1. Espiritual

Dimarts 7 d’octubre de 2014 · Número 5
9 Jim Mickle
10 Ana Lily Amirpour
11 Alexandre O. Philippe
12 Carlos Vermut
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Diari del festival
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Dimarts 7 d’octubre 2014
Informació i venda d’entrades
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Cap de la Vila
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Preus (IVA inclós)
C. Rafael Llopart
Av. Sofía
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1
C. Francesc
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C. S
C. de Joa
Compra les teves entrades a través
del web del Festival:
www.sitgesfilmfestival.com
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Pg. de la Ribera
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La
Fragata
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L’Exco
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Platja de
Sant Sebastià
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Estació
Bus Sitges - Barcelona / Sitges - Vilanova
Cinema Prado
Cinema El Retiro
Cap de la Vila
Jardins d’El Retiro. Taquilles centre
Hort de Can Falç
Carrer Primer de Maig
Passeig de la Ribera
La Fragata
Ajuntament
Fundació Stämpfli - Art Contemporani
Mercat Vell. Casa Bacardí
Palau de Maricel. Exposicions
Edifici Miramar
Platja de Sant Sebastià. Estands
L’Escorxador. Brigadoon. Punt d’informació
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18 Hotel Meliá. Auditori. Taquilles.
Punt d’informació. Sala Tramuntana
19 Photocall Mirador
20 Port de Sitges - Aiguadolç
21 Photocall del Port
COORDINACIÓ
Violeta Kovacsics
Tren fantàstic!
FOTÒGRAFS
Miguel Ángel Chazo, Jesús Paris
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Informació transports
MAQUETACIÓ
Juan Carlos Gómez,
Fran Valenciano
(Estudio Fénix)
Rave
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El diari del festival
REDACCIÓ
Gerard Casau, Toni Junyent,
Alan Salvadó, Pau Teixidor,
Gala Hernández
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Consulteu tots els horaris, parades
Del 3 al 12 d’octubre (ambdós inclosos) i preus a
Tren directe Sitges – Barcelona Sants www20.gencat.cat/portal/site/
Sortida des de Sitges: 1.30h de la rodalies o bé al 900 41 00 41
matinada
Bus diürn i nocturn
Són vàlids els bitllets i abonaments
de Renfe i ATM, adequat al nombre
de zones del trajecte realitzat.
El Tren Fantàstic sortirà puntualment a la 1.30h, sense excepcions.
En cas de retard en les projeccions
nocturnes, la sortida d’aquest tren
no es modificarà.
Monbús
Consulteu horaris i parades
93 893 70 60 / www.monbus.cat
Bus urbà de sitges
Consulteu horaris i parades a:
www.visitsitges.com
IL·LUSTRACIÓ
Guillem Dols
VOLUNTÀRIA
Patricia Salvatierra
El festival no comparteix necessàriament
les opinions expressades pels diferents
autors d’aquesta publicació.
El Festival no és responsable dels possibles canvis d’horaris d’aquests
serveis de transports. Els possibles canvis en les projeccions del Festival no afectaran ni modificaran l’horari dels serveis de transports.
maratons del 12 d’octubre, les sessions Despertador, Abonament Matinée,
Abonament Auditori, Butaca VIP i Localitat Numerada
Venda d’entrades
9€: S. O. F. Sitges 47, S. O. F. Òrbita, S. O.
F. Especials, Fantàstic Panorama, Noves
Visions, Seven Chances, Focus Àsia, Midnight X-Treme, Anima’t i Sessions 3D*.
6€: Secció Sitges Clàssics
7€: Sessions Anima’t Curts
11€: Maratons, Programa doble (llevat
d’excepcions)
13€: Gala d’Inauguració i Gala de Cloenda
14€: Maratons del dia 12 d’octubre
4,50€: Classes magistrals i sessions Despertador (sessions de les 8.30 h. a tots
els cinemes)
*1€: Ulleres 3D, per les sessions 3D de
l’Auditori. De venda al web i a les taquilles del Festival.
