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CATÁLOGO
Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
CONTENIDO
56-92 Encuentro de una generación artística
Coordinadores: Elizabeth Fuentes Rojas, Gabriela Prieto Soriano,
Celia Gallardo Pedroza, Gabriela Vilches Larrea. – Primera edición. —
Ciudad de México: Universidad Nacional Autónoma de México,
Facultad de Artes y Diseño, 2016.
1.
Galerías de la Antigua Academia de San Carlos (Ciudad de
México) 2. Artistas – México – Exposiciones I. Fuentes Rojas,
Elizabeth II. Prieto Soriano, Gabriela III. Gallardo Pedroza,
Celia IV. Vilches Larrea, Gabriela V. Universidad Nacional
Autónoma de México. Facultad de Artes y Diseño.
PRESENTACIÓN
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PRESENCIA
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HIPERPICTURALIDAD
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AUSENCIA
48
GESTO
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ACERCA DE LOS AUTORES
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56-92 Encuentro de una generación artística
D.R. © UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO
Ciudad Universitaria, Coyoacán, México, 04510, CDMX
Primera edición: 14 de abril de 2016
FACULTAD DE ARTES Y DISEÑO
UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO
Av. Constitución 600, Barrio La Concha, Xochimilco, 16210, Ciudad de México
Elizabeth Fuentes Rojas, Gabriela Prieto Soriano, Celia Gallardo Pedroza, Gabriela Vilches Larrea
(coordinadoras)
Prohibida la reproducción total o parcial por cualquier medio sin la autorización escrita del titular
de los derechos patrimoniales
CRÉDITOS
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Fomentar y fortalecer lazos entre la comunidad
de la Facultad de Artes y Diseño es un objetivo
en el que se trabaja de manera constante en
diferentes ámbitos y espacios. Las creaciones
de nuestros artistas deben ser promovidas,
pero sobre todo, mostradas de distintas formas
para que se dé comunicación y diálogo con el
público. Asimismo, vincular activamente a los
alumnos y maestros con otros artistas para
crear redes de interacción en las que el diálogo
sea el elemento clave para continuar con un
desarrollo profesional cada vez más fructífero.
Es así que se logra concebir la muestra
56-92 Encuentro de una generación artística,
exhibición colectiva que conjuga el trabajo
de sesenta artistas ligados a la Facultad de
Artes y Diseño (UNAM), que por medio de
diferentes disciplinas muestra el quehacer del
arte contemporáneo universitario.
Dividida en cuatro ejes, la exhibición nos
adentra a temas como la presencia, la hiperpicturalidad, la ausencia y el gesto.
El primer núcleo retoma el tema de la presencia
como reflejo del otro (la otredad), en varios
casos a manera de retrato en donde el artista
capta de forma figurativa a personajes que
nos invitan a penetrar sus mundos. De igual
manera, encontramos representaciones más
sutiles donde la presencia se observa a
partir de insinuaciones o trazos, donde no se
reconoce plenamente a un individuo, pero su
impronta está dada.
El segundo núcleo muestra obras que han sido
trabajadas con base en una pieza o tema ya
realizado con anterioridad por otros artistas,
pero recreado a partir de la apropiación de un
nuevo creador.
Para la FAD es un placer
poder presentar obras
de esta factura, que sin duda
fortalece la labor artística
de la UNAM.
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PRESENTACIÓN
Denominado hiperpicturalidad porque una obra
nos remite a otra como referencia histórica o
estética, este núcleo nos habla del bagaje
histórico y visual con que cuentan los artistas
y que presentan a manera de respuesta a esos
trabajos icónicos en estos tiempos.
El tercer núcleo temático se centra en la
ausencia, lejanía y nostalgia experimentada
por medio del vacío, o por la huella o representación que una persona deja a su paso.
Por los objetos que al colocarlos sin su usuario
común, denotan la añoranza de ser utilizados.
Ya sea un sillón o una ciudad entera sin sus
habitantes nos hablan del vacío. La ausencia
en algunos casos mostrada como abandono.
El último núcleo enmarca trabajos desarrollados con una fuerte inclinación en el trazo
pictórico o dibujístico como eje fundamental
de la composición. El trazo realizado con
distintos materiales y herramientas es la
expresión más pura del artista. El gesto
gráfico como elemento básico que denota
la intención y devela la calidad del artista.
La experimentación y búsqueda plástica se
reflejan en trabajos que resumen la constante
e incesable práctica artística para encontrar
el medio idóneo de expresión, en una lógica
evolutiva con resultados tan diversos como
los mismos artistas.
Para la FAD es un placer poder presentar
obras de esta factura, que sin duda fortalece
la labor artística de la UNAM.
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PRESENCIA
Capturar la presencia del otro, es el hilo
conductor de varias piezas que agrupan
este tema; sin embargo, estar presente no
siempre refiere a una forma física o a un
aspecto completamente figurativo. En estas
obras se adivinan historias, se recrean
pasajes y se observan realidades o engaños.
Cada pieza nos ayuda a construir una
otredad a partir de sus diferencias, nos
enfrenta a un universo simbólico en el que
hay que indagar en lo captado, volverlo
consciente y reflexionar sobre él.
El artista se presenta como mediador y
traductor de distintas realidades. La intención,
no sólo es captar entornos, sino descubrirse
a través de ellos y reflexionar.
Asumiendo el punto de partida del pensamiento filosófico de Emmanuel Lévinas,
no ha de ser el conocimiento, sino el
reconocimiento, lo que hay que buscar en
cada obra, pues a través de los otros me
veo a mí mismo.
Espectadores de doble manera; observando
lo plasmado, pero sobre todo lo que el
artista ve del otro. Es decir, miramos a los
otros por medio de la interpretación técnica
de los creadores, decantado por sus ojos.
Esos ojos que estudian y disecan para
encontrar lo perdido que se refleja, asumiendo
igualdades, pero sobre todo enfatizando
divergencias, para que por lo menos un
instante —en el que es observada la obra— el
espectador y el artista logren un momento de
empatía y así percibir nuestra individualidad.
Investigaciones visuales que muestran
vivencias y construyen recuerdos, gracias
a múltiples recursos técnicos que logran
trabajar los artistas. Ya sean historias
personales o colectivas, la alteridad es pieza
clave para develar una identidad muchas
veces escondida.
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PRESENCIA
Alberto Penagos
La vara de la justicia, 2014
Mixta. (madera intervenida)
170 x 120 cm
La obra pertenece a la colección Violence Against Women, tratando desde enfoques diversos la
situación de violencia que viven muchas mujeres. La obra La vara de la justicia se remite a la frase
bíblica “Con la vara que midas serás medido”, la cual hace reflexión sobre un acto de “causa y
efecto” respecto a la violentada, a la cual la vida misma se encargará de hacerle justicia -de una
u otra forma- ante los actos de su agresor.
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Amalia Ospina Palacios
Metrohistorias, 2014
Libro plegable de 8 páginas. Impresión digital
13 x 9 cm (cerrado), 26 x 36 cm (abierto)
Los tres plegables son parte de una investigación en curso sobre la distinta percepción y uso del
transporte público —en concreto del Metro— dependiendo del género. El primer plegable presenta
un mapa sonoro en el que se recogen las opiniones de ellas y ellos; el segundo plegable señala
algunas de las barreras con las que se encuentra una mujer que lleve a su hijo en Metro; el tercero
habla de la agresividad de los usuarios.
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PRESENCIA
Antonio Nieto
La condición humana, 2014
Temple y óleo sobre lino
90 x 140 cm
La obra está íntimamente ligada al entorno cotidiano del artista. Espacios, personajes o retratos
son el incentivo que detona su expresión pictórica, donde busca traspasar las apariencias y
evidenciar las cualidades psicológicas de los personajes. Este trabajo es una búsqueda constante
por capturar la esencia de los modelos, por lo que atiende a un estudio consistente y persistente
de su realidad inmediata.
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PRESENCIA
Detalle de la pieza
Camilo Londoño Hernández
En mar me convertí (Nosotros, ellos, el mar), 2014
Libro plegable de 8 páginas. Impresión digital y serigrafía
13 x 9 cm (cerrado), 26 x 36 cm (abierto)
Benjamín Valdés Álvarez
Historia natural II, 2015
Óleo y acrílico sobre tela
170 x 150 cm
Los tres plegables registran el viaje de un grupo de jóvenes al caribe colombiano. El viaje supone un
rito de pasaje en el que conviven con los costeños y se funden con el mar. Cada plegable se centra
en un aspecto del viaje: “ellos” retrata a las personas que los acogieron: “el mar” son instantáneas
y poemas del ambiente paradisiaco y a la vez hosco; “nosotros” es el autorretrato.
Historia natural II es parte de un grupo más amplio de obras titulado Las 32 partes del cuerpo.
Cada pieza explora, a su modo, la idea del cuerpo en relación con las nociones de placer y displacer,
deseo y repulsión, vida y muerte, a la vez que discurre entre los géneros del paisaje, la naturaleza
muerta y la ilustración anatómica. Así, la serie lanza una mirada a la tradición occidental de la pintura,
sin perder de vista las obsesiones visuales actuales, la fragmentación de la mirada, la contaminación
y el entrecruce de realidades y temporalidades, o la mirada macro y microscópica.
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PRESENCIA
Detalle de la pieza
Coral Medrano Ortiz
Mío, de todos y de nadie, 2015
Detalle de la pieza
Colectivo Ki (Yuriko Estévez Gómez y Branli Vázquez Marrero)
Dedicado a…, 2014
Plegable. Impresión digital sobre papel
12.5 x 12 cm (cerrado), 24 x 39 cm (abierto)
Este álbum de fotografías familiares estudia el proceso de adaptación de una familia japonesa al
México de los años setenta del siglo XX. La comida, los vestidos y los matrimonios muestran la lenta
asimilación de las dos culturas.
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Papel reciclado, papel albanene, impresión láser e hilo
11.5 x 16.5 cm (cerrado), 23 x 16.5 cm (extendido)
Libro de corte autobiográfico que explora la lectura de 30 imágenes en 30 años, 1985-2015, en diferentes
relaciones de impacto por uso de los medios de comunicación. ¿Qué imágenes debemos recolectar,
recuperar, coleccionar, transmitir, conservar o generar? Momentos que han transformado el rumbo de la
historia, las personas; momentos trascendentes, cruciales, significativos, que marcan la diferencia de un
antes y un después. Instantes que han transformado nuestras vidas. Este es un acto reflexivo con relación
a las imágenes que vemos durante los años de nuestra vida, y que nos afectan de diferente manera por
el medio en que son adquiridas. Cómo nos afectan se relaciona con la forma en la que los medios nos
las presentan. En el transcurso de 30 años, vemos un cambio en los medios impresos y televisivos por
el impacto de la red digital. La estructura frente a frente, evidencia este acto de reflexión comparativa,
lectura alternada y relaciones del tiempo concebido como ciclos de acción.
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PRESENCIA
La piel sin compromisos. Entre los poros, los vellos y el velo del alma. La piel es una membrana
de la mente-sentidos, una zona de intercambio, no sólo de un orden lingüístico-analítico, también
extrasensorial-intuitivo. Un territorio de la voluntad, el género, una epidermis de la mente, cruce y
tránsito entre poros, vellos, el último reducto y velo del alma.
Es ahí, en la exodermis, donde ahonda la obra del artista. Concebida desde la idea de la impronta y
el registro de rostros pintados como mujer, pero que provienen de ambos sexos, nos encontramos
con la máscara, la piel desollada prehispánica hasta la huella de la mano en Lascaux. Toda máscara
es una transacción temporal con la muerte. Si el bastidor es su esqueleto, la piel es su tela, donde
deposita su último aliento de vanidad.
La pieza del artista se evidencia como un gesto de recuperación de la identidad heroica, un
performance posgénero de un rito cotidiano de engañar a la muerte. Como espectador me expongo
a mi ambigüedad sensual y veo la elaboración de las improntas expuestas como aquellas pieles.
Un acto conceptual: un ritual colectivo. Esta experiencia es cinestésica y también implícitamente
sexual y táctil. Una limpia colectiva y cosmética que devela los instintos al vivir lo híbrido. Una pieza
que cura y un gesto vernáculo. El artista es maquillista, madre, compañero, artista, brujo, callejero,
impostor, intermediario ritual.
Esta obra evidencia una voluntad de desarmar la ambigüedad de instinto y la imposición de la
identidad sexual, de desanudar y reanudar el cordón umbilical. En ella se observa que todo acto
religioso consiste en una intención de comunión con lo divino. Una reafirmación de la feminidad en
el sentido telúrico.
JUAN (IVÁN) GONZÁLEZ DE LEÓN
Darío Meléndez
Divino rostro, 2011
Pintura performativa
140 x 110 cm
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PRESENCIA
Detalle de la pieza
Federico Kampf
Dignidad, 2015
Óleo sobre tela
180 x 140 cm
En la obra se captura la expresión de resignación ante una realidad que se encuentra muy lejos de
ser la ideal para un ciudadano marginal. México es un país que se enmarca en los principios del
surrealismo, y eso se puede apreciar en los ojos pintados en el muro desgastado, que son a la vez
una crítica y a la vez la mirada de Salvador Dalí. Asimismo, la obra narra el triunfo de la nada, una
actitud pasiva, postura cansada, derrotista, cataratas en los ojos por el exceso de sol en espera de
“algo”. El mensaje en la camiseta y el águila tendida, muerta, lo dicen todo.
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Horte Mínguez García
Raíces genealógicas, 2012-2015 (etapa 1)
Caja archivador, fotografías, cartas, actas de nacimiento, tubos con materiales orgánicos y 3 libros
24 x 22 x 11 cm
En relación con el verbo documentar, mi libro consiste en un ejercicio de reconstruir el árbol
genealógico de mi familia, tanto en términos ascendentes como descendentes, a partir de la
recolección de datos e imágenes de varios parientes. La documentación presentada fríamente se
adhiere al estilo narrativo de los registros que se obtienen por medio de este tipo de softwares
genealógicos para la construcción de un libro de familia. La información documentada se vincula
visual y conceptualmente con la danza de los planetas, en relación con mi idea de la vida, la muerte
y el eterno retorno. Todo el conjunto se articula bajo los parámetros de una caja contenedora.
