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Junio agosto de 2016
Con la colaboración:
Acción Cultural
Española
Ayuntamiento de Brunete
Ayuntamiento de Cercedilla
Ayuntamiento de Colmenar del Arroyo
Acción Cultural
Española
Ayuntamiento de Colmenarejo
www.accioncultural.es
Ayuntamiento de Los Molinos
Ayuntamiento de Pozuelo de Alarcón
Ayuntamiento de Torrelodones
Ayuntamiento de Valdemorillo
Índice cronológico de espectáculos
24 de junio
‘Sinfonía nº5’ de Tchaikovsky
25 de junio
‘Las cuatro estaciones’
26 de junio
Capella Mediterránea
1 de julio
James Rhodes
2 de julio
‘Sinfonía nº5’ de Beethoven
3 de julio
‘Las cuatro estaciones’
9 de julio
Iberian & Klavier, dúo de pianos
15 de julio
Compañía Nacional de Danza
16 de julio
‘Goyescas’
22 de julio
Concierto profesores Matisse
23 julio
‘El último viaje. Granados en Nueva York’
24 de julio
‘Las estaciones’, de Chaikovsky
28 y 30 de julio
‘Don Carlo’
29 de julio
‘Winterreise’ (Viaje de Invierno)
2 de agosto
‘Sinfonía nº8 Incompleta’
3 de agosto
‘Monteverdi & Friends’
6 de agosto
‘ARAT: 400 años de flamenco’
Música
SINFONÍA Nº5 DE TCHAIKOVSKY
Benjamin Zander dirige a la Boston Philarmonic Youth Orchestra
24 de junio de 2016
Programa
M. Glinka
A. Dvorak
P. Tchaikovsky
C. Debussy
P. Tchaikovsky
Obertura de Ruslán y Ludmila
Klid (Bosques silenciosos)
Pezzo Capriccioso
La Mer
Sinfonía No. 5
Sobre el director, Benjamin Zander
En 1979, Zander se convirtió en el director de la Filarmónica de Boston y de la Joven
Filarmónica de Boston. En sus treinta y cinco temporadas juntos han interpretado un
extenso repertorio, con énfasis en los compositores del siglo XX y los primeros
románticos, especialmente las sinfonías de Gustav Mahler. En la celebración de su 25
aniversario en 2003/2004, la Filarmónica de Boston realizó una temporada todo-Mahler,
incluyendo un concierto en el Carnegie Hall.
Benjamin Zander cuenta con una gran reputación internacional como director invitado.
Tiene una relación única con la Philharmonia Orchestra (Londres), y actualmente está
grabando una serie de sinfonías de Beethoven y Mahler para el Telarc y Linn Records.
Además ha viajado por el mundo dando conferencias a distintas organizaciones sobre el
liderazgo y ha aparecido en varias ocasiones como orador principal en el Foro Económico
Mundial en Davos, donde fue galardonado con el Premio Crystal por “cuotas pendientes
de las Artes y las relaciones internacionales.” El libro El arte de la posibilidad, del que es
coautor con el psicoterapeuta Rosamund Zander, ha sido traducido a dieciséis idiomas.
En 2002, Zander fue galardonado por las Naciones Unidas y en 2007, con el premio
Golden Door por el Instituto Internacional de Boston por su “destacada contribución a la
sociedad estadounidense como un ciudadano de los Estados Unidos nacido en el
extranjero.” En marzo del 2009, se le concedió un doctorado honorario del New England
Conservatory de música.
Comenzó su temprana formación musical de violonchelo y composición en su Inglaterra
natal guiado por su padre. Cuando tenía nueve años, Benjamin Britten, uno de los
compositores ingleses más destacados, se interesó en su desarrollo e invitó a la familia a
pasar tres veranos en Aldeburgh, Suffolk, donde vivía. Esto dio lugar a una larga
colaboración con Britten y lecciones de teoría y composición con Imogen Holst, hija de
Gustav Holst.
Benjamin Zander dejó la escuela cuando tenía quince años, mudándose a Florencia por la
invitación del gran virtuoso del violonchelo español, Gaspar Cassadó, que se convirtió en
su maestro y mentor para los siguientes cinco años.
Sobre la Boston Philarmonic Youth Orchestra
Después de su debut en el Carnegie Hall, la crítica del New York Times describió la
madurez y cohesión de esta formación más allá de las edades de sus músicos. Su
hermana mayor, la Orquesta Filarmónica de Boston, está considerada una de las 5
mejores orquestas de EEUU (Big Five). Lo miembros de la BPYO participan como
mentores musicales en los programas educativos de la Filarmónica de Boston.
La creación de la BPYO fue apoyada con entusiasmo por las principales figuras en el
mundo de la música, incluyendo el violonchelista Yo-Yo Ma y el director Sir Simon Rattle.
El lema de BPYO es “dar forma a los futuros líderes a través de la música.” Como
complemento de sus tareas musicales, los miembros BPYO reciben lecciones de
liderazgo semanales de Zander.
Música
LAS CUATRO ESTACIONES DE VIVALDI
Pepe Rivero, piano
25 de junio de 2016
Sobre el concierto
La inmortal obra de Antonio Vivaldi, Las cuatro estaciones, escrita para cuerdas y
adaptada para el jazz latino por el maestro Pepe Rivero. Un concepto revolucionario y
sorprendente que se estrenará mundialmente en junio de 2016 en el marco del Festival
Internacional Clazz, en México, El Escorial, Madrid y Barcelona.
Un repertorio pensado para una formación de orquesta de cámara y un cuarteto de jazz,
para llevar una de la obras clásicas más importantes y conocidas de la historia, al terreno
del jazz latino. Un espectáculo realmente único que reúne en escena a más de 30
músicos fuera de serie.
Ficha artística
Pepe Rivero, arreglos y piano
Cuarteto de Jazz Latino:
Georvis Pico, batería
Yuvisney Aguilar, percusión
Iván Ruiz Machado, contrabajo
Eduardo Coma, violín
Acompañados por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid
En palabras de Pepe Rivero “Será un viaje de Antonio Vivaldi por las Américas, como si
cada estación hubiese sido escrita en un lugar diferente, comenzando por Cuba con La
Primavera, en Brasil El Verano, en Argentina El Otoño y en New York El Invierno. Se trata
de una obra descriptiva que evoca a través de elementos de lenguaje musical distintos
aspectos de las estaciones del año.
En esta ocasión con Pepe Rivero como pianista y arreglista de estos cuatro conciertos, el
piano será protagonista junto a dos violines solistas para enfrentarse a la obra original y a
lo que pudo haber sido si Vivaldi hubiese visitado esas cuatro ciudades americanas,
capitales de la música popular en sus albores. Escucharemos un cuarteto de jazz junto a
una orquesta de cuerdas pero esta vez en clave de latin jazz y donde la improvisación
será protagonista.
Sobre Pepe Rivero, arreglos y dirección musical
Pianista con una gran trayectoria, ha participado en los más importantes festivales de jazz
nacionales e internacionales y ha colaborado con una larga lista de importantes artistas
como Celia Cruz, Paquito D´Rivera, Tony Zenet…
Posee la virtud de extrapolar un ritmo y en torno a él articular un nuevo cuerpo,
engendrando una estructura sonora diferenciada. Como pianista de jazz latino, parte casi
siempre de la estructura de algún género señero de la música cubana, como el
guaguancó, la guajira, la conga, etc., y en torno a él incorpora una serie de complejas
armonías que extrae de su amplio acervo como jazzista y compositor con una gran
herencia clásica.
Sobre la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid
La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM) fue creada por la
Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid con el propósito de contribuir a la
formación de los jóvenes instrumentistas madrileños en un marco de aprendizaje
profesional de alta calidad técnica y artística. Se adscribió el proyecto a la Fundación
Orquesta y Coro de Madrid, de donde depende, también la Orquesta y Coro profesionales
(Orcam). La JORCAM es un proyecto que engloba a la Joven Orquesta de la Comunidad
de Madrid, el Joven Coro de la Comunidad de Madrid, los Pequeños Cantores de la
ORCAM y la Camerata Infantil ORCAM-FBBVA
Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales a fin de facilitar
y preparar a sus miembros para un futuro acceso a las agrupaciones profesionales y a la
inserción laboral en el mundo de la música. Este aprendizaje se realiza a través del
conocimiento y la práctica del repertorio coral y orquestal, de la experiencia en
agrupaciones de cámara, del acercamiento a los escolares a través de los conciertos
didácticos, de la participación en proyectos artísticos integrales como la danza, el teatro
musical, la ópera, etc. La JORCAM, además, busca la promoción y el apoyo a sus
miembros a través de concursos internos de solistas, clases magistrales o líneas de
becas y ayudas para la ampliación y perfeccionamiento de estudios.
La Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid se crea en 2009, es heredera de la
antigua Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad, formación que ha
contribuido durante 18 años a la formación de los jóvenes músicos madrileños.
