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Vigías del Patrimonio
Festivalito Ruitoqueño de música colombiana
Patrimonio Cultural de Santander - Patrimonio Cultural de Floridablanca
Orgullo de Santander para Colombia
Notas con armonía N° 372
Boletín institucional de la Fundación Armonía con información cultural y de interés general
Bucaramanga, Santander, Colombia
12 años (2003-2015)
XXV Festivalito Ruitoqueño
de música colombiana
6 al 16 de agosto de 2015
Invitados especiales
Mamá Julia y los sonidos ambulantes
Ensamble Cruzao (Manizales)
(Cali)
Homenajeados
Por dedicar toda una vida a la música
Leonidas Ocampo Arboleda
Fernando Meneses Romero
Otros invitados:
El Barbero del Socorro, Septófono, Las Comadres de José,
Trapiche Molé, Ramiro Pilonieta con Leyenda y Folclor, Dueto Germán y Gustavo,
Kuisitambó, Idanis Paola Rueda, Silvia Viviana Rueda y Juan Carlos Mantilla.
26 grupos de adultos y 25 grupos de niños seleccionados mediante el proceso de
audición.
¡65 agrupaciones en tarima!
¡700 intérpretes!
Conciertos didácticos, conferencias,
Viernes
14
Sábado
15
Domingo
16
conversatorios, talleres
7:30 p.m.
2:00 p.m.
2:00 p.m.
El domingo iniciaremos a las 2:00 p.m. con la celebración de la Eucaristía por Monseñor Alberto
Alarcón Infante a quien acompañaremos en la celebración de sus 50 años de sacerdocio.
Valor de la boleta diaria: $30.000
Valor del abono por los tres días: $60.000
Es aconsejable que hagan sus reservaciones con tiempo, el cupo es limitado;
para tal fin pueden comunicarse con nosotros: cel. 3175102019 y
[email protected]
Carrera 19 N° 31-65 Piso 2 Salón 28 Teléfono 6331497 Celular 3175102019 [email protected] www.fundacionarmonia.org
Centro Cultural del Oriente Colombiano Bucaramanga, Santander, Colombia
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LISTA DE CLASIFICADOS
INTÉRPRETE VOCAL
1. Ana Sofía Quiceno Vásquez
2. Yenny Saldarriaga Morales
3. Ligia Esther Gilón
4. Guadalupe Giraldo Hincapié
5. Idanis Paola Rueda Osma
6. Leidy Belén Osorio Vásquez
7. Silvia Viviana Bautista Cáceres
8. Luisa Fernanda Cuervo
9. Jetzelly Pastrana
10. Dueto Hatogrande
11. Dueto Aura y Heidy
12. Dueto Cafecito y Caña
13. Ensamble Sine Nomine
Pereira - Risaralda
Medellín – Antioquia
Villavicencio - Meta
Bello – Antioquia
Zapatoca – Santander
Paipa – Boyacá
Bucaramanga – Santander
Bogotá – Cundinamarca
Neiva - Huila
Girardota – Antioquia
Ibagué – Tolima
La Cumbre – Valle del Cauca
Bogotá – Cundinamarca
INTÉRPRETE INSTRUMENTAL
1. Oriana Ximena Medina
2. T.F.P
3. Trío Entretejido
4. Eco Trío
5. Trío Instrumental Bachué
6. Candija Trío
7. Itinerante
8. Amaretto Ensamble
9. Ensamble Gáfaro
10.Dos por delante y dos por detrás
Bogotá – Cundinamarca
Medellín – Antioquia
Yopal – Casanare
Pereira – Risaralda
Pereira – Risaralda
Bucaramanga – Santander
Bogotá D.C.
Pereira – Risaralda
Pasto – Nariño
Bucaramanga – Santander
OBRA INÉDITA VOCAL
1.
2.
3.
4.
Si es preciso – Bambuco
Mientras me ames - Bambuco
Milagro de amar - Pasillo
Canto de agua - Bambuco
Bogotá – Cundinamarca
Cali – Valle del Cauca
Medellín – Antioquia
Duitama – Boyacá
OBRA INÉDITA INSTRUMENTAL
1.
2.
3.
4.
Niki – Pasillo
Juambuco – Bambuco
Chanson d’anil – Bambuco
Recorrido – Fantasía
Pereira – Risaralda
Pereira – Risaralda
Chía – Cundinamarca
Bucaramanga - Santander
¡Felicitaciones!
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Video y fotos de la audición del XXV Festivalito
Pueden verlo en nuestra web: www.fundacionarmonia.org
Las fotos ya fueron subidas al facebook, puede ver el álbum en el siguiente link:
https://www.facebook.com/media/set/?set=a.1631815423700167.1073741843.1498625570352487&type=3
Y el video en youtube: https://www.youtube.com/watch?v=ER8fX3HqKFc
Falleció el músico y compositor venezolano Hugo Blanco
Vía: El Universal.com
El músico, compositor, intérprete, productor y arreglista venezolano Hugo Blanco, autor de clásicos como Moliendo café y El burrito
sabanero, Aguafresca y productor de agrupaciones musicales como Las Cuatro Monedas, falleció en la madrugada del domingo.
Nacido en Caracas, el 25 de septiembre de 1940, es a los doce años, contó en una entrevista, que despertó el interés de Hugo
Blanco por la música. Primero por el cuatro. Y luego por el arpa, que aprendió a tocar viendo a los maestros Juan Vicente Torrealba;
José Romero Bello, Miguel Rodríguez, Cándido Herrera y Amado Lovera; y que se convertiría en su instrumento vital.
El tema Moliendo Café, sin duda uno de los emblemas musicales de Hugo Blanco, la compuso el 19 de diciembre de 1960. Fue en
esa misma década, los sesenta, que grabó varios larga duración y descubrió además a un nuevo talento, Simón Díaz, con quien
publicó otros tantos discos.
Mientras que El burrito sabanero lo compuso en 1975, a manera de encargo para un disco dedicado al personaje televisivo El Topo
Gigio, solo que, por cuestiones del azar, el tema nunca fue incluido en el acetato. Así que meses después Blanco y Simón Díaz
deciden publicarlo en sus populares discos de gaitas, donde pasó totalmente desapercibido.
Hasta que en los setenta Hugo Blanco decide formar el grupo infantil La Rondallita, cuyos niños pertenecían al Coro de Niños de
Venezuela, y graban el tema junto con la voz de Ricardo Cuenci, con quien la pieza se convierte en un gran éxito.
En esa misma década, los setenta, Blanco graba con el humorista venezolano Joselo -hermano de Simón Díaz. En 1978 contrae
matrimonio con Ana Isabel Aranguren Mancebo, con quien tuvo tres hijos varones: Hugo David, Hugo César y Hugo Raúl Blanco
Aranguren. Y en la década de los ochenta trabajó con las cantantes Tania y Rosa Virginia Chacín, fundó el grupo Los Hijos de Ña
Carmen.
CONCURSO INFANTIL Y JUVENIL OCOBO DE ORO
www.soycolombiano.com
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Orgullo de Santander para Colombia
En la finca Villa Leo, sede del Festivalito
Entrevista a uno de nuestros homenajeados de este año, Leonidas Eduardo Ocampo Arboleda.
Carlos Fernando Rivera, Puno Ardila, Jorge Ramón, Rafael Aponte, Leonidas Ocampo, Luis Carlos y Roberto Villamizar
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La explosión musical de Providencia
Mad Professor, pionero del ‘dub’, estará en la isla para grabar una producción con artistas locales.
Por: Catalina Oquendo B. | El Tiempo
Foto: Cortesía Old Providence Records
De izq. a der., Elkin Robinson, Henner McLean; adelante, Diego Gómez y Berta Hooker en el estudio.
Efervescencia, movida, explosión cultural. La música vibra en cualquiera de los rincones de los 17 kilómetros cuadrados que tiene
Providencia, pero especialmente en un lugar con un nombre tan dulce como lo que ocurre dentro de él: teatro Midnight Dream.
En ese epicentro musical entra y sale gente todo el tiempo: artistas como Elkin Robinson, que es la imagen más fresca de la música
de la isla; Bertha Hooker, que anda grabando su disco pop Strenght about a Woman; los niños de la Escuela Tom & Silaya o músicos
internacionales como Mad Professor.
Professor, llamado maestro del dub, está precisamente desde hoy en la isla para dar un taller de producción, pero además para
grabar un disco con artistas locales en el estudio Old Providence Records, el espacio que moviliza la propuesta de los isleños.
Providencia es un terreno abonado por años de influencias musicales de africanos, indígenas misquitos, de Centroamérica; reggae,
pero también de sonidos como el calipso, cuadril, la polca y el chotis.
Y el estudio, que funciona desde el año pasado, ha logrado potenciarlos. En 2014, después de un proceso creativo llamado Sound
Setters, con el acompañamiento del productor Richard Blair y la Fundación Llorona Records, salió a la luz el trabajo musical Come
round, de Elkin Robinson, en el que se volvió a las raíces con sonidos nuevos.
“El reto era lograr que cualquier creación que surgiera de este proceso tuviera una validez artística y de alguna manera comercial”,
explicó Diego Gómez, de Llorona Records, que opera el estudio.
El trabajo de Robinson ha comenzado a girar; avanzan en la grabación del disco de Bertha Hooker. Y comenzarán a hacerlo con los
artistas Elijah y Manku, recientes ganadores de la convocatoria, lo que les permite hacer la grabación, masterización, prensaje de
800 discos, así como el diseño gráfico y un videoclip, entre otros estímulos.
Para Hooker, quien hizo su disco para empoderar a las mujeres, “el teatro significa mucho”. “Aquí la mayoría de las personas somos
músicos y este lugar nos ha permitido descubrir talentos. Además, está animando a las personas a hacer canciones, a creer que se
puede vivir de la música, no de lo ilegal, que es una realidad”.
El Midnight Dream tiene un escenario con un área total construida de 821 metros cuadrados. Juan David Padilla
Pero ha representado también un lugar de resistencia y denuncia de los problemas que viven. Hace unos días, varios jóvenes
decidieron grabar una canción crítica contra la administración municipal, ante las dificultades que habría enfrentado un anciano
para ser trasladado en helicóptero hasta un hospital.
Para Kathryn Newball, directora de la escuela Tom & Silaya, Old Providence Records le ha permitido despertar el interés de los
niños por mantener las raíces musicales de la isla, tan arraigadas en los coros y la tradición de iglesias.
“Ha sido genial que los niños vieran por primera vez un estudio. Ya hemos grabado aquí, y este año proyectamos grabar el himno
de Providencia y el de Colombia”, contó Newball, que también usa el teatro para los ensayos y las presentaciones de la sinfónica
que dirige.
“El objetivo es que, en el mediano plazo, esto sea un bien de interés público, un espacio de tejido social para la gente de Providencia,
de generación de oportunidades laborales”, dijo Julián Beltrán, asesor del grupo de emprendimiento de Mincultura, que recordó que
algunos isleños están creando sus propios sellos y estudios en sus casas.
Documentales y cine
Pero el estudio no sirve solo para trabajos musicales; es más un centro de producción digital. Actualmente, están produciendo Wi
Da Dis (Lo que somos), una serie sobre la música de Providencia desde los años 40 hasta hoy.
Con cuatro capítulos, pretende mostrar cómo el mar llevó la música a Providencia y la tradición de los pickups, entre otros temas.
“Este espacio le da al raizal una potencia para volver a decir ‘yo soy esto’ y para que el país nos entienda a nosotros”, dice Robert
Britton, director de la serie.
Actualmente, por fuera del teatro se preparan en la isla dos películas. Y para una de ellas, llamada Keyla, los productores están
dando talleres de actuación a los isleños.
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Distensión con EE.UU. dispara el interés por el arte cubano
Muchos norteamericanos han aprovechado la Bienal de La Habana para conocer el arte de la isla prohibida.
Por: EFE / El Espectador
Las artes plásticas cubanas bullen también al son del deshielo con Estados Unidos, un escenario que ha colocado a la isla en el foco
de las miradas de coleccionistas y expertos mundiales, y singularmente norteamericanos que aprovecharon la Bienal de La Habana
para conocer el arte de la isla prohibida.
Más de 8.000 especialistas en arte han pasado por la capital cubana desde que se inauguró la Bienal el pasado 22 de mayo, de los
que más de 3.000 son de EEUU, entre ellos directivos del Guggenheim de Nueva York o del Moma.
“Hay una gran avidez por ver qué está pasando con la creación en Cuba, por generar proyectos, por hacer exposiciones y por
adquirir obras”, afirmó a Efe el director de la Bienal de La Habana, Jorge Fernández, sorprendido de la cifra récord de visitantes a
esta XII edición de la bienal que culmina el próximo lunes, especialmente entre los estadounidenses.
Fernández, no obstante, reivindica el papel que el evento de la bienal ha tenido en anteriores ediciones para “tender puentes” a un
lado y otro del estrecho de la Florida a través del arte, al unir artistas cubanos que trabajan dentro y fuera de la isla,
“El deshielo desde el arte se está produciendo ya desde antes, pero la coyuntura favorece. El 17-D, el anuncio de las conversaciones
y algunas medidas prácticas como facilitar los viajes a Cuba (...) ha sido un paso de avance, que ha permitido no sólo que vengan
artistas, sino que haya una participación del mundo especializado del arte”, explicó.
El contexto político que se abre con Estados Unidos ha puesto Cuba de moda; las visitas turísticas se multiplican y la ansiedad por
conocer la isla “antes de que cambie” también se ha contagiado en los círculos artísticos.
Fernández recuerda que Cuba, incluso antes del 17 de diciembre, ya generaba una atracción fuerte por su “singularidad histórica”,
algo que se ha intensificado y que está llevando a muchos coleccionistas o amantes del arte a querer hacerse con obras realizadas
en la isla como una suerte de “arqueología del presente”.
Es difícil conocer cifras porque en Cuba sólo existen unas pocas galerías de arte, todas controladas por el Estado, y muchas veces
son los propios artistas los que venden su trabajo directamente; pero personas del círculo artístico consultadas por Efe admiten
que durante la actual bienal se han producido ventas importantes.
“Es verdad que hay avidez, pero de ambas partes. De las personas por coleccionar y comparar arte cubano y del arte cubano por
posicionarse, por comercializarse, por adentrarse de alguna manera en el mercado internacional ya con otros quilates”, explicó a
Efe Onedis Calvo, subdirectora del espacio artístico Factoría Habana.
Desde Factoría Habana, que acoge durante la bienal exposiciones de los artistas cubanos René Francisco, Roció García y Carlos
Montes de Oca, se han visto un tanto abrumados por la cantidad y la cualidad del visitante que ha acudido a la bienal, gente que
llegó “con muchas expectativas, pero sorprendida al constatar en vivo el nivel y la diversidad del arte cubano”.
“Ha sido muy bueno que haya ocurrido todo esto en la bienal. Se han hecho intercambios financieros importantes y muchos artistas
a partir de ese evento tendrán una nueva vida artística. Ha sido un salto muy positivo y va a ser trascendente”, subrayó.
Para René Francisco, uno de los artistas cubanos contemporáneos con más proyección internacional, en la XII Bienal de La Habana,
apodada por algunos como “la bienal del deshielo”, se ha sentido “otra energía que antes no existía”.
“Por primera vez, la escena internacional tiene la posibilidad de visitar La Habana y ver todas las tendencias artísticas, para todos
los gustos y todas las iniciativas que se están desarrollando”, señala el artista, quién cree que eso ayuda a romper prejuicios de
algunos sectores que relacionaban el arte en Cuba con el realismo-socialista de la antigua URSS.
Según Francisco, esta bienal hay que entenderla como “una conversación que se ha abierto entre el arte cubano y el público
internacional”, sobre todo con EEUU, donde reside un coleccionista de arte especialmente interesado en la isla.
