de cambio.
De América Central mostramos por primera vez una
producción panameña, Reinas (Ana Endara), que aborda
el lado B de los concursos de belleza en países donde
son realmente un fenómeno cultural de gran vigencia.
Conmueve por su visión y sus historias, que sorprenden
por su humanidad y una perspectiva de gran sutileza
crítica. Muy cerca de esta zona encontramos a Tú y yo
(República Dominicana; Natalia Cabral y Oriol Estrada),
24
cuyos realizadores llevan adelante un interesante seguimiento de la vida de dos mujeres que conviven, pero
con roles bien diferenciados, ya que se trata de ama y
“criada”. Los conflictos afloran y la cámara está allí para
mostrarnos casi sin censuras los relatos del poder y de
las diferencias étnicas y sociales a escala doméstica.
Por su lado, Hotel Nueva Isla (Cuba-España; Irene
Gutiérrez) nos lleva a la siempre colorida y controversial
isla para mostrar la vida de un hombre que pasa sus
días encerrado en lo que fue el lujoso Hotel Nueva Isla,
hoy convertido en un refugio para personas sin techo.
El universo del conflicto de la vivienda en una sociedad
que intenta reconstruirse cada día. En esta zona podemos situar un documental recientemente galardonado:
Café (México; Hatuey Viveros Lavielle), que nos traslada
a la Sierra de Puebla para narrarnos una historia de
superación en una comunidad náhuatl. Del mismo país
presentamos Carmita (Israel Cárdenas, Laura Amelia
Guzmán), una suerte de biopic de una singular actriz
cubana, Carmita Ignarra, quien a sus 80 años despliega
una gran energía, aunque recuerda y vive sumida en el
lamento por una frustrada carrera en Hollywood.
Desde el sur de la región tenemos un panorama muy
interesante también. De Paraguay, un país con una
producción muy escasa, nos llega El tiempo nublado
(Paraguay-Suiza; Arami Ullón), una coproducción que
indaga en un conflicto personal sobre un tema universal: la vejez, la enfermedad, las decisiones a tomar en
la vida. En la intimidad de la directora y su familia, la
película nos muestra, con discreción y gran dominio
narrativo, conflictos personales en los que muchos
podemos reconocernos. Desde el Brasil arriba São
Silvestre (Lina Chamie), un documental experimental y
sensorial que nos introduce en un ritual de San Pablo:
una carrera que se realiza anualmente, cada 31 de
diciembre, en la mega urbe brasileña.
De Chile recibimos también un film de realización colectiva de la Fundación MAFI, Propaganda, que resulta
un recorrido inédito y visual del proceso de la campaña
presidencial 2013, en la que salió electa la actual
presidenta de ese país. Por su parte, El vals de los
inútiles (Chile-Argentina; Edison Cájas) relata, a través
de dos protagonistas, historias personales que son
parte de la lucha de los estudiantes chilenos en pos de
la gratuidad de la educación. Del país vecino nos llega
Avant (Uruguay-Argentina, Juan Álvarez Neme), que
narra, en forma observacional, el resurgimiento de la
compañía nacional de ballet, orientado por Julio Bocca,
uno de los mejores bailarines de todos los tiempos. Y
también Soy José Mujica… el poder está en el corazón
(Uruguay-Francia; Lucía Wainberg), que realiza un viaje
poético al centro del poder –o cómo filmar la política de
manera diferente– a través del retrato de José “Pepe”
Mujica, el histórico líder uruguayo, un revolucionario
vivo, filmado con cámara en mano en un tono íntimo y
sorprendente.
••
•
State of the Latin
American Documentary
by Carmen Guarini
For this 2014 edition of the festival we are very
happy to bring together an abundance of quality,
quantity and representativity of Latin American
documentary film. This is proof of the stunning growth
of the documentary in the region, both in subject
and treatment. This all adds to the cinematographic
language, and these stories depicting innovations
and surprises are testimony to the current state of
affairs. This is a historic moment with democracies
supporting cultural growth and debate, showing great
maturity in film production from many Latin American
countries, even those where this kind of production is
nascent. So it is very satisfying for DocBuenosAires to
be able to put together such a diverse festival with so
many countries present. It is not possible in this short
space to do justice to all these films, but we will try to
give an overview so that spectators can look further
into those films that interest them.
Andean documentary is going from strength to
strength like never before. The Death of Jaime Roldós
(Ecuador, Manolo Sarmiento and Lisandra I. Rivera)
is a two-hour film combining investigative journalism
and essay, through the use of a surprising amount of
archive footage unseen until now in Ecuador. Monte
adentro (Into the Wild) (Colombia-Argentina; Nicolás
Macario Alonso) is a work of great beauty exploring
what is left of the world of Colombian mule driver
families, a vision of the simultaneity of the worlds
within us, and which we could also contrast with
the creative freedom of The Corral and the Wind
(Bolivia, Miguel Hilari), a film made with a very small
crew, which goes in search of a personal story and
sensitively captures a community in the Lake Titicaca
area in the midst of a process of change.
From Central America we have for the first time a
Panamanian production, Majesty (Ana Endara), a
look at the other side of beauty pageants in countries
where they are a major cultural phenomenon.
The film’s vision and stories are moving, and the
humanity and perspective of its highly subtle criticism
is stunning. Nearby we find You and I (Dominican
Republic; Natalia Cabral and Oriol Estrada), an
interesting fly-on-the-wall documentary following two
women who live together but with very different roles,
the lady of the house and her maid. Conflict blossoms
and the camera is there to reveal an uncensored
story of power and ethnic and social differences on a
domestic scale. Elsewhere, Hotel Nueva Isla (CubaSpain; Irene Gutiérrez) takes us to that ever-colorful
and controversial island to show the life of a man who
spends his days holed up in the luxurious Hotel Nueva
Isla, now a shelter for homeless people, part of the
universe of the housing conflict in a society that seeks
to rebuild itself every day. In this area we can add a
recent award-winning documentary: Coffee (Mexico;
Hatuey Viveros Lavielle),which takes us to the hills
of Puebla to tell us a story of the Nahuatl people’s
survival. From the same country comes Carmita (Israel
Cárdenas, Laura Amelia Guzmán), a kind of biopic
about the unique Cuban actress Carmita Ignarra, who
at the age of 80 shows great energy, although her
memories and life are spent lamenting a frustrated
Hollywood career.
The south of the region also brings an interesting
selection. From Paraguay, a country with a scarce
film production, comes Cloudy Times (ParaguaySwitzerland; Arami Ullón), a co-production that
investigates a personal conflict over a universal
subject: old age, illness, the decisions to be made in
life. The film takes us into the privacy of the director
and her family and shows, with great discretion and
masterly control, personal conflicts with which many
of us will be able to identify. São Silvestre (Brazil; Lina
Chamie) is an experimental, sensorial documentary
that depicts an urban ritual in São Paulo: a race held
every December 31st in the Brazilian megacity.
From Chile comes a film made by the MAFI
Foundation, Propaganda, an unprecedented visual
overview of the 2013 presidential campaign in which
the current Chilean president was elected. The Waltz
(Chile-Argentina; Edison Cájas) tells, through its two
protagonists, personal stories that are part of Chilean
students’ struggle for free education in their country.
From across the River Plate comes Avant (UruguayArgentina, Juan Álvarez Neme), an observational
depiction of the resurgence of the national ballet
company led by Julio Bocca, one of the greatest ballet
dancers of all time. I am José Mujica… Power Is in
the Heart (Uruguay-France; Lucía Wainberg) takes
a poetic journey to the heart of power and gives a
lesson in how to film politics differently, through the
portrait of José “Pepe” Mujica, the historic Uruguayan
leader, a living revolutionary, filmed with a handheld
camera in a surprisingly intimate tone.
••
25
La muerte de Jaime Roldós / The Death of Jaime Roldós
ECUADOR-ARGENTINA, 2013, 125’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Manolo Sarmiento, Lisandra I. Rivera • GUIÓN/SCRIPT Manolo Sarmiento, Daniel
Andrade • PRODUCTOR/PRODUCER Manolo Sarmiento, Lisandra I. Rivera • IMAGEN/IMAGE Daniel Andrade •
MONTAJE/EDITING Manoela Ziggiatti, Sergio Venturini • SONIDO/SOUND Esteban Brauer, Juan José Luzuriaga,
Diego German Kartaszewic • MÚSICA/MUSIC Daniel Mancero • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY La Maquinita, M&S.
•
La historia del Ecuador se vio estremecida en 1981
por la muerte repentina del presidente, Jaime Roldós,
y de su esposa, Martha Bucaram, en un sospechoso
accidente de aviación. Descrito por Gabriel García
Márquez como un “presidente de corazón generoso”,
Roldós había buscado el liderazgo democrático de un
continente sometido al poder de brutales dictaduras
militares. El film examina sus dos muertes: la probable
conspiración generada por su política de defensa de
los derechos humanos en el continente y el drama
shakespeariano de sus tres hijos, enfrentados a la manipulación de la imagen de sus padres por un partido
populista creado por miembros de su propia familia.
Tras treinta años de silencio, combinando periodismo
de investigación y ensayo cinematográfico, el film nos
lleva a descubrir un capítulo desconocido y sorprendente de la historia de América Latina que resuena
profundamente en el presente.
••
26
•
The history of Ecuador was shaken in 1981 by the
sudden death of Jaime Roldós and his wife, Martha
Bucaram, in a suspicious plane crash. Described
by Gabriel García Márquez as a “president with a
generous heart,” Roldós had sought the democratic
leadership of a continent that was subject to the
power of brutal military dictatorships. The film
examines his two deaths: the probable conspiracy
generated his policy of human rights advocacy in the
continent and the Shakespearean drama of his three
children, faced with the manipulation of the image of
their parents by a populist party created by members
of their own family. After thirty years of silence,
combining investigative journalism and film essay,
the documentary leads us to discover a surprising and
unknown chapter in the history of Latin America that
resonates deeply in the present.
••
El corral y el viento / The Corral and the Wind
BOLIVIA, 2014, 55’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Miguel Hilari • PRODUCTOR/PRODUCER Miguel Hilari • MONTAJE/EDITING Miguel
Hilari • SONIDO/SOUND Lluvia Bustos • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY NairaCine, Cinemateca Boliviana, Color
Monster.
•
“En otros tiempos, los primeros hombres salieron de
las aguas del lago Titicaca. Mucho después, mi abuelo
Pedro Hilari, un aymara, fue encerrado en un corral de
burros por querer aprender a leer y escribir español.
De mi abuelo no existen fotos y yo no lo he conocido. Por su voluntad de leer y escribir en español, de
mandar a sus hijos a la escuela, existe mi familia de
la manera en la que existe hoy. Santiago de Okola
como era en los tiempos de mi abuelo ya no existe. Si
bien la comunidad es el lugar donde se mantienen las
tradiciones, también es un lugar de transformaciones
veloces. Quiero filmar a la comunidad en su proceso
de alteración, volviéndose otra. A través de esta
película me interesa acercarme a la memoria presente
de mi abuelo. Me interesa descubrir su influencia en
la vida cotidiana de sus hijos. Al buscar a mi abuelo,
también me busco yo” (Miguel Hilari).
••
•
“A long time ago, the first men emerged from the
waters of Lake Titicaca. Much later, my grandfather
Pedro Hilari, an Aymara, was locked up in the donkey
corral for wanting to learn to read and write Spanish.
There are no photos of my grandfather and I never
met him. Because of his will to read and write in
Spanish, to send his children to school, he lives on in
my family today. The village of Santiago de Okola no
longer exists as it did in my grandfather’s day. While
the community is the place where traditions are
maintained, it is also a place of rapid transformations.
I want to film the community in its process of change,
becoming something else. Through this film I am
interested in getting closer to the present memory
of my grandfather. I am interested in discovering
his influence on the everyday life of his children. In
searching for my grandfather, I am also searching for
myself” (Miguel Hilari).
••
27
El tiempo nublado / Cloudy Times
PARAGUAY-SUIZA/SWITZERLAND, 2014, 92’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Arami Ullón • GUIÓN/SCRIPT Arami Ullón • PRODUCTOR/PRODUCER Pascal Trächslin,
Arami Ullón • IMAGEN/IMAGE Ramòn Giger • MONTAJE/EDITING Mirjam Krakenberger •
SONIDO/SOUND Jean-Pierre Gerth, Oswald Schwander • MÚSICA/MUSIC Marcel Vaid • PRODUCIDA POR/
PRODUCED BY Cineworx Filmproduktion GmbH, Arami Ullon.
•
Desde que Arami tiene memoria, su madre sufre de
epilepsia y Parkinson. Como única hija de un padre
ausente, Arami tuvo que hacerse responsable de sí
misma y de su madre desde muy pequeña. Desde hace
algunos años, ella intenta construir su propia felicidad
en Suiza, donde vive con su pareja, Patrick. Su madre
sigue viviendo en Paraguay con Julia, una cuidadora sin
preparación adecuada para la tarea, que se ocupa de
ella durante todo el día a cambio de un salario modesto.
Sin embargo, la salud de su madre se está deteriorando
cada vez más. Julia ya no puede hacer frente a la situación y quiere dejar su trabajo. Ya que nadie, excepto
Arami, puede cuidar de su madre, ella debe regresar al
Paraguay. ¿Será capaz de encontrar una solución a la
situación, en un país donde el cuidado de las personas
mayores es dejado principalmente en manos de sus familiares? ¿Deberá renunciar a su propia vida en Europa
y volver junto a su madre? El tiempo nublado es una
película sumamente personal sobre un tema universal
que todos tendremos que enfrentar: ¿qué haremos con
nuestros padres, cuando estén viejos y enfermos?
••
28
•
For as long as Arami can remember, her mother suffers
from epilepsy and Parkinson’s disease. As the only
child of an absent father, Arami had to be responsible
for herself and her mother at a very young age, what
proved to be a very demanding situation. Then, several
years ago, she could somehow cut the cord, as she
found her own happiness in Switzerland, where she is
living with her partner Patrick. Her mother is still living
in Paraguay and Julia, an untrained help, cares for her
around the clock for a modest salary. However, her
mother’s health is increasingly deteriorating. Julia can
no longer cope with the situation and wants to quit
her job. Since no one except Arami can look after her
mother, she has to return to Paraguay. Will she be able
to find a solution for her mother in a country where
the caretaking of the elderly is mainly up to their
relatives? And if so, should she give up her happiness
in Europe and go back to her mother? Cloudy Times is
a supremely personal film about a universal issue we
all have to face: What are we going to do with our
parents, once they are old and ill?
••
Reinas / Majesty
Fotos cortesía de Mansa Productora
PANAMÁ/PANAMA, 2013, 65’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Ana Endara Mislov • PRODUCTOR/PRODUCER Pilar Moreno, Ana Endara Mislov •
IMAGEN/IMAGE Ana Endara Mislov, Francisco Málaga, Raphael Salazar • MONTAJE/EDITING Víctor Mares •
SONIDO/SOUND Carlos Urriola • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Mansa Productora.
•
Una niña de kínder, una cajera de supermercado y una
anciana en un asilo tienen algo en común: quieren ser
reinas. No quieren ganar un concurso de belleza; los
reinados son otra cosa. En Panamá hay una corona
para quien la sueñe; un país sin monarquía oficial
lleno de reinas. Una exploración crítica y a la vez afectuosa de un fenómeno nacional de mucha tradición,
Reinas nos lleva al mundo espectacular, estresante y
a veces bizarro de los reinados. Como parte integral
del folclore panameño, las reinas simbolizan el lado
festivo del espíritu colectivo del pueblo de este istmo,
pero también promueven una idea de lo femenino que
no deja de ser insoluble y preocupante.
••
•
A pre-school girl, a supermarket cashier and a woman
living in a home for the elderly have something in
common: they all want to be queens. They don’t want
to win a beauty pageant, “queen ceremonies” are a
different thing. In Panama, a country with no official
monarchy but full of queens, there is a crown for
anyone who dreams about it. A playful yet critical
exploration of a singularly Panamanian phenomenon,
Majesty ushers us into the spectacular, strange and
stressful world of queen ceremonies. An integral
part of Panamanian folklore, our queens symbolize
the festive aspect of our national spirit. But they also
promote a very particular, potentially troubling idea of
womanhood.
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29
Tú y yo / You and Me
REPÚBLICA DOMINICANA/DOMINICAN REPUBLIC, 2014, 87’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Natalia Cabral, Oriol Estrada • GUIÓN/SCRIPT Natalia Cabral, Oriol Estrada •
PRODUCTOR/PRODUCER Natalia Cabral, Oriol Estrada • IMAGEN/IMAGE Oriol Estrada • MONTAJE/EDITING Oriol
Estrada • SONIDO/SOUND Natalia Cabral, Oriol Estrada • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Faula Films.
•
La Doña, una viuda de unos 70 años, y Aridia, una
joven criada, viven juntas en un pequeño apartamento
lleno de orquídeas en el centro de Santo Domingo.
Aridia limpia la casa, la Doña trabaja en su jardín y,
cuando no hay mucho trabajo, comparten chismes
sobre el vecindario. Pero, a veces, el ambiente se
torna tenso: la Doña se despierta de mal humor,
culpa a Aridia y, cuando ésta intenta defenderse, le
recuerda “cuál es su lugar”. Se enojan y no se dirigen
la palabra. Pero las horas pasan, la telenovela aparece
en la televisión, algo sucede en el vecindario y, de la
nada, la Doña y Aridia se acercan, y terminan el día
compartiendo algunas risas. La película es una excusa
para observar de cerca una relación, para percibir lo
que sucede cuando las fronteras parecen diluirse en
un lugar donde la diferencia de clase y la raza permanecen arraigadas en la cultura..
••
30
•
La Doña, an old widow, and Aridia, a young maid, live
together in a house filled with orchids in the center
of Santo Domingo. Aridia cleans La Doña’s gardens,
and when work is slow, they can share some gossip.
But sometimes, the atmosphere gets tense: La Doña
wakes up grumpy, she blames Aridia and when Aridia
tries to defend herself, La Doña has to remind her
“where her place is”; in time, they end up not talking
to each other. But the hours pass by, the soap appears
on TV, something happens in the neighborhood, and,
out of nowhere, La Doña and Aridia come close again,
ending the day sharing some laughs. The film is an
excuse to watch their relationship closely, to perceive
what happens when the border seem to diffuse itself
in a place where difference of social class and race
remain deep in the culture.
••
São Silvestre
BRASIL/BRAZIL, 2013, 80’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Lina Chamie • GUIÓN/SCRIPT Lina Chamie • PRODUCTOR/PRODUCER Denise Gomes,
Paula Cosenza • IMAGEN/IMAGE José Roberto Eliézer • MONTAJE/EDITING Umberto Martins • SONIDO/
SOUND Lina Chamie, Eduardo Santos Mendes, Luiz Adelmo • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Bossa Nova Films,
Girafa Filmes.
•
La carrera de São Silvestre, que se realiza cada 31 de
diciembre en San Pablo, es un evento muy importante
del calendario runner. Y un hito anual en la megaurbe
brasileña. Ésta es una película sobre competir, sobre
el entrenamiento y el corredor, sobre la multitud, sobre
el urbanismo, la arquitectura y la experiencia urbana,
y sobre el cansancio: pocas veces en el cine hemos
estado tan cerca, o incluso –mediante un trabajo
sonoro de especial relevancia y brillo– en el cuerpo de
los deportistas. Respiramos y latimos con ellos, en una
propuesta deportiva, urbana y experimental que cuenta y a la vez describe de forma intensa e inmersiva.
••
•
The São Silvestre race takes place every 31 December
in São Paulo and is a very important event in the
running calendar, as well as a high point of the
year in this Brazilian mega-city. This is a film about
competing, about training and the runner, about the
crowd, about city planning, architecture, the urban
experience, and about fatigue: very rarely has a film
come so close to, or even, through its especially
relevant and brilliant sound work, inside the bodies of
the athletes. We breathe with them, our hearts beat
with theirs, in a sporting, urban and experimental
idea that recounts and describes the race intensely,
immersing us in it.
••
31
Café / Coffee
MÉXICO/MEXICO, 2014, 80’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Hatuey Viveros Lavielle • GUIÓN/SCRIPT Mónica Revilla, Hatuey Viveros Lavielle •
PRODUCTOR/PRODUCER Carlos Hernández Vázquez, Hatuey Viveros Lavielle • IMAGEN/IMAGE Hatuey Viveros
Lavielle • MONTAJE/EDITING Pedro García • SONIDO/SOUND Axel Muñoz Barba • PRODUCIDA POR/PRODUCED
BY Aldea Cine, Foprocine.
•
Jorge vive en una comunidad náhuatl ubicada en la
sierra de Puebla. Este año termina de estudiar derecho
y piensa salir en busca de su desarrollo profesional;
sin embargo, sabe que eso implica dejar atrás a su
familia y a la comunidad a la que ha tratado de ayudar.
Jorge ha decidido esperar a que toda la familia se
reúna, tal como lo marca la tradición, en el segundo
aniversario luctuoso de su padre, para tomar una
decisión.
••
32
•
Jorge lives in a Nahuatl community in the mountains
of Puebla. This year he will finish studying law and is
thinking of leaving to pursue a professional career;
however, he knows that would mean leaving behind
his family and the community he has been trying to
help. Jorge decides to wait until the family gathers on
the second anniversary of his father’s death, according
to tradition, to make his decision.
••
Carmita
MÉXICO/MEXICO, 2013, 75’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Israel Cárdenas, Laura Amelia Guzmán • GUIÓN/SCRIPT Laura Amelia Guzmán, Israel
Cárdenas • PRODUCTOR/PRODUCER Israel Cárdenas, Laura Amelia Guzmán, Benjamín Domenech, Santiago
Gallelli • IMAGEN/IMAGE Israel Cárdenas • MONTAJE/EDITING Israel Cárdenas, Theo Court, Benjamín Domench •
SONIDO/SOUND Alejandro de Icaza, Israel Cárdenas • MÚSICA/MUSIC Alejandro de Icaza, Israel Cárdenas •
PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Aurora Dominicana, Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes.
•
A sus 80 años, la actriz cubana Carmita Ignarra tiene
energía suficiente para aparecer en la televisión local
de Monterrey, estar al tanto de sus fans y deslizar
quejas sobre su ex marido, quien le arruinó el sueño
de una posible carrera en Hollywood. Laura, una joven
caribeña, la visita con la intención de limpiar la casa
y hacer un documental sobre su frustrada carrera
hollywoodense. Esa visita inesperada nos permite asomarnos a su mundo anclado a los recuerdos dorados
de una época.
••
•
At the age of 80, the Cuban actress Carmita Ignarra
has enough energy to appear on local television in
Monterrey, keep up with her fans and slip out some
complaints about her ex-husband, who ruined her
dream of Hollywood career. Laura, a young Caribbean
girl, visits her with the intention of cleaning her house
and making a documentary about her frustrated
Hollywood career. This unexpected visit allows us a
glimpse of her world of gilded memories of another
era.
••
33
Propaganda
CHILE, 2014, 61’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Christopher Murray, Israel Pimentel, Maite Alberdi, María Paz González, Ignacio Rojas,
Antonio Luco, Adolfo Mesías, Juan Francisco González, Valeria Hofmann, Fernando Lavanderos, Carlos Araya,
Jeremy Hatcher, Simón Vargas, Pelayo Lira, Felipe Azúa, Orlando Torres • GUIÓN/SCRIPT Maite Alberdi, Antonio
Luco, Christopher Murray • PRODUCTOR/PRODUCER Diego Pino Anguita • IMAGEN/IMAGE Adolfo Mesías,
Jeremy Hatcher, Victoria Jensen, Diego Lazo • MONTAJE/EDITING Andrea Chignoli • SONIDO/SOUND Sebastián
Arjona, Carlo Sánchez, Camila Pruzzo, Andrés Zelada • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Fundación MAFI.
•
Propaganda es un seguimiento de la campaña presidencial chilena 2013, en medio del descontento social
más importante de los últimos años. Una caravana de
un solo auto cruza el desierto, una bandera de protesta cubre toda la Alameda, un candidato copuchea
sobre las encuestas en un camarín. Propaganda propone un viaje visual por los rincones más singulares de
la elección, invitando a reflexionar sobre la compleja
relación entre clase política y ciudadanía, a través de
la mirada de distintos realizadores del país.
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34
•
Propaganda follows the 2013 Chilean presidential
campaign, amid the greatest social unrest in recent
years. A one-car convoy crosses the desert, a protest
flag covers the length of La Alameda, a candidate
gossips about polls in a dressing room. Propaganda is
a visual journey through the more remarkable aspects
of the election, inviting us to reflect on the complex
relationship between the political class and citizens,
through the perspective of different Chilean directors.
••
Avant
URUGUAY-ARGENTINA, 2014, 90’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Juan Álvarez Neme • PRODUCTOR/PRODUCER Virginia Bogliolo • IMAGEN/IMAGE Juan
Álvarez Neme • MONTAJE/EDITING Juan Álvarez Neme • SONIDO/SOUND Daniel Yafalián, Rafael Álvarez •
MÚSICA/MUSIC Daniel Yafalián • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Tarkiofilm, Trivialmedia.
•
Una olvidada compañía nacional de ballet que habita
un teatro todavía en construcción se ve revolucionada
con la llegada de Julio Bocca, uno de los mejores
bailarines de ballet de todas las épocas. Tras su retiro
profesional y buscando encontrar un nuevo lugar en el
mundo de la danza, Bocca asume el desafío de dirigir
esta compañía y proyectarla a un nivel de competencia
internacional.
En esta empresa deberá poner su nombre en juego
para enfrentar los dilemas entre arte y gestión en una
estructura estatal altamente burocratizada.
Una bailarina en ascenso protagoniza junto a Bocca
este proceso donde los detalles están al mismo nivel
que las grandes decisiones.
“Avant” es el retrato de un cambio.
Mediante la contemplación del funcionamiento y la
cotidianeidad de esta compañía, la película explora
este espacio en construcción, ambientado en una
escenografía en constante metamorfosis que sirve
de marco del diario vivir de bailarines, obreros de
la construcción, técnicos y limpiadoras, ofreciendo
una mirada sobre quiénes somos a través de lo que
hacemos.
••
•
After retiring as a professional dancer, Julio Bocca,
one of the most famous ballet dancer ever, accepts
the challenge to direct a forgotten national ballet in its
unfinished theatre.
Avant explores the contrast between Bocca ́s quest
for excellence and the daily life of this company, set in
a changing scenery that frames the lives of dancers,
workers, cleaners and technicians.
An upcoming dancer become with Bocca the
protagonists of this process in which details are as
important as big decisions.
Avant explores this space under construction through
the observation of its daily routine in a changing
scenery that frames the lives of dancers, workers,
technicians and cleaners. The film is the portrayal of a
change which provides a view on who we are through
what we do.
••
35
Monte adentro
COLOMBIA-ARGENTINA, 2014, 79’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Nicolás Macario Alonso • GUIÓN/SCRIPT Nicolás Macario Alonso • PRODUCTOR/
PRODUCER Heike Maria Fischer, Nicolás Macario Alonso • IMAGEN/IMAGE Mauricio Vidal • MONTAJE/
EDITING Felipe Guerrero • SONIDO/SOUND Miller Castro, José R. Jaramillo, Lena Esquenazi • MÚSICA/
MUSIC Alejandro Ramírez Rojas • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Flor de Producciones, Señal Colombia.
•
Dos hermanos de una familia de muleros colombianos
llevan vidas muy diferentes: uno se fue a la ciudad
para cuidar a su madre enferma, mientras que el otro
se quedó en la casa familiar para seguir con el oficio.
Se encuentran para una expedición final, que recuerda
mucho a Fitzcarraldo. Monte adentro es una película
impregnada de la belleza del paisaje y la energía de
los cuerpos trabajando, que explora el universo de una
de las últimas familias muleras de Colombia. El documental sigue el tren de mulas de dos hermanos, “los
gitanos”, por las montañas de la provincia de Caldas,
mientras, igual que su padre y su abuelo, tratan de
mantener a la familia a pesar de la falta de trabajo
para esta profesión.
••
36
•
Two brothers from a family of Colombian mule drivers
lead very different lives: one has headed to the city
to care for his sick mother, while the other has stayed
behind in the family house to pursue the profession.
They meet for a final expedition very reminiscent of
Fitzcarraldo. A film permeated with the beauty of
scenery and the energy of bodies at work, Monte
adentro explores the universe of one of the last
muleteer families in Colombia. The documentary
follows the mule train of two brothers, “the Gypsies,”
through the mountains of Caldas province, while they,
despite the shortage of work for this profession, try to
support the family, as their father and grandfather did.
••
Hotel Nueva Isla
ESPAÑA/SPAIN-CUBA, 2014, 71’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Irene Gutiérrez • GUIÓN/SCRIPT Irene Gutiérrez, Javier Labrador, Lorenzo Mora •
PRODUCTOR/PRODUCER Jose Alayón, Claudia Calviño • IMAGEN/IMAGE Javier Labrador • MONTAJE/
EDITING Manuel Muñoz • SONIDO/SOUND Sergio Fernández • MÚSICA/MUSIC Carlos García • PRODUCIDA POR/
PRODUCED BY El Viaje Film.
•
Jorge pasa sus días encerrado en lo que era el lujoso
Hotel Nueva Isla, actualmente convertido en un
refugio para personas sin techo. Pero el tiempo y el
abandono transformaron el lugar en una ruina donde
es peligroso vivir, y los pocos vecinos que quedan dejarán gradualmente solo a Jorge, quien se aferra a un
universo que él mismo construyó. Cuando el desalojo
es inminente, Jorge sabe que después de eso no solo
llegará la demolición del hotel, sino también el fin de
un modo de vida y de una época en Cuba. Abandonado por su mujer e hijos, como un Quijote olvidado y
perdido, la única motivación de Jorge es continuar una
búsqueda que realiza durante años: excavar las peligrosas ruinas del hotel porque está convencido de que
sus antiguos dueños ocultaron allí objetos valiosos
antes de huir de la Revolución Cubana.
••
•
Jorge spends his days locked in what was the
luxurious Hotel Nueva Isla, currently turned into a
shelter for homeless people. But time and neglect
have transformed it into a ruin place where it is
dangerous to live in, and the few remaining neighbors
will gradually leave Jorge alone, clinging to a
universe that he has built. When the evacuation is
imminent, Jorge knows that after it not only comes
the demolition of the hotel, but also the end of a way
of life, of an era in Cuba. Abandoned by his wife and
children, Jorge’s only motivation, like a Don Quixote
forgotten and gone astray, is to continue a quest he’s
followed for years: dig among the dangerous ruins
of the hotel, where he is convinced that the former
owners hid valuable objects before fleeing the Cuban
Revolution.
••
37
Soy José Mujica… el poder está en el corazón /
I’am José Mujica… Power Is in the Heart
URUGUAY-FRANCIA/FRANCE, 2013, 52’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Lucía Wainberg • PRODUCTOR/PRODUCER Lucía Wainberg.
•
Un viaje poético al corazón del poder, o cómo filmar
la política de manera diferente; una mirada sensible
sobre el devenir de la democracia. Esta película traza
un retrato de José “Pepe” Mujica, el histórico líder
uruguayo, un revolucionario vivo, captado con cámara
en mano en un tono íntimo y sorprendente. Una
entrevista personal que se transforma en un mensaje
universal para el futuro. Inspirada por el texto de
Hanna Arendt “¿La política todavía tiene sentido?”,
una joven interroga el devenir de la democracia con
su mirada. El presidente iconoclasta planta su visión
para enfrentar el nuevo milenio con creatividad. Un
documento precioso, realizado en el curso de los
últimos ocho años.