Su debut oficial fue en los Teatros del Canal con la gala Una noche en el Canal, bajo la
dirección de Albert Boadella. Desde su creación, JORCAM ha ofrecido conciertos en el
Auditorio Nacional, Teatros del Canal, Auditorio de Zaragoza, Teatro Auditorio de Soria,
Teatro Arriaga de Bilbao, Palacio de Festivales de Cantabria, Auditorio de El Escorial,
Teatro Principal de Figueres y en varios teatros de la red que posee la Comunidad de
Madrid.
Ha participado en conciertos en Francia (Théâtre du Châtelet), México (Teatro de la
Ciudad de México, Auditorio de la Universidad de Puebla, Teatro Principal de
Guadalajara), Italia (Festival Mahler de Dobiacco) así como en intercambios con otras
orquestas y entidades formativas como la Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador en
dos ocasiones (2010 y 2015) con conciertos y talleres conjuntos en el Auditorio de la
FEPADE, con el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, Rusia, con conciertos en Sala
Rachmaninov de Moscú y en los Auditorios de Nimzry Novgorod, Cheboksary y Kazán,
con la Academia Nacional de Música de Vietnam, talleres de música de cámara, ensayos
parciales y la interpretación de la 9ª Sinfonía de Beethoven en la Ópera House de Hanoi.
Participó en importantes Festivales en España y México: Festival Internacional de
Peralada, Festival de Arte Sacro de Madrid, Festival Internacional de Música
Contemporánea de Alicante, Festival Internacional de Guanajuato (México), Semana de
Música Religiosa de Cuenca, Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial, y en la
producción Viva Madrid, en la Royal Ópera House de Muscat, Omán.
Desde la temporada 2009/10 la JORCAM organiza un ciclo de conciertos llamado
“Ibercaja de Música”, patrocinado por la Obra Social y Cultural de esta entidad bancaria
en los Teatros del Canal, que comenzó con 6 conciertos anuales y que, actualmente
alcanza las 30 actuaciones por temporada entre conciertos de cámara, sesiones
didácticas para escolares, conciertos familiares, conciertos sinfónicos, etc.
Por el podio de dirección de la JORCAM han pasado importantes directores como: José
Ramón Encinar, Víctor Pablo Pérez, Jordi Bernàcer, Jaime Martín, Roberto Rizzi Brignoli,
Pablo González, Xavier Puig, Miguel Romea, Miguel Roa, Manuel Coves, Alejandro
Posada, Carlos Cuesta, Jordi Francés Sanjuán, David Ethéve, Santiago Serrate, Pablo
Mielgo, Andrés Salado, Sergio Alapont, José María Moreno, Anatoli Levin (catedrático de
dirección del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú), etc.
La JORCAM, además de su programación de conciertos y su apuesta por la formación,
extiende sus objetivos a proyectos que incorporen la música como vehículo de inclusión
social y de apoyo a colectivos marginados o con necesidades especiales. En esa línea ha
iniciado el proyecto social Acercando, en colaboración con la Fundación SaludArte y los
Teatros del Canal. El Coro Abierto, una iniciativa que abre la experiencia coral a personas
con discapacidad psíquica y el taller A tu ritmo de percusión dirigido a personas con
enfermedad mental. Todos ellos dirigidos por profesionales especialistas y con la
participación, como voluntarios, de los jóvenes músicos de la JORCAM.
Música
CAPELLA MEDITERRÁNEA
De Monteverdi a Piazzola. Leonardo García Alarcón, director.
26 de junio de 2016
Programa
La noche
Anibal Troilo
Monteverdi
Piazzolla
Monteverdi
La Ultima Curda (Tango, 1956)
Dormo ancora (Il ritorno d’Ulisse in patria, 1640)
Romance del Diablo (Serie del Diablo, 1965)
Sinfonia (L’Orfeo, 1607)
Un presagio
Monteverdi
Piazzolla
Monteverdi
Dorme l’incauta Dorme (L’incoronazione di Poppea, 1642)
Vuelvo Al Sur (Texto de Pino Solanas, 1987)
Ohimé, ch’io cado (Il primo libro delle canzonette, 1593)
El amor
Piazzolla
Monteverdi
Monteverdi
Milonga del Angel (Serie del Angel, 1965)
Sol per te bella Euridice (L’Orfeo, 1607)
Pur ti miro (L’incoronazione di Poppea 1642)
El abandono
Piazzolla
Monteverdi
Piazzolla
Balada para un loco (Texto de Horacio Ferrer, 1969)
Lamento della ninfa (VIII Libro dei Madrigali, 1638)
Chiquilín de Bachín (Horacio Ferrer, 1968)
La guerra
Monteverdi
Piazzolla
Piazzolla
Sinfonia da Guerra (Il ritorno d’Ulisse in patria, 1640)
Jacinto Chiclana (Texto de Jorge Luis Borges, 1965)
Michelangelo 70 (1969)
La morte
Monteverdi
Benedicta (Il Vespro della beata Vergine, 1610)
Piazzolla
Muerte del Angel (Serie del Angel, 1962)
Piazzolla
Balada para mi muerte (Texto de Horacio Ferrer, 1968)
Monteverdi
S’apre la tomba (Il secondo libro delle canzonette, 1637)
BIS: Siempre se vuelve a Buenos Aires
Oblivion
Sobre el espectáculo
Fruto de una residencia de creación, este espectáculo nace de una idea totalmente
barroca: hacer vivir la emoción, la expresividad más allá de las particularidades de los
instrumentos de época. Es concebida como un diálogo permanente entre instrumentos
antiguos y modernos, entre el pasado y el presente, entre la danza y la música.
Una poderosa dramaturgia que nos lleva en progresión por la vida y la muerte, integrando
plenamente las dos estéticas musicales. Las partituras han sido especialmente
transcritas, en particular para el bandoneón, instrumento que se presenta como hilo
conductor durante todo el espectáculo. Versión concierto cantada por una soprano
magníficamente expresiva y por un auténtico tanguero. Un espectáculo para todos los
públicos a partir de 8 años.
Sobre Capella Mediterránea
El conjunto instrumental y vocal Cappella Mediterranea fue creado en el 2005 por
Leonardo García Alarcón con el objetivo de volver a los orígenes de los ideales estéticos
de los grandes músicos del sur de Europa.
Reunidos por una especial complicidad en torno de su director artístico, el conjunto tiene
como objetivos, reorientar el contacto de la música barroca latina basándose en los
recientes hallazgos musicológicos de la retórica italiana, de codificar los parámetros
barrocos todavía vivos en las músicas populares del sur de Europa y reproducir el
desplazamiento que desde el sur hacia el norte fue característico de todas las artes desde
el renacimiento hasta el barroco.
El conjunto Cappella Mediterranea explora los tres estilos más importantes del principio
del siglo XVII, que son el madrigal, el motete polifónico y la ópera, por la cual la
originalidad de su concepción y la calidad de su interpretación le han valido el
reconocimiento de la prensa internacional.
Las grabaciones consagradas a Barbara Strozzi, Giovanni Giorgi, Gioseffo Zamponi y
Michelangelo Falvetti son consideradas como referencias y han recibido numerosos
premios.
En el 2011 el conjunto Cappella Mediterranea continúa sus prestigiosas colaboraciones
acompañando a la mezzosoprano Anne Sofie Von Otter en la Abbatiale d’Ambrionay, al
Wigmore Hall de Londres y al Théatre des Champs Elysées. Prosiguiendo su trabajo de
redescubrir obras, uno de sus proyectos capitales en el 2012 será la creación y la
grabación de Nabucco, una nueva obra de Michelangelo Falvetti, encontrada en el 2011 y
jamás interpretada desde su creación en Messina en el año 1683.
En el 2013 la Cappella Mediterranea será el conjunto musical invitado de la Académie
d’Aix en Provence a fin de crear la ópera Elena de Francesco Cavalli bajo la dirección de
Leonardo García Alarcón y la puesta en escena de Jean-Yves Ruf. Desde hace algunos
años el conjunto se orienta hacia nuevos repertorios líricos abarcando de Monteverdi a
Mozart.
Música
JAMES RHODES
Piano
1 de julio de 2016
Programa
S. Bach / F. Busoni
F. Chopin Polonesa
F. Chopin
Y otras
Chaconne en re menor BWV 1004
Fantasia en La bemol mayor Op 61.
Scherzo no. 2 Op 31
Sobre James Rhodes
James Rhodes es un enamorado de la música clásica. Carismático, visceral y muy
talentoso, Rhodes asegura que Bach (y especialmente Las variaciones Goldberg) le han
salvado la vida. Y no exagera. A sus 40 años se ha convertido en uno de los principales
divulgadores de la música clásica en el mundo, gracias a sus giras y conciertos en todo
tipo de festivales y salas, y varios documentales sobre su figura filmados con la
complicidad de cadenas de televisión británicas.