Sin embargo, admite que eso no es nuevo, ya que tradicionalmente, y paradójicamente, “ha sido el público norteamericano quien
ha dado de comer al artista cubano”, una relación que se remonta a principios de los años noventa, época en la que ya hubo
intercambios culturales de calado con instituciones del país “enemigo”.
“Pero ahora, el cambio se ha notado. Se habla de un ‘boom’ del arte cubano, que ya se había dicho antes, pero realmente no había
sucedido. Creo que este es el momento en que hay un público grande en el mundo que está viendo realmente la fuerza y la calidad
del arte cubano”, precisó.
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Nueva producción discográfica bien especial
Carátula del disco
Foto con Kuraka Jittoma en el amazonas, después de cantarle “Planta sagrada” el pasado 11 de noviembre de 2014
Contacto: 3002737011
Concierto en Bucaramanga
En Bucaramanga: Gustavo Adolfo Renjifo hará la presentación de este trabajo en Fusader, calle 37 N° 24-62 el martes 30 de junio
a las 7:00 p.m. por gentileza de esta institución.
Entrada gratuita
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Benefactores
Cumbia
Evento concertado con el Ministerio de Cultura
rograma Nacional de Concertación
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Emisoras culturales en línea
www.cantardelosandes.com
www.radio.uis.edu.co
www.ondasdelfusacatan.org
www.rcm1450.com
www.soycolombiano.com
www.estacionv.com
Zaperoco
Por: Inquisidor / Vanguardia Liberal
Cita. El Intercambiador de El Bosque será inaugurado el próximo miércoles. La ceremonia estaría presidida por el Presidente Juan
Manuel Santos (25/05/15. Primera).
Comentario. Sin duda, para eso sirven los presidentes, para presidir; qué bueno que hayan podido descubrirlo.
Cita. El grupo de quinceañeras próximas a partir a un crucero, se dió cita para asistir al concierto de Maluma en la ciudad (28/05/15.
Sociales. Jhoan Fernando Calderón Bayona).
Comentario. ¿Un grupo “se dio cita”? ¿Eso qué significa? “El grupo de quinceañeras” es el sujeto y ‘dar’ es el verbo; ¿sabes cuándo
se puede separar el sujeto del verbo con una coma, querido y sociable Jhuanfer? Nunca, jamás. Y otra cosita importante: los
monosílabos, como ‘dio’, dejaron de tildarse desde 1952. Sí, no habías nacido entonces, de modo que debiste haberte formado en
la norma, pero sin profesores ni voluntad…
Cita. En un evento organizado por el Hotel Chicamocha se premió a la pareja que mejor participó en el concurso ‘Revive los 60’s y
vístete con los mejores recuerdos’ (28/05/15. Sociales).
Comentario. Una: aunque ‘evento’ puede usarse en algunos casos, es bueno tratar esta palabra con cuidado. Otra: ¿“la pareja que
mejor participó”?; ¿eso qué significa?, ¿que otras parejas participaron peor? La última: ¿de dónde sacas, querido Jhuanfer, que
estás usando bien el apóstrofo? Puedes escribir “los sesenta”, “los 60”; pero nunca con apóstrofo, cuyo significado en inglés es
posesivo, y en castellano está lejos, lejos, de lo que pretendes decir.
Cita. Quieren ver a San Gil en la picota pública, haciéndole un daño a nivel nacional. Tengo la certeza de que no cojí un peso…
(28/05/15. Judicial).
Comentario. La picota es pública, mis queridos jurisperitos; por tanto, es un pleonasmo, como erario y funcionario, que son públicos
también. Por otro lado, lo nacional no tiene niveles, sino ámbitos. Bueno, hasta ahí dirán que están transcribiendo textualmente, y
entonces les respondería que si es así deben escribir “(sic)”, porque de otra forma el error es de ustedes. Ah, y no dirán también
que transcribieron tal cual el verbo ‘coger’, y en vez de ‘cogí’ escribieron “cojí”. No lo dirán… ¿O sí?
Comprar música, ¿hábito del pasado?
Por: René Dimarco / Vanguardia Liberal
Apple anunció en días pasados la llegada de Apple Music, un nuevo servicio de música en “streaming” que estará disponible a partir
del 30 de junio en 100 países del mundo. En este servicio, los suscriptores podrán acceder, de forma permanente y a través de
internet, a un inventario de 37 millones de canciones, por el que pagarían una tarifa plena mensual de 10 dólares, unos $25.000.
Es como tener su propia emisora de música, en la que uno mismo escoge la programación y que emite música 24 horas al día sin
propaganda alguna. Es la evolución de nuestra manera de consumir la música: primero los discos de vinilo, luego los CD, luego la
música digital de iTunes y ahora, este modelo de “All You Can Eat”.
Esta vez es claro que Apple no está revolucionando la industria: el streaming existe desde hace tiempo, de la mano de compañías
como Spotify, que tiene ya más de 75 millones de usuarios activos, y de Dexter, que tiene unos 10 millones, y en cuyos inventarios
se pueden encontrar más de 30 millones de canciones.
Pero quizás Apple estaba esperando el momento preciso para lanzarse a conquistar este mercado: cuando la telefonía móvil, las
redes de datos y los usuarios, estuvieran lo suficientemente maduros para usar esta forma de consumir la música. Porque los
motores de este último cambio han sido sin duda la popularización del teléfono inteligente, y el despliegue de mejores redes de
datos. No es sorpresa entonces que en los países en donde el acceso al internet está más desarrollado, el consumo de música por
streaming sea ya muy popular, llegando incluso a reclamar más del 90% de los ingresos digitales.
También es un hecho que los jóvenes de la generación de este milenio no tienen el hábito de comprar música, sino más bien el de
suscribirse a este tipo de servicios de streaming. Está en su ADN el hecho de pagar por usar, en vez de comprometerse con compras
permanentes: comprar música, física o digital, literalmente no “les suena”.
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iPhone Photography Awards
Fotografía móvil a lo grande
Esta semana fueron revelados los ganadores de la octava edición de estos premios que celebran el alcance y poder
de los teléfonos celulares.
Por: Santiago La Rotta / El Espectador
Michał Koralewski, fotógrafo del año en los iPhone Photography Awards. / Fotos: cortesía IPPA
El fotógrafo polaco Michał Koralewski fue el gran ganador de la octava edición de los iPhone Photography Awards (IPPA), un galardón
que nació en 2007, el mismo año del lanzamiento del teléfono inteligente de Apple, y que celebra anualmente los alcances de la
fotografía en dispositivos móviles.
Este no es un asunto menor, si se tiene en cuenta que, según cálculos de la firma de investigaciones de mercados eMarketer, para
finales de este año habrá poco menos de 2.000 millones de teléfonos inteligentes en el mundo. En pocas palabras, estos dispositivos
rápidamente se han convertido en la mayor plataforma de fotografía en el planeta.
Al igual que en otras industrias y profesiones, la irrupción de la era digital ha causado ciertos estragos en el interior de la fotografía:
la utilización de una nueva tecnología, como suele suceder, propone nuevos modelos de distribución de un bien, así como nuevas
herramientas que, al menos en potencia, pueden impactar la naturaleza del discurso, cambiar las narrativas de un producto como
la imagen.
Más allá de la árida discusión acerca de quién puede ser considerado un fotógrafo cuando las herramientas han roto la barrera de
la especialización, lo que resulta evidente es que vivimos en una era fuertemente visual en la que los puntos de vista y los discursos
se han multiplicado. El mundo de las mil o millones de miradas. Y buena parte de esto sucede a través de la fotografía en dispositivos
móviles, en combinación con plataformas como Instagram, Flickr, Flipboard y un largo etcétera de servicios.
“El poder y el propósito de la reportería gráfica y de la fotografía en general no reside en la cámara, sino en lo que se hace con ella
(con cualquier cámara) en relación a la comunicación”, en palabras de John Stanmeyer, fotógrafo de National Geographic, miembro
de la agencia VII y quien recientemente tuvo una imagen en la portada de esa revista tomada con un teléfono celular.
Kenan Aktulun es el fundador de los IPPA, un premio que admite fotos tomadas sólo con dispositivos Apple, y aseguró, en una
entrevista con la revista Time, que “el material que concursó este año fue especialmente impresionante y abarcó un rango que iba
desde momentos íntimos que invitaban a la reflexión hasta imágenes que captaron momentos impactantes”.
Los premios se dividen en 19 categorías que abarcan temas como animales, arquitectura, abstracto, naturaleza, hechos noticiosos,
retrato, paisaje y viajes, entre otras. Koralewski fue elegido fotógrafo del año, una sección que incluyó en segundo y tercer lugar a
David Craik e Yvonne Lu, fotógrafos del Reino Unido y EE.UU., respectivamente.
Esta era la tercera vez que Koralewski participaba en los premios. En las ocasiones pasadas recibió menciones de honor por su
trabajo. Su fotografía ganadora muestra a un acordeonista tocando canciones polacas tradicionales en una plaza de Varsovia, capital
de Polonia. “Su cara fue lo primero que captó mi atención: llena de expresión y belleza a su manera. Era como un libro abierto, en
el que casi se podía leer su historia de vida en el rostro arrugado”.
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Cartas recomendadas
Por: Juan Esteban Constaín / El Tiempo
Cada carta llega cuando tiene que llegar; toda botella de náufrago llega algún día a la playa.
La semana pasada una buena mujer de más de 80 años, Thérèse Pailla, recibió en su casa de Trélon, una comuna en el norte de
Francia, una carta para ella. O casi, casi: la carta iba dirigida en realidad a su bisabuelo, Amand Pailla, y fue escrita y enviada el 22
de enero de 1877. Algo la detuvo por el camino y apenas ahora, 138 años después, llegó por fin a las manos de su destinatario,
solo que el pobre murió en 1897 sin recibir ni leer jamás esa carta que un día fue para él.
Su anciana bisnieta la recibió entonces, como cuentan los periódicos locales –cuál no lo es–, primero con desdén y luego intrigada,
sin entender nada. La abrió y la leyó varias veces, corrió a llamar al cartero que se la había dejado. ¿Qué broma era esa? ¿Quién
carajos se atrevía a escribirle desde ultratumba? El tipo tampoco sabía qué decirle, la verdad. Porque además él estaba allí solo
cumpliendo con su oficio de cartero, su oficio en vías de extinción.
Pero sí le pareció muy rara la cosa, y entonces llamó a sus colegas del pueblo. Los pocos que quedan. Y como Trélon es una comuna
tan pequeña, muy pronto había frente a la casa de Thérèse Pailla una verdadera cumbre de carteros, analizando todos con cara
muy docta y solemne qué podía haber pasado para que esa carta se hubiera demorado así. Ninguno lo podía creer; ninguno paraba
de dar resoplidos y mover la boca, que es como un amigo dice que se habla en francés.
Y como en este mundo de hoy las noticias vuelan y todo salta de inmediato a la red y todos vamos a acabar hablando con la mano
en la boca, como los futbolistas pero hasta en nuestra propia casa, pues la noticia de la carta de Trélon que nunca llegó –nunca
antes– se filtró al periódico local y muy pronto la supo el planeta entero, con titulares de ficción que solo puede engendrar la
realidad: ‘Una demora postal de más de un siglo...’, ‘Octogenaria bisnieta viola la correspondencia de su bisabuelo...’.
La Poste, la empresa postal de Francia, ha salido a defenderse ante este nuevo escándalo en el que, una vez más, quedan en
evidencia sus truculentos caminos y su proverbial burocratismo. “Pero esta vez no es culpa nuestra, esto es rarísimo”, dice
angustiada la oficina de correos, aunque sin ninguna autoridad moral: en el 2010, como se sabe, una carta que ha debido llegar en
1790 fue entregada por fin a su destinatario. La escribieron durante la Revolución Francesa y llegó para el Mundial de Sudáfrica.¿Y
qué dice la carta de Trélon? Es lo de menos: una prosaica factura de unas lanas, esa platica se perdió. O quién sabe, ya no puede
uno confiar en nadie. Pero queda su historia: no la que esa carta cuenta, que no es casi nada, sino la que esa carta es. Sus huellas,
su vida todos estos años. El tiempo extraviado dentro de sus propios pliegues, el tiempo recobrado por obra y misterio del azar.
Cada carta llega cuando tiene que llegar; toda botella de náufrago llega algún día a la playa.Recuerdo la historia de Ernst Robert
Curtius, el gran sabio, que guardaba sus fichas de investigación en sobres de papel como si fueran cartas. Una vez dejó encima de
su escritorio uno que decía: “Pericles, Atenas”. Su secretario pensó que en efecto era una carta que se le había olvidado mandar al
maestro, y entonces, por hacer más, ah, la mandó él. Un mes después se la devolvieron a un perplejo Curtius con una nota de la
oficina de correos griega que decía: “Dirección no encontrada”.
¿Y si la hubieran encontrado? ¿Si un Pericles cualquiera –o el propio Pericles– la hubiera recibido en Atenas? Algunas cartas no son
de sus dueños sino del que las necesita.
Posdata: gracias por leerla. Firma.
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Un mes para escuchar tango en Medellín
Por: John Saldarriaga / El Colombiano
Entre los espectáculos, la plasticidad de la danza tiene muchos seguidores. FOTO ARCHIVO
Desde hoy, con una exposición en Envigado, comienzan los días de tango. Amplia y variada programación de baile, canto, cine, en
el aniversario 80 de la muerte del Zorzal Criollo.
Tango, Gardel, tango. Desde hoy y por más de un mes, en el Valle de Aburrá se conmemora la muerte de El Zorzal Criollo, el
gran Carlitos Gardel, y, al tiempo, se celebra que la música ciudadana existe y que quedó metida entre nosotros como si los
argentinos nos hubieran inoculado el virus del afecto por el rumor de los bandoneones.
Por una parte, viene la novena edición del Festival Internacional de Tango, en Medellín. Por otra, instituciones públicas y privadas
de Envigado y otros municipios asentados alrededor del río Medellín tendrán también programación tanguera.
Exposiciones de pintura, charlas, reuniones de coleccionistas, canto, baile, conciertos, eliminatorias de canto y de baile, proyección
cinematográfica...
La euforia por el tango, la milonga, el fox trot y el vals se vive en el centro y en los barrios, al aire libre de calles y parques, en
teatros y bares.
Se destacan las presentaciones de Mirta Godoy, Rodolfo Mederos y Marco Tango,y de la agrupación Fusión Tango.
Así pues, que la temporada tanguera de mitad de año levanta su telón para que los aficionados a la canción ciudadana y a la cultura
que rodea esta música enriquezcan su gusto.
“La Cenicienta” y las hermanas feas
Por: Manuel Drezner / El Espectador
Volvió Thierry Malandain con su Ballet de Biarritz en una versión danzada de La Cenicienta, el cuento de hadas clásico, que en la
concepción del coreógrafo queda en segundo lugar, ya que la madrastra y las hermanas feas que tanto persiguen a la protagonista
casi son el centro de todo.
Son personajes con humor algo grotesco, ya que madrastra y hermanas son interpretadas por hombres cabecipelados de
musculatura evidente y que se burlan de muchas de las convenciones del clasicismo, dentro de la pauta de Malandain de combinar
las tradiciones del ballet clásico con un lenguaje moderno que no ignora la herencia del ballet clásico, el de baile en punta de pies
y movimientos alrededor de los cuales se basa toda la coreografía.
El conjunto de Biarritz ya había actuado en la ciudad hace algún tiempo y en esa ocasión escribí que la solución de este artista para
hacer danza moderna sin abandonar el arte de ayer fue encontrar métodos que combinaran las tradiciones del ballet clásico con un
lenguaje más avanzado. Por eso su Cenicienta se presenta con una gran economía de colores, un decorado basado en decenas de
zapatos femeninos colgados los unos al lado de los otros y un vestuario que usa prácticamente sólo grises y negros con ocasionales
vestidos color carne para los personajes fantásticos que forman parte de un cuento de hadas.