••
38
•
A poetic journey to the heart of power, or how to film
politics differently; a sensitive look at the future of
democracy. This documentary paints the portrait of José
“Pepe” Mujica, the historic Uruguayan leader, a living
revolutionary, filmed with a hand-held camera, with a
surprisingly intimate tone; a personal interview that
becomes a universal message for the future. Inspired
by Hannah Arendt’s text “La politique a-t-elle encore
un sens?” a young woman questions the future of
democracy from her own perspective. The iconoclastic
president sets out his vision for facing the new
millennium creatively. An invaluable documentary, made
over the course of the last eight years.
••
El vals de los inútiles / The Waltz
CHILE-ARGENTINA, 2013, 80’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Edison Cájas • GUIÓN/SCRIPT Edison Cájas • PRODUCTOR/PRODUCER Tomás Gerlach,
Fernando Domínguez, Rodrigo López • IMAGEN/IMAGE Edison Cájas • MONTAJE/EDITING Melisa Miranda, Edison
Cájas • SONIDO/SOUND Alejandro Seba, Jerónimo Kohn • MÚSICA/MUSIC Pablo Grinjot • PRODUCIDA POR/
PRODUCED BY Cusicanqui Films, La Pata de Juana.
•
Darío es estudiante en el Instituto Nacional. Miguel
Ángel es un profesor de tenis exitoso. Durante la movilización social que estalla en 2011 en Chile, ambos
deciden correr junto a miles de personas alrededor del
Palacio de Gobierno, La Moneda, demandando educación gratuita y de calidad. La experiencia los llevará
a replantear sus vidas y enfrentar los fantasmas y
temores del pasado, en medio de un país convulsionado y en busca de identidad.
••
•
Darío is a student at the National Institute. Miguel
Ángel is a tennis instructor. During the social
mobilization that explodes in 2011 in Chile, both
decide to run with thousands of people around the
government palace, La Moneda, demanding free and
quality education for Chile. The experience will take
them to rethink their lives and confront ghosts of the
past amid a troubled country looking for identity
••
39
•
03
Selección argentina
Argentine Selection
•
Selección argentina
por Carmen Guarini
42
En esta nueva edición del DocBuenosAires nos damos
el gusto de presentar una selección de documentales argentinos de una calidad poco frecuente y una
duración aleatoria. Cantidad no es calidad. De esa
forma, sin ningún plan, hemos descubierto películas,
algunas de las cuales fueron vistas en otros festivales,
pero nos pareció que era imprescindible situarlas en el
contexto de nuestra selección de este año.
La última obra del director Martín Solá, Hamdan
(quizás el realizador con más experiencia de todos)
tiene, además, una singularidad: podría considerarse
como la primera coproducción argentino-palestina.
Ya de por sí un acontecimiento, al que se le suma una
interesante propuesta estética para narrar la historia
de uno de los tantos protagonistas de esta dolorosa y
desigual guerra que vive el pueblo palestino.
Por su parte, La caja de arriba del ropero, de Lucía Riera relata, en un registro que reúne fotografía, memoria
y actualidad, la vida de un inmigrante suizo del siglo
XIX y de un lugar llamado San Rafael, en Mendoza.
Combina sencillez y sorpresa, llevando al espectador
a asomarse a un pasado común a tantos otros pueblos
de la región, pero siempre único.
Los cortometrajes seleccionados dejan muy alto el honor de la producción nacional en este formato, ya que
tanto La reina, de Manuel Abramovich, como Huyendo
del tiempo perdido, de Cinthia Rajschmir, y Potosí al
3800, de Ignacio Leonidas, son ciertamente hallazgos
narrativos, cada uno en su estilo. Historias pequeñas
de situaciones conocidas que trasuntan una particular
sensibilidad de la mirada y del punto de vista con que
son construidas. Con gran sutileza fotográfica y un
seguimiento sorprendente de sus protagonistas, estos
cortos nos hablan de la madurez de sus directores,
que, aunque jóvenes, prometen sorprendernos mucho
más en el futuro.
••
•
Argentine Selection
by Carmen Guarini
At this new edition of DocBuenosAires, we are
pleased to present a selection of Argentine
documentaries of an uncommon quality and random
duration. Quantity is not quality. So it is that, without
any kind of plan, we have discovered films, some of
which have been seen at other festivals, but which
we thought essential to place in the context of our
selection for this year.
Hamdan, the latest offering by Martín Solá (perhaps
the most experienced director of all these), also
has one quirk: it could be considered the first ever
Argentine-Palestine co-production. This in itself is an
event, to which is added an interesting aesthetic idea
to tell the story of one of the many people involved in
this painful and unequal war that the Palestine people
are living through.
Lucía Riera’s Box above the Wardrobe tells its story in
a register combining photography, memoir and current
affairs, the life of a 19th-century Swiss immigrant and
of a place called San Rafael, in Mendoza. The film
unites simplicity and surprise, leading the viewer to
peer into a story common to so many other towns in
the region, but always unique.
The selected shorts do justice to the honor of
Argentine short film production. Manuel Abramovich’s
The Queen; Cinthia Rajschmir’s Fleeing Lost Times,
and Ignacio Leonidas’s 3800 Potosí Street are, each
in their own way, certainly finds in narrative terms.
Little stories of recognizable situations that exude
a particular sensitivity in the perspective and point
of view in which they are constructed. With great
photographic subtlety and a remarkable depiction of
the protagonists, these shorts speak volumes about
the maturity of their directors who, though young,
promise to wow us again in the future.
••
43
Hamdan
ARGENTINA - PALESTINA/PALESTINE - NUEVA CALEDONIA/NEW CALEDONIA, 2013, 75’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Martin Solá • GUIÓN/SCRIPT Ali Mahmoud Hamdan Sefan, Martín Solá • PRODUCTOR/
PRODUCER Jean François Corral, René Boutin • IMAGEN/IMAGE Gustavo Schiaffino • MONTAJE/EDITING Martín
Solá, Alejandro Nantón, Lucas Peñafort • SONIDO/SOUND Jonathan Darch, Omar Mustafá • PRODUCIDA POR/
PRODUCED BY Association aboro Anuu-RU.
•
Hamdan es un antiguo líder palestino que permaneció
quince años encerrado en las viejas prisiones israelíes. En 1973, mientras vivía en Siria, recibió la misión
de pasar explosivos a través de la frontera y entrenar
a una persona de su confianza. El elegido fue Omar,
un vecino de su pueblo. Luego de dos meses, Omar se
adelantó sin respetar el objetivo original de la misión
e hizo detonar una bomba en un autobús. La investigación llegó hasta Hamdan, quien fue encarcelado.
La película reconstruye a través de sus memorias los
preparativos de la misión y los años de cárcel.
••
44
•
Hamdan is a former Palestinian leader who was
detained in the old Israeli prisons for 15 years. In
1973, whilst living in Syria, he received the mission of
transporting explosives over the border and training
someone he could trust. The man he chose was Omar,
a neighbor from his village. After two months, Omar
went ahead early, without respecting the original aim
of the mission, and detonated a bomb on a bus. The
investigation led to Hamdan, who was imprisoned.
Through his memories the film reconstructs the
preparations for the mission and his years in jail.
••
La caja de arriba del ropero / Box above the Closet
ARGENTINA, 2014, 60’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Lucía Riera • GUIÓN/SCRIPT Lucía Riera • PRODUCTOR/PRODUCER Bernardo Blanco •
IMAGEN/IMAGE Bernardo Blanco • MONTAJE/EDITING Lucía Riera • SONIDO/SOUND Martín Quinzio • MÚSICA/
MUSIC Abelardo Saravia • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY El Ojo y la Oreja.
•
Un comerciante suizo llega a la Argentina en 1896.
En el barco le hablan del mapa de un tesoro y parte
hacia la cordillera. Se queda a vivir en San Rafael,
Mendoza, porque se enamora de su luz. Se convierte
en el fotógrafo del pueblo y registra el nacimiento de
la ciudad. ¿Dónde están esas fotografías? ¿Quiénes
las tienen? Este documental es un collage hecho de
memoria y de presente. Las fotografías de Juan Pi,
junto con la mirada del equipo que realiza el documental, componen una imagen de un lugar llamado
San Rafael.
••
•
A Swiss merchant travels to Argentina in 1896.
In the ship someone tells him about a treasure map
and he goes straight to the cordillera. He decides to
stay in San Rafael because he feels very attracted
to its light. He becomes the town photographer and
creates a register of the city development. Where are
those photographs? Who has them? This documental
is a collage made of memory and present. Juan Pi’s
photographs, along with the documental team sight,
create a picture of this place called San Rafael.
••
45
La reina / The Queen
ARGENTINA, 2013, 19’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Manuel Abramovich • PRODUCTOR/PRODUCER Daniela Raschcovsky • IMAGEN/
IMAGE Manuel Abramovich, Juan Renau • MONTAJE/EDITING Iara Rodríguez Vilardebó • SONIDO/SOUND Sofía
Straface • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Salomón Cine.
•
“Su traje es blanco y marrón y lleva un casco de
cuatro kilos. Le tuvieron que sacar peso porque no lo
soportaba. Se le caía la cabeza. Pero ahora no quiere
que le saquen más porque está preciosa”.
••
46
•
“Her crown is so heavy, they had to remove weight
from it. She couldn’t carry it. It would fall off her head.
But now she doesn’t want anything else to be done
with it because she looks so pretty.”
••
Huyendo del tiempo perdido / Fleeing Lost Times
ARGENTINA, 2014, 7’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Cinthia V. Rajschmir • GUIÓN/SCRIPT Cinthia V. Rajschmir • PRODUCTOR/
PRODUCER Cinthia V. Rajschmir • IMAGEN/IMAGE Santiago Mouriño • MONTAJE/EDITING Cinthia Rajschmir,
Santiago Mouriño, Brian Bendersky • SONIDO/SOUND Santiago Mouriño • MÚSICA/MUSIC Horacio Straijer.
•
Roberto es un calesitero. Todos los días hace funcionar una máquina que al girar define el movimiento de
los niños sobre su plataforma, al mismo tiempo que
los convoca a volar con su imaginación. Su calesita es
parte de la vida de muchas generaciones, de padres y
abuelos que han visto a sus hijos crecer y transformarse. Su historia habla del tiempo que pasa y no vuelve.
De los cambios, pero también de las permanencias, y
de la lucha del hombre por mantener vivos los vestigios de una cultura y una sociedad que pareciera estar
condenada a desaparecer.
••
•
Roberto is a “calesitero”—a merry-go-round owner.
Every day he starts a machine that rotates, defining
the movement of the children on its platform, but
at the same time inviting them to fly with their
imagination. The merry-go-round integrates the lives
of many generations of parents and grandparents
who have seen their children grow and develop. His
story talks about the time that goes by and cannot
be recaptured. It talks about changes, but also about
things that remain, and about man’s fight to keep alive
the traces of a culture and a society that seems to be
doomed to disappear.
••
47
Potosí al 3800 / 3800 Potosí Street
ARGENTINA, 2014, 16’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY León Leonidas • GUIÓN/SCRIPT León Leonidas • IMAGEN/IMAGE León Leonidas.
•
Temprano, al caer la noche, los sonidos de los pájaros
no son lo que solían ser, pues ya no se escuchan.
Sierras, martillos y otras herramientas despiertan a
los vecinos en una ciudad que se alimenta de quienes
vienen de lejos, a construir, a trabajar el día a día. La
convivencia de trabajadores y vecinos que comparten
los espacios de una ciudad que se transforma como
un organismo vivo. Una construcción y destrucción
constante. Los ruidos y la incapacidad de escuchar
nuestras voces.
••
48
•
Early, at nightfall, the birdsong isn’t what it used
to be as it can no longer be heard. Power saws,
hammers and other tools wake the inhabitants in a
city that feeds off those who come from afar to build,
to work day after day. The cohabitation of laborers
and neighbors who share the spaces of a city that
becomes a living being. Constant construction and
destruction. The noise and inability to hear our own
voices.
••
•
04
El Túnel del Tiempo
The Time Tunnel
•
El Tunel del Tiempo
por Luciano Monteagudo
Si hay algo que distingue al documental pensado
originalmente para el cine del material forjado para
la televisión, es su utilización del tiempo. Mientras el
documental para TV, por valioso e interesante que sea,
suele limitarse a la contingencia, a la información pura
y dura, a la investigación o, sencillamente, al mero
reportaje, hay otro tipo de documental que necesita
de la introspección de la sala oscura y que ha sido
concebido sin ninguna urgencia. Por el contrario, juega
con el tiempo a su favor, se permite desarrollar un
proyecto a veces durante años, e incluso décadas.
Y si hay una cineasta que ha hecho de este método
de trabajo casi un credo es la checa Helena Třeštíková
(Praga, 1949). El año pasado, el DocBuenosAires
exhibió de ella la extraordinaria Universo privado
(2012), que seguía la pequeña gran historia del hijo
de una familia amiga, desde su nacimiento, en 1974,
en pleno período socialista, hasta nuestros días,
38 años después, cuando ya habían caído todos los
muros y certezas. Ahora, en Vojta Lavicka: altibajos,
presente en esta nueva edición del DocBuenosAires,
Třeštíková vuelve a dar fe de su singularísimo método.
Esta vez se sumerge en los trabajos y los días de
Vojta, un muchacho checo de origen rom o gitano,
durante los últimos 16 años de su vida. Como es
evidente, Třeštíková va desarrollando varios proyectos
de manera simultánea, hasta que decide cuál de sus
50
materiales ha levado lo suficiente como para sacarlo
del horno. En este caso, la directora ya tenía imágenes
de Vojta de cuando era adolescente y la República
Checa daba sus primeros pasos fuera de la órbita
socialista. Y es de crecer y madurar y tropezarse con
la vida de lo que trata su nueva película. El hecho de
ser rom en tiempos de xenofobia y racismo creciente
en Europa es también toda una línea del film, en la
medida en que Vojta está orgulloso de su origen y su
cultura gitana, pero no quiere emigrar a Canadá, como
lo hace parte de su familia, o dejar de ser checo, que
también es parte indeleble de su identidad.
De identidad y migraciones también trata Perdido
en tierras salvajes (Lost in the Bewilderness), de la
directora grecoestadounidense Alexandra Anthony.
Filmada a lo largo de casi 30 años, con todo tipo de
formatos y texturas –del Súper 8 al digital, pasando por el 16 mm– la película de Anthony sigue la
fascinante historia de Lucas, el hijo de su primo
Orestes, secuestrado por su propia madre cuando
apenas tenía cinco años, para desesperación de toda
la familia, que dio parte no solo a la policía local,
sino también a Scotland Yard e Interpol, sin resultado
alguno. Narrado en una tenue voz en off en primera
persona del singular por la propia directora, que como
una hija de Cronos va hilando la historia familiar con
los clásicos mitos griegos, el documental de Anthony
tiene como morada y eje dramático la cálida casa de
sus abuelos en Nea Smyrni, un suburbio residencial en
las afueras de Atenas. Pero también se traslada a los
Estados Unidos, donde Orestes reencuentra a Lucas
once años después, cuando ya es un adolescente y ni
siquiera recuerda el rostro de su padre. “Como decía
mi madre –susurra la directora desde la banda de
sonido–, el tiempo es el gran domador de todas las
cosas y siempre corre al galope por delante nuestro.
Lo único que nos queda son las historias, que nosotros
convertimos en mitos”.
En los otros documentales de esta sección, el transcurso del tiempo juega de manera diferente: tanto
el corto griego El nudo corredizo como el argentino
Salers tienen –cada uno a su modo– a la memoria
como protagonista. ¿Qué son los recuerdos, de qué
materia están hechos, hasta qué punto el cine puede
conjurarlos?, parecen preguntarse ambos films.
Pinochet y sus tres generales es un caso aparte, una
cápsula temporal, una película nacida en 1977 y que
cobró forma recién casi tres décadas más tarde para
abrir una extraña brecha en el tiempo, que permite
asomarse a un auténtico museo teratológico: una
suerte de Jurassic Park donde unos peligrosos dinosaurios –el dictador chileno y su junta militar– vuelven
a cobrar vida y, bajo el disfraz de una apacible vida
familiar y cultural, no alcanzan a ocultar el sangriento
filo de sus colmillos.
••
•
The Time Tunnel
by Luciano Monteagudo
If there is one thing that sets apart documentaries
conceived for cinema from films made for television,
it is their use of time. While the TV documentary, as
valuable and interesting as it may be, tends to be
limited to events, hard and fast information, and either
research or mere reporting, there is another type of
documentary that requires the introspection of the
darkness of the theatre, which has been conceived
unhurriedly. These documentaries play with time on
their side, with projects being developed over years,
even decades.
And if there is one filmmaker who has made this
working method virtually a religion it is Czech
director Helena Třeštíková (Prague, 1949). Last year
DocBuenosAires showed her extraordinary Private
Universe (2012), which followed the great little story
of the son of a family close to the director, from his
birth in 1974, in the heyday of socialism, right up to
the present, 38 years later, when all the walls and
certainties had fallen away. Now, in Vojta Lavicka:
Ups and Downs, to be screened at this new edition
of DocBuenosAires, Třeštíková shows faith again
in her unique method. This time she immerses
herself in the days and the work of Vojta, a Czech
boy of Roma origin, during the last 16 years of his
life. Clearly, Třeštíková has various projects on the
go simultaneously, until she decides which of her
creations have risen enough to be taken out of the
oven. In this case, the director already had images
of Vojta from when he was a teenager in a Czech
Republic taking its first steps outside of the socialist
orbit. Being Roma at a time of growing xenophobia
and racism in Europe is one of the film’s main themes.
Vojta is proud of his Roma background and culture,
but he doesn’t want to emigrate to Canada, as part of
his family does, or stop being Czech, another indelible
part of his identity.
Identity and migration are also present in Lost in
the Bewilderness, by the Greek-American director
Alexandra Anthony. Filmed over nearly 30 years,
with all kinds of formats and textures—from Super-8
to digital via 16 mm—Anthony’s film follows the
fascinating story of Lucas, her cousin Orestes’s son,
kidnapped by his own mother when he was just five
years old, to the despair of all the family. This involved
not only the local police, but also Scotland Yard and
Interpol, with no results. Narrated with the director’s
subdued first person voiceover, Anthony ties together
the strands of family history into a Greek myth, like a
daughter of Cronus. The documentary is set and the
action takes place in the director’s grandparents’ cosy
home in Nea Smyrni, a residential suburb outside
Athens. But it also moves to the USA, where Orestes
meets up again with Lucas, eleven years later, now a
teenager who can’t remember his father’s face. “As
my mother used to say,” whispers the director, “time is
the great tamer of all things and always gallops ahead
of us. All we have left are the stories, which we turn
into myths.”
In the other documentaries in this section, the passing
of time plays a different role: in their own way, both
the Greek short The Noose and the Argentine film
Salers star memory as the protagonist. Both films
seem to ask: What are memories? What are they
made of? To what extent can cinema invoke them?
Pinochet and His Three Generals is a case apart, a
time capsule, a film born in 1977 and that took on its
current form nearly three decades later, to open up a
strange gap in time, allowing a look into an authentic,
monstrous museum: a kind of Jurassic Park where
some dangerous dinosaurs—the Chilean dictator
and his military junta—come back to life, and cannot
hide the blood on their fangs under the disguise of a
peaceful family and cultural life.
••
51
Perdido en tierras salvajes / Lost in the Bewilderness
ESTADOS UNIDOS/UNITED STATES - GRECIA/GREECE, 2014, 97’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Alexandra Anthony • GUIÓN/SCRIPT Alexandra Anthony • IMAGEN/IMAGE Alexandra
Anthony • MONTAJE/EDITING Alexandra Anthony • SONIDO/SOUND Alexandra Anthony • PRODUCIDA POR/
PRODUCED BY Aya Films.
•
Perdido en tierras salvajes es un largometraje
documental sobre Lucas, el primo de la directora,
secuestrado a los cinco años en su Grecia nativa y
hallado en la víspera de su decimosexto cumpleaños
en los Estados Unidos. Esta historia de secuestro
parental, filmada por más de 25 años, es una crónica
del viaje de Lucas, de crecimiento y autodescubrimiento, que culmina con Lucas mismo convirtiéndose
en padre. Perdido en tierras salvajes no solo es una
historia policial, sino también una reflexión lírica sobre
la infancia, perdida y encontrada, y una exploración de
cómo los temas de los mitos y tragedias de la antigua
Grecia, con la familia en el centro, siguen muy vivos
en el mundo moderno. La película fue filmada en
Súper-8, 16 mm, SD y HD. Anthony trabaja de manera
totalmente independiente. Ella filmó, grabó el sonido,
editó, escribió y relató la película.
••
52
•
Lost in the Bewilderness is a feature-length
documentary about the filmmaker’s cousin Lucas,
kidnapped at age five from his native Greece, and
found on the eve of his sixteenth birthday in the
United States. This story of international parental
abduction, filmed for over twenty-five years, chronicles
Lucas’s journey of growth and self-discovery, and
culminates with Lucas becoming a father himself.
Lost in the Bewilderness is not only a detective
story but also a lyrical meditation on childhood, lost
and found, and an exploration of how the themes of
ancient Greek myth and tragedy, with the family at
their center, are still very much alive in the modern
world. Lost in the Bewilderness was filmed in Super-8,
16 mm, SD, and HD. Anthony works completely
independently—she shot, recorded sound, edited,
wrote, and narrated the film.
••
El nudo corredizo / The Noose
GRECIA-GREECE, 2013, 12’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Vassilis Loules • PRODUCTOR/PRODUCER Vassilis Loules • IMAGEN/IMAGE Irene
Androulaki, Vassilena Mitsiadi • MONTAJE/EDITING Dimitris Savvaidis, Chronis Theocharis • PRODUCIDA POR/
PRODUCED BY ART, European Animation Center.
•
En 1969, Theo Angelopolous filmó su primer largometraje, Reconstrucción, en el pueblo de Mondendri en
Ioannina. En el verano de 2013, Lefteris Rizos, un habitante del pueblo que trabajó como extra en ese importante film, habla del nudo que le pusieron al cuello por
exigencias del guión. Un breve comentario existencial.
El nudo corredizo de la película, la moralidad de sus
héroes, la vida de Lefteris con el equipo de filmación,
la experiencia que lo marcó, los comentarios sobre su
vida personal y su ética, los amigos que pasaron, todo
adquiere un significado distinto mientras recuerda con
la sabiduría, la amargura y el humor de sus 92 años.
••
•
In 1969, Theo Angelopoulos shot his first feature
film, Reconstruction, in the village of Monodendri
in Ioannina. In the summer of 2013, Lefteris Rizos, a
permanent resident of the village who was an extra
in this important film, talks about the noose that was
slipped round his neck to serve the needs of the script.
A brief existential comment. The noose in the film,
the morality of its heroes, Lefteris’s life with the film
crew, the experience that marked him, the comments
on his own personal life and ethics, the friends who
have passed—everything now acquires a different
meaning for him as he looks back with the wisdom,
the bitterness and the humor of his 92 years.
••
53
Vojta Lavicka: Altibajos / Vojta Lavicka: Ups and Downs
(Vojta Lavicka: Nahoru a dolu)
REPÚBLICA CHECA/CZECH REPUBLIC, 2013, 89’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Helena Třeštíková • GUIÓN/SCRIPT Helena Třeštíková • IMAGEN/IMAGE Jiří Chod •
MONTAJE/EDITING Jakub Hejna • SONIDO/SOUND Richard Müller • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Production
Třeštíková, Czech Television.
•
La directora Helena Třeštíková es conocida por
películas que siguen distintos temas por varios años.
Su último film documenta 16 años de la vida del
músico, periodista y activista romaní Vojta Lavicka.
Durante ese período, Lavicka vivió muchos altibajos,
tanto en su vida profesional como privada. Mientras
su mayor fama llegó durante los años que pasó en el
grupo Gipsy.cz, era más feliz en bandas mucho menos
exitosas, y tal vez disfruta más que nada tocando con
su hijo. Las reflexiones de Lavicka sobre su identidad
romaní son un hilo que atraviesa todo el documental.
¿Cómo combina el orgullo por su origen romaní con el
desagrado que le produce el modo de vida de muchos
romaníes? ¿Por qué ir al exterior como muchos otros
cuando se siente en casa en la República Checa?
¿Puede condenar a los que se fueron cuando ve el
desprecio con el que muchos checos miran a los
romaníes?
••
54
•
Director Helena Třeštíková is known for films that
follow subjects over many years. Her latest film
documents 16 years in the life of Romany musician,
journalist and activist Vojta Lavička. During that
period, he experiences many ups and downs in both
his professional and private life. While his greatest
fame came during the years he spent in the group
Gipsy.cz, he was happier in far less successful bands,
and perhaps enjoys playing with his son most of
all. Lavička’s reflections on his Romany identity are
a thread that runs through the whole documentary.
How does he combine pride in his Romany origins
with disagreement about the manner in which some
Roma live? Why leave for abroad like many others
when he feels at home in the Czech Republic? And
can he condemn those who left when he sees how
contemptuously most Czechs regard the Roma?
••
Pinochet y sus tres generales / Pinochet and His Three Generals
(Pinochet et ses trois généraux)
FRANCIA/FRANCE, 2004, 101’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY José María Berzosa • GUIÓN/SCRIPT José María Berzosa • PRODUCTOR/
PRODUCER Gérald Collas, Claude Guisard • IMAGEN/IMAGE Maurice Perrimond • PRODUCIDA POR/PRODUCED
BY INA.
•
En 1976/1977, el director José María Berzosa se acercó al general Pinochet durante un viaje a la Antártida,
en el extremo sur de Chile. De regreso en Santiago,
Pinochet acepta recibir el equipo de filmación y
entregar a la cámara una parte de sus recuerdos y
de su pensamiento político. Tres de los principales
integrantes de la junta, el almirante Merino, el general
Leigh (jefe de la aviación) y el general Mendoza (jefe
de los carabineros) también aceptan presentarse
ante la cámara. Hablan tranquilamente de sus gustos
artísticos, sus ideas políticas, de su vida familiar. De
estas conversaciones mantenidas con una aparente
ingenuidad, nace un retrato irónico y sin concesiones
de los principales dirigentes de la junta: su gusto por
el orden, por la eficiencia, una suerte de “fascismo
ordinario”.
••
•
In 1976–77, director José María Berzosa managed
to approach General Pinochet during a trip to the
Antarctic in the extreme south of Chile. After
returning to Santiago, Pinochet agreed to meet the
film crew, and in front of the camera he recalled some
of his memories and outlined some of his political
thought. Three of the main junta members—Admiral
Merino, General Leigh (head of the air force) and
General Mendoza (the police chief in command of
the carabineros)—also agreed to speak in front of
the camera. They talked with calm assurance of their
tastes in art, their political ideas and their family life.
The interviews, conducted in an apparently cordial
atmosphere, form an ironic and uncompromising
portrait of the main leaders of the junta: their taste for
order and efficiency, and their embodiment of a certain
kind of “everyday fascism.”
••
55
Salers
ARGENTINA, 2014, 9’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Fernando Domínguez • GUIÓN/SCRIPT Fernando Domínguez • PRODUCTOR/
PRODUCER Natalia de la Vega • IMAGEN/IMAGE Javier Di Benedictis • MONTAJE/EDITING Fernando Domínguez •
SONIDO/SOUND Alejandro Seba.
•
Durante la ocupación nazi, un hombre visita la ciudad
francesa de Salers, donde una mujer loca lo sigue.
Muchos años después, vuelve a esa misma ciudad.
••
56
•
During the Nazi occupation, a man visits the French
town of Salers, where a mad woman follows him.
Many years later, he returns to the same town.
••
•
05
Miradas sobre el cine
Views on Cinema
•
Retratos y autorretratos
por Luciano Monteagudo
60
Cuando no son apenas un mero, burocrático making-of
y están hechos con pasión y rigor, siempre resultan
fascinantes los retratos dedicados a grandes directores de cine, como los que durante casi medio siglo
produjo la colección “Cinéastes de notre temps”. Sin
duda alguna, en esa misma línea se entronca Filmar
obstinadamente - Encuentro con Patricio Guzmán, la
estupenda producción de Gérald Colas para el Institut
national de l’audiovisuel (INA), de Francia. Presentada
en el último FIDMarseille, se trata de una suerte de
pequeña clase magistral, en la que el realizador de
La batalla de Chile no solo analiza con serenidad y
lucidez su obra previa, sino también deja entrever los
primeros bocetos del que será su próximo documental,
dedicado, obstinadamente, a su país. Un país que, si
no lo tiene cerca, no puede evitar la pulsión y lo filma,
aunque sea sobre la mesa de trabajo de su estudio, en
la superficie de un mapa.
Es bien distinto el caso de Un viajero, porque se trata
de un autorretrato que se permitió en su ocaso, casi
como un alegre testamento, Marcel Ophüls. El director
de documentales imprescindibles como Le Chagrin et
la Pitié (1969) y Hôtel Terminus : Klaus Barbie, sa vie
et son temps (1989), sobre el colaboracionismo francés durante la ocupación nazi, vuelve la cámara sobre
sí mismo, pero no para hacer un panegírico, precisamente. Por el contrario, en las primeras escenas no se
presenta bajo una luz demasiado benévola (aunque lo
hace con tanta ironía como elegancia) y después prefiere recordar sus años de formación junto a su padre,
el gran Max Ophüls, la larga lista de amigos famosos
de la familia y sus viajes entre Viena, París, Berlín,
Hollywood y Nueva York. Lo que hace de su película,
presentada en la Quincena de los Realizadores de
Cannes el año pasado, una travesía fascinante.
Más convencional es el documental Bardot, la méprise, dirigido por David Teboul, un repaso de la vida y la
carrera de la famosa B.B., quizás el mayor sex symbol
de la historia del cine francés, que el 28 de septiembre pasado celebró sus 80 años. Fue tan famosa y
polémica como Simone de Beauvoir, filmó algunas
de las películas más populares de su país, se retiró
sorpresiva y tempranamente en 1973… Pero –seamos
francos– el documental es también la excusa perfecta
para volver a exhibir por primera vez en décadas
en una sala de cine, en una copia recientemente
restaurada en DCP, el que sin duda fue su film más
importante, El desprecio (1963), de Jean-Luc Godard.
A todas luces, Le Mépris no es un documental, pero
no por ello deja de ser, como pretende el título de esta
sección, una mirada sobre el cine. Y nada menos que
la de Godard, acompañado por otro coloso, Fritz Lang,
embarcado en una Odisea que quizás reflejaba la de
su propia obra.
••
•
Portraits and
Self-portraits
by Luciano Monteagudo
As long as they are not just a mere, bureaucratic,
making-of, and they are made with passion
and precision, it is always fascinating to watch
biographies of great film directors, such as those in
the “Cinéastes de notre temps” collection over the
last half-century. Clearly, along the same lines we
may find Filming Obstinately - An Encounter with
Patricio Guzmán, Gérald Colas’s superb production
for the French Institut national de l’audiovisuel (INA).
Presented at the last FIDMarseille, this is a kind of
mini-masterclass, in which the director of The Battle
of Chile not only analyzes his previous work serenely,
lucidly, but also allows a glimpse of the first sketches
of what his next documentary will be, dedicated,
obstinately, to his country. A country that, even if he
doesn’t have it close to hand, he cannot resist the
urge, and films it even on the work table of his studio,
on the surface of a map.