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PRESENCIA
Detalle de la pieza
Isabel Moreno
Latitud cinco, 2011
Fotografía digital. Impresión fina en papel de algodón
Alhajero: 10 x 40 x 15 cm. 14 imágenes de 15 x 10 cm (26 x 26 cm con marco)
Morelos 89, quinto piso. Ciudad de México, 2011. Latitud cinco es nuestro refugio del mundo, un
espacio impermeable a locura de la gran urbe, al desenfreno de una ciudad despierta, incontenible,
fascinante. La primera página de una historia tejida en imágenes. El pretexto para lanzarme a este
viaje, explorar la piel en imágenes, sentirla, ser consciente de ella, verla, reconocerla como mía,
como nuestra. Es también el momento primero de los días con él, el que dejó tantas marcas en
mi existencia; el que tocó mi vida como ser humano, como mujer, como amante, como fotógrafa.
Es el escenario que albergó esos instantes con las emociones al desnudo, dos cuerpos que se
susurran con un roce, en un lenguaje que no precisa palabras. El espacio de nuestra libertad,
serena y tempestuosa intimidad. La evidencia de la interacción de dos cuerpos y la simpatía de
las almas, en la clandestinidad del silencio.
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María Gabriela Punin Burneo
La piel, 2015
Simbiosis microbiana (Microorganismo)
50 x 40 x 40 cm
El cuerpo se ha transformado en un bien, uso y consumo; sobre él recaen expresiones simbólicas y
figurativas de la perfección o la felicidad. El interés comunicativo por crear ficciones de la corporeidad
sigue en muchos casos una lógica. La experimentación, la construcción, la metáfora, la transdiciplina,
las marcas, huellas, heridas, el proceso, el apoderamiento y la apertura de significados son el tejido
biológico que sustenta esta pieza. El concepto laboratorio se expande como lugar no sólo físico, sino
también reflexivo, donde el ser humano se sirve de las herramientas necesarias para experimentar,
analizar, indagar y reflexionar. Es importante analizar que para ser un creador bioartista debemos
hacer arte o ciencia para repensar, redefinir, reconceptualizar nociones como cuerpo resignificado
desde la vida. Esta unión nos permite evaluar o reflexionar qué es la vida.
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Marisol Rojas
Blanka, 2014
Litografía y collage
80 x 60 cm
Blanka (Rumbo a fashion week) forma parte de la serie gráfica Identidad en el retrato cotidiano, cuyo
objetivo consiste en recrear algunas de las tantas historias individuales de la colectividad invitando a
la reflexión acerca de la identidad personal, diluida por el ritmo de vida de las urbes en la actualidad.
La obra representa a Blanka, una joven de origen serbio que radica en la ciudad de Nueva York y
estudia la carrera de moda; derivado de la migración que ha tenido a lo largo de su vida, ha pasado
por un proceso de aculturación continuo en las ciudades donde ha radicado, hecho que ha sido
determinante para conformar su identidad actual. A través del color, el movimiento y el simbolismo,
es representada de manera realista integrada con textiles que hacen referencia a su identidad.
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PRESENCIA
Wuero Ramos
La alegría de la estudiante, 2014
Óleo sobre tela
80 x 60 cm
Perteneciente a una serie de pinturas que exploran ambientes y situaciones en el interior de librerías
y bibliotecas. La alegría de la estudiante es un cuadro planteado como una alegoría por el placer del
conocimiento, la cultura y el arte. La joven estudiante que mira atenta unos libros ocupa el espacio
central del cuadro, quien —junto a una gran columna— simboliza la fuerza del pilar que sostiene este
espacio luminoso y brillante dentro de una biblioteca. Un lugar que sin duda nos recuerda la alegría
de la juventud y el gusto por el aprendizaje.
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PRESENCIA
La pintura es y será el medio para aterrizar mis ensoñaciones en formas concretas y vivas porque
en ellas corre la acción; los colores se desbordan, la materia aumenta, las imágenes se cultivan;
no hay otra manera de gestar en mi imaginario; donde el cuerpo y los rostros son parte esencial
para poder hablar de algo que no se limita en la dermis, en la superficie de las cosas. El carácter
de mi trabajo obtiene forma donde todo se encuentra en oscuridad; desde las entrañas mismas
donde se gestan los pensamientos, los sentimientos, aquello que vuelve complejo el sentido
de la vida y donde difícilmente los conceptos, con sus series de teorías, puedan demostrar
algo tan intangible, hacer sentir algo que es en demasía entrañable. Es por eso que se ha
vuelto una insistencia en mis imágenes seccionar la materia, estudiarla desde varios ángulos,
a través de capas que me desfragmenten lo que comúnmente me es familiar, así encontrando
belleza en el movimiento, en la metamorfosis de las formas que se vuelven una preocupación
en transformación, como metáfora del constante devenir y cambio, lo cual para algunos es un
milagro y para otros solo es una condena.
Paulina Jaimes
La máscara, 2011
Óleo sobre tela
120 x 100 cm
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
HIPERPICTURALIDAD
En los años ochenta del siglo XX surgió en
la lingüística de Gérard Genette el término
“hipertextualidad”, que se refiere a los textos
que retoman elementos o estructuras de
otros escritos y se los apropian, no a manera
de cita o comentario, ni de forma lineal (como
la intertextualidad), sino sometiéndolos
siempre a una profunda transformación.
la presente exposición, son Anselm Kiefer, el
Bosco, Walter Crane, los expresionistas alemanes o los autores de las figurinas de marfil
del temprano medioevo. También hay quienes
retoman el imaginario nacional, mitológico
o mediático, que llegó a formar parte de la
memoria colectiva, o elementos estéticos de
disciplinas ajenas al arte.
La hipertextualidad es, a grandes rasgos
y con ciertas limitaciones, transferible al
ámbito de la imagen, donde se convierte en
hiperpicturalidad. Más allá de la “cita”, el
“homenaje” o el “eclecticismo”, la hiperpicturalidad proporciona un concepto capaz
de reflejar la complejidad con que muchas
imágenes (sobre todo de artistas recientes) se
refieren a otras de una manera multifacética.
Las imágenes hiperpicturales no son simples
referencias o reminiscencias, sino que juegan
conscientemente con éstas y con sus connotaciones. Comentan visualmente su significado,
lo agudizan, lo actualizan, o —¿por qué no?—
lo ironizan. El resultado es siempre una
obra nueva, que pretende ser parte de un
discurso visual mayor, al cual enriquece,
continúa o contraría.
El pastiche y la parodia son técnicas típicas
de la hiperpicturalidad; ejemplo de esto es la
reinterpretación de La incredulidad de Santo
Tomás (1602) de Caravaggio, que podemos
apreciar en la muestra. Otros artistas, que
son comentados visualmente en obras de
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HIPERPICTURALIDAD
Abraham Jiménez
De la serie El borrego, La segunda incredulidad, 2014
Óleo sobre tela
80 x 120 cm
Si quisiéramos encontrar un eje en su obra, ese axis tendría que ser México. En casi todo su trabajo
no cabe la menor duda que el escenario, o el retratado, e incluso ambos, provienen de nuestro
país. Para él, México es un lugar donde las ideas se permiten florecer con la misma facilidad que
se deconstruyen, un extractor de formas de comportamiento y pensamiento. Se vale del humor y
la ficción característicos de nuestra idiosincrasia para hacer de ellos un vehículo de conexión con
el espectador.
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HIPERPICTURALIDAD
Detalle de la pieza
Ángela Sánchez de Vera
Ors ternis, 2015
Libro plegable de 8 páginas. Impresión digital
13 x 9 cm (cerrado), 26 x 36 cm (abierto)
Este plegable contiene una historia sobre el desierto. En 2013 el maestro Rolando de la Rosa me
invitó a participar en una exposición sobre los saharauis, y me avergonzó saber tan poco de su
historia. Decidí buscar algo de información y me encontré con una pieza poco conocida, pero muy
bella: una alegoría de la ceguera humana. Ors ternis es el nombre del fotolibro realizado por la
artista Fatiha Gaila.
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Detalle de la pieza
Cecilia Barreto
http://www.möbius.1, 2013
Técnica mixta (Acrílico, resina de polímero sobre tela)
90 x 200 cm
Considero que son paralelos los cambios en la iconografía dentro de la pintura, a las modificaciones
en la estructura social, económica y ciertos desarrollos tecnológicos. Desarrollo pinturas rescatando
elementos acerca de la elección y reciclaje de imágenes ya existentes partiendo de archivos
visuales. Las imágenes que reciclo provienen principalmente de periódicos y de agencias de
noticias en Internet. Elijo las imágenes que representan valores económicos y de poder, pensando
en su potencial de significación.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Cecilia Noriega
De la serie Sobre la inocencia, Enseñanza 1, 2015
Mixta sobre madera
60 x 80 cm
HIPERPICTURALIDAD
Cecilia Noriega
De la serie Sobre la inocencia, Enseñanza 3, 2015
Mixta sobre madera
60 x 80 cm
Mi trabajo reside en torno a una crítica y análisis social, laboral y familiar. En este caso, examina la
relación de la inocencia infantil con las diferentes vivencias y malos hábitos que aparecen desde
la juventud y adultez. Este vínculo aparece cuando se relacionan ciertos objetos y frases que nos
hacen entender la importancia de la relación infancia-adultez, inocencia-expectativas versus malos
hábitos-realidad. La sociedad vive en constante incertidumbre en todos los sentidos: laboral, familiar
y salubre, entre otros. Es importante observar estos temas primordiales y exponerlos ante el mundo.
Pienso que la mejor manera es a través del arte, que en mi opinión es un medio por el cual podemos
plantear cuestionamientos y análisis al espectador, para que pueda encontrar respuestas de un
determinado tema. En este caso, la incertidumbre de nuestro futuro que conlleva el desarrollo de
la infancia hacia la adultez.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
César Córdova
Keiko, 2015
Óleo sobre tela
50 x 60 cm
HIPERPICTURALIDAD
César Córdova
Venus dorada, 2015
Óleo sobre tela
50 x 40 cm
Estos cuadros nos recuerdan que la pintura no admite la limitación de lo previsible y que no hay
objeto pictórico consagrado ni disposición anímica determinada para su contemplación. Más allá
de la solemnidad, entre el homenaje, el humor, la transgresión y el erotismo, sea cual sea el objeto
que el pintor escoja, la calidad de un cuadro no se limita a nuestras expectativas de prestigio y
corrección política. El artista nos invita a mirar de nuevo, sin solemnidad ni prejuicio, y a repensar
nuestras concepciones del quehacer artístico.
SALVADOR ORTIZ
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
HIPERPICTURALIDAD
Detalle de la pieza
Cuitláhuac Oropeza Alcántara
Son jarocho. Los negritos, 2014
Libro plegable de 8 páginas. Impresión digital
13 x 9 cm (cerrado), 26 x 36 cm (abierto)
Estos dos plegables son el inicio de una catalogación del fandango veracruzano. El primer plegable,
Fandango, presenta un recorrido histórico por esta cultura musical, con raíces españolas, indígenas y
africanas. El segundo plegable, Los negritos, se centra en un son. Estos plegables van acompañados
de una página web en la que se puede escuchar la música original.
Daniela Peña Ibarra
Esto es lo que soy, 2010
Impresión digital. Fotografía digital a partir de una pintura de
Anselm Kiefer, Las célebres órdenes de la noche
(The Renowned Orders of the Night), 1997
120 x 90 cm
Módulo 4: esto es lo que soy forma parte del proyecto Destino: post-pink, post-punk. El destino no es esa
idea del futuro determinada e inamovible; el futuro es lo que se proyecta según lo que vivimos en el ahora.
Lo que somos es lo que traza las líneas y construye ese destino que se puede imaginar, porque se basa
en lo que proyectamos ahora. En el mundo contemporáneo existe este afán de convertir el todo en un
todo estetizado. El sistema de consumo hace que siempre se esté modificando; re-cargándose, no llega
a completarse, siempre tiene necesidad de más. Dentro de este entorno estetizado, ¿qué pasa con la
imagen en la actualidad?, ¿qué pasa con esa idea del futuro ahora, al filo del cambio, en esta época donde
esperamos el futuro desesperanzados? Como proyecto, Destino: post-pink, post-punk busca detenerse en
esta reflexión sobre el diseño y el futuro, en esta época de fractura social donde el diseño mismo es parte
de la promesa y la decepción.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Diego Baltazar Espinosa León
Cristo, 2015
Parafina y madera policromada
60 x 45 cm
Cada cultura tiene una representación simbólica del mundo y de lo que le rodea, que se traduce en
varias formas de lenguaje; uno de ellos el de las imágenes. Así, las imágenes intentan representar
la realidad a través de la interpretación de quien las fabrica, las cuales adquieren un orden diferente
de lo que se ve o de lo que no se ve, pero que no pertenecen a la realidad a la que les compete
sin importar sus características y proporciones o cánones preconcebidos, ya que no se sujetan a
las leyes del espacio y mundo terreno, sino al celeste. Desde esta concepción, la obra busca una
reinterpretación del simbolismo cristiano, en especificidad con la imaginería religiosa ecuatoriana,
fruto del estudio de la Iglesia de la Compañía de Jesús en Quito, Ecuador, combinando para ello la
madera policromada y la parafina.
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HIPERPICTURALIDAD
Erick Saucedo
Toccata del terrore, 2012
Tinta y acuarela sobre papel
60 x 60 cm
La pieza forma parte de una serie cuyo tema principal se relaciona con la deducción de los miedos
dentro de la psique humana, las múltiples formas de representación de la muerte y la creación de
metáforas escénicas que aluden a condiciones humanas específicas.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
HIPERPICTURALIDAD
Detalle de la pieza
Leonardo Pliego Eguiluz
Subdermal, 2014
Detalle de la pieza
Kristin Reger
Popocatépiernas, 2013
Vestuario y performance en animación gif
Libro plegable de 8 páginas. Impresión digital
13 x 9 cm (cerrado), 26 x 36 cm (abierto)
Este plegable es parte de una investigación en curso en la que el autor se acerca a la
subcultura de los implantes subdermales. Más que una intervención quirúrgica, este tipo de
intervenciones estéticas llevan aparejadas un ritual. El autor nos habla de cómo comenzó su
interés por el mundo de las modificaciones epidérmicas, tanto por encima (tatuajes) como por
debajo (implantes) de la piel.