De 3 al 12 d’octubre també les podràs
adquirir a les taquilles de l’Auditori situades a la sala Tramuntana de l’Hotel Meliá Sitges (c. Ramon Dalmau, s/
núm) i a les taquilles Jardins del Retiro
situades als jardins d’aquesta societat
(Àngel Vidal, 17).
Abonament 10: Compra 10 entrades
per a 10 sessions diferents i obtindràs un
10% de descompte sobre el preu total.
És vàlid únicament per a les sessions que
tinguin un preu de 9 euros. Podràs gestionar el teu abonament a la teva àrea
personal de la nostra pàgina web.
Abonament 20: Compra 20 entrades
per a 20 sessions diferents i obtindràs un
20% de descompte sobre el preu total.
És vàlid únicament per a les sessions que
tinguin un preu de 9 euros. Podràs gestionar el teu abonament a la teva àrea
personal de la nostra pàgina web.
Abonament 40: Compra 40 entrades o
més i obtindràs un 20% de descompte
sobre el preu total. És vàlid per a totes
les sessions excepte les gales d’Inauguració i Cloenda, maratons del 12 d’octubre, les sessions Despertador i Localitat Numerada. Podràs gestionar el teu
abonament a la teva àrea personal de la
nostra pàgina web.
Taquilles del festival
Abonaments (iva inclós)
Carnets amb descompte*
20% de descompte en la compra d’entrades per als titulars del Carnet de Biblioteques de la Diputació de Barcelona,
Carnet Jove, Targeta Cinesa Card, Club
Fnac Oci i Cultura, Club TR3SC (vàlid
per al titular i un acompanyant), RACC
Master, RAKK 4u, Amics JoTMBé i majors de 65 anys.
Els descomptes no són acumulables. El
titular podrà adquirir una entrada amb
descompte per carnet, excepte els titulars del carnet TRESC, que podran adquirir-ne dues.
* Excepcions dels carnets de descompte: els descomptes no són aplicables a
les gales d’Inauguració i de Cloenda,
Recollida d’entrades
Print at home: Imprimeix les teves entrades des del teu espai personal triant
l’opció “print at home” i accedeix amb
elles directament al cinema.
Ticket Mobile: Si tens un smartphone,
descarrega’t les teves entrades des del
teu espai personal al mòbil triant l’opció
“Print Mobile” i accedeix directament al
cinema.
Es podran adquirir entrades per a tots els
cinemes i sessions a:
Taquilla Auditori (Hotel Melià Sitges Sala Tramuntana). Carrer Ramon Dalmau, s/núm. Horari: Des de les 9 h i fins
l’inici de l’última sessió de pagament dels
cinemes Auditori o Tramuntana.
Taquilla Jardins del Retiro. Carrer Àngel
Vidal, 17 (també accés pel carrer Jesús).
Horari: Des de les 9 h i fins l’inici de l’última sessió de pagament dels cinemes
Retiro o Prado.
Molt important: Les entrades per a les
sessions que comencin abans de les 9 h.
a qualsevol dels espais s’hauran adquirir/
recollir anticipadament amb el sistema
Print at home o Ticket Mobile.
Observacions: Forma de pagament acceptada en efectiu i targeta. Es donarà
prioritat a la venda d’entrades per a les
sessions immediates. Queda prohibit
l’accés a la sala un cop començada la sessió. Únicament es contemplarà el canvi
o devolució de l’import de l’entrada en el
cas de cancel·lació del/dels llargmetratge/s anunciat/s en la programació.
Es recomana consultar la descripció de les
pel·lícules abans d’adquirir les entrades.