The case of A Voyager is quite different, as this is the
self-portrait that Marcel Ophüls permitted himself
in his twilight years, almost as a happy testament.
The director of such essential documentaries as The
Sorrow and the Pity (1969) and Hôtel Terminus: The
Life and Times of Klaus Barbie (1989), on French
collaboration during the Nazi occupation, turns the
camera on himself, but not, precisely, to give a eulogy.
On the contrary, in the first scenes he does not present
himself in a particularly favorable light (although he
does so with as much irony as elegance) and then he
prefers to remember his years of education with his
father, the great Max Ophüls, the long list of famous
family friends and their trips to Vienna, Paris, Berlin,
Hollywood and New York. All of which makes this film,
presented at the Directors’ Fortnight at Cannes last
year, a fascinating journey.
More conventional is the documentary Bardot, la
méprise, directed by David Teboul, a review of the life
and career of the famous BB, perhaps the greatest
sex symbol in the history of French cinema, who on 28
September celebrated her 80th birthday. She was as
famous and controversial as Simone de Beauvoir, made
some of her country’s most popular films, and retired
surprisingly early in 1973… But—let’s be honest—the
documentary is also the perfect excuse to screen again,
for the first time in decades in a cinema, a recently
restored copy on DCP of what is undoubtedly her most
important film, Contempt (1963), by Jean-Luc Godard.
By all accounts, Le Mépris is not a documentary, but
that does not mean that it is not a view on cinema, as
the title of this section seeks to provide. And no less
than the view of Godard, accompanied by another
colossus, Fritz Lang, involved in an Odyssey that
perhaps reflected that of his own work.
••
61
Filmar obstinadamente - Encuentro con Patricio Guzmán /
Filming Obstinately - Meeting Patricio Guzmán
(Filmer obstinément - Rencontre avec Patricio Guzmán)
FRANCIA/FRANCE, 2014, 97
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Boris Nicot • GUIÓN/SCRIPT Boris Nicot • PRODUCTOR/PRODUCER Gérald Colas •
IMAGEN/IMAGE Denis Gaubert, Boris Nicot • MONTAJE/EDITING Boris Nicot • SONIDO/SOUND Mathieu
Descamps, Laurent Thomas • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY INA.
•
Un retrato del cineasta Patricio Guzmán. La película
propone un viaje a través de su obra, marcada por la
historia reciente de su país, Chile. Desde La batalla
de Chile, un monumento del cine directo que describe
los últimos meses de Salvador Allende y de la Unidad
Popular chilena, hasta Botón de nácar, proyecto en
construcción, filmado aquí en su génesis, Patricio Guzmán se descubre y descubre su visión del cine: “Puedo
contar Nostalgia de la luz en cuatro frases. Pero la
película dura 90 minutos. Hay momentos largos en los
que es necesario describir, y describir es hacer surgir
algo a partir de nada. Extraerlo de la realidad. A veces
es extraer de una realidad sin belleza algo interesante, algo que esté vivo. Es lo más difícil. Desde
siempre estoy tratando de encontrar la fórmula, de
tomar conciencia de lo que es ‘describir’. Si no hubiera
conocido un golpe de Estado y una tragedia nacional
que durará un siglo, tal vez habría hecho películas…
ligeras. Hubiera sido un director muy diferente”
(Patricio Guzmán).
••
62
•
A portrait of the filmmaker Patricio Guzmán. The film
proposes a travel through his cinema marked by the
recent history of Chile. From The Battle of Chile, a
masterpiece of direct cinema recounting the last
months of Salvador Allende and the Chilean Popular
Unity to Nacre Button, still a project but filmed as it
is coming into being, Patricio Guzmán discloses what
he is and what his vision of the cinema is: “I can
relate Nostalgia for the Light in four sentences. But
the film lasts 90 minutes. There are long moments
during which I have to describe, to describe is to pull
something out of thin air. From reality. Sometimes
from a reality that has no beauty, something
interesting, something alive. That’s the hardest thing.
I’ve always tried to find the formula, or to understand
what is ‘describing.’ If I hadn’t experienced a coup
d’état and a national tragedy that would last a
century, perhaps I would have made films that were
lighthearted” (Patricio Guzmán).
••
Un viajero / A Voyager
(Un voyageur)
FRANCIA/FRANCE - SUIZA/SWITZERLAND, 2013, 106’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Marcel Ophüls • GUIÓN/SCRIPT Marcel Ophüls • PRODUCTOR/PRODUCER Frank
Eskenazi • IMAGEN/IMAGE Pierre Boffety, Vincent Jaglin • MONTAJE/EDITING Sophie Brunet • SONIDO/
SOUND Pierre Armand • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY The Factory, Arte, INA, Radio Télévision Suisse.
•
Diecisiete años después de su última película, Marcel
Ophüls sale de su retiro. A los 85 años, el gran
director decidió dejar sus memorias audiovisuales.
En este documental en forma de autorretrato trata
de transmitir lo que ha sido su mundo a través de los
lugares de su vida y de las imágenes vinculadas a
ellos. También evoca el inagotable recurso que para
él son los grandes maestros. En primera fila, Max
Ophüls, su padre, pero también Bertolt Brecht, Ernst
Lubitsch, Otto Preminger, Woody Allen y, por supuesto,
su amigo François Truffaut. Con muchos extractos de
películas, Un viajero pasa de la sátira a la emoción
con la elegancia de un hombre que ya ha vivido varias
vidas.
••
•
Seventeen years after his last film, Marcel Ophüls
comes out of retirement. The great director has
chosen, at the age of 85, to hand down his audiovisual
memories. In this documentary in the form of a selfportrait, he seeks to put across what his world has
been, through the places in his life and the images
tied to it. He evokes equally the inexhaustible resource
that for him are the grand masters, in the first row
of which is Max Ophüls, his father, but also Bertolt
Brecht, Ernst Lubitsch, Otto Preminger, Woody Allen
and, of course, his friend François Truffaut. Using
numerous film clips, Un voyageur moves from farce
to feeling with the elegance of a man who has lived
several lives.
••
63
Bardot, la méprise
FRANCIA/FRANCE, 2013, 95’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY David Teboul • GUIÓN/SCRIPT David Teboul • IMAGEN/IMAGE Étienne Blanchard •
SONIDO/SOUND Philippe Welsh • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Gaumont Télévision, Christian Davin
Production, Arte France.
•
David Teboul elabora un retrato íntimo de un ícono
del cine francés filmando los lugares de su vida: las
casas La Madrague y La Garrigue, en Saint-Tropez,
que fueron sus refugios. También se apoya sobre fragmentos de Iniciales B.B., la autobiografía de la actriz,
y sobre extractos de películas. Desde su infancia en
un ambiente burgués hasta su retiro del mundo hace
treinta años, este retrato enfático y emotivo muestra
las contradicciones de una mujer apasionadamente
enamorada, melancólica y salvaje.
••
64
•
David Teboul draws an intimate portrait of an icon of
French cinema by filming the places of her life: the
houses of La Madrague and La Garrigue in SaintTropez, her sanctuary. He also uses passages from
Initiales B.B., Bardot’s autobiography, and clips from
her films. Covering from her childhood in a middleclass background to her withdrawal from the world,
thirty years ago, this sensitive and moving portrait
brings to light the contradictions of a passionately
loving, melancholic and wild woman.
••
El desprecio / Contempt
(Le Mépris)
FRANCIA/FRANCE - ITALIA/ITALY, 1963, 103’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Jean-Luc Godard • GUIÓN/SCRIPT Jean-Luc Godard • PRODUCTOR/PRODUCER Georges
de Beauregard, Carlo Ponti • IMAGEN/IMAGE Raoul Coutard • MONTAJE/EDITING Agnès Guillemot • SONIDO/
SOUND William Sivel • MÚSICA/MUSIC Georges Delerue • REPARTO/CAST Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Fritz
Lang, Jack Palance, Giorgia Moll • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films Concordia, Rome Paris Films,
Compagnia Cinematografica Champion.
•
El sexto largometraje de Jean-Luc Godard fue una
gran coproducción internacional con Brigitte Bardot,
Jack Palance y Michel Piccoli, basada en la novela
Il disprezzo, de Alberto Moravia. “A pesar de todas
las críticas actuales que tratan a El desprecio como
si fuera alguna forma de sereno arte clásico, sigue
siendo tan trasgresor ahora como cuando apareció,
y tal vez más. [...] Los ritmos quebrados del relato y
los frecuentes deslizamientos entre las estrellas y los
personajes, los personajes y las caricaturas, las películas y las ideas sobre las películas, los incidentes y
las ideas sobre los incidentes, todo apunta a maneras
innovadoras de pensar, con un Godard que encara el
material desde distintos ángulos para desentrañar sus
significados ocultos. Y si estos significados toman la
forma de un mosaico cubista más que de una narración lineal o de un argumento, es porque las historias
y los ensayos solo nos muestran en parte la manera
de percibir el mundo moderno y sus contradicciones”
(Jonathan Rosenbaum).
••
•
Jean-Luc Godard’s sixth feature film was a major
international co-production with Brigitte Bardot, Jack
Palance and Michel Piccoli, based on the novel Il
disprezzo by Alberto Moravia. “Despite all the current
reviews that treat Contempt as if it were some form
of serene classical art, it’s every bit as transgressive
now as it was when it first appeared, and maybe more
so. … The broken rhythms of the storytelling and the
frequent slippages between stars and characters,
characters and caricatures, films and ideas about
films, incidents and ideas about incidents all point
to innovative ways of thinking, as Godard enters the
material from different angles to tease out its hidden
meanings. And if these meanings take the form of
a cubist mosaic rather than a linear narrative or
argument, that’s because stories and essays take us
only part of the way in perceiving the modern world
and its contradictions” (Jonathan Rosenbaum).
••
65
•
06
La joven guardia
The Young Guard
•
Sangre nueva
por Luciano Monteagudo
Si hay un campo del cine que se regenera constantemente, mucho más que el de ficción, es el del documental. Es claro que este hecho tiene en primer lugar
razones de orden económico: construir la producción
de un documental muchas veces (no siempre) requiere
menos pasos, menos recursos e involucra a menos
intermediarios parásitos que cuando se trabaja en una
68
ficción. Pero también es cierto que el documental se
presta para la autogestión, la experimentación, para
trabajar tanto en la más absoluta soledad como en
cooperativas o en grupos sin estructuras jerárquicas.
El viejo sueño de la “cámara-estilográfica” que imaginó en los años 50 Alexandre Astruc, o el de François
Truffaut, cuando decía que el cine del futuro iba a
ser más personal, como un diario íntimo, en primera
persona, se terminaron cumpliendo en el documental.
Éste es, de por sí, un género de espíritu joven, aun
cuando esté hecho por cineastas veteranos. Basta
pensar en los venerables Alain Cavalier o Luc Moullet,
por ejemplo, que se manejan con un grado de libertad
y desparpajo impensable en la ficción.
Pero, justamente por todas estas razones, también es
mucha la gente joven que se incorpora año a año al
documental. A ellos está dedicada esta sección, con
films muy distintos entre sí, pero capaces de trasmitir
una fuerza creativa que permite pensar lo mejor del
futuro de este formato. Tanto el corto El camino de
Raffael (premiado en Locarno) como los largos Casa
y El secreto (galardonados en el Cinéma du Reél del
Centro Pompidou) vienen a confirmar que en Italia el
documental está pasando por un excelente momento.
Si Casa, de Daniela Felice, es –como sugiere su título– un film íntimo, recogido sobre sí mismo, El secreto,
en cambio, es una gran experiencia colectiva. Y no
solo por el bullicioso grupo de chicos que lo protagonizan. También lo es la película en sí misma, firmada
por el grupo napolitano denominado “cyop&kaf”, que
propone intervenciones urbanas capaces de volver a
despertar “el adormecido espíritu crítico del pueblo
italiano”. Y que ha hecho de El secreto una obra de un
vuelo, un espíritu anárquico y, sobre todo, una energía
absolutamente fuera de lo común.
Sangre de mi sangre, del debutante Jérémie Reichenbach, participó de la Competencia Francesa del
Cinéma du réel, pero fue rodado íntegramente en la
Argentina, en un matadero autogestionado de Bahía
Blanca. Producido por el legendario grupo Iskra, que
nació al calor de Mayo del 68 (asociado en la Argentina a El Desencanto, el sello productor de Carmen
Guarini), el film de Reichenbach elabora su discurso
a partir del trabajo y la vida colectiva, como si ambos
fueran uno y el mismo.
Por su parte, Cenizas, de dos jóvenes directores
(Idrissa Guiro, Mélanie Pavy) apadrinados por Philippe
Grandrieux; Los Chebabs de Yarmouk, de Axel
Salvatori-Sinz (Premio Mirada Joven en Visions du
réel, de Nyon), y La escala (Quinzaine des Réalisateurs
del Festival de Cannes 2013), de Kaveh Bakhtiari, tienen los tres, siendo tan diferentes entre sí, un mismo
tema en común: la búsqueda de la identidad cuando el
desplazamiento y la migración son norma.
••
•
New Blood
by Luciano Monteagudo
f there is one field of cinema that constantly
regenerates itself, far more so than fiction, it is the
field of documentary. This is clearly due, primarily, to
economic reasons: the production of a documentary
frequently (though not always) requires fewer
steps, fewer resources, and involves fewer parasitic
middlemen than when working on fiction. But it
is also true that the documentary lends itself to
self-management, experimentation, to working both
in absolute solitude and in cooperatives or groups
without hierarchical structures. The old dream of the
“caméra-stylo” that Alexandre Astruc imagined in the
1950s, or François Truffaut when he said that the film
of the future would be more personal, like a diary, in
first person, ended up coming true in the documentary.
The documentary is itself a genre of young spirit,
even when it is made by veteran cineastes. It is
enough to think of the venerable Alain Cavalier or
Luc Moullet, for example, who handle themselves
with great freedom and self-confidence that would be
unthinkable in fiction. But it is precisely for all these
reasons that many young people enter the world of
documentary each year. This section is dedicated to
them, with films that differ greatly from each other,
but which all transmit a creative force that allows
us to think the best for the future of this genre. Both
the short Raffael’s Way (acclaimed at Locarno) and
the feature films Casa and The Secret (both award
winners at the Cinéma du réel at the Pompidou Center)
are recent confirmation that this is an excellent
moment for Italian documentary. While Daniela
Felice’s Casa is, as the title suggests, an intimate
film, retreating into itself, in contrast The Secret is a
great collective experience. And not just because of
the boisterous group of leading men. The film itself is
too, bearing the mark of the Neapolitan group known
as “cyop&kaf,” which sets out to perform urban
interventions to reawaken “the drowsy critical spirit of
the Italian people,” and which in The Secret has made
a work of great flare, anarchic spirit and, above all, an
entirely extraordinary energy.
Debutant Jérémie Reichenbach’s Blood of my Blood
participated in the French Competition at Cinéma du
réel, but was shot wholly in Argentina, in a workermanaged slaughterhouse in Bahía Blanca. Produced
by the legendary Iskra group, which came into being in
the heat of May ’68 (with a partnership in Argentina
through El Desencanto, Carmen Guarini’s production
company), Reichenbach’s film forms its discourse
through labor and the collective life, as if both were
one and the same.
Three films: Ashes, by young directors Idrissa Guiro
and Mélanie Pavy, backed by Philippe Grandrieux;
The Shebabs of Yarmouk by Axel Salvatori-Sinz (Prize
Regard Neuf at Visions du Réel, Nyon), and Kaveh
Bakhtiari’s Stop-Over (Quinzaine des Réalisateurs
at the 2013 Cannes Film Festival), while individually
quite distinct, share the common theme of the search
for identity when displacement and migration are
the norm.
••
69
Sangre de mi sangre / Blood of My Blood
FRANCIA/FRANCE-ARGENTINA, 2014, 78’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Jérémie Reichenbach • PRODUCTOR/PRODUCER Adonis Liranza, Matthieu de Laborde,
Carmen Guarini • IMAGEN/IMAGE Jérémie Reichenbach • MONTAJE/EDITING David Jungman • SONIDO/
SOUND Jérémie Reichenbach • MÚSICA/MUSIC Frank Williams, Benoît Daniel, Olivier Bodin • PRODUCIDA POR/
PRODUCED BY Quilombo Films, Iskra, El Desencanto.
•
Sangre de mi sangre nos sumerge en la vida de una
familia de trabajadores de un matadero en autogestión –lugar donde se mezclan vida, muerte y política–
en la Argentina. Entre escenas cotidianas y grandes
momentos de la existencia, una historia de amor,
de intercambio y de trasmisión. “Con una asombrosa fluidez narrativa, Jérémie Reichenbach filma
alternativamente el trabajo y la vida doméstica de una
familia argentina, de la que dos muchachos trabajan
en un matadero. Sin presentarla como utópica (como
demuestran las discusiones agitadas en las oficinas),
la autogestión aparece casi como una modalidad de la
sociabilidad familiar y, a la inversa, una discusión caótica durante un asado toma un cariz político cuando
aborda la pérdida de la cultura y del idioma de origen”
(Charlotte Garson, Cinéma du Réel).
••
70
•
Blood of My Blood describes the life of a family
of workers in a self-managed slaughterhouse in
Argentina. A mix of scenes of daily life and landmark
events, a story of love, sharing and transmission.
“With a stunning narrative fluency, Jérémie
Reichenbach’s filming alternates between the work
and the home life of an Argentine family, in which the
two sons work in an abattoir. Without been shown as
utopian (the heated arguments in the offices is proof
of this), joint worker-management appears almost as a
form of family sociability, while, in contrast, small talk
at a barbecue takes on political tones when it deals
with the loss of culture and the original language”
(Charlotte Garson, Cinéma du Réel).
••
El camino de Raffael / Raffael’s Way
(La strada di Raffael)
ITALIA/ITALY - ESPAÑA/SPAIN, 2013, 24’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Alessandro Falco • GUIÓN/SCRIPT Alessandro Falco • PRODUCTOR/PRODUCER Giusi
Castaldo • IMAGEN/IMAGE Juan Meseguer • MONTAJE/EDITING Alessandro Falco • SONIDO/SOUND Giovanni
Pallotto • MÚSICA/MUSIC Arvo Part • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Unisono Produzioni.
•
Drama social sobre Raffael, un muchacho de 13 años
que vive con su abuela en un suburbio de Nápoles.
Estallan refriegas entre ocupantes ilegales y la policía,
luego de que el alcalde ordena el desalojo de los
primeros. Raffael encuentra a la policía a través de su
amigo Adama, que vende cigarrillos en la calle.
••
•
Social drama about 13-year-old Raffael, who lives
with his granny in a Naples suburb. Scuffles break
out between squatters and the police after the mayor
orders the former to be evicted. Raffael encounters
the police through his friend Adama, a fellow seller of
cigarettes on the street.
••
71
El secreto / The Secret
(Il segreto)
ITALIA/ITALY, 2013, 89’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY cyop&kaf • GUIÓN/SCRIPT Luca Rossomando • PRODUCTOR/PRODUCER Antonella Di
Nocera, Daria D’Antonio • IMAGEN/IMAGE Ciro Malatesta • MONTAJE/EDITING Alessandra Carchedi • SONIDO/
SOUND Massimo Mariani • MÚSICA/MUSIC Enzo Avitabile • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Quore Spinato,
Parallelo 41, Napoli Monitor.
•
A mediados de enero, en muchos barrios de Nápoles,
aún se celebra el ritual de la hoguera de San Antonio.
Después de Año Nuevo, los chicos empiezan a buscar
madera para quemar, llegando a veces muy lejos de su
barrio. Cada pandilla reúne la madera en un escondite
–“el secreto”– para protegerla de las incursiones de
las de los demás barrios. Esperan el día de la fogata,
el 17 de enero, buscando frenéticamente en los árboles y peleando con las otras pandillas para defender
su tesoro de los asaltos (a menudo imaginarios) de
los “enemigos”. Todo pasa en la calle, las veinticuatro
horas del día: por las mañanas a veces no entran
al colegio, y por las noches están de centinela para
resguardar su escondite. El último día, una dificultad
imprevista está por estropearlo todo.
••
72
•
Many neighborhoods in Naples still celebrate the
ritual of the bonfires of Saint Anthony in mid-January.
Kids start collecting firewood after New Year’s,
sometimes venturing far from home to look for it.
Every group stashes their wood in a different hiding
place, “the secret,” so they can protect it from being
raided by other neighboring groups. The countdown
to January 17th, the day of the bonfires, is spent
between hectic searches and skirmishes, sometimes
real and often imaginary, to defend their treasure
from the assaults of the “enemies.” Everything takes
place in the streets: in the morning kids occasionally
skip school, and at night they guard their hiding place.
But, on the very last day before the celebrations, an
unexpected obstacle threatens to ruin everything.
••
Casa
FRANCIA/FRANCE, 2013, 55’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Daniela de Felice • IMAGEN/IMAGE Matthieu Chatellier • MONTAJE/EDITING Alessandro Comodin • SONIDO/SOUND Matthieu Chatellier • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Tarmak Films.
•
“Daniela de Felice filma a su madre en el momento en
el que se dispone a dejar la casa de una familia donde
se echa en falta al padre, fallecido en 1997. Desde
entonces, el inventario de los lugares se complica con
un recuerdo borroso del momento de la muerte de
aquél, y adquiere el aire de un adiós ritual. A pesar
de la aparente banalidad de las circunstancias (poner
orden, llenar cajas para la mudanza), la intimidad de
las conversaciones hace surgir, con la simplicidad
de su grabación, una emoción que había tardado en
manifestarse. Solo ese intercambio tardío parece
completar un duelo iniciado hace quince años. En
lugar de relatos esperados a partir de los objetos ordenados, el film se hace eco de un punto común entre la
madre y su hija: la pasión por coleccionar. Detrás de
la vocación pedagógica de la madre, así como detrás
de las tomas que colecciona la cineasta antes de dejar
esos muros, se adivina la misma certeza: acumular
sigue siendo una garantía contra la evanescencia de la
memoria. Omnipresente en las cajas y en las paredes,
el polvo solo atestigua que el tiempo ha pasado”
(Carlotte Garson, Cinéma du Réel).
••
•
“Daniela de Felice films her mother as she gets ready
to leave the family house in which the father, who
died in 1997, is desperately missed. From then on, the
inventory of places is complicated by hazy memories
of the father’s death, and begins to resemble a ritual
farewell. Despite the apparent banality of the circumstances (tidying up, the boxing up of belongings before
the move), the intimacy of the simply filmed interviews
brings out emotions that seem to have taken a long
time to be voiced. Only these late exchanges appear
to bring closure to a mourning process begun some
fifteen years ago. Instead of the expected stories
triggered by the objects being tidied away, the film repeats a point in common between the mother and her
daughter: passion for collecting. Behind the mother’s
teaching vocation and behind the shots that the filmmaker collects before leaving the house, we sense the
same certainty that gathering remains a guarantee
against memory fading away. Everywhere, on boxes
and walls, only the dust attests to time’s passing”
(Charlotte Garson, Cinéma du reel).
••
73
Cenizas / Ashes
(Cendres)
FRANCIA/FRANCE-SENEGAL, 2014, 74’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Idrissa Guiro, Mélanie Pavy • PRODUCTOR/PRODUCER Idrissa Guiro • IMAGEN/
IMAGE Idrissa Guiro • MONTAJE/EDITING Mélanie Pavy • SONIDO/SOUND Idrissa Guiro, Mélanie Pavy •
PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Simbad Films.
•
Al vaciar el departamento parisiense de Kyoko, que
acaba de morir, su hija Akiko descubre dos cuadernos
dejados para ella: su diario personal, escrito desde
1964. Con esa extraña herencia, la joven se lanza a
un periplo asombroso. Decide llevar la urna de su
madre a Japón, a su familia materna, y seguir el hilo
del tiempo con sus cuadernos. El film circula entre dos
generaciones de mujeres, de la Francia de la nouvelle
vague al Japón posbomba y postsunami. Buscando un
lugar para dispersar las cenizas de su madre, Akiko
busca su propio lugar. Como si le faltara agregar sus
propias imágenes a las que constituyen su herencia,
entra a un Japón al que pertenece sin saberlo, un
Japón íntimo que no conocía. Akiko, la heroína de
este documental, es aquí el eco de su madre, la actriz
y el ícono femenino de los años 60. La película lleva
ese diálogo más allá de la muerte, así como lleva el
pasado de Kyoko y el destino de Akiko.
••
74
•
As Akiko empties the Parisian apartment of her
mother, Kyoko, who has recently died, she finds two
diaries left for her. They are personal journals, kept
since 1964. With this strange inheritance, the young
woman throws herself into an amazing journey. She
decides to take the urn with her mother’s ashes to
Japan, to the heart of her maternal family, and trace
the thread of time with the diaries. The film moves
between two generations of women, from nouvelle
vague France to Japan after the bomb, after the
tsunami. In searching for the place to scatter her
mother’s ashes, Akiko looks for her own place. As
if she needs to add her own images to the images
that are her heritage. She goes deeper into a Japan
to which she belongs without knowing it, a personal
Japan to which she was oblivious. Akiko, the heroine
of this documentary, echoes here her actress mother,
her mother the feminine icon of the sixties. It is this
dialogue from beyond the grave that the film carries
with it, just as it carries Kyoto’s past and Akiko’s
destiny.
••
Los Chebabs de Yarmouk / The Shebabs of Yarmouk
(Les Chebabs de Yarmouk)
FRANCIA/FRANCE - SUIZA/SWITZERLAND, 2013, 77’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Axel Salvatori-Sinz • GUIÓN/SCRIPT Axel Salvatori-Sinz • PRODUCTOR/
PRODUCER Magali Chirouze • IMAGEN/IMAGE Axel Salvatori-Sinz • MONTAJE/EDITING Aurélie Jourdan •
SONIDO/SOUND Axel Salvatori-Sinz • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Adalios, CNC.
•
Ala’a Hassan, Samer, Tasneem y Waed, tercera generación de refugiados palestinos, viven en el campo
sirio de Yarmouk, y en la adolescencia forman el grupo
de los “Chebabs”. Con una cámara que observa, cómplice, Axel Salvatori-Sinz filma a estos jóvenes, llenos
de dudas respecto de su futuro, una tensión entre la
lealtad a los amigos y el deseo de emprender vuelo,
lejos de los otros.
••
•
Ala’a Hassan, Samer, Tasneem and Waed are thirdgeneration Palestinian refugees living in the Syrian
camp at Yarmouk. They are part of “The Shebabs,”
a group they formed in their teenage years. With his
observant camera in tow, Axel Salvatori-Sinz films
these young people haunted by doubts about their
future life choices, caught between loyalty to their
friends and a desire to take flight, sometimes leaving
the others far behind.
••
75
La escala / Stop-Over
(L’Escale)
FRANCIA/FRANCE - SUIZA/SWITZERLAND, 2013, 90’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Kaveh Bakhtiari • GUIÓN/SCRIPT Kaveh Bakhtiari • PRODUCTOR/PRODUCER Elisabeth
Garbar, Heinz Dill • IMAGEN/IMAGE Kaveh Bakhtiari • MONTAJE/EDITING Kaveh Bakhtiari, Sou Abadi •
PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Louise Productions Sàrl, Kaleo Films, RTS Radio Télévision Suisse.
•
En Atenas, el modesto departamento de Amir, un
inmigrante iraní, se ha convertido en un lugar de
tránsito para los emigrantes que, como él, eligieron
dejar su país. Pero Grecia no es más que una escala,
todos esperan ir a otros países occidentales. Están
bloqueados ahí, en casa de Amir, a la espera de
papeles, de contactos y del pasador a quien tal vez
confíen su destino.
••
76
•
In Athens, Amir, an Iranian immigrant, has a modest
flat which has become a place of transit for migrants
who, like him, have chosen to leave their country.
But Greece is only a stop-over, all of them hoping to
reach other Western countries. They find themselves
stuck at Amir’s, hoping for ID documents, contacts and
the smuggler to whom they might entrust their destiny
as clandestines.
••
at docBuenosaires 2014
SecTIoN: STaTuS oF LaTIN aMerIcaN docuMeNTary
eL TIeMPo NuBLado
(2014)
By araMI uLLoN
SWISS FILMS proudly presents
The programme Swiss Perspective: The Work And The Days
featuring
My NaMe IS SaLT (2013) by Farida Pacha
Fog (Nebel) (2014) by Nicole Voegele
BLack Board (Tableau noir) (2013) by yves yersin
discover our new documentaries and have a look at the
SWISS FILMS documentary booklet.
[email protected] | T + 41 43 211 40 50 | www.swissfilms.ch
•
07
Perspectiva suiza:
los trabajos y los días
Swiss Perspective: The
Labors and the Days
•
Figuras en un paisaje
por Luciano Monteagudo
Los espectadores con algunos años de cinefilia a
cuestas recordarán sin duda al legendario Groupe 5,
que allá por los años 70 sacudió –con su actitud libre y
contestataria– las aguas por entonces estancadas del
cine suizo. Allí estaban directores de la talla de Alain
Tanner, Claude Goretta, Michel Soutter, Jean-Louis Roy
y, también, Yves Yersin, que en el Festival de Locarno
del año pasado sorprendió con su reaparición y se llevó
una mención especial del jurado por Pizarrón, un documental ejemplar en muchos sentidos: por su precisión,
80
su sensibilidad y su carácter sutilmente combativo.
Filmado –un poco a la manera del exitosísimo Ser y
tener, del francés Nicolas Philibert– en una pequeña
escuela aislada de montaña, con apenas un maestro y una ayudante para un heterogéneo grupo de
alumnos de distintas edades, el film de Yersin tiene
un condimento político del que carecía el de Philibert.
Sucede que la película sigue al maestro y sus párvulos
en sus trabajos y sus días al mismo tiempo que están
pendientes de una decisión gubernamental que
puede dejar a la escuela sin recursos. Queda para el
espectador descubrir qué es lo que finalmente sucede,
pero es claro que a los 72 años Yersin no solo no ha
perdido nada de su excelente pulso cinematográfico,
sino que además sigue siendo una voz tan crítica
de las asimetrías de su sociedad como lo era en los
tiempos del pos-68.
A su manera, Mi nombre es Sal también es un documental político, aunque no en los mismos términos.
Multipremiado en los festivales de Ámsterdam (IDFA),
Edimburgo y Documenta Madrid, entre muchos otros,
el film de la directora india Farida Pacha (Bombay,
1972) puede ser leído como el diario de bitácora
de una explotación, aquella que lleva a miles de
trabajadores a volver año tras año a buscar su fuente
de sustento en las salinas del desierto de Gujarat, en
la India. En las antípodas del cine de denuncia, Farida
Pacha, sin embargo, elige concentrarse en la minuciosa observación de los parcos detalles cotidianos
que hacen al trabajo de una familia durante toda una
temporada de labor. Y lo hace con sensatez y sentimiento, prestando especial atención a los cambios de
luz en el transcurso de un día y a las transformaciones
del paisaje a través de los ciclos de la naturaleza. No
por nada la realizadora ha confesado que una de sus
fuentes de inspiración fue nada menos que El sol del
membrillo (1992), de Víctor Erice.
Por su parte, Niebla, de la joven directora suiza Nicole
Vögele, premiada en la última Berlinale por esta
película, también le presta atención al paisaje, pero
de una manera diferente: lo vuelve misterioso, casi
hermético, incluso abstracto. Los personajes que lo
habitan también parecen un enigma, enfrascados en
sus propios mundos interiores, por más que desarrollen tareas manuales. En las imágenes de Nicole
Vögele hay un lirismo a la vez seco y distante, pero
que en el fondo no deja de ser esencialmente romántico. No en vano el film, estructurado a la manera de un
poema, se cierra con unas conmovedoras estrofas de
Rainer Maria Rilke.