James Rhodes ofrece un enfoque diferente al abordar la música clásica sobre el
escenario interactuando con el público, compartiendo emociones y opiniones sobre la
música y sobre los grandes compositores que interpreta.
Reverenciado por la crítica británica por su particular estilo de stand up, Rhodes aporta un
toque muy personal a cada una de sus actuaciones. Además de tocar y contextualizar las
obras que interpreta, el pianista británico también cuenta sobre el escenario, entre piezas
de Bach, Chopin, Rachmaninov, Schubert o Beethoven, la historia de su vida y cómo la
música le ha ayudado a superar los numerosos obstáculos que se ha ido encontrando por
el camino. Su reciente (y desgarrador) libro de memorias Instrumental. Memorias de
música, medicina y locura (Blackie Books 2015) ha recibido excelentes críticas a nivel
internacional.
James Rhodes no tiene formación académica ni tampoco tuvo el apoyo de un mentor
entregado. El título de su álbum de debut, Razor Blades Little Pills and Big Pianos, nos
deja entrever el sufrimiento que persiguió a James en su infancia y los albores de su vida
adulta. Afortunadamente, desde muy joven la música clásica se convirtió en su consuelo y
en la clave de su supervivencia. No fueron la fe, la esperanza o la caridad lo que salvaron
a James de una existencia atormentada, sino su pasión por Bach, Beethoven o Chopin.
En 1993, sus problemas de salud le impidieron beneficiarse de la beca de Guildhall. Pero
un encuentro fortuito 10 años más tarde con Franco Panozzo, el agente del virtuoso
pianista ruso Grigori Sokolov, le brindó una oportunidad única. Panozzo organizó para
James una breve formación con el reconocido profesor de piano Edoardo Strabbioli en
Verona, Italia. Pero no fue hasta el año 2008 cuando Rhodes conoce a su manager
actual, Denis Blais, quien le alentó a grabar su primer CD. Esto le permitió desnudar su
alma y dejar atrás, por fin, muchos fantasmas del pasado.
Junto a Denis Blais, Rhodes creó un enfoque distintivo y único sobre cómo debería ser
presentado un recital de piano clásico. Incómodos con el austero, tradicional y
excesivamente formal recital al uso, decidieron que ya era hora de que el intérprete se
comunicara directamente con el público. Rhodes introducía su propio programa y,
haciendo uso de fascinantes anécdotas sobre los compositores y sobre su propia vida,
compartía su visión sobre qué significaba interpretar estas obras de arte al piano. Con su
particular puesta en escena, basada en el estilo del stand up, James crea una experiencia
intensa y envolvente, que le hace ganarse el apoyo, para sí mismo y para la música
clásica, de nuevos y entregados seguidores.
En los años 2008 y 2009 pasó de ser un completo desconocido a una estrella en ascenso,
despertando el interés de celebrities como Stephen Fry o Sir David Tang, que se
convirtieron en sus admiradores. Desde entonces James no cesa en su empeño de ganar
nuevos públicos para la música clásica, sobre todo el público joven, gracias a su particular
estilo sobre el escenario y a una cuidadosa selección de recintos para sus shows,
incluyendo grandes festivales de música pop y salas donde no se suele programar música
clásica habitualmente.
En 2009, James fue el primer solista clásico en actuar en el Roundhouse en Camden
(Londres) y desde entonces ha seguido presentándose en escenarios poco
convencionales como el 100 Club, Proud Galleries o The Tabernacle, en Notting Hill.
Rhodes también ha actuado en el Blenheim Palace y en el prestigioso Queen Elizabeth
Hall. En la primavera de 2009 fue invitado especial en la ceremonia de entrega de los
premios de Classical Brit Awards. Su álbum de debut, Razor Blades Little Pills and Big
Pianos, tuvo un gran éxito y llegó al número uno de las listas de ITunes en mayo de 2009.
Su segundo CD, titulado Now would all the Freudians please stand aside, fue editado en
el galardonado sello discográfico independiente Signum Classics, llegando también al
número uno de las listas de Itunes.
En el año 2010 James Rhodes actuó en el Holders Festival en Barbados, en el E4
Udderbelly (Southbank), en el Cheltenham Music Festival y en el Latitude festival, donde
fue el primer músico en tocar un repertorio de piano exclusivamente clásico. En marzo de
ese año, Rhodes también se convirtió en el primer pianista clásico en fichar por un sello
discográfico predominantemente dedicado a la música rock: Warner Bros Records. Su
primer álbum con Warner, Bullets and Lullabies, vio la luz en Diciembre de 2010 y lo llevó
nuevamente al número 1 de la lista de las descargas de música clásica de ITunes. En
Octubre del 2010 James formó parte del documental de la BBC Chopin, las mujeres
detrás de la música y presentó su propia serie de televisión James Rhodes: Piano Man,
en Sky Arts 2.
En el 2011, James Rhodes actuó en el Ambassadors Theater (West End, London),
Cheltenham Music Festival, Lichfield Festival and Love Arts Leeds Festival. Encabezó el
Melbourne International Festival of Arts en octubre y a continuación realizó su primer gran
tour australiano. En noviembre de ese año regresa al Queen Elizabeth Hall de Londres y
en diciembre graba en el Old Market de Brighton el que será su próximo álbum en directo
JIMMY: James Rhodes recorded live at The Old Market Brighton, editado en mayo de
2012, año en que también actúa en el Beethoven International Festival de Chicago.
Tras tocar por todo el mundo, en 2014 Rhodes publica su quinto álbum de estudio Five:
Piano Recital y en 2015 su sexto álbum Inside Tracks. The Mix Tape, ambos bajo su
propio sello discográfico Instrumental Records.
Música
SINFONÍA Nº5 DE BEETHOVEN
Jose Ramón Encinar, director. Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid.
2 de julio de 2016
Programa:
Pedro Astasio
J. Turina
L.V. Beethoven
Atlántico
Danzas Fantásticas
Sinfonía nº 5 en do menor, op 67
Sobre José Ramón Encinar, director
Desde la temporada 2000/2001 hasta agosto de 2013 ha sido director titular y artístico de
la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. Durante las temporadas 1999-2000 y
2000-2001 fue titular de la Orquesta Sinfónica Nacional Portuguesa. Ha sido Director
Principal del Grupo Proyecto Gerhard y Proyecto Guerrero.
Durante las temporadas 1982-83 y 1983-84 fue director titular de la Orquesta Filarmónica
de Gran Canaria. Entre 1976 y 1983 fue asistente de composición de Franco Donatoni en
los cursos de perfeccionamiento de la Accademia Chigiana de Siena (Italia). Desde 1973
y durante más de veinte años fue Director del Grupo KOAN.
José Ramón Encinar dirige habitualmente la práctica totalidad de las orquestas españolas
y ha actuado en multitud de salas de Europa y Latinoamérica al frente de numerosas
orquestas como las de la RAI italiana, Sinfónica Siciliana, Orquesta Arturo Toscanini de
Parma, Orquesta Verdi de Milán, Sinfónica de Londres, English Bach Festival, Sinfónica
de Basilea, Sinfónica del Teatro Estatal de Karlsruhe, Sinfónica Nacional Argentina,
Sinfónica Nacional de México, Nacional de Venezuela, Festival Casals de Puerto Rico…
Es intérprete de más de una veintena de grabaciones para diversos sellos internacionales:
Naxos, Stradivarius, Glossa, Col Legno, Verso, Decca, Deutsche Grammophon…
Entre los premios que se le han otorgado figura el Nacional de Música en la modalidad de
composición en 1988 y como intérpret, el de la CEOE, así como el Premio de Música de
la Comunidad de Madrid en 2010.
José Ramón Encinar es Académico de Número de la Academia de Bellas Artes de San
Fernando de Madrid y Académico Correspondiente de la de Bellas Artes de Granada.
Entre sus obras como compositor cabe destacar la ópera Figaro, escrita sobre un libreto
propio (1987), con producciones en Madrid y Lisboa, las obras orquestales Música
nocturna (1985), Proyecto (1992) y Mise en scene (1994. CD Col legno) y las obras de
cámara Cum plenos forme enthousiasmo (1975), OP.23 (1978), Io la mangio con le mani
(1985) y Almost on stage (1985). Han sido interpretadas en diversas temporadas de
conciertos así como en festivales especializados como los de Royan, La Rochelle,
Fundación Calouste Gulbenkian, Alicante, Biennale di Venezia, Musica del nostro tempo
(Milán), Otoño de Varsovia, Almeida de Londres.
La actividad directorial de José Ramón Encinar se desarrolla tanto en el terreno sinfónico
como en el operístico, destacando en su haber el estreno de numerosas obras sinfónicas,
de cámara y líricas, como el de tres de las óperas de Luis de Pablo, obras de Yannis
Xenakis, Franco Donatoni, Goffredo Petrassi, Cristóbal Halffter, Bruno Ducol, Joao Pedro
Oliveira, Francisco Guerrero y un sinfín de autores jóvenes españoles.