Parte de la serie Things with Legs (Cositas con piernas), que contempla como tema la mascarada y
su potencial como medio transformativo. No todos los vestuarios se crean igual. En la mascarada,
desde un contexto ritual antiguo hasta la época de entretenimiento en Internet, se distinguen dos
características importantes: primero cubrirse la cara, dando un espacio para encarnar a otro ser;
segundo, por la carga energética del material específico utilizado en su elaboración.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
HIPERPICTURALIDAD
Detalle de la pieza
Lina Armendáriz Vega
Oxímoron / lost in code, 2014
Libro plegable de 8 páginas. Impresión digital
13 x 9 cm (cerrado), 26 x 36 cm (abierto)
Este plegable narra el acercamiento de la autora al concepto “código”, tal y como lo fue aprendiendo, de manera autodidacta. El código está presente en numerosos aspectos de nuestra vida,
desde el código genético, el código de tráfico o el código de barras de una caja de cereales.
Un breve recorrido histórico conduce a la autora hasta los programas de computación, en los que
trata de visibilizar ese código, mientras acompañan el proceso con una discusión entre académicos del Massachusetts Institute of Technology.
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Lucía Vidales
Quiero hacer algo pero todo parece insuficiente, 2015
Óleo y encausto sobre tela
170 x 140 cm
Las sensaciones de estar escindidos, de una insuficiencia o melancolía respecto a la experiencia
cotidiana, así como de una impotencia frente a las construcciones historiográficas hegemónicas,
aparecen en nuestra sociedad y desde la modernidad de manera constante y problemática.
Abordar la imagen para llegar a otro tipo de visualidad, un espacio-tiempo híbrido e impuro
donde confluyen el texto y la imagen, lo imaginario, corporal y material mediante construcciones
heterogéneas en pintura aparentemente contradictorias.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Verónica Villegas
El juicio de la historia, 2011
Carboncillo sobre papel de algodón
112 x 76 cm
El juicio de la historia constituye una alegoría que describe el siguiente escenario: la verdad y
la justicia, representadas como dos mujeres que son testigos sobre los actos de un líder con los
ojos vendados, sin importar su contexto político o ideológico. Las virtudes que se confrontan
ante una horda de seres ambiguos contemplan el paso de la historia ante las decisiones históricas
de un pueblo. Este dibujo fue presentado originalmente como parte de una reflexión sobre la
historia de México.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Culturalmente hemos aprendido a pensarnos
con los otros como parte de nosotros mismos,
y su ausencia la sentimos como una carencia,
como la pérdida de una parte primordial de
nuestro ser.
Conjuntos de objetos que hablan de su
desuso, y en ello dan testimonio de aquellos
con quienes algún día convivieron.
Más que una ausencia absoluta es la envoltura
del espacio vacío, “el hueco”,1 como diría
Gonzalo Rojas, lo que estos autores deciden
evidenciar a partir de su obra. Todo aquello que
queda después de la presencia. Momentos
registrados en lugares que nos contagian la
añoranza dealguien que se ha ido. Historias
cristalizadas en la superficie de testigos inanimados que esperan el retorno. La ausencia
se manifiesta en la nostalgia que provoca
cada una de estas solitarias obras.
Personajes anónimos que nos han dejado
objetos que apenas nos hablan de sus costumbres. Paisajes que esconden un pasado
que se manifiesta a partir del conocimiento de
la historia. Espacios alguna vez modificados
artificialmente para luego ser abandonados.
Elementos cuya manufactura refleja la mano
que los formó. De todo esto se alimenta la
inquietud de estos artistas. Así, la ausencia
encuentra su voz a través de diversos recursos.
La colección de lugares inhabitados, desolados
que reclaman la presencia. Instalaciones que
requieren nuestra ayuda para ser completadas.
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1
Gonzalo Rojas, Contra la muerte, 1964.
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AUSENCIA
Allan Villavicencio
Andamio, 2015
Óleo sobre tela
140 x 160 cm
A partir de espacios que se caracterizan por configurar construcciones arbitrarias, colores ácidos y
materias desbordadas, busco una abstracción que parte de temas como la obstrucción del espacio
en la ciudad, la barricada y el colapso de la forma. Éstos generan en mi proceso un entendimiento
de cómo la pintura puede transitar hacia la instalación y a la escultura, teniendo como constante la
relación del cuerpo con las estructuras materiales en que habita y se relaciona.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Alejandra Álvarez
Puentes inmateriales, 2012
Óleo sobre tela
120 x 200 cm
Puentes inmateriales trata sobre el sueño frustrado de la modernidad; aquí se representa un
puente ferroviario escocés construido en 1880 con la tecnología de vanguardia de esa época,
bajo un innovador sistema de cargas en tensión; ese puente aún existe, pero cayó en desuso tras
la construcción de uno nuevo. Es el recuerdo fastuoso, un alarde tecnológico de su tiempo, pero
que ya no cabe en el mundo contemporáneo. Representa también la destrucción de la conexión
de dos puntos; es una reflexión trágica sobre todo aquello que no logra alcanzar su destino.
El puente se representa mediante dibujo técnico, como un fantasma símbolo de la idea originaria,
el ideal bajo el que se construyó. En la parte de abajo tenemos una representación que simboliza
mediante la ruina de la materia su estado o condición actual. Es un cuadro que habla sobre la
caída simbólica de monumentos, vestigios vivientes que nos cuentan la historia de otro tiempo.
Fue pintado en tonalidades de rojo óxido para hacer hincapié en la decadencia de los metales y
el paso del tiempo.
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Alejandra Álvarez
El fin del petróleo, 2014
Óleo sobre tela
200 x 120 cm
El fin del petróleo refiere al inminente agotamiento de éste, que actualmente sigue siendo
derrochado a pesar de ser un recurso no renovable. Representa el eminente declive de la industria
petrolera, como un ocaso sobre la industria que se ha movido gracias a éste, durante tanto tiempo y
que aun después de todo luce como un sol esplendente que contiene todas las glorias del pasado.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Alejandro Gutiérrez
Enredaderas, 2014
Fotografía digital (iphonografía) impresa en papel fotográfico
50 x 50 cm
AUSENCIA
Alejandro Gutiérrez
Aves, 2014
Fotografía digital (iphonografía) impresa en papel fotográfico
50 x 50 cm
El uso de un dispositivo móvil como medio técnico fotográfico, en el cual se utilizan filtros
preestablecidos de desaturación, reducción de temperatura de color y luminosidad puntual.
La práctica misma replantea una nueva forma de encuadrar la imagen abriendo otra movilidad de
la misma. Se toman como referencias espacios colindantes de espacios urbanos y despoblados de
lugares muy distantes entre sí, vinculándose mediante la neutralización de la imagen.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Un huso es un objeto que sirve para hilar fibras textiles. En su forma más simple es un trozo de
madera largo y redondeado, que se aguza en sus extremos y que en uno de ellos, normalmente el
inferior, lleva una pieza redonda de contrapeso.
Con el huso se hila, y con la novela se hila; se hilan historias, imágenes de la vida; algunas nos dan
esa amistad que no engaña, y esos son los clásicos; uno siente la necesidad de revisitarlos; en sus
páginas todo es deliberado, fatal y profundo como en el cosmos.
Para la artista, el tejido es novela muda y las novelas tejidos que hablan al leerse; ambas se necesitan
para completar una nueva poética; los husos son instrumentos de lectura.
En su obra, la naturaleza imita a la literatura, y la literatura habla sobre ella misma, deviene en
metaliteratura, encuentra caminos inéditos y reflexiona sobre el mero acto de leer; son los hilos del
pensamiento los que se entrecruzan haciendo madeja de imágenes.
JAVIER FERRER I SERRA
Curador
Instalación
Carmen Mendoza
De la serie Un bosque de hilo, Sillón, 2012
Sillón intervenido
Variables
De la serie Un bosque de hilo, Tapete, 2012
Tapete intervenido
200 x 140 cm
Las partículas elementales Michel Houellelbeq, 2012
Hilo sobre tela
90 x 340 cm
Matadero cinco Kurt Vonnegut, 2012
Hilo sobre tela
90 x 130 cm
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Diego Narváez
Eyes-Berg, 2015
Óleo y esmalte sobre placa de acrílico
54.5 x 81.5 cm
La obra representa un iceberg que se desintegra frente a la mirada y que el público puede
reconstruir para sí mismo. Dado que está realizada sobre una placa de acrílico negro, el
espectador se puede observar en el acto de contemplar la pieza y preguntarse cómo es que
ve. Asimismo, la obra funciona distinto en cada distancia, ya que fue realizada con esmalte
plateado, óleo e incidida con punta de acero. Dependiendo desde dónde se vea, se transforma.
El iceberg es, en este sentido, el símbolo de transitoriedad de impermanencia.
Elizabeth de Jesús
Infinito, 2008
Óleo sobre tela
80 x 100 cm
En su trabajo indaga acerca del espacio; el espacio en la pintura; el espacio que no vemos pero que
transitamos y habitamos; el espacio como punto de partida para la construcción de ciudades; el
espacio como problema añejo de la representación. Su obra se desarrolla dentro de los campos de
la pintura y la gráfica, principalmente.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Elizabeth Casasola
Esquina de Avenida 1º de mayo y Vía Morelos, 2014
Impresión digital
76 x 100 cm
AUSENCIA
Elizabeth Casasola
Antigua Cruz Roja. Fuentes de San Cristóbal, 2014
Impresión digital
76 x 100 cm
En la categoría de nuevo documental contemporáneo no sólo se documentan los espacios, ambientes
y contextos; se produce un documento poético que funciona a partir de la interacción; en mi caso,
del uso de la cámara fotográfica, dispositivos móviles y Google Maps. No sólo la investigación y la
obtención de información o conocimiento de eventos históricos, sociales y culturales, sino a partir
de ellos desarrollar nuevos diálogos. Una investigación realizada por casi un año sobre el municipio
de Ecatepec, situada desde diferentes discursos: fotográficos, estéticos, políticos, sociológicos,
antropológicos y arquitectónicos.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Instalación
Elsa Oviedo
El errror de la máquina, 2014
Dispositivo sonoro
200 x 200 x 200 cm
Instalación
Elsa Oviedo
A prueba de fallos, 2013
Instalación
200 x 200 x 200 cm
La azarosa aparición de errores tipográficos durante el proceso de escritura dio pie a la creación de
una errática pieza sonora en A prueba de fallos; como proceso subsecuente, El error de la máquina
sugirió llevar dicho resultado a un objeto tridimensional, en el que se conjugasen la intervención del
propio aparato, su hackeo, con la creación de una máquina sonora que emulara el funcionamiento de
una caja musical o pianola antigua. Como resultado de dicho planteamiento fue creada una máquina
musical adaptada, con rodillos intercambiables, cuya partitura sonora obedeció a la ubicación de
los puntos finales de las oraciones que fueron tecleadas, repetidamente, en una secuencia de 112
hojas. Las sutiles variaciones, que son perceptibles de manera visual en las hojas, se convierten
en el elemento que dota de errático y azaroso ritmo, al sonido que emana cuando el aparato es
accionado por el usuario. Cada pin en los rodillos representa un punto, una pausa convertida en
sonido, cuya cadencia rítmica depende de la forma en que dicho dispositivo sea manipulado.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Gabriela González
Espacio de ensoñación, 2013
Escritos de 1978 en plumón rojo y cabello sintético
10 x 51 x 34 cm
Gabriela González
Metamorfosis de la escritura, 2014
Escritos arrugados de 1980 y tinta china sobre papel
140 x 136 cm
Alegoría del camino, Espacio de ensoñación y Metamorfosis de la escritura son piezas que forman
parte del proyecto La palabra como dibujo, una colaboración entre el texto y la imagen; más
específicamente, un entretejido de ideas y emociones entre la disciplina que ejerció mi padre
(Literatura) y la que ejerzo yo (Dibujo). En sus inicios se desarrolla como un proyecto-homenaje a la
muerte del escritor y periodista (1954-2012) que ha dejado un sin fin de escritos a mano apilados
en su estudio y de donde nacen las obras aquí expuestas. El homenaje se transforma en objetivo:
zurcir la escritura incorporándola a nuevos soportes tridimensionales para expandir el campo visual
entre palabra y dibujo, es decir, otorgarle un nuevo significado gráfico-visual a la palabra escrita,
de manera que pierda su sentido de lectura y se transforme en dibujo, textura, movimiento que
incida directamente en la experiencia sensorial de la visión del espectador. Estos manuscritos sólo
se unieron a un extenso campo de pensar el dibujo de una manera diferente.
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Gabriela González
Alegoría del camino, 2013
Escritos de 1978 con plumones de colores y litografía en tela
27 x 18 x 7 cm
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Guianeya Marín
Condominio III, 2007
Objeto. Jaula recuperada y cerámica de alta temperatura
53 x 40 x 30 cm
Guianeya Marín
Ni raíz ni fronda, 2012
Objeto. Madera
22 x 129 x 22 cm
Hogar dulce hogar. Pero también siniestro. Refugio nuestro y a la vez de nuestros más oscuros
fantasmas. El uso del símbolo de la “casita” es una apropiación de una estructura paradigmática
de la cultura occidental, para de ahí jugar con los materiales en dos niveles; uno formal y otro
referencial que simultáneamente funcionan como soportes para ocultar y hacer presentes
discursos sociales. Esta superposición estructural, formal, simbólica y textual sirve para subvertir
el discurso psicosocial de las emociones, las relaciones de poder que genera la interacción de
los ocupantes de una casa. Casas a dos aguas hechas a semejanza de las que dibujan los niños,
casas que responden al arquetipo y no a la realidad, pero que encierran a través de símbolos de
lo humano esas relaciones subjetivas que sólo conocen sus paredes y que miramos y nos miran
desde sus ventanas-ojos en un ejercicio además voyerista de mirar y ser mirado. Ojos de seres
que se asoman no sabemos si para reír o para pedir ayuda, casas jaula que retienen al que mira
hacia afuera, casas de pájaro limitadas en espacio, sobrepuestas y asfixiantes.
Guianeya Marín
Casa corazón, 2013
Objeto. Madera pintada y metal
41 x 42 x 27 cm
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Detalle de la pieza
Humberto Brera Gómez
Todo retorna, 2014
Jonas Lerin Ridone
Virtual view .5, 2013
Óleo sobre tela
70 x 95 cm
Libro plegable de 8 páginas. Impresión digital
13 x 9 cm (cerrado), 26 x 36 cm (abierto)
Este plegable registra cómo nos deshacemos de los grandes residuos en la Ciudad de México.