••
•
Figures in a Landscape
by Luciano Monteagudo
Viewers with a few years of cinephilia behind them
will no doubt remember the legendary Groupe 5,
whose free and rebellious attitude back in the 1970s
stirred up Swiss cinema’s then stagnant waters.
The group included directors of the stature of Alain
Tanner, Claude Goretta, Michel Soutter, Jean-Louis
Roy, and also Yves Yersin, who at last year’s Locarno
Festival made a surprising reappearance and took
the jury’s Special Mention for Blackboard, in many
ways an exemplary documentary, for its precision,
its sensitivity, and its subtly combative nature.
Rather like French director Nicolas Philibert’s highly
successful To Be and to Have, Blackboard was shot
in a small, isolated mountain school, with just one
teacher and his assistant for a heterogeneous group
of students of different ages. But Yersin’s work
has a political element that Philibert’s did not. It
so happens that the film follows the teacher and
his pupils in their studies and their days while they
are waiting for news of a government decision that
may take away the school’s funding. It is left to the
viewer to figure what finally happens, but it is clear
that, at the age of 72, not only has Yersin retained
every bit of his excellent cinematographic tact, but
he also continues to be as critical a voice of the
asymmetries in his society as he was in the years
following 1968.
In its way, My Name Is Salt is also a political
documentary, although not in the same terms.
Scooping awards at Amsterdam (IDFA), Edinburgh
and Documenta Madrid, among others, this film
by Indian director Farida Pacha (Mumbai, 1972)
can be read as a logbook of an exploitation that
leads thousands of workers to return year after
year to earn a livelihood in the saltflats of the
Gujarat Desert in India. Far removed from protest
film, Farida Pacha nonetheless chooses to focus on
the meticulous observation of the frugal everyday
details that make up a family’s labor during a
season of work. And it does so with sensitivity and
feeling, paying special attention to the changes in
light in the course of the day, and the changes in
the landscape through the cycles of nature. It is no
wonder that the director has admitted that one of
her sources of inspiration was no less than Víctor
Erice’s Quince Tree of the Sun (1992).
Young Swiss filmmaker Nicole Vögele’s Berlinale
prizewinning Fog also pays attention to the
landscape, but differently, making it mysterious,
almost hermetic, abstract even. The characters who
inhabit it also appear to be an enigma, immersed in
their own inner worlds, even though they perform
manual labor. In Nicole Vögele’s images there is a
lyricism that is at once dry and distant, but which
at heart is still romantic. For good reason the film,
structured like a poem, closes with some moving
lines by Rainer Maria Rilke.
••
81
Pizarrón / Blackboard
(Tableau noir)
SUIZA/SWITZERLAND, 2013, 117’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Yves Yersin • PRODUCTOR/PRODUCER Yves Yersin • IMAGEN/IMAGE Patrick Tresch, Yves
Yersin • MONTAJE/EDITING Yves Yersin, Jean-Batiste Perrin, Mamouda Zekrya • SONIDO/SOUND Luc Yersin,
Aurélie Mertenat • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Ateliers Merlin sàrl, RTS Radio Télévision Suisse, Philippe
Bizet.
•
Este pizarrón lo ha visto todo: las experiencias de un
año en la intimidad de una escuela de montaña. Una
clase ideal en la que los alumnos, de 6 a 12 años,
disfrutan mientras aprenden de sus éxitos y de sus
fracasos con tanta risa como lágrimas.
••
82
•
This blackboard has seen it all: experiences during a
year spent in the intimacy of a mountain school. An
ideal class in which the pupils, aged 6 to 12, enjoy
themselves while learning from their successes and
their failures—resulting in just as much laughter as
tears.
••
Mi nombre es Sal / My Name Is Salt
SUIZA/SWITZERLAND-INDIA, 2013, 92’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Farida Pacha • GUIÓN/SCRIPT Farida Pacha • PRODUCTOR/PRODUCER Lutz
Konermann, Farida Pacha • IMAGEN/IMAGE Lutz Konermann • MONTAJE/EDITING Katharina Fiedler • SONIDO/
SOUND Sanjeev Gupta, Ramesh Birajdar • MÚSICA/MUSIC Marcel Vaid • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Leafbird Films GmbH.
•
El desierto se extiende infinitamente. No hay un árbol
ni una brizna de pasto ni piedra. Pero hay algo que
abunda: la sal, que yace bajo la cocida superficie de la
tierra. Esto es Little Rann of Kutch, 5.000 kilómetros
cuadrados de desierto salino en Gujarat, India. Y
durante ocho meses al año, 40.000 familias viven aquí
sin agua, electricidad ni provisiones para extraer con
mucho esfuerzo la sal de este paisaje desolado. Cada
monzón arrasa sus campos de sal, mientras el desierto
se convierte en mar. Sin embargo, volverán, esforzándose para producir la sal más blanca del mundo.
••
•
The desert extends endlessly. There is not a tree
or blade of grass or rock. But there is one thing in
abundance: salt, lying just beneath the baked surface
of the earth. This is the Little Rann of Kutch, 5,000
square kilometers of saline desert in Gujarat, India.
And for eight months of the year, 40,000 families
live here without water, electricity or provisions—
laboriously extracting salt from this desolate
landscape. Every monsoon their salt fields are washed
away, as the desert turns into sea. And still they will
return, striving to make the whitest salt in the world.
••
83
Niebla / Fog
(Nebel)
SUIZA/SWITZERLAND-ALEMANIA/GERMANY, 2014, 60’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Nicole Vögele • GUIÓN/SCRIPT Nicole Vögele, Elsa Kremser • PRODUCTOR/
PRODUCER Elsa Kremser • IMAGEN/IMAGE Stefan Sick • MONTAJE/EDITING Hannes Bruun • SONIDO/
SOUND Jonathan Schorr, Dominik Leube, Simon Peter, Elsa Kremser • MÚSICA/MUSIC John Gürtler • PRODUCIDA
POR/PRODUCED BY Filmakademie Baden-Württemberg.
•
Una estación ferroviaria en la niebla. Vías que desaparecen en el vacío blanco, una persona que espera.
Entre ráfagas de niebla, aparece un zorro oliendo el
viento. Luego un rugido, una luz brillante, el silencio.
Y sigue la niebla. Panoramas del campo fundidas con
encuentros flotantes. Seres humanos que viven en sus
propios mundos: un astrónomo, un músico, un peón.
Todos impulsados por anhelos silenciosos: contacto,
conexión y libre opinión. Lejos de dar explicaciones, la
película trata de ayudarnos a percibir nuestro sonido
interno, tratando de alcanzar un vacío que no puede
aferrarse.
••
84
•
A station in thick fog, tracks that disappear into the
white mist and a figure, waiting. In between patches
of mist a fox appears, looking for a scent in the wind.
And then: bluster, shimmer, silence. And more fog.
Views of nature merge with brief encounters. People
living in their own worlds: an astronomer, a musician,
a stableman. All are driven by their quiet longing to
make contact, to not feel alone, to gaze into openness.
Far from providing explanations, the film tries instead
to help us perceive our inner hum, reaching out for an
emptiness that cannot be grasped.
••
CARMEN
CASTILLO
EDGARDO
COZARINSKY
NICOLAS
PHILIBERT
ROBERT
KRAMER
OSSAMA
MOHAMMED
El Institut français d’Argentine felicita a
“Les Films d’Ici” y a su fundador Richard Copans
por sus 30 años de trayectoria al servicio de los mayores
documentalistas del mundo y por su contribución a la
difusión de la cultura francesa en el extranjero
BOULEVARDS DU CREPUSCULE de Edgardo Cozarinsky, Foto ©Maurice Perimont, Javier Miquelez // ON EST VIVANTS de Carmen Castillo, Foto ©Ned
Burgess // RETOUR EN NORMANDIE de Nicolas Philibert, Foto ©Unifrance // POINT DE DEPART/STARTING PLACE de Robert Kramer, Foto ©Les Films d’Ici
•
08
Homenaje a
Les Films d’Ici
Homage to
Les Films d’Ici
•
Les Films d’Ici, 30 años
de creación (1984-2014)
por Carmen Guarini y Marcelo Céspedes
88
Si algo caracteriza a la productora francesa Les
Films d’Ici es su total fidelidad a los realizadores con
quienes trabaja, al descubrimiento y apoyo de nuevos
talentos y a la coherencia de un estilo de producción
de películas autorales que imprimen su sello, tanto en
las pantallas televisivas como en sus estrenos cinematográficos en Francia y en el mundo. Nos conocimos
en los años 90, casi en los inicios de su actividad y de
la nuestra, y desde entonces hemos mantenido una
amistad que nos ha llevado a poder difundir sus obras
en la Argentina. Obras que todavía hoy continúan
sorprendiéndonos cada año por su calidad narrativa.
Por esa usina cinematográfica pasaron y aún trabajan
nombres como Richard Dindo, Robert Kramer, Denis
Gheerbrant, Nicolas Philibert, Avi Mograbi, Edgardo
Cozarinsky, Carmen Castillo, Patricio Guzmán, Claire
Simon, Arnaud des Pallières, Angela Ricci Lucchi y
Yervant Gianikian, Wim Wenders, Jean-Louis Comolli,
Stéphane Breton, Stan Neumann, Yves Jeanneau,
Richard Copans, Luc Moullet, Amos Gitai, Serge Lalou,
Ari Folman, Cédric Kaplisch, Eyal Sivan, Manoel De
Oliveira, Marguerite Duras, Sergei Loznitsa, Wang
Bing… entre muchísimos otros hombres y mujeres de
cine, algunos de los cuales la acompañan desde sus
inicios. No podíamos quedar fuera de esta celebración, y la aprovechamos para mencionar su apoyo
desinteresado al DocBuenosAires desde sus mismos
comienzos. Es por eso que esta sección es, a la vez, un
homenaje a su trabajo y a nuestra amistad.
Los productores de Les Films d’Ici se han destacado
mundialmente por su trabajo en el cine documental,
pero igualmente en la ficción, en la animación y ahora,
también, en la producción interactiva. Pioneros de la
coproducción internacional, han cosechado en estos
treinta años numerosos premios internacionales y una
distribución que los llevó a ubicar sus producciones
en casi todas las pantallas del mundo. Son un ejemplo
de coherencia y honestidad creativa, casi diríamos
“artesanal”, de la producción cinematográfica, ya que
su sello de marca es el acompañamiento a los autores
en desafíos artísticos muy valorables en las actuales
crisis económicas.
Agradecemos a todos esos productores que, desde
sus inicios y los nuestros, nos aconsejaron y respaldaron, y valoramos mucho la presencia de uno de sus
fundadores, Richard Copans (que nos trae, en carácter
de primicia, su flamante película Un amor), para
acompañar esta “carta blanca” en homenaje a una de
las productoras pioneras del cine que admiramos.
••
•
Les Films d’Ici, 30 Years
of Creation (1984–2014)
by Carmen Guarini y Marcelo Céspedes
If there is one thing that characterizes the French
producer Les Films d’Ici, it is their total loyalty to the
directors they work with, the discovery of and support
for new talents, and the coherence of a production
style of auteur films that leave their mark both on
television screens and at their cinema premieres in
France and the rest of the world. DocBuenosAires
met les Films d’Ici in the 1990s, just as we were both
starting out, and since then we have maintained
a friendship that has led us to share their work in
Argentina, work that continues to surprise us every
year for the quality of their narrative.
This film factory has witnessed the passing of such
names as Richard Dindo, Robert Kramer, Denis
Gheerbrant, Nicolas Philibert, Avi Mograbi, Edgardo
Cozarinsky, Carmen Castillo, Patricio Guzmán, Claire
Simon, Arnaud des Pallières, Angela Ricci Lucchi and
Yervant Gianikian, Wim Wenders, Jean-Louis Comolli,
Stéphane Breton, Stan Neumann, Yves Jeanneau,
Richard Copans, Luc Moullet, Amos Gitai, Serge Lalou,
Ari Folman, Cédric Kaplisch, Eyal Sivan, Manoel De
Oliveira, Marguerite Duras, Sergei Loznitsa, Wang
Bing… among many other men and women of film,
some of whom have been there since the beginning.
We couldn’t be left out of this celebration, and we
would like to use this occasion to mention their
disinterested support of DocBuenosAires since its
very beginnings. This is why this section is, in turn, a
homage to their work and our friendship.
The producers at Les Films d’Ici have stood out all over
the world for their work in documentary cinema, but
also in fiction, animation, and also now in interactive
production. Pioneers in international co-production,
they have won numerous international awards over
the years and a distribution that has allowed them
to get their productions onto almost all the world’s
screens. They are an example of the coherence
and creative honesty, one might almost say “craft,”
of film production, as their trademark is the way
they accompany auteurs in highly valuable artistic
challenges in the current economic crisis.
We are grateful to all its producers who, since
their beginnings and ours, have advised us and
accompanied us, and we value highly the presence
of one of the founders, Richard Copans (who brings
us quite the scoop: his brand new film One Love), to
accompany this “carte blanche” in homage to one of
the pioneering film production houses that we admire.
••
89
A pasos lentos / With Slow Steps
(À pas lentes)
FRANCIA/FRANCE, 1979, 39’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Babette Mosche, Olivier Altman, Françoise Varin, Alain Nahum, Hélène Cohen, Richard
Copans, Daniela Abadi • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici.
•
Cuatro años después del conflicto en la fábrica Lip de
Besançon, orgullo de la industria relojera francesa y
escenario de la huelga más emblemática del post-68,
un equipo de Cinélutte da la palabra a las obreras,
especialmente a Renée y Christiane, figuras inolvidables. Ellas hablan de las condiciones de trabajo, la
educación de los hijos, su relación con los hombres. Y
ahí, de pronto, todo cambia, de la lucha de clases a la
guerra de los sexos, ofreciendo a Cinélutte su película
más bella.
••
90
•
Four years after the conflict at the Lip factory in
Besançon, pride of the French watchmaking industry
and scene of the most symbolic post-68 strike, a
Cinélutte team lets the workers speak, particularly
Renée and Christiane, both unforgettable figures. They
speak about work conditions, children’s education,
their relationship with the men, and right there, all of
a sudden, from class struggle to the war of the sexes,
give Cinélutte its most beautiful film.
••
Intento de apertura / Opening Tries
(Essai d’ouverture)
FRANCIA/FRANCE, 1988, 15’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Luc Moullet • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici.
•
Luc Moullet trata en vano de abrir una botella de litro
de Coca-Cola. “El director lucha valientemente contra
las tapas recalcitrantes […] con un espíritu de sistema
tan cartesiano que rápidamente gira hacia lo absurdo.
El arte de Luc Moullet consiste entonces en jugar el
juego establecido de la lógica con un impagable sentido del humor (pero un humor sarcástico, una gracia
fría que el cineasta comparte con Buster Keaton y Aki
Kaurismäki)” (S. Chakali, Cahiers du cinéma).
••
•
Luc Moullet tries in vain to open a liter of Coke. “The
director fights bravely against the recalcitrant bottle
tops … with a rather Cartesian systematic mind that
quickly takes a turn for the absurd. All Luc Moullet’s
art consists of playing a game dictated by logic with a
priceless sense of humor (but a deadpan humor, a cold
funniness, which the filmmaker shares with Buster
Keaton and Aki Kaurismäki)” (S. Chakali, Cahiers du
cinéma)
••
91
Punto de partida / Starting Place
(Point de départ)
FRANCIA/FRANCE, 1994, 90’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Robert Kramer • GUIÓN/SCRIPT Robert Kramer • PRODUCTOR/PRODUCER Richard
Copans, Ruben Korenfeld • IMAGEN/IMAGE Robert Kramer • MONTAJE/EDITING Christine Benoît, Robert Kramer,
Marie-Hélène Mora • SONIDO/SOUND Olivier Schwob • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici.
•
Veintitrés años más tarde, Robert Kramer volvió a Vietnam, con la cámara al hombro, para tratar de entender
el Vietnam de los años 90. Eligió filmar Hanoi, donde
se cristalizó el recuerdo de los cambios radicales de
los últimos cincuenta años. De encuentro en encuentro
–su guía de 1969, el traductor de Don Quijote y de
Diez días que conmovieron al mundo, un funámbulo
del circo nacional, el director de la televisión, jóvenes
directores de cine–, Robert Kramer no deja de buscar
sus marcas y de cambiarlas continuamente, fascinado
por lo cotidiano, los rostros, los gestos, los lugares.
••
92
•
Twenty-three years later, Robert Kramer, camera on
his shoulder, returned to Vietnam to try to understand
Vietnam in the 90s. He chose to film Hanoi, where the
memory of the upheavals of the last half century took
shape. From one encounter to another—his guide in
1969, a translator of Don Quixote and Ten Days That
Shook The World, a tightrope walker from the national
circus, a television director, young filmmakers—
Robert Kramer never ceases to find his feet and to
continuously change, fascinated by the everyday, the
faces, the gestures, the places.
••
De paro / On Strike
(On a grèvé)
FRANCIA/FRANCE, 2014, 70’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Denis Gheerbrant • PRODUCTOR/PRODUCER Richard Copans • IMAGEN/IMAGE Denis
Gheerbrant • MONTAJE/EDITING Denis Gheerbrant • SONIDO/SOUND Denis Gheerbrant • PRODUCIDA POR/
PRODUCED BY Les Films d’Ici.
•
Ellas se llaman Oulimata, Mariam, Géraldine,
Fatoumata. Son treinta mucamas. Durante un mes se
enfrentarán al segundo grupo hotelero de Europa. Ya
no aceptan el salario por trabajo a destajo disfrazado,
las horas regaladas al patrón, el dolor de espalda que
las mata y el desprecio con que las tratan. De paro es
el relato de una primera vez, un resurgir de canciones
y danzas que se vinculan a una cultura secular de
resistencia. El encuentro entre su fuerza vital y una
estrategia sindical pertinente les permitirá ganar, por
primera vez, un verdadero estatuto de trabajadoras.
••
•
Their names are Oulimata, Mariam, Géraldine,
Fatoumata. They make up a group of some thirty
chambermaids. For a month, they will take on Europe’s
second-largest hotel group. They no longer accept
their dressed-up piecework wages, the hours they give
up to their bosses, the backache that breaks them and
the contempt in which they are held. On Strike is the
story of a first time, an eruption of chants and dances
that bring them up to date with a secular culture of
resistance. The pooling of their life force and the right
union strategy will allow them to achieve, for the first
time, true worker status.
••
93
Un amor / One Love
(Un amour)
FRANCIA/FRANCE, 2014, 90’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Richard Copans • GUIÓN/SCRIPT Marie Nimier, Richard Copans • PRODUCTOR/
PRODUCER Anne Cohen-Solal • IMAGEN/IMAGE Richard Copans • MONTAJE/EDITING Catherine Gouze • SONIDO/
SOUND Sylvain Copans • MÚSICA/MUSIC Michel Portal, Vincent Peirani • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les
Films d’Ici, CNC.
•
La historia de amor de Lucienne, vendedora de
Gallimard, y de Simon, un estudiante norteamericano,
a partir de su encuentro en Chartres en 1939. Un amor
que tiene como trasfondo la gran historia, el fin de la
guerra civil de España y la guerra contra el nazismo.
Una historia con sus idas y venidas entre Francia y
Estados Unidos. Lucienne y Simon, convertidos en personajes de ficción a través de la pluma de la escritora
Marie Nimier... mis padres.
••
94
•
The love story of Lucienne, a saleswoman for
Gallimard, and Simon, an American student, starting
with their meeting in Chartres in 1939. A love with a
grand historic backdrop, the end of the Spanish Civil
War, the war against Nazism. A story that goes back
and forth between France and America. Lucienne and
Simon, fictional characters from the pen of one writer,
Marie Nimier… and my parents.
••
Bulevares del crepúsculo / Sunset Boulevards
(Boulevards du crépuscule)
FRANCIA/FRANCE, 1992, 65’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Edgardo Cozarinsky • GUIÓN/SCRIPT Edgardo Cozarinsky • PRODUCTOR/
PRODUCER Serge Lalou • IMAGEN/IMAGE Maurice Perimont, Javier Miquelez • MONTAJE/EDITING Martine
Bouquin • SONIDO/SOUND José Grammatico, André Siekerski • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici,
La Sept Arte, INA.
•
El narrador, director de cine argentino en París,
investiga los últimos años de dos actores franceses
cuyo único vínculo es haber terminado su vida en la
Argentina: Falconetti y Le Vigan. Entre París y Buenos
Aires, su investigación revela muchos fantasmas.
••
•
The narrator, an Argentine filmmaker from Paris,
investigates the final years of two French actors who
had nothing in common other than the fact of ending
their lives in Argentina: Falconetti and Le Vigan.
Between Paris and Buenos Aires, the search for them
awakens ghosts.
••
95
Disneylandia, mi viejo país natal / Disneyland, My Old Home
(Disneyland, mon vieux pays natal)
FRANCIA/FRANCE, 2001, 46’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Arnaud des Pallières • GUIÓN/SCRIPT Arnaud des Pallières • PRODUCTOR/
PRODUCER Serge Lalou • IMAGEN/IMAGE Arnaud des Pallières • MONTAJE/EDITING Arnaud des Pallières •
SONIDO/SOUND Arnaud des Pallières • MÚSICA/MUSIC Martin Wheeler • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les
Films d’Ici, La Sept Arte.
•
Disneylandia existe, los niños también, sin duda. Los
niños no son difíciles: su sueño es ser cualquiera, vivir
no importa cómo, ir adónde sea, y lo hacen. Ésa es
la vida de los niños: no deciden, no deciden nada. La
vida es como es, nada más, y ellos lo saben. Los niños
aman la vida, todo el mundo lo sabe, pero nada les
obliga a amar la vida que tienen.
••
96
•
Disneyland exists, as do children, no doubt. The
children aren’t difficult: their dream is to be anyone,
to live anyhow, to go anywhere, and that’s what they
do. That is the life of children: they don’t decide, they
decide nothing. Life is what it is, nothing else, and
they know it. Children love life, everyone knows that,
but nothing obliges them to love the life they have.
••
El vértigo de las posibilidades / Uncertain Times
(Le Vertige des possibles)
FRANCIA/FRANCE-BÉLGICA/BELGIUM, 2012, 90’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Vivianne Perelmuter • GUIÓN/SCRIPT Vivianne Perelmuter • PRODUCTOR/
PRODUCER Serge Lalou, Isabelle Truc • IMAGEN/IMAGE Vivianne Perelmuter • MONTAJE/EDITING Isabelle
Ingold, Marie-Pomme Carteret • SONIDO/SOUND Ingrid Simon, Magali Schuermans • MÚSICA/MUSIC Jean-Paul
Dessy, Reno Isaac • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici, Iota Productions.
•
A Anne le pagan para escribir historias, pero ella no lo
logra. No es la angustia de la página en blanco, todo
lo contrario. Lo mismo le pasa en la vida: Anne no consigue elegir. Pero ese día, y toda una noche, llevada
a pesar de ella en un recorrido por la ciudad, tendrá
que aprender a orientarse en ese laberinto. Tendrá que
actuar antes de que empiece el día.
••
•
Anne is paid to write stories but she never does. This
is not at all a question of writer’s block, quite the
contrary. And in life it’s the same: Anne cannot make a
choice. But today, and throughout the night, led along
despite herself while wandering through town, she
must learn to find her way in this labyrinth. Before the
new days rises, she must act.
••
97
Algunos días juntos / A Few Days Together
(Quelques jours ensemble)
FRANCIA/FRANCE, 2014, 90’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Stéphane Breton • GUIÓN/SCRIPT Stéphane Breton • PRODUCTOR/PRODUCER Serge
Lalou • IMAGEN/IMAGE Stéphane Breton • MONTAJE/EDITING Catherine Rascon • SONIDO/SOUND Nicolas
Cantin, Martin Sadoux • MÚSICA/MUSIC Karol Beffa • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici, Arte France.
•
Un largo viaje en el vagón de tercera sobrecalentado
de un tren que viaja en el invierno ruso a la velocidad
de una mula galopando, en compañía de un soldado
de tanques del Ejército Rojo, encontrado por azar
en la cucheta de enfrente y que se convierte en el
comentarista de las cosas y las personas. Suben
y bajan los personajes más inesperados, comen,
charlan, fantasean, roncan, y, sobre todo, cuentan su
vida destrozada.
••
98
•
A long journey in an overheated third-class carriage,
on a train moving through the Russian winter at the
speed of a galloping donkey, in the company of an old
Red Army tank driver found by chance in the opposite
bunk and who becomes the commentator on the
things and the people they see. The most unexpected
characters board and alight, have picnics, gossip,
daydream, snore—and, above all, tell the story of
their broken lives.
••
Estamos vivos / We Are Alive
(On est vivants)
© LES FILMS DICI
FRANCIA/FRANCE-BÉLGICA/BELGIUM, 2014, 100’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Carmen Castillo • GUIÓN/SCRIPT Carmen Castillo • PRODUCTOR/PRODUCER Mathieu
Cabanes • IMAGEN/IMAGE Ned Burgess • MONTAJE/EDITING Eva Fegeiles-Aimé • SONIDO/SOUND JeanJacques Quinet • MÚSICA/MUSIC Jacques Davidovici • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici, Iota
Productions.
•
Una película sobre el compromiso político hoy, a la luz
de un diálogo sensible con el pensamiento de Daniel
Bensaïd, filósofo y militante, recientemente desaparecido. Con Daniel, presente en imagen, y con sus textos, la realizadora viaja por el espacio y el tiempo para
encontrar a esos desconocidos indispensables que hacen la grandeza de la política. Con sus desconciertos,
sus dudas, pero también con sus convicciones, ella
busca incansablemente una respuesta a la pregunta:
¿qué hace avanzar, cuando tantos se desaniman, a los
que insisten en querer cambiar el mundo?
••
•
A film about present day political commitments,
following the analyses and conversing with Daniel Ben
Said, the recently deceased philosopher and political
militant. Carmen Castillo journeys over space and
time with Daniel, through images and his writings,
to meet those anonymous individuals who bring
greatness to politics. With her own questionings, her
doubts, but also her own beliefs, she tirelessly seeks
to answer the question: Why, when so many become
discouraged and give up, others persist to go on
fighting, to try to change the world and its course?
••
99
Agua plateada, autorretrato de Siria / Silvered Water, Syria Self-portrait
(Ma’a al-Fidda)
FRANCIA/FRANCE-SIRIA/SYRIA, 2014, 90’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Ossama Mohammed, Wiam Simav Bedirxan • GUIÓN/SCRIPT Ossama Mohammed •
PRODUCTOR/PRODUCER Camille Laemlé, Martin Berthier • IMAGEN/IMAGE Wiam Simav Bedirxan, Ossama
Mohammed • MONTAJE/EDITING Maisoun Assad, Ossama Mohammed • SONIDO/SOUND Raphael Girardot •
MÚSICA/MUSIC Noma Omran • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici, Proaction.
•
En Siria, los usuarios de YouTube filman y mueren
todos los días. Mientras que otros matan y filman. En
París solo puedo filmar el cielo y montar esas imágenes de YouTube, guiado por ese eterno amor por Siria.
De esa tensión entre mi distancia, mi país y la revolución nació un encuentro. Una joven cineasta kurda de
Homs comenzó a chatear conmigo, preguntando: “Si
tu cámara estuviera aquí, en Homs, ¿qué filmarías?”.
La película es la historia de esa división.
••
100
•
In Syria, every day, YouTubers film then die; others
kill, then film. In Paris, driven by my inexhaustible love
for Syria, I find that I can only film the sky and edit
the footage posted. From within the tension between
my estrangement in France and the revolution, an
encounter happened. A young Kurdish woman from
Homs began to chat with me, asking: “If your camera
were here, in Homs, what would you be filming?” This
film is the story of that encounter.
••
Ernesto Che Guevara, diario de Bolivia / Ernesto Che Guevara, the Bolivian Diary
(Ernesto Che Guevara, le journal de Bolivie)
FRANCIA/FRANCE-SUIZA/SUISSE, 1994, 92’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Richard Dindo • GUIÓN/SCRIPT Richard Dindo • PRODUCTOR/PRODUCER Richard
Copans, Bernard Lang • IMAGEN/IMAGE Pio Corradi • MONTAJE/EDITING Georg Janett, Catherine Poitevin •
SONIDO/SOUND Jürg Hassler, Jean-Claude Brisson • PRODUCIDA POR/PRODUCED BY Les Films d’Ici, Bernard
Lang Filmproduktion, La Sept Cinéma.
•
En octubre de 1967, una noticia procedente de Bolivia
recorre el mundo: muere el guerrillero legendario
Ernesto Che Guevara. El ejército boliviano informa que
murió empuñando las armas, y en una conferencia
de prensa presenta el diario que escribió durante los
once meses de guerrilla en Bolivia. Desde la partida
misteriosa del Che de Cuba hasta su llegada a La Paz,
desde las primeras emboscadas tendidas al ejército
hasta su último día, el film lo sigue paso por paso y
hace renacer su voz extinguida a través de su diario.
Con los paisajes, los testigos y los documentos,
cuenta los acontecimientos de Bolivia y reconstruye,
sobre todo, los últimos veinte días de la guerrilla, el
cerco del ejército y el asesinato del Che en la pequeña
escuela de La Higuera.
••
•
In October 1967, news from Bolivia reverberates
around the world: the legendary guerilla Ernesto Che
Guevara is dead. The Bolivian army announces that he
has been killed in combat and at a press conference
presents the diary that he had been writing for the
last eleven months of guerilla warfare in Bolivia.
From Che’s mysterious departure from Cuba to his
arrival in La Paz, the first ambushes set for the army
to Che’s last day alive, the film follows it all step by
step, bringing his silenced voice back to life through
his diary. The film uses Bolivian landscapes, witnesses
and documents to retell the events in Bolivia and
reconstruct especially the last twenty days of war, the
army surrounding Che and his assassination in the
little school in La Higuera.
••
101
•
09
Norbert
Pfaffenbichler
•
El hombre que dejó
sus notas en película:
Norbert Pfaffenbichler
por Christoph Huber
Suena un teléfono. Pero nadie atiende. En cambio, hay
tomas de habitaciones vacías, pasillos y escaleras.
Un puñado de insertos en primer plano conjuran la
sensación de una salida repentina, cosas dejadas en
el apuro: un tocadiscos que sigue girando (sin sonido),
restos de comida, colillas en un cenicero. ¿O fueron
considerados sin importancia luego de una larga deliberación? Después, un corte a sombras en la pared:
los pies de un ahorcado. Encima, sobreimposición(es)
del (los) título(s): Notes on Film 6-B. Monologue 2.