La informació inclosa en aquest programa és susceptible de canvis. Per a més
informació consulteu el web:
www.sitgesfilmfestival.com
Suport taquilles: Horari d’atenció de dilluns a divendres de 9.30 a 21.30h. Caps
de setmana i festius previs al Fetival
de 10 a 19h del 23 de setembre al 12
d’ocubre. Telèfon: 93 1195828
Correu electrònic:
[email protected]
Diari del festival
3
Dimarts 7 d’octubre 2014
Ana Lily Amirpour (A Girl Walks Home Alone at Night)
Maximilian Erlenwein (Stereo)
Màster Class de Pablo Helman
L’equip d’I Origins
L’equip de Cold in July
Bruce LaBruce (Pierrot Lunaire)
Diari del festival
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S.O.F. Sitges 47
AUDITORI 12:45
Dimarts 7 d’octubre 2014
Noves Visions - No Ficció
PRADO 12:15
Jamie Marks Mr. leos
Is Dead
caraX
del director. Això permet a les
escenes dialogar entre elles, associant-se de maneres inèdites i
extraient una nova mètrica al seu
inconfusible sentit del lirisme,
confirmant a Leos Carax com
un dels pocs poetes purs que ha
donat el cinema en el seu segle
d’existència.
Focus Àsia
RETIRO 14:45
The Fives
Fantàstic Panorama
Naturaleza
muerta
AUDITORI 16:45
These
Final Hours
La imatge que tenim de Leos Carax és la d’un home amagat sota
unes ulleres de sol i enganxat a
una cigarreta, com si es tractés
d’un bessó occidental i esquàlid
de Wong Kar-wai. Poc més sabem
d’aquest cineasta genial i taciturn,
que dirigí Chico conoce chica amb
només 24 anys, convertí la història d’amor entre una pintora i
un captaire en una pel·lícula més
gran que la vida a Los amantes del
Pont-Neuf, fou condemnat a l’ostracisme per l’ambició dels seus
projectes i realitzà un retorn triomfal amb Holy Motors, guanyadora de Sitges l’any 2012.
Fidel a la seva filosofia escorredissa, el gran absent de Mr. leos caraX és el personatge que dóna
nom al documental, a qui només
veiem en imatges. D’aquesta manera, la personalitat del protagonista es va construint a través dels
testimonis de crítics i personalitats de la cultura cinematogràfica,
de col·legues cineastes (Harmony
Korine, Kiyoshi Kurosawa) i dels
seus col·laboradors, com ara la
muntadora Nelly Quettier i el seu
actor fetitxe, Denis Lavant.
Tenint en compte que l’autor de
Mala sangre pensa sempre en
imatges en moviment, les paraules dels experts acaben quedant
en segon pla davant la força cinètica dels fragments de les seves
pel·lícules. En molts moments, la
directora Tessa Louise-Salomé fa
un remix de l’imaginari caraxià,
unint talls que pertanyen a diversos moments de la filmografia
Les ficcions poden ser moltes
coses, però hi ha preguntes la
mera formulació de les quals és
capaç de posar-nos la pell de gallina. ¿Què faries i quines serien
les teves prioritats si el món estigués a punt d’acabar-se? En els
darrers anys, Sitges ha projectat
un bon grapat de pel·lícules que
es feien eco d’aquesta qüestió,
oferint tot tipus de visions.
Després que a Austràlia se n’hagi parlat molt i bé, ara ens arriba
These Final Hours, l’emocionant
òpera prima de Zak Hilditch, una
pel·lícula que ens introdueix a la
vida de James, un home que ja
no pot suportar el mer esguard
de la seva xicota embarassada,
sabent que la perdrà per sempre, i marxa a emborratxar-se
a una festa salvatge; probablement, la darrera festa salvatge
d’Austràlia.
Pel camí, però, salvarà una noia
jove que li farà replantejar-se els
seus plans mentre, al seu voltant, tot s’està enfonsant i els
éssers humans, enfrontats a les
seves darreres hores, comencen
a treure les bèsties que porten
a dins.
CineAsia
PRADO 17:45
S.O.F. Sitges 47
El paisaje donde se desarrolla Jamie Marks Is Dead recuerda a
Twin Peaks. Además, el punto
de partida de ambas películas es
el mismo: un cadáver aparece en
un paraje (aparentemente) idílico. Detrás de la América rural, se
esconde un entorno de violencia
y de hostilidad. En Jamie Marks
is Dead, la imagen de un ciervo
muerto colgando de una canasta
de baloncesto es prueba de ello.
