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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Destacados de Programación – Mayo 2016
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Destacados de Programación
Mayo 2016
CONCIERTO – Festival de Lucerna: Simon Rattle dirige las tres últimas sinfonías de
Mozart – 3 de abril – Pág. 3
CONCIERTO – Puro Schumann: los conciertos a solo – 4 de mayo – Pág. 5
CONCIERTO – Duran Duran: Diamond in the Mind – 6 de mayo – Pág. 7
CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Conciertos para piano de Mozart –
Estreno 7 de mayo – Pág. 9
ÓPERA – Carmen: ópera en cuatro actos de Georges Bizet – Estreno 7 de mayo – Pág. 11
ÓPERA – Don Carlo: ópera en cinco actos de Giuseppe Verdi – 8 de mayo – Pág. 13
ÓPERA – Turandot: ópera en tres actos de Giacomo Puccini – 12 de mayo – Pág. 15
BALLET – Mats Ek: Julia & Romeo – 12 de mayo – Pág. 17
CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Sinfonías de Mozart – Estreno 14
de mayo – Pág. 19
CONCIERTO – Sinfonía n.º 6 de Anton Bruckner: Daniel Barenboim y Orquesta Estatal
de Berlin – Estreno 14 de mayo – Pág. 21
DOCUMENTAL – Gran Alma – 15 de mayo – Pág. 23
CONCIERTO – Rolando Villazón canta arias de Händel – Estreno 15 de mayo – Pág. 25
ÓPERA – La nozze di Figaro: ópera en cuatro actos de Wolfgang Amadeus Mozart – 21
de mayo – Pág. 27
CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Shostakovich & Tchaikovsky –
Estreno 21 de mayo – Pág. 29
CONCIERTO – Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart: Sonatas para violín y piano I –
Estreno 22 de mayo – Pág. 31
CONCIERTO – Claudio Abbado y la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela – 25 de
mayo – Pág. 33
ICONOS – Pat Metheny Group: The Way Up Live – 27 de mayo – Pág. 35
CONCIERTO – Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner: Daniel Barenboim y Orquesta Estatal
de Berlin – Estreno 28 de mayo – Pág. 37
ÓPERA – La flauta mágica: ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart – Estreno
29 de mayo – Pág. 39
CONCIERTO – Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart: Sonatas para violín y piano II –
Estreno 29 de mayo – Pág. 41
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Concierto: Festival de Lucerna
Simon Rattle dirige las tres últimas
sinfonías de Mozart
3 de mayo
15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador
El mejor epílogo posible a una vida de genio, las tres últimas sinfonías de Wolfgang
Amadeus Mozart son el testimonio más fascinante de su creación sinfónica.
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Género: Concierto, música clásica, música sinfónica.
Director: Simon Rattle.
Orquesta: Orquesta Filarmónica de Berlín.
Año: 2013.
Lugar: KKL Lucerna.
Duración: 100 minutos.
La que para muchos es la mejor orquesta sinfónica del mundo visita el Lucerne Festival,
de la mano de su director titular Simon Rattle –actualmente se ha procedido al proceso de
su sustitución– y de las tres últimas grandes piezas puramente sinfónicas de Wolfgang
Amadeus Mozart [1756-1791]: las sinfonías n.º 39, 40 y 41. Compuestas todas en el verano
vienés de 1788, se trata de algunas de las obras más geniales del catálogo mozartiano,
que emergen, sin embargo, en un período vital protagonizado por las estrecheces
económicas y una situación personal complicada. Se trata realmente de obras que se
complementan, a pesar de que las poseen características realmente personales y
definitorias per se. Si bien no se conocen los impulsos que llevaron a Mozart a la
composición de tres piezas de este calibre en un lapso temporal tan corto –lo que llevó
a algunos a recurrir al pensamiento romántico de la búsqueda de una conclusión grandiosa
de su legado sinfónico–, no es descabellado pensar que pudieran tratarse de obras
compuestas para ser interpretadas en concierto, a pesar de que parece que esto nunca
llegó a producirse. La Sinfonía n.º 39, en Mi bemol mayor KV 543, compuesta en junio, se
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
concibe para una plantilla de violines I/II, viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera,
2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas y timbales, estructurándose en torno a
cuatro movimientos. Es la única de sus tres últimas sinfonías en la que su primer
movimiento presenta una introducción lenta, característica que sin embargo sí que
coincide con lo utilizado en sus dos sinfonías anteriores «Linz» y «Prague». Es una obra
realmente interesante, mixtura exquisita entre la solemnidad barroca y el drama
prebeethoveniano, con uso trascendente del cromatismo y una gran presencia de los
instrumentos de viento metal y los timbales.
La Sinfonía n.º 40, en Sol menor KV 500, contiene la siguiente plantilla: violines I/II,
viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes y 2 trompas,
y se estructura en cuatro movimientos. Mozart trabaja aquí de manera obsesiva sobre un
elemento en particular: la tonalidad de Sol menor. De tal forma, esta obra puede
observarse casi como si de un estudio sobre la tonalidad se tratase. En la música de Mozart
algunas tonalidades concretas son asociaciones claras con expresiones y sentimientos.
Así, si Re mayor es la tonalidad de la fatalidad –se demuestra claramente en el uso
recurrente en obras como su Requiem, su Concierto para piano KV 466, su Kyrie KV 341 o
en Don Giovanni–, Sol menor –que se encuentra en obras como su Sinfonía KV 183, su
Cuarteto con piano KV 478 o su Quinteto de cuerda KV 516– apela a un sentido mayor del
drama y especialmente a la soledad existencial del individuo, lo que explica la carencia
en la instrumentación de esta sinfonía de las trompetas y los timbales.
La última de sus sinfonías, la n.º 40, en Do mayor KV 551, que lleva por título «Jupiter»,
también se estructura en cuatro movimientos y en ella la tonalidad también juega un papel
importante, si bien aquí no únicamente expresivo, sino también simbólico. Compuesta
para violines I/II, viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera, 2 oboes, 2 fagotes, 2
trompas, 2 trompetas y timbales, el Do mayor aporta luminosidad y una visión dominada
por el uso de los motivos desarrollados a lo largo de toda la obra. Su Molto allegro, uno
de los más impactantes de toda su producción, y nos muestra al mejor Mozart, alejado,
no obstante, de la tempestuosa creación por impulsos de Beethoven. Estamos ante una
visión distinta, pero igualmente genial.
Concierto: Festival de Lucerna
Simon Rattle dirige las tres últimas sinfonías
de Mozart
3 de mayo
15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador
Sinopsis:
La relación entre la Orquesta Filarmónica de Berlín y el Festival de Lucerna es una de las más
estrechas y fructíferas de cuantas se recuerdan. En este concierto nos presentan las tres últimas
sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart, que suponen sin duda alguna uno de los legados sinfónicos
más impresionantes, pues se trata de las tres obras en las que toda su genialidad en el tratamiento
orquestal se ve reflejada de manera brillante y condensada. Dejen que Simon Rattle y su excelente
conjunto de instrumentistas les demuestren cómo han conseguido firmar una simbiosis
director/orquesta que pasará a la historia.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00107_Rattle_Mozart_1.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Concierto: Puro Schumann
Los conciertos a solo
4 de mayo
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador
Una magnífica velada en compañía de tres conciertos a solo de Robert Schumann, tres
solistas de auténtico lujo y una de las mejores orquestas historicistas del panorama.
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Género: concierto, música clásica, música romántica, violín, violonchelo, piano.
Intérpretes: Isabelle Faust, Jean–Guihen Queyras, Alexander Melnikov.
Director: Pablo Heras-Casado.
Orquesta: Orquesta Barroca de Freiburg.
Año: 2014.
Lugar: Berlin Philharmonic Hall.
Duración: 100 minutos.
Desde que a mediados del pasado siglo XX se instaurase con fuerza un movimiento de
interés por aquello denominado música antigua –repertorio anterior a 1750–, que llevaba
décadas movido de manera casi testimonial por algunos personajes aislados, este
movimiento historicista –o interpretación históricamente informada– ha ido creciendo
de manera exponencial, de tal forma que actualmente es casi inconcebible escuchar una
versión de repertorio barroco que no se encuentre bajo los preceptos del historicismo
y se interprete con instrumentos originales o copias fidedignas de estos. Tal ha sido su
desarrollo que las fronteras se han ido desvaneciendo de manera progresiva, y aquel
criterio que se utilizaba únicamente hasta la música del Barroco, ha ido ampliando sus
horizontes, llegando para algunos incluso hasta comienzo del siglo XX. El precepto principal
que sustenta este movimiento es la interpretación lo más fidedigna posible al momento
de la creación de la obra en sí, esto es, utilizando el instumentario de la época y la
manera de interpretar –en el sentido más amplio– que corresponde a cada momento.
Es por eso que conjuntos como el que protagoniza el presente concierto, la Orquesta
Barroca de Freiburg, especializados en repertorio barroco, han ampliado sus fronteras
de manera notable al Clasicismo y por ende al Romanticismo. Fundamentados en el
estudio de las fuentes de la época pretenden reconstruir esa sonoridad más alejada de lo
que puede parecer de la tradición postromántica que se instauró en la interpretación
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orquestal a finales del siglo XIX. Sin duda un concepto novedoso, extraño para los más
acostumbrados a la sonoridad habitual de las orquestas sinfónicas, pero que se afana en
presentar una visión diametralmente opuesta en cuanto a la sonoridad intrínseca y
extrínseca de las obras de la segunda mitad del XVIII o la primera del XIX. De entre estos
conjuntos, sin duda la Orquesta Barroca de Friburgo es uno de los más dotados, pues lleva
desde hace años realizando una encomiable labor a este respecto, con una discografía
extensísima que incluye numerosos registros dedicados a la obra de Mozart, Haydn o
Mendelssohn, entre otros.
Robert Schumann (1810–1856), compositor alemán y crítico musical, se encuentra entre
los más destacados de la historia musical del siglo XIX. Más recordado por su música para
piano y sus canciones, además de por algunas de sus obras sinfónicas y de cámara,
Schumann hizo contribuciones significativas a todos los géneros musicales de su época,
cultivando también una serie de géneros nuevos. Su doble interés por la música y la
literatura lo llevó a desarrollar una crítica de música históricamente informada y un estilo
compositivo profundamente en deuda con los modelos literarios. Gran exponente del
romanticismo musical, tuvo un fuerte impacto en las sucesivas generaciones de
compositores europeos. De su enorme corpus compositivo se interpretan aquí tres
ejemplos dentro del género del concierto, uno de los que menos desarrolló. Únicamente
un ejemplo de concierto para violín y otro para violonchelo se han conservado de su
catálogo, por lo que se trata de ejemplos sumamente relevantes para comprender la
concepción de los mismos en su obra. De sus conciertos para piano, sin duda el más
importante y acabado es el que aquí se interpreta, completando así el ciclo de sus tres
conciertos a solo más importantes. Se completa el programa con un ejemplo de su escritura
puramente sinfónica con la Ouvertüre, Scherzo und Finale Op. 52, probablemente su obra
sinfónica más importantes tras las propias sinfonías. Un concierto que demuestra que el
Romanticismo también posee otras manera de comprenderse, como se afana en
demostrar el director español Pablo Heras–Casado, una de las figuras rutilantes en la
escena de la dirección orquestal actual.