En el terreno discográfico cabría señalar de un lado su dedicación al repertorio más
tradicional de los siglos XIX y XX (Ravel, Falla, Rodrigo, Chapí, Albéniz, Barbieri) y por
otro la apuesta por la difusión de la música de hoy en numerosos sellos italianos
(Stradivarius) y españoles (Verso, Autor, Glossa), como los monográficos dedicados a
Luis de Pablo, Francisco Guerrero, Gabriel Erkoreka, Massimo Botter, David del Puerto,
Agustín Charles…
Entre los directores de escena con los que José Ramón Encinar ha colaborado figuran los
nombres de Simón Suárez, Emilio Sagi, Francisco Nieva, José Carlos Plaza, Pierre Audi y
Bob Wilson, así como solistas de la talla de Joaquín Achúcarro, Alicia de Larrocha, Aldo
Ciccolini, Nikolai Luganski, Dmitri Demidenko, Jean Claude Pennetier, Akiko Suwanai,
Viviane Hagner, Gerard Caussé, Bruno Giuranna, Peter Wiespelway, Asier Polo, Misha
Maisky, Alain Meunier, Roberto Fabbriciani, Michel Portal, Felicity Lott, Carlos Álvarez,
Ainoha Arteta, Barbara Hendrix, Dietrich Henschel, Jennifer Larmore, Stephan Margitta,
Eva Urbanova, Sylvia Greenberg, José Bros…
Sobre la JORCAM
Más información sobre la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid en la ficha
del espectáculo Las cuatro estaciones (segundo espectáculo de la programación del
Festival de Verano).
Música
LAS CUATRO ESTACIONES. VIVALDI/PIAZZOLA
Ana Valderrama (Concertino-solista) y Fabián Carbone (bandoneón solista) con la
JORCAM
3 de julio de 2016
Programa:
A.Vivaldi
Las cuatro estaciones
Interpretadas por Ana Valderrama (concertino-director) con la Jorcam
A.Piazzola
Las cuatro estaciones porteñas
Dirigido por Julio Awad e interpretado por Fabián Carbone (bandoneón-solista) con la
Jorcam
Sobre Ana Valderrama, violinista
Tras su debut como solista con el director Zubin Mehta en el concierto de celebración
del 70 cumpleaños de Su Majestad la Reina de España (en la inauguración del Auditorio
Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía), Ana María Valderrama se ha
consagrado como una de las violinistas españolas más aclamadas del momento y un
claro valor emergente del panorama musical europeo.
Ganadora del primer Premio y el Premio Especial del Público en el XI concurso
Internacional de Violín Pablo Sarasate 2011, Ana María se ha convertido en la primera
violinista española de la historia en conseguir este prestigioso galardón. Además, Ana
María Valderrama ha sido ganadora de otros importantes certámenes entre los que se
incluyen el Concurso Internacional de Violín de Lisboa (Portugal), Concurso Internacional
de Violín de Novosibirsk (Rusia), Certamen Nacional de Interpretación Intercentros
Melómano (Madrid), Primer Palau (Barcelona), etc.
Ana María desarrolla una intensa carrera concertística que la ha llevado a actuar en
países como Inglaterra, Alemania, Francia, Italia, Portugal, Rusia, México, Colombia,
Jordania, Túnez o EEUU.
Se ha presentado como solista con la Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta Sinfónica
de Baleares, Orquesta Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, Sinfónica de Valencia,
Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Navarra, Orquesta de la Comunidad de Madrid,
St. Petersbourg’s Academic Symphony Orchestra, Orquesta de Novosibirsk, Sinfónica de
Yucatán, Nottingham Symphony Orchestra, Niederbayerischen Philharmonie, Orquesta
Music Festival de Lisboa, Orquesta Freixenet y Orquesta de Cámara Sony de la Escuela
Superior de Música Reina Sofía, Orquesta Sinfónica del Vallés, Orquesta Filarmónica de
Medellín, Orquesta Regional de Cannes; bajo la batuta de directores como Philippe
Bender, Dereck Williams, Ros Marbá, Juan Felipe Molano, Leduque-Barome, Xavier Puig,
Salvador Brotons, Alejandro Posada, Peter Csaba, Yuki Kakiuchi, Jordi Bernàcer, Ilych
Rivas, Max Valdés, Michel Tabachnik, Michal Nesterowicz, Yarom Traub o Zubin Mehta.
Dedicada también a la música de cámara, Ana María estudió con E. Feltz y R. Schmidt y
ha tocado en festivales como Open Chamber Music (Prusia Cove), Festival Internacional
de Santander, Festival Internacional de Segovia, Yellow Barn (EEUU), Festival de Música
Española de Cádiz, Festival Internacional de Música de Úbeda o Tardes de España (San
Petersburgo) entre otros, actuando en las salas más importantes de España, tales como
el Auditorio Nacional de Madrid, el Auditorio de Zaragoza, el Palacio de Festivales de
Cantabria, el Auditori de Barcelona y el Palau de la Música Catalana.
Ana María Valderrama estudió inicialmente con la profesora Anna Baget en el
Conservatorio de Ferraz de la Comunidad de Madrid. Posteriormente se formó con los
profesores Zakhar Bron y Yuri Volguin en la Escuela Superior de Música Reina Sofía,
donde recibió de manos de Su Majestad la Reina la distinción de “Alumna más
sobresaliente” de la Cátedra de Violín en los años 2005 y 2007. En 2009, se graduó con la
máxima calificación en la Escuela Superior de Música de Cataluña y en 2012 completó
sus estudios de Master en la Hochschulle für Musik Hanns Eisler de Berlín bajo la
dirección de la violinista Antje Weithaas. En 2014 consiguió los máximos honores en el
Master Instrumentalsolist de la UDK de Berlín con Nora Chastain
También ha recibido consejos de A. Chumachenco, M. Fuks, M. Zweig, F. Andrievsky, W.
Levin, R. Gothoni, R. Barshai, I. Ozim, M. Pressler, S. Isserlis y L. Kavakos.
Ana María Valderrama ha grabado un CD en directo desde la Sala Sinfónica del Auditorio
Nacional de Música de Madrid interpretando la Sinfonía Española de E. Lalo junto a la
Orquesta Freixenet de la E.S.M.R.S. y Max Valdés, y muchos de sus conciertos han sido
retransmitidos por Televisión Española y Radio Nacional de España.
En su etapa de formación ha sido becada por la Fundación Albéniz, la Comunidad de
Madrid, Caja España, Juventudes Musicales, Caja de Burgos, AIE, Mutua Madrileña,
Fundación Humboldt y La Caixa (DAAD).
Desde 2013 Ana María es además profesora de violín en el Real Conservatorio Superior
de Música de Madrid.
Sobre Fabián Carbone
Nace en Buenos Aires, descendiente de una familia de bandoneonistas y músicos de
tango. Formó parte como compositor y arreglista de diversas agrupaciones de tango
instrumental a lo largo de sus veinticinco años de trayectoria.
Presenta la agrupación "Fabián Carbone Tango Ensemble", formación que graba un
reciente disco y realiza dos espectáculos, "Tango, arte y tempo" y "Che Bandoneón".
Dirige la orquesta para el homenaje a Aníbal Troilo en su centenario en 2014,
presentando su concierto llamado Cien años de Troilo interpretando los arreglos originales
de una de las orquestas mejores de todos los tiempos.
Ha trabajado con destacadas personalidades de la música latinoamericana como Estrella
Morente, Fito Paez, Joaquín Sabina, Shakira, Enrique Morente, Plácido Domingo, Pedro
Guerra, María Dolores Pradera, Miguel Cantilo, Diego El Cigala, Imperio Argentina,
Guillermo Fernandez y Nacha Guevara.
Sobre la JORCAM
Más información sobre la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid en la ficha
del espectáculo Las cuatro estaciones (segundo espectáculo de la programación del
Festival de Verano).
Música
IBERIAN & KLAVIER, DÚO DE PIANOS
Con Tak-Nara Percussion Group
9 de julio de 2016
Programa
West Side Story
Danzón nº 2
Consagración de la Primavera
L. Bernstein (Arr. Bernstein)
A. Márquez (Arr. Ik-Tak Nara)
I. Stravinsky (Arr. I. Stravinsky)
Sobre Iberian & Klavier
Iberian & Klavier piano dúo es sin duda uno de los dúos pianísticos más exclusivos y con
mayor proyección internacional de la actualidad. Desde su creación en 2009 el dúo ha
realizado actuaciones en salas y festivales de prestigio, en recitales de piano a cuatro
manos, dos pianos y con orquesta, en Reino Unido, Francia, Portugal, Italia, Estados
Unidos y gran parte de la geografía española, siempre con el éxito de crítica y público.
Sobre Laura Sierra
Concertista internacional y directora del Centro de Formación Musical L’Atelier de
Musique en Madrid. Laura Sierra se erige como la pianista joven más destacada y
talentosa de su generación. Es calificada por la crítica especializada como una pianista
enérgica, con un excelente dominio técnico y una gran capacidad expresiva y colorista.