Malandain nuevamente mostró que los dos mundos, el de la danza clásica y el de la danza moderna, no son incompatibles. Las
suyas son soluciones de gran economía, pero de mucho contenido. La mencionada presencia de las hermanas feas dominando la
escena agregó ese toque risueño que hizo de esta versión algo de gran encanto. No depende ella del virtuosismo de los bailarines
y bailarinas, sino de conjuntos que usualmente no tienen la simetría de los grandes ballets de la historia del arte. El resultado total
es atractivo y la hora y media de esta presentación se pasa volando.
Es bueno que se den estos ejemplos que muestran que se puede hacer arte escénico nuevo, sea teatro, ópera o ballet, sin necesidad
de traicionar los conceptos de los creadores. Esta Cenicienta que acaba encontrando a su príncipe encantador, después de haber
sido mimada por su padre (un bailarín de saco y corbata y no con las mallas de la tradición) y a quien las hermanas feas pueden
rechazar pero no maltratar, es definitivamente un logro de alta categoría que el grupo de Biarritz presentó con mucha dignidad.
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Beetthoven no compuso para Elisa, lo hizo para Teresa
Por su vida pasaron muchos amores, todos frustrados. Todo agravado por su carácter soñador y volcánico.
Por: Elespectador.com
Luddwig van Beethoven nació el 16 de Diciembre de 1770 en una buhardilla de Bonn, ciudad alemana situada a orillas del Rin. Su
infancia se desarrolló entre muchas penurias y dificultades personales y económicas. Su padre era un tenor borracho y mediocre.
Su madre una criada con muchos problemas de salud.
A los cuatro años el niño Ludwig comienza a manifestar grandes cualidades para la música, algo que intenta explotar su padre que
le somete a una dura disciplina de ensayos. Permanece horas frente al clave o ensayando con el violín. A los once años comienza
su vida profesional como músico y a los diecisiete es él quien sustenta a su familia.
En 1792 se traslada a Viena después de experimentar su primer desengaño sentimental. Se había enamorado de Leonor de
Breuning, pero ella decide casarse con el doctor Wegler, uno de los mejores amigos de Beethoven, asegura Antonio Muñiz en Madrid
para ABC de España.
Enfermedad, pasión y desengaño
Al dolor que le produce su sordera se suma el desamor, la pasión y el desengaño. Por su vida pasaron muchos amores, todos
frustrados. Todo agravado por su carácter soñador y volcánico. Se suman los rechazos: Leonor de Breuning, Maria Erdödy, Julieta
Guicciardi, Bettina Brentano.
Corre el año 1810. Beethoven, ya llegado a los cuarenta, ha compuesto algunas de sus sinfonías pero pasa grandes apuros
económicos y apenas tiene para pagarse la comida. Es entonces cuando conoce a la joven Teresa Brunswick, 22 años más joven
que él. Había sido su profesor y era amigo de la familia, que le invita a Martonvásár, en Hungría. Allí surge una amistad sincera,
esta vez parece que correspondida por la joven. Dos almas sensibles y apasionadas.
Es una época de gran creatividad, el ya maduro Ludwig compone algunas de sus mejores obras, entre ellas la sexta sinfonía y una
breve obra para piano en la menor. Con el tiempo la pieza sería conocida como “Para Elisa”, pero Beethoven la compuso para
Teresa. La confusión se debe al musicólogo Ludwig Nohl, que en 1865 la descubre en un documento en mal estado y se confunde al
tratar de reproducir la dedicatoria, afirma Antonio Muñiz en Madrid para ABC de España.
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Todo un “parche” para la cultura
Por José Alejandro Pérez M. / El Colombiano
La Parada Juvenil de lectura propone los libros como programa alternativo de los encuentros. FOTOS Juan Antonio
Sánchez
El fin de semana último se efectuó la Parada Juvenil de Lectura. Con lecturas, charlas y juegos, se va consolidando
como una actividad lúdica y cultural de la ciudad.
El espacio abierto, verde abajo y de un azul intenso arriba, con algunas nubes blancas que hacían que el clima fuera agradable;
verano, pero no el calor insoportable ni el sol picante que obliga a buscar refugio al amparo de cualquier sombra.
Desde afuera, el visitante al parque biblioteca Manuel Mejía Vallejo podría confundirse: decenas de carpas armadas o en proceso
de montaje podrían hacerlo creer que se había equivocado y estaba entrando en un encuentro de grupos de scouts. Pero no había
uniforme, ni cachorros, ni lobatos, ni ninguno de los dirigentes de este colectivo. Sí grupos de jóvenes, muchos niños y familias
caminando, recostados sobre el césped o visitando los diferentes puestos de venta de libros, de recuerdos y puestos de comidas y
bebidas. Una fiesta de verdad. Una fiesta alrededor de la lectura y la cultura.
Libros sí, muchos, de todos los precios, nuevos, usados leídos y releídos.
En medio del amplio espacio una zona delimitada con algunas cuerdas llamaba la atención. A un lado, un grupo de jóvenes se
trenzaba en una batalla como del medioevo. Espadas con filos de foamy y un alma en tubo de PVC hacen parte de la parafernalia
que pone en escena el soft combat. Un poco más allá otro grupo, tirado en el pasto despliega un mantel y un cuadro en cartón para
empezar un juego de mesa, un juego de roles. Entre tanto, otros muchachos maquillan o se dejan maquillar generando diferentes
personajes, como en una verdadera película con sus efectos especiales. Son los frikis, un término que para nada es despectivo, así
se presentan y se muestran.
Pero que tienen que ver con libros. Pues, como dice Juan Esteban Martínez, coordinador de comunicaciones de la red cultural juvenil,
Comunidad Underground, “muchos llegan a esta cultura mediante la literatura, los libros fantástico, la ciencia ficción, o las películas”.
Pero la parada juvenil de la lectura deparaba más actividades poco convencionales.
Un grupo de niños camina alrededor de un espacio acondicionado como en una esfera, y en el que se ven colgados, sí, colgados
decenas de libros, El último inquisidor, Por qué es santo, Las enseñanzas de Francisco, Rey Jesús, Los milagros existen, El discípulo;
son algunos de los títulos que se alcanzan a leer a la distancia.
“Este es un espacio para que la gente venga, tome uno de estos libros, el que le guste, y se lo lleve”, cuenta uno de los promotores
de lectura a otro grupo de gente que comienza a juntarse alrededor del espacio atraida por los libros que cuelgan. Pero el
compromiso es que ojalá después de que lo lean, lo den a otra persona, me había precisado unos minutos antes Juan Diego
Mejía, director de la Fiesta del Libro de Medellín y alma de este evento que hace parte de toda la estrategia de Plan de Lectura que
impulsan la Alcaldía a través de la Secretaría de Cultura Ciudadana.
Son las 6 de la tarde, y solo hasta las 8 de la noche la gente podrá acceder de nuevo a escoger el libro de su preferencia, sin
embargo ya algunos comienzan a separar puesto para entrar de primeros y buscar su temática favorita.
Una noche y una madrugada en la que más de 20.000 personas se acercaron al parque biblioteca, disfrutaron de los libros, las
narraciones, el cine, la música y al final, en la madrugada, una taza de agua panela caliente, que cerró con el sabor dulce del deber
cumplido una jornada de esparcimiento y reflexión en torno a la ciudad y su movida cultural y social.
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Abren convocatorias para directores y productores
Se trata de la Muestra internacional documental de cine de Bogotá y el BFI London Film Festival. Se realizarán en la
capital colombiana.
Por: Camila Builes / El Espectador
Durante este mes se abrieron en Bogotá dos convocatorias para directores y productores de cine. La primera es la de la Muestra
internacional documental de cine de Bogotá (Midbo), que cumple 17 años consolidándose en la ciudad y todo el país como el evento
anual especializado en el género documental más importante. En toda su trayectoria ha proyectado más de 1.600 documentales
provenientes de 45 países. Aproximadamente, 55 mil personas han asistido a la Muestra y un gran número de creadores, muchos
de ellos reconocidos internacionalmente, han tenido la oportunidad de encontrarse con el público en eventos académicos y de
exhibición.
Esta versión, organizada por la Corporación Colombiana de Documentalistas: Alados Colombia, en asocio con el Instituto de las
Artes, IDARTES - Cinemateca Distrital, la Alcaldía Mayor de Bogotá, el Ministerio de Cultura (Dirección de Comunicaciones) y
Proimágenes, se realizará entre el 27 de octubre y el 4 de noviembre de este año.
Durante los 9 días de la Midbo 2015 el público podrá disfrutar de más de 60 películas documentales nacionales e internacionales,
que se exhibirán en diversos espacios de la ciudad para confirmar una vez más por qué Bogotá también es documental.
Las categorías en las que se pueden inscribir los que quieran participar de la muestra son: Convocatoria Nacional, Convocatoria
Internacional, Convocatoria Nacional Estudiantil y Convocatoria para participar con su ponencia en el seminario Pensar en lo Real.
El plazo para inscribirse al seminario Pensar en lo Real cierra el 30 de junio y para el resto de convocatorias el cierre es el 31 de
julio. Para más información consulte la página web de la Midbo.
La segunda convocatoria está dirigida a productores latinoamericanos. Power to the Pixel, en colaboración con el British Council,
otorgará 16 becas de 1,500.00 GBP (libras esterlinas) cada una
La muestra reúne a líderes innovadores, productores, agentes de financiamiento, comisionados y medios de comunicación del
mundo del cine, la televisión, la publicidad, los juegos virtuales, las editoriales y las artes en general.
Los países que pueden participar en la convocatoria son Argentina, Brasil, Chile, Cuba, Colombia, México, Perú, Venezuela y
Uruguay, y las categorías a las que se pueden presentar los interesados son: Productores con proyecto y Productores o profesionales
de medios sin proyecto. La fecha de cierre de postulaciones es jueves 16 de julio a las 6:00 p.m. Para más información ingrese aquí.
Bach y los brandemburgueses
Por: Óscar Alarcón / El Espectador
Quienes saben de música aseguran que Juan Sebastian Bach es el más grande compositor de todos los tiempos.
Fue prolifero como autor y como padre ya que tuvo 20 hijos con la misma y con dos matrimonios. Una de sus obras más grandiosas
son los seis conciertos brandemburgueses que los hizo para atender una solicitud de su alteza real monseñor Christian Ludwig
Margrave de Brandemburgo. El 24 de marzo de 1721 se los envió con una carta lo más de lambona, y se entiende porque los
compositores de la época eran, prácticamente, sirvientes de los monarcas. El gran maestro se dirige a él con humildad, pidiéndole
excusas por la imperfecciones que tengan y que acepte “con benigna consideración, el profundo respeto y la obediencia muy
humilde y que yo intento testimoniaros con ellos”.
Pero el Monarca recibió el envío y casi con las hojas del pentagrama se limpia lo que sabemos. Parece que no supo apreciarlos y
por muchos años fueron colocados en un estante de Palacio junto con otras muchas composiciones. Tras varias vicisitudes, solo en
1850 pudieron ver la luz pública en una edición que se hizo en Leipzig para recordar el segundo centenario del nacimiento de Bach.
También muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento de los estudiantes de la Universidad Nacional de Bogotá, se
estaban interpretando cuando uno de los mamertos habituales comenzó a gritar contra la presentación que se estaba haciendo de
los que llamaba él “conciertos de la burguesía”. El inolvidable maestro Otto de Greiff, gran crítico musical, se le acercó al exaltado
izquierdista y le comentó, con ese humor y la tartamudez que le eran característicos: “Vea joven, no son los conciertos de la
burguesía sino los conciertos brandemburguses de Bach”.
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Lecciones literarias de Hebe Uhart
Hebe Uhart, la escritora de las pequeñas cosas
Durante años sus cuentos estuvieron ocultos en las librerías. Poco a poco se empezó a hablar de ella, a volverse un
rumor, hasta que varios coincidieron en que era la mayor cuentista argentina viva.
Por: Juliana Muñoz Toro / El Espectador
La escritora Hebe Uhart, una de las cuentistas más importantes de Argentina, según algunos críticos literarios. / Cortesía Cámara
Colombiana del Libro
Hebe Uhart es una escritora sui géneris. Prefiere hablar de los animales y no del reconocimiento. Le preguntan qué significa para
ella que Rodolfo Fogwill, renombrado escritor argentino, haya dicho que “Uhart es la mayor cuentista argentina contemporánea”.
“Nada”, responde. Que nunca ha escrito pensando “tengo que escribir un cuento hermoso”. Que escribe sin pensar en los amigos.
Para los amigos, mejor, los asados que hace en la parrilla de su edificio.
Fue por esa reserva que en la mayoría de sus 50 años como escritora se habló poco de ella. En Argentina fue durante mucho
tiempo una referencia oculta, un gusto secreto para círculos cerrados de lectores. Ahora es una figura obligada para hablar de la
literatura en ese país. En Colombia apenas la estamos descubriendo.
“¿Y qué significa la escritura para usted?”, vuelven a preguntar. Ella la compara con un matrimonio de medio siglo que
simplemente hace parte de su vida, que a veces le da placer y otras problemas. “Es una especie de rara artesanía”, concluye.
Uhart prefiere los pueblos chicos porque son más abarcables. Prefiere viajar. Y allá, en cualquier zona rural que haya decidido
investigar, graba el habla local que se ha ido perdiendo por la urbanización y la escolarización. Luego escribe un cuento o una
crónica para constatar esa forma de expresión, sin dejar de crear su propio lenguaje literario.
Por esas inmersiones como escritora desarrolló un poder lingüístico, un oído privilegiado. El escritor Elvio Gandolfo opina sobre
Uhart que su modo de mirar produce un modo de decir. Ese estilo es hablar de lo más normal como si fuera extraño, de los
detalles, la vida doméstica y de personajes comunes que viven cosas trascendentes. Es una narradora que parece ver todo por
primera vez y, por medio de sus letras, nos hace sorprender como si también fuésemos extraños en este mundo.
Hace años tocó este tema con el cuento Memorias de un pigmeo. Cuenta, en primera persona, el mundo que desconoce. ¿Cómo
diríamos “televisor” si nunca hubiéramos visto uno? Tal vez creando significados a partir de esa mirada del aborigen que llega a la
ciudad.
Historias mínimas
¿Cuáles son las historias mínimas de su propia vida? Que alguna vez escapó por amor. Que si un escritor quiere hablar del amor
tiene que buscar ese detalle concreto, como enamorarse de alguien porque toca el piano con dos dedos, “qué sé yo”. Que la
literatura no son los grandes temas, como el amor, la muerte y la libertad, sino los detalles. “Hay que escribir sobre imágenes, no
sobre ideas”.
Enciende un cigarro y a su alrededor habrá algún rastro de los gatos que fueron y de los hijos que no. En su casa de infancia no
había libros, pero estaban las historias que le contaba su mamá. En esta los hay por mil. Textos de Simone Weile, Juan José
Morosoli, Erskine Caldwell, Saki, Chéjov, Rubem Braga, Alicia Steimberg, Isidoro Blaisten… Dice que prefiere a Felisberto
Hernández que a Jorge Luis Borges, porque prefiere la intimidad a la lucidez.
Hebe Uhart escribe como un ejercicio de depuración para quedarse con la frase que más comunica: “ahora vivo sola y me parece
que no quiero novio, pero tal vez las ganas sean una costumbre como cualquier otra”, afirma en Querida mamá, una misiva para
confesar, para que el personaje adquiera conocimiento de sí mismo.
Para la creación de sus personajes Uhart no parte de una idea abstracta, sino de un ser concreto, de una imagen, de unos gestos
y contexto. Por eso es necesario que el escritor sea un “mirón”. También ha dicho que “un chismoso es un escritor sin pulir”.
Su mundo es pequeño y en él habitan personajes particulares: “limpiaba con los labios metidos hacia dentro, en un gesto que
deformaba su boca, como si ésta, en vez de ser un medio de comunicación hacia afuera, le mandara mensajes internos a su
cabeza”, como describe en Mudanzas.