Concierto: Puro Schumann
Los conciertos a solo
4 de mayo
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador
Sinopsis:
¿Puede una orquesta historicista interpretar Robert Schumann? Les invitamos a que lo descubran
por ustedes mismos en este espectacular programa dedicado a tres conciertos a solo del compositor
alemán, de la mano de tres de los mejores solistas que se pueden encontrar actualmente: la
violinista Isabelle Faust, el violonchelista Jean–Guihen Queyras y el pianista Alexander Melnikov.
Pablo Heras–Casado se pone al frente de la Orquesta Barroca de Freiburg para firmar una versión
apabullante.
Enlaces de imágenes:
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Iconos: Duran Duran
Diamond in The Mind
6 de mayo
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador
La legendaria banda británica hace una histórica presentación de su gira All You Need is
Now en el Evening News Arena de Manchester.
 Género: concierto, música popular urbana, new wave, dance rock, voz.
 Intérpretes: Simon Le Bon, Nick Rhodes, John Taylor, Roger Taylor, Dom Brown, Simon
Willescroft, Anna Ross, Dawne Adams.
 Año: 2011.
 Lugar: Manchester Arena.
 Duración: 116 minutos.
Ya son algo más de treinta y cinco años en que John Taylor y Nick Rhodes, arrancan, en
su época de estudiantes en Birmingham, esta maravillosa aventura de un grupo que ha
sobrevivido a las difíciles coyunturas que deben sortear las bandas de rock. Ya entonces
para los 80’s queda conformado el grupo por Nick Rhodes, Simon Le Bon, su vocalista
insignia y los Taylor (Roger, Andy y John) sin ningún parentesco, a pesar de su apellido
común.
Es en una película del francés Roger Vadim, Barbarella, protagonizada por Jane Fonda,
donde ellos encuentran el nombre que identificará la banda, gracias al personaje villano
del film, Dr. Duran Duran, interpretado por el actor Milo O’Shea.
Ya cercanos a su cuarta década de su vida como grupo, Duran Duran ha experimentado
las normales vicisitudes de una larga carrera, pero son sin duda un ejemplo de reinvención
constante, de mezcla de recursos y de ningún temor a correr riesgos musicales y
escénicos. Su decisión permanente de utilizar el video como parte esencial de sus
actuaciones, ha sido uno de los motivos que garantizan la admirable supervivencia del
grupo.
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Iconos: Duran Duran
Diamond in The Mind
6 de mayo
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador
Sinopsis:
El concierto en Manchester marca sin duda la cima de su gira mundial en el 2011 y una muestra de
permanente trabajo y experimentación de un grupo, que si bien se inscribe en la onda New
Romantic del rock, con una marcada influencia de New Wave y Funk, encontró en los videoclips un
look y estética definitivos para su arrollador éxito.
Enlaces de imágenes:
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www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00049_Duran_Duran_2.jpg
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Orquesta de Cámara Nouvelle
Europe
Conciertos para piano de Mozart
Estreno 7 de mayo
19:20 Argentina/Uruguay | 17:20 Ecuador
La joven orquesta francesa interpreta algunos de los momentos concertísticos para
piano más destacados del genio salzburgués.
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Género: concierto, música clásica, piano.
Intérpretes: Kotaro Fukuma.
Director: Nicolas Krauze.
Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.
Año: 2014.
Lugar: Neuilly–sur–Seine (Concierto n.º 20); Francia (Adagio del Concierto n.º 23).
Duración: 40 minutos.
Poco o nada puede decirse hoy en día acerca de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791),
el genial compositor austríaco, sin duda uno de los mejores creadores en toda la historia
de la humanidad. Su estilo compositivo representa esencialmente la síntesis de muchos
elementos diferentes, que se fueron conformando en sus años vieneses, desde 1781 en
adelante, en un lenguaje que ahora se considera como un hito del clasicismo vienés. Su
música «madura», que se distingue por su belleza melódica, su elegancia formal y su
riqueza de la armonía y la textura, está profundamente influida por la ópera italiana,
aunque también enraizada en las tradiciones instrumentales de Austria y del sur de
Alemania. A diferencia de Haydn, mayor que él en 24 años, y Beethoven, menor que él en
15, se destacó en todos los ámbitos y corrientes de su tiempo. Así, para muchos puede
ser considerado como el compositor más universal en la historia de la música occidental.
Dentro de su inmenso y extraordinario corpus compositivo, los conciertos para piano y
orquesta representan un total de 27 piezas compuestas entre 1767 y 1791. La estructura
de estos conciertos suele conformarse de tres movimientos que siguen el esquema clásico:
movimientos extremos rápidos que enmarcan un movimiento central lento. En cuanto a
su forma, los primeros movimientos suelen estar compuestos en forma sonata, el segundo
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movimiento en forma sonata abreviada, mientras que el tercero suele ser un rondo. En
sus conciertos para piano, Mozart exhibe una enorme habilidad técnica y un dominio
completo de los recursos que ofrece la orquesta, creando un amplio abanico de afectos y
emociones en la escritura solística, pero también en el tratamiento de la paleta orquestal.
Sus conciertos presentan grosso modo un carácter improvisatorio y realmente
virtuosístico, especialmente en los primeros movimientos, donde desarrolla todas las
posibilidades técnicas del fortepiano de la época. En la actualidad, se considera que los
conciertos para piano de Mozart constituyen la cumbre del concierto clásico y son los más
influyentes, quizá junto a los cinco de Beethoven, en la historia del género. Tres de sus
conciertos para piano –que incluyen los nos. 20 y 23– se hallan entre las obras más grabadas
y conocidas del repertorio clásico.
Los dos conciertos que protagonizan el presente recital se encuentran entre los
considerados de su etapa de madurez, compuestos entre 1784 y 1786, que van desde el
concierto n.º 14 hasta el n.º 25, lo que da buena muestra de la genialidad y la capacidad
creativa del genio de Salzburg. El Concierto para piano y orquesta n.º 20 en Re menor, KV
466, fue compuesto en Viena el 10 de febrero de 1785 y se estrenó en esa misma ciudad
al día siguiente. Es posible considerarlo como el más dramático de la producción
mozartiana, pues con él desarrolla aspectos musicales y estéticos que posteriormente
estarán presentes en su célebre ópera Don Giovanni, por ejemplo. Destaca a su vez por el
uso del Re menor, tonalidad lúgubre que utiliza de manera realmente significativa en esta
misma ópera o en su enigmático Requiem. A los pocos días después de ser estrenado, su
padre, Leopold, visitó Viena y escribió en una carta a la hermana de Mozart, Nannerl, en la
que daba buena cuenta del éxito de la obra. El mismísimo Beethoven admiraba este
concierto, que solía interpretar durante su juventud, incluso escribió varias cadenzas para
el mismo –al igual Johannes Brahms–. El Concierto para piano n.º 23 en La mayor, KV 488,
fue concluido el 2 de marzo de 1786, siendo uno de los tres conciertos por subscripción
que ofreció esa primavera y probablemente fue interpretado por el propio Mozart. El
segundo movimiento, interpretado aquí, es apasionado e incluso lírico, siendo uno de los
más célebres de su catálogo.
Orquesta de Cámara Nouvelle Europe
Conciertos para piano de Mozart
Estreno 7 de mayo
19:20 Argentina/Uruguay | 17:20 Ecuador
Sinopsis:
La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, bajo la dirección de Nicolas Krauze, les ofrece una velada
de puro deleite, protagonizada por el pianista japonés Kotaro Fukuma, quienes interpretan el
Concierto para piano n.º 20 y el hermoso Adagio del Concierto para piano n.º 23, ambas geniales
obras del gran autor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart.
Enlaces de imágenes:
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Ópera: Carmen
Ópera en cuatro actos de Georges
Bizet
Estreno 7 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
Una de las óperas más célebres de la historia en producción desde la Ópera de Viena con
un fantástico plantel de solistas y la dirección de Andris Nelsons.
 Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.
 Intérpretes: Nadia Krasteva, Anna Netrebko, Massimo Giordano, Ildebrando D’Arcangelo,
Anita Hartig, Zoryana Kushpler, Alexandre Moisiuc, Adrian Eröd, Herwig Pecoraro, Tae
Joong Yang; Coro de la Ópera estatal de Viena, Coro Infantil de la Ópera Estatal de Viena,
Ballet de la Ópera Estatal de Viena; Franco Zeffirelli (dirección de escena y escenografía),
Leo Bei (vestuario), Rafael de Córdoba (coreografía), Peter Grauer (iluminuación).
 Director: Andris Nelsons.
 Orquesta: Orquesta de la Ópera Estatal de Viena.
 Año: 2010.
 Lugar: Ópera Estatal, Wien.
 Duración: 160 minutos.
Carmen es una ópera dramática en cuatro actos, compuesta por el célebre autor francés
Georges Bizet (1838-1875) sobre libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac,
que se basaron en la novela homónima escrita por Prosper Mérimée (1845), la cual
probablemente está influida a su vez por el poema narrativo Los gitanos (1824) de
Aleksandr Pushkin, el cual Mérimée conocía bien, pues lo tradujo al francés años después.
Se estrenó en la Opéra-Comique de la capital parisina el 3 de marzo de 1875, aunque no
gozó de críticas especialmente halagüeñas por parte de la mayoría de los críticos, lo que
la lleva casi a ser retirada después de tan solo cinco representaciones, aunque finalmente
se evitó y le facilitó su llegada hasta la nada desdeñable cifra de 48 representaciones en
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su primera temporada, a pesar de que al final de la misma el propio teatro parisino
regalaba pases con el fin de ayudar a atraer a un mayor número de oyentes. Bizet murió
prematuramente ese mismo año, por lo que nunca llegó a conocer la popularidad real
posterior de su gran obra maestra. Pocos meses después, en octubre de 1875, fue
producida en Viena, obteniendo ya sí un gran éxito de público y crítica, lo que marcó el
inicio de su inmensa popularidad en el continente.
Esta última ópera de Bizet no sólo transformó el género de la opéra comique tan
popular en Francia, que había permanecido prácticamente inamovible desde finales del
siglo XVIII, sino que sus modificaciones terminaron por aniquilar el género tal y como era
conocido. En la segunda mitad del siglo XIX desapareció la tradicional y férrea
diferenciación entre la ópera seria y la cómica, especialmente gracias a que Carmen
alimentó un movimiento de mixtura intergéneros que iba a ganar muchos adeptos y
notoriedad tanto en Italia como en Francia, además del resto de Europa. En cierta manera
estaba naciendo el culto al realismo, conocido a posteriori como verismo. La historia
está ambientada en Sevilla alrededor de 1820, y está protagoniza por una atractiva
gitana con un carácter muy fuerte y complicado. Carmen decide seducir al cabo don
José, un soldado inexperto, lo que desarrolla una serie de acontecimientos que van dando
color a la historia. Este termina por amotinarse contra su superior y se une como desertor
a un grupo de contrabandistas. Cuando Carmen centra su atención en Escamillo –un torero
prototipo del español visto desde fuera–, los celos impulsan a don José a cometer el
asesinato de Carmen. Es sin duda una historia trágica, que mezcla elementos populares
con otros realmente duros realistas.
Carmen modificó decididamente la ópera francesa y se ha definido como la gran
anticipación del verismo de la escuela operística italiana. Fue considerada por el filósofo
alemán Friedrich Nietzsche como una respuesta más pasional y mediterránea a la estética
wagneriana. Es desde hace décadas la ópera francesa más conocida e interpretada en
todo el mundo. Carmen es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico
estándar y aparece siempre entre las óperas más interpretadas en todos los teatros y
temporadas de ópera del mundo. Se trata de una obra maestra, merced a la belleza de
sus arias, su colorista y excelsa orquestación, la calidad de su libreto, el tratamiento
psicológico de los personajes y el ambiente que rodea a la historia.