Cuando tiramos algo a la basura, nos olvidamos de su existencia, sin preguntarnos dónde y cómo
sigue su proceso de descomposición. La serie fotográfica del libro muestra la descomposición de
grandes coches en las calles de la ciudad, y en un tiradero de Puebla, donde las carcasas vacías de
los autos se esponjan mientras son devoradas por la vegetación.
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El arte en esta época adquiere una nueva sensibilidad gracias a la relación que existe con la
tecnología. Los actuales medios del arte mezclan lo real y lo digital, desarrollando formas diversas
para representar este nuevo mundo interconectado. El potencial de dichos medios está cambiando
el proceso creativo, así como la producción artística. Un claro ejemplo sería la interacción con
los videojuegos. Esta relación nos acerca a un nuevo tejido social y cultural, ofreciéndonos la
posibilidad de reinventarnos explorando lugares en otro momento impensables.
En los “paisajes virtuales” de ambientes desolados que pinto, intento ver reflejada la angustia, la
soledad, la tristeza de este fenómeno y, al mismo tiempo, dar un mensaje de esperanza que se
podría interpretar como un nuevo comienzo. Hacer estos paisajes en pintura representa un reto y al
mismo tiempo una aventura, al ejercer el papel de guía a nuevos mundos, a paisajes que nos remiten
a la huella de lo humano aún en naturalezas de ficción, las cuales nos adentran hacia la desolación y
soledad de nuestro ser. Si bien la tecnología puede aproximarnos virtualmente, la obra Paisajes de lo
virtual pone de manifiesto que este contacto digital es más bien un alejamiento de lo real.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Jorge Pasmiño Yáñez
Objetos encontrados, 2010
Fotografía digital
Políptico: 200 x 340 cm (aproximado)
Políptico de 12 fotografías que corresponden a objetos personales de familias y vestigios de
hogares desaparecidos.
Serie fotografiada posterior al tsunami ocurrido en el balneario de Dichato, en Chile, el 27 de febrero
de 2010. Es más que una mirada; es la captura de un instante, el corte de un modelo natural
violentado y transformado por el siniestro. La fotografía tardía —como práctica del trabajo visual—
es la mirada parecida a la de un perito que fotografía en terreno el posacontecimiento, observando
las transformaciones ocurridas en el paisaje, en los espacios y el hábitat humano ya desaparecido.
Se mantiene alerta observando los cambios geográficos, afectados por causas naturales, como los
devastadores acontecimientos del terremoto y tsunami del 27 de febrero de 2010.
Instalación
Octavio Cueto
El alma sonora, 2012
Instalación interactiva. Escultura y medios electrónicos
Variables
El alma sonora es una instalación, con líneas de cucharas pendientes del techo, que al entrar
en movimiento transmiten vibraciones a un sistema principal, con el objetivo de generar una
composición sonora, tomando como base sonidos pregrabados (samples), a partir de los niveles de
vibración recibida en cada una de estas líneas, y procesados con una síntesis granular. La pieza busca
evidenciar al elemento audible —independiente, único, atómico— como parte imprescindible en la
conformación sonora del individuo de manera natural, y toma cucharas como referencia a aquello
que fracciona y reparte la materia sonora en el cuerpo y el espacio. In situ, la instalación se concibe
como un espacio de energización tonante, un lugar que invita al público participante a reflexionar
acerca de estos pequeños segmentos de sonidos, resultado de la interacción en su relación con las
cucharas y el espacio a través de vibraciones. Propone al público tomar consciencia de la generación
de dichos sonidos de acuerdo con el nivel de relación que logre respecto a este cuerpo sonoro.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Moisés Jácome
Horizonte en ruinas, 2015
Óleo sobre masonite
60 x 200 cm
Horizonte en ruinas y Vicente Guerrero proponen el análisis y reflexión visual en torno al objeto
como vestigio dentro del paisaje urbano; el objeto como huella, memoria de lo perdido, de lo
olvidado y su relación espacial dentro del paisaje contemporáneo. Una investigación estética de
ruinas contemporáneas con un enfoque metafórico sobre el hombre mismo, su identidad y su
naturaleza efímera, sobre el tránsito de sociedades pasadas.
Moisés Jácome
Vicente Guerrero, 2011
Óleo sobre masonite
60 x 100 cm
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
AUSENCIA
Víctor Mora
De la serie Patrones y figurines, MMJQ, 2012
Patrón, transfer, papel, objeto
9 piezas 28 x 35 x 10 cm. Disposición total 90 x 110 cm
En los patrones de su obra se ve un universo a la vez íntimo, sutil y autobiográfico; asimismo, transita
entre aspectos simbólicamente asociados con lo femenino y otros que evocan estereotipos de lo
masculino para conducirnos a un desmontaje de conceptos dicotómicos de género, que a la vez
evoca un estatuto fragmentario del cuerpo y la identidad que se recompone de múltiples formas
en estos objetos. Las obras de esta serie (MJMQ) integran patrones y modelos transferidos de
vestimenta femenina que remiten a las idealizaciones corpóreas e ideológicas de los años cincuenta
del siglo XX. Se refieren a la actividad creativa de la madre del artista en su juventud, estableciendo
un linaje materno para su vocación, a la vez que la utilización creativa y poética del patronaje de los
vestidos sugiere cierta relación con las estrategias plásticas en el universo multisensorial construido
por el artista en este sugestivo conjunto conceptual y plástico.
Víctor Mora
De la serie Patrones, María de Jesús Mora, 2012
Patrón, papel, objeto
3 piezas 28 x 50 cm
KAREN CORDERO REIMAN
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Instalación
Sol de María Zamora Corona
Río es devenir, 2015
Bio-instalación sonora
Variables
Río es devenir explora la idea propuesta por la filosofía heraclítea de que la vida se afirma en un
constante devenir. La pieza recrea un espacio donde todo transcurre: los colores del cielo van del
alba al ocaso; el movimiento de las plantas va de lo abierto a lo cerrado; los sonidos y sus formas
cristalinas son un fluir que hace visible la naturaleza cambiante. La obra busca proveer un espacio
para el sentir y el pensar, donde el espectador pueda reflexionar, cuestionarse profundamente y con
sinceridad sobre el acontecer de su propia vida.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
GESTO
En un sentido general, se entiende por
gesto pictórico tanto al modo en que el
pintor mueve, utiliza y desliza el pincel sobre
la superficie del lienzo, así como al registro
o asiento que deja en el cuadro.
Es común que se aplique el término “gestual”
exclusivamente a la técnica de depositar la
pintura en el soporte; pinceladas sueltas
en las que incluso participa la muñeca, el
brazo o todo el cuerpo. Podemos hablar de
pintores y formas de pintar: gesto suave,
discreto o moderado, o bien vigoroso,
potente y brusco.
De igual forma, en muchas de las obras
agrupadas en el tema podemos observar
trazos circulares, líneas curvas que nos
refieren a la intimidad, un lugar único y
personal, lo cual nos guía, nos absorbe a
universos tan recónditos como tangibles.
Trazos libres, enérgicos, llenos de vitalidad,
con personalidad fuerte, los cuales nos
exhortan a detenernos y así permitir que
la obra nos hable, expresando los temas,
conceptos y sentimientos que los artistas
manifiestan. Éstos se encauzan en la
búsqueda de un lenguaje, el cual resalta
una huella personal espontánea, que lleva a
experimentar de manera lúdica lo emocional
y subjetivo a través de elementos visuales.
Trazos negros o de tonalidad oscura captan
la mirada del espectador y lo transportan a
otras realidades, a mundos creados donde el
artista deja que el espíritu hable libremente;
por lo contario, las líneas suaves y ligeras se
funden en un baile de sensaciones armónicas.
Esta gestualidad permite al espectador
entrar al sutil sueño que el creador evoca.
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GESTO
Beatriz Parra
Elevación, 2014
Tinta sobre papel
60 x 60 cm
Dentro de la idea previa a la ejecución de un cuadro existen variantes formales que son puestas a
consideración; de la correcta unión de todas ellas surge la composición; aquí es donde existe el
dibujo, es la idea base de un cuadro, al que generalmente llamamos boceto.
Para mí un boceto no se reduce a graficar previamente los objetos a representar en el cuadro; una
de las premisas presente en el origen de la creación de mis piezas es “La acumulación de un mismo
objeto dentro de un espacio determinado”; así encuentro que la geometría es la base de mis obras,
cuerpos sólidos que se acumulan dentro de una forma determinada.
En mi trabajo, dibujo y pensamiento van de la mano buscando todas las posibles respuestas a las
preguntas que plantea un cuadro.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Aarón Alberto Aguilar Parada
Autoridades externas, 2013
Grafito y lápiz de color
45 x 59 cm
GESTO
Aarón Alberto Aguilar Parada
Punto de partida, 2013
Grafito y lápiz de color
45 x 58 cm
Estos dibujos son parte de mis estudios sobre la relación entorno-individuo. Se realizaron al
comienzo de mi investigación de maestría, formando parte de la serie Sobre el cuerpo. En dichos
dibujos se aborda el tema del entorno no sólo como mecanismo de producción de nuestros
comportamientos, gustos y deseos, sino también como productor de nuestro cuerpo físico. Se
estudia la relación y su influencia a nivel conceptual y física; se intenta exponer a nuestro cuerpo
como mapa de nuestro entorno en todos los niveles. En esta serie los dibujos están encimados y
con trazos de primera intención, evitando ser muy reflexivos en un intento por alejarse de la obra
y provocar situaciones azarosas al momento de su construcción; la serie consta de veinte dibujos,
y aparecen en la tesis “El azar del entorno como forma de producción del dibujo”.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Brenda Pacheco
Epílogo, 2013
Tinta sobre papel
60 x 60 cm
La línea funciona como conector entre diversos referentes pictóricos que actúan como citas
intertextuales. Esta misma línea traduce la materia pictórica a la pureza y transparencia del dibujo,
aligerando la carga histórica a través de la alteración anatómica y el rescate de las cualidades gráficas
inherentes a la pintura.
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GESTO
José Antonio Canales
Montelografía “S”, 2015
Gráfica conformada sobre papel hecho a mano impreso a una tinta
62 x 62 cm
La Montelografía significa gráfica conformada; es un procedimiento actual, en el cual no sólo
se articulan técnicas de grabado y estampación, sino también conocimientos del arte pictórico,
escultórico, elaboración de papel, el manejo de tintas y resinas, con el fin de imprimir y moldear el
soporte de la obra en sólo una tirada. Ésta se conforma en una plancha/molde manufacturada de
polímeros poliéster, la cual se imprime por un proceso manual, evitando el empleo de una prensa o
tórculo como en las técnicas tradicionales de grabado. La búsqueda de relieve positivo dentro de
la gráfica, condujo al artista a crear obras en un sentido ontológico, y dejar que el espectador se
sumerja en ellas con todos sus sentidos para viajar por medio de la razón al éxtasis contemplativo
de estadios generatrices en universos distintos al que habitamos.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
GESTO
Miriam Gamero
De la serie Secuencia de deconstrucción del dibujo de movimiento, 2013
Grafito sobre papel vegetal y nogalina sobre papel vegetal
4 paneles de 70 x 50 cm. 1 panel de 50 x 30.5 cm
La pieza es una serie de dibujos que especifican —en cada uno de los paneles— los estados del dibujo
en movimiento, hasta llegar a la interpretación y mapeo propuesto por la artista bajo su metodología,
a una nueva asimilación del cuerpo en movimiento que ha sido previamente representado. El
conjunto conforma la serie de pasos en los primeros tres paneles, para la construcción académica
del dibujo del movimiento —aprendido en España— (la mancha, ejes de construcción, y detalle),
para luego dar paso a la propuesta (dos últimos paneles) de la artista [mapa y carga emotiva (gesto)]
unificada con las anteriores, develando así el proceso en el arte plástico, que va de la figuración a
la abstracción.
Miguel Ángel Aponte
Mosca en la mesa, 2012
Mixta sobre papel
60 x 60 cm
Tomo como principales protagonistas a roedores e insectos, quienes a diferencia de otras especies
logran un perfecto control de supervivencia y autonomía en las ciudades erguidas por la raza humana
gracias al factor cuantitativo y cualitativo de sus especies.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Rocío Romero Hernández
Desnudo n. 12, 2014
Resina y encausto
20 x 9 x 7 cm
Esta obra es parte de mi proyecto teórico-práctico de investigación doctoral delimitado en la
experimentación que comprende varias piezas tridimensionales. Realicé distintas aplicaciones de
tipo experimental, y con ellas obtuve aproximaciones concretas a las cualidades de la resina cristal,
es decir, su comportamiento —sobre todo estético— frente a los medios pictóricos tradicionales.
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GESTO
Roxel Barroso Ramos
Reiterativa gestual, 2009
Lápiz sobre cartulina Bristol
70 tarjetas de 21 x 12.5 cm. Disposición total (180 x 150 cm)
Reiterativa gestual es una serie de 85 dibujos a lápiz sobre cartulina Bristol en formato de
12.5 x 21 cm (de los cuales se presentan 70). En ella, el énfasis en el trazo pretende explorar poco a
poco las posibilidades del rostro masculino, el cual se tuerce y se moldea con tanta plasticidad como
le es posible, trasluciendo una emotividad, que es más un rictus que una auténtica gesticulación.