A Masque of Madness. “Protagonizado por Boris
Karloff”: el realizador Norbert Pfaffenbichler, con un
toque característico de humor, aparece en los créditos
como “morboso”. […] Una máscara de locura, obra
maestra barroca, confirma a Pfaffenbichler, nacido en
1967, como el director austríaco de vanguardia más
fascinante de su generación. Su estreno en la sección
Histoire(s) du Cinéma del Festival de Locarno es otro
paso en el territorio de los festivales clase A […] Curiosamente, el punto de partida del rondó de Karloff,
104
en parte ominoso y en parte hilarante, también ofrece
la oportunidad ideal para reconsiderar una carrera
[…] Durante algunos años, Pfaffenbichler persiguió
su presunto leitmotif, “Diferencia y repetición”, en
animaciones abstractas colaborativas, hasta la obra
maestra minimalista 36 (2001), un extracto de dos
minutos del movimiento abstracto austríaco, codirigido
con Lotte Schreiber. 36 es un trabajo de asombrosa
claridad conceptual, y presenta tres segmentos de
distintas formas y tamaños, cada uno animado por
un movimiento distinto (cambios binarios de trazos,
oscilaciones alucinantes de campos de color, una
cuenta regresiva que se arrastra): una combinación
de pintura abstracta, enormes videojuegos antiguos
y película geométrica que produce elegantemente
una percepción cargada de significados mínimos. Al
año siguiente, la primera obra individual de Pfaffenbichler, Notes on Film 01 Else, inauguró el ciclo fortuito
que lo tiene ocupado desde entonces, además de
algunos trabajos por encargo. También expuso en
museos y galerías, y se desempeñó como curador. Fiel
a su apodo ambiguo, la serie de Notas en película
reconsidera partes de la historia del cine desde varias
perspectivas al reescribirlas conceptualmente; y se
expande progresiva y juguetonamente, con constantes
giros sorpresivos […]
Conference es otro importante corto –ocho minutos
de Hitler, recreado a lo largo de las décadas por 65
actores–, editado como un ensayo sobre el grotesco,
tanto en un sentido gracioso como escalofriante. El
Führer es una figura fácilmente reconocible por su
bigote y su pelo lacio partido, y solo es superado por
Jesús en representaciones cinematográficas. Cuando
Pfaffenbichler realiza este film, ya hace tiempo que
la línea divisoria entre una presentación seria y una
paródica ha perdido todo sentido: Romuald Karmakar,
que hizo su propio e ingenioso home movie falso
sobre los años de juventud de Hitler en Múnich –Eine
Freundschaft in Deutschland (1985)–, se refirió una vez
a las interpretaciones de Hitler como Kasperltheater,
un show de Polichinela. Pfaffenbichler comparte ese
criterio: “Cuanto más auténtica es una imitación de
Hitler, más ridícula me parece”. Conference acentúa el
aspecto de caricatura, incluso hay un momento inesperado con el genio de la comedia francesa Louis de
Funès, pero el horror siempre acecha, como subraya
la tartamudeante pista de sonido de Lang. El clima
absurdo es reforzado por la construcción de Pfaffenbichler, que encierra a esta imagen estereotipada de
maldad en un círculo vicioso, trabajando con escenas
filmadas en blanco y negro de un monitor para darle
al material un aspecto uniforme: casi exclusivamente
primeros planos de Hitler, eternamente desigual pero
invariablemente reconocible, en un acalorado debate
consigo mismo o con un Doppelgänger, un doble (o,
mejor dicho, un Wiedergänger: fantasma). El gran
dictador en una sala de espejos distorsionantes: una
serie de reflejos, en algún punto incluso propuestos
como una película mirada por otro Hitler.
Invirtiendo un aspecto de Conference, Pfaffenbichler
expandió las Notas en película con un asombroso
díptico de representaciones. En lugar de un personaje recreado por numerosos actores, en estos dos
sentidos homenajes –uno mudo y el otro sonoro– a un
género y a dos estrellas del cine de horror en particular, hay un solo actor para todas las partes. La primera
(A Messenger from the Shadows - Notes on Film 06
A. Monologue 01) encuentra el sujeto ideal en Lon
Chaney, que, gracias a su maestría para los disfraces,
se convirtió en el “hombre de los mil rostros”: una
obra unipersonal protagonizada por las numerosas
partes de una persona fragmentada. (La predilección
de Chaney por el grotesco parece aún más “pfaffenbichleriana”). Utilizando al menos una toma de cada
uno de los 46 films de Chaney que pudo encontrar,
Pfaffenbichler realiza su propio viaje fantasmal por
espacios imposibles, creados por distintas películas
unidas mediante el montaje clásico, decidido a cumplir
su propia metapesadilla con la cambiante banda
sonora de Lang, repleta de introducción atmosférica
y de una serie de batallas, conspiraciones, mensajes secretos, amores imposibles y actos mortales y
delirantes. Mientras tanto, Chaney, interactuando sólo
consigo mismo, aunque desfigurado, brinda un agudo
sentido de trágica soledad a las escenas, y crea toda
clase de complicaciones perversamente cómicas en
una variedad de matices entre el autoerotismo y el
autodesprecio suicida/asesino.
Con su propio sentido perverso de la comedia, Pfaffenbichler inserta una larga sucesión de intertítulos, más
notas en película, un equivalente lineal de esas invariables zonas oscuras del oscilante Mosaik mécanique.
Más que un truco estructuralista, estos títulos reveladores también constituyen un alivio ante los ataques
histéricos de la emocionante confrontación. Pero está
claro que para Chaney no hay escape del laberinto de
horror en expansión (películas), solo la opción al estilo
invención de Morel para recrear una extraña danza de
la muerte hacia la eternidad. El remate más siniestro
llega con su inevitable resurrección.
••
Fragmentos de “El hombre que dejó sus notas en película: Norbert
Pfaffenbilcher”, publicado en el nº 56 de la revista Cinema Scope.
Gracias a Christoph Huber y a Mark Peranson por su amable permiso.
•
The Man Who Left His
Notes on Film:
Norbert Pfaffenbichler
by Christoph Huber
A phone rings. But nobody picks up. Instead, there
are shots of empty rooms, corridors, and stairways.
A handful of inserts in close-up conjure the feeling
of sudden exit, things left in a hurry: a phonograph
still running (without sound), leftover food, cigarette
butts in an ashtray. Or have they been deemed
unimportant after long deliberation? Next, a cut to
shadows on the wall: a hanged man’s feet. Over it,
superimposition(s) of the title(s): Notes on Film 6-B.
Monologue 2. A Masque of Madness. “Starring Boris
Karloff”—the filmmaker, Norbert Pfaffenbichler, is,
with a characteristic touch of humor, simply credited
as “ghoul.” … Some kind of baroque masterpiece, A
Masque of Madness confirms Pfaffenbichler, born in
1967, as the most fascinating Austrian avant-garde
filmmaker of his generation, its premiere in Locarno’s
Histoire(s) du Cinéma sidebar another overdue
step back into A-Festival territory. Intriguingly, the
105
starting point for Pfaffenbichler’s partly ominous,
partly hilarious Karloff roundelay also offers an ideal
opportunity for a career-consideration flashback. …
For a few years, Pfaffenbichler pursued its alleged
leitmotif, “Difference and repetition,” in collaborative
abstract animations—up to the minimalist
masterpiece 36 (2001), a two-minute essence of the
era’s Austrian Abstract movement, co-directed with
Lotte Schreiber. A work of astonishing conceptual
clarity, 36 presents three differently shaped and
sized segments, each animated by a distinct kind
of movement (binary changes of line-patterns,
hallucinatory oscillating color fields, a crawling
countdown square): a conflation of abstract painting,
bulky early video games, and geometrical film that
elegantly produces perception overload with minimal
means. The next year, Pfaffenbichler’s first solo work,
Notes on Film 01 Else, inaugurated the fortuitous
cycle that has occupied him since, apart from a few
commissioned works; he has also shown in museums
and galleries, and has been active as a curator. True
to its appropriately ambiguous moniker, the Notes
on Film series reconsiders pieces of film history from
various perspectives by rewriting them conceptually; it
has been progressively and playfully expanding, all the
while taking surprising turns. …
Conference is another major short: eight minutes of
Hitler, as reenacted by 65 actors over the decades,
edited as an essay on the grotesque, in both the funny
and eerie senses. A most recognizable figure just via
toothbrush moustache and slick, parted hair, der Führer
is second only to Jesus as far as filmic accounts of
actual persons go. As Pfaffenbichler drives home, the
line between serious and parodistic presentation has
long been rendered meaningless—Romuald Karmakar,
who made his own ingenious early fake home movie
about Hitler’s rascally early years in Munich, Eine
Freundschaft in Deutschland (1985), once referred to
Hitler interpretations as Kasperltheater, a Punch and
Judy show. Pfaffenbichler shares the sentiment: “The
more authentic a Hitler imitation strains to be, the
more ridiculous it seems to me.” Conference stresses
the aspect of caricature—there’s even an unexpected
choice moment with French comedy genius Louis
de Funès—but the horror is never far away, as
asserted by Lang’s stuttering soundtrack loops. The
absurd atmosphere is reinforced by Pfaffenbichler’s
construction, trapping this ever-popular, clichéd image
of evil in a vicious cycle, working with images reshot
in black-and-white from a monitor to give the material
a uniform look: almost exclusively close-ups of Hitler,
eternally mismatched yet unchangeably recognizable,
106
engaging in ever more heated debate with himself or a
Doppelgänger (or rather Wiedergänger: revenant). The
great dictator in a hall of distorting mirrors: a series
of reflections, at some point even posited as a film
watched by yet another Hitler.
Inverting one aspect of Conference, Pfaffenbichler
has expanded the Notes on Film with a dumbfounding
diptych of features. Instead of one character played by
numerous actors, these two heartfelt tributes—one
silent, one sound film—to a genre in general and two
horror movie stars in particular, feature one actor in
all parts. The first, A Messenger from the Shadows
(Notes on Film 06 A. Monologue 01), finds an ideal
subject in Lon Chaney, whose mastery of disguises
made him the “man of a thousand faces”: a oneperson play starring the multitudes of a splintered
persona (Chaney’s predilection for the grotesque
seems furthermore downright Pfaffenbichlerian).
Using at least one shot from each of the 46 stillextant Chaney films he could find, Pfaffenbichler
crafts his own phantom ride through impossible
spaces created by conjoining different movies
through classical montage, given to crafting his
own meta-nightmare to Lang’s mutating soundtrack,
replete with atmospheric introduction and a series of
battles, conspiracies, secret messages, impossible
love affairs, and deadly, delirious acts. Meanwhile,
Chaney, only interacting with himself, however
disfigured, lends a poignant sense of tragic loneliness
to the proceedings, as well as creating all kinds of
often perversely comic complications in manifold
shades between autoeroticism and murderous/
suicidal self-loathing. With his own sense of perverse
comedy, Pfaffenbichler inserts a lengthy succession
of intertitles mid-stretch: more notes on film, also a
linearized equivalent to those unvaried black patches
in the otherwise oscillating grid of Mosaik mécanique.
More than a structuralist ruse, this telling conference
of titles also proves a respite before the appropriately
hysterical fits of the rousing showdown. By then, it
has long been clear that for Chaney there’s no escape
from the surreally expanding labyrinth of horror
(movies), only the Morel’s Invention-like choice to
reenact a bizarre dance of death—into eternity. The
most sinister punch line comes with his inevitable
resurrection.
••
Extracts from “The Man Who Left His Notes on Film: Norbert
Pfaffenbichler,” published in Cinema Scope magazine, issue 56.
Thanks to Christoph Huber and Mark Peranson for their kind
permission.
Notes on Film 01 Else
AUSTRIA, 2002, 6’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Norbert Pfaffenbichler • IMAGEN/IMAGE Martin Putz • SONIDO/SOUND Wolfgang
Frisch • REPARTO/CAST Eva Jantschitsch.
•
Un rostro en cinco paneles distintos, blanco y negro
y entre paréntesis. Notes on Film 01 Else es un
informe sobre los narcóticos del cine: visualización y
movimiento, material y edición, y el enigma planteado
por una cara.
••
•
A face in five different panels, black and white and
placed in brackets. Notes on Film 01 Else is a report on
cinema’s narcotics: visualization and motion, material
and editing, and the riddle posed by a face.
••
107
Conference Notes on Film 05
AUSTRIA, 2011, 8’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Norbert Pfaffenbichler • MÚSICA/MUSIC Bernhard Lang.
•
En este grotesco film que trabaja con found footage,
los primeros planos de 65 actores que representaron a
Adolf Hitler en películas realizadas desde 1940 hasta
hoy se combinan en plano/contraplano. La banda de
sonido es del compositor austríaco Bernhard Lang.
••
108
•
In this grotesque found-footage-film, close-ups of 65
actors playing Adolf Hitler in movies created between
1940 and today are combined in shot/countershotmanner. The soundtrack is produced by the Austrian
composer Bernhard Lang.
••
Intermezzo (Notes on Film 04)
AUSTRIA, 2012, 2’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Norbert Pfaffenbichler • MÚSICA/MUSIC Wolfgang Frisch.
•
Un breve extracto de Carlitos, encargado de bazar
(1916), de Charles Chaplin, sirve como secuencia
inicial para Intermezzo. Chaplin huye de un monstruoso perseguidor por una escalera mecánica, que en ese
momento era el paradigma de la modernidad técnica y
mecánica. A un costado, un maniquí como contrapunto
estatuario.
••
•
A brief excerpt from Charlie Chaplin’s The Floorwalker
(1916) serves as starting sequence for Intermezzo.
Chaplin, fleeing from a monstrous pursuer, down
an up escalator, which at the time was the epitome
of techno mechanical modernity; on the side, a
mannequin as statuary counterpoint.
••
109
A Messenger from the Shadows (Notes on Film 06 A/Monologue 01)
AUSTRIA, 2013, 60’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Norbert Pfaffenbichler • MÚSICA/MUSIC Bernhard Lang.
•
Una obra unipersonal para el “hombre de las mil
caras”. Lon Chaney, ícono del cine mudo de terror, era
hijo de padres sordomudos, y por lo tanto ya de niño
perfeccionó la mímica. Surgió a la fama como maestro
del disfraz, con una inclinación por las apariciones
grotescas y contorsiones tortuosas. Norbert Pfaffenbichler reeditó las 46 películas preservadas de las
doscientas que hizo Chaney como un homenaje en A
Messenger from the Shadows. Un homenaje al arte de
Chaney, al poder asombroso de los films de terror y al
paradójico encanto del cine.
••
110
•
A one-person piece for the “man with a thousand
faces.” Silent horror film icon Lon Chaney was the son
of deaf-mute parents, and thus, already as a child,
perfected pantomime. He rose to fame as a master of
disguise with a penchant for grotesque appearances
and torturous contortions. Norbert Pfaffenbichler
has remounted the forty-six preserved films of the
two hundred that Chaney made into a tribute in A
Messenger from the Shadows. A tribute to Chaney’s
art, to the uncanny power of the horror film, and to the
paradoxical enchantment of cinema.
••
36
AUSTRIA, 2001, 2’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Norbert Pfaffenbichler, Lotte Schreiber • SONIDO/SOUND Stefan Németh.
•
36, de Lotte Schreiber y Norbert Pfaffenbichler, es una
composición rígidamente matemática y gráfica basada
en el número del título. Todos los elementos del video,
incluso su duración, son variables de este número.
••
•
Lotte Schreiber and Norbert Pfaffenbichler’s 36 is a
rigidly mathematical and graphic composition based
on the number in its title. All of this video’s elements,
including its length, are variables of this figure.
••
A Masque of Madness (Notes on Film 06-B, Monologue 02)
AUSTRIA, 2013, 80’
DIRECCIÓN/DIRECTED BY Norbert Pfaffenbichler, Lotte Schreiber • SONIDO/SOUND Christoph Amann.
•
Al igual que en su anterior trabajo, A Messenger
from the Shadows (con Lon Chaney), esta reedición
de Pfaffenbichler de una vida cinematográfica irradia
interés analítico y un leve placer de asociación. A
Masque of Madness recorre las cinco décadas de
cine de Boris Karloff como actor secundario de films
mudos, protagonista de películas sonoras y anfitrión
televisivo. Con la gloria necesaria, la película reúne
los rituales de siempre del cine de terror y los gestos
de peligros exóticos. Pero también expone las huellas
que la historia dejó en ellos, especialmente las dos
guerras mundiales y los avances tecnológicos.
••
112
•
As already in the previous partner work, A
Messenger from the Shadows (starring Lon Chaney),
Pfaffenbichler’s re-montage of a film life radiates
both analytical interest and a nimble pleasure of
association. A Masque of Madness follows the path
through five motion picture decades of Boris Karloff—
as supporting actor in silent films, star in talking
pictures, and television host. The film gathers, in the
necessary glory, the ever same rituals of horror film
and gestures of exotic danger. But it also exposes the
tracks that history has left behind in them—especially
the two world wars, and the technological advances.
••
•
10
Français
La valeur d’un cinéma utopique
par Carmen Guarini et Marcelo Céspedes
120
Il s’agit de notre 14e édition et, comme chaque
année, quelque chose se renouvelle. Le changement
fait partie de cette rencontre qui défend la continuité
dans le cadre d’un critère critique permanent et de
recherche de regards. Aspirant toujours à découvrir
ce qui justifie le mot « cinéma ». Fouillant toujours
dans les replis et les interstices des genres, essayant
de les briser, cherchant en eux l’essence de l’image.
Une entreprise utopique, trop vaste, qui nous
encourage à réunir dans ce laps de temps des films
qu’il est difficile de faire circuler, étant donné les
conditions du marché.
À cette occasion, le DocBuenosAires présente
comme toujours des auteurs incontournables qui, fort
heureusement, continuent de produire des œuvres
incroyables et uniques : les avant-premières des
dernières créations de Sergei Loznitsa et Harun Farocki
(une énorme perte pour les résistants du cinéma), JeanLuc Godard avec un joyau restauré, les films les plus
récents de Stéphane Breton et de Jean-Louis Comolli
(ce dernier en qualité de première mondiale), Edgardo
Cozarinsky, Mariana Otero… parmi d’autres.
Comme tous les ans, nous nous sommes consacrés,
pour le public argentin, à découvrir un cinéaste aussi
exceptionnel qu’inconnu, et c’est ainsi que nous
arrivent d’Autriche les films de Norbert Pfaffenbichler.
La production sur notre continent latino-américain n’a
pas été moins fructueuse, et nous nous offrons le luxe
cette année de présenter une sélection remarquable
en quantité et qualité. Des films primés au niveau
international qui explorent des histoires, des conflits
et des personnages toujours uniques et qui sont
nôtres. Des films qui nous racontent le monde que
nous habitons et que, si ce n’était grâce à ces points
120
de vue originaux, nous aurions du mal à voir.
Nous dédions une section en hommage à une société
de production française remarquable pour la qualité
de son œuvre, pour son caractère cosmopolite, pour
son esprit solidaire et pour son compromis constant
avec le monde. Nous nous référons à la société Les
Films d’Ici, représentée cette année par l’un de ses
fondateurs, Richard Copans, qui accompagnera cette
section – préparée par eux-mêmes – et qui présentera
son dernier film, Un amour.
Il s’agira, comme toujours, de quatorze jours très
intenses et difficiles à couvrir, comme n’importe
quel festival. Tous les spectateurs, dont beaucoup
attendent ce rendez-vous d’octobre qui, sans nous
vanter, ne les déçoit pas, traceront leur propre chemin.
Chaque film est cherché et pensé pour construire
un panorama plus ou moins clair de ce que pense le
cinéma du monde, en évidente référence à notre cher
Jean-Louis Comolli.
Nous aurions beaucoup plus à dire, mais nous vous
invitons à parcourir ce catalogue, où vous trouverez,
dans ses textes et de par son montage, notre vision de
ce DocBuenosAires 2014.
Nous remercions la collaboration de ceux qui nous
accompagnent chaque année dans cette aventure :
la Fundación Cinemateca Argentina, l’Ambassade de
France, l’INCAA et l’Alliance Française de Buenos
Aires ; de ceux aussi qui nous ont rejoints dans les
dernières éditions : la Fundación Proa et le cinéma
Arte Multiplex Belgrano.
Notre siège sera cette année principalement l’Espacio
INCAA Gaumont, puisque la salle Leopoldo Lugones,
qui nous accueille depuis le début, est temporairement
en travaux.
Nous remercions également le soutien de Swiss
Films qui, grâce à notre chère Sabina Brocal, nous
accompagne depuis très longtemps en apportant un
matériel exceptionnel.
Nous avons préparé des rencontres de réalisateurs
et de spécialistes du cinéma avec le public. Ces
œuvres méritent non seulement d’être regardées
mais aussi d’être pensées et lues. Ainsi, aux amis
de toujours chargés de quelques présentations, tels
Eduardo Russo et Jorge La Ferla, s’ajoutent d’autres
intervenants dont nous remercions profondément la
collaboration.
Parmi les activités spéciales de cette année, nous
recevrons les masterclasses de Richard Copans (au
siège de l’Alliance Française de Buenos Aires) et
de Norbert Pfaffenbichler (à la Fundación Proa), qui
dialoguera avec le chercheur et critique Eduardo
Russo.
Nous souhaitons souligner tout spécialement d’autres
institutions qui soutiennent le DocBuenosAires depuis
déjà de nombreuses années : le Goethe-Institut,
l’Institut Français, l’Ambassade de Suisse et le
Mecenazgo Cultural de la Ville de Buenos Aires. Nous
sommes également ravis de la collaboration mutuelle
et des échanges de films que nous avons commencés
avec le BAFICI (Festival International de Cinéma
Indépendant de Buenos Aires) depuis sa nouvelle
gestion et avec le Festival International de Cinéma de
Mar del Plata (FMDP). Merci à tous !
Notre directeur de Programmation, Luciano
Monteagudo, se joint à nous pour remercier tout
particulièrement le soutien et le dévouement de
l’équipe de travail de production et l’équipe technique.
121
Nous sommes fiers de faire partie de cette nouvelle
édition du DocBuenosAires, un festival international
de cinéma documentaire qui nous invite à découvrir
des productions du monde entier et à connaître
les tendances audiovisuelles. En ce sens, nous
célébrons et accompagnons une initiative qui a ces
caractéristiques : un travail en équipe qui présente
un programme riche et divers dans la ville autonome
de Buenos Aires. Car aux projections s’ajoutent
des séminaires, des ateliers et des marchés, qui
produisent la rencontre, favorisent le débat, la
participation et la formation de ceux qui y assistent ;
que chaque festival ou rencontre cinématographique
qui se réalise, s’incorpore à une carte culturelle dans
notre pays, plein de possibilités. Pas seulement pour
ceux qui les produisent, mais aussi pour ceux qui
peuvent y participer, en tant que public, c’est ainsi que
s’enrichit ce circuit. Un circuit qui a besoin d’un grand
nombre de spécialistes pour fonctionner : producteurs,
acteurs, réalisateurs, techniciens et spectateurs, dans
une relation qui enrichit l’industrie audiovisuelle.
Une nouvelle édition du DocBuenosAires à laquelle
nous avons l’honneur d’assister, et nous souhaitons
qu’il y en ait de nombreuses autres !
Lucrecia Cardoso
Présidente
Institut National du Cinéma et des Arts Audiovisuels
122
Projections Spéciales
Retrouvailles et adieu
par Luciano Monteagudo
Comme tous les ans, quelques vieux amis du Doc
reviennent dans la section Projections Spéciales,
à laquelle s’ajoutent de nouveaux amis. Il y a
deux ans, nous avons consacré une rétrospective
intégrale à l’œuvre documentaire de l’extraordinaire
cinéaste russo-ukrainien Sergei Loznitsa, et cette
année son dernier film, Maidan, récompensé lors
du dernier Festival de Cannes, sera à la fois notre
film d’ouverture et de clôture. Et il y a de quoi. Les
130 minutes qu’obtient Loznitsa avec ces trois mois
de résistance et de combat pendant lesquels les
habitants de Kiev ont soutenu la prise de la place de
Maïdan sont fascinantes, car, à la différence de ce
qu’aurait fait n’importe quel autre documentaliste,
le réalisateur ukrainien n’a pas tourné le reportage
en urgence, typique, bâclé, qu’on fait généralement
pour rendre compte de ces évènements ; il a, au
contraire, appliqué un dispositif de mise en scène
extrêmement rigoureux. Bien que – pour la première
fois dans sa carrière – Loznitsa ait dû travailler avec la
réalité immédiate, sans une minutieuse planification
préalable, comme à son habitude, il a imprimé son
génie de cinéaste au problème. Il a exclu tout type
d’interviews, de narrateurs ou de leaders, il a utilisé
des grands plans généraux fixes et des longues
prises sans interruptions. Mais il a, par-dessus tout,
systématiquement évité le grand angle et la caméra
au poing, tellement télévisuelle et éculée dans ces
cas-là. Le résultat est tout simplement étonnant, une
œuvre d’art d’exception qui rend compte globalement
de ces évènements, mais qui en même temps les
dépasse, de la meilleure manière possible, comme si
avec une révolution on pouvait toutes les raconter.
Critique, théoricien, cinéaste et enseignant, le
français Jean-Louis Comolli, qui a également eu sa
rétrospective au sein du DocBuenosAires – et qui
est présent dans quasiment toutes les éditions –
nous offre à cette occasion un cadeau inattendu :
l’avant-première mondiale de Cinéma documentaire,
fragments d’une histoire, sa lecture brillante, lucide du
genre, une production de Gérard Collas pour l’Institut
national de l’audiovisuel (INA) tout juste terminée, que
les nombreux adeptes de Comolli dans notre ville ne
pourront se dispenser de voir.
Dans le cas de Les Architectes du Sauerbruch
Hutton, il s’agit d’un adieu. Lorsque nous avons vu
le film en mars, dans le cadre de Cinéma du réel
au Centre Pompidou de Paris, et que nous l’avons
immédiatement sélectionné pour le Doc, nous ne
pouvions pas imaginer que ce serait la dernière
réalisation de l’allemand Harun Farocki, autre
théoricien et documentaliste qui, comme Comolli,
a aussi (et continuera d’avoir, malgré sa mort
prématurée) une légion d’inconditionnels à Buenos
Aires. Son dernier film revient sur un sujet qui a
toujours obsédé Farocki, la difficulté essentielle de
filmer ce qui se résiste à être filmé : l’abstraction,
la pensée. Complètement immergé dans le travail
quotidien de ce célèbre cabinet d’architectes
berlinois, le réalisateur revient, pour la première
fois depuis de nombreuses années, au documentaire
pur et dur. Mais il l’a évidemment fait à sa façon,
confrontant le verbe et la matière. Tout son film,
qui ne perd pas une bribe des discussions des
architectes entre eux, puis avec leurs entrepreneurs,
met en scène l’art essentiel de l’architecture :
produire des formes à partir de discours.
Un autre allemand, Thomas Heise, qui fut une
découverte du DocBuenosAires 2006 avec une
rétrospective qui, toujours en collaboration avec
l’Institut Goethe, s’est actualisée au cours de ces
dernières années, revient également au Doc. De la
même façon qu’un de ses documentaires précédents,
Système solaire, l’avait conduit dans le nord argentin,
aujourd’hui Städtebewohner part d’un poème de
jeunesse de Bertolt Brecht pour s’approcher du petit
enfer de la Communauté San Fernando, une prison
mexicaine pour mineurs, filmée en un noir et blanc
beau et rigoureux.
Puisque d’institutions il s’agit, dans À ciel ouvert, la
française Mariana Otero (dont nous avions projeté
il y a quatre ans le magnifique Entre nos mains) se
plonge, avec la sensibilité et la capacité d’observation
qui la caractérisent, dans un institut pour enfants
psychiquement et socialement en difficulté. À
l’opposé de cette tranche d’âge, dans le film Des
adieux, la réalisatrice canadienne Carole Laganière
(aidée pour la production de l’argentine Franca
González) s’immerge, avec autant de délicatesse que
de courage, dans un centre de soins palliatifs pour
malades en phase terminale.
Enfin, La Côte de la Mort, du « galicien » Lois Patiño,
lauréat de la section Cinéastes du Présent du festival
de Locarno 2013, a sa place dans le programme (bien
que déjà présenté au dernier BAFICI) parce que les
bons films méritent toujours une deuxième chance.
123
Maidan
UKRAINE-PAYS-BAS, 2014, 130’
RÉAL. Sergei Loznitsa • PROD. Sergei Loznitsa,
Maria Baker • IMAGE Sergei Loznitsa, Sergiy Stefan
Stetsenko, Mykhailo Yelchev • MONT. Danielius
Kokanauskis, Sergei Loznitsa • SON Vladimir
Golovnitzkiy • PROD. PAR Atoms&Void, The
Netherlands Film Fund, Against Gravity.
Maidan est une chronique de la rébellion civile
contre le régime du président Yanulovich, qui a eu
lieu à Kiev (Ukraine) pendant l’hiver 2013/2014. Le
film suit le développement de la révolution : des
manifestations pacifiques d’un demi-million de
personnes sur la place Maïdan aux affrontements
sanglants entre les manifestants et la police antiémeute. Maidan est le portrait d’une nation qui se
réveille et découvre son identité. « Contrairement à de
nombreux documentaires réalisés sur un évènement
historique, Maidan continuera à être d’actualité audelà des turbulences de l’Ukraine comme un témoin
indispensable et une réponse paradigmatique à un
moment extraordinaire, trop récent pour être assimilé
dans sa totalité. Le cinéaste, Sergei Loznitsa, qui a
grandi à Kiev, revient à ses racines de non-fiction et se
sert exclusivement de plans fixes filmés de décembre
2013 à février 2014, captant de manière émouvante et
minimaliste le parcours de la protestation qui passe de
l’euphorie au harcèlement. » (Jay Weissberg, Variety).
Les Architectes du Sauerbruch Hutton
(Sauerbruch Hutton Architekten)
ALEMAGNE, 2013, 73’
RÉAL. Harun Farocki • SCÉN. Harun Farocki •
IMAGE Harun Farocki • MONT. Ingo Kratisch •
SON Matthias Rajmann • PROD. PAR Harun Farocki
Filmproduktion.
Des architectes au travail : rien de plus cinématographique a priori, rien de plus graphique même qu’une
alternance de plans entre le dessiné et le bâti, entre
le plan et le tridimensionnel. Mais ce film au titre
très corporate tourné trois mois durant au sein d’un
grand cabinet berlinois s’écarte de cette netteté pour
instiller un doute généralisé – un doute pas tant sur
la valeur de ceux qu’il filme que sur son propre regard
critique. […] Dans ce portrait de groupe, les créateurs
124
apparaissent à la fois comme des maîtres rhétoriciens
et comme des enfants jouant avec les matériaux et les
couleurs. A travers leurs palinodies, ce ne sont rien
moins que les rapports entre le verbe et la matière
qu’interroge Farocki – qui à n’en pas douter trouve
aussi un miroir du cinéma dans le mystère renouvelé
de l’art architectural : produire des formes à partir de
discours (Charlotte Garson, Cinema du Réel).
La Côte de la Mort
(Costa da morte)
ESPAGNE, 2013, 84’
RÉAL. Lois Patiño • SCÉN. Lois Patiño • PROD. Felipe
Lage Coro, Martin Pawley • IMAGE Lois Patiño •
MONT. Pablo Gil Rituerto, Lois Patiño • SON Miguel
Calvo “Maiki”, Erik T. Jensen • PROD. PAR Zeitun
Films.
Dans la vie quotidienne, le comportement optique
imite rarement le panoramique du cinéma. Peutêtre est-ce pour cela qu’il y a peu de panoramiques
comme plans principaux. Dans La Côte de la
Mort, à l’exception de trois plans moyens, le plan
panoramique domine la mise en scène. Réinventer
la vision dans le cinéma ? La conception du paysage
dans le cinéma de Patiño atteint ici sa plus grande
épuration. Dans son premier long-métrage, il
choisit une ville côtière de la Galice pour pousser
à l’extrême sa méthode, et prend une décision
inattendue : donner une place substantielle à la
parole. Son esprit démocratique est ce qu’il y a de
fascinant : le discours du film est le paysage. Parfois,
les hommes racontent des histoires de naufrages
et de guerres, tentent de faire les généalogies
comiques des noms des montagnes environnantes,
se remémorent des anecdotes. Mais c’est La Côte
de la Mort qui parle pour eux, parce qu’on les voit
toujours comme une partie du paysage. La sensibilité
intelligente du registre est incontestable. À une
époque où l’expérience perceptive se confond avec
la réalité anabolique de la 3D, le film de Patiño arrive
pour purifier la rétine du spectateur » (Roger Koza,
catalogue du 16e BAFICI).