Jamie Marks, el chico que da título
a la película, es víctima de este entorno feroz. En su instituto, sufre
las vejaciones de sus compañeros.
Un día, su cuerpo aparece sin vida.
Para la mayoría de los compañeros
de su instituto, Jamie era un chico
invisible. En cambio, Adam y Gracie (Dana Brody, en Homeland)
son acechados por un remordimiento que surge del sentimiento de culpabilidad por haber sido
cómplices indirectos del bullying.
Para Adam, la visita al lugar donde
se encontró el cuerpo de Jamie se
convierte en un ritual de exorcismo pero no sabe, que con ello, comenzará a encontrarse cara a cara
con él. A partir de este momento,
Adam y Jamie establecen una relación de amistad que no habían
mantenido cuando este último
vivía. Así pues, con un pie en un
mundo y otro en el otro, Adam inicia un proceso de aprendizaje. El
director, Carter Smith construye
un drama, gélido y fantasmagórico, en el que el refrán “dime con
quién andas y te diré quién eres”
adquiere nuevos significados.
humor macabro que salpimientan
una trama ya de por sí sorprendente y enrevesada.
Basada en un webtoon original
(tiras de imágenes, similares al
manga japonés, que se leen de
arriba abajo) titulado The 5ive
Hearts, The Fives trata sobre una
mujer que ofrece sus órganos a
un grupo de 4 personas cuyos familiares necesitan urgentemente
un trasplante. A cambio, ella pide
que la ayuden en su afán de venganza para encontrar al asesino
que mató a su marido y a su hija.
Poco a poco, el cerco se irá cerrando y unos y otros podrán ver
cumplidos sus deseos, pero no sin
algún que otro sacrificio.
Los coreanos se pirran por las películas de venganza sangrienta, lo
sabemos desde aquella mítica trilogía perpetrada por Park Chanwook, que tuvo su continuidad en
otras obras mayores como Encontré al diablo o El hombre sin pasado. Los amantes de las emociones
fuertes y de la intriga detectivesca
están de enhorabuena: The Fives
contiene dosis de ambas en cantidades estimables. Las película tiene los elementos perfectos de un
thriller a la vieja usanza: un asesino en serie expeditivo y brutal en
sus ejecuciones, y del que en ningún instante vemos el rostro; una
afligida y superviviente madre,
que busca vengarse a cualquier
precio; un grupo de personajes
desesperados, capaces de llevar
a cabo cualquier ilegalidad con
tal alcanzar su objetivo. The Fives
se completa con unas convenciones sociales que son hechas añicos ante la imperiosa necesidad
de actuar en contra del incompetente sistema y con pinceladas de
El primer largometraje del argentino Gabriel Grieco arranca
con una escena que, amén de inquietante, es absolutamente icónica. En ella, vemos una casa en
las afueras y una mujer indefensa que, justo cuando está a punto
de sentarse a cenar un suculento
filete, percibe que alguien o algo
acecha en la oscuridad. La chica
lo tiene crudo.
Poco después, estamos en un
plató de televisión profusamente
iluminado en el que conoceremos
a otra chica, Jazmín, una periodista de tres al cuarto con la cabeza
hueca y con muchas ganas de ser
alguien. Esta ambición pronto va
a chocar con nuestras ganas de
que (por favor) le pase algo, de
que alguien se lleve su mal humor y su altivez a otra parte. Su
pobre asistente de cámara, que se
la quiere beneficiar, pronto estará
de acuerdo con nosotros. Ambos
se desplazarán a una zona en la
que el vegetarianismo es sinónimo de misteriosas discordias, entre las cuales está la desaparición
de una joven. Su viaje pronto se
convertirá en una auténtica pesadilla. Quizá, como dicen en el filme, la caca de vaca está jodiendo
la atmósfera, pero os aseguramos
que morir a manos de una bestia
salvaje duele mucho más.