Sus personajes no están idealizados, sino que nos decepcionan, como las personas de carne y hueso. No hay concesiones. Por
ejemplo, en Cosas que pegan, cosas que no pegan la escritora suplanta la voz de una mujer superficial: “Y no, no nací para
pobre. ¿Y qué? Preguntale si les gusta a los pobres esperar un colectivo cagados de frío”. Luego irá encontrando su profundidad,
sentido, lógica.
En Guiando la hiedra seguimos la rutina de una mujer acomodando sus plantas, plantas que son la metáfora de la vida: “algunas
personas, con una base mezquina, adquieren unas frondosidades que impiden ver su real tamaño”. Es un análisis del personaje
en ese paseo por el jardín: “antes mis pensamientos me enamoraban; yo quería lo que pensaba; ahora pienso lo que quiero”.
Luego nos provoca: “desestimo totalmente los argumentos ecologistas; si el planeta se destruye dentro de doscientos años, me
gustaría resucitar para ver el espectáculo”. Eso es Hebe Uhart: una provocadora que nos hace mirar dos veces lo que
pensábamos que ya conocíamos, como el jardín, la casa o el “pigmeo” que acaba de llegar a la ciudad.
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Chelista Santiago
Tchaikovsky
Cañón
compite
por
Premio
Internacional
Solo un cubano y un brasileño han ganado este galardón, en sus 15 ediciones desde 1958.
Por: Redacción de El Tiempo
Foto: Archivo EL TIEMPO
El chelista Santiago Cañón.
El chelista bogotano Santiago Cañón, una de las figuras solistas más prometedoras en la escena de la música clásica en Colombia,
está participando en el prestigioso Premio Internacional Tchaikovsky, en su edición número 15, que se celebra en Rusia.
Su presentación en la primera ronda se podrá ver en vivo este viernes a las 4:45 a.m. hora Colombia, a través de esta página.
El colombiano compite en la misma categoría (chelo) con otros 50 intérpretes, siendo él el único suramericano.
Este galardón que se concede cada cuatro años en cuatro categorías (piano, chelo, violín y voz), se fundó en Moscú, Rusia, en
1958, y desde 2011 se celebra no solo en esa ciudad sino también en San Petersburgo, y tiene como objetivo identificar las
promesas de estos instrumentos en el mundo entero.
Suele quedarse entre competidores de Rusia, Estados Unidos y China, aunque también lo han obtenido intérpretes rumanos,
ingleses japoneses, alemanes y coreanos.
El único ganador de habla hispana ha sido el pianista cubano Horacio Gutiérrez, en 1970, que obtuvo un segundo lugar. También
fue tercer lugar un brasileño, Arthur Moreira Lima, ese mismo año.
Santiago Cañón, a sus 6 años, cuando ya daba recitales como solista junto a la Filarmónica de Bogotá. Archivo EL TIEMPO
Cañón, de 20 años, cuya carrera ha seguido EL TIEMPO desde 2002, cuando despuntaba el músico de 6 años de edad, ha recibido
reconocimientos internacionales como el tercer puesto en el Concurso Internacional de Chelo Pablo Casals, que entrega la Academia
de Música de Hungría.
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Umberto Eco, un pensador de otro siglo
El escritor italiano habla de su vida, su familia y los éxitos de su carrera.
Por: Xavi Ayén | El Tiempo
Foto: Lisbeth Salas
Umberto Eco nació en Alessandria (Italia) en 1932, y empezó a publicar en 1956.
Clac, clac. El paso de Umberto Eco por las calles de Milán es acompasado por los golpes de su bastón contra el pavimento, mojado
por una lluvia suave de otoño. Con ese bastón de sauce, su sombrero modelo Fedora, su gabardina y unos andares nerviosos,
Umberto Eco tiene el aspecto de ser un detective clásico que nos guiara por una ciudad de otro tiempo, repleta de conspiraciones,
anécdotas y aventuras.
El hombre que, siendo uno de los semiólogos más importantes del mundo, se reinventó en 1980 como novelista con El nombre de
la rosa, libro que lleva ya vendidos 50 millones de ejemplares, se dirige a su casa, situada en una de las dos mejores plazas de
Milán, frente al imponente Castello Sforzesco, punto de atracción de los turistas y que Eco desmitifica con una simple frase: “Bueno,
es una copia del siglo XIX, como todo el gótico francés”.
Una vez en casa, cuelga sus cosas en el perchero –donde reposan media docena de sombreros y, al lado, muchos más bastones–
y, mientras los visitantes se sorprenden del moderno interiorismo, con paredes de color blanco, grandes ventanas diáfanas, muebles
de diseño, butacas ergonómicas –“¿qué pasa?, ¿esperaban un monasterio medieval?”–, nos pasea por “el pasillo de la literatura”,
una parte de su impresionante biblioteca de 35.000 volúmenes, que se distribuye de modo aleatorio por las dos plantas del domicilio.
“Este es el estudio de los ensayos, allá junto al lavabo tengo a los lógicos ingleses”, dice señalando un lugar en el que no reina
ningún orden aparente. Pero ¿puede orientarse en este caos bibliográfico?
“¡¿Caos?!”, clama fingiendo indignación. “¡A ver, dígame el nombre de un filósofo!”.
“Mmm... Hume”. Y Eco aparta una butaca giratoria que le había salido al paso y avanza enérgicamente hacia uno de los tres tabiques
de estanterías de su despacho, para agarrar un grueso volumen que contiene la Investigación sobre el entendimiento humano del
ensayista escocés. “¡Dígame otro!”. Y, así, van apareciendo Aristóteles, Aquino, Wittgenstein... Como si respondieran al llamado de
este acelerado personaje al que nadie le echaría sus 83 años.
“Un dicho alemán dice: ‘Aprendo una palabra al día’, y yo las tengo todas aquí”, ríe.
Cansados de que nunca falle localizando sus volúmenes –a veces en los lugares más inverosímiles– le preguntamos: ¿nunca ha
perdido un libro? “Por lo general, no, tengo muy buena memoria posicional, el drama es cuando yo recuerdo uno de hace treinta
años con la portada verde y se ha descolorido y vuelto ya amarilla, en ese caso no lo encuentro”.
Tiene etiquetas temáticas sobre los estantes, “pero todas están equivocadas”, superadas por la constante acumulación. En una
cajita guarda su colección de pipas, sobre la mesa de trabajo reposa una lupa, tras unas vitrinas adivinamos manuscritos
medievales, y en el salón hay una escultura de Hermes de mármol, unos facsímiles de los evangelios sobre un atril… También
pasamos ante un muro que él llama “mi cementerio” porque en él cuelga fotos de sus amigos muertos, como la actriz Franca Rame,
esposa de su vecino, el nobel Dario Fo. Pero lo que a él le hace más gracia es una viñeta de The New Yorker que ha enmarcado,
“la mejor de su historia”: en ella se ve a un niño a quien su madre le dice: “No, tú has sido parido, no descargado”.
El escritor conserva también la caricatura que le hizo el dibujante Georges Wolinski, del semanario Charlie Hebdo, asesinado el
pasado enero en París, en la que se lee: “¡Viva Umberto!”. “Tenía mi misma edad…”, sacude la cabeza. Hay dos ordenadores al
lado, uno para su secretaria y otro para él, en el lugar donde escribe sus novelas, aunque confiesa que “no tengo reglas. Puedo
pasarme horas escribiendo sentado en el baño, de hecho bastantes veces. Y en mi casa del campo soy aún más productivo, la tengo
en Montefeltro, no lejos de Urbino y San Marino, en las colinas, con valles y bosques alrededor, una zona salvaje, huyendo de la
Toscana, que es un país de pijos extranjeros. En realidad, mis mejores ideas me vienen cuando nado, ya sea en el mar o en la
piscina. Hay escritores profesionales, como mi amigo Vargas Llosa, que se marcan un horario estricto, escriben hasta las cuatro y
luego ven a los amigos, pero yo sería incapaz de hacer una cosa así, tan metódica, soy italiano”.
Muerde tabaco constantemente y su interlocutor llega a temer que, en algún momento, vaya a escupir todo ese material, pero no,
por lo que se deduce que acaba tragándoselo. “No se asusten, fumé en pipa de los 20 a los 60 años, pero la tenía siempre en la
boca y la tuve que dejar. Sé que da una imagen rara esto de mascar un cigarrillo, el otro día una señora me dijo: ‘¿Por qué no lo
enciende? Va todo el día con eso en la boca’ y yo le respondí: ‘Señora, ¿no ha tenido nunca usted cosas en la boca sin encenderlas?’”.
En el recorrido por la vivienda, solamente hay una zona vedada: “¡No, ahí no se les ocurra entrar! ¡Es el territorio privado de mi
mujer. ¡Zona sagrada!”. “Umberto, por favor…”, sonríe, al otro lado, la alemana Renate Ramge, su esposa desde 1962.
Él insiste en que nunca ordenará todo lo que vemos: “No quiero que nadie ponga sus manos aquí. En el sótano guardo las cajas
con los manuscritos.
Tengo ofertas de las universidades norteamericanas. Un conocido autor italiano, que no quiero nombrar, recibió una oferta de una
universidad por el manuscrito de su novela… y él lo había tirado a la basura. ¿Saben qué hizo? Tomó un libro impreso y se lo dio a
una secretaria para que lo volviera a pasar a máquina, luego borró muchas líneas, simuló unos tachones y volvió a escribir lo que
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estaba escrito pero a mano, como si fueran correcciones… y lo vendió por varios miles de dólares, ¿qué les parece? Yo lo dejo todo
así, porque ¿qué harían, si no, mis estudiantes cuando me muera? Hay que pensar en dejar trabajo a las generaciones futuras…”.
Umberto Eco lleva más de 40 años viviendo en Milán, la capital editorial de Italia, donde tienen su sede los grandes grupos como
Mondadori, Rizzoli o Mauro Spagnol, mientras que Turín y Roma albergan editoriales más pequeñas.
Nació en Alessandria (no la egipcia, sino la italiana) en 1932, y empezó a publicar en 1956, en concreto su tesis doctoral, titulada
El problema estético en Tomás de Aquino.
Le seguirían, años después, ensayos míticos como Apocalípticos e integrados (1964) y el Tratado de semiótica general (1975). El
éxito que obtuvo en su estreno como novelista, con El nombre de la rosa en 1980 –adaptada al cine en 1986 por Jean-Jacques
Annaud, con Sean Connery– le hizo publicar después otras ficciones como El péndulo de Foucault (1988), La isla del día antes
(1994), Baudolino (2000), La misteriosa llama de la Reina Loana (2004) o El cementerio de Praga (2010).
Este año ha sacado a la calle Número cero, una sátira ambientada en la Italia de 1992, donde un empresario parecido a Berlusconi
pone en marcha un periódico que no se publica, solo cierra números cero, con la intención de traficar con la información y conquistar
espacios de poder.
¿Cómo era su padre, professore? Era el director de una empresa que vendía hierro y bañeras. Combatió en todas las guerras: la
del 14-18, luego lo enviaron al frente de Libia, y en la Segunda Guerra Mundial. No tuvo una vida fácil.
¿Qué influencia tuvo en su vocación de escritor? Era hijo de un tipógrafo, y yo he puesto en mi última novela nombres de familias
tipográficas a los personajes. Mi padre tuvo 12 hermanos, no podían comprarse libros, y se iba a los quioscos a leer los fascículos
de las novelas por entregas, hasta que el quiosquero lo echaba, se iba a otro quiosco y allí leía otro trozo. Colecciono aún libros
impresos por mi abuelo. Yo leía en su casa, recuerdo Los tres mosqueteros de Dumas, ilustrado por Maurice Leloir.
Cuando murió, se le quedaron muchos manuscritos por editar en una caja, novelas populares a las que nadie hizo caso. Esa caja
terminó en el almacén de mi familia y yo a los 8 o 10 años devoré esos manuscritos, eran aventuras fantásticas. La otra influencia
fue mi abuela materna, una mujer que no tenía educación, tal vez la primaria, pero sí una pasión increíble por la lectura, se iba a
las bibliotecas y siempre tenía un montón de novelas en casa. Leía Balzac o Stendhal como si fueran una novela rosa, sin sentido
crítico, pero me prestaba esos libros y yo me sumergía en la gran novela francesa a los 12 años.
¿Y su madre? Mi madre leía revistas, cuentos de las revistas femeninas… Leyó Madame Bovary, de vez en cuando aceptaba esos
libros. Pero la verdad es que yo no crecí en una casa rodeada de libros. Ahora, esta tarde, viene mi nieta, que tiene 14 meses, y
ella ya podrá decir otra cosa, porque se pone a jugar con mis incunables.
De niño, fue feliz ¿a pesar de la guerra? Siempre tienes la nostalgia de la infancia. La mía es la de aquellas noches en los refugios
antibombardeos, en un sótano muy oscuro y húmedo, fuera se escuchaban las bombas. Nos despertaban en casa a las tres de la
madrugdaa y nos llevaban abajo rápidamente, los padres estaban asustados mientras los niños jugábamos. Para mí es un recuerdo
agradable, y hubiera podido morir…
¿Qué quería ser de mayor? Antes de los cinco años, conductor de tranvía, porque siempre que subía a uno me fascinaba la maleta
tan bonita que tenía, con todos los billetes dentro. Mi editora, hace veinte años, encontró una maleta de esas y me la regaló. Luego
quise ser oficial del ejército, crecí en la época fascista. Andaba como un soldado por la calle, digamos que hasta los ocho o nueve
años. Luego ya quise ser periodista. Pero me inscribí en la Facultad de Filosofía, aunque no me veía haciendo carrera universitaria,
me parecía algo muy complejo, buscaba trabajo en editoriales con la idea de, a los 40-45 años, hacerme profesor sin mucho
compromiso, sin dar muchas clases, como externo, la libre docencia. Pero, en realidad, hice eso a los 29 años.
Nadie se cree que un libro de Umberto Eco se lea en dos tardes. Este último, Número cero, no parece escrito por usted…
Mis novelas anteriores eran sinfonías, este es un solo de Charlie Parker. Lo mejor fue la llamada de mi editor francés, que me hizo
mucha ilusión: “Umberto, ¡esta novela parece escrita por un jovencito!”. Mis novelas anteriores me tomaron al menos seis años de
trabajo cada una, pero esta se basa en experiencias personales, en noticias políticas fáciles de encontrar y solo me ha ocupado
durante un año.
¿Tan mala imagen tiene de los periodistas? Describo un periódico asqueroso, que juega con la información no para publicarla, sino
para especular. Por lo general, los periódicos no son así. Pero ilustres periodistas italianos como Scalfari me han dicho: “Umberto,
señalas algunos de nuestros problemas más graves, las taras del periodismo de hoy”. Roberto Saviano, tal vez exagerando, ha
dicho que es un manual de periodismo. ¿Qué denuncio yo? Si un periódico entrevista al presidente, el poder de influencia de esa
entrevista debería ser sobre el público, no sobre las altas esferas, que es lo que está sucediendo. Se hace periodismo para las élites.
El chantaje de hoy no es que yo le digo a mucha gente que usted ha robado, sino que se lo cuento solamente a dos. Voy a la mesa
de una persona importante, le cuento la noticia y sugiero que podría contar más. Ahí es donde los periódicos tienen su verdadero
poder, no sobre el hombre de la calle que lee el mismo texto de una forma distraída y no se da cuenta de los mensajes en clave.
¿Por qué hay tantos pequeños periódicos que venden muy poco pero reciben subvenciones? Porque su función es la de enviar un
mensaje privado. Dicen: “Yo sé algunas cosas y podría decir más”, y con eso consiguen favores.
Usted dice que se puede engañar diciendo la verdad. ¿Cómo? ¡Claro! Es lo que hacen los periodistas que activan la máquina del
fango, no es necesario lanzar acusaciones muy graves: de asesinato, robo… Si no tienes eso, y quieres desacreditar a alguien,
basta una sombra de sospecha sobre el comportamiento cotidiano.