Des adieux
À ciel ouvert
CANADA-ARGENTINE, 2014, 63’
FRANCE-BÉLGIQUE, 2014, 113’
RÉAL. Carole Laganière • IMAGE Franca González •
MONT. Aube Floglia, Arianne Pétel-Despots •
SON Lucas Meyer • MUSIQUE Luc Sicard • PROD.
PAR Les Productions Sous Zéro, Franca González Cine,
RÉAL. Mariana Otero • SCÉN. Mariana Otero, Anne
Paschetta • PROD. Denis Freyd, Jean-Pierre et Luc
Dardenne • IMAGE Mariana Otero • MONT. Nelly
Quettier • SON Olivier Hespel, Félix Blume •
MUSIQUE Fred Fresson • PROD. PAR Archipel 33, Arte
INCAA, ONF/NFB.
Des adieux est une immersion dans un centre de soins
palliatifs, la Maison Michel-Sarrazin, à Québec. Un
lieu qui vit grâce à la générosité et à l’écoute des
bénévoles et de ceux qui y travaillent, un lieu où on
meurt dans la dignité. Filmé sur une période de trois
semaines, la durée moyenne du séjour des patients,
Des adieux témoigne des derniers instants, beaux et
douloureux, de ceux qui s’apprêtent à mourir. Il rend
compte des gestes, des mots, des petits riens de ceux
qui partent et de ceux qui les saluent.
Städtebewohner
ALEMAGNE, 2014, 87’
RÉAL. Thomas Heise • SCÉN. Thomas Heise •
PROD. Thomas Heise • IMAGE Robert Nickolaus •
MONT. Mike Gürgen • SON Markus Krohn •
MUSIQUE Bowen Liu • PROD. PAR Heise Film,
Hochschule für Film und Fernsehen Konrad Wolf.
Le début montre un paysage de banlieue poussiéreux
qu’accompagne un poème de Bertolt Brecht écrit
en 1921, récité par une jeune femme. Il traite de la
disparition d’un homme, de la façon dont son attente
puis son souvenir s’estompent. Städtbewohner
raconte l’histoire du quotidien dans la communauté
de San Fernando, une prison de Mexico. Deux cents
prisonniers y vivent actuellement, des délinquants
condamnés lorsqu’ils étaient mineurs et qui seront
libérés à l’âge adulte de 23 ans. Par de silencieuses
observations, le film montre la vie des détenus de San
Fernando.
France Cinéma, Les Films du Fleuve, RTBF.
Alysson observe son corps avec méfiance. Evanne
s’étourdit jusqu’à la chute. Amina ne parvient pas
à faire sortir les mots de sa bouche. À la frontière
franco-belge, existe un lieu hors du commun qui prend
en charge ces enfants psychiquement et socialement
en difficulté. Jour après jour, les adultes essaient de
comprendre l’énigme que représente chacun d’eux
et inventent, au cas par cas, sans jamais rien leur
imposer, des solutions qui les aideront à vivre apaisés.
Au fil de leurs histoires, À ciel ouvert nous ouvre à leur
vision singulière du monde.
Cinéma documentaire, fragments d’une
histoire
FRANCE, 2014, 60’
RÉAL. Jean-Louis Comolli • PROD. PAR Les Films d’Ici,
INA, Documentaire sur Grand Écran, Mouvement, Ciné
Plus.
Une traversée (très) subjective de l’histoire du cinéma
documentaire, qui est aussi notre histoire, depuis
Louis Lumière (1895) jusqu’à Yann Le Masson (1973).
Avec des citations de Robert Flaherty, Dziga Vertov,
Jean Rouch, Mario Ruspoli, Robert Drew, Johan van
der Keuken, Maurice Pialat, Guy Debord, Joris Ivens,
Luis Buñuel, Shohei Imamura, Pierre Perrault.
125
Situation du documentaire latinoaméricain
par Carmen Guarini
Nous sommes très heureux de pouvoir rassembler
dans cette édition 2014 une production de cinéma
documentaire latino-américain riche en qualité, en
quantité et en représentativité. Cela fait état de
l’étonnante croissance du genre documentaire dans
la région. De par leurs sujets comme de par leurs
traitements, les productions apportent toutes au
langage cinématographique, et aux histoires qu’elles
racontent, de la nouveauté, de la surprise et un
témoignage de l’actualité. Un moment historique
où les démocraties qui accompagnent la croissance
culturelle et le débat font preuve d’une grande
maturité dans la production cinématographique
de nombreux de nos pays, y compris de ceux où
ce genre se développe depuis peu. C’est d’autant
plus satisfaisant pour le DocBuenosAires d’avoir pu
rassembler une programmation aussi diversifiée avec
autant de pays représentés. Il n’est pas possible
dans ces quelques lignes de rendre compte de tous
ces films mais nous tenterons de donner une vue
d’ensemble pour que les spectateurs s’orientent selon
leurs intérêts.
Le documentaire andin traverse un moment de force
et de croissance sans précédent. La Mort de Jaime
Roldós (Équateur ; Manolo Sarmiento et Lisandra I.
Rivera) est un film qui, pendant deux heures, combine
le journalisme d’investigation et l’essai, à partir d’un
étonnant matériel d’archive inédit jusqu’à ce jour dans
son propre pays. Monte adentro (Colombie-Argentine ;
126
Nicolás Macario Alonso) est un film d’une grande
beauté qui pénètre le monde de ce qui reste des
familles de muletiers de ce pays caribéen. Une vision
de la simultanéité des mondes qui nous habitent. Et
que, de plus, nous pourrions faire dialoguer avec la
liberté créative d’ L’enclos et le Vent (Bolivie ; Miguel
Hilari), réalisé avec une équipe extrêmement réduite
qui, à la recherche d’une histoire personnelle, capte
avec sensibilité une communauté de la région du lac
Titicaca en plein processus de changement.
En provenance d’Amérique Centrale, nous présentons
pour la première fois une production panaméenne,
Reines (Ana Endara), qui aborde la face cachée
des concours de beauté dans des pays où ils sont
réellement un phénomène culturel en pleine vigueur.
Il nous émeut par sa vision et ses histoires, dont
l’humanité et la perspective de grande subtilité
critique sont surprenantes. Non loin de là, nous
trouvons Toi et moi (République Dominicaine ; Natalia
Cabral et Oriol Estrada), dont les réalisateurs font un
suivi intéressant de la vie de deux femmes qui vivent
ensemble mais avec des rôles bien différenciés,
puisqu’il s’agit de la maîtresse de maison et de sa
« servante ». Les conflits affleurent et la caméra est là
pour nous montrer, presque sans censure, les récits
de pouvoir et des différences ethniques et sociales
à échelle domestique. Par ailleurs, Hotel Nueva Isla
(Cuba-Espagne ; Irene Gutiérrez) nous conduit à cette
île toujours aussi pleine de couleurs et controversée
pour montrer la vie d’un homme qui passe ses
journées enfermé dans ce qui fut le luxueux Hotel
Nueva Isla, aujourd’hui devenu un refuge pour les
sans-logis. L’univers du conflit du logement dans une
société qui tente de se reconstruire jour après jour.
Dans ce même secteur géographique, nous pouvons
citer un film qui a récemment été récompensé : Café
(Mexique ; Hatuey Viveros Lavielle), qui nous emmène
dans la Sierra de Puebla pour nous raconter l’histoire
d’un membre de la communauté nahuatl qui, dans
le dépassement de soi-même, doit, simultanément,
prendre en charge la réalité de la famille dans
le respect des traditions tout en pouvant être le
défenseur légal de sa communauté.
Du même pays, nous présentons Carmita (Israël
Cárdenas, Laura Amelia Guzmán), une sorte de biopic
sur une actrice cubaine singulière, Carmita Ignarra,
qui, à 80 ans, déploie une grande énergie, bien qu’elle
se souvienne et vive submergée dans les regrets d’une
carrière avortée à Hollywood.
Du sud de cette région du monde, nous parvient
aussi un panorama très intéressant. Du Paraguay, un
pays qui produit très peu, nous arrive Temps couvert
(Paraguay-Suisse ; Arami Ullón), une coproduction qui
explore un conflit personnel sur un sujet universel :
la vieillesse, la maladie, les décisions à prendre
dans la vie. Un film qui nous plonge dans l’intimité
de la réalisatrice et de sa famille et qui nous montre
avec retenue et une grande maîtrise narrative des
conflits personnels dans lesquels beaucoup d’entre
nous pouvons nous reconnaître. São Silvestre (Brésil ;
Lina Chamie) est un documentaire expérimental et
sensoriel qui nous introduit dans un rituel urbain
de São Paulo : une course à pied qui a lieu dans la
mégapole brésilienne chaque 31 décembre.
Du Chili, nous arrive aussi un film collectif réalisé par
la Fundación MAFI, Propagande, qui s’avère être un
parcours inédit et visuel de la campagne présidentielle
de 2013, qui a débouché sur l’élection de l’actuelle
présidente de ce pays. Pour sa part, La Valse des
inutiles (Chili-Argentine ; Edison Cájas) raconte, par
l’intermédiaire de deux protagonistes, des histoires
personnelles qui font partie de la lutte des étudiants
chiliens pour obtenir la gratuité de l’éducation. Du
pays voisin, nous arrive Avant (Uruguay-Argentine ;
Juan Álvarez Neme), qui relate du point de vue
de l’observation la renaissance de la compagnie
nationale de ballet menée à bien par Julio Bocca, un
des meilleurs danseurs de tous les temps. Également,
Je suis José Mujica… le pouvoir est dans le cœur
(Uruguay-France ; LucíaWainberg), qui réalise un
voyage poétique au cœur du pouvoir – ou comment
filmer la politique autrement – à travers le portrait de
José « Pepe » Mujica, le leader uruguayen légendaire,
un révolutionnaire vivant, filmé caméra au poing sur
un ton intime et surprenant.
La Mort de Jaime Roldós
(La muerte de Jaime Roldós)
ÉQUATEUR-ARGENTINE, 2013, 125’
RÉAL. Manolo Sarmiento, Lisandra I. Rivera •
SCÉN. Manolo Sarmiento, Daniel Andrade •
PROD. Manolo Sarmiento, Lisandra I. Rivera •
IMAGE Daniel Andrade • MONT. Manoela Ziggiatti,
Sergio Venturini • SON Esteban Brauer, Juan
José Luzuriaga, Diego Germán Kartaszewic •
MUSIQUE Daniel Mancero • PROD. PAR LaMaquinita,
M&S.
L’histoire de l’Équateur s’est trouvée ébranlée
par la mort soudaine du président Jaime Roldós
et de sa femme, Martha Bucaram, en 1981, dans
un accident d’avion suspect. Décrit par Gabriel
García Márquez comme un « président au cœur
généreux », Roldós avait recherché le leadership
démocratique d’un continent soumis au pouvoir de
dictatures militaires brutales. Le film examine ses
deux morts : la probable conspiration générée par
sa politique de défense des droits de l’homme sur
le continent et le drame shakespearien de ses trois
enfants, confrontés à la manipulation de l’image de
leurs parents par un parti populiste qu’ont créé des
membres de leur propre famille. Après trente ans
de silence, combinant journalisme d’investigation et
essai cinématographique, le film nous fait découvrir
un chapitre inconnu et surprenant de l’histoire de
l’Amérique Latine qui nous renvoie profondément à
celle du présent.
L’Enclos et le Vent
(El corral y el viento)
BOLIVIE, 2014, 55’
RÉAL. Miguel Hilari PROD. Miguel Hilari MONT.
Miguel Hilari SON Lluvia Bustos PROD. PAR NairaCine,
Cinemateca Boliviana, Color Monster.
« Jadis, les premiers hommes sortirent des eaux du lac
Titicaca. Longtemps après, mon grand-père Pedro Hilari,
un Aymara, a été enfermé dans un enclos avec les ânes
pour avoir voulu apprendre à lire et à écrire l’espagnol.
Il n’existe pas de photos de mon grand-père et je ne l’ai
pas connu. De par sa volonté de lire et écrire l’espagnol,
d’envoyer ses enfants à l’école, ma famille existe telle
qu’elle existe aujourd’hui. Santiago de Okola, tel qu’il
127
était du temps de mon grand-père, n’existe plus. Bien
que la communauté soit un lieu où les traditions se
maintiennent, elle est aussi un lieu de transformations
rapides. Je veux filmer la communauté dans son
processus de changement, en passe de devenir autre.
Je souhaite par ce film me rapprocher de la mémoire
présente de mon grand-père. Je veux découvrir son
influence dans la vie quotidienne de ses enfants. En
cherchant mon grand-père, c’est aussi moi que je
cherche » (Miguel Hilari).
Temps couvert
(El tiempo nublado)
PARAGUAY-SUISSE, 2014, 92’
RÉAL. Arami Ullón • SCÉN. Arami Ullón •
PROD. Pascal Trächslin, Arami Ullón • IMAGE Ramòn
Giger • MONT. Mirjam Krakenberger • SON JeanPierre Gerth, Oswald Schwander • MUSIQUE Marcel
Vaid • PROD. PAR Cineworx Filmproduktion GmbH,
Arami Ullon.
D’aussi loin que remontent les souvenirs d’Arami,
sa mère souffre d’épilepsie et de la maladie de
Parkinson. Étant la fille unique d’un père absent,
Arami a dû se charger d’elle-même et de sa mère
depuis toute jeune. Depuis quelques années, elle
essaie de construire son propre bonheur en Suisse, où
elle vit en couple avec Patrick. Sa mère vit toujours au
Paraguay avec Julia, une accompagnante qui n’a pas
la formation requise pour cette tâche, qui s’occupe
d’elle toute la journée en échange d’un modeste
salaire. La santé de sa mère se détériore de plus en
plus. Julia ne peut plus faire face à la situation et veut
quitter son travail. Puisque personne d’autre qu’Arami
ne peut s’occuper de sa mère, elle doit revenir au
Paraguay. Sera-t-elle capable de trouver une solution
à la situation dans un pays où les personnes âgées
sont principalement à la charge de leurs familles ?
Devra-t-elle renoncer à sa propre vie en Europe et
rester auprès de sa mère ? Temps couvert est un film
extrêmement personnel sur un sujet universel que
nous devrons tous affronter : que ferons-nous de nos
parents quand ils seront âgés et malades ?
128
Reines
(Reinas)
PANAMA, 2013, 65’
RÉAL. Ana Endara Mislov • PROD. Pilar Moreno, Ana
Endara Mislov • IMAGE Ana Endara Mislov, Francisco
Málaga, Raphael Salazar • MONT. Víctor Mares •
SON Carlos Urriola • PROD. PAR Mansa Productora.
Une petite fille de Kinder, une caissière de supermarché
et une vieille dame dans un hospice ont quelque chose
en commun : elles veulent être reines. Elles ne veulent
pas gagner un concours de beauté, les royaumes sont
autre chose. Au Panama, il y a une couronne pour qui
en rêve, un pays sans monarchie officielle plein de
reines. Une exploration à la fois critique et affectueuse
d’un phénomène national de longue tradition, Reines
nous conduit dans le monde spectaculaire, stressant
et parfois bizarre des royaumes. Faisant intégralement
partie du folklore panaméen, les reines symbolisent le
côté festif de l’esprit collectif du peuple de cet isthme,
mais promeuvent aussi une idée de la femme qui ne
cesse d’être insoluble et préoccupante.
Toi et moi
(Tú y yo)
RÉPUBLIQUE DOMINICAINE, 2014, 87’
RÉAL. Natalia Cabral, Oriol Estrada • SCÉN. Natalia
Cabral, Oriol Estrada • PROD. Natalia Cabral, Oriol
Estrada • IMAGE Oriol Estrada • MONT. Oriol Estrada •
SON Natalia Cabral, Oriol Estrada • PROD. PAR Faula
Films.
La Doña, une veuve d’environ 70 ans, et Aridia, une jeune
domestique, vivent ensemble dans un petit appartement
rempli d’orchidées du centre de Saint-Domingue. Aridia
fait le ménage, la Doña s’occupe de ses plantes et quand
il n’y a pas beaucoup de travail, elles partagent les potins
sur les habitants du quartier. Mais parfois, l’ambiance
est tendue : la Doña se réveille de mauvaise humeur,
elle en rend coupable Aridia et quand celle-ci essaie de
se défendre, la Doña lui rappelle « quelle est sa place ».
Elles se fâchent et ne s’adressent pas la parole. Mais les
heures passent, le feuilleton télé commence, quelque
chose arrive dans le quartier, et comme si de rien n’était,
la Doña et Aridia se rapprochent et finissent la journée
en riant toutes les deux… Le film est un prétexte pour
observer de près une relation, pour percevoir ce qui se
passe quand les frontières semblent s’estomper dans
un espace où les différences de classe et la race restent
ancrées dans la culture.
São Silvestre
Carmita
BRÉSIL, 2013, 80’
MEXIQUE, 2013, 75’
RÉAL. Lina Chamie • SCÉN. Lina Chamie •
PROD. Denise Gomes, Paula Cosenza • IMAGE José
Roberto Eliézer • MONT. Umberto Martins • SON Lina
Chamie, Eduardo Santos Mendes, Luiz Adelmo • PROD.
PAR Bossa Nova Films, Girafa Filmes.
RÉAL. Israel Cárdenas, Laura Amelia Guzmán •
SCÉN. Laura Amelia Guzmán, Israel Cárdenas •
PROD. Israel Cárdenas, Laura Amelia Guzmán,
Benjamín Domenech, Santiago Gallelli • IMAGE Israel
Cárdenas • MONT. Israel Cárdenas, Theo Court,
Benjamín Domench • SON Alejandro de Icaza, Israel
Cárdenas • MUSIQUE Alejandro de Icaza, Israel
Cárdenas • PROD. PAR Aurora Dominicana, Instituto
La Course de São Silvestre, qui a lieu tous les 31
décembre à São Paulo, est une date très importante
dans le calendrier des coureurs. Un évènement annuel
marquant dans cette mégapole brésilienne. C’est
un film sur la compétition, sur l’entraînement et le
coureur, sur la multitude, l’urbanisme, l’architecture et
l’expérience urbaine, et sur la fatigue : nous avons peu
de fois dans le cinéma été aussi proches des corps
des athlètes, y compris à l’intérieur des corps mêmes,
grâce à un travail sonore spécialement important et
brillant. Nous respirons et notre cœur bat avec eux,
dans un évènement sportif, urbain et expérimental à la
fois raconté et décrit de façon intense et prenante.
Café
MEXIQUE, 2014, 80’
RÉAL. Hatuey Viveros Lavielle • SCÉN. Mónica Revilla,
Hatuey Viveros Lavielle • PROD. Carlos Hernández
Vázquez, Hatuey Viveros Lavielle • IMAGE Hatuey
Viveros Lavielle • MONT. Pedro García • SON Axel
Muñoz Barba • PROD. PAR Aldea Cine, Foprocine.
Jorge vit dans une communauté nahuatl située dans la
Sierra de Puebla. Il termine cette année ses études de
Droit et pense partir en quête de son développement
professionnel. Cependant, il sait que cela implique de
laisser derrière lui sa famille et la communauté qu’il
s’est efforcé d’aider. Jorge a décidé d’attendre que la
famille entière soit réunie, comme le veut la tradition,
pour le deuxième anniversaire de la mort de son père,
pour prendre une décision.
Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes.
À 80 ans, l’actrice cubaine Carmita Ignarra a assez
d’énergie pour apparaître à la télévision locale
de Monterrey, être à l’écoute de ses fans et se
plaindre de son ex-mari, qui a anéanti son rêve d’une
éventuelle carrière à Hollywood. Laura, une jeune
caribéenne, lui rend visite avec l’intention de nettoyer
la maison et de faire un documentaire sur sa carrière
hollywoodienne avortée. Cette visite inattendue
nous permet de connaître son monde ancré dans les
souvenirs dorés d’une époque.
Propagande
(Propaganda)
CHILI, 2014, 61’
RÉAL. Christopher Murray, Israel Pimentel, Maite
Alberdi, María Paz González, Ignacio Rojas, Antonio
Luco, Adolfo Mesías, Juan Francisco González, Valeria
Hofmann, Fernando Lavanderos, Carlos Araya, Jeremy
Hatcher, Simón Vargas, Pelayo Lira, Felipe Azúa,
Orlando Torres • SCÉN. Maite Alberdi, Antonio Luco,
Christopher Murray • PROD. Diego Pino Anguita •
IMAGE Adolfo Mesías, Jeremy Hatcher, Victoria
Jensen, Diego Lazo • MONT. Andrea Chignoli •
SON Sebastián Arjona, Carlo Sánchez, Camila Pruzzo,
Andrés Zelada • PROD. PAR Fundación MAFI.
Propagande est un suivi de la campagne présidentielle
chilienne de 2013, au milieu du mécontentement
social le plus important des dernières années. Une
caravane d’une seule voiture traverse le désert, une
banderole protestataire couvre l’avenue Alameda, un
candidat répand des rumeurs sur les sondages dans
un petit bureau. Propagande propose un voyage visuel
dans les recoins les plus singuliers d’une période
électorale, invitant à réfléchir sur la relation complexe
entre la classe politique et les citoyens, à travers le
regard de plusieurs cinéastes du pays.
129
Avant
Hotel Nueva Isla
URUGUAY-ARGENTINE, 2014, 90’
ESPAGNE-CUBA, 2014, 71’
RÉAL. Juan Álvarez Neme • PROD. Virginia Bogliolo •
IMAGE Juan Álvarez Neme • MONT. Juan Álvarez
Neme • SON Daniel Yafalián, Rafael Álvarez •
MUSIQUE Daniel Yafalián • PROD. PAR Tarkiofilm,
RÉAL. Irene Gutiérrez • SCÉN. Irene Gutiérrez, Javier
Labrador, Lorenzo Mora • PROD. José Alayón, Claudia
Calviño • IMAGE Javier Labrador • MONT. Manuel
Muñoz • SON Sergio Fernández • MUSIQUE Carlos
García • PROD. PAR El Viaje Film.
Une compagnie nationale de ballet oubliée, située
dans un théâtre en construction, revit avec l’arrivée de
Julio Bocca, l’un des meilleurs danseurs de tous les
temps. Bocca accepte le défi d’élever cette compagnie
à un niveau de compétence international. Le film
explore l’espace par l’intermédiaire de l’observation
de la routine quotidienne, dans un décor changeant
qui est le propre de leur vie, des danseurs, des
travailleurs, des techniciens et des agents d’entretien.
Avant est le portrait d’une transformation qui donne
une vision de ce que nous sommes par ce que nous
faisons.
Jorge passe ses journées enfermé dans ce qui était
jadis le luxueux hôtel Nueva Isla, qui sert aujourd’hui
de refuge aux sans-logis. Mais le passage du temps
et l’abandon en ont fait une ruine où il est dangereux
de vivre. Le peu d’occupants encore là s’en vont
progressivement et laissent Jorge, qui s’accroche à
cet univers qu’il s’est lui-même construit. Lorsque
l’évacuation est imminente, Jorge sait que non
seulement viendra la démolition de l’hôtel, mais
aussi la fin d’un mode de vie et d’une époque à Cuba.
Abandonné par sa femme et ses enfants, comme un
Don Quichotte oublié et perdu, la seule motivation
de Jorge est de continuer les fouilles auxquelles il
se consacre depuis des années : explorer les ruines
dangereuses de l’hôtel, convaincu que ses anciens
propriétaires y ont caché des objets de valeur avant de
fuir la révolution cubaine.
Trivialmedia.
Monte adentro
COLOMBIE-ARGENTINE, 2014, 79’
RÉAL. Nicolás Macario Alonso • SCÉN. Nicolás
Macario Alonso • PROD. Heike Maria Fischer,
Nicolás Macario Alonso • IMAGE Mauricio Vidal •
MONT. Felipe Guerrero • SON Miller Castro, José
R. Jaramillo, Lena Esquenazi • MUSIQUE Alejandro
Ramírez Rojas • PROD. PAR Flor de Producciones,
Señal Colombia.
Deux frères, issus d’une famille de muletiers
colombiens, mènent des vies très différentes : l’un
est parti pour la ville s’occuper de leur mère malade,
tandis que l’autre est resté dans la maison familiale
pour poursuivre le métier. Ils se retrouveront pour
une dernière expédition, qui ressemble beaucoup à
celle de Fitzcarraldo. Un film imprégné de la beauté
du paysage et de l’énergie des corps au travail, qui
explore l’univers d’une des dernières familles de
muletiers en Colombie. Le documentaire suit le convoi
de mules des deux frères, « les gitans », dans les
montagnes de la province de Caldas, tandis qu’ils
essaient de faire vivre leur famille, comme autrefois
leur père et leur grand-père, malgré le manque de
travail dans cette profession.
130
Je suis José Mujica… le pouvoir est
dans le cœur
(Soy José Mujica… el poder está en el corazón)
URUGUAY-FRANCE, 2013, 52’
RÉAL. Lucía Wainberg • PROD. Lucía Wainberg.
Un voyage poétique au cœur du pouvoir ou comment
filmer la politique autrement ; un regard sensible sur
le devenir de la démocratie. Ce film fait le portrait de
José « Pepe » Mujica, leader historique uruguayen,
révolutionnaire vivant, enregistré caméra au poing, sur
un ton intime et inattendu ; une interview personnelle
qui se transforme en un message universel pour
l’avenir. Inspirée par le texte de Hanna Arendt, « La
politique a-t’elle encore un sens ? », une jeune
femme interroge le devenir de la démocratie avec son
regard. Le président iconoclaste plante sa vision pour
affronter le nouveau millénaire avec créativité. Un
document précieux, réalisé au cours des huit dernières
années.
La Valse des inutiles
Sélection argentine
(El vals de los inútiles)
CHILI-ARGENTINE, 2013, 80’
RÉAL. Edison Cájas • SCÉN. Edison Cájas •
PROD. Tomás Gerlach, Fernando Domínguez, Rodrigo
López • IMAGE Edison Cájas • MONT. Melisa Miranda,
Edison Cájas • SON Alejandro Seba, Jerónimo Kohn •
MUSIQUE Pablo Grinjot • PROD. PAR Cusicanqui Films,
La Pata de Juana.
Darío est étudiant à l’Institut National. Miguel Ángel
est un brillant professeur de tennis. Pendant la
mobilisation sociale qui a éclaté au Chili en 2011,
tous deux décident de courir avec des milliers d’autres
autour du Palais du Gouvernement, La Moneda,
réclamant une éducation gratuite et de qualité.
L’expérience les pousse à remettre en question leurs
vies et à affronter les fantômes et les peurs du passé,
au milieu d’un pays convulsé et en quête d’identité.
Regards en construction
par Carmen Guarini
Dans cette nouvelle édition du DocBuenosAires,
nous avons le plaisir de présenter une sélection de
documentaires argentins de qualité exceptionnelle et
de durée aléatoire. Quantité ne signifie pas qualité.
C’est ainsi que, sans l’avoir planifié, nous avons
découvert des films, dont certains ont été présentés
dans d’autres festivals, mais qu’il nous a semblé
indispensable de situer dans le contexte de notre
sélection de cette année.
Le dernier film de Martín Solá, Hamdan (peut-être le
réalisateur avec le plus d’expérience) a qui plus est
une singularité : on pourrait le considérer comme la
première coproduction argentino-palestinienne. Déjà
un évènement en soi, il s’y ajoute une intéressante
proposition esthétique pour raconter l’histoire d’un
des si nombreux protagonistes de cette guerre
douloureuse et inégale que vit le peuple palestinien.
De son côté, La Boîte au-dessus de l’armoire, de
Lucía Riera, narre, dans un registre qui combine
photographie, mémoire et actualité, l’histoire d’un
immigrant suisse du XIXe siècle et d’un endroit qui
s’appelle San Rafael, dans la province de Mendoza. Il
combine aussi la simplicité et la surprise, menant le
spectateur à se pencher sur un passé commun à tant
d’autres villages de la région, mais toujours unique.
Les courts-métrages sélectionnés placent très haut
l’honneur de la production nationale de ce format, car
aussi bien La Reine, de Manuel Abramovich, Fuyant
le temps perdu, de Cinthia Rajschmir, que 3800,
rue Potosí, d’Ignacio Leonidas, sont de véritables
trouvailles narratives, chacun dans son style. Des
petites histoires de situations connues qui respirent
une particulière sensibilité du regard et du point de
vue qui les construisent. Avec une grande subtilité
photographique et un suivi étonnant de leurs
protagonistes, ces courts-métrages nous parlent de
la maturité de leurs réalisateurs qui, bien que jeunes,
promettent de nous surprendre davantage à l’avenir.
131
Hamdan
ARGENTINE - PALESTINE - NOUVELLE-CALÉDONIE,
2013, 75’
RÉAL. Martin Solá • SCÉN. Ali Mahmoud Hamdan
Sefan, Martín Solá • PROD. Jean François Corral,
René Boutin • IMAGE Gustavo Schiaffino •
MONT. Martín Solá, Alejandro Nantón, Lucas
Peñafort • SON Jonathan Darch, Omar Mustafá •
PROD. PAR Association aboro Anuu-RU.
Hamdan est un ancien leader palestinien qui a été
incarcéré 15 ans dans les vieilles prisons israéliennes.
En 1973, alors qu’il vivait en Syrie, il avait été chargé
de passer des explosifs de l’autre côté de la frontière
et d’entraîner une personne de confiance. Il avait choisi
Omar, un voisin de son village. Deux mois plus tard,
Omar prenait les devants sans respecter l’objectif
initial de la mission et faisait exploser une bombe dans
un autobus. L’enquête conduisit à Hamdan, qui fut
emprisonné. Le film reconstruit à travers ses souvenirs
les préparatifs de la mission et les années de prison.
La Boîte au-dessus de l’armoire
(La caja de arriba del ropero)
ARGENTINE, 2014, 60’
RÉAL. Lucía Riera SCÉN. Lucía Riera • PROD. Bernardo
Blanco • IMAGE Bernardo Blanco • MONT. Lucía
Riera • SON Martín Quinzio • MUSIQUE Abelardo
Saravia • PROD. PAR El Ojo y la Oreja.
Un commerçant suisse arrive en Argentine en 1896.
Sur le bateau, on lui parle d’une carte de trésor et il
part vers la cordillère. Il s’installe à San Rafael, dans
la province de Mendoza, parce qu’il tombe amoureux
de sa lumière. Il devient le photographe du village
et enregistre la naissance de la ville. Où sont ces
photographies ? Qui les détient ? Ce documentaire
est un collage fait de mémoire et de présent. Les
photographies de Juan Pi et le regard de l’équipe de
réalisation du documentaire composent une image
d’un endroit appelé San Rafael.
La Reine
(La reina)
ARGENTINE, 2013, 19’
RÉAL. Manuel Abramovich • PROD. Daniela
Raschcovsky • IMAGE Manuel Abramovich, Juan
132
Renau • MONT. Iara Rodríguez Vilardebó • SON Sofía
Straface • PROD. PAR Salomón Cine.