El formato y la técnica reducida al mínimo, así como la reiteración del motivo, revelan un proceso
de simplificación técnica y reflexiva que llevan al artista a elucubrar a favor de sus propios límites
expresivos. Un ejercicio que se antoja portable y nómada acerca de las probabilidades de la
insustancialidad.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Sergio Koleff
Ceguera, 2010
Lápiz de grafito y carbón sobre papel
70 x 95 cm
GESTO
Sergio Koleff
Sensación, 2010
Lápiz graso, tinta y pastel sobre papel
70 x 95 cm
Estos dibujos gravitan sobre la experiencia de pensar la anatomía misma de la visión: los ojos
como territorio de huellas de los sucesos del cuerpo o desde él. Es así que la imagen del cuerpo
y lo gráfico aluden a esa “analogía natural” de la estructura ojo-cosmos: la memoria de la materia,
la energía, el impulso. Más que llegar al “sentir imaginado”, se teje una estructura posible, una
transición hacia la forma y la imagen que descubren en su espacio gráfico. En estos encuentros y
desencuentros, en estas tensiones, elasticidad y contención, el suceso no es una “imagen interior”
que hace visible una “imagen exterior”, sino que se descubre en el fluir mismo del ritmo generador
de la mano y el rasgo. La articulación gráfica configura una visualidad de las estructuras en la
construcción, destrucción, organización o reorganización de las fuerzas que desde la energía física
dejan una huella de sus recorridos para explorar la complejidad de la visión como experiencia
desde el dibujo, que evoca más la invisibilidad, las fatigas, los furores, los puntos ciegos de la
visión, más que lo visible.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
GESTO
De-signo: Origen y destino de la forma visible
De-signo es un proyecto colectivo de dibujo. Sus integrantes hemos abrazado esta técnica como matriz
lingüística del pensamiento visual. Nuestra intención es alcanzar una claridad proyectual y lingüística en
nuestros distintos campos de experimentación visual a través de la práctica del dibujo. En cualquier campo
de las artes visuales que ejerzamos, la imagen que traemos al mundo es consecuencia de una intención
cognitiva de nuestra imaginación: de un designio. Cuando este designio se hace visible lo llamamos
dibujo. Esta intención es el origen de la forma en que organizamos la imagen con que nos referimos a
nuestro mundo. Y es este mismo designio-dibujo lo que nos permite, e incluso nos reclama, alterar dicho
concepto, porque el mundo y la visión de éste se transforman: son constantes y contemporáneamente
agentes y pacientes de esta transformación.
Víctor Manuel Monroy de la Rosa
Yadanza, 2013
Impresión giclée
100 x 150 cm
En el marco de sus producciones, el artista entra a este mundo polémico de imágenes y conceptos,
denominado Ñañu-Xaxofi, el cual nos hace mirar y recorrer a través de sus ventanas visuales los
universos creados desde sus ópticas, para circular desde la mirada autorreferencial, sensual,
masculina-femenina, y la búsqueda de lo erótico como lo sensual por medio de lenguajes,
grafías herméticas y crípticas que se transmutan en las sustancias alquímicas de la expresión
plástica. La cultura de la mirada humana, que es una enorme parábola desde y hacia el cuerpo
como epicentro de todas las reflexiones del arte, seguirá considerándolo como la metáfora del
universo. El cuerpo como eje de toda la creación artística de siglos dialogando con la sexualidad,
el erotismo y las demás derivaciones.
Hiram Espinosa
Matas 1, 2011
Carbón sobre papel
60 x 60 cm
El dibujo es el origen y el destino de la forma visible. El tema de la pieza es la creación y una
búsqueda de claridad proyectual; la obra forma parte de una serie denominada De-signo, un
esquema de intenciones materializadas sobre el papel, en el que entendemos el dibujo como
avanzada conceptual y vehículo de movilidad visual y disciplinaria.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
De-signo: Origen y destino de la forma visible
Sebastián Montes
Saa, 2014
GESTO
De-signo: Origen y destino de la forma visible
Paola Pola
Colgados, 2013
Tinta china sobre papel
60 x 60 cm
Dibujo con offset
60 x 60 cm
En la búsqueda de una definición del dibujo, se experimenta con materiales industriales para
representar la fragilidad y temporalidad de las aves. Forma parte de una serie de dibujos in situ a
pie del cerro en la Cañada del Curtidor, Tlaxiaco, Oaxaca.
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En el contexto contemporáneo en el cual vivimos, sin duda alguna el consumo masivo de carne
ha propiciado una producción excesiva de este producto, y es que la obtención de la carne y sus
derivados se ha convertido en una gran y violenta industria. Lo que antes se podía conseguir de una
granja (cosecha, ganado, productos naturales), ya no da abasto para la demanda que exige nuestra
sociedad. Las granjas se han convertido hoy en día, por este requerimiento dentro las grandes
ciudades, en monstruosas industrias o fábricas de muerte.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
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ACERCA DE LOS AUTORES
José Aarón Alberto Aguilar Parada (1981)
Licenciatura y maestría en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad
Nacional Autónoma de México (FAD-UNAM). Actualmente cursa sus estudios de doctorado
en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Su campo de estudio está
enfocado en el dibujo y la relación individuo-entorno. Ha sido seleccionado en diferentes
concursos; cuenta con dos exposiciones individuales y siete colectivas.
Alejandra Álvarez (1985)
Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la FAD-UNAM, donde se especializó en
Pintura Contemporánea con el profesor Ulises García Ponce de León. Fue seleccionada
para participar en el Programa Jóvenes Creadores del FonZVdo Nacional para la Cultura
y las Artes (Fonca); también es seleccionada para formar parte de la Cuarta Generación
del Seminario Interdisciplinario La Colmena. Trabajó en el proyecto Una estética de la
destrucción. Ha participado en diversas exposiciones colectivas, entre las que se encuentran
Procesos y reflexiones sobre pintura (Galería Luis Nishisawa de la FAD-UNAM) y Creación
en movimiento (Biblioteca José Vasconcelos); todas reseñadas con críticas loables. Se tituló
con mención honorífica como licenciada en Artes Visuales con la tesis “DeConstrucciones,
una réplica escrita sobre representación pictórica contemporánea”. Inició la maestría en
Artes con orientación en Pintura en la FAD-UNAM. Actualmente trabaja en el proyecto
Transiciones, donde experimenta con la materia pictórica para representar las transiciones
de la energía en construcciones materiales.
Miguel Ángel Aponte (1989)
Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la FAD-UNAM. Ha participado en exposiciones
colectivas como Ensayo visual (GAMA, de la Escuela Nacional de Artes Plásticas [ENAP]),
La lotería (Galería Guillermo Bravo, Instituto Municipal de Arte y la Cultura IMAC
Durango, Dgo.), Tierra abierta (en el marco de los 70 años del Instituto de Geografía de la
Universidad Nacional Autónoma de México [UNAM]), y El derecho al voto de la mujer, del
hecho al derecho del derecho al hecho (Facultad de Derecho, UNAM, Edificio del Partido
Revolucionario Institucional).
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
Ha desarrollado murales como Mural Otomí, en la sala Otopame del Museo Nacional de
Antropología, y participó en el mural de la Escuela Judicial del Estado de México, en Toluca.
ACERCA DE LOS AUTORES
Humberto Brera Gómez (1964)
Maestría en Diseño y Comunicación Visual y licenciatura en Comunicación Gráfica por
la FAD-UNAM. Actualmente trabaja en su estudio asociado de consultoría y diseño
Rosalina Armendáriz Vega (1982)
Maestra en Diseño y Comunicación Visual por la FAD-UNAM. Licenciada en Diseño de la
Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco (UAM-X).
Actualmente reside en la Ciudad de México y trabaja como diseñadora independiente.
Cecilia Barreto (1985)
Licenciada en Artes Visuales por la FAD-UNAM. Fue beneficiaria de la tercera edición de
la beca Adidas-Border con el proyecto http//www.recortederelatos. Fue seleccionada
en el Programa Jóvenes Creadores del Fonca en la categoría de Pintura con el proyecto
Interpretación del simulacro. Sus proyectos se han presentado de manera individual dos
veces: en la exposición Diagrama de la interferencia, Escuela Nacional de Pintura, Escultura
y Grabado (ENPEG) “La Esmeralda”, y en la exposición Visualidad simultánea, Galería José
María Velasco. Ha participado en más de 40 exposiciones colectivas, entre las que destacan
Meetings Alliance Publishings. Es coordinador del diplomado de Diseño Editorial (Arte,
Cultura y Educación), en la Academia de San Carlos de la FAD-UNAM, y docente de
asignaturas CORE, en la licenciatura de Diseño de la Universidad del Valle de México
(UVM), plantel San Rafael.
José Antonio Canales (1965)
Licenciado en Artes Visuales por la ENAP-UNAM y maestro en Artes Visuales, con mención
honorífica, por la FAD-UNAM. Productor plástico e investigador independiente, creador
de la Montelografía que denomina una gráfica conformada por medio de bajas presiones,
es decir, sin el empleo de una prensa o tórculo. Amante del grabado y la estampa,
involucrado en el arte libre; combina en sus obras tradición y contemporaneidad; sus temas
son abstractos, con tintes de figurativismo, donde propone al espectador contemplativo
trascender lo visualmente percibido y tocar sus fibras más sensibles del espíritu.
El futuro no está escrito (en el Palazzo Cinni, dentro de la programación oficial de la 56
Esposizione Internazionale d’Arte de Venecia, Italia), Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje
moderno: Generación que nació después del temblor del año 1985 (Museo Universitario de
Arte Contemporáneo [MUAC], México), y XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo (México).
Elizabeth Casasola (1987)
Maestra en Artes Visuales en la FAD-UNAM. Recibió la beca Jóvenes Creadores del
Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta)-Fondo para la Cultura y las Artes
del Estado de México (Focaem) con el proyecto Estudio sobre la vitalidad y el silencio.
Roxel Barroso Ramos (1975)
Estudió Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Estudios Profesionales (ENEP) Acatlán,
UNAM, y la maestría en Artes Visuales en la ENAP-UNAM. Actualmente cursa y desarrolla su
proyecto de tesis para el doctorado en Artes y Diseño por la FAD-UNAM. Ha tomado cursos
y talleres con los artistas Elizabeth Skinfill, Francisco de Santiago, Alejandro Alvarado, Eloy
Tarcisio, David Miranda, Daniel Garza-Usabiaga, Mónica Espinosa, Edith Medina, Mónica
Ruiz Loyola, Leslie García, María Antonia González Valerio, María José Alós, Daito Manabe
(Japón), Christa Sommerer y Laurent Mignonneau (Austria) y Laura Beloff (Dinamarca),
Registro de Elementos Urbanos, proyecto seleccionado en el visionado de PhotoespañaTrasatlántica sede Tegucigalpa. ParVticipó en la exposición Latinoamérica, un pueblo al
sur de los Estados Unidos, en el Festival Photoespaña, exhibiéndose en Casa América.
Se expone individualmente en el Centro Cultural Real del Monte. Nuevamente recibió
la beca Jóvenes Creadores de Conaculta-Focaem con el proyecto Entropía de la ciudad
contemporánea. Ciudad Satélite. Recientemente impartió el Taller Atlas Contemporáneo.
Nuevas estrategias, dentro del diplomado de Fotografía Creativa que dirige el curador
Juan Antonio Molina.
entre otros. Su obra forma parte del Archivo Creadores Bancomer BBVA-MACG.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
César Córdova (1983)
Diana Yuriko Estévez Gómez (1981)
Licenciado en Artes Visuales por la ENAP-UNAM. Ha expuesto individualmente en el
Doctora en Artes y Diseño por la FAD-UNAM. Labora como docente en el Programa de
Centro Peninsular en Humanidades y Ciencias Sociales de Mérida (Yucatán) y en la Galería
Posgrado en la misma institución. Desarrolla su producción en diversas áreas de las artes
Nadia Montefiore y La Masmédula Galería (Ciudad de México), entre otros. Ha participado
visuales, presentando su trabajo individual y colectivamente en México y el extranjero.
en diversas exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, Italia, Colombia, Alemania
Desde 2012 forma parte del Colectivo KI.
y los Países Bajos (como XXVIII y XXXII Encuentro Nacional de Arte Joven [Aguascalientes],
IV Bienal de Pintura Pedro Coronel [Zacatecas], I y II Bienal Nacional de Pintura Gómez
Palacio [Durango], La vista Galería Principal de Bellas Artes [Cali, Colombia] y Border
Hop: New work by young mexican artists in the post NAFTA era [UICA, en Grand Rapids,
Michigan]). Obtuvo el XXXII Premio Nacional de Arte Joven, la beca Jóvenes Creadores del
Fonca, y el apoyo a Proyectos Artísticos y Culturales del Instituto Mexicano de la Juventud.
Octavio Cueto (1975)
Miriam Gamero (1984)
Licenciada en Diseño y Comunicación Visual, con especialidad en Ilustración, por la FADUNAM. Participó en diversos talleres de artes plásticas y diplomados. Cursa la maestría en
Artes Visuales con orientación en Dibujo, en la Academia de San Carlos, con el proyecto
La poética del espacio intermedio del movimiento corporal en el Dibujo y Danza. Realizó
una estancia de investigación en Sevilla (España), donde estudió el Dibujo del Movimiento
en la Facultad de Bellas Artes. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e
Su propuesta artística va encaminada a la creación de instalaciones y espacios interactivos,
individuales, entre las que destacan Flores corporales (Academia de San Carlos) y El dibujo
con sonidos y dispositivos que él mismo diseña, so pretexto de crear dinámicas que
en las colecciones municipales (Museo de Alcalá de Guadaira, Sevilla, España). Se interesa
permitan la creación de piezas sonoras in situ, en colaboración con el público presente.
por el movimiento corporal en la danza (butoh) y su registro y meditación a través del dibujo.
Además construye escultura sonora, programa y diseña en la red, y es consultor tecnológico
en seguridad y manejo de datos masivos. Actualmente participa en la cuarta edición del
Encuentro de Arte Sonoro RANDOM, con colaboraciones de artistas de talla internacional
en distintas sedes, recintos y salas culturales de México.
Diego Baltazar Espinosa León (1975)
Gabriela González L (1981)
Egresada de la ENPEG “La Esmeralda”, con estudios complementarios en el Museo de Arte
Moderno, Centro Nacional de las Artes (Cenart) y la Academia de San Carlos. Actualmente
trabaja en el Taller de Litografía Blackstone. Becaria del FOCAEM y de Jóvenes Creadores del
FONCA. Obtuvo mención honorífica en la I Bienal de los Volcanes, en la VIII Bienal Nacional de
Licenciado en Arte y Diseño por la Universidad Técnica Particular de Loja (UTPL; Ecuador). Es
Pintura y Grabado Alfredo Zalce y en el Tercer Concurso Artes Plásticas y Gráficas Dr. Alfonso
maestro en Artes Visuales por la FAD-UNAM. Actualmente se encuentra en el cuarto semestre
Pérez Romo. Ha sido seleccionada en la IV Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda,
del doctorado en Arte y Diseño en la misma institución. Es docente universitario de la UTPL.
en la V y la VI Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán, en la IX Bienal Puebla de los Ángeles y
Su experiencia en la creación artística desde la juventud se involucra en la práctica religiosa
en el Segundo Concurso Artes Plásticas y Gráficas Dr. Alfonso Pérez Romo. Ha participado en
y su simbolismo, en una primera etapa en la elaboración de murales religiosos en varias
más de 50 exposiciones colectivas y siete individuales (en Inglaterra, Cuba, España y Alemania);
ciudades de Ecuador, y en la actualidad en la experimentación con esculturas de parafina.
así como en diferentes estados de la República mexicana. Imparte Taller de Dibujo en ENPEG
“La Esmeralda”, en el Centro de las Artes San Luis Potosí y en el Museo Leopoldo Flores
(Toluca). Fue asistente impresor en el Taller de Gráfica “Intaglio”, del Museo Estación Indianilla.