Ópera: Carmen
Ópera en cuatro actos de Georges Bizet
Estreno 7 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
Sinopsis:
Carmen es, a pesar de su extrema popularidad, una obra maestra que les invitamos a disfrutar en
esta producción de la Ópera Estatal de Viena, que presenta un elenco vocal de espectacular nivel,
encabezado por Nadia Krasteva, Anna Netrebko, Massimo Giordano e Ildebrando D’Arcangelo. La
dirección corre a cargo del talentoso Andris Nelsons, en lo musical (Orquesta de la Ópera Estatal
de Viena), y el experimentado Franco Zeffirelli, en lo escénico.
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Ópera: Don Carlo
Ópera en cinco actos de Giuseppe
Verdi
8 de mayo
15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador
Fantástica producción de la ópera más grandiosa del autor italiano, desde el Festival de
Salzburg.
 Género: ópera, música clásica, música romántica, música vocal, belcanto.
 Intérpretes: Jonas Kaufmann, Matti Salminen, Anja Harteros, Thomas Hampson,
Ekaterina Semenchuk, Eric Halfvarson, Robert Lloyd, Maria Celeng, Sen Guo, Benjamin
Bernheim, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal del Viena; Peter Sein
(dirección de escena), Ferdinand Wögerbauer (decorados), Annamaria Heinrich
(vestuario), Lia Tsolaki (coreografía), Joachim Barth (iluminación).
 Director: Antonio Pappano.
 Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.
 Año: 2013.
 Lugar: Grosse Festpielhaus, Salzburg.
 Duración: 235 minutos.
Pocas óperas en la historia del género hay con la ambición, densidad y complejidad
narrativa y dramática del Don Carlo de Giuseppe Verdi (1813–1907). Ópera en cinco actos,
con libreto en francés de François Joseph Méry y Camille du Locle basado en Dom Karlos,
Infant von Spanien, un drama alemán firmado por Friedrich von Schiller. Fue estrenada el
11 de marzo de 1867 en la Ópera de Paris. Fue precisamente este centro el que encargó
a Verdi, como parte de una serie de actos que acompañarían la celebración de la Exposición
Universal de 1867, una ópera con texto en francés. La ópera, tal como se publicó a la vez
que su estreno, estaba conformada por la concepción original de Verdi, a excepción de
una serie de recortes que él mismo realizó, contando además con la inclusión de un
ballet, algo tan idiosincrásico de la ópera francesa.
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La primigenia versión francesa se dividió en cinco actos y su escritura se amolda al de
la Grand Opéra francesa. En el estreno la acogida no fue especialmente buena, todo lo
contario, pues se criticó con dureza que no cumpliese a priori con los cánones que toda
obra estrenada en la capital gala debía cumplir, esto es: una irrenunciable estructura en
cinco partes; no contener ningún diálogo prosaico, es decir, estar totalmente cantada y,
por supuesto, contener un ballet en el tercer acto y no en otro. La temática era de por sí
algo problemática para ser representada en Paris y eso pasó factura a la obra. El propio
Verdi había encargado una traducción al italiano de la que se encargaría Achille de
Lauzières, que ya en el otoño de 1866 estaba trabajando en ella. Para Verdi era muy
importante que la obra en italiano tuviese una misma versión en cinco actos más un
ballet, al igual que la Grand Opéra que había confeccionado. Dicha traducción al italiano se
presentó primeramente en el Real Teatro de Ópera Italiana, Covent Garden de London –
hoy la Royal Opera House– el 4 de junio de 1867, donde se estrenó con algunas
modificaciones. Para el estreno italiano habría que esperar hasta el 27 de octubre del
mismo año, realizada en el Teatro Comunale di Bologna el 27 de octubre de ese año –
ahora sin alteraciones ni variaciones de ningún tipo–.
Don Carlo es la obra más política de Verdi, a la par que la más larga, pero también la
más anticlerical. La política, pues de ella se trasluce el tema la aceptación de la
monarquía parlamentaria frente a la perdida causa republicana; y la religiosa, pues hay
profundas reflexiones sobre ella a lo largo de las cuatro horas de duración. Se trata de una
obra de notable brillantez, aunque quizá no es un título operístico realmente redondo,
no al nivel de otras de sus óperas. Buena parte del ello se debe a que su primera versión
estuviera dirigida a Paris, un centro operístico cuyos requerimientos constreñían
poderosamente a los autores que se consideraban artistas libres más que meros servidores
de los gustos sociales trasnochados y superfluos. Aun con todo, hay en Don Carlo(s) un
importante paso más en el desarrollo y el rigor con el que presenta la caracterización
psicológica de los personajes. Además, el tratamiento orquestal continúa deparando
descubrimientos y maravillosos efectos dramáticos. Por último, hay aquí un tratamiento
vocal que podría decirse alcanza la madurez verdiana que continuará posteriormente.
Ópera: Don Carlo
Ópera en cinco actos de Giuseppe Verdi
8 de mayo
15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador
Sinopsis:
Acompáñennos al Festival de Salzburg en su edición de 2013 para disfrutar de la producción que
Peter Stein y Antonio Pappano dirigen a la par. Cuenta con un plantel de solistas de primer nivel,
encabezado por Jonas Kaufmann, Matti Salminen, Anja Harteros y Thomas Hampson. La ópera más
ambiciosa de Verdi brindada de una forma magnífica.
Enlaces de imágenes:
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Ópera: Turandot
Ópera en tres actos de Giacomo
Puccini
12 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
La inmortal obra del compositor italiano en la impecable presentación y el emplazamiento
único del Festival Chorégies d’Orange.
 Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.
 Intérpretes: Lisa Lindstrom, Roberto Alagna, Maria Luigia Borsi, Marco Spotti, Chris
Merritt, Marc Barrand, Jean-François Borras, Florian Laconi, Luc Berin–Hugault, Virgine
Maraskin, Corinne, Parenti, Hyoung–Geoung You, Coro de la Gran Ópera de Avignon, Coro
de la Ópera de Niza, Coro de la Ópera de Tuolon, Coro de la Ópera de Tours, Ensemble
Vocal de Chorégies d’Orange, Escolanía de Bouches–du–Rhône.
 Director: Michel Plasson.
 Orquesta: Orquesta Nacional de Francia, Ensemble Instrumental de Chorégies d’Orange.
 Año: 2012.
 Lugar: Festival Chorégies d’Orange.
 Duración: 180 minutos.
Ópera en tres actos compuesta por Giacomo Puccini (1858–1924) y estrenada de manera
póstuma el 26 de abril de 1925 en La Scala de Milano. Se basa en el libreto en italiano de
Giuseppe Adami y Renato Simoni, quienes realizaron la traducción de la obra homónima
de Carlo Gozzi que fue recreada posteriormente por Friedrich Schiller. Puccini comenzó
idearla en 1920, pero no fue hasta 1921 que comenzó a trabajar sobre su composición.
La obra le llevó varios años, de tal forma que al sorprenderle la muerte la ópera quedó
inconclusa, pero él mismo había planeado que Riccardo Zandonai la concluyese bajo sus
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precisas instrucciones. A pesar de ello su hijo Tonio se negó a que fuese este quien
pusiera punto final a la obra, solicitando a Franco Alfano tal labor.
La obra se estrenó bajo la dirección del gran Arturo Toscanini, quien en mitad del acto
tercero, dos compases después de las palabras «Liù, poesía!», hizo a la orquesta detenerse
para volverse al público y proclamar: «Qui il Maestro finí» («Aquí terminó el maestro»).
El telón descendió lentamente. Para las posteriores representaciones se incluyó el final
completo compuesto por Alfano. La ópera supone el testamento pucciniano, no solo por
ser su última obra, sino por ser la más vanguardista de toda su producción. Para muchos
con ella se fue no solo su autor, sino una forma de entender la ópera, el bel canto y el
drama escénico, un último gran ejemplo de la ópera entendida como solo los italianos
parecían poder hacer. Desde su estreno el éxito ha sido arrollador, convirtiendo a la ópera
no solo en una de las más representadas del autor italiano, sino en una de las más
interpretadas en toda la historia de la música. En el período de 2005 a 2010 esta ópera ha
sido la cuarta en números de representaciones dentro de las óperas del propio Puccini, tras
La Bohème, Tosca y Madama Butterfly. No obstante, durante muchos años la República
Popular China prohibió la representación de Turandot, porque consideró que
menospreciaba a China y a sus habitantes. Hacia finales de 1990 se reconsideró esta idea
y en septiembre de 1998 se estrenó, estando en cartel durante ocho noches en la Ciudad
Prohibida con opulentos escenarios y soldados del ejército como extras.
Una breve sinopsis de los tres actos puede ser la siguiente: el exiliado príncipe Calaf,
junto con su padre ciego Timur y su esclava Liú, llegan a Pekín. Allí descubren que una
despiadada princesa llamada Turandot no acepta pretendientes y que todo aquel que
reclame su mano debe superar una serie de enigmas. Cuando Calaf ve a la princesa queda
prendado de ella y decide someterse a las pruebas. La princesa enuncia un enigma tras
otro hasta tres, resolviéndolos Calaf sin problemas. Turandot, impotente, reclama a su
padre el emperador piedad pero este no puede deshacer la promesa hecha por su hija.
Viendo Calaf su actitud le propone que si averigua su nombre antes del alba, podrá ser
ejecutado. Ya en el último acto Turandot moviliza a todo el pueblo para que averigüen
el nombre del extranjero: ¡Que nadie duerma! (Nessun Dorma). Finalmente, Liú revela
que es la única conocedora del nombre. Tras esto, coge la espada y se suicida. El pueblo
queda conmovido por tal acto de amor e incluso Turandot. El frio escudo de la princesa
cae y Calaf le revela su nombre. Al amanecer todos se reúnen en palacio y Turandot cuenta
que conoce el nombre del extranjero. Su nombre es... Amor.
Ópera: Turandot
Ópera en tres actos de Giacomo Puccini
12 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
Sinopsis:
Siéntense y disfruten de una de las óperas más célebres e intemporales que la historia de la música
nos ha legado. Turandot, la historia de la hermosa pero cruel princesa china y de sus amores con
Calaf. Una historia de amor y crueldad, de muerte y vida, que nos llega en la extraordinaria versión
realizada por el Festival Chorégies d’Orange y que cuenta con un despliegue absoluto en puesta en
escena y en los artistas que en ella intervienen, siendo los protagonistas las grandes voces de Lisa
Lindstrom y Roberto Alagna. Un enclave único para una obra inmortal.
Enlaces de imágenes:
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Ballet: Mats Ek Julia & Romeo
12 de mayo
17:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Ecuador
La historia de amor más célebre de cuantas hayan existido contada desde una
perspectiva novedosa y absolutamente contemporánea.
 Género: ballet, música clásica, música romántica.
 Intérpretes: The Royal Swedish Ballet; Mats Ek (coreografía), Anders Högstedt
(adaptación musical), Magdalena Ågberg (escenografía y vestuario).
 Director: Alexander Polianichko.
 Orquesta: The Royal Opera Orchestra.
 Año: 2013.
 Lugar: Opera House, Stockholm.
 Duración: 108 minutos.