« Sa couronne est tellement lourde qu’ils ont dû enlever
des ornements. Elle ne pouvait pas la porter. Ça aurait
glissé de sa tête. Mais maintenant, elle ne veut plus
qu’on la change parce qu’elle est très jolie avec ».
Fuyant le temps perdu
(Huyendo del tiempo perdido)
ARGENTINE, 2014, 7’
RÉAL. Cinthia V. Rajschmir • SCÉN. Cinthia
V. Rajschmir • PROD. Cinthia V. Rajschmir •
IMAGE Santiago Mouriño • MONT. Cinthia Rajschmir,
Santiago Mouriño, Brian Bendersky • SON Santiago
Mouriño • MUSIQUE Horacio Straijer.
Roberto tient un manège. Tous les jours, il fait
fonctionner une machine qui, en tournant, définit le
mouvement des enfants sur le plateau, en même
temps qu’elle les invite à voler avec leur imagination.
Son manège fait partie de la vie de nombreuses
générations, de parents et de grands-parents qui
ont vu leurs enfants grandir et se transformer. Son
histoire parle du temps qui passe et qui ne revient
pas, des changements, mais aussi de ce qui demeure
et du combat de l’homme pour garder en vie les
vestiges d’une culture et d’une société qui semblerait
condamnée à disparaître.
3800, rue Potosí
(Potosí al 3800)
ARGENTINE, 2014, 16’
RÉAL. León Leonidas • SCÉN. León Leonidas •
IMAGE León Leonidas.
Tôt, à la tombée du jour, les piaillements des oiseaux
ne sont plus ce qu’ils étaient, puisqu’on ne les
entend plus. Scies, coups de marteaux et autres
outils réveillent les habitants du quartier dans une
ville qui s’alimente de ceux qui viennent de loin,
pour construire, pour travailler jour après jour. La
coexistence des travailleurs et des riverains qui
partagent les espaces d’une ville qui évolue comme un
organisme vivant. Une construction et une destruction
constantes. Les bruits et l’incapacité d’entendre nos
voix.
Le Tunnel du temps
Le Passage du temps
par Luciano Monteagudo
S’il y a quelque chose qui distingue le documentaire
pensé originalement pour le cinéma du matériel
forgé pour la télévision, c’est son utilisation du
temps. Tandis que le documentaire pour la TV, aussi
estimable et intéressant qu’il soit, se limite en général
aux contingences, à l’information pure et dure, à
l’investigation ou au simple reportage, il y a un autre
type de documentaire qui requiert l’introspection de la
salle obscure et qui a été conçu sans aucune urgence.
Au contraire, il joue avec le temps en sa faveur, il se
permet de développer un projet parfois durant des
années, voire des dizaines d’années.
Et s’il y a une cinéaste qui a fait de cette méthode
de travail quasi un credo, c’est la tchèque Helena
Třeštíková (Prague, 1949). L’année dernière, le
DocBuenosAires a présenté son extraordinaire
Soukromy Vesmir (Cosmos privé), qui suivait la petite
grande histoire du fils d’une famille proche, de sa
naissance en 1974, en pleine période socialiste,
jusqu’à nos jours, 38 ans après, les murs et les
certitudes désormais tombés. Aujourd’hui, dans Vojta
Lavicka : Hauts et bas, présent dans cette nouvelle
édition du DocBuenosAires, Třeštíková déploie une
fois de plus la singularité de sa méthode. Cette fois-ci,
elle s’immerge dans les travaux et les jours de Vojta,
un jeune homme tchèque d’origine rom ou gitane,
durant les seize dernières années de sa vie. Comme on
le voit, Třeštíková développe simultanément plusieurs
projets, jusqu’à ce qu’elle décide lequel de ses
matériaux a suffisamment levé pour être retiré du four.
Dans ce cas précis, la réalisatrice possédait déjà des
images de Vojta quand il était adolescent et que la
République Tchèque faisait ses premiers pas hors de
l’orbite socialiste. Grandir, mûrir et se heurter à la vie
est ce dont traite son nouveau film. Le fait d’être rom
en période de montée de la xénophobie et du racisme
en Europe est l’axe du film, dans la mesure où Vojta
est fier de ses origines et de sa culture gitane, mais
il ne veut pas émigrer au Canada, comme le fait une
partie de sa famille, ou cesser d’être tchèque, qui est
aussi une partie indélébile de son identité.
Lost in the Bewilderness, de la réalisatrice grécoaméricaine Alexandra Anthony, traite également
d’identité et de migrations. Filmé sur près de 30 ans,
dans tout type de formats et textures, du Super-8 au
digital en passant par le 16 mm, le film d’Anthony suit
l’histoire fascinante de Lucas, le fils de son cousin
Orestes, enlevé par sa propre mère alors qu’il avait à
peine cinq ans, au désespoir de toute la famille, qui
a alerté non seulement la police locale, mais aussi
Scotland Yard et Interpol, sans aucun résultat. Narré
par une voix off ténue, à la première personne du
singulier par la réalisatrice elle-même, qui comme une
fille de Cronos tisse l’histoire de la famille avec les
mythes grecs classique, le documentaire d’Anthony a
comme décor principal et axe dramatique, la maison
chaleureuse de ses grands-parents à Nea Smyrni, un
quartier résidentiel à la périphérie d’Athènes. Mais
elle se déplace aussi aux États-Unis, où Orestes
retrouve Lucas onze ans plus tard, déjà adolescent
et ne se rappelle même pas le visage de son père.
« Comme disait ma mère, le temps – murmure la
réalisatrice sur la bande son – est l’éminent dompteur
de toutes choses et il galope toujours devant
nous. Il ne nous reste que les histoires, que nous
convertissons en mythes. »
Dans les autres documentaires de cette section, le
temps qui passe joue de manière différente : aussi
bien le court-métrage grec Le nœud coulant que le
court-métrage argentin Salers, ont – chacun à leur
manière – la mémoire comme protagoniste. Que sont
les souvenirs, de quel matière sont-ils faits, jusqu’à
quel point le cinéma peut-il les conjurer ? Semblent se
demander ces deux films.
Pinochet et ses trois généraux est un cas à part, une
capsule temporel, un film né en 1977 qui a pris forme
récemment, presque trente ans après, pour ouvrir
une étrange brèche dans le temps, qui permet de se
pencher sur un authentique musée tératologique : une
sorte de Jurassic Park où de dangereux dinosaures –
le dictateur chilien et sa junte militaire – reprennent
vie et, sous le couvert d’une vie de famille et culturelle
paisibles, ne parviennent pas à dissimuler leurs crocs
acérés ensanglantés.
133
Lost in the Bewilderness
Vojta Lavicka : Hauts et bas
ÉTATS-UNIS-GRÈCE, 2014, 97’
Vojta Lavicka: Nahoru a dolu
RÉAL. Alexandra Anthony • SCÉN. Alexandra
Anthony • IMAGE Alexandra Anthony •
MONT. Alexandra Anthony • SON Alexandra
Anthony • PROD. PAR Aya Films.
Lost in the Bewilderness est un long-métrage
documentaire sur Lucas, le cousin de la réalisatrice,
enlevé à l’âge de cinq ans dans sa Grèce natale,
et retrouvé à la veille de ses seize ans aux ÉtatsUnis. Cette histoire d’enlèvement parental, filmée
sur plus de vingt-cinq ans, est une chronique du
voyage de Lucas, de croissance et d’auto-découverte,
qui culmine avec Lucas devenant père à son tour.
Lost in the Bewilderness n’est pas seulement une
histoire policière, c’est aussi une réflexion lyrique sur
l’enfance, perdue et retrouvée, et une exploration des
sujets des mythes et tragédies de la Grèce antique,
dont la famille était le centre, qui sont toujours
aussi vivants dans le monde moderne. Le film a
été tourné en Super-8, en 16 mm, en SD et en HD.
Alexandra Anthony travaille de manière complètement
indépendante. Elle a filmé, enregistré le son, monté,
écrit et raconté le film.
Le Nœud coulant
The Noose
GRÈCE, 2013, 12’
RÉAL. Vassilis Loules • PROD. Vassilis Loules •
IMAGE Irene Androulaki, Vassilena Mitsiadi •
MONT. Dimitris Savvaidis, Chronis Theocharis • PROD.
PAR ART, European Animation Center.
En 1969, Theo Angelopolous a tourné son premier
long-métrage, La Reconstitution, dans le village de
Mondendri, près d’Ioannina. Pendant l’été 2013,
Lefteris Rizos, un habitant du village qui a participé
comme figurant dans ce film important, parle du
nœud coulant qu’on lui a mis autour du cou pour les
besoins du scénario. Un bref documentaire existentiel.
Le nœud coulant dans le film, la moralité de ses
héros, et la vie de Lefteris avec l’équipe technique,
l’expérience qui l’a marqué, les commentaires sur sa
vie personnelle et son éthique, les amis qui passèrent,
tout prend un sens différent pour lui lorsqu’il regarde
en arrière avec la sagesse, l’amertume et l’humour de
ses 92 ans.
134
RÉPUBLIQUE TCHÈQUE, 2013, 89’
RÉAL. Helena Třeštíková • SCÉN. Helena Třeštíková •
IMAGE Jiří Chod • MONT. Jakub Hejna • SON Richard
Müller • PROD. PAR Production Třeštíková, Czech
Television.
La cinéaste Helena Třeštíková est connue pour ses films
qui suivent différents sujets sur plusieurs années. Son
dernier film documente seize ans de la vie du musicien,
journaliste et activiste rom Vojta Lavicka. Pendant cette
période, il passe par des hauts et des bas, aussi bien
dans sa vie professionnelle que dans sa vie privée. Bien
qu’il ait connu son plus grand moment de gloire pendant
les années qu’il a passées avec le groupe Gipsy.cz, il
était plus heureux avec des groupes qui avaient moins
de succès, et peut-être même plus encore quand il
joue avec son fils. Les réflexions de Lavicka sur son
identité de Rom sont le fil conducteur du documentaire.
Comment concilier la fierté de ses origines roms avec
le désagrément que lui procure le mode de vie de
nombreux Roms ? Pourquoi aller à l’étranger comme
beaucoup d’autres alors qu’il se sent chez lui en
République Tchèque. Peut-il condamner ceux qui sont
partis quand il voit le mépris avec lequel de nombreux
Tchèques regardent les Roms ?
Pinochet et ses trois généraux
FRANCE, 2004, 101’
RÉAL. José María Berzosa • SCÉN. José María
Berzosa • PROD. Gérald Collas, Claude Guisard •
IMAGE Maurice Perrimond • PROD. PAR INA.
En 1976/1977, le réalisateur José María Berzosa
parvient à approcher le général Pinochet à l’occasion
d’un voyage dans l’Antarctique à l’extrême sud
du Chili. De retour à Santiago, Pinochet accepte
d’accueillir l’équipe de tournage et de livrer à la
caméra une partie de ses souvenirs et de sa pensée
politique. Trois des principaux membres de la junte,
l’amiral Merino, le général Leigh (chef de l’aviation)
et le général Mendoza (chef des carabiniers)
acceptent également de se confier à la caméra. Ils
parlent tranquillement de leurs goûts artistiques,
de leurs idées politiques, de leur vie de famille. De
ces entretiens menés dans une apparente bonhomie
ressort un portrait ironique et sans concessions des
principaux dirigeants de la junte : leur goût de l’ordre,
de l’efficacité, une sorte de « fascisme ordinaire ».
Salers
Regards sur le cinéma
ARGENTINE, 2014, 9’
RÉAL. Fernando Domínguez • SCÉN. Fernando
Domínguez • PROD. Natalia de la Vega • IMAGE Javier
Di Benedictis • MONT. Fernando Domínguez •
SON Alejandro Seba.
Pendant l’occupation nazie, un homme visite la ville
française de Salers, où une femme folle le suit. Des
années après, il revient dans cette même ville.
Portraits et autoportraits
par Luciano Monteagudo
Quand ils ne sont pas à peine un simple making-of
bureaucratique et qu’ils sont faits avec passion
et rigueur, les portraits consacrés à d’importants
réalisateurs de cinéma sont toujours fascinants,
comme ceux qu’a produit la collection « Cinéastes
de notre temps » pendant presqu’un demi-siècle.
Sans aucun doute, Filmer obstinément – Rencontre
avec Patricio Guzmán est de cette même veine.
Une production extraordinaire de Gérard Colas pour
l’Institut national de l’audiovisuel (INA), de France.
Présentée au dernier FIDMarseille, il s’agit d’une sorte
de petit cours magistral, dans lequel le cinéaste de La
batalla de Chile (La Bataille du Chili) non seulement
analyse avec sérénité et lucidité son film précédent,
mais laisse aussi entrevoir les premières ébauches
de ce que sera son prochain documentaire, consacré,
obstinément, à son pays. Il a beau ne pas l’avoir près
de lui, il ne peut éviter la pulsion et il le filme, même
si ce n’est que sur la table de son bureau, sur la
superficie d’une carte.
Le cas de Un voyageur est bien différent, parce qu’il
s’agit d’un autoportrait que s’est permis, presque
comme un joyeux testament, Marcel Ophüls,
sur le déclin. Le réalisateur de documentaires
incontournables comme Le Chagrin et la Pitié (1969)
et Hôtel Terminus : Klaus Barbie, sa vie et son temps
(1989), sur le collaborationnisme français pendant
l’occupation nazie, tourne la caméra vers lui, mais pas
précisément pour faire un panégyrique. Au contraire,
dans les premières scènes, il ne se présente pas
sous un jour trop indulgent (bien qu’il le fasse avec
autant d’ironie que d’élégance) et ensuite, il préfère
se souvenir de ses années de formation auprès de son
père, le grand Max Ophüls, de la longue liste d’amis
célèbres de la famille et de ses voyages entre Vienne,
Paris, Berlin, Hollywood et New York. Ce qui fait de
son film, présenté à la Quinzaine des Réalisateurs de
Cannes, un voyage fascinant.
Le documentaire Bardot, la méprise, réalisé par David
Teboul, est plus conventionnel ; il passe en revue la
vie et la carrière de la fameuse B.B., peut-être le plus
grand sex-symbol de l’histoire du cinéma français, qui
a fêté ses 80 ans le 28 septembre dernier. Elle a été
aussi célèbre et polémique que Simone de Beauvoir, a
tourné dans quelques-uns des films les plus populaires
135
de son pays, et s’est retirée d’une manière inattendue
et prématurément en 1973… Mais, soyons francs,
le documentaire est aussi l’excuse parfaite pour
ressortir en salle, pour la première fois depuis des
dizaines d’années, une copie récemment restaurée en
DCP de ce qui a été sans aucun doute son film le plus
important, Le Mépris (1963), de Jean-Luc Godard. De
toute évidence, Le Mépris n’est pas un documentaire,
mais il ne cesse pour autant d’être, comme le
revendique le titre de cette section, un regard sur
le cinéma. Et rien de moins que celui de Godard
accompagné par un autre grand, Fritz Lang, embarqué
dans une Odyssée qui reflétait peut-être celle de son
œuvre elle-même.
Filmer obstinément - Rencontre avec
Patricio Guzmán
FRANCE, 2014, 97’
RÉAL. Boris Nicot • SCÉN. Boris Nicot • PROD. Gérald
Colas • IMAGE Denis Gaubert, Boris Nicot •
MONT. Boris Nicot • SON Mathieu Descamps, Laurent
Thomas • PROD. PAR INA.
Un portrait du cinéaste Patricio Guzmán. Le film
propose un voyage à travers son cinéma, marqué par
l’histoire récente de son pays, le Chili. De La Bataille
du Chili, monument du cinéma direct retraçant les
derniers mois de Salvador Allende et de l’Unité
Populaire chilienne, au Bouton de Nacre, projet en
chantier filmé ici dans sa genèse, Patricio Guzmán
se dévoile et dévoile sa vision du cinéma : « Je peux
raconter Nostalgie de la lumière en quatre phrases.
Mais le film dure 90 minutes. Il y a de longs moments
durant lesquels il faut décrire, et décrire, c’est faire
surgir quelque chose à partir de rien. L’extraire de
la réalité. Parfois extraire d’une réalité sans beauté
quelque chose d’intéressant, quelque chose qui soit
vivant. C’est le plus difficile. Depuis toujours, j’essaie
de trouver la formule, de prendre conscience de ce
qu’est « décrire ». Si je n’avais pas connu un coup
d’État et une tragédie nationale qui va durer un siècle,
j’aurais peut-être fait des films… légers. J’aurais été
un réalisateur très différent » (Patricio Guzmán).
Un voyageur
FRANCE-SUISSE, 2013, 106’
RÉAL. Marcel Ophüls • SCÉN. Marcel Ophüls •
PROD. Frank Eskenazi • IMAGE Pierre Boffety, Vincent
Jaglin • MONT. Sophie Brunet • SON Pierre Armand •
PROD. PAR The Factory, Arte, INA, Radio Télévision
Suisse.
Dix-sept ans après son dernier film, Marcel Ophüls
sort de sa retraite. Le grand réalisateur a choisi, à 85
ans, de léguer ses mémoires audiovisuelles. Dans ce
documentaire en forme d’autoportrait, il cherche à
transmettre ce qu’a été son monde, à travers les lieux
de sa vie et des images qui s’y rattachent. Il évoque
également l’inépuisable ressource que sont pour lui les
grands maîtres, au premier rang desquels Max Ophüls,
son père, mais aussi Bertolt Brecht, Ernst Lubitsch, Otto
Preminger, Woody Allen et, bien sûr, son ami François
Truffaut. Nourri de nombreux extraits de films, Un
voyageur passe de la farce à l’émotion avec l’élégance
d’un homme qui a déjà vécu plusieurs vies.
136
Bardot, la méprise
La Jeune Garde
FRANCE, 2013, 95’
RÉAL. David Teboul • SCÉN. David Teboul •
IMAGE Étienne Blanchard • SON Philippe Welsh •
PROD. PAR Gaumont Télévision, Christian Davin
Production, Arte France.
David Teboul élabore un portrait intime d’une icône
du cinéma français, en filmant les lieux de sa vie :
les maisons de La Madrague et de La Garrigue à
Saint-Tropez, ses refuges à elle. Il s’appuie aussi sur
des passages d’Initiales B.B., l’autobiographie de
l’actrice, et sur des extraits de films. De son enfance
en milieu bourgeois jusqu’à son retrait du monde il y a
trente ans, ce portrait empathique et émouvant donne
à voir les contradictions d’une femme passionnément
amoureuse, mélancolique et sauvage.
Le Mépris
FRANCE-ITALIE, 1963, 103’
RÉAL. Jean-Luc Godard • SCÉN. Jean-Luc Godard •
PROD. Georges de Beauregard, Carlo Ponti •
IMAGE Raoul Coutard • MONT. Agnès Guillemot •
SON William Sivel • MUSIQUE Georges Delerue
AVEC Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Fritz Lang,
Jack Palance, Giorgia Moll • PROD. PAR Les
Films Concordia, Rome Paris Films, Compagnia
Cinematografica Champion.
Le sixième long-métrage de Jean-Luc Godard a été
une grande coproduction internationale avec Brigitte
Bardot, Jack Palance et Michel Piccoli, adaptée du
roman Il Disprezzo d’Alberto Moravia. « Malgré toutes
les critiques actuelles qui traitent Le Mépris comme
une forme d’un art classique serein, il est toujours
aussi transgresseur aujourd’hui qu’il l’était à sa
sortie, voire peut-être même plus. […] Les rythmes
entrecoupés du récit et les fréquents glissements
entre les passages des stars aux personnages, des
personnages aux caricatures, des films aux idées
de films, des incidents aux idées d’incidents, tout
indique des manières innovatrices de penser, tandis
que Godard affronte le matériel sous différents angles
pour démêler leurs sens cachés. Et si ces significations
prennent davantage la forme d’une mosaïque cubiste
que d’une narration linéaire ou d’un scénario, c’est
parce que les histoires et les essais ne nous montrent
qu’en partie la façon de percevoir le monde moderne
et ses contradictions » (Jonathan Rosenbaum).
Sang neuf
par Luciano Monteagudo
S’il y a un domaine du cinéma qui se régénère
constamment, beaucoup plus que celui de la fiction,
c’est celui du documentaire. En premier lieu, bien
sûr pour des raisons d’ordre économique : produire
un documentaire requiert souvent (pas toujours)
moins d’étapes, moins de ressources et implique
moins d’intermédiaires parasites que lorsqu’on
travaille sur une fiction. Mais il est aussi certain
que le documentaire se prête à l’autogestion, à
l’expérimentation, pour travailler aussi bien dans la
solitude la plus absolue qu’en coopératives ou en
groupes sans structures hiérarchiques. Le vieux rêve
de la « caméra-stylo » qu’avait imaginé Alexandre
Astruc dans les années 50, ou celui de François
Truffaut, quand il disait que le cinéma du futur allait
être plus personnel, comme un journal intime, à la
première personne, se sont finalement réalisés dans le
documentaire. Celui-ci est, de par sa nature, un genre
qui a l’esprit jeune, même lorsqu’il est fait par des
cinéastes vétérans. Il suffit de penser, par exemple,
aux vénérables Alain Cavalier ou Luc Moullet, qui
opèrent avec un degré de liberté et de sans-gêne
impensable dans la fiction.
C’est précisément pour toutes ces raisons que de
nombreux jeunes gens intègrent chaque année
ce genre. Cette section leur est dédiée, avec des
films très différents entre eux, mais capables de
transmettre une force créative qui permet d’augurer
le meilleur des futurs pour le documentaire. Aussi
bien le court-métrage Le Chemin de Raffael (primé à
Locarno) que les longs-métrages Casa et Le Secret
(primés à Cinéma du réel du Centre Pompidou)
confirment qu’en Italie le documentaire passe par
un excellent moment. Si Casa, de Daniela Di Felice,
est –comme le suggère son titre– un film intime replié
sur lui-même, Le Secret, en revanche, est une grande
expérience collective. Et pas seulement à cause du
groupe d’enfants tonitruants qui l’interprètent. Le film
en soi l’est aussi. Il est signé par le groupe napolitain
appelé « cyop&kaf », qui propose des interventions
urbaines capables de sortir de sa torpeur « l’esprit
critique assoupi du peuple italien », et qui a fait de
Le Secret une œuvre d’envergure, doté d’un esprit
anarchiste et surtout d’une énergie tout à fait hors du
commun.
137
Sang de mon sang, du débutant Jérémie Reichenbach,
a participé à la compétition française de Cinéma du
réel, mais il a été intégralement tourné en Argentine,
dans un abattoir autogéré de Bahía Blanca. Produit par
le groupe légendaire Iskra, né dans la ferveur de Mai
68 (qui travaille en partenariat avec El Desencanto, la
société de production argentine de Carmen Guarini), le
film de Reichenbach élabore son discours à partir du
travail et de la vie collective, comme si l’un et l’autre
ne faisaient qu’un.
Pour leur part, Cendres, de deux jeunes réalisateurs
(Idrissa Guiro, Mélanie Pavy) parrainés par Philippe
Grandrieux ; Les Chebabs de Yarmouk, d’Axel
Salvatori-Sinz (Prix Regard Neuf du Festival Visions
du réel, de Nyon), et L’Escale, de Kaveh Bakhtiari
(Quinzaine des Réalisateurs del Festival de Cannes
2013), ont tous les trois, bien qu’ils soient tellement
différents les uns des autres, un sujet en commun :
la recherche de l’identité à une époque où le
déplacement et la migration sont une norme.r.
Sang de mon sang
(Sangre de mi sangre)
FRANCE-ARGENTINE, 2014, 78’
RÉAL. Jérémie Reichenbach • PROD. Adonis
Liranza, Matthieu de Laborde, Carmen Guarini •
IMAGE Jérémie Reichenbach • MONT. David
Jungman • SON Jérémie Reichenbach •
MUSIQUE Frank Williams, Benoît Daniel, Olivier
Bodin • PROD. PAR Quilombo Films, Iskra, El
Desencanto.
« Avec une étonnante fluidité narrative, Jérémie
Reichenbach filme alternativement le travail et la
vie domestique d’une famille d’Argentine dont les
deux garçons travaillent dans un abattoir. […] Sans
être montrée comme utopique (pour preuves, les
discussions houleuses dans les bureaux), l’autogestion
apparaît presque comme une modalité de la
sociabilité familiale, et à l’inverse, une discussion à
bâtons rompus lors d’un barbecue prend des accents
politiques quand elle aborde la perte de la culture et
de la langue d’origine » (Charlotte Garson, Cinéma du
Réel).
Le Chemin de Raffael
(La strada di Raffael)
ITALIE-ESPAGNE, 2013, 24’
RÉAL. Alessandro Falco • SCÉN. Alessandro Falco •
PROD. Giusi Castaldo • IMAGE Juan Meseguer •
MONT. Alessandro Falco • SON Giovanni Pallotto •
MUSIQUE Arvo Part • PROD. PAR Unisono Produzioni.
Un drame social sur Raffael, un jeune garçon de 13
ans, qui vit avec sa grand-mère dans une banlieue de
Naples. Des bagarres éclatent entre des occupants
illégaux et la police, après que le maire ait donné
l’ordre de déloger les premiers. Raffael rencontre la
police par l’intermédiaire de son ami, Adama, qui vend
des cigarettes dans la rue.
138
Le Secret
(Il segreto)
ITALIE, 2013, 89’
RÉAL. cyop&kaf • SCÉN. Luca Rossomando •
PROD. Antonella Di Nocera, Daria D’Antonio •
IMAGE Ciro Malatesta • MONT. Alessandra Carchedi •
SON Massimo Mariani • MUSIQUE Enzo Avitabile •
PROD. PAR Quore Spinato, Parallelo 41, Napoli
Monitor.
À la mi-janvier, dans de nombreux quartiers de Naples,
on célèbre encore le rite des bûchers de SaintAntoine. Après le nouvel an, les gamins se mettent à
la recherché de morceaux de bois à brûler, s’éloignant
si nécessaire de leur quartier. Chaque bande amasse
tout le bois dans un lieu caché – le « secret » – pour
le protéger des incursions des groupes des autres
quartiers. La venue du jour des feux de joie, le 17
janvier, est précédée de recherches frénétiques et
escarmouches, réelles ou fantasques, pour défendre le
trésor des attaques des ennemis. Tout se passe dans
la rue, presque vingt-quatre heures sur vingt-quatre :
parfois le matin ils font l’école buissonnière et ils
passent la nuit à faire la garde de la cachette. Mais
juste le dernier jour un incident imprévu risque de tout
faire échouer.
Casa
FRANCE, 2013, 55’
RÉAL. Daniela de Felice • IMAGE Matthieu Chatellier •
MONT. Alessandro Comodin • SON Matthieu
Chatellier • PROD. PAR Tarmak Films.
« Daniela de Felice filme sa mère au moment où
elle s’apprête à quitter la maison d’une famille dans
laquelle manque cruellement le père, décédé en 1997.
Dès lors, l’inventaire des lieux se complique d’un flou
mémoriel concernant l’instant de la mort du père, et
prend des allures d’adieu rituel. Malgré l’apparente
banalité des circonstances (le rangement, la mise en
carton avant déménagement), l’intimité des entretiens
fait naître, dans la simplicité de son enregistrement,
une émotion qui semble avoir tardé à se dire. Seul
cet échange tardif semble à même d’achever un deuil
entamé il y a pourtant quinze ans. En lieu et place de
récits attendus qui partiraient des objets rangés, le
film se fait l’écho d’un point commun entre la mère
et sa fille : la passion de la collection. Derrière la
vocation pédagogique de la mère comme derrière les
plans que collecte la cinéaste avant de quitter les
murs, on devine la même certitude qu’engranger reste
une garantie contre l’évanescence de la mémoire.
Omniprésente sur les boîtes comme sur les murs,
la poussière seule atteste que le temps a passé »
(Charlotte Garson, Cinéma du réel).
Cendres
FRANCE-SÉNÉGAL, 2014, 74’
RÉAL. Idrissa Guiro, Mélanie Pavy • PROD. Idrissa
Guiro • IMAGE Idrissa Guiro • MONT. Mélanie Pavy •
SON Idrissa Guiro, Mélanie Pavy • PROD. PAR Simbad
Films.
En vidant l’appartement parisien de Kyoko qui vient de
mourir, sa fille, Akiko, découvre deux carnets laissés
à son intention. Son journal personnel, tenu depuis
1964. Chargée de cet étrange héritage, la jeune
femme se lance dans un étonnant périple. Elle décide
de ramener l’urne de sa mère au Japon, au cœur de sa
famille maternelle, et de remonter le fil du temps avec
ses carnets. Le film circule entre deux générations de
femmes, de la France de la Nouvelle Vague au Japon
d’après la bombe, d’après le tsunami. En cherchant
le lieu où disperser les cendres de sa mère, Akiko
cherche sa propre place. Comme s’il fallait ajouter ses
propres images aux images qui sont son héritage. Elle
pénètre dans un Japon auquel elle appartient sans le
savoir, un Japon intime, qu’elle ne connaissait pas.
Akiko, héroïne de ce documentaire, fait ici écho à sa
mère l’actrice, à sa mère l’icône féminine des années
soixante. C’est ce dialogue par-delà la mort que le film
porte, comme il porte le passé de Kyoko et le destin
d’Akiko.
Les Chebabs de Yarmouk
FRANCE-SUISSE, 2013, 77’
RÉAL. Axel Salvatori-Sinz • SCÉN. Axel SalvatoriSinz • PROD. Magali Chirouze • IMAGE Axel SalvatoriSinz • MONT. Aurélie Jourdan • SON Axel SalvatoriSinz • PROD. PAR Adalios, CNC.
Ala’a Hassan, Samer, Tasneem et Waed, réfugiés
palestiniens de la troisième génération vivant
dans le camp syrien de Yarmouk, forment depuis
l’adolescence le groupe des « Chebabs ». Avec une
caméra observante complice, Axel Salvatori-Sinz filme
ces jeunes gens en proie au doute, quant à leur choix
de vie future, tendu entre la fidélité amicale et le désir
de prendre son envol parfois loin des autres.
139
L’Escale
Perspective suisse : les travaux et les jours
FRANCIE-SUISSE, 2013, 90’
RÉAL. Kaveh Bakhtiari • SCÉN. Kaveh Bakhtiari •
PROD. Elisabeth Garbar, Heinz Dill • IMAGE Kaveh
Bakhtiari • MONT. Kaveh Bakhtiari, Sou Abadi • PROD.
PAR Louise Productions Sàrl, Kaleo Films, RTS Radio
Des silhouettes dans un paysage
À Athènes, le modeste appartement d’Amir, un
immigré iranien, est devenu un lieu de transit pour
des migrants qui, comme lui, ont fait le choix de
quitter leur pays. Mais la Grèce n’est qu’une escale,
tous espèrent rejoindre d’autres pays occidentaux.
Ils se retrouvent donc coincés là, chez Amir, dans
l’attente de papiers, de contacts et du passeur à qui
ils confieront peut-être leur destin.
Les spectateurs qui ont quelques années de passion
pour le cinéma se souviendront sans aucun doute
du légendaire Groupe 5 qui, dans les années 70, a
bousculé – de par son attitude libre et contestataire
– les eaux alors stagnantes du cinéma suisse. Il y
avait là-bas des réalisateurs de l’envergure d’Alain
Tanner, Claude Goretta, Michel Soutter, Jean-Louis
Roy et, aussi, Yves Yersin, dont l’apparition au Festival
de Locarno l’année dernière a surpris et où il a
remporté une mention spéciale du jury pour Tableau
noir, un documentaire exemplaire dans beaucoup de
sens : pour sa précision, sa sensibilité et son style
subtilement combattif.