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
Alejandro Gutiérrez (1971)
Obtuvo mención honorífica en el Premio Nacional de Pintura José Anastasio Monroy y la
Realizó estudios de Artes Visuales en la ENAP-UNAM, y de forma paralela se formó como
beca Jóvenes Creadores del FONCA. Es integrante del proyecto El Milenio visto por el
fotógrafo en la Escuela Activa de Fotografía. Realizó, con el apoyo de Médicos sin Fronteras,
un documental sobre la situación del VIH-SIDA en Mozambique. Hizo un recorrido en
arte, que invita a 32 pintores mexicanos a ser parte de una colección. Docente durante
cinco años en el CEDART Frida Kahlo.
bicicleta por la isla de Cuba documentando aspectos generales de la vida diaria en el
campo y la ciudad. Entre otros recintos, su obra ha sido expuesta en varias instituciones:
Academia de San Carlos, Universidad Iberoamericana, Universidad del Valle de México
(Tlalpan y Querétaro), Galería Libertad (Querétaro), Teatro Federico García Lorca (La
Habana, Cuba), Galería L’art pour Lahr (Alemania) y Galería Anne Kesch (Lima, Perú). Ha
impartido clases de diferentes materias de fotografía en diversas instituciones: Universidad
de la Comunicación (Ciudad de México), Universidad Autónoma de Querétaro, Escuela
Activa de Fotografía, Universidad del Valle de México y Universidad Anáhuac (Querétaro).
Elizabeth de Jesús (1978)
Actualmente cursa la maestría en Artes Visuales en la UNAM, desarrollada sobre todo en
los campos de la pintura y la gráfica. Su obra ha sido exhibida en múltiples exposiciones
individuales y colectivas en México y el extranjero. Las más destacadas recientemente son:
la exposición individual Materia oscura (Museo Pedro Coronel, Zacatecas, México) y las
exposiciones colectivas Creación en movimiento (beca Jóvenes Creadores del FONCA,
Antiguo Colegio de San Ildefonso, Ciudad de México) y Shaped in Mexico (Londres,
Inglaterra). Ha sido acreedora también de premios, apoyos nacionales y residencias
Moisés Jácome Arévalo (1983)
internacionales, de entre las que sobresalen el Premio Nacional de Adquisición Bienal de
Licenciado en Artes Visuales por la FAD-UNAM. Su producción e investigación se enfoca
Pintura Pedro Coronel, la beca Jóvenes Creadores del FONCA (en tres emisiones), y una
sobre todo en el área de pintura. Es profesor de Dibujo en la carrera de Artes y Diseño
de la FAD-UNAM. Ha participado en diversas exposiciones colectivas y tiene numerosos
residencia en el Centro Banff (Alberta, Canadá). Actualmente su obra forma parte de varias
colecciones privadas y públicas, así como de distintas publicaciones.
reconocimientos, entre los que destacan el Premio de adquisición en el Primer Concurso
de Pintura Profesional Royal Talens y mención honorifica en la III Bienal de Pintura Pedro
Coronel. Actualmente cursa la maestría en Artes Visuales en la UNAM, con el proyecto de
investigación Ciudades de la ciudad.
Abraham Jiménez (1977)
Licenciado en Diseño Gráfico por la Universidad Iberoamericana (campus Santa Fe,
Ciudad de México). Formó parte del Seminario Arte Contemporáneo en la ENAP-UNAM.
Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en la República mexicana, Estados
Paulina Jaimes (1986)
Unidos, Canadá, Europa y Sudáfrica. Su trabajo ha sido reconocido al ser seleccionado en
Inició sus estudios en el Centro de Educación Artística (CEDART) Frida Kahlo. Posteriormente
varios certámenes nacionales de artes plásticas, como la III Bienal Nacional de Pintura y
tomó cursos en la Escuela de Arte Van Gogh, impartidos por la maestra Luz García
Ordóñez; cursó la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en la ENPEG “La Esmeralda”.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas: Volverse otro (Museo Nacional de la
Máscara, San Luis Potosí), Sombras (Centro Cultural Eje, en la colonia Narvarte) y La muerte
niña: Day of the Dead (National Museum of Mexican Art, Chicago). Su primera muestra
Grabado Alfredo Zalce (Michoacán), I, II y III Bienal Internacional de Arte Visual del Museo
de Arte Contemporáneo (Ateneo de Yucatán; MACAY; Mérida), la I Bienal de Pintura Pedro
Coronel (Templo de San Agustín, Zacatecas) y la XIV Bienal de Pintura Rufino Tamayo
(Ciudad de México). En reconocimiento a su trabajo se le otorgó la beca Jóvenes Creadores
del FONCA, desarrollada en torno a la figura humana. Trabaja su obra por series.
individual (Síntomas de un cuerpo presente) se exhibió en el Museo del Pueblo (Guanajuato).
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
Federico Kampf (1981)
como impresor de grabado en el Taller Giorgio Upiglio (Milán, Italia). Su trabajo siempre
Licenciado en Derecho y Filosofía por la Universidad Panamericana y maestro en Derecho
ha estado ligado a la pintura figurativa, y gracias a la estancia de investigación en la
por la misma universidad. Diplomado en Técnicas y Materiales en la Academia de San
Carlos, y diplomado en Dibujo en la misma institución. Realizó estudios de Cinematografía
en la Asociación Mexicana de Cineastas Independientes, diplomado en Narrativa por el
Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), diplomado en Guionismo por
Accademia di Comunicazione (Milán, Italia) y la estrecha colaboración con el artista Marco
Cadioli, desarrolló el proyecto Paisajes de lo virtual, sobre la relación de la pintura y los
videojuegos. Por medio de esta disciplina escudriña dentro de sus obsesiones hasta lograr
expandir la percepción del mundo que lo rodea.
la misma institución. Cuenta con más de 100 obras pictóricas y ha participado en más de 30
exposiciones colectivas e individuales. Ha realizado murales en La Habana (Cuba), Ciudad
de México, Nopala, Hidalgo y Tepotzotlán (Morelos). Ha recibido diversos premios por sus
obras en pintura y en cine. Es miembro honorario en el área de arte y cultura del Sindicato
Nacional del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).
Camilo Londoño Hernández (1991)
Artista y diseñador independiente radicado en Medellín (Colombia). Comunicador socialperiodista de la Universidad Pontificia Bolivariana (Colombia). Forma parte del Colectivo
Somos Fotógrafos (Medellín, Colombia). Las preocupaciones de su trabajo están enfocadas
a la creación de la imagen en diferentes lenguajes, en especial la fotografía y la literatura.
Sergio Koleff (1969)
De su investigación La imagen fotográfica y literaria en la obra de Juan Rulfo se desprendió
Tiene estudios de licenciatura y maestría en Artes Visuales en la ENAP-UNAM. Cuenta con
el proyecto Transmutaciones, desarrollado con el apoyo de la Secretaría de Relaciones
17 exposiciones individuales y más de 60 colectivas en la República mexicana, Estados
Unidos y Cuba. Ha sido becado por Sur proyectos de Arte Contemporáneo y formó parte
de los artistas de la Galería Pi en México-Santa Fe. Tiene reconocimientos por selección
de obra en concursos y bienales nacionales; destaca un Premio Único de Adquisición en el
Primer Concurso de Pintura Histórica Mexicana.
Respecto a otras actividades artísticas ha realizado accesorios, pintura y escultura escénica
para proyectos cinematográficos y obras teatrales. Ha realizado trabajos de ilustración
Exteriores (SRE) de México, gracias a una beca de creación otorgada por AMEXCID. Expuso
individualmente su proyecto Fragmentos en La Casa de El Hijo del Ahuizote (Ciudad de
México). Asimismo ha participado en exposiciones colectivas, donde destacan: El registro
de las horas, conciencias del fotógrafo (Galería de Diseño de la UPB, Medellín, Colombia;
en Cubafoto, Galería La Rampa, La Habana, Cuba), Devenires, caminos y encuentros con la
mujer (Café Galería Atenéo Medellín, Colombia), y Pantalla Global, en San Telmo, Museo
San Sebastián (España) con el video Distopía.
para la UNAM, portadas de libros de ciencia y diseño. También ha dado conferencias
en institutos y universidades, así como publicado artículos literarios y análisis críticos en
revistas impresas, digitales, y un libro editado por la UAM-Xochimilco. Actualmente es
profesor en la FAD-UNAM, en el posgrado en Artes y Diseño.
Guianeya Marín (1974)
Comenzó sus estudios de Artes Plásticas de manera formal en la Escuela de Educación
Artística núm. 3 del INBA. Es egresada de la ENPEG “La Esmeralda”. Desde hace varios años
se desempeña en la producción plástica y la docencia de manera independiente. Colabora
Jonas Lerin Ridone (1984)
Dedicado profesionalmente a la pintura desde que terminó sus estudios de licenciatura
en Artes Visuales en la Universidad de Guanajuato. Siente gran responsabilidad al crear
y manipular la realidad con imágenes bidimensionales. Ha trabajado con otros artistas
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en la organización y realización de diversos eventos culturales. Recientemente participó en
la I Bienal Universitaria de Arte y Diseño de la UNAM, así como en una exposición colectiva
en Fukushima (Japón). Fue acreedora del segundo lugar en la Bienal de Arte Sacro de
Monterrey (Nuevo León).
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
Coral Medrano Ortiz (1985)
Diseño del Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte de la Universidad Autónoma de Ciudad
Licenciada en Diseño y Comunicación Visual por la UNAM. Actualmente trabaja como
Juárez (UACJ). Forma parte del Sistema Nacional de Investigadores de México (SNI-1)
diseñadora e ilustradora de revistas independientes. Estudia la maestría en Diseño Editorial
en el posgrado de Artes y Diseño de la UNAM.
Darío Meléndez (1985)
Licenciado y maestro en Artes Visuales por la FAD-UNAM. Ha tomado cursos en el 17
Instituto de Estudios Críticos y en el CC Border. Sus proyectos más relevantes son Símbolo
desde 2008. Es autora de dos monografías, como Gráfica contemporánea (UACJ); ha
coordinado otros siete libros de gráfica contemporánea y cuenta con diversos artículos de
investigación, capítulos en libros y reseñas críticas para otros artistas. Como artista visual,
trabaja con gráfica contemporánea y el diseño editorial alternativo. Fue miembro fundador
del Grupo Artístico Internacional MEETA, y ha participado en más de 60 exposiciones
en museos, universidades, galerías y salas en España, México, Italia, Polonia, Taiwán y
Venezuela. Su obra ha sido difundida en más de 30 catálogos.
descarnado, Tilma porca y Divino rostro. Ha presentado obra en el Festival Internacional de
Arte y Arquitectura Mextrópoli, en la Muestra Homenaje a Carlos Nakatani en la Fundación
Sebastián, y la ha publicado en la revista BEX Magazine (Argentina) y el Fondo Editorial
Tierra Adentro. Entre las distinciones obtenidas están la selección de obra en el Hong
Kong Graphic Art Fiesta, selección de obra en el XXXIII Encuentro Nacional de Arte Joven
y selección de obra en la VI Bienal Internacional de Arte Visual Universitario. Actualmente
Víctor Manuel Monroy de la Rosa (1956)
Licenciado y maestro en Artes Visuales por la FAD-UNAM. Ha sido profesor del INAH,
de la Secretaría de Educación Pública (SEP) y de la UNAM. Ha impartido distintos cursos
en diversas universidades —como la Universidad Autónoma de Sinaloa—, y de Hidalgo y
es doctorando en Artes y Diseño por la FAD-UNAM, y está a cargo del Taller de Dibujo y
Veracruz, entre otras.
Multidisciplina de la maestría en Artes Visuales de la FAD.
Ha participado en exposiciones colectivas como El olor de tiempo abonado de versos
(Museo Guillermo Spratling, INAH, Taxco, en Guerrero), Contrastes (Instituto Veracruzano
Carmen Mendoza (1984)
Estudió la licenciatura en Artes Plásticas en la ENPEG “La Esmeralda”. Actualmente es
becaria del Programa Jóvenes Creadores del FONCA, y maestrante en Artes Visuales por
la FAD-UNAM. Su obra es representada por la Galería Fifties Art México. Su experiencia
como tallerista incluye instituciones como la ENPEG “La Esmeralda”, El Centro de la Imagen
y La Escuela Activa de Fotografía. Su obra ha sido presentada en exposiciones individuales
y colectivas, en instituciones como el Cenart, el Centro de la Imagen, la UNAM, y el Centro
Cultural Latinoamericano en Breslen (Alemania).
Hortensia Mínguez García (1979)
Nació en Valencia (España). Licenciada en Bellas Artes y doctora cum laude por la Universidad
Politécnica de Valencia. Profesora de tiempo completo (PTC-1) en el Departamento de
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de Cultura), Caminos de plata (SECOFI, Ciudad de México) Medidas extremas (Foto
Noviembre, Fundación Caguayo, La Habana, en Cuba y Centro Cultural Juan Rulfo), Washi
Zoo Kei (Setagaya, Japón), Bárbaros contemporáneos (Insignias finiseculares, Cenart),
Encuentro y exposición México-Puerto Rico (San Juan de Puerto Rico), XVI Certamen de
Fotografía Villa de Mutxamel (Ayuntamiento de Mutxamel, España), Señales, gráfica digital
monumental (Burdeos, Francia), Huellas (Pesac, Francia) y Prescencias (MUCA-UNAM). Ha
publicado varios libros, entre los que se encuentran La leyenda de San Carlos, Entre cúpulas,
zona de depresión santísima y Conocimientos fundamentales para la formación artística.