Hay un juez italiano al que destruyeron con una chorrada: lo describieron sentado en un banco, en un parque público, no hay nada
malo en eso, pero no se corresponde a la imagen clásica que tenemos del juez. Se dijo que quizás fumaba marihuana como otra
gente que iba al parque, que era extraño que estuviera allí con tantos casos pendientes en su juzgado, se puso énfasis en sus
calcetines ridículos de colores… Y, hace un tiempo, un periódico que me tenía manía publicó unas insinuaciones sobre mí, dijo que
me habían visto comiendo en un restaurante chino, con palillos, y con un desconocido.
Un desconocido para ellos, claro, porque era un amigo mío. Pero lo explicaban de una manera que daba pie a sospechas, porque
decir que alguien está con un desconocido te hace pensar en una novela de espionaje, y si hay palillos y chinos de por medio casi
puedes ver al Doctor Fu Manchú. Así actúa el ventilador del fango…
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En Internet hay páginas que aseguran que usted está a punto de ser padre, que tiene inversiones en restaurantes y en empresas
de vodka… Parece que haya creado usted estas webs de noticias falsas como promoción…
¡Ni lo sabía! Una vez se escribió en Wikipedia que éramos 13 hermanos y que me había casado con la hija de mi editor. También
se publicó mi muerte, una noticia que considero algo prematura.
Sus novelas anteriores daban pie a teorías de la conspiración, pero ahora parece usted reírse de ellas…
Uno de los periodistas se pregunta: “¿Y si en vez de ejecutar a Mussolini hubieran matado a su doble?”. Todo se basa en detalles
de la verdad histórica. La historia de Mussolini me atrae, cuando huía de Italia y le salió al paso su esposa, no quiso ni saludarla,
eso es un hecho real, del que el periodista fantasioso extrae la conclusión de que no era el auténtico Mussolini. Mussolini forma
parte de mi vida, fui muy amigo de Pedro, el militar que lo arrestó. Y conocí al coronel Valerio, que lo mató, del cual se descubrió
años después quién era, Walter Audisio, que vivía a dos manzanas de mi casa. Mi padre siempre lo saludaba por la calle en
Alessandría, aunque no llegaron a ser íntimos.
Se ocupa también últimamente de lo que llama el stay-behind, las operaciones secretas de los Estados…
Es escalofriante ver todos los crímenes que cometen a diario los Estados, pero no solo las dictaduras, sino también los Estados
democráticos. No se salva un solo país. Mis personajes de Número cero acaban diciendo que se irán a América Latina.
Pero no será porque no hay allí crímenes…
Sí, pero ellos dicen que al menos allí no son secretos, porque ya se sabe que el narcotráfico forma parte de las estructuras de
ciertos Estados. Italia, a principios de los noventa, todavía parecía que podía salvarse, porque empezaban los grandes procesos
judiciales contra la corrupción, pero hoy ya está igual que esos países que han asumido como una fatalidad que el crimen se
introduzca en las estructuras estatales. Italia asume que el crimen forma parte del Estado, que está ahí infiltrado.
¿En qué año se jodió Italia?, parafraseando a Vargas Llosa…Hacia 1994, cuando llegó Berlusconi.
¿Aún da clases? Bueno, voy una vez al mes a Bolonia. Doy alguna, sobre todo conferencias, dirijo la escuela superior que organiza
los doctorados. Tengo la necesidad de hablar en público y explicarme, debo calmar esa necesidad. Dar clases permite darte cuenta
de que haber escrito un libro sobre un tema no quiere decir que conozcas bien ese tema, en un libro te quedas tan ancho, dices:
“la influencia de Baudelaire en Joyce”, y ya está, pero en clase los alumnos te exigen que se lo aclares bien y así descubres nuevas
cosas y planteamientos falsos. Yo ya nunca escribo un libro sobre un tema sin haber dado antes clases sobre eso.
De hecho, su libro más influyente es Cómo se hace una tesis, ¿verdad?
Yo diría que hasta el más leído. Millones de estudiantes lo han usado en todo el mundo como guía para redactar sus tesis. Ahora lo
han publicado en Estados Unidos y tiene unas críticas entusiastas, sigue siendo útil en la era de Internet aunque yo la haya escrito
a mano. Después de mi muerte, ese será el único libro que me sobrevivirá.
Usted solo ha escrito siete novelas, pero 40 ensayos…
Bueno, 42.
Pero para la gente es un novelista. ¿Le disgusta? No, porque la mayoría de mis obras se dirige a un público más restringido. Yo
escribí mi primera novela tardíamente, cuando salió El nombre de la rosa ya tenía 48 años. Quería editar unos 2.000 ejemplares
de ese libro en una pequeña editorial muy selecta, pero me llamaron enseguida el gran Giulio Enaudi y el director de Mondadori
para ofrecerme un gran contrato y una tirada de 30.000 ejemplares, sin haberlo leído. Me emocioné y con el dinero de ese adelanto
me compré una maleta de cuero, muy bonita, que todavía conservo.
Hay varios editores que cuentan que usted salvó sus editoriales con El nombre de la rosa…
Ah, sí, como Esther Tusquets, que la publicó en español. Cuando empecé con ella, trabajaba allí, en Lumen, Beatriz de Moura, la
fundadora luego de Tusquets y su marido; estaban reconvirtiendo una editorial de libros religiosos en otra más literaria, y no fue
sino conmigo, y con Mafalda de Quino, cuando empezaron a tener éxito. ¡Ah, Beatriz de Moura era la mujer más guapa de la feria
del libro de Fráncfort! Eso es mucho…
¿Qué son los eruditos hoy? Es una paradoja, pero la verdad es que suelen ser perdedores. Vivimos en un mundo en que el físico
que gana el Premio Nobel no sabe nada de la historia de la literatura. Puede haber un corrector de libros que sea un sabio, pero
ese conocimiento excelso no le sirve para nada en la vida. Hoy se da un fenómeno de hiperespecialización, que es muy
estadounidense. Así que los grandes sabios son muchas veces empleados de correos a media jornada u oficinistas grises. El otro
día le dije a un prestigioso profesor de literatura francesa de una universidad de Estados Unidos que estábamos llegando a un
“taylorismo” de la cultura, es decir, que cada uno es capaz de hacer solo una sola cosa. Y me preguntó: “¿Qué es el taylorismo,
Umberto?”. Pues eso mismo que le pasa a él, que no sabe casi nada de ninguna otra cosa que no sea lo suyo.
Lleva más de 40 años viviendo aquí en Milán. ¿Cómo ve la política en el norte de Italia? La Liga Norte quería dividir Italia proclamando
la independencia, pero ahora se ha unido a los fascistas, nacionalistas italianos, porque el nuevo líder de la Liga es un oportunista,
y lo de la independencia ya no resulta prioritario. Es un hombre sin ideología que se sube al caballo ganador y se está mezclando
con la extrema derecha. Cada vez es más difícil saber qué es este partido.
Se ha publicado que prepara usted una secuela de El nombre de la rosa.
No. Sí me lo pidieron, pero dije que no. Fue mi editor en inglés. No le diré la cantidad que me ofreció. Pero ese libro ya está escrito
y no hay más que añadir.
¿Perdió la fe estudiando a Tomás de Aquino? Coincidió, sí, percibí unos problemas político-religiosos que me alejaron de la Iglesia.
Mi tesis doctoral la empecé habitando el mundo de santo Tomás y la entregué ya desengañado, cuando ya vivía en otro mundo.
Eso le da al texto un carácter más rico, porque tiene ambas visiones, desde dentro y desde fuera.
Fue también guionista de televisión…
A finales de 1954, en los inicios de la televisión, la RAI tuvo un nuevo presidente que quiso abrir puertas. Convocaron un concurso
para reporteros televisivos, con el fin de renovar las caras. Nos fueron a cooptar a unos cuantos. El filósofo Gianni Vattimo y yo
sacamos la máxima puntuación y nos contrataron, sin haber hecho ni siquiera un curso de TV ni nada previamente. Me fui a los
tres o cuatro años, pero los que se quedaron llegaron a ser grandes jefes. Yo me fui al departamento artístico, que hacía la parrilla
de programación, era un trabajo muy aburrido, pero que me permitió conocer toda la organización y estructura de la RAI. Entonces
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había un solo canal, en blanco y negro, pero a las nueve de la noche ponían Shakespeare, Guerra y paz, o Pirandello, y a la gente
le iba bien, lo veía. Ahora veo programas en que gritan y se insultan. La televisión antigua era mejor en eso, casi no había
programación basura. Los jóvenes ahora miran más YouTube, no sé si serían capaces de ver una película de Wim Wenders que
dura cuatro horas.
¿En qué trabaja? En cosas filosóficas y semióticas, preparo la edición de todos mis escritos de semiótica, serán unas 3.000 páginas.
La semiótica es muy útil, yo la llamé la teoría de la mentira porque hay unos signos que se ocupan de algo que me permite decir
lo que hay, pero, aún más, hay otros que me permiten decir lo que no hay y nunca ha estado. La semiótica es todo aquello que se
utiliza para decir mentiras. Otro trabajo enorme que tengo es revisar todas las traducciones de mi nueva novela, y debatir con los
traductores de cada lengua.
¿Aún lee cómics? Solo los antiguos, que compro en los mercadillos, cosas de mis tiempos, porque las novelas gráficas de ahora me
parecen demasiado difíciles.
¿Más que esos textos medievales que tiene por ahí? ¡Sin duda! El cómic hoy se ha convertido en un género extremadamente difícil
de descifrar.
Este año se celebra la Exposición Universal de Milán, ¿qué va a hacer? Huir a mi casa de campo. Me corresponde presentar un acto
sobre el primer libro publicado en Italia de Cicerón… y luego me iré corriendo.
Paisajes levíticos
Una descripción del final del viaje de regreso del santandereano Germán Betzalel Ortiz Cadena, que expone sus
pinturas en el Centro Cultural del Oriente hasta el 5 de julio.
Por: Domingó / Vanguardia Liberal
“Cuando emprendas tu viaje a Ítaca, pide que tu camino sea largo, rico en experiencias, en conocimiento”, escribió Cavafis en su
célebre poema Ítaca; y luego de reencontrar la tierra de origen, después del largo viaje, esta se torna extraña, levemente oscura,
pero deja ver como nunca su verdadera esencia.
Así es la exposición reciente de Germán Betzalel Ortiz Cadena, artista santandereano nacido en Bucaramanga, y de cultura judía,
que presenta sus pinturas en el Centro Cultural del Oriente desde el 5 de junio hasta el 5 de julio, y que ha denominado ‘Paisajes
levíticos’, obra realizada en Zapatoca, Santander, a partir de una técnica pictórica poco convencional que conlleva pigmentos de
tierras de la zona, mezclados con goma arábiga, miel y otros componentes, que de alguna forma recuerdan las alquimias de los
primeros tiempos.
Estas pinturas representan los paisajes de Zapatoca, “su clima suavemente espiritual”, según la descripción del mismo artista, pero
que en esencia corresponden al asombro de quien se reencuentra con su entorno después de treinta años de viajes por el mundo,
de exponer en Nueva York y de ubicar sus obras en colecciones de Europa, Asia y Latinoamérica.
Los ‘Paisajes levíticos’ de esta exposición mantienen un ritmo gráfico y de color que asciende lentamente en la disposición visual
del salón. La impronta del artista se desenvuelve entre pinceladas de larga expansión sinuosa y el color plano que de cuando en
vez se detiene en volúmenes accidentales producidos por los materiales acuosos utilizados, y que son rotos por pinceladas libres y
goteantes que desempeñan el papel de toques de luz fugaz. Esta es la forma como Germán Betzalel plantea las posibilidades de
lectura del conjunto pictórico expuesto, ya que nos permite identificar rasgos de impresionismo que, poco a poco y en la medida
en que observamos cada retablo, van sugiriendo una danza expresionista. Es allí donde podemos hallar el significado de los paisajes,
un temor de las montañas y los ríos por perder su esencia de siglos, y queda claro dicho temor por las agresiones, que sabemos
hoy, nuestra forma de vida, que producen en la naturaleza la tala de árboles y la extracción a gran escala de sus minerales. Así
que estos paisajes son un profundo llamado que el artista y su obra hacen al cuidado de la tierra.
Pero todavía hay más, la sinuosas líneas de las montañas dejan entrever otro contexto, además de la erosión: ciertas pinceladas,
decididamente rojas en su plenitud, que es casi imposible dejar de asociar con el contexto de violencia del que, desde tiempos ya
casi perdidos en la memoria, estos valles y montañas han sido testigos, pues queda claro que, si bien los paisajes corresponden a
Zapatoca, son más una alegoría de toda la región santandereana. Conmueve el espíritu estas obras del maestro Germán Betzalel,
ya que no existe presencia del ser humano dentro de estos paisajes, y su ausencia le da protagonismo a la cadena de montañas y
valles donde pareciera que el silencio es roto por una voz respetuosa, que emprende con el espectador un delicado diálogo de
advertencias, sobre la necesidad imperante de mirar con otros ojos de cuidado y protección a estas tierras, que han alimentado a
los santandereanos no solo con la riqueza de plantas y frutos, sino con el agua pura que parece desprenderse de su lugar ancestral,
puesto que su esencia intuye que su ser y su razón están en peligro por la avaricia humana. Dota así las obras de Germán una
angustia de aprendizaje al espectador, que no encontrará una obra romántica sobre nuestra tierra, sino un llamado sutil de la
naturaleza, para que corrijamos nuestro viaje de regreso a Ítaca.
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VI Foro Latinoamericano de Medios Públicos Colombia es bella
Entre el 25 y el 26 de junio, Colombia realizará el VI Foro Latinoamericano de Medios Públicos: sostenibilidad
económica, social y cultural en la era digital, cuyo escenario será el Hotel JW Marriot (Calle 73 # 8-60) en la ciudad
de Bogotá.
Por: Víctor Ramón Suárez C. / Vanguardia Liberal
Durante dos días se quiere promover el intercambio de experiencias concretas para la búsqueda de mayor autonomía de influencias
económicas o políticas para los medios públicos de la región. Asimismo, se busca lograr avances en modalidades de cooperación
práctica entre medios públicos latinoamericanos (producción, capacitación, pasantías y otros).
El Foro Internacional de Medios Públicos en América Latina es un espacio promovido por el Banco Mundial, que se ha realizado
desde el año 2011 en alianza con instituciones y medios de diversos países, y que promueve la reflexión y el intercambio de
experiencias sobre los roles, los retos y los desafíos de los medios públicos como escenarios para el desarrollo y la ciudadanía.
Con ediciones previas realizadas en Uruguay, Paraguay, El Salvador, Brasil y México, este VI Foro se realiza junto con el Ministerio
de Cultura de Colombia, en alianza con Señal Colombia, Sistema de Medios Públicos, con el propósito de promover un espacio de
diálogo e intercambio de experiencias concretas para la sostenibilidad económica, social y cultural de los medios públicos de la
región.
En la actividad participarán más de treinta especialistas, administradores públicos, investigadores, académicos, analistas, directores
y productores de todo el continente. Entre ellos: Guilherme Canela, de la Unesco; Enriqueta Cabrera, Canal Once de México;
Gustavo Arévalo, Canal 7 de Bolivia; Valerio Fuenzalida, catedrático de Chile; John Dinges, del Centro Carter en Estados Unidos;
Blanca Rosales, de la Secretaría de Comunicación Social de la presidencia del Perú, y Patricia Alvarado, de Corporation for Public
Broadcasting. André Barbosa de la Empresa Brasileña de Comunicación, Patricia Villegas de Telesur, y Marco Antonio Bravo Gerente
de la Agencia de Noticias Andes, también participarán en los paneles de discusión.