Tourné un peu à la manière du très réussi Être et
avoir, du français Nicolas Philibert, dans une petite
école de montagne isolée, avec tout juste un maître
et une auxiliaire pour un groupe hétérogène d’élèves
d’âges différents, le film de Yersin a un condiment
politique que n’avait pas celui de Philibert. Le film
suit l’instituteur et ses petits dans leurs travaux de
tous les jours tout en étant suspendus à une décision
gouvernementale qui pourrait laisser l’école sans
ressources. C’est au spectateur de découvrir ce qu’il
se passe finalement, mais il est clair qu’à 72 ans,
Yersin n’a non seulement rien perdu de son excellent
doigté cinématographique, mais qu’en plus il est
toujours cette voix si critique des asymétries de sa
société, comme il l’était dans les années d’après 68.
À sa manière, My Name Is Salt est aussi un
documentaire politique, bien que dans d’autres
termes. Multiprimé aux festivals d’Amsterdam (IDFA),
d’Edimbourg et de Documenta Madrid, entre beaucoup
d’autres, le film de la réalisatrice indienne Farida
Pacha (Bombay, 1972) peut être lu comme le journal
de bord d’une exploitation qui pousse des milliers de
travailleurs à revenir tous les ans pour gagner leur vie
dans les salines du désert de Gujarat, en Inde. Aux
antipodes du cinéma de dénonciation, Farida Pacha
choisit cependant de se concentrer sur l’observation
minutieuse des détails sobres et quotidiens qui
constituent le travail d’une famille pendant toute une
saison. Elle le fait avec discernement et sentiment,
et accorde une attention spéciale aux changements
de la lumière au cours d’une même journée et aux
transformations du paysage à travers les cycles de
la nature. Ce n’est pas pour rien que la réalisatrice a
par Luciano Monteagudo
Télévision Suisse.
140
confessé qu’une de ses sources d’inspiration n’était
rien de moins qu’El sol del membrillo (Le Songe de la
lumière, 1992), de Víctor Erice.
Pour sa part, Brouillard, de la jeune réalisatrice Nicole
Vögele, récompensée au dernier Festival de Berlin
pour ce film, prête aussi attention au paysage, mais
d’une manière différente : elle le rend mystérieux,
presque hermétique, voire abstrait. Les personnages
qui l’habitent semblent être une énigme, confinés dans
leurs mondes intérieurs, pour autant qu’ils réalisent
des activités manuelles. Ce n’est pas par hasard que
le film, structuré comme un poème, se termine sur des
strophes émouvantes de Rainer Maria Rilke.
Tableau noir
SUISSE, 2013, 117’
RÉAL. Yves Yersin PROD. Yves Yersin • IMAGE Patrick
Tresch, Yves Yersin • MONT. Yves Yersin, Jean-Batiste
Perrin, Mamouda Zekrya • SON Luc Yersin, Aurélie
Mertenat • PROD. PAR Ateliers Merlin sàrl, RTS Radio
Télévision Suisse, Philippe Bizet.
C’est un tableau noir de toutes les couleurs: une
pérégrination d’une année dans l’intimité d’une école
de montagne. Une classe idéale où les élèves de 6 à
12 ans s’amusent en apprenant, avec leurs succès,
leurs échecs, qui appellent tant le rire que les larmes.
My Name Is Salt
SUISSE-INDE, 2013, 92’
RÉAL. Farida Pacha • SCÉN. Farida Pacha • PROD. Lutz
Konermann, Farida Pacha • IMAGE Lutz Konermann •
MONT. Katharina Fiedler • SON Sanjeev Gupta,
Ramesh Birajdar • MUSIQUE Marcel Vaid • PROD.
PAR Leafbird Films GmbH.
Le désert s’étend à l’infini – monotone, gris,
impitoyable. Pas un seul arbre, pas une seule herbe,
pas un seul rocher. Il n’y a qu’une seule chose
qu’on trouve en abondance: le sel. Du sel partout, à
quelques mètres seulement de la surface, cuite par
le soleil. Nous parlons du petit désert du Kutch, un
ancien golfe de 5 000 kilomètres carrés. Huit mois
dans l’année, 40 000 familles vivent ici et tentent,
au prix d’un travail épuisant, d’arracher du sel à ce
paysage aride. À chaque mousson, les champs de sel
sont emportés par l’eau et le désert se transforme en
mer. Mais les familles reviennent et continuent de
produire le sel le plus blanc de la terre.
141
Brouillard
Hommage à Les Films d’Ici
(Nebel)
SUISSE-ALEMAGNE, 2014, 60’
RÉAL. Nicole Vögele • SCÉN. Nicole Vögele, Elsa
Kremser • PROD. Elsa Kremser • IMAGE Stefan
Sick • MONT. Hannes Bruun • SON Jonathan
Schorr, Dominik Leube, Simon Peter, Elsa Kremser •
MUSIQUE John Gürtler • PROD. PAR Filmakademie
Baden-Württemberg.
Une gare dans le brouillard. Des rails qui se perdent
dans le lointain laiteux, un homme attend. Entre les
bancs de brouillard, un renard apparaît, la truffe au
vent. Ensuite, un grondement, un tremblement, le
silence. Et toujours le brouillard. Aperçus de la nature,
mêlés de rencontres fugaces. Des personnes habitant
leurs propres mondes: un astronome, un musicien,
un palefrenier. Ils sont tous animés d’une nostalgie
secrète, la nostalgie du contact, de l’affection et d’une
vue dégagée. Loin de toute explication, le film essaie
de rendre perceptible ce bourdonnement intérieur. De
s’approcher d’un vide insaisissable.
142
Les Films d’Ici, 30 ans de création
(1984-2014)
par Carmen Guarini et Marcelo Céspedes
Si quelque chose caractérise la société de production
française Les Films d’Ici, c’est son entière fidélité aux
réalisateurs avec qui elle travaille, à la découverte et
au soutien de nouveaux talents et à la cohérence d’un
style de production de films d’auteurs qui impriment
leurs sceaux, tant sur les écrans de télévision que
dans les salles en France et dans le monde. Nous nous
sommes connus dans les années 90, presqu’au début
de leur activité et de la nôtre, et nous avons depuis
entretenu une amitié qui nous a conduit à diffuser ses
œuvres en Argentine. Des œuvres qui continuent de
nous surprendre aujourd’hui encore par leur qualité
narrative.
Par cette usine cinématographique sont passés
et y passent toujours des noms tels que Richard
Dindo, Robert Kramer, Denis Gheerbrant, Nicolas
Philibert, Avi Mograbi, Edgardo Cozarinsky, Carmen
Castillo, Patricio Guzmán, Claire Simon, Arnaud des
Pallières, Angela Ricci Lucchi et Yervant Gianikian,
Wim Wenders, Jean-Louis Comolli, Stéphane Breton,
Stan Neumann, Yves Jeanneau, Richard Copans, Luc
Moullet, Amos Gitai, Serge Lalou, Ari Folman, Cédric
Kaplisch, Eyal Sivan, Manoel De Oliveira, Marguerite
Duras, Sergei Loznitsa, Wang Bing… parmi de
nombreux autres hommes et femmes du cinéma, dont
certains l’accompagnent depuis ses débuts. Nous ne
pouvions pas rester en dehors de cette célébration
et nous ne pouvions pas ne pas mentionner son
soutien désintéressé au DocBuenosAires depuis ses
débuts. Voilà pourquoi cette section est, à la fois, un
hommage à son travail et à notre amitié.
Les producteurs de Les Films d’Ici se distinguent
au niveau mondial par leur travail dans le
cinéma documentaire, mais aussi dans la fiction,
l’animation et également maintenant dans la
production interactive. Pionniers de la coproduction
internationale, ils ont récolté au cours de ces
trente années de nombreux prix internationaux et
une distribution qui leur a permis de placer leurs
productions sur presque tous les écrans du monde.
Ils sont un exemple de la cohérence et d’honnêteté
créative, nous dirions presque « artisanale », de la
production cinématographique, puisque leur marque
de fabrique est d’accompagner, dans les crises
économiques actuelles, des auteurs sur des défis
artistiques de grande valeur.
Nous remercions ses producteurs qui, depuis leurs
débuts et les nôtres, nous ont conseillés et appuyés,
et donnons une grande importance à la présence d’un
de ses fondateurs, Richard Copans (qui nous apporte,
en exclusivité, son nouveau film Un amour), pour
accompagner cette « carte blanche » en hommage
à une des sociétés de production pionnières dans le
cinéma que nous admirons.
À pas lentes
FRANCE, 1979, 39’
RÉAL. Babette Mosche, Olivier Altman, Françoise
Varin, Alain Nahum, Hélène Cohen, Richard Copans,
Daniela Abadi • PROD. PAR Les Films d’Ici.
Quatre ans après le conflit à l’usine Lip de Besançon,
fierté de l’industrie horlogère française et théâtre de la
grève la plus emblématique de l’après-68, une équipe
de Cinélutte donne la parole aux ouvrières, à Renée
et Christiane en particulier, figures inoubliables. Elles
parlent des conditions de travail, de l’éducation des
enfants, de leur rapport aux hommes, et là, soudain,
tout bascule, de la lutte des classes à la guerre des
sexes, offrant à Cinélutte son plus beau film.
Essai d’ouverture
FRANCE, 1988, 15’
RÉAL. Luc Moullet • PROD. PAR Les Films d’Ici.
Luc Moullet essaie en vain d’ouvrir un litre de Coca.
« Le réalisateur lutte vaillamment contre les capsules
récalcitrantes [...] avec un esprit de système tellement
cartésien qu’il vire vite à l’absurde. Tout l’art de Luc
Moullet consiste alors à jouer au jeu réglé de la
logique avec un impayable sens de l’humour (mais
un humour pince-sans-rire, une drôlerie à froid,
que le cinéaste partage avec Buster Keaton et Aki
Kaurismäki) » (S. Chakali, Cahiers du cinéma).
Point de départ
FRANCE, 1994, 90’
RÉAL. Robert Kramer • SCÉN. Robert Kramer •
PROD. Richard Copans, Ruben Korenfeld •
IMAGE Robert Kramer • MONT. Christine Benoît,
Robert Kramer, Marie-Hélène Mora • SON Olivier
Schwob • PROD. PAR Les Films d’Ici.
Vingt-trois ans plus tard, Robert Kramer, caméra sur
l’épaule, est retourné au Vietnam pour essayer de
comprendre le Vietnam des années 90. Il a choisi
de filmer Hanoï où s’est cristallisée la mémoire
des bouleversements du dernier demi-siècle. De
143
rencontres en rencontres – son guide de 1969, le
traducteur de Don Quichotte et de Dix jours qui
ébranlèrent le monde, un funambule du cirque
national, le directeur de la télévision, de jeunes
cinéastes – Robert Kramer ne cesse de chercher ses
marques et d’en changer continuellement, fasciné par
le quotidien, les visages, les gestes, les lieux.
On a grèvé
FRANCE, 2004, 70’
RÉAL. Denis Gheerbrant • PROD. Richard Copans •
IMAGE Denis Gheerbrant • MONT. Denis Gheerbrant •
SON Denis Gheerbrant • PROD. PAR Les Films d’Ici.
Elles s’appellent Oulimata, Mariam, Géraldine,
Fatoumata… elles sont une trentaine de femmes
de chambre. Pendant un mois, elles vont affronter le
deuxième groupe hôtelier d’Europe. Elles n’acceptent
plus le salaire à la tâche déguisé, les heures données
au patron, le mal de dos qui les casse et le mépris
dans lequel elles sont tenues. On a grèvé, c’est le
récit d’une première fois, un jaillissement de chants
et de danses qui renouent avec une culture séculaire
de résistance. La rencontre entre leur force de vie et
une stratégie syndicale pertinente va leur permettre
de gagner, pour la première fois, un vrai statut de
travailleuses.
Un amour
FRANCE, 2014, 90’
RÉAL. Richard Copans • SCÉN. Marie Nimier,
Richard Copans • PROD. Anne Cohen-Solal •
IMAGE Richard Copans • MONT. Catherine Gouze •
SON Sylvain Copans • MUSIQUE Michel Portal,
Vincent Peirani • PROD. PAR Les Films d’Ici, CNC.
A partir de leur rencontre à Chartres en 1939, l’histoire
d’amour de Lucienne, vendeuse chez Gallimard, et
de Simon, étudiant américain. Un amour sur fond de
grande histoire, la fin de la guerre d’Espagne, la guerre
contre le nazisme. Une histoire qui fait des allers
retours entre la France et l’Amérique. Lucienne et
Simon, devenus personnages de fiction sous la plume
d’un écrivain, Marie Nimier… mes parents.
144
Boulevards du crépuscule
FRANCE, 1992, 65’
RÉAL. Edgardo Cozarinsky • SCÉN. Edgardo
Cozarinsky • PROD. Serge Lalou • IMAGE Maurice
Perimont, Javier Miquelez • MONT. Martine Bouquin •
SON José Grammatico, André Siekerski • PROD.
PAR Les Films d’Ici, La Sept Arte, INA.
Le narrateur, cinéaste argentin de Paris, enquête sur
les dernières années de deux acteurs français que rien
ne saurait rapprocher sinon le fait d’avoir fini leur vie
en Argentine : Falconetti et Le Vigan. Entre Paris et
Buenos Aires, sa recherche réveille bien des fantômes.
Disneyland, mon vieux pays natal
FRANCE, 2001, 46’
RÉAL. Arnaud des Pallières • SCÉN. Arnaud des
Pallières • PROD. Serge Lalou • IMAGE Arnaud des
Pallières • MONT. Arnaud des Pallières • SON Arnaud
des Pallières • MUSIQUE Martin Wheeler • PROD.
PAR Les Films d’Ici, La Sept Arte.
Disneyland existe, les enfants aussi sans doute. Les
enfants ne sont pas difficiles : leur rêve c’est d’être
n’importe qui, de vivre n’importe comment, d’aller
n’importe où, et ils le font. C’est ça la vie des enfants :
ils ne décident pas, ils ne décident rien. La vie n’est
que ce qu’elle est, rien d’autre, et ils le savent. Les
enfants aiment la vie, tout le monde sait ça, mais rien
ne les oblige à aimer la vie qu’ils ont.
Le Vertige des possibles
FRANCE-BELGIQUE, 2012, 90’
RÉAL. Vivianne Perelmuter • SCÉN. Vivianne
Perelmuter • PROD. Serge Lalou, Isabelle Truc •
IMAGE Vivianne Perelmuter • MONT. Isabelle Ingold,
Marie-Pomme Carteret • SON Ingrid Simon, Magali
Schuermans • MUSIQUE Jean-Paul Dessy, Reno
Isaac • PROD. PAR Les Films d’Ici, Iota Productions.
Anne est payée pour écrire des histoires mais elle n’y
arrive plus. Pas du tout l’angoisse de la page blanche,
tout le contraire. Et dans la vie c’est pareil : Anne
n’arrive pas à choisir. Mais ce jour-là, et toute une
nuit, entraînée bien malgré elle dans une errance à
travers la ville, elle devra bien apprendre à s’orienter
dans ce labyrinthe. Avant que le jour ne se lève, elle
devra agir.
Quelques jours ensemble
Eau argentée, Syrie autoportrait
FRANCE, 2014, 90’
(Ma’a al-Fidda)
RÉAL. Stéphane Breton • SCÉN. Stéphane Breton •
PROD. Serge Lalou • IMAGE Stéphane Breton •
MONT. Catherine Rascon • SON Nicolas Cantin,
Martin Sadoux • MUSIQUE Karol Beffa • PROD.
PAR Les Films d’Ici, Arte France.
Un long voyage dans le wagon de troisième classe
surchauffé d’un train lancé à travers l’hiver russe à la
vitesse d’un âne au galop, en compagnie d’un ancien
tankiste de l’Armée rouge rencontré par hasard sur la
couchette d’en face et qui devient le commentateur
des choses et des gens. Les personnages les plus
inattendus montent et descendent, saucissonnent,
bavardent, rêvassent, ronflent – et surtout racontent
leur vie brisée.
On est vivants
FRANCE-BELGIQUE, 2014, 100’
RÉAL. Carmen Castillo • SCÉN. Carmen Castillo •
PROD. Mathieu Cabanes • IMAGE Ned Burgess •
MONT. Eva Fegeiles-Aimé • SON Jean-Jacques
Quinet • MUSIQUE Jacques Davidovici • PROD.
PAR Les Films d’Ici, Iota Productions.
Un film sur l’engagement politique aujourd’hui à la
lumière d’un dialogue sensible avec la pensée de
Daniel Bensaïd, philosophe et militant, récemment
disparu. Avec Daniel, présent en image, et avec ses
textes, la réalisatrice voyage dans l’espace et dans le
temps, à la rencontre de ces inconnus indispensables
qui font la grandeur de la politique. Avec ses
désarrois, ses doutes mais aussi ses convictions, elle
cherche inlassablement une réponse à la question
: qu’est-ce qui fait avancer, quand tant d’autres se
découragent, ceux qui persistent à vouloir changer le
cours du monde ?
FRANCE-SIRIE, 2014, 90’
RÉAL. Ossama Mohammed, Wiam Simav Bedirxan •
SCÉN. Ossama Mohammed • PROD. Camille Laemlé,
Martin Berthier • IMAGE Wiam Simav Bedirxan,
Ossama Mohammed • MONT. Maisoun Assad,
Ossama Mohammed • SON Raphael Girardot •
MUSIQUE Noma Omran • PROD. PAR Les Films d’Ici,
Proaction.
En Syrie, les Youtubeurs filment et meurent tous les
jours. Tandis que d’autres tuent et filment. A Paris, je ne
peux que filmer le ciel et monter ces images YouTube,
guidé par cet amour indéfectible de la Syrie. De cette
tension entre ma distance, mon pays et la révolution est
née une rencontre. Une jeune cinéaste Kurde de Homs
m’a « tchaté » : « Si ta caméra était ici à Homs, que
filmerais-tu ? » Le film est l’histoire de ce partage.
Ernesto Che Guevara, le journal de
Bolivie
FRANCE-SUISSE, 1994, 92’
RÉAL. Richard Dindo • SCÉN. Richard Dindo •
PROD. Richard Copans, Bernard Lang • IMAGE Pio
Corradi • MONT. Georg Janett, Catherine Poitevin •
SON Jürg Hassler, Jean-Claude Brisson • PROD.
PAR Les Films d’Ici, Bernard Lang Filmproduktion, La
Sept Cinéma.
En octobre 1967, une nouvelle venant de Bolivie
parcourt le monde : le légendaire guérillero Ernesto
Che Guevara est mort. L’armée bolivienne annonce
qu’il a été tué les armes à la main et présente, lors
d’une conférence de presse, le journal qu’il a écrit
pendant les onze mois de la guérilla bolivienne. Du
départ mystérieux du Che de Cuba à son arrivée à La
Paz, des premières embuscades tendues à l’armée
jusqu’à la dernière journée du Che, le film suit celui-ci
pas à pas et fait renaître sa voix éteinte à travers
son journal. Avec les paysages, les témoins et les
documents, il raconte les événements de Bolivie
et reconstruit surtout les vingt derniers jours de la
guérilla, l’encerclement du Che par l’armée et son
assassinat dans la petite école de La Higuera.
145
Norbert Pfaffenbichler
L’Homme qui a laissé ses notes sur
pellicule : Norbert Pfaffenbichler
par Christoph Huber
Le téléphone sonne. Personne ne répond. Il y a en
revanche des prises de vues de chambres vides, de
couloirs, d’escaliers. Une poignée d’inserts en gros
plan évoquent la sensation d’une sortie soudaine,
des choses abandonnées dans la hâte : un tournedisque qui tourne dans le vide (sans son), des
restes de nourriture, des mégots dans un cendrier.
Ou bien ces choses ont-elles été considérées sans
importance après une longue délibération ? Puis, cut
à des ombres sur le mur : les pieds d’un pendu. En
surimpression les titres suivants : Notes on Film 6-B.
Monologue 2. A Masque of Madness. « Interprété par
Boris Karloff » : le réalisateur Norbert Pfaffenbichler,
avec une touche d’humour, apparaît au générique
comme « morbide ». […] Un Masque de folie, œuvre
maîtresse baroque, confirme Pfaffenbichler, né en
1967, comme le réalisateur autrichien d’avant-garde le
plus fascinant de sa génération. Son avant-première
dans la section Histoire(s) du cinéma du Festival de
Locarno marque enfin son arrivée dans les festivals
de première catégorie. Curieusement, le point de
départ de la rengaine de Karloff, en partie sinistre
et en partie hilarante, offre aussi l’occasion idéale
pour reconsidérer une carrière […]. Pendant quelques
années, Pfaffenbichler a poursuivi son présumé
leitmotiv « Différence et répétition » en animations
abstraites jusqu’à son œuvre maîtresse minimaliste 36
(2011), un extrait de deux minutes sur le mouvement
abstrait autrichien, coréalisé avec Lotte Schreiber.
36 est un film d’une clarté conceptuelle étonnante,
il présente trois segments de formes et durées
différentes, chacun d’entre eux est animé par un
mouvement différent (changements binaires de tracés,
oscillations hallucinantes de gammes de couleurs, un
compte à rebours qui se traîne) : une combinaison de
peinture abstraite, d’énormes anciens jeux vidéo et
d’un film géométrique qui produit avec élégance une
perception chargée de significations minimes. L’année
suivante, le premier film en solo de Pfaffenbichler,
Notes on Film 01 Else, inaugure le nouveau cycle
fortuit qui l’occupe, en dehors de ses autres travaux
commandités. Il a aussi exposé dans des musées et
des galeries et a exercé la fonction de curateur. Fidèle
à son surnom ambigu, la série Notes sur pellicule
146
reconsidère des moments de l’histoire du cinéma à
partir de différentes perspectives en les réécrivant
conceptuellement ; elle se répand progressivement
et sur un ton ludique, avec des rebondissements
constants et étonnants.
Conference est un autre court-métrage : huit minutes
d’Hitler, recréé pendant des dizaines d’années par 65
acteurs, et monté comme un essai sur le grotesque,
aussi bien dans un sens amusant que terrifiant. Le
Führer est un personnage facilement reconnaissable
de par ses moustaches et ses cheveux raides séparés
par une raie au milieu, et seul Jésus le dépasse quant
aux représentations cinématographiques.
Pendant que Pfaffenbichler rentre chez lui, la limite
entre une présentation sérieuse et parodique a
perdu toute signification. Romuald Karmakar, qui a
fait son propre home movie sur la jeunesse d’Hitler
à Munich, Eine Freundschaft in Deutschland (Une
amitié en Allemagne, 1985), s’est une fois référé aux
interprétations d’Hitler comme Kasperltheater, théâtre
de Polichinelle. Pfaffenbichler partage ce critère:
« Plus l’imitation d’Hitler est authentique, plus elle me
semble ridicule ». Conference accentue l’aspect de la
caricature, il y a même un moment surprenant avec le
génie de la comédie française, Louis de Funès, mais
l’horreur est toujours aux aguets, comme le souligne
la piste de son balbutiante de Lang. Le climat absurde
est renforcé par la construction de Pfaffenbichler, qui
enferme ce cliché du mal dans un cercle vicieux, en
travaillant avec des images filmées en noir et blanc
provenant d’un moniteur afin de donner un aspect
uniforme au matériel : il s’agit presque exclusivement
de gros plans d’Hitler, éternellement différent mais
invariablement reconnaissable, dans un fervent débat
avec lui-même ou avec un Doppelgänger, un double
(mieux, un Wiedergänger : un fantôme). Le grand
dictateur dans une salle aux miroirs déformants : une
série de reflets, proposés dans une certaine mesure
comme un film regardé par un autre Hitler. Inversant
un aspect de Conference, Pfaffenbichler a élargi
les Notes sur pellicule par un étonnant diptyque de
représentations. Au lieu d’un personnage recréé
par de nombreux acteurs, hommages dans ces deux
sens – l’un muet et l’autre sonore – à un genre
et à deux stars du cinéma d’horreur, il n’y a qu’un
seul acteur pour toutes les parties. La première, A
Messenger from the Shadows - Notes on Film 06
A. Monologue 01 (Messager des ombres - Notes
sur pellicule 06 A. Monologue 01), trouve en Lon
Chaney le sujet idéal qui, grâce à sa maîtrise du
déguisement devient « l’homme aux mille visages » :
une œuvre unipersonnelle interprétée par les
nombreuses parties d’une personne fragmentée.
(La prédilection de Chaney pour le grotesque paraît
encore plus « Pfaffenbichlerienne »). En utilisant au
moins une prise de chacun des 46 films de Chaney
qu’il a pu trouver, Pfaffenbichler réalise son propre
voyage fantasmatique dans des espaces impossible,
créés par différents films unis par un montage
classique, déterminé à accomplir son propre objectifcauchemar avec la bande son versatile de Lang,
emplie d’introduction atmosphérique et d’une série
de batailles, de conspirations, de messages secrets,
d’amours impossibles et d’actes mortels et délirants.
Pendant ce temps-là, Chaney, n’interagissant qu’avec
lui-même bien que défiguré, offre un sens aigu de
solitude tragique aux procédés, créant toute sorte
de complications perversement comiques dans une
variété de nuances entre l’auto-érotisme et l’automépris suicidaire/assassin.
Avec son propre sens pervers de la comédie,
Pfaffenbichler insère une longue suite de titres,
davantage de notes sur pellicule, un équivalent linéal
de ces invariables zones sombres de l’oscillant Mosaik
mécanique. Plus qu’une astuce structuraliste, ces
titres révélateurs se sentent aussi soulagés face aux
attaques hystériques de l’émouvante confrontation.
Mais il est clair que, pour Chaney, il n’y a pas
d’échappatoire au labyrinthe d’horreur en expansion
(films), il n’y a que l’option du style de l’invention de
Morel pour recréer une étrange danse de la mort vers
l’éternité. Le coup de grâce le plus sinistre arrive avec
son inévitable résurrection.
Extraits de « L’Homme qui a laissé ses notes sur pellicule : Norbert
Pfaffenbichler », publié dans le nº 56 du magazine Cinema Scope.
Merci à Christophe Huber et Mark Peranson pour leur aimable
autorisation.
Notes on Film 01 Else
AUTRICHE, 2002, 6’
RÉAL. Norbert Pfaffenbichler • IMAGEN Martin Putz •
SON Wolfgang Frisch AVEC Eva Jantschitsch.
Un visage sur cinq panneaux différents, en noir et
blanc et entre parenthèses. Notes on Film 01 Else est
un rapport sur les stimulants du cinéma : visualisation
et mouvement, matériel et montage, et l’énigme posée
par un visage.
Conference Notes on Film 05
AUTRICHE, 2011, 8’
RÉAL. Norbert Pfaffenbichler • MUSIQUE Bernhard
Lang.
Dans ce film grotesque, les premiers plans de 65
acteurs ayant représenté Hitler dans des films
réalisés de 1940 à nos jours se combinent en champ/
contrechamp. La bande son est du compositeur
autrichien Bernhard Lang.
Intermezzo (Notes on Film 04)
AUTRICHE, 2012, 2’
RÉAL. Norbert Pfaffenbichler • MUSIQUE Wolfgang
Frisch.
La première séquence de Intermezzo est un bref extrait
de The Floorwalker (1916), de Charlie Chaplin. Chaplin
fuit un poursuivant monstrueux par un escalator,
symbole de la quintessence technique et mécanique
de cette époque. Sur un côté, un mannequin sert de
contrepoint statuaire.
A Messenger from the Shadows (Notes
on Film 06 A/Monologue 01)
AUTRICHE, 2013, 60’
RÉAL. Norbert Pfaffenbichler • MUSIQUE Bernhard
Lang.
Une œuvre unipersonnelle pour l’« homme aux mille
visages ». L’icône du film d’horreur muet, Lon Chaney,
était fils de parents sourds-muets, et perfectionna
dès son plus jeune âge l’art de la pantomime. Il est
147
devenu célèbre comme maître du déguisement, avec
un penchant pour les apparitions grotesques et les
contorsions tortueuses. Norbert Pfaffenbichler a
réédité les 46 films conservés parmi les deux cents
que Chaney a faits, comme un hommage, dans A
Messenger from the Shadows. Un hommage à l’art de
Chaney, au pouvoir étonnant des films d’horreur et à
l’enchantement paradoxal du cinéma.
36
AUTRICHE, 2001, 2’
RÉAL. Norbert Pfaffenbichler, Lotte Schreiber •
SON Stefan Németh.
36, de Lotte Schreiber et Norbert Pfaffenbichler, est
une composition rigoureusement mathématique et
graphique basée sur le numéro du titre. Tous les
éléments de la vidéo, y compris sa durée, sont des
variables de ce numéro.
A Masque of Madness (Notes on Film
06-B, Monologue 02)
AUTRICHE, 2013, 80’
RÉAL. Norbert Pfaffenbichler, Lotte Schreiber •
SON Christoph Amann.
De même que dans son précédent travail en
association, A Messenger from the Shadows (sur Lon
Chaney), cette réédition de Pfaffenbichler d’une vie
cinématographique irradie l’intérêt analytique et un
subtil plaisir d’association. A Masque of Madness
parcourt les cinq décennies du cinéma de Boris
Karloff en tant qu’acteur secondaire de films muets,
protagoniste de films sonores et présentateur de
télévision. Le film rassemble les rites de toujours
du cinéma d’horreur et la gestuelle des dangers
exotiques, mais il le fait avec grandeur. Il expose aussi
les traces que l’histoire a laissées sur ces films, en
particulier les deux guerres mondiales et les progrès
technologiques.
148
PRÓXIMA EDICIÓN
PUNTO DE VISTA
Festival Internacional de Cine Documental de Navarra
Próxima edición: Pamplona. Febrero 2015
Next edition: Pamplona (Spain). February 2015
FeStival international
de cinéma nyon
17– 25 AvrIl 2015
dOC OUTlOOK –
InTErnATIOnAl MArKET
WWW.viSionSdUreel.CH
main SponSorS
media partner
dEsIGn :
nyon: a mUSt For proFeSSionalS
and Film loverS.
IMAGE : Sherman’S march — roSS mcelwee
THE OnlY dOCUMEnTArY FEsTIvAl In
sWITZErlAnd And OnE OF THE MOsT
IMPOrTAnT WOrldWIdE WITH ITs EXClUsIvE
dOC OUTlOOK – InTErnATIOnAl MArKET.
Notas
153
Notas
154
Notas
155
Notas
156
14° MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE DOCUMENTAL
16-29 de Octubre 2014
ACTIVIDADES ESPECIALES
Encuentro con NORBERT PFAFFENBICHLER
Domingo 19 de Octubre 18:30 h.
Fundación Proa
Pedro de Mendoza 1929, Auditorio 1° piso
*Esta actividad contará con interpretación inglés-español.
Encuentro con RICHARD COPANS
Viernes 24 de Octubre 15:00 h.
Alianza Francesa de Buenos Aires
Av. Córdoba 946, Auditorio 1° piso
*Esta actividad contará con interpretación francés-español.
NUEVAS EXPERIENCIAS DE DISTRIBUCIÓN DEL
CINE DOCUMENTAL EN ARGENTINA
Con presencia de representantes de las
Asociaciones Documentalistas y del Instituto
Nacional de Cine y Artes Audiovisuales-INCAA
ESTAS ACTIVIDADES TIENEN ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
Debido a la capacidad limitada, es necesario reservar lugar escribiendo a [email protected]
Una vez colmada la capacidad de la sala no se permitirá el ingreso.
Antofadocs
2014