Mats Ek [1945] es un célebre bailarín, corógrafo y director de escena sueco, uno de los
más destacados en la Europa de finales del siglo XX, manager del Culberg Ballet desde 1985
hasta 1993. Desarrolló una importante carrera como bailarín a la que siguió, como suele
ser habitual, su carrera como coreógrafo y director, con la que ha conseguido alcanzar
cotas realmente altas a nivel artístico. Algunos de sus trabajos han sido muy destacados,
siendo especialmente considerado como un gran adaptador de obras, encontrando en su
carrera hitos como Giselle (1982), Swan Lake (1987), Carmen (1992), Don Giovanni (1999) o
Andromaque (2001).
Presenta aquí una de sus últimas creaciones, en la que vuelve a la adaptación, esta vez
con Julia & Romeo, una clara adaptación y una novedosa visión de clásico literario de
William Shaespeare, Romeo & Juliet. Transcurridos cuatrocientos años del estreno del
original, Ek decide que es el momento de darle la vuelta al título y mirar la trama desde
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una perspectiva ligeramente diferente. Una de las historias en que Shakespeare basó su
obra, escrita a mediados de la década de 1590, fue The Tragedy of Juliet and Romeo,
traducido del italiano al inglés un año antes. La finalidad es clara: volver a la fuente; ¿o
se trata de otra asumir la vieja historia sobre el poder subversivo del amor que se
construye en nuestro banco de genes cultural?
Es una historia romántica ambientada en una sociedad brutal donde el conflicto entre
las personas y el poder es cruento. El amor, el odio y los celos... todo está toma por Mats
Ek en este clásico que resulta refrescantemente divertido, pero notablemente triste al
mismo tiempo. El ballet tiene lugar en una ciudad en crisis, una urbe que destaca por sus
tonos grisáceo y negro. La escenografía requiere un escenario vacío donde todas las
paredes son de color negro. Tres paredes son la única escenografía en el escenario, que
van cambiando por los bailarines y los ayudantes para crear diferentes ambientes y formas.
Mats Ek, un maestro en la reinterpretación de los grandes clásicos en la danza
contemporánea dice al respecto de su obra: «Todos las grandes historias a través del
tiempo deben ser revisadas para que sean significativos en nuestro tiempo.» La música
utilizada para la adaptación es una es una selección de piezas de Piotr Illich Tchaikovsky
que incluye extractos de la Patética, la Sinfonía Manfred, el Capricho italiano o su Concierto
para piano, entre otras. Anders Högstedt es el encargado de adaptar y arreglar estas
piezas de tal forma que sirvan específicamente a los requerimientos de este ballet.
Ballet: Mats Ek Julia & Romeo
12 de mayo
17:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Ecuador
Sinopsis:
Quédense con nosotros para disfrutar de la adaptación que el coreógrafo sueco Mats Ek realiza de
este clásico en la historia de las relaciones amorosas. Julia & Romeo presenta una novedosa visión
que cuenta la historia, pero al revés. Descubran de qué manera lo hace junto al Royal Swedish
Ballet y una adaptación musical sobre obras de Piotr Illich Tchaikovsky.
Enlaces de imágenes:
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Concierto: Orquesta de
Cámara Nouvelle Europe
Sinfonías de Mozart
Estreno 14 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
El excelente conjunto francés continúa su viaje por la creación instrumental del genial
compositor austríaco, ahora con dos de sus mejores sinfonías.
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Género: concierto, música clásica, música sinfónica.
Director: Nicolas Krauze.
Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.
Año: 2014-2015.
Lugar: Paris (Sinfonía n.º 40); Neuilly-sur-Seine (Sinfonía n.º 36).
Duración: 60 minutos.
La producción musical de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) es absolutamente
inmensa y genial en cualquiera de los repertorios que se estudien con detenimiento. Si
hablábamos en otro de nuestros programas de que sus conciertos para piano son quizá los
más importantes e influyentes de la historia de la música occidental, no menos supone su
corpus puramente sinfónico. Este cubre un intervalo de 24 años, desde 1764 hasta el
1788, para albergar un catálogo poblado por 41 sinfonías de una calidad realmente
fascinante y que son, junto a las de Franz Joseph Haydn, el ejemplo más numeroso y
brillante en toda la historia del género. No obstante, son varios los estudiosos que creen
que el número total de sus sinfonías podría llegar hasta las 68 obras, aunque únicamente
estas 41 están catalogadas y atribuidas con total certeza. Dentro de su corpus sinfónico
se pueden encontrar diversas etapas: sinfonías de infancia o juventud (1764-1761; nos. 113); sinfonías de Salzburg (1771-1777; nos. 14-30); sinfonías de madurez (1778-1786; nos.
31-38); últimas sinfonías (1778; nos. 39-41). Se pueden encontrar dos modelos básicos
dentro de su producción: las sinfonías de juventud, compuestas en tres movimientos,
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tomando como modelo la obertura italiana, que posteriormente añaden otro movimiento,
normalmente un minuetto; las sinfonías Salzburg y de madurez, basadas ya en el habitual
modelo de cuatro movimientos, siendo el primero y último normalmente una forma
sonata –el cuarto puede ser también un rondo–, el segundo un movimiento de carácter
lento más delicado y con una sonoridad más reducida, mientras que para el tercero se
reserva el habitual minuetto con su respectivo trío central.
La Sinfonía n.º 36 en Do mayor, KV 425, intitulada como Linz, fue compuesta en 1783.
Ese mismo verano Mozart se traslada de Viena a Salzburg, a casa de su padre Leopold,
parece que con la intención de mejorar las tensas relaciones entre su reciente mujer,
Constanze Weber, y su padre, aunque esto no tuvo mucho éxito, por lo que en octubre
deciden volver a la capital austríaca. Durante su viaje la pareja hizo parada en Linz, un
30 de octubre. Allí fueron bien atendidos, e incluso Mozart fue invitado a dar el 4 de
noviembre un concierto público en el teatro de la ciudad. El compositor, ya que estaba en
un período de descanso, no llevaba consigo ninguna partitura, por lo que tuvo que
improvisar algo y componerlo para la ocasión. Por supuesto, dada la genialidad
mozartiana, para el día del estreno la sinfonía estaba convenientemente concluida y con
las particelle –cada una de las partes de los diversos instrumentos para poder ejecutarlas–
correctamente. Es muy probable que fuera estrenada sin tener tiempo para poder ser
ensayada convenientemente. A pesar de la rapidez con que vio la luz, esta es una de sus
sinfonías más celebradas e interpretadas.
La última de sus sinfonías, la n.º 41 en Do mayor, KV 551, que lleva por sobrenombre el
de Jupiter, fue compuesta en el verano de 1788, al igual que las otras dos sinfonías que
suponen el gran resumen a toda su creación sinfónica. También se estructura en cuatro
movimientos y en ella la tonalidad juega un papel importante, si bien aquí no únicamente
expresivo, sino también simbólico. El Do mayor aporta luminosidad y una visión dominada
por el uso de los motivos desarrollados a lo largo de toda la obra. No se sabe si fue
estrenada en vida del compositor. Al parecer fue Johann Peter Salomon quien dio a esta
sinfonía el sobrenombre de Júpiter, con lo que quiso probablemente resumir en una
palabra el carácter triunfal, generoso y solemne de esta sinfonía. El movimiento final,
Molto allegro, es uno de los más impactantes de toda su producción, y nos muestra al
mejor Mozart, alejado, no obstante, de la tempestuosa creación por impulsos de
Beethoven. Estamos ante una visión distinta, pero igualmente genial.
Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle
Europe
Sinfonías de Mozart
Estreno 14 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
Sinopsis:
Continuamos con la andadura de la Orquesta de Cámara Nouvelle por la obra de Wolfgang Amadeus
Mozart. Esta vez le invitamos a disfrutar de dos de sus grandes sinfonías, la n.º 41, Jupiter, y la n.º
36, Linz. Nicolas Krauze se pone al frente de su joven orquesta para ofrecer una velada puramente
sinfónica de gran altura.
Enlaces de imágenes:
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Concierto: Sinfonía n.º 6 de
Anton Bruckner
Daniel Barenboim y Orquesta
Estatal de Berlin
Estreno 14 de mayo
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador
Continuamos con el hito que Daniel Barenboim firma al frente de su orquesta
berlinesa, la interpretación de las seis últimas sinfonías de Bruckner.
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Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.
Director: Daniel Barenboim.
Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.
Año: 2010.
Lugar: Philharmonie, Berlin.
Duración: 60 minutos.
Anton Bruckner (1824-1896) es un compositor austríaco, una de las figuras más
innovadoras de la segunda mitad del siglo XIX, que es recordado principalmente por sus
sinfonías y composiciones sacras. Su música hunde sus raíces en las tradiciones formales
de Ludwig van Beethoven y Franz Schubert, pero pasadas por el tamiz armónico y de la
orquestación wagneriana. Hasta el final de su carrera su reputación se basaba
principalmente en sus habilidades de improvisación en el órgano, hasta que se ha ido
descubriendo y respetando como uno de los sinfonistas de mayor talento, no solo en el
Romanticismo y Postromanticismo, sino en toda la historia de la música occidental.
Destacado maestro, fue responsable de hacer llegar el sistema de contrapunto ideado por
Simón Sechter a una toda generación de estudiantes vieneses. Fue en Linz donde consiguió
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el puesto de maestro de órgano de su catedral, el lugar en el que se acercó con mayor
intensidad a la obra de Ludwig van Beethoven y Richard Wagner, que le reveló un
universo expresivo que nunca habría imaginado. A partir de su primer sinfonía (1866)
Bruckner fue creando un estilo definido y personal que se centraba quizá más en una
mirada hacia el futuro o al menos no tan anclada en la tradición clásica –en la que se
había educado, como se observa en sus composiciones previas especialmente las corales–.
Sus sinfonías, incomprendidas en su tiempo, expresan el amor a la naturaleza y la
profunda fe del compositor, y componen una síntesis extraordinaria entre la armonía
romántica más avezada y la tradición contrapuntística más severa, la cual ejerció una
profunda influencia en un autor de importancia fundamental a posteriori como fue Gustav
Mahler.
Su Sinfonía n.º 6, en La mayor está formada por cuatro movimientos y fue compuesta
entre el 24 de septiembre de 1879 y el 3 de septiembre de 1881, siendo dedicada a su
mecenas, el Dr. Anton Van Ölzelt-Newin. Aunque posee muchos rasgos característicos de
las sinfonías del autor, difiere en algunos aspectos del grueso de su producción. Algunos
estudiosos, como Redlich, han ido más allá para señalar la ausencia de huellas del estilo
bruckneriano en la composición de su Sexta, explicando así el poderoso desconcierto
surgido entre la crítica y el público en el estreno de la misma. Para Robert Simpson aunque
esta no es la más interpretada de sus sinfonías y ha sido considerada en múltiples
ocasiones como la más floja de sus sinfonías «maduras», no solo evoca una inmediata
sensación de rica y expresiva individualidad, sino que posee unos temas
excepcionalmente bellos, con armonías que contienen momentos audaces y al mismo
tiempo sutiles, además de una orquestación que es probablemente la más imaginativa
que Bruckner ideó jamás, mostrando un dominio de las formas clásicas que llegó a
impresionar incluso a Johannes Brahms.
En el momento en que Bruckner comenzó la composición de la Sexta, únicamente tres
de sus sinfonías habían sido editadas e interpretadas ante el público. Además, el reciente
y catastrófico estreno de la Tercera no auguraba nada bueno. La composición de la Cuarta
marcó el inicio de lo que algunos han dado en llamar la «Tetralogía Mayor», formada por
las sinfonías con tonalidades mayores, la cual le ocupó una década entera. La composición
del Quinteto de cuerda y de la Sexta Sinfonía supuso su entrada en un nuevo período
composicional dentro de la etapa de la «Tetralogía Mayor». De cualquier modo, esta Sexta
mantiene fuertes y profundos lazos con la Cuarta y la Quinta, estando considerada como
la respuesta reflexiva y humanística a estas dos que la preceden. Las críticas recibidas
fueron similares a las obtenidas por las sinfonías precedentes. Mientras que Bruckner la
consideraba «su sinfonía más atrevida», el resto del mundo parecía no tener la misma
estima por ella.