Diari del festival
5
Dimarts 7 d’octubre 2014
Noves Visions - Ficció
PRADO 23:00
One on One
Tras ganar el premio a la mejor
película en la sección Venice Days
del Festival de Venecia, el surcoreano Kim Ki-duk regresa a Sitges
con el espeluznante thriller One
on One. Tan prolífico como polémico, Kim Ki-duk revisita aquí
algunos de sus leitmotivs más
frecuentes, como la sed de venganza o la inadaptación social de
sus personajes.
One on One parte del brutal asesinato de la colegiala OH Min-ju
–un nombre simbólico, pues en
castellano significa OH Democracia–. Después, nos presenta
las Siete Sombras, un misterioso
grupo terrorista que quiere impartir justicia y que comenzará a
buscar y a torturar brutalmente a
cada uno de los sospechosos de
la muerte de la niña. ¿Quiénes
son estos individuos desesperados y violentos, disfrazados con
uniformes de las distintas fuerzas
de la autoridad, que se hacen llamar las Siete Sombras? ¿De dónde les surge su implacable necesidad de redención y castigo? La
película cobra una dimensión de
parábola ética cuando, poco a
poco, comienzan a desvelarse las
identidades y las motivaciones
de estos enigmáticos personajes,
permitiendo al director elaborar
un discurso contundente sobre la
lucha de clases y sobre la corrupción moral del poder. Siempre radical en sus propuestas, el maestro Kim Ki-duk aborda en One on
One la contradictoria naturaleza
humana en el contexto de una
sociedad, la surcoreana, llena de
una ira a punto de estallar.
S.O.F. Òrbita
RETIRO 18:45
No Tears
for the Dead
L’inici de No Tears for the Dead és
pur noir: el club Misty, la cantant
i la seva banda, la partida de pòquer i, finalment, l’assassí a sou
que irromp en escena i en el primer bany de sang de la pel·lícula.
Molts dels patrons del gènere es
posen en circulació en un pròleg
que acaba amb la mort accidental d’una nena que presenciava el
tiroteig.
En l’univers de violència que ens
presenta de forma estilitzada el
cineasta coreà Lee Jeong-Beom,
no hi ha espai per a la pietat ni
per a la compassió, tal com resa
el títol de la pel·lícula. Malauradament, Gon, el nostre protagonista, no seguirà aquesta premissa i
l’error tràgic comès l’arrossegarà
a un cul de sac en què l’amor i les
obligacions professionals –matar
a la mare de la nena morta– entren en conflicte.
La idea d’humanitzar aquestes
figures fredes i despiadades no
és nova, El profesional (Léon) i
Crying Freeman: los paraísos perdidos, en són alguns exemples
emblemàtics. Lee, però, posarà l’accent de la pel·lícula en el
drama; l’escena d’enamorament
entre els dos protagonistes i la
imatge de la mare contemplant
la seva filla en un vídeo domèstic són alguns dels instants més
emotius de No Tears for the Dead.
Les gotes de les llàgrimes no tindran espai en aquest film; les de
sang, per contra, seran les úniques que guiaran a Gon cap a una
possible redempció.
S.O.F. Sitges 47
AUDITORI 10:30, 22:45
Maps to the Stars
Para aquellos que vivimos una
existencia gris y sin glamour,
y levantándonos cada mañana
para hacer frente a la aglomeración de vidas desperdiciadas que
nos espera en el transporte público, escuchar los chismorreos
que rebajan a los famosos a la
altura del betún nos llena de un
placer indescriptible. Más aún si
estas historias (auténticas o no,
¡qué más da!) tienen lugar en
Hollywood, y convierten la meca
del cine en un nido de víboras.
Bruce Wagner sabe un rato de
estos asuntos, ya que sus guiones y sus novelas están repletos
de dardos envenenados que radiografían sin compasión el desolador panorama de la industria
del cine y sus alrededores. Viejo
amigo de David Cronenberg,
solo era cuestión de tiempo que
sus retorcidos cerebros chocasen en un proyecto común. Este
ha acabado tomando la forma
de Maps to the Stars.