Goza de una amplia trayectoria internacional. Como solista ha actuado con Madrid
Sinfonietta Orchestra, y con ECDA Youth Orchestra en salas como Auditorio Nacional de
Música de Madrid, Palau de la Música de Valencia, Auditorio Miguel Delibes de Valladolid,
Auditorio de Torrent e Iglesia St. Mary de París. Es invitada a impartir masterclasses en
Italia, Francia, España y EEUU.
Como intérprete ha realizado actuaciones en Lisboa (Palacio de Foz), París, Londres (St
Punchras Church), Nueva York (Carnegie Hall) y España en las más importantes salas de
concierto y Festivales, como el Festival Internacional de Música de Segovia, Festival
Isaac Albéniz de Camprodón, Clásicos de Verano de la Comunidad de Madrid y Lienzo
Norte Music Festival, Spaincellence. Laura Sierra desarrolla una labor importante en la
difusión de la música española de los Siglos XX y XXI con más de 15 estrenos absolutos
realizados. En 2014 actúa en el Festival de Música Contemporánea de Madrid COMA´14
en la sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid. En 2015 participa como pianista en
la grabación de la obra de la compositora Beatriz Arzamendi De los amores de Don
Quijote en el disco De la dulce mi enemiga. Mujeres cervantinas producido por la UAM
con el sello Columna Música.
Sobre Manuel Tévar
Pianista, compositor y director de orquesta. Premio de la Real Academia de Bellas Artes,
Premio Fundación Guerrero, Premi Fundació Amics del Liceu entre otros. Uno de los
músicos españoles más completos y con más proyección internacional de su generación.
Ha dirigido entre otras la Spaincellence Symphony Orchestra, la Orchestra de Chambre
de Luxembourg y el Youth United Nations Ensemble. Director artístico del Atlántida
Symphony Orchestra y de diferentes festivales internacionales de música en España.
Como compositor ha estrenado más de 25 obras en 8 países. Cuenta con cinco proyectos
discográficos, dos como compositor, uno como director de orquesta y dos como pianista
con Iberian & Klavier piano dúo. Como pianista ha actuado en las mejores salas y
festivales, en ciudades como Nueva York (Carnegie Hall) Londres (St Punchras Church),
París (St Mary), Florencia, Lisboa (Palacio de Foz) y Bruselas, así como en gran parte de
la geografía española (Auditorio Nacional, Auditorio Miguel Delibes, Teatro Monumental,
Fundación Juan March…). Tévar es invitado a impartir masterclasses en universidades
americanas, festivales y conservatorios, así como jurado de prestigiosos concursos de
composición , música de cámara y piano como el Jean Français de París. Es profesor
titular del Conservatorio Teresa Berganza de Madrid. Ha colaborado con artistas, solistas
y bailarines de reconocido prestigio a nivel internacional. La crítica dice, “Tévar hace
vibrar los muros de la Iglesia de Sant Pierre con su batuta. Jamás he visto una orquesta
con tanto talento y calidad dirigida de una manera tan sublime…” Daniel Fender
Periodique, La Montagne, Francia.
Sobre Tak-Nara Percussion Group
Formado por Verónica Cagigao y Carlos Castañeda, se trata de
una de las agrupaciones de percusión más destacadas de nuestro
país. Tak-Nara Percusssion Group colabora con N. J. Zivkovic en
diversos conciertos por Alemania, Serbia y Eslovenia desde 2009
hasta la actualidad. También ha colaborado con otros artistas
como Víctor Mendoza, Enmanuel Sejourné e Igor Lesnik.
Tras su estreno en 2008, Tak-Nara ha hecho presentaciones y
conciertos en innumerables salas y teatros de España, Alemania,
Eslovenia, Serbia, Austria, Bélgica e Italia, entre otros. Ha
participado en diversos Festivales como Percussion Festival Ksilodrum 2010 en
Eslovenia, Festival Perkutafest, Festival Internacional de Percusión de Valencia 2012,
Festival de Música Contemporánea de Tenerife (FMUC) 2010, 2011, 2012 y 2013. Entre
sus próximos proyectos se encuentra la presentación de su espectáculo en Indianápolis
(EE.UU) dentro de la convención de percusión más importante a nivel mundial, el PASIC
(Percussion Arts Sociaty International Convention). Tak-Nara Percussion Group ha
obtenido varios premios entre los que cabe destacar el 2º Premio y el Premio Especial del
Público en Universal Marimba Competition and Chamber Music 2011 (Bélgica), Premio
INJUVE para la Creación Joven 2011 (España), así como el 2º Premio de Música de
Cámara María Orán 2013.
Danza
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
José Carlos Martínez, director
15 de julio de 2016
Programa
In the Night
Anhelos y tormentos
Don Quijote Suite
Jerome Robbins / Frédéric Chopin
Dimo Kirilov / Enrique Granados
José Carlos Martínez / Ludwig Minku
Sobre la Compañía Nacional de Danza
La actual Compañía Nacional de Danza (CND), que dirige José Carlos Martínez desde
hace ya casi cinco años, es la prueba fehaciente de que el proyecto de una compañía
nacional híbrida de calidad es hoy una realidad.
La dirección ha sabido combinar piezas de reputados coreógrafos de nuestro siglo, con
creaciones originales de creadores españoles, obras neoclásicas y otras de lenguaje
académico. Un claro ejemplo es su propia adaptación del Don Quijote de Petipa, que llegó
en diciembre al Teatro de La Zarzuela de Madrid, bajo una gran expectación, agotando
todas las localidades. La equiparación, en el seno de la compañía, de los perfiles más
contemporáneos con los académicos ha sido una de las grandes apuestas de la actual
dirección desde que tomara las riendas de la compañía en septiembre de 2011.
La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional
de España Clásico y tuvo como primer director a Víctor Ullate.
En febrero de 1983 se hizo cargo de la Dirección de los Ballets Nacionales Español y
Clásico María de Ávila, quien puso especial énfasis en abrir las puertas a coreografías
como las de George Balanchine y Anthony Tudor. Además, María de Ávila encargó
coreografías a Ray Barra, bailarín y coreógrafo norteamericano residente en España,
ofreciéndole posteriormente el cargo de director estable que desempeñó hasta diciembre
de 1990.
En diciembre de 1987 fue nombrada como directora artística del ballet, Maya Plisetskaya,
extraordinaria bailarina rusa. En junio de 1990 Nacho Duato es nombrado director artístico
de la Compañía Nacional de Danza, cargo que ejerció durante veinte años, hasta julio de
2010. Su incorporación supuso un cambio innovador en la historia de la formación
incluyéndose en el repertorio de la compañía nuevas coreografías originales, junto con
otras de contrastada calidad.
En agosto de 2010 Hervé Palito sucede a Duato como Director Artístico durante un año.
El 17 de diciembre de 2010 el Ministerio de Cultura anuncia el nombramiento de José
Carlos Martínez como nuevo Director de la Compañía Nacional de Danza. Martínez toma
posesión de su cargo el 1 de septiembre de 2011. El proyecto del bailarín Estrella del
Ballet de la Ópera de París para la Compañía Nacional de Danza se basa en el fomento y
la difusión del arte de la danza y su extenso repertorio, reservando un amplio espacio a la
nueva creación española, sin olvidar a los grandes coreógrafos de hoy. Se trata de
favorecer el acercamiento de nuevos públicos a la danza e impulsar la proyección
nacional e internacional de la CND, de conferirle una nueva identidad, incluyendo en el
repertorio de la CND piezas de otros estilos como el clásico y el neoclásico, siempre sin
descuidar la danza contemporánea y de vanguardia.
Sobre José Carlos Martínez, director
Inicia sus estudios de ballet en Cartagena con Pilar Molina. Entre 1984 y
1987 estudió en el Centre de Danse International Rosella Hightower. Ganó
el Prix de Lausanne e ingresó en la Ópera de París. En 1988 fue elegido
personalmente por Rudolf Nureyev para formar parte del cuerpo de baile del
Ballet de la Ópera de París. Tras ganar en 1992 la Medalla de Oro en el
Concurso Internacional de Varna, fue nombrado Bailarín Estrella del Ballet
de la Ópera de París en 1997, la máxima categoría en la jerarquía del
Ballet.
A lo largo de su carrera recibió otros premios importantes como el Prix de l
‘Arop, Prix Carpeaux, Premio Danza & Danza, Premio Léonide MassinePositano, Premio Nacional de Danza, Medalla de Oro de la Ciudad de
Cartagena, Premio Elegance et Talent France/Chine, Premio de las Artes Escénicas
(Valencia), Premio Benois de la Danza por su coreografía Les Enfants du Paradis o el
Premio Danza Valencia. Ha sido receptor de la medalla de honor del Festival Internacional
de Granada para la Compañía Nacional de Danza en 2013.