Concierto: Sinfonía n.º 6 de Anton Bruckner
Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlin
Estreno 14 de mayo
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador
Sinopsis:
Sigan disfrutando de un viaje maravilloso por uno de los corpus sinfónicos más fascinantes del siglo
XIX, el de las sinfonías «maduras» de Anton Bruckner, sus seis últimas sinfonías, de la mano
magistral de Daniel Barenboim al frente de la Orquesta Estatal de Berlin.
Enlaces de imágenes:
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Documental: Gran Alma
15 de mayo
19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Ecuador
Una de las mujeres más fascinante en la historia de la música clásica. La historia de la
mujer detrás del hombre Mahler narrada por primera vez en documental.
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Género: documental, música clásica, postromanticismo.
Director: Susanne Freund.
Año: 2007.
Duración: 52 minutos.
Alma Mahler-Werfel siempre ha sido considerada como una persona muy ambigua en el
siglo pasado. Por un lado una devoradora de hombres extrovertidos, por otro una musa
contemporánea muy respetada. Sin embargo, su verdadero mundo interior sigue siendo
desconocido.
Compositora austriaca, hija del paisajista vienés Emil Schindler, estudió música con
Labor y tomó lecciones de composición con Zemlinsky. En 1902 se casó con Gustav
Mahler, entonces director de la Viena Hofoper, después de haber aceptado a abandonar
sus aspiraciones de composición. Su matrimonio complejo y a menudo infeliz –Mahler era
casi 20 años mayor que ella– duró hasta su muerte en 1911; de sus dos hijas solamente Anna
Mahler, la escultora, sobrevivió. Una crisis matrimonial en 1910 impulsó a Mahler a publicar
cinco de las Canciones de Alma; otras colecciones aparecieron en 1915 y 1924, año en el
que publicó su influyente edición de las cartas de Mahler y el manuscrito del facsímil de
su Décima Sinfonía. Para entonces se había casado y divorciado el arquitecto Walter
Gropius –una hija, Manon, murió en 1925–. En 1929 se casó con el poeta y novelista Franz
Werfel, con quien posteriormente huyó de la Austria nazi, a través de Francia, a los Estados
Unidos, a donde llegó en 1940. En California, Alma se convirtió en una influyente anfitriona
de la emigración europea, manteniendo un parecido estilo de vida en Nueva York incluso
después de la muerte de Werfel en 1945. Murió en 1964 y fue enterrada junto a su hija
Manon en Grinzing, cerca de Viena. Escritos autobiográficos de Mahler-Werfel
documentan coloridamente la historia de una nueva mujer fuertemente inspirada por
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Nietzche en la década de 1890, que posteriormente profesaba simpatía por Mussolini y
ciertos fascistas alemanes –excepcto Hitler–, cuyo antisemitismo se ve afectado por
compartirlo con la angustia de sus amigos judíos y su marido Werfel.
Big Alma [Gran Alma o Alma grande] es el primer documental centrado de manera
exclusiva en la vida de Alma Mahler-Werfel y que se detiene en comentar aspectos sobre
su supuesto estilo de vida infame. Numerosas entrevistas con testigos contemporáneos
de todo el mundo acompañan a la historia de su vida, fundamentalmente impulsada por el
deseo de convertirse en compositora, algo inusual en le época y un sueño socialmente no
aceptado en la Centroeuropa de comienzos del siglo XX. La trágica historia de Alma María
Mahler, nacida Schindler, viuda Mahler, divorciada Gropious y otra vez viuda Werfel, supone
un viaje fascinante por un siglo claramente patriarcal, en el que surge la figura de esta
mujer, una figura controvertida y misteriosa a partes iguales.
Documental: Gran Alma
15 de mayo
19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Ecuador
Sinopsis:
Es habitual esa frase que dice «detrás de un hombre siempre hay una gran mujer». La historia de
la música occidental está plagada casos como este, aunque lamentablemente muchos de ellos ido
cayendo en el olvido. Descubran con nosotros la historia de Alma Mahler, la mujer que se esconde
tras la figura del gran Gustav Mahler, al que inspiró e influyó poderosamente. Descubrirán una
relación tremendamente compleja que marcó sus vidas.
Enlaces de imágenes:
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Concierto: Rolando Villazón
canta arias de Händel
Estreno 15 de mayo
20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Ecuador
El célebre tenor mexicano se embarca en un viaje al mundo barroco, acompañado
por una de las formaciones historicistas más experimentadas de Gran Bretaña.
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Género: ópera, oratorio, música clásica, música barroca.
Intérpretes: Rolando Villazón, Rebecca Bottone, Timothy Travers-Brown.
Director: Paul McCreesh.
Orquesta: Gabrieli Players.
Año: 2008.
Lugar: Iglesia de San Pablo, Deptford.
Duración: 75 minutos.
Pocos compositores hay de la importancia e influencia posterior que Georg
Friedrich Händel (1685-1759). El autor alemán, nacido en Halle, desarrolló una intensa y
brillante carrera que le llevó primero a Italia y finalmente a Inglaterra. Considerado por
muchos un compositor inglés, y por otros como un compositor italiano que nació en
Alemania y trabajó en Inglaterra, la verdadera cuestión es que su corpus compositivo es
uno de los más poderosos de cuantos se pueden encontrar entre los autores del Barroco. A
pesar de ser reconocido constantemente como uno de los autores más grandes de su
época, su reputación tras su muerte y hasta a principios del siglo 20 se basaba en gran
medida en el conocimiento de un pequeño número de obras orquestales y oratorios, su
Mesiah en particular. Sin embargo, contribuyó de manera absolutamente decisiva a todos
los géneros musicales de su tiempo, tanto vocales como instrumentales. La composición
de óperas, principalmente sobre libretos italianos, dominó la primera parte de su carrera
y le ayudó a establecerse en Inglaterra. En sus últimos años su compromiso con las obras
vocales a gran escala, por lo general con un elemento dramático fuerte, encontró una salida
más individual en el oratorio Inglés, un género que él inventó y estableció como nunca
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
antes ni después se ha vuelto a concebir. Es en sus óperas donde Händel alcanza el rol de
dominador de la Europa barroca tardía, a pesar de que tuvo que competir de manera
feroz con otros autores de gran talento, entre ellos algunos italianos radicados en London,
pero también con la creación de autores franceses o los italianos residentes en sus
respectivos países. Son estas, muestra de su inmensa capacidad creativa, de su exquisitez
a la hora de escribir para la voz y de su excepcional tratamiento orquestal, contando
muchos de los instrumentos de la orquesta con pasajes simplemente antológicos dentro de
la literatura de las óperas händelianas.
Dentro de las formaciones de corte historicista de Gran Bretaña, Gabrieli Consort &
Players, que fue fundada en 1982 por su director, Paul McCreesh, es una de las más
destacadas y experimentadas. Ha desarrollado una extensa labor como conjunto vocal e
instrumental, centrando su atención tanto en obras del Renacimiento y el Barroco, como
en repertorios posteriores que albergan hasta el Romanticismo. Es especialmente
destacable su atención a autores policorales venecianos de finales del Renacimiento como
los Gabrieli –de quienes toma su nombre–, además de su querencia hacia las obras sacras
de Johann Sebastian Bach y los oratorios del propio Händel.
Por su parte, el tenor mexicano Rolando Villazón es un artista de gran expresividad
sobre el escenario, que se dio a conocer en el Certamen Internacional Operalia,
organizado por Plácido Domingo, figura con la que siempre se le ha comparado. Formado
desde joven en el mundo musical, fue en 1990 cuando inicia su formación operística, de
la mano de Arturo Nieto. Desde entonces se ha ido formando y desarrollando una carrera
musical en aumento, que sin duda sufrió un gran espaldarazo con el segundo premio en
Operalia. A partir de ese momento su presencia en los teatros de ópera y auditorios más
importantes del mundo ha sido permanente. Es uno de los tenores más solicitados, como
atestiguan el número de roles protagonizados, además de su intensa actividad
discográfica. Como resultado de su apretada agenda, ha tenido que llevar a cabo algunos
descansos, especialmente desde 2007. El presente recital presenta algunos de los
recitativos y arias más exquisitos del catálogo del autor germano-británico, extraídos de
títulos operísticos como Serse, Rodelinda, Tamerlano y Ariodante, a lo que sumar obras
instrumentales extraídas de obras como la Música acuática [Water Music] o la célebre
Llegada de la Reina de Saba de su oratorio Solomon.
Concierto: Rolando Villazón canta arias de
Händel
20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Ecuador
Sinopsis:
Disfruten con este fantástico programa de una selección de las arias más exquisitas de quien es
uno de los mejores exponentes de la ópera y el oratorio durante el siglo XVIII. El gran Rolando
Villazón se acompaña aquí de la soprano Rebecca Bottone y el contratenor Timothy Travers–Brown
para embarcarse en una hermosa travesía por la obra de Georg Friedrich Händel, por sus óperas,
oratorios y piezas instrumentales. La base orquestal la proporcionan los Gabrieli Players de Paul
McCreesh.
Enlaces de imágenes:
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Ópera: La nozze di Figaro
Ópera en cuatro actos de Wolfgang
Amadeus Mozart
21 de mayo
15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador
El tradicional concierto de apertura de este fantástico festival de la mano de la
Filarmónica de Viena, bajo la dirección del gran maestro francés.
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Género: ópera, música clásica, opera buffa.
Intérpretes: Dorothea Röschmann, René Pape, Roman Trekel, Emily Magee, Patricia
Risley, Peter Schreier, Mark Hastings; Coro de la Ópera Estatal de Berlin; Thomas
Langhoff (director de escena), Herbert Käpplmüller (escenografía), Yosio Yabara
(vestuario).
Director: Daniel Barenboim.
Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.
Año: 1999.
Lugar: Ópera Estatal, Berlin.
Duración: 190 minutos.
Las óperas de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) se encuentran, por méritos
propios, entre lo más granado de la historia de la música occidental. Son muchos los
aspectos que dan pábulo a esta genialidad creadora. Son de especial interés los títulos
compuestos con la inestimable ayuda del libretista Lorenzo da Ponte (1749–1838), una de
las luminarias de la creación textual para la ópera del momento, que firmó junto a Mozart
probablemente la trilogía operística más destacada de la historia: Le nozze di Figaro
(1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1789). Le nozze di Figaro se estrenó en Viena
el 1 de mayo de 1786, justo tres años antes de que estallara la Revolución Francesa. A esto
hay que añadir que el libreto de da Ponte se basaba en Le Mariage de Figaro, obra del
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
francés Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799) que se considerada realmente
subversiva, hasta tal punto que había sido prohibida en gran parte del continente, por lo
que no hemos de extrañarnos ante la visión que se tiene de esta ópera como la
representación de la caída de una aristocracia degenerada (el conde de Almaviva) y la
ascensión de las clases populares (Figaro).