Víctor Mora (1971)
Es miembro del Sistema Nacional de Creadores, maestro en Artes Visuales por la ENAPUNAM, y doctorante en Imagen Arte Cultura y Sociedad, UAEM. Cuenta con más de 15
exposiciones individuales en México y el extranjero. Ha participado en varias exposiciones
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
colectivas, salones y bienales en América, Europa y Oriente. De sus reconocimientos
México Contemporáneo) y Paisaje en transformación (Museo Anahuacalli-Diego Rivera).
destacan Primer lugar en Pintura, Premio EXATEC (Monterrey, Nuevo León), Premio
Colectivamente destacan las exposiciones: Réplicas. El imaginario colectivo del sismo
Realización Escultura, Jardín Escultórico Bicentenario Alameda (Guadalajara), mención
de 1985 (Museo de la Ciudad de México), Sur Polar V (Museo del Agua, Buenos Aires,
honorifica en la V Bienal Alfredo Zalce (Museo de Arte Contemporáneo), Bienal Rufino
Argentina), y El milenio visto por el arte, la cual ha sido presentada en diversas ciudades
Tamayo (Museo de Arte Contemporáneo), mención honorifica en la IV Bienal del Pacifico
dentro de la República mexicana.
Paúl Gauguin. Su obra se encuentra en varias colecciones, destacando Museo de Arte
Moderno (Cartagena, Colombia); Museo de SHCP, Antiguo Museo del Arzobispado Ciudad
de México), Colección Pueblo de Jalisco (Museo Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara,
Jalisco), CONARTE (Monterrey, Nuevo León).
Isabel Moreno (1985)
Antonio Nieto (1984)
Doctor en Artes y Diseño por la FAD-UNAM. Ha participado en la realización de diez
murales en México y en el extranjero, en diversos e importantes recintos. Dirigió y diseñó el
mural de la Academia de San Alejandro en La Habana (Cuba). Cuenta con tres exposiciones
individuales y ha participado en más de una veintena de muestras colectivas. Su obra ha
Artista visual. Programa de posgrado en Artes y Diseño: Fotografía, FAD-UNAM. Su trabajo
sido seleccionada en diversos certámenes y pertenece a colecciones privadas en México,
creativo gira en torno al cuerpo, asumido como el ente biológico que nos conecta con el
España y Cuba. Ha impartido cátedra en el Programa de Posgrado de la FAD-UNAM, así
mundo, con los otros, la instancia primera que nos permite esgrimir nuestra bandera como
como múltiples talleres en la Academia de San Carlos.
sujetos y llevar a cabo todas las otras facultades que nos constituyen como seres humanos:
pensar, crear, sentir. El ancla que marca nuestras diferencias, nuestros límites y nuestras
libertades como individuos. El cuerpo como sujeto de identidad, de emociones y afectos.
Explora el cuerpo a partir del fragmento, en un afán por conocerse y reconocerse a sí
misma y al otro. Propone nuevas configuraciones, cuerpos en metamorfosis, que se hacen
más presentes o se desvanecen, que dejan huellas y evocan a la memoria. Exposiciones:
Folia (Segunda Feria Internacional de Libro de Artista, MURA, Guadalajara, Jalisco),
Habitar la piel (CCMC, Ciudad de México), Segunda Muestra de Libros de Artista MUAC
(UNAM), Fiesta del Libro y la Rosa, Galería Fotográfica Participativa Atrio de San Francisco,
Cecilia Noriega (1982)
Egresada de la ENPEG “La Esmeralda”. Es una artista multidisciplinaria. Ha participado en
diversas exposiciones colectivas nacionales e internacionales, y ha recibido reconocimientos
como la residencia en Art Hub Abu Dhabi, mención honorífica en el Festival Cultural de
Zacatecas por el video performance Ordenanzas para las reclutas. Ha sido cocuradora de
las exposiciones Los años maravillosos, exhibida en el CENART, en la Galería Alternativa
A/B, Artentadosimulado Aeropuerto de la Ciudad de México, Salas Oficiales Terminal 1 y
organizada por la Fundación del Centro Histórico y el Colectivo Metamorfosis Urbana.
2, junto con los curadores Carlos Aranda Márquez y Eloy Tarcisio, respectivamente.
Diego Narváez Herrasti (1984)
Cuitláhuac Oropeza Alcántara (1977)
Licenciado en Artes Visuales por la FAD-UNAM. Ha recibido el apoyo del Programa
Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales
Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones. Obtuvo mención honorífica en la VIII
Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce. Formó parte de la residencia artística
en Bases Antárticas Argentinas y en Centro Hafnarborg y HEIMA (ambas en Islandia).
de la UNAM. Actualmente cursa la maestría en Diseño y Comunicación Visual de la FADUNAM; colabora en la actualización de la página web en el Archivo Histórico de la UNAM
(AHUNAM) y en el departamento de difusión de la misma institución.
Ha presentado las exposiciones individuales Visiones de lo inefable (Centro Cultural del
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
Amalia Ospina Palacios (1987)
Beatriz Parra (1992)
Maestra en Diseño y Comunicación Visual de la Facultad de Artes y Diseño (FAD) de
Estudió la carrera de Artes Visuales en la FAD-UNAM; formó parte del Taller 125 Seminario
la UNAM; licenciada en Comunicación Social por la Universidad Central de Ecuador.
de Pintura Contemporánea del maestro Ignacio Salazar y la maestra Diana Salazar. Ha
Actualmente reside en México; trabaja como periodista independiente y colabora en
participado en varias exposiciones colectivas, como La autonomía del dibujo (Galería
medios de comunicación alternativos y populares.
Autónoma de la FAD) y La mujer de 60x60 (Galería Antonio Ramírez, de la FAD, y el MUCA,
CU). Su trabajo gira en torno a la monocromía vista como una exploración pictórica, y el
Elsa Oviedo (1983)
Creadora multimedia. Egresada de la maestría en Artes Visuales de la FAD-UNAM y de la
dibujo como apoyo a su lenguaje plástico.
licenciatura en Ciencias y Técnicas de la Comunicación de la UNIVA. Realiza obra multimedia
Jorge Pasmiño Yáñez (1953)
e instalación. Su primera exposición individual (El errror de la máquina) fue exhibida en
Nació en Traiguén (Chile). Es licenciado en Artes, mención Pintura, Escuela de Artes, Pontificia
diversas sedes, entre las que destaca el Exconvento del Carmen (Guadalajara, Jalisco).
Universidad Católica de Chile. Profesor de Artes Plásticas en la Pontificia Universidad Católica
Su pieza Prototipo para un incentivador sonoro. Ejercicios diafragmáticos 1, es parte de
de Chile. Fue alumno de José Balmes y Gonzalo Cienfuegos. Estudió la maestría en Artes
la exposición colectiva itinerante Creación en Movimiento del FONCA, inaugurada en el
Visuales en la ENAP-UNAM. Inicialmente Enrique Eiler influyó en su trabajo e interés por
Centro de las Artes de San Agustín (Oaxaca). Con A prueba de fallos obtuvo mención
la fotografía. Actualmente es docente en la Universidad de Concepción (Chile). Dentro de
honorífica en la I Bienal Universitaria de Arte y Diseño de la UNAM, y fue expuesta en
sus exposiciones individuales destacan de fotografía y pintura: Viaje hacia una experiencia
la Academia de San Carlos (Ciudad de México). Ha colaborado con la compañía teatral
suprasensible, en Congreso XVI El Viejo Mundo y el Nuevo Mundo en la Era del Dialogo,
Neurodrama y con Espiral, Creatividad y Encuentro Social, A.C. Fue becaria PECDA y
organizado y patrocinado por el Centro de Estudios Latinoamericanos (CEL), Universidad de
recibió el apoyo Proyecta Jalisco. Con los proyectos Inspiración/Espiración y Punto y coma,
Ankara (Turquía); Espacios-Ausentes (Museo Nacional de Bellas Artes, Sala Mall Talcahuano),
fue becaria de Jóvenes Creadores del FONCA y PAPIAM, del CENART, respectivamente.
Efecto colateral (Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina). Artistas del acero
(Concepción, Chile); Pinacoteca Universidad de Concepción (Concepción, Chile), entre otras.
Brenda Pacheco (1991)
Realizó estudios de licenciatura en Artes Visuales en la FAD-UNAM con orientación en
Alberto Penagos (1988)
Estampa y Dibujo. Forma parte del Programa de Intercambio Estudiantil de la UNAM y
Formado con el pintor Jesús Aguirre. Ha participado en diversas exposiciones, entre las
cursa un semestre en la Universidad Laval (Quebec, Canadá). Fue seleccionada en la II Bienal
que destacan Nuevos valores IV, Premio de Dibujo Antonio del Rincón (Madrid, España);
Internacional de Grabado y Estampa José Guadalupe Posada y en la Tokyo International
Otra realidad, con maestros internacionales como Eduardo Naranjo y Dino Valls, así como
Mini-Print Triennial (Tokio, Japón). Ha participado en diversas exposiciones colectivas
la exposición individual Violence Against Women en el Museo de la Ciudad de Cuernavaca.
dentro y fuera del país. Actualmente labora como docente en Historia del Arte y Dibujo
Fue invitado a participar en la realización de los murales Siete crímenes mayores, que forman
en el Instituto Salesiano Don Bosco, nivel medio superior; asimismo es voluntaria en el
parte del acervo del máximo tribunal mexicano (Suprema corte de Justicia de la Nación;
Programa de Mediación Educativa del Museo Jumex.
SCJN), encomendados al pintor Rafael Cauduro. Su obra ha sido promovida en galerías de
México y España, y forma parte de importantes colecciones (como la del galerista Guillermo
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
Sepúlveda). Ha sido publicado en diversas ocasiones; fue galardonado con una beca en la
de fibras naturales, polímeros y bio-arte. Docente universitaria de Historia del Arte y Dibujo
Barcelona Academy of Art por su participación en el Certamen de Retrato Modportrai en
Artístico. Trabajó nueve años en la Escuela de Arte y Diseño de la UTPL (Ecuador).
Madrid, y recientemente fue seleccionado en el Certamen de Pintura y Escultura Figurativas
15 MEAM (Barcelona,). Es miembro activo de la Fundación Arcilla (Madrid).
Daniela Peña Ibarra (1976)
Wuero Ramos (1979)
Realizó estudios de posgrado y licenciatura en Artes Visuales en la ENAP-UNAM. Obtuvo
el Tercer Premio de adquisición en la IV Bienal de Pintura Pedro Coronel (Zacatecas) y
Diseñadora gráfica egresada de la ENAP-UNAM. Formó parte del Laboratorio de
el Primer Premio de Pintura Royal Talen’s (Ciudad de México). También obtuvo la beca
Experimentación de Diseño en el Centro Multimedia. Ha colaborado en distintos proyectos
Jóvenes Creadores del FONCA. En 2014 participó en el proyecto La poesía vista por el
con artistas como Alfredo Salomón, Ricardo Cuevas y Eusebio Bañuelos, con quien realizó
arte (Grupo Milenio). Individualmente expuso en la FES-Iztacala, UNAM, en la Fundación
el libro Cuerpo experimental transmutativo. También trabajó con Eduardo Meléndez en la
Sebastián y en la Galería La Plastika. Ha participado en diversos certámenes (como en
realización de los gráficos de la pieza interactiva Flor. Ha tomado cursos interdisciplinarios:
la I, II, III y IV Bienal de Pintura Pedro Coronel; VI Bienal de Artes Visuales Yucatán; IV
La Curaduría como Interpretación, con Carmen Cebreros Urzaís; Taller de Videoarte, con
Bienal de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, donde recibió mención honorifica, y en la X y
Ximena Cuevas; Por un Materialismo Digital, con Juan Pablo Anaya, y User Experience
XI Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera). También participó en el XXV y en el XXVIII
& Usability para medios interactivos. Actualmente trabaja en la empresa de museografía
Encuentro Nacional de Arte Joven; recibió mención honorifica en ambos encuentros. La
Margen Rojo. Formó parte del Medialab, del Centro Multimedia, con el proyecto Destino:
Galería Aldama Fine Art publicó El misterio de la tristeza, vanidad y paisaje en la obra del
post-pink, post-punk, teniendo como asesor a Alejandro Magallanes.
Wuero Ramos, Grupo Editorial Formato.
Leonardo Pliego Eguiluz (1985)
Kristin Reger (1984)
Licenciado en Comunicación por la UNAM; ha tomado cursos de Fotografía en el Claustro de
Nació en Chicago, Estados Unidos. Maestra en Artes Visuales por la FAD-UNAM, y ha
Sor Juana, Cámara Lúdica, Centro Activo Freire, Gimnasio del Arte, Cultura Colectiva. Cursó
participado en el Programa Educativo SOMA (Ciudad de México). Se graduó en la licenciatura
el Seminario de Fotoperiodismo Digital en la revista Proceso. Su obra gráfica y escrita se ha
en Arte, Diseño y Español en la Universidad DePaul (Chicago). Es una artista visual con
publicado en diversas revistas, catálogos y periódicos de circulación nacional. Fue becado por
formación en textiles y teoría de la moda. Trabaja con varios medios, como instalación,
la World Press Photo para cursar el diplomado en Fotonarrativa en la Fundación Pedro Meyer.
performance y video. Le interesa manipular apariencias para distorsionar realidades, y el
Actualmente estudia la maestría en Investigación en Diseño y Comunicación Visual en la FAD-
artificio como intervención natural al cuerpo. Su obra trabaja el vestuario con múltiples
UNAM. Además imparte la asignatura de Fotografía y Diseño Editorial en la FES-Acatlán, UNAM.
posibilidades performáticas a través de la experimentación con la construcción de diversas
prendas, saturación del material, relaciones contextuales y sistemas de movimientos. Sus
María Gabriela Punin Burneo (1979)
Estudiante del cuarto semestre del doctorado en Arte y Diseño en la FAD-UNAM. Maestra en
Artes Visuales de la misma institución, con mención honorífica. Diplomado en Artes Visuales
exhibiciones recientes incluyen proyectos en Recess New York, Textile Arts Center Brooklyn,
The Institute of Contemporary Art Boston, The Museum of Contemporary Art Chicago,
además Casa Maauad, en la Ciudad de México. Vive y trabaja en la Ciudad de México.
por la UNAM. Licenciada en Arte y Diseño por la UTPL (Ecuador). Investigadora en proyectos
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
Marisol Rojas (1986)
Oaxaca, gracias a programas de investigación como la beca de Formación de Profesorado
Licenciada en Artes Visuales por la FAD-UNAM. Desarrolla mayormente las disciplinas de
Universitario (Ministerio de Educación de España) y el Programa de Ampliación de Estudios
Estampa y Pintura. Realizó una residencia de intercambio académico en la Facultad de
Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia (España), especializándose en dibujo,
animación 2D, restauración de pintura de caballete, pintura mural y arte contemporáneo.