Dentro del repertorio de José Carlos bailarín destacan los grandes ballets clásicos y
neoclásicos. Ha trabajado además con la mayoría de los grandes coreógrafos del siglo
XX, desde Maurice Béjart a Pina Bausch, pasando por Mats Ek o William Forsythe,
algunos de los cuales han creado piezas para él. José Carlos Martínez ha bailado también
en prestigiosas compañías de todo el mundo en calidad de artista invitado.
Como coreógrafo ha creado: Mi Favorita (2002), Delibes-Suite (2003), Scaramouche (para
los alumnos de la escuela de la Ópera de París), Parentesis 1' (2005), Soli-Ter y Mi
Favoritita (2006), El Olor de la Ausencia (2007), Les Enfants du Paradis para el Ballet de
la Ópera de París (2008), Ouverture en Deux mouvements y Scarlatti pas de deux (2009),
Marco Polo, The Last Mission para el Ballet de Shanghai (2010) y Resonance para el
Boston Ballet (2014).
En 2012 crea Sonatas para la Compañía Nacional de Danza y en 2013 monta para la
CND sus versiones de Raymonda Divertimento y Giselle (paso a dos del segundo acto).
En 2015 monta su versión de Don Quijote Suite anunciando el estreno del ballet completo
por la CND para diciembre de este mismo año.
Música
GOYESCAS DE GRANADOS
Luis Fernando Pérez, piano
16 de julio de 2016
Programa
PARTE I
Chopin
Nocturno en do # menor op post
Balada en sol menor n.1 op.23
Dos nocturnos op.27: En do#menor y en re bemol mayor
Debussy
L’isle joyeuse
PARTE II
Granados
Goyescas
PRIMER LIBRO:
Los Requiebros
El coloquio en la reja
El Fandango de Candil
La Maja y el ruiseñor
Intermezzo de la ópera Goyescas
SEGUNDO LIBRO
El Amor y la Muerte
Epilogo: Serenata del espectro
Sobre Luis Fernando Pérez, piano
Considerado uno de los mayores expertos en el repertorio español, sus grabaciones
publicadas en el sello Mirare dedicadas a Chopin, Soler y Granados le han valido para
que la crítica francesa lo destaque como un avanzado del renacimiento musical español.
Su virtuosa técnica pianística, no exenta de los acentos de la necesaria libertad, hacen de
sus interpretaciones un despliegue de colores sonoros, inflexiones de emoción y vitalidad
a raudales, que elevan al público por encima de toda complejidad para deleitarle con una
cornucopia de vibrante intuición expresiva.
“Cada nota es una palabra. Uno tiene que imaginar y encontrar dentro de sí mismo qué es
lo que quiere decir y hacer“. Con estas palabras dedicadas a la obra de Chopin, Luis
Fernando certifica la madurez que los premios Franz Liszt-Italia, Enrique Granados de
Barcelona (Premio Alicia de Larrocha) y la Medalla Albéniz le habían vaticinado.
Considerado uno de los mayores expertos en el repertorio español, sus grabaciones
publicadas en el sello Mirare dedicadas a Chopin, Soler, Granados (Diapason D´or y Choc
del año de la revista Clásica) le han valido para que la crítica francesa lo destaque como
un avanzado del renacimiento musical español. Su último trabajo está dedicado
íntegramente a los derroches coloristas del impresionismo de Manuel de Falla (Mirare
2014).
Sus próximos compromisos le llevarán París, Madrid, Valencia, San Sebastián, Bilbao,
Alicante, Bruselas, San Petersburgo, Budapest, Burdeos, Tokyo, Toulouse, Tarbes,
Prades, Barcelona, Estambul, Oviedo, Gijón y Santiago de Compostela.
Música
CONCIERTO PROFESORES CURSOS MATISSE
Profesores del curso internacional
22 de julio de 2016
Sobre el concierto
Un clásico de los veranos de San Lorenzo de El Escorial. Desde 1988 se celebran los
cursos de perfeccionamiento musical Matisse y al terminar dicho curso los profesores del
mismo junto con los alumnos, ofrecen un concierto en el cual interpretarán un selecto
repertorio de obras de destacados compositores.
Música vocal y danza
EL ÚLTIMO VIAJE. GRANADOS EN NUEVA YORK
Obras de Enrique Granados
23 de julio de 2016
Programa
E.Granados
Doce tonadillas al estilo antiguo
Danza española nº 5: Andaluza
Día y noche de Diego ronda (Cantar)
L’ocell profeta
La boira
Elegía eterna
Intermezzo de la ópera Goyescas
Canciones amatorias
Danza de los ojos verdes
Sobre el concierto
En 1916 Granados realizó su último viaje a Nueva York para supervisar el estreno de
Goyescas y ofrecer una serie de triunfales conciertos, algunos junto a la bailarina Antonia
Mercé, la Argentina. Una invitación de la Casa Blanca cambió su billete de vuelta para el
Sussex, un barco inglés que sería torpedeado por un submarino alemán en la I Guerra
Mundial. Este programa recrea aquellos últimos recitales, e incluye los principales ciclos
de canciones que raramente son interpretados en su versión original, acompañados de la
lectura de algunas cartas y diarios de viaje del compositor.
Ficha artística
Anna Belén Gómez, soprano
Anna Tonna, mezzosoprano
César San Martín, barítono
Esther Tablas, bailarina
Valle González, corno inglés
Borja Mariño, piano
Música
TRIO MALATS
Las estaciones de Tchaikovsky
24 de julio de 2016
Programa
Lo mágico de las estaciones
Raquel Rodríguez
P.I.Tchaikovsky
En lo mágico
Las Estaciones op.37
Sobre el Trío Malats
Víctor Martínez, Alberto Gorrochategui y Carlos Galán son tres brillantes músicos cuya
formación y proyección internacional les ha llevado a fusionar sus carreras formando el
Trío Malats, para así rendir homenaje a este gran músico español.
Formados en España y Francia estos músicos han sido galardonados en multitud de
concursos, tanto a nivel individual como en música de cámara. Su bagaje musical ha
hecho que el Trío Malats cuente con un amplio y variado repertorio, abarcando desde el
clasicismo hasta las vanguardias actuales, habiendo actuado en diferentes festivales y
auditorios de España como el Festival Internacional de Santander.
Cabe destacar el compromiso que el Trío tiene con la música española de los siglos XX y
XXI, como así lo demuestran sus programas de concierto y los estrenos de las obras que
le han sido dedicadas tanto al Trío como a sus componentes. Fruto de este trabajo, es su
primer álbum Entre Fandangos y Habaneras, distribuido por Universal Classics, en el que
Ana Belén interpreta las Cinco Canciones negras de Monsalvatge con un exquisito gusto.
Hablar de la formación camerística Piano-trío, es hablar de uno de los grupos artísticos
más exigentes para el intérprete y más excitantes para el oyente, ya que se combina la
labor del solista entrelazada con la música de cámara en estado puro, obteniendo así un
puente natural de emociones difícilmente igualables entre el escenario y el público.
Ópera
DON CARLO DE VERDI
Albert Boadella, director de escena
28 y 30 de julio de 2016
Sobre el espectáculo
Albert Boadella presenta un nuevo montaje de Don Carlo, de Verdi, que se estrenó en
julio de 2015 en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. En el monasterio de esta
localidad vivieron los protagonistas de este drama y allí reposan sus restos.
Don Carlo es una de las cúspides indiscutibles del talento creativo de Giuseppe Verdi. En
esta propuesta, Albert Boadella cuestiona la propaganda de la leyenda negra contra la
España del siglo XVI. El tenor Massimo Giordano da vida a Don Carlo, controvertido
primogénito del rey Felipe II (encarnado por el bajo Carlo Colombara). Junto a ellos, el
barítono Juan Jesús Rodríguez interpreta el papel de Rodrigo, amigo y confidente de Don
Carlo; la soprano Ekaterina Metlova será Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la
mezzo-soprano Nadia Krasteva, asume el papel de la princesa de Éboli y el bajo Eric
Halfvarson en el papel del Gran Inquisidor.
Albert Boadella, consciente de que el libreto de Don Carlo, pese a utilizar personajes
auténticos, recoge un relato “absolutamente opuesto a la realidad histórica” -en referencia
a la conocida leyenda negra promovida en el siglo XVI por los países enemigos de
España como propaganda de descrédito-, ha ideado un montaje en el que propone dar a
la obra “ciertas aproximaciones a la verdad histórica”. De esta manera, trata de aportar al
drama matices desconocidos en los montajes realizados hasta la fecha, como la
esclarecedora locura de Don Carlo o la mayor humanidad de Felipe II. “El cambio esencial
radica en la actuación”, asegura Boadella, quien adelanta que el vestuario, diseñado por
Pedro Moreno, también marcará con precisión la época auténtica en que suceden los
hechos.