El título de la obra, La jornada loca, o La boda de Figaro, ayuda a disminuir el aspecto
«político» de la obra. Dentro de la tradición de la commedia dell’arte, los sirvientes
siempre consiguen dar su merecido a sus lascivos amos y las mujeres siempre
demuestran ser más listas que los hombres. Pero se mantiene con precaución la manera
de mostrarlo. Esto es aún más claro en lo que se refiere al libreto operístico, en el que
da Ponte ha eliminado con sumo cuidado aquellos elementos más problemáticos del
texto de Beaumarchais, del tal forma que tanto la obra de teatro como la ópera se pueden
ver como un pequeño drama doméstico que tiene lugar en un remoto palacio español, por
lo que la Revolución queda muy lejos. Varios aspectos atraían a Mozart: su abundante
comicidad, ingeniosos juegos de palabras, humor visual basado en un ágil movimiento
escénico, y un enorme potencial musical.
Mozart, configura la ópera para nueve cantantes, con dos de ellos doblando personajes,
y un pequeño coro, además de una orquesta habitual provista de violín I/II, viola,
violonchelo, contrabajo, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas,
clave y timbales. A cada uno de los cantantes le correspondía un número determinado
de arias solistas dependiendo de su rango en la obra, lo cual explica en parte la
sobreabundancia de dichas arias en el último acto. Del mismo modo parece que la compañía
del Burgtheater trabajaba bien en equipo y podía cantar con solvencia los números de
conjunto, una de los verdaderos puntos fuertes de la obra. En esta obra Mozart es capaz
de mostrar todo lo que ha aprendido gracias a la composición de sinfonías, conciertos y
cuartetos. Su gran dominio del contrapunto nos retrotrae a sus seis cuartetos «Haydn»,
que le permitía combinar líneas musicales contrastadas para obtener una determinada
caracterización dramática. Su talento con el manejo de las dinámicas de la forma sonata
parece ayudarle a la hora de hacer uso de la disonancia tonal que reflejara los diferentes
giros argumentales. Los tríos del primer y segundo acto, los finales del segundo y cuarto, y
el fantástico sexteto del tercero dan probadas muestras de una nueva concepción de los
números de conjunto, quizás el aspecto más fascinante e intemporal de la obra. La obra
está repleta de detalles teatrales y hace gala de un ritmo dramático extraordinario. Se
sirve también de manera muy lograda de la música de baile, tanto de los nobles minuetos
con los que los sirvientes desafían a sus amos, como del fandango que puntea el final del
tercero. Le nozze di Figaro es, sin ninguna duda, un ejemplo magnífico de comedia musical
en el más alto sentido del término.
Ópera: La nozze di Figaro
Ópera en cuatro actos de Wolfgang Amadeus
Mozart
21 de mayo
15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador
Sinopsis:
Le nozze di Figaro mozartiana es sin duda uno de los títulos de mayor relevancia en la historia del
género operístico, por diversas razones. Les invitamos a descubrirlas todas en esta producción
alemana que corre a cargo en la dirección de escena de Thomas Langhoff y la musical de Daniel
Barenboim, que acompañan a un plantel de solistas de auténtico lujo, protagonizado por Dorothea
Röschmann, René Pape y Roman Trekel.
Enlaces de imágenes:
http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00137_Bodas_Figaro_Mozart.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Concierto: Orquesta de
Cámara Nouvelle Europe
Shostakovich & Tchaikovsky
Estreno 21 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
La joven agrupación orquestal francesa se pone al servicio de dos de los más
trascendentales compositores rusos de la historia.
 Género: concierto, música clásica, música romántica, música postromántica,
nacionalismo, música sinfónica.
 Intérpretes: Lise de la Salle, Bruno Fontaine, Vihn Pham, Hermine Horiot, Johann
Nardeau.
 Director: Nicolas Krauze.
 Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.
 Año: 2011, 2012, 2013.
 Lugar: Neuilly-sur-Seine (Shostakovich, Op. 110a I), Antibes (Shostakovich, Op. 110a II),
Théâetre de Brive (Lisa de la Salle), Vincennes (Bruno Fontaine), Théâtre de l’Athénee
(Tchaikovsky).
 Duración: 55 minutos.
La música rusa ha supuesto, desde su desarrollo especialmente importante a mediados
del siglo XVIII, una fuente inmensa de composiciones de una calidad excepcional, y sobre
todo de un estilo único que se ha ido desarrollando al amparo de los diversos sucesos
históricos. Así, obtiene su punto álgido de creación durante los siglos XIX y XX,
encontrando en algunas figuras un nivel que nada tiene que envidiar al del resto de la
producción musical europea. Dos de estos maestros de primer orden mundial son, sin duda,
Tchaikovsky y Shostakovich. Cada cual en su parcela y estilo han sabido alzar la voz de la
música rusa a lo más alto del panorama mundial.
Dmitry Shostakovich (1906-1975) es uno de los últimos grandes compositores rusos. Es
considerado como uno de los más importantes sinfonistas de la mitad del siglo XX, y muchos
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
de sus cuartetos de cuerda, conciertos, obras instrumentales y vocales también están
firmemente establecidos en el repertorio. Sus numerosas bandas sonoras de películas,
teatro musical, música incidental y ballets son de calidad más variable, pero aun así ayudan
a conformar una personalidad poliédrica y realmente brillante. En 1936, la intervención
política y de la guerra acortó algunas de sus posibilidades artísticas y especialmente su
triunfo operístico. Dicha interferencia continuó arruinando su carrera. En medio de las
presiones contradictorias de las exigencias políticas, el sufrimiento masivo de sus
compatriotas y sus ideales personales de humanitarismo y servicio público, fue capaz de
crear un lenguaje musical de un poder emocional colosal. La música de su período
intermedio es a menudo épica en escala y contenido, entendida por muchos de sus
compatriotas, y en años más recientes también por los europeos, como crónica de su
sociedad y tiempo, siendo capaz de transmitir estados de ánimo y, como algunos
argumentan, experiencias e incluso mensajes políticos en sus notas. Desde la aparición
en 1979 de sus supuestas memorias, que expresaron una profunda desafección con el
régimen soviético, sus obras han sido objeto de un intenso estudio para probar dicha
aseveración. Desarrolló un papel decisivo en la vida musical de la antigua Unión Soviética,
como profesor y escritor y administrador. También fue un pianista activo, interpretando
con frecuencia sus propias obras, al menos hasta que la discapacidad física se lo impidió.
De él se interpretan aquí su Sinfonía de Cámara Op. 110a, un arreglo de Rudolf Barshai del
Cuarteto de cuerda n.º 8 en Do mayor, Op. 110, que fue compuesto en tres días en julio
de 1960. Se completa su figura con dos extractos de su Concierto para piano, trompeta y
orquesta de cuerda Op. 35, en Do menor, compuesto en 1933, una de sus grandes obras
concertísticas.
Piotr Illich Tchaikovsky (1840-1893) fue el primer compositor de un nuevo tipo de Rusia
en materia musical, totalmente profesional, que continuó de manera firme las tradiciones
del sinfonismo europeo occidental asimilándolo como propio; que consiguió un estilo
profundamente original, personal y nacional que aunó la idea sinfónica de Beethoven y
Schumann con el trabajo de Glinka, además de que transformó los logros de Berlioz y
Liszt en su música programática en materia de elevación casi shakespeariana por su
importancia psicológica. De su inmenso catálogo se interpreta la Serenata para cuerda Op.
48, en Do mayor, una obra compuesta en 1888, cuyo tercer movimiento, Élégie, es uno de
los momentos más líricos, evocadores y expresivas de toda su producción.
Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle
Europe
Shostakovich & Tchaikovsky
Estreno 21 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
Sinopsis:
La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, que dirige su fundador, Nicolas Hrauze, ofrece para su
disfrute un programa doble dedicado a la más exquisita música instrumental rusa, con el
extraordinario binomio formado por Dmitry Shostakovich y Piotr Ilich Tchaikovsky. Les acompañan
tres solistas de auténtico lujo: Lise de la Salle, Bruno Fontaine y Johann Nardeau.
Enlaces de imágenes:
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Concierto: Anne-Sophie Mutter
interpreta Mozart
Sonatas para violín y piano I
Estreno 22 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
La gran violinista presenta la integral de las sonatas «de madurez» para violín y
piano en una serie de tres programas monográficos.
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Género: ópera, música clásica, música de cámara, violín, piano.
Intérpretes: Anne-Sophie Mutter, Lambert Orkis.
Año: 2006.
Lugar: Gasteig München.
Duración: 104 minutos.
A pesar de su pronta desaparición, cuando contaba tan solo 35 años, el poder creador
de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) es probablemente el más destacado en toda la
producción musical en la historia de Occidente, al menos en cuanto al ratio años del
autor/número de obras compuestas se refiere. A esto hay que sumarle que prácticamente
la totalidad de sus obras, incluso las compuestas durante su período infantil o juvenil,
muestran un talento y una capacidad compositiva al alcance de muy pocas personalidades
en toda la historia de la música.
Las sonatas para violín y piano han sido históricamente consideradas obras «menores»
en relación con sus sonatas para piano, aunque al abrigo de los últimos estudios han sido
puestas en el lugar que realmente merecen. Pocas producciones como estas resultan tan
ejemplificadoras de la evolución creativa de Mozart, pues este género le acompañó
durante toda su vida, desde la infancia hasta el final de sus días. Su aporte al género ha
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
resultado absolutamente esencial, pues sus composiciones terminaron por influir de
manera directa a la forma, algo que fue heredado por Beethoven y Schubert, quienes a su
vez lo transmitieron a otros músicos románticos. En ellas, Mozart logra el equilibrio ideal
entre ambas partes, especialmente en las 16 sonatas de «madurez» que aquí se interpretan,
compuestas en diez años, entre 1778 y 1888 –se excluyen las KV 402, 403 y 404, de las que
únicamente se conservan fragmentos–. Supone quizá la evolución perfecta entre el diálogo
barroco de la sonata y la búsqueda de la emoción creadora del romanticismo. El sentido
más estricto y esencial de la música de cámara logra su punto culminante, al menos en lo
referente a esta combinación instrumental, en esta serie de 16 sonatas de absoluta
genialidad.
La Sonata n.º 22 en La mayor, KV 305, quinta de las Sonatas Palatinas, fue compuesta
en Mannheim en 1878 y publicada en París en el mismo año. Es especialmente valorada
por la brillantez de su movimiento inicial y la gracia de sus seis variaciones sobre un tema
expuesto por el piano. La Sonata n.º 20 en Do mayor, KV 303, también de su época en
Mannheim, se estructura también en dos movimientos, concluyendo –como solía ser
habitual– con un Tempo di Menuetto; lo más característico de ella es su Adagio
introductorio, al que sigue un pasional Molto Allegro. La Sonata n. º 28 en Mi bemol
mayor, KV 380, regresa al esquema habitual de tres movimientos. Si el Allegro inicial no
presenta muchas novedades, el tiempo lento en Sol menor, de gran intensidad cromática,
resulta tremendamente profundo y misterioso, para terminar con un Rondó final, que en
ritmo casi de caza se vuelve, al momento, obscuro a través de otro breve episodio en Do
menor. La Sonata n.º 18 en Sol mayor, KV 301, firmada en Mannheim, carece de tiempo
lento. El Allegro inicial, en estructura de sonata bitemática, reparte así los dos temas: uno
melódico para el violín y otro más rítmico para el teclado. En el Allegro conclusivo, en
forma de rondó, resalta un pasaje en ritmo de siciliana y en modo menor. Por su parte, la
Sonata para violín n.º 36 en fa mayor, KV 547, fue completada el 10 de julio de 1788, y
recibe con frecuencia el sobrenombre «Para principiantes». A diferencia de las sonatas
para violín previas, en las que este instrumento jugaba un papel de igualdad con respecto
al piano, esta sonata está dominada por la escritura pianística, y por eso solo la parte de
violín es de «fácil» ejecución, mientras que la parte para teclado resulta más compleja de
lo esperado. La Sonata n.º 26 en Si bemol mayor, KV 378, fue compuesta en Salzburg en
1779, pero no se publicó hasta dos años después en un grupo de seis que incluye una
sonata de la época de Mannheim (KV 296) y las cuatro sonatas vienesas de 1781 (KV 376,
377, 379 y 380). Su movimiento lento en Mi bemol es probablemente el centro de la obra
y sin duda su movimiento más expresivo.