Obtuvo una estancia en The Art Students League of New York, con enfoque en pintura de
caballete y color. Ha tomado diversos cursos de Pintura sobre fondo de oro, Fotolitografía,
Litografía en seco, Manera negra en la Litografía, Grabado en madera, y Dibujo y Técnicas
pictóricas. Fue seleccionada en el Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada,
en la VII Bienal Nacional Alfredo Zalce, y en el Mail-Art Project del Florean Museum
(Rumania). Su obra más representativa es la que deriva del trabajo de investigación de
las nuevas técnicas y procesos aplicados a la litografía tradicional. Actualmente investiga
Artísticos y de Gestión Cultural Fulbright Commission/Ministerio de Cultura de España. Ha
impartido clases en la Universidad Politécnica de Valencia, el posgrado de Artes y Diseño
de la FAD-UNAM y es profesora de tiempo completo de la Universidad Autónoma de
Chihuahua. Tanto su producción artística como su línea de investigación están centradas
en las publicaciones de arte contemporáneo. Ha publicado las monografías Un jardín de
invierno y La puesta en escena del libro. Cuenta con seis exposiciones individuales y treinta
exposiciones colectivas, presentadas en España, México, Reino Unido, Dinamarca, Japón,
Taiwán, Kenia y Estados Unidos. Su obra se encuentra en las colecciones de la Biblioteca
Nacional de España, Taiwán Museum of Art, FAD-UNAM y el Instituto de Artes Gráficas de
Oaxaca, entre otras.
nuevas técnicas y procesos de impresión.
Erick Saucedo (1991)
Rocío Romero Hernández (1978)
Egresado de la licenciatura en Artes Visuales y el diplomado en Historia del Arte Mexicano
Doctora en Artes con mención honorífica por la UNAM. Cuenta con más de 40 exposiciones
dentro de la División de Educación Continua de la FAD-UNAM (plantel Xochimilco y Academia
colectivas en diferentes lugares de México y Estados Unidos, y con tres exposiciones
individuales: Reminiscencias (pasillo principal, estación Metro Pino Suárez, Ciudad de
México), Evocaciones alternas (Facultad de Química, UNAM) y Alteridades (Centro Cultural,
Donceles 66, Ciudad de México). Fue asistente del maestro Luis Nishizawa y ha impartido
más de 50 cursos de manera individual en diversas partes de México y el extranjero. Realizó
de San Carlos, respectivamente); formó parte del Seminario de Pintura Contemporánea a
cargo del maestro Ignacio Salazar y la maestra Diana Salazar. En esta misma institución
realizó su servicio social en el programa Formación en Docencia e Investigación en Artes
Visuales y Diseño y Comunicación Visual, apoyo a la docencia y en la materia de Dibujo
3 y 4 impartidas por Francisco Castro Leñero. Seleccionado para la XI Bienal de Pintura
la restauración del bambalinón y la escenografía originales del Teatro Juárez (en la ciudad
Joaquín Clausell en San Francisco de Campeche (Campeche).
de Guanajuato). Ha sido seleccionada en la V Bienal Internacional de Cerámica del Cairo
También participó en diversas exposiciones colectivas en diferentes zonas y centros
(Egipto), recibió mención honorífica en el Concurso de Dibujo Homenaje a Juan García
culturales de la Ciudad de México como el Museo de Arte Carrillo Gil Parámetro, la Galería
Ponce y colaboró con la revista Vértigo en Ilustración.
Luis Nishizawa de la Facultad de Artes y Diseño en La mujer de 60x60, y el MUCA de
Ciudad Universitaria.
Ángela Sánchez de Vera Torres (1977)
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Nació en Madrid (España). Doctora en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia.
Benjamín Valdés Álvarez (1983)
Ha realizado estancias de estudio, investigación y producción artística en la Universidad
Licenciado en Artes Visuales por la ENAP-UNAM. Ha participado en varias exposiciones
de Nagoya (Japón), el Centro Kuona Trust (Kenia) y el Instituto de Artes Gráficas de
colectivas tanto en México como en el extranjero, entre las que se encuentran Border
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
hop, en The Urban Institute for Contemporary Arts de Grand Rapids (Michigan, Estados
Allan Villavicencio (1987)
Unidos), En torno a la obra, en TACO Talleres de Arte Contemporáneo (Ciudad de México),
Cursó la licenciatura en Artes Visuales en la ENAP-UNAM. Ha participado en diversas
Jeune Création, en la Galería Memoire de l’Avenir de París (Francia), XVI Bienal Tamayo,
en el Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo. Participó en las bienales VI, VII y IX
de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce
(Morelia), recibiendo mención honorífica en la VI emisión. Entre sus exposiciones individuales
destacan Museum of Accident, realizada en The Banff Centre (Canadá), De la imposibilidad,
en la Galería Libertad (Querétaro) y Hélix aspersa, en la Universidad Pedagógica Nacional.
Ha sido beneficiario del Programa Jóvenes Creadores del FONCA y del Programa de
Residencias Artísticas FONCA-CONACULTA en The Banff Centre (Canadá).
exposiciones individuales y colectivas, de las que destacan Ergos Panoptes/Marco Arce
(Museo de Arte Carrillo Gil); XVI Bienal Rufino Tamayo (Museo Internacional de Arte
Contemporáneo Rufino Tamayo); México-Paris: Jeune Création, Espace Interculturel,
Mémoire d ´Avenir (Université Paris III, Sorbonne, Nouveau Centre Censier París, Francia),
XXXIV a 100 años: Una visión contemporánea (Museo Universitario de Ciencias y Artes
MUCA, Ciudad de México). Fue seleccionado para participar en el Programa Jóvenes
Creadores del FONCA, en la disciplina Pintura. Galardonado con mención honorífica en
la Bienal Nacional Nómada (Veracruz), Encuentro Nacional de Arte Joven, con el Premio
de adquisición (Aguascalientes), así como mención honorífica en Pintura en la V Bienal
Branli Vázquez Marrero (1988)
Yucatán (Mérida, Yucatán).
Graduado de la Academia Profesional de Artes Plásticas José Joaquín Tejada (Santiago de
Cuba). Realizó estudios en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Actualmente radica
Verónica Villegas (1989)
en México y está por concluir la licenciatura de Diseño de la Comunicación Gráfica. Desde
Licenciada en Artes Visuales por la UNAM. Cursa la maestría en Artes Visuales en la Academia
hace unos años desarrolla su producción artística y ha expuesto individual y colectivamente
en diversos países. Desde 2012 forma parte del Colectivo KI.
de San Carlos, donde se enfoca a desarrollar investigaciones de índole teórica y práctica. Su
producción artística se centra en la representación de espacios sagrados y alegorías basadas
en mitos e iconografías de múltiples religiones como una reflexión entre el contexto cultural
Lucía Vidales (1986)
Maestría en Artes Visuales por la UNAM. Realizó una estancia de investigación en pintura
en el posgrado de la Universidad Complutense de Madrid. Licenciada de Artes Plásticas y
Visuales por la ENPEG “La Esmeralda”. Fue becaria de Jóvenes Creadores por el FONCA
en Pintura. Obtuvo Premio de adquisición en el XXIII Encuentro Nacional de Arte Joven
(Aguascalientes). Fue seleccionada en la Bienal Alfredo Zalce y Primer Premio Arte Lumen,
latinoamericano y los arquetipos formados por el inconsciente colectivo por medio del dibujo.
Fue invitada para realizar una estancia de investigación en el Departamento de Historia del
Arte en la Universidad de Hamburgo (Alemania), donde también realizó muestras de dibujo
en cooperación con el Consulado Mexicano Honorario en Hamburgo y el Instituto Cervantes
para promover la cultura y las artes de hispanoamérica en Alemania. Actualmente reside en
la Ciudad de México para concluir su tesis de maestría sobre Neo Rauch.
entre otros. Ha expuesto individualmente en tres ocasiones y participado en más de 30
exposiciones colectivas en México, España, Japón, Hong Kong S.A.R., China, Estados Unidos,
Sol de María Zamora Corona (1982)
Buenos Aires y Berlín. Ha participado como docente de Pintura y Artes Plásticas. Es autora
Artista visual, egresada de la FAD-UNAM. Trabaja en distintos medios, principalmente
de artículos en libros, revistas y publicaciones independientes y arbitradas; ha impartido
ponencias nacionales e internacionales en torno a la pintura y el mural. Su obra forma parte
de colecciones particulares y del Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes.
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escultura, instalación, dibujo y arte sonoro. Explora en ellos los puntos de encuentro entre
los procesos de reflexión filosófica y producción artística. Entre sus exposiciones destacadas
se encuentran This is the night, instalación individual en el bosque de La Haya (Holanda),
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
ACERCA DE LOS AUTORES
Gabinete gráfico, colectiva de dibujo en el Museo Carrillo Gil, y la selección en la I Bienal
y es miembro del colectivo De-signo y del proyecto Pasarse de la raya; obtuvo mención
de Artes y Diseño de la UNAM, en la categoría de instalación, con la pieza Esa única noche
honorífica en el Concurso de Pintura Dale una Pincelada a tu Corazón, y pertenece al Taller
de estrellas propias.
de Producción de Pintura 125 de la FAD. Tiene particular interés en el desarrollo de talleres
y mediación dentro de la institución museística.
De-signo: Origen y destino de la forma visible (Hiram Espinosa, Sebastián Montes,
Paola Pola)
Hiram Espinosa (1985)
Estudió en la ENAP-UNAM, así como en el Taller de Dibujo de Aureliano Sánchez Tejeda.
Estudia en la Academia de Bellas Artes Pietro Vannucci (Perugia, Italia); en la Cátedra de
Pintura de Sauro Cardinali; en la Cátedra de Pintura de Gianni Sani y Lucilla Ragni; en el
Taller de Fotografía de Antonio Todini; en la Cátedra de Historia del Arte de Aldo Iori
y Alberto Ausoni; en la Cátedra de Emidio de Albentiis; Cátedra de Fenomenología del
Arte Contemporáneo de Paolo Nardon. Licenciado en Artes Visuales y Disciplinas del
Espectáculo por la Academia de Bellas Artes de Perugia (Italia). Mención honorífica por la
tesis de investigación “Visiones de gigantes. Realidad, imaginación y contemplación entre
Caravaggio y Picasso”. Cursa la maestría en Artes Visuales en la FAD-UNAM; forma parte
del Seminario y Taller de Producción de Pintura Contemporánea de Diana e Ignacio Salazar.
Sebastián Montes (1992)
Creador visual, apasionado por el conocimiento, devoto de la educación. Estudió Artes
Visuales en la FAD-UNAM e Ingeniería Mecatrónica en la Universidad Panamericana, con
especialización en sistemas de control (retroalimentados). Actualmente es miembro activo
de los colectivos De-signo (Dibujo) y Capulín (Xilografía). Imparte clases de tiro con arco,
así como de dibujo, a todas las edades.
Paola Pola (1991)
Licenciada en Artes Visuales por la FAD-UNAM. Ha participado en diversas exposiciones
colectivas, presentando estampa en el Museo Dolores Olmedo, en la Galería Luis Nishizawa
de la antes ENAP, y en el Noveno Corredor Cultural Roma-Condesa, entre otros. En la
disciplina de Dibujo ha mostrado su trabajo en el Centro Cultural Mexiquense Bicentenario,
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Galerías de la Antigua Academia de San Carlos
CRÉDITOS
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CRÉDITOS
Facultad de Artes y Diseño
Directora de la FAD
Dra. Elizabeth Fuentes Rojas
Secretario General
Mtro. Santiago Ortega Hernández
Corrector de Estilo
Lic. Rubén Cortez
Museografía
Tres Punto Uno Solutions S.A. de C.V.
Jefe de Taller
Arturo López Cruz
Secretario Administrativo
M.A. Roberto Paz Neri
Técnicos
Daniel Contreras Arreola
Verónica Pérez Méndez
Delegación Administrativa
Ing. José Luis Dupinet Zetina
Diseño de Catálogo
Lic. Abigai Rojas Silva
Delegado Administrativo (Galerías de
la Antigua Academia de San Carlos)
Lic. Jorge Francisco Haro Castro
Coordinación Expográfica
Mtra. Gabriela Prieto Soriano
Lic. Celia Gallardo Pedroza
Lic. Gabriela Vilches Larrea
Diseño Museográfico
Mtra. Gabriela Prieto Soriano
Lic. Celia Gallardo Pedroza
Lic. Luis Enrique Portuguez Montiel
Asesor Museográfico
Dr. José de Santiago Silva
Diseño Gráfico
Lic. Abigai Rojas Silva
Lic. Luis Enrique Portuguez Montiel
Logística
Lic. Tania Ivett Arce Zarzoza
René Sánchez Morán
Servicio Social
Evelyn Michelle Soto Ríos
Ana Bertha Páez Hernández
Karla Ivett Bahena Martínez
Ricardo Lara Mata
AGRADECIMIENTOS
Coordinación de Colecciones
Dr. José de Santiago Silva
Lic. Angélica Valentino Muñoz
Departamento de Bienes y Suministros
FAD/AASC
Arq. Cristina A. Zepeda Guerrero
Departamento de Cómputo FAD/AASC
Lic. Gabriel Vega Gordillo
Apoyo Expográfico
Dra. Sandra del Pilar
Lic. Gerardo Alonso Ulloa
Biblioteca Posgrado en Artes y Diseño
Mtra. Georgina Yuriko Valdez Ángeles
Jefa de la Coordinación Editorial
Lic. Marisol G. Martínez Fernández
Jefa de Personal
Lic. Rosa Ma. Solís Cruz
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