Ante todo, la emoción y la alegría al saber de esta nueva producción musical del maestro Leonel Valero. Quienes lo conocemos
sabemos de su coraje y de su tenacidad para superar los momentos difíciles y las vicisitudes que tiene la vida. Y también sabemos
de su amor por Colombia y su apego por el rico y variado folclor de esta tierra.
Este trabajo musical es eso, precisamente: sentimiento noble y sincero por esta Colombia bella, en la que el compositor, como un
buen caminante de senderos naturales, no para de asombrarse con la luz del sol, la sombra de los árboles o la sinfonía de las ranas.
Es la nobleza del ser humano, que, en la búsqueda de la verdad, acude al paisaje sobrecogedor, al arroyo y a la flor, para encontrar
su razón de ser.
‘Colombia es bella’, un trabajo musical que nos llega al alma; como todo lo que compone e interpreta el maestro Valero. Un valor
incalculable de nuestra música, en estos tiempos de tanta banalidad y tanta trivialidad de nuestra cultura.
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El evento proyectará películas premiadas en festivales como Sundance, Berlín y Tribeca
Festival de Cine Independiente se toma Bogotá
Con más de 90 películas y distintos talleres y charlas, el IndieBo dará a Bogotá diez días del mejor cine independiente.
Por: Camila Builes / El Espectador
Del 16 al 26 de julio IndieBo iniciará su exposición de cine independiente en la ciudad, con más de 90 películas, entre las que hay
largometrajes, cortometrajes y documentales de 31 países, incluyendo 49 estrenos latinoamericanos; el Festival proyectará
historias comunes que inspiran y nutren los sueños y que a su vez demuestran que el arte es la mejor respuesta ante las
problemáticas sociales.
Este año, quince directores vendrán al Festival para presentar sus obras y participar en proyectos académicos y charlas magistrales
que darán pie a que la comunidad participe de forma activa de los procesos de creación de una película independiente.
Una de las premieres más esperadas en el Festival de Cine Independiente de Bogotá es el estreno exclusivo, una semana antes de
su estreno nacional, de la película ganadora de la Cámara de Oro del Festival de Cine de Cannes, "La Tierra y la Sombra", dirigida
por César Acevedo y producida por Diana Bustamante, Paola Pérez y Jorge Forero, que dará apertura al evento el jueves 16 de julio
en el multiplex Avenida Chile de Cine Colombia.
Este festival representa no solo para la ciudad sino para todo el país la conformación de una gran fuerza que en este momento
comienza a emerger en Colombia, una fuerza que ensalza el poder de las ideas, de las buenas ideas, una fuerza que genera
verdaderos cambios y, ante todo, que es capaz de crear procesos de paz y de identificación con el otro como igual.
Los teatros de Avenida Chile, Andino, Cinemanía, Cinema Paraíso, Cine Tonalá y el Parque Chicó, la Cinemateca, el Parque Nacional
y Timiza serán los escenarios en los que el público podrá disfrutar esta alternativa cinematográfica todos completamente gratis.
Durante diez días todos los asistentes al Festival podrán viajar a diferentes partes del mundo a través de piezas cinematográficas
que darán un recorrido único y excepcional por el universo del cine independiente.
El dúo de música electrónica The Chemical Brothers vendrá a Bogotá
Serán los protagonistas de la primera edición del Festival Sonár, el próximo 7 de diciembre.
Por: Cultura y Entretenimiento | El Tiempo
Foto: Archivo particular
El evento se realizará en Corferias.
El dúo de música electrónica The Chemical Brothers serán los protagonistas de la primera edición del Festival Sonár, que se realizará
en Bogotá, el próximo 7 de diciembre en Corferias.
Así lo anunciaron los organizadores del evento, al dar a conocer a las agrupaciones principales de este nuevo encuentro con la
música electrónica.
The Chemical Brothers se fundó en Manchester (Inglaterra) por Tom Rowlands y Ed Simons, quienes desarrollaron un sonido
esencial en la transformación de la música electrónica y como género popular.
En el evento los acompañará la banda londinense Hot Chip, otra agrupación de peso en el universo del electro pop y liderada por
el cantante Alexis Taylor.
Así mismo, estarán el dj francés Brodinski, el alemán Recondite (Lorenz Brunner), el productor Evan Christ, el productor y músico
Miguel Barros, más conocido como Pional y, por Colombia, la banda Bomba Estéreo.
Próximamente, se agregarán nuevos nombres al espectáculo. El Festival Sonár Bogotá está inspirado en el famoso Sonár Barcelona,
que se hace en España desde 1994.
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Convocatoria nacional busca a bailarines de Hip-Hop
Autor: Redacción de El País
Los bailarines de Hip-Hop de todo el país son los invitados a participar del proyecto Recital Colombia, una propuesta del Centro
Coreográfico de Creteil (Francia) con el apoyo del Ministerio de Cultura, Idartes y la Bienal Internacional de Danza de Cali.
La dirección estará a cargo del coreógrafo francés Mourad Merzouky y el objetivo es aportar a la cualificación técnica de los
bailarines del país, generando espacios de entrenamiento y creación que dignifiquen y fortalezcan su profesión.
Así, dentro del Plan Nacional de Danza, la idea es que se adelante con los bailarines un montaje coreográfico que circulará local y
nacionalmente.
La propuesta de Recital Colombia es mezclar la energía del Hip-Hop con sonidos y elementos del ámbito de la música clásica con
humor y un toque de descaro.
Bailarines de Hip-Hop, los sonidos de un violín y la melodía distorsionada de un talk box se reúnen en un encuentro en el que las
tendencias contemporáneas alternadamente juegan y luchan con la tradición.
‘Recital’ llevó a la fama mundial a la Compañía Käfig y su coreógrafo, Mourad Merzouki. Merzouki, que está fuertemente involucrado
en la iniciación de diálogo e intercambio en torno a las múltiples prácticas de coreografía propone, como lo ha hecho en años
anteriores, desarrollar en Colombia un proyecto que ha sido adaptado en China con el asocio del Beijing Modern Dance Company,
en India con La Danceworx Repertory Company.
En total se seleccionarán 12 bailarines. Estos surgirán de tres audiciones que se realizarán en Bogotá (6 de julio), Cali (8 de julio)
y Cartagena (9 de julio).
Los interesados en acceder a esta oportunidad de audicionar podrán inscribirse hasta el lunes 22 junio y el jueves 25 de junio se
conocerán a los seleccionados.
El requisito para quienes deseen participar es ser mayores de edad. Versátiles y con un alto nivel interpretativo, especialmente en
el lenguaje del break dance (headspin, power moves, entre otros) y los estilos smurf y popping.
Se requiere avidez para la improvisación y adaptabilidad para la experimentación. Experiencia profesional certificada como bailarín,
de mínimo cinco (5) años. Esta experiencia se podrá soportar con programas de mano, notas de prensa, afiches o cartas de grupos
o festivales en los que se haya participado, registros audiovisuales y fotográficos, que evidencien la participación en eventos o
presentaciones.
El día de la audición los bailarines seleccionados deberán preparar una pieza de máximo tres minutos de duración.
El proyecto se desarrollará del 20 de septiembre al 20 de noviembre de 2015.
Los interesados en conocer más sobre esta convocatoria pueden comunicarse con Ministerio de Cultura, teléfono (1) 3424100 Ext.
1649 y el Instituto Distrital de las Artes – Idartes (1) 379 57 50 Ext. 3502.
También puede solicitar información a través de los correos electrónicos: [email protected]
y
[email protected]. indicando en el asunto ‘Recital Colombia’.
Para inscribirse puede diligenciar el siguiente formulario a través de este link:
https://docs.google.com/a/elpais.com.co/forms/d/1HAUkLR0yz52KjLdVHIR5BA85V7rAJ6gCl5aK3x58qWI/viewform
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La cantante Claudia Gómez regresa con su álbum 'De amores profundos'
Su nuevo trabajo recoge sus aportes a la música andina colombiana.
Por: Juan Martín Fierro | El Tiempo
Foto: Alejandro Puerta
Gómez es conocedora de la música del Brasil, el filin, el rock anglosajón, el 'jazz' y las músicas tradicionales de Latinoamérica.
“En lugar de simplificar tu alma, tendrás que acoger cada vez más mundo con tu alma dolorosamente ensanchada”. Hermann
Hesse.
Nunca había empezado una entrevista abrazando al entrevistado, pero eso hice cuando me encontré con Claudia Gómez.
Después de ver el video promocional de su nuevo álbum, 'De amores profundos', unos días antes de nuestra cita, la apreté con
fuerza y sin mediar palabra. En ese abrazo se resumían largos años de amistad, de afinidad musical; y ahora, por las circunstancias,
de callada solidaridad ante el dolor que, sé, todavía lleva muy adentro.
Lula, su perra labrador de seis años, fue envenenada por manos criminales a comienzos del año pasado, en un acto infame que
escapa a la cordura. No exagero cuando digo que la vida de Claudia tiene un antes y un después de ese trágico momento. Quienes
han amado a un perro, y sobre todo quienes han sentido ese amor perruno de vuelta, amplificado e incondicional, entienden mejor
que nadie las consecuencias devastadoras que un episodio así deja en la vida de un ser humano.
Solitaria y viajera como siempre ha sido, Claudia había cristalizado en su inseparable compañera ese amor total que todos en algún
momento de la vida necesitamos dar. De allí que el título del álbum, 'De amores profundos', tenga mucho que ver con las estrechas
y ambivalentes relaciones entre el hombre y la naturaleza, y al mismo tiempo, con el empeño nada fácil del desprendimiento, la
liberación y el perdón. El nuevo disco de Claudia Gómez es un diálogo musical en el que se da voz a la raíz folclórica, a la vez que
se valora lo vanguardista “Lulita murió en mis brazos y jamás he sentido un dolor más grande en mi vida. Un indescriptible dolor
de humanidad. Esa tristeza y perplejidad vivirán para siempre en mi alma. Jamás entenderé la maldad contra seres tan hermosos
y sabios. La sabiduría del mundo está en manos de los niños, de los animales y de la naturaleza”, escribió Claudia al presentar 'De
amores profundos', un álbum cargado de dolor, pero también teñido de esperanza; una catarsis y, al mismo tiempo, una invitación
a reinventar las raíces de nuestra música.
Tradición y vanguardia
Nos sentamos a desayunar temprano, un par de horas antes de su prueba de sonido con Joaquín Sabina, viejo amigo de sus años
madrileños, quien la invitó a cantar con él en su último concierto en Bogotá.
“Vamos a ver qué tal nos va, Joaquín es un monstruo”, dijo entre risas, pero con tono expectante.
En su nuevo álbum, ganador de una convocatoria de talento creativo del Instituto de Cultura y Patrimonio de Antioquia, Claudia
recoge sus aportes a la música andina colombiana en géneros tradicionales como el pasillo, la guabina y el bambuco, pero con un
sello muy personal, fiel a los arreglos vanguardistas y a los giros armónicos innovadores que siempre la han caracterizado.
Además de cantante y compositora, Claudia es una guitarrista excepcional, curtida en escenarios de Estados Unidos y Europa,
donde ha vivido largos años. Su enorme conocimiento de la música del Brasil, el bolero filin, el rock anglosajón, el jazz y las músicas
tradicionales de Colombia y Latinoamérica han madurado en ella una sonoridad propia, rica en matices y en registros vocales.
En Pasillo cruzao, por ejemplo, composición de su autoría, se lanza a cantar pasillo fiestero, instrumental por naturaleza, con la
espontaneidad contagiosa del scat, como si se tratara de una melodía con fonemas.
“Espero que quede como un aporte mío a la música vocal colombiana. Había hecho un arreglo a mi pasillo favorito, Patasdilo, a tres
voces, y la segunda parte de este nuevo pasillo mío es la contramelodía que escribí a ese arreglo. Por eso suena ‘cruzao’. Pero está
escrito bajo los parámetros tradicionales del pasillo, que a su vez viene del rondó: exposición, desarrollo y reexposición en una
tonalidad relativa o paralela”, explica. Lo propio sucede en Guabina veleña, tradicional de Santander, donde las disonancias vocales
y las armonías intercaladas, junto con Laura Otero, imprimen un aire fresco a la canta guabinera y sus letanías de montaña.
Con el respaldo de Juan Sebastián Ochoa y Sonia Martínez en la coproducción, el álbum reúne el talento de músicos como el
bandoneonista Marco Blandón, el saxofonista José Tobón, el tiplista Jhon Jaime Villegas, y el pianista Germán Darío Pérez, líder del
Trío Nueva Colombia. Grabado en un formato de duetos, como sucedió con Vivir cantando, uno de los hitos de su discografía, De
amores profundos es un trabajo respetuoso con la tradición, hecho con rigor investigativo y con plena libertad creativa, un diálogo
abierto y sin mentiras entre raíz folclórica y vanguardia.
De festivales y otros demonios...
El entusiasmo de Claudia decae cuando pasamos de la experiencia del álbum a su trasegar por los festivales de música andina en
Colombia, un tema sobre el que también venimos hablando desde hace tiempo, por desgracia sin muchas expectativas de cambio.
No hay que picarle mucho la lengua para que manifieste su desazón: “Después de exponer mis ideas y mis arreglos desde hace 20
años o más, y de ver que no fueron aceptados ni entendidos, no por los músicos, sino por quienes lideran el movimiento de las
músicas andinas, hace poco volví a participar en varios festivales, y la verdad es que no encontré la acogida que esperaba”.
¿Siguen intratables con eso de la ortodoxia?, pregunto.
“Sí. Pero son un poco más flexibles con la música instrumental. En cuanto a lo vocal, todavía prevalecen el histrionismo y la
potencia”.
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Desde el 2010 Claudia retomó con fuerza sus estudios, arreglos y composiciones de música andina, se entusiasmó con el bambuco,
que siempre le ha parecido un aire polirrítmico y vigoroso.
“Incluso tiene ya una innegable influencia del Pacífico; el currulao, por ejemplo, está en diálogo con el bambuco, pero hay cultores
del folclor que no quieren que las bases y los fundamentos de las músicas se muevan.
“Sabemos que las músicas que han evolucionado lo han hecho porque han permitido la integración de otras músicas, han acogido
otras influencias, como por ejemplo el jazz, por decir lo más obvio. El jazz tiene influencias de todo: del blues, donde están sus
raíces, y de ahí conecta con el rock, con la música de la India, con el flamenco, la bossa nova.
“Es importante conservar la tradición, y habrá gente que seguirá componiendo en esa línea, pero también está la gente joven que
no tuvo esa información original, que tiene otras cosas en su mente y quiere incluirlas en esa expresión. Eso hay que permitirlo. En
lo vocal, ha sido más difícil porque allí lo que prima es esa cualidad lírica, que ha dominado tanto la música andina colombiana.
“Es como decir que el bambuco lo estamos vistiendo de elegancia en medio de lo lírico. ¡No! El bambuco nunca fue canto lírico, el
bambuco fue campesino desde siempre, pero, pues la gente aquí quería que tuviera esa elegancia y esa clase, y pensaba que con
el canto lírico la alcanzaría”.
Lluvia de acordes
Se acerca la hora de despedirnos y el brillo vuelve a los ojos de Claudia cuando habla de sus planes futuros. Quiere una gira
promocional con De amores profundos, quiere mostrar su propuesta y su sonido sin pensar en el qué dirán, quiere volver a sentir
toda la fuerza de la música andina, esa música que poco a poco la ha fortalecido en su duelo.
De repente, suelto la pregunta complicada: ¿Has podido perdonar al asesino de Lulita? Parece que va a quebrarse, pero se sobrepone
y con ojos húmedos responde: “Es difícil, pero este disco me ha servido para avanzar en esa dirección. He ido sacando cosas de
adentro, es un proceso lento. Mi casa se llama Casa Lula, y ella ahora es como un ángel de la guarda. Lo importante no es quién lo
hizo, quién me mató a ese ser querido. Lo importante es por qué lo hizo. Y verlo de esa forma me ayudó muchísimo. Yo sé quién
fue... y casi todos los días lo veo. He tenido que hacer un esfuerzo enorme, he querido irme de la casa, irme del país, y por eso
este disco es tan importante. Porque canaliza artísticamente ese dolor. Mi dolor lo puse ahí. Así he podido lidiar con él”.