Concierto: Anne-Sophie Mutter interpreta
Mozart
Sonatas para violín y piano I
Estreno 22 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
Sinopsis:
Pocos autores como Mozart fueron capaces de crear corpus instrumentales tan idiomáticos y
brillantes para los diversos instrumentos a solo. A través de esta serie de tres programas dedicados
a las 16 sonatas para violín y piano que compuso en su «madurez» pueden comprobar su absoluta
genialidad. La interpretación corre a cargo de la gran violinista alemana Anne-Sophie Mutter y el
pianista estadounidense Lambert Orkis. Sin duda todo un hito discográfico que le invitamos a
descubrir. En el presente recital presentan las sonatas KV 305, 303, 380, 301, 547 y 378.
Enlaces de imágenes:
www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00232-A00247_Anne_Sophie_Mutter_plays_Mozart_1.jpg
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Concierto: Claudio Abbado y la
Joven Orquesta Simón Bolívar
de Venezuela
25 de mayo
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador
El hito musical más importante de Venezuela en los últimos cuarenta años bajo la
dirección del maestro Abbado en el marco del Festival de Lucerna.
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Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, ópera.
Intérpretes: Anna Prohaska.
Director: Claudio Abbado.
Orquesta: Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela.
Año: 2010.
Lugar: KKL Luzern.
Duración: 112 minutos.
El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra
social y cultural del Estado venezolano, también conocida como «El Sistema», fue concebido
y fundado en 1975 por el maestro y músico venezolano José Antonio Abreu para
sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de
orquestas sinfónicas y coros, como instrumentos de organización social y de desarrollo
humanístico. Un movimiento fundamental en el desarrollo musical y pedagógico del país,
que reconoce al movimiento orquestal como una oportunidad para el desarrollo personal
en lo intelectual, en lo espiritual, en lo social y en lo profesional, rescatando al niño y al
joven de una juventud vacía, desorientada y desviada. A José Antonio Abreu, gerente,
emprendedor, maestro insigne, tutor de varias generaciones de venezolanos y fundador
del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, hay que
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
definirlo con una sola palabra: visionario. Este músico venezolano, sembrador de ilusiones
y constructor de sueños, ha llevado a cabo una tarea que supera el horizonte musical y
cultural, y se inserta en el rescate y formación de la juventud venezolana y latinoamericana.
Así titulaba el diario El Nacional una noticia sobre la Orquesta Nacional Juvenil aparecida
el 2 de febrero de 1976. Convertido y asumido como el lema del Sistema Nacional de las
Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, «Tocar y luchar», refleja la determinación
y el empeño que siempre han caracterizado a sus integrantes y que han hecho de «El
Sistema» el proyecto orquestal y social más importante de la historia musical
venezolana. El sistema nacional de orquestas preescolares, infantiles y juveniles está
contribuyendo en gran medida a construir, en el espacio público, una imagen del músico
venezolano exitosa, una carrera profesional como posibilidad, con estatus y
reconocimiento social; un modelo y oportunidad a seguir para las juventudes venezolanas.
Se están creando, así mismo, nuevos significados relacionados con la cultura del mérito,
el esfuerzo, la constancia y la disciplina, como dignos caminos que conducen hacia una
Venezuela mejor. Son muchos los organismos y organizaciones internacionales que
reconocen a «El Sistema» como un programa de educación musical único, digno de ser
implementado en todas las naciones del mundo y, principalmente, en aquellos países que
buscan disminuir sus niveles de pobreza, analfabetismo, marginalidad y exclusión en su
población infantil y juvenil.
En el presente concierto se presenta a uno de sus principales bastiones, la Joven
Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, que junto a su hermana, la Orquesta Sinfónica
Simón Bolívar, supone sin duda la herramienta musical mejor acabada y de mayor nivel
de todo «El Sistema». Innumerables son ya los hitos que jalonan la historia de las
agrupaciones, y por eso no debe extrañar que ese 2010 la Joven Orquesta ocupase el puesto
de orquesta en residencia dentro del célebre Festival de Lucerna, bajo la dirección
musical del gran maestro italiano Claudio Abbado. El programa se compone de cuatro
obras de enorme calado. Se abre con Skifskaya syuita [Scythian Suite Op. 20], de Sergey
Prokofiev, obra compuesta entre 1914 y 1915 por encargo de los Ballets Rusos, inspirada
directamente en Le Sacre du printemps de Igor Stravinsky. Le siguen la Suite de la ópera
Lulu, de Alban Berg, ejemplo de la creación atonal más relevante del siglo XX, y el aria de
Pamina «Ach, ich fülh’s», en las que se presenta a la soprano austríaca Anna Prohaska,
uno de los talentos vocales de mayor pujanza en los últimos años. Se cierra el concierto
con la Sinfonía n.º 6 Op. 74, llamada a posteriori como Pateticheskaya, uno de los grandes
hitos en la historia de la música sinfónica occidental, obra culminante en la producción de
Piotr Illich Tchaikovsky.
Concierto: Claudio Abbado y la Joven
Orquesta Simón Bolívar de Venezuela
25 de mayo
21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador
Sinopsis:
En 2010 la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela se convirtió en orquesta residente del
prestigio Festival de Lucerna. Disfruten de este concierto en el que estos talentos y jóvenes artistas
son dirigidos por una de las mayores figuras en la historia de la dirección, Claudio Abbado, que
junto a la voz de la soprano Anna Prohaska les llevarán a un mundo de inmensas obras.
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Iconos : Pat Metheny Group
The Way Up Live
27 de mayo
21:45 Argentina/Uruguay | 19:45 Ecuador
Treinta y ocho años de música incomparable, son la mejor carta de presentación
de este grupo de jazz y jazz fusión.
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Género: concierto, guitarra, jazz, jazz fusión.
Intérpretes: Pat Metheny Group.
Año: 2006.
Lugar: Seul.
Duración: 70 minutos.
Hijo de una familia de músicos de Missouri, Pat, bajo influencia de su hermano Mike,
comienza a tocar la trompeta, pero para fortuna de la música –aunque nunca sabremos
cómo lo hubiera ido con dicho instrumento–, a los doce años comienza su indisoluble
amistad con la guitarra. Con una sólida formación académica, Pat estudia inicialmente en
la Universidad de Miami y pasa luego a Boston donde llega a ser profesor de la prestigiosa
Berklee College of Music, contando entre sus alumnos con grandes músicos de la talla Al
DiMeola.
En Berklee conoce a Gary Burton, quien lo integra por tres años a su banda. Para 1974,
Pat Metheny hace su debut discográfico, de la mano de otro grande de siempre, Jaco
Pastorius, en su álbum Jaco. Con Pastorius edita su primer álbum instrumental y un año más
tarde crea con Lyle Mays el Pat Metheny Group. Pat Metheny ha sido un verdadero pionero
en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar
el sintetizador como un instrumento musical. Pero su permanente afán de modernizarse y
recrear, nunca lo ha hecho olvidar su conexión con el jazz tradicional, el swing y el
blues.
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Con un impresionante record de premios Grammy, el grupo es un verdadero trotamundos
y desde 1974 han realizado un promedio de 180 presentaciones por año, un verdadero
record en el ámbito musical internacional.
Iconos: Pat Metheny Group
The Way Up Live
27 de mayo
21:45 Argentina/Uruguay | 19:45 Ecuador
Sinopsis:
Compuesta por Metheny y Lyle Mays, su compañero y teclista por muchos años, la música de este
concierto, The Way Up Live, es un «continuo» de 70 minutos. Seguramente, no podrán olvidar la
experiencia de ver y escuchar estos siete brillantes músicos en escena y quedará tan maravillado
como los miles de espectadores en Seúl.
Enlaces de imágenes:
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Concierto: Sinfonía n.º 7 de
Anton Bruckner
Daniel Barenboim y Orquesta Estatal
de Berlin
Estreno 28 de mayo
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Ecuador
La Orquesta Estatal de Berlin, bajo la dirección de su director titular, Daniel Barenboim,
continúa con la interpretación de las seis últimas sinfonías del austríaco.
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Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.
Director: Daniel Barenboim.
Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.
Año: 2010.
Lugar: Philharmonie, Berlin.
Duración: 72 minutos.
Las sinfonías de Anton Bruckner (1824-1896) abarcan técnicas compositivas realmente
diversas. Desde el punto de vista temático se pueden distinguir dos clases de temas en
sus sinfonías: I. los temas claramente definidos en la forma; II. otros temas que operan
como motivos cortos y con un acabado más abierto. Otro rasgo definitorio de los temas
en las sinfonías de Bruckner es la estrecha relación entre los movimientos inicial y final,
siendo habitualmente el primer movimiento donde se enfatiza el contraste temático.
Concretamente, la amplificación de la exposición del movimiento de apertura se construye
tanto con el tema principal como con dos de los temas subordinados que se desarrollan
en ese momento, una técnica exclusivamente bruckneriana. Otras características que
encontramos en las sinfonías de Bruckner es el exhaustivo tratamiento del acorde de
séptima dominante como acorde de sexta alemana cuando se pasa a una tonalidad nueva,
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
el uso de cadencias como factor predominante en modulaciones de carácter realmente
atrevido, el uso de pedales de órgano como pivotes armónicos y estructurales, cadenas
de secuencias armónicas, además del uso masivo de motivos de corte rítmico,
especialmente el llamado ritmo bruckneriano: dos negras seguidas de un tresillo de negras
o viceversa.
Junto a la Cuarta, esta Séptima Sinfonía es probablemente la más interpretada del
catálogo del maestro austríaco. Fue estrenada en la Gewandhaus de Leipzig el 30 de
diciembre de 1884, con Arthur Nikisch a la batuta. En 1881 Bruckner disfrutaba de gran
optimismo y de un ánimo sereno, comenzando la composición de la obra entre agosto y
septiembre. La Séptima discurre por un camino formal perfectamente definido, aunque
ello no ha evitado que se continúe debatiendo sobre cómo clasificar los grupos temáticos
de cada uno de sus movimientos. Desde la perspectiva del oyente estos carecen de
relevancia, pues lo esencial es que cada tema que resuena en un momento dado, sea cual
sea su función estructural, lo hace con una claridad y una energía maravillosas. Sus cuatro
movimientos responden con estricta diligencia al esquema de la sinfonía clásica de corte
vienés. Son cuatro piezas monumentales, tanto en duración como en profundidad
expresiva. El casi perfecto equilibrio de la obra se alía con la música de factura más
avanzada de cuantas se puedan concebir en su catálogo. Bruckner transporta al oyente a
un mundo fascinante merced a sus extensas e intensas melodías, repletas de densidad,
fluidez y plasticidad. La sencillez y solidez de las estructuras resulta apabullante,
mientras que la brillantez y espesura de las sonoridades nunca deja de sorprender.