En palabras de Albert Boadella
“En nuestros días la ópera tiende a convertirse en un club de coleccionistas restringido a
supuestos expertos. Se trata de un arte que nació popular y ha pasado a ser rasgo
diferencial de una secta filarmónica. Un grupúsculo mitómano que se aferra a la idolatría
de las figuras como signo eminente de su exquisitez. Don Carlo es una de las
propiedades preferidas de esta petulante élite, pues le atribuyen unos obstáculos técnicos
que solo algunos escogidos comisarios son capaces de percibir y determinar si han sido o
no superados. Semejante disposición previa frente a la ópera tiene más de competición
deportiva que de auténtico deleite ante un arte excelso. Excelso, precisamente, porque
Verdi la compuso como patrimonio de todos, sin excepciones eruditas. Como tantas de
sus obras, Don Carlo transmite un dramatismo al alcance de cualquier persona capaz de
percibir lo que sucede fuera de sí mismo. No hay necesidad de mitificar ni intrincar aquello
que resulta tan natural, bello y emotivo. Esta ha sido mi intención esencial, aportando solo
ligeros detalles de la realidad histórica para acercar algunas razones del drama.
Obviamente, la fantasía sigue impoluta. Simplemente he tratado la ópera con la desnudez
de la tragedia en lugar del habitual parque temático sobre la Inquisición y la España
negra”.
Un monumento operístico
Don Carlo, una de las cúspides indiscutibles del talento verdiano, es la ópera veintitrés de
las veintiséis que compuso Giuseppe Verdi (Le Roncole, Buseto, 1813 – Milán, 1901). En
ella propone una desconocida inquietud armónica que aplicará hasta sus últimas
consecuencias en sus obras finales, que culminan con la joya de Falstaff. Encargada con
motivo de la Exposición Universal de París de 1867, se estrenó en francés el 11 de marzo
de ese año en la ópera de dicha capital. Las posteriores revisiones del autor, hasta tres,
movidas por una extrema obsesión de perfeccionismo, serían ya en italiano, y así es
como ha trascendido en el repertorio.
Ficha artística
Director de escena, Albert Boadella
Director musical, Manuel Coves
Escenografía, Ricardo Sánchez Cuerda
Figurinista, Pedro Moreno
Iluminador, Bernat Jansà
Coreógrafo, Amauri Lebrun
Director del Coro, Pedro Teixeira
Elenco:
Don Carlo: Massimo Giordano (tenor)
Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II: Ekaterina Metlova (soprano)
Felipe II: Carlo Colombara (bajo)
Rodrigo, marqués de Posa: Juan Jesús Rodríguez (barítono)
Princesa de Éboli: Nadia Krasteva (mezzosoprano)
Inquisidor: Eric Halfvarson (bajo)
Fraile: Fernando Latorre (bajo)
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
Música
WINTERREISE (VIAJE DE INVIERNO), DE SCHUBERT
Damián del Castillo
29 de julio de 2016
Programa
F. Schubert
Die Winterreise
Sobre Damián del Castillo, barítono
Nacido en Úbeda (Jaén), finaliza los estudios superiores de música y canto en Málaga
con Alicia Molina. Amplía su formación durante dos cursos en la Escuela Superior de
Música Reina Sofía de Madrid, trabajando con Manuel Cid y Tom Krause. Ha recibido
clases magistrales de Teresa Berganza, Reri Grist y Carlos Chausson. Actualmente
perfecciona su técnica con Juan Lomba.
Ganador del IX Certamen Nuevas Voces Ciudad de Sevilla en 2011; Finalista del XI
Concurso de Canto Acisclo Fernández Carriedo, finalista del III Concurso de Canto Villa
de Colmenar y Mención Especial en la Muestra de Jóvenes Intérpretes de Málaga.
Ha cantado como solista en el Teatro Real, Teatro de la Zarzuela y Auditorio Nacional de
Madrid; Sala Toscanini del Teatro de la Scala de Milán, Sala de Los Espejos del Teatro
del Liceo de Barcelona; Teatro de la Maestranza de Sevilla, Sao Carlos de Lisboa, Palacio
Euskalduna de Bilbao, Campoamor de Oviedo, Pérez Galdós de Las Palmas de Gran
Canaria, Teatro Cervantes de Málaga, Teatro Villamarta de Jerez, Palacio de Festivales
de Santander, Mezquita-Catedral de Córdoba, Museo del Prado, entre otros. Ha cantado
en Chicago, Kansas City (I Festival Internacional de Música Española y Latinoamericana),
Instituto Cervantes de Berlín, Festival Terras sem sombra, Festival de Música y Danza
Ciudad de Úbeda, Festival de Otoño Ciudad de Jaén; Festival de Música Antigua de
Málaga; becado por la Sociedad de Artistas o Ejecutantes de España (AIE) para realizar
conciertos por la geografía española.
En el terreno operístico cabe destacar sus actuaciones en The Telephone, or L’Amour à
trois (Ben) en el Teatro de la Maestranza; La Traviata (Germont) en el Teatro São Carlos
de Lisboa; Carmen en el Palacio Euskalduna y Otello en la Ópera de Oviedo. Asimismo,
ha cantado roles como Malatesta (Don Paquale), Enrico (Lucia di Lammermoor), Eneas
(Dido y Eneas), Conde de Almaviva (Le nozze di Figaro), Papageno (Die Zauberflöte),
entre otros. Son frecuentes sus apariciones en el Teatro Nacional de Zarzuela, donde ha
obtenido un gran éxito en El Juramento y La Verbena de la Paloma.
En el campo del Oratorio ha cantado como solista: Cantata Nº 82 de Bach; Requiem de
Fauré; Misa de Minuit y Lecciones de Tinieblas de Charpentier; Misa Nelson de Haydn;
Réquiem y Misa de la Coronación de Mozart; Réquiem de Campra; Misa de Gloria de
Puccini; Pequeña Misa Solemne de Rossini y El Mesías de Händel. Actualmente viene
realizando una serie de conciertos, interpretando los ciclos liederísticos Die Schöne
Müllerin y Die Winterreise, de F.Schubert.
Ha sido dirigido por directores musicales como: Aldo Ceccato, Miguel Roa, Antonello
Allemandi, Antoni Ros Marbá, Eric Hull, Alexander Rahbari, Hansjörg Schellenberger,
Inma Shara, Keri Lynn Wilson, Arturo Díez, Miguel Ángel Gómez Martínez, Lorenzo
Ramos o Cristóbal Soler; y por registas como: Emilio Sagi, José Carlos Plaza, Ivo Guerra,
Francisco López, Tomás Muñoz, Mario Pontiggia o Pier Luigi Pizzi.
Entre sus recientes actuaciones y próximos compromisos hay que destacar su presencia
en el Teatro Real de Madrid (Death in Venice, Romeo et Juliette, La Traviata), un
concierto en Nueva Orleans con la Louisiana Philharmonic Orchestra, varios conciertos de
La Llama con la Orquesta de Euskadi, que fueron grabados y editados posteriormente en
Deutsche Grammophon, Otello de Verdi en el Festival de Peralada y en el Teatro de la
Maestranza, Otello de Verdi y Simon Boccanegra en el Liceu, Don Carlo en los Teatros
del Canal e Il Barbiere di Siviglia en ABAO.
Ficha artística:
Damián del Castillo, barítono
David Aijón, fortepiano
Música
SINFONÍA Nº8 “INCOMPLETA” DE SCHUBERT
Turkish National Youth Orchestra
2 de agosto de 2016
Programa
G. Verdi
I vespri Siciliani. Obertura
F. Schubert Sinfonía nº 8 en si menor, D759, “Incompleta”
H. F. Alnar Preludio y dos danzas
B. Bartok
Concierto para orquesta. Sz. 116
Sobre el concierto
Concierto de música clásica interpretado por la Turkish National Youth Orchestra y
dirigido por el maestro Cem Mansur en el que se interpretarán obras de Schubert, Bartok
y el compositor turco Hasan Ferit Alnar.
Sobre la Turkish National Youth Orchestra
La Turkish National Youth Orchestra fue fundada en 2007 por Cem Mansur. La Orquesta
ha actuado entre otros, en el Konzerthaus de Viena, Konzerthaus de Berlin , Sala Santa
Cecilia de Roma, Auditorio de Milán, Brucknerhaus en Linz (tomando parte del prestigioso
Brucknerfest) la Filarmónica de Essen, el Festival de Ravello, Teatro Filarmónico de
Verona, conciertos en Bruselas…Ha sido orquesta en residencia del Beethovenfest en
Bonn en Septiembre de 2012.
En verano de 2014, fue orquesta en residencia del Festival de Taormina, tocando una
producción de Tosca que cosechó un gran éxito.
Sobre Cem Mansur, director
Nacido en Israel, Cem Mansur estudió música en Londres en la Guildhall Scholl of Music
donde recibió el Premio Ricordi en dirección de orquesta. Más tarde estudió en Los
Angeles con Leonard Bernstein.