Terminado el desayuno volví a abrazarla. Siempre he creído que los abrazos tienen un poder curativo; y si no lo tienen, al menos
distraen la pena por efecto de la acción física de abarcar al otro con esa noble intención. Y al parecer funcionó porque Claudia me
devolvió una sonrisa limpia, apacible. Apuró un último sorbo de té y salió de afán, con el tiempo justo para encontrarse con su
amigo, un tal Joaquín Sabina.
Vea el EPK de De amores profundos: https://www.youtube.com/watch?v=yC5aeALaqU0
El álbum está disponible para descargas en: www.cdbaby.com y www.itunes.com
El arte y la cultura
¿Renace Meyerbeer?
Por: Manuel Drezner / El Espectador
La Ópera Alemana de Berlín, una de las tres casas de ópera permanentes en esa ciudad, ha anunciado que hará un ciclo de óperas
de Giacomo Meyerbeer para conmemorar, así sea tarde, el sesquicentenario de su muerte.
Y no lo hará de cualquier manera. La ópera inicial del ciclo será La africana, su obra final, que ha tenido una historia interesante.
Originalmente el compositor la bautizó Vasco de Gama, el nombre del célebre explorador portugués, y era obra que duraba más de
cinco horas. En la ópera de París consideraron que esa duración era excesiva y contrataron a un músico que la redujo a tres horas,
y es esa la versión con la cual ha sido conocida en las pocas oportunidades que la reviven. De hecho, si no hubiera sido por que La
africana incluye una de las arias de tenor más hermosas de todo el repertorio, Oh, paraíso, quién sabe si la hubiesen montado del
todo. Pero la versión que hará Berlín ha vuelto a la original, con todo y sus cinco horas y con el título que el creador le había dado.
Es posible que este proyecto marque un renacimiento para la obra de Meyerbeer. Él fue en sus tiempos uno de los músicos más
populares y dominó el género llamado gran ópera, un espectáculo escénico que se caracterizaba por montajes espectaculares que
incluían ballets, orquestaciones brillantes, coros numerosos y la necesidad de cantantes de primera línea. Los temas eran
usualmente históricos y la influencia de esa gran ópera fue tal que los mismos Wagner y Verdi presentaron obras dentro de ese
género. Pero los rumbos que tomó la ópera fueron bien diferentes y poco a poco la gran ópera, de la cual Meyerbeer fue uno de los
exponentes máximos, fue cayendo en el olvido. Pero había obras de mucho mérito y por eso poco a poco las han ido resucitando.
Hace unos años el Metropolitan presentó El profeta y el Covent Garden londinense Roberto, el diablo, dos de las culminaciones del
género. Plácido Domingo cantó en una versión que hizo San Francisco de La africana en su versión habitual y La Fenice de Venecia
montó El cruzado en Egipto, todo lo cual demuestra que las óperas de Meyerbeer están volviendo poco a poco a la escena y que la
deseada resurrección de la obra de este importante compositor tiene lugar en los principales centros operáticos del mundo. Con
este músico está sucediendo como con Vivaldi y otros barrocos, que por siglos fueron olvidados y hace algunos años vieron un
renacimiento que los convirtió en compositores habituales en las salas de conciertos. Esto es bienvenido porque en la obra de
Meyerbeer y otros creadores de gran ópera hay mucha música de valor e interés que ha dormido en forma injusta por largo tiempo.
Wagner atacó a Meyerbeer y quizá eso ayudó a su olvido. Es de esperar que este renacimiento eche atrás la injusticia que originó
Wagner y tengamos en los escenarios nuevamente estas importantes creaciones.
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Tumacuba
Contacto. Leonidas Eduardo Ocampo Arboleda Cel. 3186237680
Juglares
Contacto: Alejandro Murillo Cel. 3128339991
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Nuevas producciones discográficas
Desconcierto para tiple y orquesta
Contacto: Mauricio Lozano Riveros: Cel. 3102415553
Festival folclórico estudiantil del Colegio Universitario de Vélez
Por: Redacción regional Vanguardia Liberal
Con el fin de mantener el orden de las actividades dentro del festival que organiza el Colegio, está prohibido el consumo de bebidas
embriagantes.
Siguiendo la tradición, este año se cumple la versión 29 del Festival Folclórico Estudiantil que organiza el Colegio Nacional
Universitario de Vélez. (Foto: Suministrada/VANGUARDIA LIBERAL)
Del 25 al 27 de julio se cumplirá la versión 29 del Festival Folclórico Estudiantil del Colegio Nacional Universitario de Vélez.
Hernando Ramírez Mateus, representante legal de la Asociación Festival Folclórico Estudiantil Colegio Nacional Universitario de
Vélez, mediante comunicado dio a conocer el reglamento para este año.
Indica que las inscripciones deben hacerse por parte del director o representante de: conjuntos, reinas, danza, copleros y parejas,
con el fin de organizar debidamente las presentaciones, en las cuales se dará prioridad a los más pequeños.
Además, se establece que el número de integrantes por conjunto tendrá un máximo de 12 participantes y un mínimo de 5 y la
presentación en cada modalidad tendrá una duración hasta de 5 minutos: dos coplas en canto de Guabina y tres coplas en la
modalidad de moño, para cada bailarín.
También se indica que en la ronda folclórica, las carrozas son de libre creatividad, especialmente, elaboradas en material reciclable
y cada institución organizará sus comparsas con trajes típicos, coreografías, alegorías y coplas.
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Jairo Camargo, un malvado al estilo Shakespeare
“La maldad es fascinante”: Jairo Camargo
El actor santandereano confiesa que, tras 38 años de carrera en la televisión, ya no está tan atento a su trabajo. Con
la obra “Los villanos” desarrolló una fascinación por revelar el lado infame del ser humano.
Por: El Espectador
El actor Jairo Camargo ha actuado en teatro y televisión desde muy joven. Aclara que su manera de pensar no debe influir en su
trabajo como actor. / Cristian Garavito
Nació en Bucaramanga, creció en Zapatoca y vivió un tiempo en Barrancabermeja. ¿Qué recuerda de su infancia?
Nací en Bucaramanga, pero hace poco me enteré de que fui registrado en Barrancabermeja, lo que significa que nací allí. Con mi
familia vivimos un tiempo en Zapatoca, porque era un lugar económico para vivir y porque mi papá vivía en otra parte y no tenía
medios para sostenernos. Luego, cuando el viejo tuvo con qué proveer, llevó a toda la familia a Barrancabermeja y allí vivimos
ocho años.
Y en Barrancabermeja entró a hacer teatro. Para ese tiempo, ¿consideraba que la actuación sería una buena opción
para vivir?
No, nunca se me pasó por la cabeza. Se suponía que iba a ser cura, lo tenía clarísimo, pero tuve una gran decepción de los oficiantes
como representantes de Dios sobre la tierra. Hoy en día no creo en nada; escasamente creo en mí.
Y quiso ser psicólogo, pero terminó estudiando licenciatura en idiomas...
Quería estudiar psicología en la Universidad Nacional, pero nunca fui aceptado. Después entré a la Universidad Pedagógica Nacional
a estudiar licenciatura, que no tengo idea de dónde salió; debió ser un rezago por esa vocación religiosa. La cuestión fue que un
gran amigo del grupo de teatro de Barrancabermeja llegó a Bogotá y me habló de la Escuela Nacional de Arte Dramático, y ahí
empezó todo.
En ese momento estuvo con Santiago García. ¿Qué aprendió de él?
Sí, él era director de la escuela. Estando en sus clases, que para ese momento eran talleres, nos dimos cuenta con mi amigo de
que muchas de las cosas que estábamos aprendiendo con él ya las habíamos hecho en el grupo de teatro, pero no sabíamos cómo
se llamaban.
A propósito de su etapa como estudiante y sus primeros pasos en la televisión, ¿cómo hacía para sobrevivir?
Aún no lo sé, porque cuando empecé a trabajar de manera profesional en el Teatro Popular de Bogotá ganaba $2.000, estaba
casado, embarazado y pagaba $4.000 de arriendo, pero nunca pasé dificultades y no las he pasado en 38 años de carrera en la
televisión. En ese entonces tenía una responsabilidad y me casé con la madre de mi hija.
Bianca Paulina es su única hija. ¿Cómo es la relación con ella?
Desdichadamente ella está pagando un precio muy alto, porque cuando ella nació yo estaba empezando mi carrera. Ella siempre
ha estado sola, no contó con su mamá para que la guiara, pero no podemos cambiar la historia. Ahora que es mamá se ha dado
cuenta de lo difícil que fue para nosotros ser padres.
¿Aún conserva la costumbre de ver su trabajo?
No, ya no me quedo a ver toda la novela, porque las producciones en las que he trabajado las emiten muy tarde y porque los
contenidos que pasan por televisión no me interesan, no son atractivos para mí. El año pasado me gradué de narcotraficante y lo
hice. Mi manera de pensar y sentir no debe influir en mi trabajo.
Finalmente, ¿qué sensación le genera la maldad, a propósito de la obra “Los villanos”?
La gente mala es fascinante, la maldad es fascinante, porque pasan muchas cosas e ideas por la cabeza de una persona dañada
por el poder social, económico y político. Me parece que Ricardo III representa la maldad en los seres humanos.
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Ensayo
Jorge Volpi: “La cultura se volvió un comodín”
El reconocido escritor mexicano publica en su blog un ensayo sobre las tendencias culturales de la actualidad y sobre
qué defender en medio de ese caos.
Por: Redacción Cultura / El Espectador
Foto: EFE
El escritor mexicano Jorge Volpi advierte que la clave es la formación humanística de las nuevas generaciones.
El nuevo medio digital mexicano Horizontal le pidió a Jorge Volpi, uno de los intelectuales y escritores más reconocidos de
hispanoamérica, responder a su cuestionario “¿Qué cultura defender?”.
1. ¿Qué debe entenderse hoy por "cultura"? ¿Qué distinguiría a los productos y prácticas culturales de otros muchos productos y
prácticas (mercancías, políticas públicas, actividades de la vida cotidiana, etc.)?
2. ¿Tiene sentido todavía la dicotomía entre "alta cultura" y "cultura de masas"? ¿Por qué?
3. ¿Es necesario "defender" la cultura? ¿Se debe otorgar, desde el Estado y otras instancias, un tratamiento especial al campo
cultural y sus actores?
4. En una cultura globalizada, ¿cómo conviven los circuitos locales, nacionales y transnacionales? ¿Hay todavía un centro y una
periferia? ¿Qué agentes culturales predominan y cuáles son marginados? ¿Qué tipos de obras son favorecidas por la lógica global y
cuáles son relegadas?
5. ¿Cómo concebir hoy las dinámicas de la recepción cultural? ¿Cuál es el papel del público?
Volpi, entre otras cosas respondió: “lo que distingue a nuestra época es que, en términos comunes, la palabra cultura ha perdido
cualquier especificidad y ha pasado a aplicarse casi a cualquier práctica humana ("cultura nacional", "cultura chilanga", "cultura
cívica" o "cultura científica", aunque también "cultura del agro" o "cultura de la corrupción")”.
Advierte que se convirtó en “un término comodín, ha perdido el valor que se le asignaba en el pasado, cuando se le vinculaba
fundamentalmente con las humanidades y las bellas artes, prácticas a las cuales se incorporaron poco a poco la "cultura popular"
y la "cultura de masas", hasta convertirla en un recipiente universal que apenas evoca cierta superioridad, vagamente relacionada
con el "alma", el "espíritu" o la "mente", frente a manifestaciones más prosaicas: sólo con dificultades la cocina o el deporte se han
sumado a sus contenidos, mientras que todavía hay quien se empeña en excluir de su ámbito a la tecnología y sus últimos productos
(por ejemplo, los videojuegos)”.
¿Hay que defender la cultura? “La respuesta es un decidido sí, siempre y cuando se trate de defender aquellas prácticas culturales
que no podrían sobrevivir si dependiesen sólo de las leyes del mercado. Los ideólogos neoliberales insistirán en que se trata de una
protección artificial y volverán al argumento de que, si no pueden sobrevivir por sí mismas, lo mejor sería dejarlas morir en paz: a
fin de cuentas así se esfumaron la poesía épica o los valses de salón. El argumento resulta doblemente tramposo: si dejáramos que
las puras leyes de la oferta y la demanda determinen todas nuestras prácticas culturales, condenaríamos a la extinción -o a la
irrelevancia- a disciplinas artísticas completas e impediríamos que el público tuviese siquiera la capacidad de decidir y modelar sus
gustos”.
La clave para Volpi es la formación de las nuevas generaciones: “Si la educación formal no se encarga de proporcionar elementos
a los niños y jóvenes para que aprecien las distintas manifestaciones artísticas y culturales, de la poesía a las series televisivas y
de la música clásica al cine, jamás tendremos un "ecosistema" propicio para la creación. Es allí, en la educación formal y en especial
en la educación pública, más que en cualquier programa de fomento a la lectura o a las demás artes, donde el Estado tendría que
valerse de todos sus recursos. Un sistema educativo pobre, en donde la cultura es vista como accesoria o como un mero
entretenimiento, jamás dará paso a ciudadanos capaces de elegir conscientemente aquellas manifestaciones culturales que en el
futuro estarán dispuestos a sostener con sus propios recursos”.
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RAE publica una 'monumental' edición del 'Quijote' en dos
volúmenes
Casi un centenar de especialistas y escritores participaron en el proyecto.
Por: Redacción El Tiempo
Foto: EFE
Santiago Muñoz Machado, Víctor García de la Concha, director del Instituto Cervantes, Darío Villanueva, director de la RAE, Jaume
Giró, de la Fundación 'la Caixa', y la escritora Soledad Puértolas.
De esta manera, la Real Academia Española (RAE) hace suyo también la obra cumbre de Miguel de Cervantes Saavedra, que el
Instituto Cervantes promovió en 1998.
Esta edición, presentada este 23 de junio en la sede de la RAE, ha sido dirigida por el filólogo y académico Francisco Rico, gran
experto mundial en el ‘Quijote’, y es la joya de la corona de la Biblioteca Clásica de la Academia, que en 111 volúmenes reúne los
mejores títulos en lengua española y cuenta con el patrocinio de la Obra Social la Caixa.
La RAE se suma así a la celebración del IV centenario de la segunda parte del ‘Quijote’ y con esta edición cumple también el encargo
que el Gobierno español le hizo, en las primeras décadas del siglo XX, de que publicara una edición popular del ‘Quijote’ y otra
erudita, afirmó el director de la Academia, Darío Villanueva.
El ‘Quijote’ popular corrió a cargo del novelista Arturo Pérez-Reverte y vio la luz en 2014, y la edición erudita es la que publican
ahora Espasa y Círculo de Lectores.
"Con un 'poco' de retraso hemos cumplido esa antigua encomienda", dijo Villanueva ante numerosos invitados.
El primer volumen, de 1.644 páginas, contiene el texto cervantino, fijado "con las más rigurosas técnicas" de la filología moderna,
más una serie de introducciones, señaló el secretario de la Academia, Santiago Muñoz Machado.
En el volumen complementario, de 1.668 páginas, prestigiosos especialistas y escritores comentan uno a uno los capítulos de la
novela, y entre ellos figuran Javier Cercas, Roger Chartier, Alberto Manguel, Javier Marías, Claudio Guillén y Martín de Riquer.
Como decía Francisco Rico, antes de la presentación del ‘Quijote’, esta edición "no es radicalmente nueva, pero está puesta
rigurosamente al día".
"Lo más importante" de una edición de este tipo "es el texto", y en la que ahora se publica hay correcciones y lecturas nuevas de
determinados capítulos.