Hermann Levy, gran director wagneriano y Generalmusikdirektor en Münich escribió al
respecto de la obra el 30 de abril de 1884: «a todos los músicos que acuden a mí les hago
oír el Adagio y, aun con las limitaciones de una versión al piano, observo en cada uno de
ellos el asombro y el entusiasmo que yo mismo sentí al conocer por primera vez su música.
Mientras llega el día del estreno, me ocupo de que media ciudad sepa quién es y qué cosas
es capaz de hacer el señor Bruckner.»
Hay en esta obra pasajes que guardan cierta analogía con la sección central de la Marcia
Funebre de la Eroica beethoveniana, o la música con la que Wagner describe la muerte de
Sigfrido en su Tetralogía. La Séptima Sinfonía es uno de los logros musicales más
descomunales que se conocen en el mundo bruckneriano, tanto por su genial
orquestación como por la monumentalidad de sus temas. Pero no solo, sino también en
todo el sinfonismo de la historia de la música occidental. La inmensidad de la obra
alcanza en el Adagio un momento casi milagroso.
Concierto: Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner
Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlin
Estreno 28 de mayo
21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Ecuador
Sinopsis:
Continúen el deleite de escuchar las sinfonías «maduras» de Anton Bruckner en la mano de Daniel
Barenboim al frente de la agrupación de la que es titular desde 1992, la excepcional Orquesta
Estatal de Berlin. Un viaje que se va acercando a su fin con la interpretación de la séptima sinfonía
del maestro de Ansfelden.
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Ópera: La flauta mágica
Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus
Mozart
Estreno 29 de mayo
17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Ecuador
Uno de los títulos operísticos más legendarios y fascinantes de la historia en una
impresionante producción desde el Festival de Bregenz.
 Género: ópera, música clásica, singspiel, voz.
 Intérpretes: Alfred Reiter, Ana Durlovski, Norman Reinhardt, Bernarda Bobro, Daniel
Schmutzhard, Dénise Beck, Magdalena Anna Hofmann, Verena Gunz, Katrin Wundsam,
Laila Salome Fischer, Eva Dworschak, Dymfna Meijts, Eike Wilm Schlute, Martin Koch,
Eleftherios Chladt; Coro Filarmónica de Praga; David Pountney (dirección de escena),
Johan Engels (escenografía), Marie-Jeanne Lecca (vestuario y diseño de marionetas),
Fabrice Kebour (diseño de iluminación).
 Director: Patrick Summers.
 Orquesta: Orquesta Sinfónica de Viena.
 Año: 2013.
 Lugar: Festpielahus, Bregenz.
 Duración: 150 minutos.
La flauta mágica [Die Zauberflöte] es un singspiel en dos actos de Wolfgang Amadeus
Mozart [1756-1791] sobre libreto en alemán de Emanuel Schikaneder. Es la última ópera
del genial compositor salzburgués, que fue estrenada en el Freihaus-Theater auf der
Wieden de Viena el 30 de septiembre de 1791 bajo la dirección del propio Mozart, tan
solo un par de meses antes de su muerte. Es sin duda su obra escénica más enigmática,
evocadora y fascinante, en la que Mozart fue capaz de realizar una síntesis perfecta de
la inmensa variedad de géneros músico-teatrales de su época, pues hay en ella destellos
del drama serio italiano, pero también de la ópera buffa, del oratorio o del vaudeville. El
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
singspiel es un tipo de ópera de corte más popular que se cantaba en lengua vernácula
y en la que se intercalan partes habladas con las cantadas. Como sucede en muchas obras
mozartianas, aunque que aquí como nunca, las diversas consideraciones sobre su
significación se disparan por completo: la más básica es la que nos muestra el triunfo del
bien sobre el mal, contado a través de un «sencillo» cuento de hadas; una más sopesada
nos lleva a comprender que hay en ella una alegoría sobre la búsqueda del camino hacia
la iluminación y el conocimiento; la última, más extendida y enigmática, es la que tiene a
lo masónico como centro de la historia.
Mozart tenía 35 y estaba a tan solo dos meses del final de su vida. Se encontraba en un
momento delicado de salud y las condiciones económicas en las que se encontraban no
eran más halagüeñas. Fue entonces cuando el empresario teatral Emanuel Schikaneder, que
también pasaba por graves apuros económicos, decidió escribir para Mozart una obra que
pudiera dar notables beneficios económicos a ambos. Cuando este conoció la noticia de
que un teatro rival iba a estrenar otra ópera con un asunto prácticamente igual decidió
modificar por completo la acción, a la que añadió además una significación simbólica de
acuerdo con las prácticas masónicas, ya que tanto Mozart como Schikaneder pertenecían
a la misma logia. Se ha convenido en considerar que el libreto se inspiró en la obra Lulú o
la flauta mágica de Liebeskind, aunque transcrita por Christoph Martin Wieland, pero
también se suelen considerar otras fuentes, como Rey de Egipto, de Philippe von Gebler,
o Sethos, de Jean Terrasson, incluso algunos consideran que Giesecke fue coautor de la
obra junto a Schikaneder. Sea como fuere, el caso es que el libreto es uno de los más
brillantes y fascinantes de cuantos se hayan escrito en la historia de la ópera. Y junto a la
música de Mozart producen una de las uniones libreto/ópera más impresionantes del
género.
En lo musical está repleta de arias magníficas para la totalidad de los personajes,
rebosantes de complejidad técnica y belleza casi sin igual. Sus números de conjunto son
igualmente brillantes, y su dominio orquestal se demuestra aquí como el gran epílogo a
una carrera absolutamente genial. Todo ello hace de esta una de las óperas más queridas
por el público y respetada por intérpretes y teatros de ópera, siendo año tras año una de
las más escenificadas de su autor y de la historia del género.
Ópera: La flauta mágica
Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus
Mozart
Estreno 29 de mayo
17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Ecuador
Sinopsis:
Si hay una ópera que destile imaginación y traslade al espectador a un mundo de ensoñación y
magia, esa es sin duda La flauta mágica, última ópera en el extraordinario catálogo operístico del
genial Wolfgang Amadeus Mozart, que les invitamos a disfrutar en esta emisión desde el Festival
de Bregenz, con un plantel vocal protagonizado por Alfred Reiter, Ana Durlovski, Norman
Reinhardt, Bernarda Bobro, Daniel Schmutzhard y Dénise Beck. Les acompañan la Sinfónica de
Viena bajo la dirección de Patrick Summers, y la impresionante dirección de escena de David
Pountney, que aprovecha al máximo el incomparable marco flotante al aire libre del festival.
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
Concierto: Anne-Sophie Mutter
interpreta Mozart
Sonatas para violín y piano II
Estreno 29 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
Segundo programa de la integral de las sonatas «de madurez» para violín y piano del genio
salzburgués, en versión de este extraordinario binomio artístico.
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Género: ópera, música clásica, violín, piano.
Intérpretes: Anne-Sophie Mutter, Lambert Orkis.
Año: 2006.
Lugar: Gasteig München.
Duración: 103 minutos.
A pesar de su pronta desaparición, cuando contaba tan solo 35 años, el poder creador
de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) es probablemente el más destacado en toda la
producción musical en la historia de Occidente, al menos en cuanto al ratio años del
autor/número de obras compuestas se refiere. A esto hay que sumarle que prácticamente
la totalidad de sus obras, incluso las compuestas durante su período infantil o juvenil,
muestran un talento y una capacidad compositiva al alcance de muy pocas personalidades
en toda la historia de la música.
Las sonatas para violín y piano han sido históricamente consideradas obras «menores»
en relación con sus sonatas para piano, aunque al abrigo de los últimos estudios, han sido
puestas en el lugar que realmente merecen. Pocas producciones como estas resultan tan
ejemplificadoras de la evolución creativa de Mozart, pues este género le acompañó
durante toda su vida, desde la infancia hasta el final de sus días. Su aporte al género ha
resultado absolutamente esencial, pues sus composiciones terminaron por influir de
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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016
manera directa a la forma, algo que fue heredado por Beethoven y Schubert, quienes a su
vez lo transmitieron a otros músicos románticos. En ellas, Mozart logra el equilibrio ideal
entre ambas partes, especialmente en las 16 sonatas de «madurez» que aquí se interpretan,
compuestas en diez años, entre 1778 y 1888 –se excluyen las KV 402, 403 y 404, de las que
únicamente se conservan fragmentos–. Supone quizá la evolución perfecta entre el diálogo
barroco de la sonata y la búsqueda de la emoción creadora del romanticismo. El sentido
más estricto y esencial de la música de cámara logra su punto culminante, al menos en lo
referente a esta combinación instrumental, en esta serie de 16 sonatas de absoluta
genialidad.
Las Sonatas KV 376 y 377 forman parte de una edición que recogía seis de estas sonatas
y que fue publicada en Viena por el célebre editor Artaria, en 1781. La Sonata n.º 24 en
Fa mayor, KV 376, es probablemente la que guarda un estilo más galante de todas sus
sonatas, incluso con cierta tendencia a una superficialidad agradable y a la brillantez sin
concesiones extremas. La Sonata n.º 33 en Mi bemol mayor, KV 481, data de 1785, y
esconde en sus compases una pieza de gran empeño y admirable magisterio compositivo.
Poco se sabe acerca de su gestación, por lo que es preferible quedarse con su perfección
y claridad, incluso la extraña elección de tonalidad y las aún más raras modulaciones que
se desarrollan en el movimiento lento. La Sonata n.º 27 en Sol mayor, KV 379, tiene como
principal característica lo insólito de su esquema formal y su elección modal. Tras una
breve introducción lenta se presenta, casi como si de una improvisación se tratase, se
presenta el verdadero primer movimiento de la obra, en Sol menor, con una violencia que
no puede por menos que sorprender. La obra concluye de vuelta al Sol mayor en un pasaje
sostenido por cinco variaciones de gran belleza. La Sonata n.º 21 en Mi menor, KV 304,
fue compuesta en París, y es la única de sus 36 sonatas que se encuentra en modo menor.
Todo en ella rezuma melancolía, creando así uno de los ejemplos más expresivos y
profundos dentro del presente género. La Sonata n.º 32 en Si bemol mayor, KV 454, tuvo
su estreno en manos de la virtuosa italiana Regina Strinasacchi durante un concierto
celebrado en Viena el 29 de abril de 1784, con el propio Mozart al piano. Al parecer, este
interpretó su parte sin que estuviera del todo acabada, para finalizarla y dejarla tal y
como nos ha llegado después del concierto. Está compuesta en la época de los grandes
conciertos para piano, a lo que quizá deba la presencia de ese estilo concertante y
virtuosístico que impregna toda la obra, además de una construcción muy sopesada y
definida. A pesar de su calidad, tanto el movimiento inicial como el Rondó final parecen
palidecer ante el fantástico ejercicio de creación que supone el Andante central.
Concierto: Anne-Sophie Mutter interpreta
Mozart
Sonatas para violín y piano II
Estreno 29 de mayo
20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador
Sinopsis:
Pocos autores como Mozart fueron capaces de crear corpus instrumentales tan idiomáticos y
brillantes para los diversos instrumentos a solo. A través de esta serie de tres programas dedicados
a las 16 sonatas para violín y piano que compuso en su «madurez» pueden comprobar su absoluta
genialidad. La interpretación corre a cargo de la gran violinista alemana Anne-Sophie Mutter y el
pianista estadounidense Lambert Orkis. Sin duda todo un hito discográfico que le invitamos a
descubrir. Para el segundo episodio les ofrecemos las sonatas KV 376, 481, 379, 304 y 454.
Enlaces de imágenes:
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