Mansur fue director de la Orquesta de la Ópera de Estambul entre 1981 y 1989. Seguido
de un exitoso debut en Londres con la English Chamber Orchestra en 1985, dirigió varias
orquestas y compañías de ópera en Holanda, Francia, Italia, República Checa, Rumanía,
Hungría, Alemania, Suecia, España, México, Israel, Croacia, Polonia, Sudáfrica, Finlandia
y Rusia, donde es invitado frecuentemente al Teatro Mariinsky invitado por Valery
Gergiev.
Fue director principal de la City of Oxford Orchestra de 1989 a 1997 y de la Akbank
Chamber Orchestra de 1998 a 2011, ganando un reconocimiento especial por su creativa
programación.
Mansur ha dirigido a renombrados solistas. Orquestas que ha dirigido recientemente
incluyen: Virtuosos de Moscú, Britten Sinfonia, Royal Philharmonic Orchestra, English
Chamber Orchestra, London Mozart Players, City of London Sinfonia, BBC Concert
Orchestra, George Enescu Philharmonic Orchestra, Mexico City Philharmonic Orchestra,
Torre del lago Puccini Festival y la Holland Park Opera Festival en Londres donde actúa
regularmente desde 1997.
El extenso repertorio de Cem Mansur incluye muchas obras inusuales. Ha dirigido el
estreno mundial de la Opera inacabada de Elgar The Spanish Lady en Londres, y la ópera
de Offenbach Whittington fue re-estrenada, desde su primera representación en el siglo
XIX, bajo su dirección en el City of London Festival en 2000.
En Abril de 2009 dirigió el estreno mundial de Veni Creator de Arvo Part y el estreno
europeo de la Sinfonía nº 4 del mismo compositor con la Filarmónica de Helsinki en
Polonia en 2010.
Mansur es presidente de la Ipswich Choral Society, la segunda más antigua institución en
Inglaterra, director artístico fundador de la Joven Orquesta Nacional de Turquía. También
ha dirigido a las Jóvenes orquestas de Turco-armenia así como la de Greco-turca.
Música
MONTEVERDI & FRIENDS
Raquel Andueza & La Galanía
3 de agosto de 2016
Programa
Sentirette una canzonetta
Perché se m’odiavi
Voglio di vita uscir
L’Eraclito amoroso
Ciaccona
Lamento d’Arianna
Un sol bacio
Quel sguardo sdegnosetto
Oblivion soave
Passacalle
Si dolce è’l tormento
Lamento della Ninfa
Su la cetra amorosa
T. Merula
Monteverdi
Monteverdi
T. Merula
Anónimo (s. XVII)
Monteverdi
Anglesi
Monteverdi
Monteverdi
Anónimo (s. XVII)
Monteverdi
Monteverdi
T. Merula
Sobre Raquel Andueza & La Galanía
La Galanía es una de las formaciones especializadas más importantes del panorama
musical español actual.
Fundada en el año 2010 por Raquel Andueza y Jesús Fernández Baena, su finalidad es
interpretar música barroca, tanto del siglo XVII como del XVIII, en base a unos cuidados
principios historicistas y apostando por colaborar con los mejores músicos tanto
españoles como de otras nacionalidades, todos ellos especializados en este repertorio.
Sus miembros forman parte de orquestas y grupos prestigiosos a nivel mundial, como
Hespèrion XXI, Al Ayre Español, Orquesta Barroca de Sevilla, Private Musicke, Orchestra
of the Age of the Enlightment, L’Arpeggiata, etc. Como eje central del grupo cuentan con
la soprano Raquel Andueza, la cual es invitada regularmente a los auditorios y festivales
más importantes del mundo.
La Galanía hizo su debut con gran éxito en la Catedral de Pamplona con el Stabat Mater
de Pergolesi, y rápidamente comenzaron a estar presentes en los más prestigiosos
auditorios y festivales del mundo: Madrid, Berna, Berlín, Colonia, París, Brujas, Palma de
Mallorca, Moscú, Helsinki, Nueva York, San Sebastián, Innsbruck, Sevilla, Chicago,
Bruselas, Girona, Lyon, Ciudad de Panamá, Palma de Mallorca, Aranjuez, Santiago de
Compostela, etc.
En enero de 2011 salió a la luz su primer proyecto discográfico, Yo soy la locura, para la
discográfica Anima e Corpo, álbum que desde su salida al mercado fue siendo un éxito de
crítica y ventas, y que recibió de manera unánime el premio Festclásica, otorgado por la
Asociación Española de Festivales de Música Clásica. Posteriormente presentaron sus
trabajos discográficos Alma Mia – un recopilatorio de las arias de ópera y cantatas más
bellas de Antonio Cesti- y Pegaso -un compendio de salmos y motetes de Tarquinio
Merula-, los cuales, asimismo, están obteniendo las mejores críticas y premios de la
prensa.
La Galanía ha recibido en junio de 2015 el Premio al Mejor Grupo de Música Barroca,
otorgado en la primera edición de los Premios de la Asociación de Grupos Españoles de
Música Antigua. Asimismo, su disco Pegaso recibió el galardón al Mejor Disco del Año
2014 en la misma edición de premios.
Premio GEMA al Mejor Grupo de Música Barroca de 2014.
Premio GEMA al Mejor CD de 2014 por Pegaso.
Premio FestClásica 2011 por su programa y disco Yo soy la locura.
Ficha artística
Raquel Andueza & La Galania
Pablo Prieto, violín
Manuel Vilas, arpa doppia
Jesús Fernández Baena, tiorba
Danza
ARAT: 400 años de flamenco
Juan Manuel Prieto, director y coreógrafo
6 de agosto de 2016
Programa
Obertura: farruca (s. XXI)
Rabad / Arrabal (s. XVII)
Cuevas del Sacromonte (s. XVII)
Patio andaluz: Bailes del candil (s. XVIII)
Cafés cantantes: Seguiriya (s. XIX-XX)
Las óperas flamencas: Soleares (1ª mitad s. XX)
La muerte de Lorca: Poesía coreografiada (1936)
El exilio del flamenco: Guajira (años 50)
Flamenco y cine: Homenaje a Lola Flores. La copla (años 50)
Teatro: Homenaje a Antonio “el Bailarín” – la caña (años 50-60)
Alegrías de Camarón: Alegrías (1969)
Teatro: Homenaje a A. Gades – farruca (años 70)
Tangos y bulerías (finales s. XX)
Flamenco dramatizado: Nana del caballo grande (s. XXI)
Flamenco actual: Soleá por bulerías (s. XXI)
Sobre el espectáculo
Un recorrido por la historia del flamenco desde la Granada del s. XVII, mostrando su
nacimiento en las Cuevas del Sacromonte, hasta nuestros días.
Si hay alguna danza española que tiene su propia idiosincrasia en la historia de la danza
española, ésta es el flamenco. Tanto es así que en 2010, la UNESCO lo declara
Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, en cuya resolución afirma: “El flamenco
está hondamente arraigado en la comunidad que lo practica, fortalece su identidad y se
transmite sin interrupción de generación en generación”.
La palabra “flamenco”, referida al género artístico, se remonta a mediados del siglo XIX.
Sin embargo su origen etimológico -así como pasa con los orígenes del arte propiamenteson desconocidos. La corriente más aceptada hoy en día es la corriente del origen gitanomorisco, la cual sitúa el origen de este arte en la baja Andalucía como fusión de las
culturas gitana, morisca, andaluza, judío sefardí y cristianos mozárabes. Según esta
teoría, el origen de la palabra “flamenco” es la expresión árabe Fellah-Mangú que significa
“campesino sin tierra”, la cual hace una clara referencia a las culturas “marginadas” por la
sociedad de entonces: morisca y gitana.
La compañía de Sangre y Raza, a través de nuestros estudios sobre el flamenco,
tomamos esta teoría como referente para desarrollar nuestro espectáculo, y así lo
bautizamos como ARAT, término caló que significa el ser, la existencia y la sangre, y el
subtítulo De Fellah-Mangú a Flamenco, alude a este origen de nuestro baile.
Ficha artística
ARAT, de Fellah-Mangú a Flamenco
Compañía de Sangre y Raza
Juan Manuel Prieto, director y coreógrafo
Carlos Fajardo, director e iluminador
Alejandro Molinero, coreógrafo invitado
Juan Carlos Avecilla, coreógrafo invitado
Idea original y dirección: Juan Manuel Prieto y Carlos Fajardo / Diseño de producción y
dirección escénica: Carlos Fajardo / Asistente dirección artística: Carla Navas / Jefe de
producción y maquinaria: José R. Díaz / Comunicación y ayudante de dirección: Roberto
Pereira / Secretaria dirección/coordinación: Mayte Picot / Diseño de iluminación: Carlos
Fajardo (A.A.I) / Diseño y mezcla de sonido: Juan Rivas / Diseño y realización de
vestuario: Carmen Granell / Distribución: Isabel Rufino