"Se han restaurado cien pasajes que están más cerca de Cervantes de lo que lo estaban en todas las ediciones anteriores", afirmó
Rico.
Y se han cambiado algunas palabras que figuraban en ediciones anteriores. Por ejemplo, donde antes ponía "fiestas", ahora se ha
escrito "siestas", y "veía" se ha sustituido por "llovía".
Hay fallos que, gracias a la filología, se han podido corregir. Cuando en el ‘Quijote’ se hablaba de "sardinas en lercha", no se sabía
qué quería decir, porque "lercha" no existe en castellano. Quería decir "percha".
"En aquella época todo se ponía en perchas con ganchos", explica Rico. Este filólogo y académico atribuye el éxito de esta novela
a "la arrolladora simpatía humana que despiertan los personajes de don Quijote y Sancho, que son naturales, convincentes".
"El ‘Quijote’ es el único libro de Occidente que ha sido 'best seller' todos los días de su vida. Ni Calderón ni Shakespeare ni Dante
consiguieron algo así", aseguró Francisco Rico.
Novedad de esta edición es también la inclusión del juicio que dio la censura civil sobre el ‘Quijote’ cuando se publicó por primera
vez.
Se había perdido en la imprenta y no se divulgó en su día, "como era obligatorio hacer".
Ese documento de la censura apareció en el Archivo Histórico Nacional y se ha incorporado ahora. El censor del siglo XVII veía el
libro como de "entretenimiento para el vulgo", dijo Rico.
Cuando se publicó el ‘Quijote’, "prácticamente nadie" se dio cuenta de la importancia de esta obra. "Cervantes era un hombre de
otra época y no era una persona que cultivara el estilo recargado que estaba de moda entonces, con muchas alusiones", comentó
Rico.
El director del Instituto Cervantes, Víctor García de la Concha, subrayó la oralidad que late en el ‘Quijote’, un libro "que está más
dicho que escrito" y que, por tanto "es una gran obra para enseñar español".
Prueba de ello es que los profesores que tiene el Cervantes por todo el mundo la utilizan para sus clases de español. Cualquier
edición del ‘Quijote’, afirmó Francisco Rico, "es buena para apreciar la grandeza" de esta obra.
Por algo, añadió Villanueva, Cervantes es "un auténtico monumento literario", y no sólo para los hispanohablantes.
El director de la RAE recordó que, hace unos años, la asociación de escritores de Suecia hizo una encuesta entre cien escritores de
todo el mundo para determinar cuál era la novela más importante de la historia de la literatura. Y la más votada fue el "Quijote".
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CARTAGENA: CONVOCATORIA PARA MUESTRA NACIONAL E INTERNACIONAL
DE DANZA EN PAREJA
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La Comisión Juvenil de CIOFF® Colombia y la Corporación FESTIFOLCLOR, en apoyo de la Red Nacional de Festivales Folclóricos
REDEFOLCLOR organizan el SEXTO FESTIVAL DE DANZAS EN PAREJA – MARIA INES BARRIOS MEZA y la PRIMERA MUESTRA
NACIONAL E INTERNACIONAL DE DANZA EN PAREJA, que se realizará en Cartagena del 5 al 8 de octubre de 2015.
PROCESO DE INSCRIPCIÓN
Las parejas que estén interesadas en participar de la convocatoria deberán tener una edad máxima de 27 años y deberán enviar
un correo a [email protected] solicitando las bases de participación.
CIERRE DE INSCRIPCIONES.
Se recibirán correos de solicitud de las bases de la convocatoria hasta el 15 de julio.
Informes
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Medellín le dice a Gardel: "Antes morir que olvidarte"
Comenzó el Festival Internacional de Tango que rinde tributo al zorzal criollo. Programación.
Por: Cultura y Entretenimiento | El Tiempo
Foto: Guillermo Ossa
En el barrio Manrique, de Medellín, la cultura del tango y de Carlos Gardel se vive en sus calles y sus habitantes. Crédit
Aunque fue en Medellín donde Carlos Gardel perdió la vida un 24 de junio de 1935, es precisamente esa ciudad donde menos
muerto está.
“Aquí el día que partiste no te dejé morir, mi corazón se levantó para cantarte. En mis calles y en mis barrios vives y perduras”,
dice una voz en un hermoso video que da la entrada al Festival Internacional de Tango de Medellín, Festitango, y que refleja,
justamente, la vida que tiene el zorzal criollo en la capital antioqueña.
Y por eso, la ciudad le dice a Gardel: “Querido Carlitos: Antes morir que olvidarte”.
Las celebraciones comenzaron hoy pero irán hasta el 28 de junio e incluyen treinta y un conciertos, todos gratuitos, en 17 escenarios
de la ciudad. El evento es organizado por Festitango y la Alcaldía de Medellín.
Se destacan espectáculos como el del bandoneonista argentino Rodolfo Mederos y el del cantante Ariel Ardit. Este último presentará
Gardel sinfónico, un tributo junto a la Orquesta Filarmónica de Medellín. El espectáculo es hoy (miércoles) en la Plaza Gardel,
ubicada frente al aeropuerto Olaya Herrera donde murió el cantante en un accidente de avioneta.
Pero como el tango es la historia de la calle, del barrio también, está la Feria Tanguera, una suerte de bazar con restaurantes,
bares, espectáculos y una milonga para 200 personas.
Otro de los eventos clave es el Concurso Internacional de Canto, cuya final será el jueves en la Plaza Gardel.
Dentro del Festival hay una muestra de Cine y Tango, que tiene 12 películas y tendrá 28 proyecciones.
También conferencias y charlas acerca de la relación de Carlos Gardel y Medellín, la historia sobre el día de la muerte del cantante;
un encuentro de coleccionistas de tango; exposiciones de arte en homenaje e intervenciones urbanas.
Precisamente este miércoles, en el barrio Manrique, uno de los más tangueros de la ciudad, se hará en la Avenida Gardeliana Flores
para Gardel, un evento conmemorativo frente a su escultura.
Festitango se clausura el domingo próximo en el Teatro Metropolitano con el concierto de Néstor Marconi y la Orquesta de Tango
de la Red Escuelas de Música.
La agenda completa de eventos para que se programe, se puede ver en: http://goo.gl/K2OOYj
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Este jueves inicia el encuentro de Danzas Folclóricas Mercedes Montaño
Autor: Redacción de El País
El Encuentro lleva el nombre Mercedes Montaño en tributo a la mujer considerada ‘Madre del Folclor del Pacífico’.
Áymer Andrés Álvarez, Especiales para El País.
Grupos dancísticos de Colombia, Panamá, Ecuador, Puerto Rico y Bolivia se darán cita en Cali desde mañana y hasta el domingo
28 de junio para la edición 21 del Encuentro Nacional e Internacional de Danzas Folclóricas Mercedes Montaño.
Los escenarios de esta actividad serán el Teatro Municipal Enrique Buenaventura, el Teatro Al Aire Libre Los Cristales y el Centro
Cultural de Cali.
En el Municipal, mañana, a las 6:30 p.m., será la gala de apertura. Este año se rendirá tributo a la labor realizada por el Centro
de Estímulos para el Aprendizaje y las Artes, quienes presentarán su trabajo con niños y jóvenes.
En la velada se podrá apreciar la propuesta dancística de agrupaciones como Proyección Folclórica Panamá del Alma Mía (Panamá),
Guateque - Ballet Folclórico de Puerto Rico, la Compañía Integral de Danzas de Bolivia, la Asociación Cultural Presencia
Negra (Ecuador), la Escuela de Danza Palma Africana (Barranquilla).
También estará la Academia Así es Colombia (Meta), el Grupo Nuestra Tierra (Cauca) y la Asociación Cultural Terpsícore (Valle).
“El objetivo de este encuentro es el fortalecimiento y el fomento del folclor en la ciudad. Es tener la oportunidad de que nuestros
talentos locales puedan circular a nivel nacional e internacional. Las agrupaciones que veremos se destacan porque son
representantes autóctonos de cada una de sus regiones y países de origen”, señaló Margarita Casas, coordinadora del Encuentro.
Este año habrá 11 presentaciones descentralizadas. De ellas, cuatro serán en los corregimientos de Montebello, La Buitrera,
Golondrinas y El Hormiguero, así como tres presentaciones en Yumbo, gracias a la alianza con el Festival Nacional de Danza
Folclórica Mi Tierra que realiza 'La capital industrial del Valle'.
Además de los cuatro países invitados, el Mercedes Montaño tendrá grupos del Atlántico, Antioquia, Meta, Bogotá y Cauca, además
de 22 agrupaciones de la ciudad y dos del Valle, de los municipios de Buenaventura y Guacarí.
Para el público habrá talleres donde las agrupaciones compartirán su experiencia artística, este viernes y sábado de 8:00 a 10:00
a.m. en la Sala 108 y en el Salón Madera del Centro Cultural de Cali. Finalizado el Encuentro habrá talleres para los artistas de
maquillaje, producción escénica y vestuario.
Invitados
Grupo de proyección folclórica Panamá del Alma Mía, agrupación formada en 2013 que hoy cuenta con 70 bailarines entre adultos
y niños. Dirigido por Óscar Rodríguez y Marlenis Barrios de Rodríguez.
Guateque - Ballet Folclórico de Puerto Rico: Imparte en su coreografía el sentir auténtico del jíbaro borincano. Creado por Joaquín
Nieves Caldero.
Compañía integral de danzas de Bolivia-Cidebol: Creada en 2005, en La Paz-Bolivia, por Judith Vidaurre y Alfredo Ochoa. Difunden
el folklore Boliviano.
Asociación cultural presencia negra, Esmeraldas, Ecuador: Formada en 1995 por Adison Guizamano. Nació para difundir la música
y danza tradicional afro-esmeraldeña y enseñar a niños y jóvenes la elaboración de artesanías. Interpretan el ritmo bambuquiado
representado en las danzas, Caramba, Torbellino, Bambuco, La Pesca, Fabriciano…entre otras; el ritmo polca con su danza
Andarele; el ritmo Mapalé a base de percusión.
Agenda
Jueves 25 de junio10:00 a.m. Presentaciones en el Colegio Pedro Antonio Molina, barrio San Luis, Comuna 6; y en el corregimiento
El Hormiguero.
6:30 p.m. Gala de apertura en el Teatro Municipal Enrique Buenaventura.
Viernes 26 de junio10:00 a.m. Programación en Montebello y Golondrinas.
6:30 p.m. Presentación en la Plazoleta del Centro Cultural de Cali.
A la misma hora, también habrá actividades en el Auditorio colegio Divino Salvador del barrio Caldas - Comuna 18; y en Yumbo,
en el Festival Nacional de Danza Folclórica.
Sábado 27 de junio 4:00 p.m. Presentación de grupos en la Loma de Cruz.
6:00 p.m. Polideportivo El Vallado, Comuna 15.
6:30 p.m. Clausura del Encuentro en el Teatro Al Aire Libre Los Cristales.
A la misma hora, también habrá grupos en Yumbo.
Domingo 28 de junio 5:00 p.m. Presentación en el Centro Cultural de Cali. Y en Yumbo.
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Centro Cultural del Oriente Colombiano Bucaramanga, Santander, Colombia
Vigías del Patrimonio
Festivalito Ruitoqueño de música colombiana
Patrimonio Cultural de Santander - Patrimonio Cultural de Floridablanca
Orgullo de Santander para Colombia
La música en streaming no omite pago a artistas
Taylor Swift, la cantante pop norteamericana, firmó una carta este fin de semana. “Para Apple con Amor. Taylor”. No
era precisamente de amor hacia la compañía.
La música en streaming no omite pago a artistas (Foto: El Colombiano / VANGUARDIA LIBERAL)
La artista reclamaba por sus derechos, ya que Apple no iba a pagar regalías por la música descargada en el periodo gratuito de tres
meses para usuarios del servicio de streaming que lanzará el próximo 30 de junio.
La rubia desató titulares de noticias y comentarios. Apple retrocedió, se disculpó y prometió pagar por la música que pondrá a
disposición de sus usuarios. Además, entrará a competir con su servicio de streaming con otras compañías que ya tienen un público
consolidado y en crecimiento, entre ellas Deezer, Spotify y Beats Music.
¿Por qué se enfureció Taylor? Con el cambio que dio la industria de la música hacia el streaming, millones de usuarios de las
distintas plataformas pagan planes con el fin de tener acceso a catálogos con miles de canciones que pueden reproducir en sus
dispositivos en cualquier momento.
“Ese dinero entra a una gran bolsa que, en el caso de Deezer, administramos. Ahí están los costos de operación, y el resto lo
repartimos equitativamente a los agregadores digitales. Pagamos a esos socios o partners de la industria. Eso varía mes a mes y
dependiendo del número pagamos a cada uno de esos agregadores o sellos discográficos y ellos, dependiendo del contrato que
tengan con el artista reparten a los creadores de esos contenidos”, comenta Carlos Ardila, gerente editorial de Deezer para países
andinos.
Con el streaming ganan los artistas que pueden llegar cada vez a más usuarios y que reciben un porcentaje por cada stream que
hagan de su música en estas plataformas.
De los ingresos por suscripciones, las compañías de streaming comparten alrededor del 70% con sus partners; Apple dijo en un
comunicado que compartirá el 71,5% de sus ingresos procedentes de suscripciones pagadas dentro de Estados Unidos y 73% de
las suscripciones de otros países.
Zaperoco
Por: Inquisidor / Vanguardia Liberal
Cita. Evacúan a 20 mil personas para desactivar bomba de la II Guerra Mundial (28/05/15. Internacional).
Comentario. ¿Evacuaron a veinte mil personas? ¿Sería a un batallón o a un regimiento? Tal vez no. Puede evacuarse un lugar, un
edificio, una tropa; pero cuando se evacua (ojo, que se escribe y se pronuncia sin tilde) a una persona, el resultado puede ser
desagradable; ¡y ni se diga cuando se trata de veinte mil personas!
Cita. (31/05/15. Opinión. Jesús Rodrigo Fernández). Contrastó esta situación con la respuesta del público que fué lamentable […]
En materia de candidatos y precandidatos a la alcaldía la presencia tampoco fué generosa solo uno permaneció durante todo el
evento […] No podrán decir, los otros, que no les invitaron…
Comentario. Hay varias cositas, ilustre y apreciado ingeniero, que debe tener en cuenta cuando escriba sus interesantes columnas:
Primera –aunque no se incluyó en la cita por ser tema bastante repetitivo en este espacio–, no se escribe “0.03%”, sino ‘0,03 %’,
separado. Segunda, el monosílabo ‘fue’ no se tilda desde 1952. Tercera, apóyese en el punto y coma cuando quiera concluir: “La
presencia tampoco fue generosa; solo uno permaneció…”. Y, cuarta, “los otros” no podrán decir que no ‘los’ invitaron; el uso de
‘les’ no es apropiado. Era solo eso; perdone tanto pereque.
Cita. Dos personas fallecen tras accidente cerca a La Lizama. El tractocamión involucrado en el fatal accidente se dirigía hasta la
ciudad de Barranquilla y transportaba cemento (31/05/15. Judicial).
Comentario. ¿Se dirigía “hasta”? ¿No les suena mejor “se dirigía a”? ¿Recuerdan el uso de las preposiciones? ¿Las estudiaron alguna
vez? Ah, y hablando de las preposiciones, se dice cerca DE, no “cerca a”.
Cita. Si considera que es demasiado para su presupuesto, negocee […] En casi todas las ciudades existen los menús de almuerzo
y cena (31/05/15. De Turismo).
Comentario. Eso, y si necesitan duplicados, entonces “fotocopeen”. Pareciera que les falta sentido común, que hubieran podido
demostrar si hubiesen escrito ‘menúes’, cuyo uso desaconseja la Academia, pero que tiene menos sentido frente al plural de muchas
palabras similares, como ‘bambú’ y ‘zenú’, entre otras.
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