El libreto de Wagner brinda al cineasta canadiense la oportunidad
de sacar su vena más vitriólica. El
humor siempre ha estado latente
en el universo del director de Una
historia de violencia, pero nunca
hasta ahora se había acercado de
forma tan clara a la satirización de
unos personajes que, en este caso
se muestran perdidos en el laberinto de sus propias neurosis. A
este juego se suma un Robert Pattinson sin miedo a parecer alelado
y ridículo, y que ha pasado de ocupar el asiento trasero de la lujosa
limusina de Cosmópolis a ponerse
al volante del coche que conduce
a Agatha (Mia Wasikowska) por
el bulevar de los sueños rotos.
Como Naomi Watts en Mulholland Drive, Agatha llega a Hollywood con una inocencia desarmante, solo para comprobar
que el pasado con el que pretendía reconciliarse es una herida que sigue doliendo, como
las quemaduras que recorren su
cuerpo. Su anomalía física hace
de ella la mutante de Maps to the
Stars; el único personaje que ha
exteriorizado su deformidad (su
IT'S NOT FOR ANYTHING IN PARTICULAR,
IT'S FOR EVERYTHING.
Traditional and leading, bohemian and open-minded, versatile and adventurous. There are many Barcelonas to enjoy but just one to live. Its streets
make it stimulating, its people motivating, its historical and cultural patrimony make it vibrant, its brightness and way of life make it seductive...
What is it that this city has? Everybody who discovers it, agrees on the same thing:there are many cities in the world, but Barcelona is really special.
CREATIVITY. BUSINESS. SPORT. RESEARCH. CULTURE. KNOWLEDGE. ENTREPRENEURSHIP. INNOVATION. HAPPINESS.
“nueva carne”), a diferencia de
los monstruos que la rodean: actrices descarriadas y mezquinas,
que vuelven una y otra vez sobre
una infancia de abusos; estrellas
infantiles con una superdotada
noción del cinismo; fisioterapeutas que venden el lema de mente
sana in corpore sano mientras se
comportan como mafiosos extorsionadores.
Como Un método peligroso y
Cosmópolis, Maps to the Stars
presenta a un David Cronenberg
interesado en trabajar el rostro
de unos actores (Wasikowska,
Pattinson, pero también John
Cusack y Julianne Moore, premiada en Cannes) que no cesan
de hablar. Sin embargo, el filme
marca distancias con la filmografía previa de Cronenberg al
abrir el relato a una coralidad
inusual en el cine del autor, permitiéndole observar la evolución
de un virus endogámico que parece condenar a los habitantes
de Hollywood a vivir y morir en
una trampa incestuosa.
Diari del festival
6
S.O.F. Sitges 47
AUDITORI 14:45
Goodnight
Mommy
Dimarts 7 d’octubre 2014
dudosa; un secreto. Los chicos
comienzan a elucubrar sobre la
posibilidad de que la mujer que
tienen en casa no sea su madre.
Sembrada la semilla de la duda, la
frialdad de los espacios comienza
a mudar hacia el arrebato del terror. Como en el cine de Haneke,
Goodnight Mommy maneja una
violencia latente, retorcida y, finalmente, explosiva.
S.O.F. Sitges 47
Fantàstic Panorama
AUDITORI 20:45
RETIRO 17:00
Oculus
Horsehead
religiosa i mística donarà peu a
unes imatges de difícil digestió.
L’autèntic perill roman al fons de
la nostra imaginació, perquè, segons Horsehead: tot allò que un
pugui somiar, passarà.
Noves Visions - Ficció
PRADO 08:30
Norway
Noves Visions - No Ficció
PRADO 14:00
Last Hijack
Hace unos años, el vienés Christoph Waltz explicó en un late
night americano las diferencias
entre los alemanes y los austriacos. Primero, señaló el sentido del humor, inexistente en el
caso germano y atravesado por
la ironía en el austriaco. Luego,
dejó claro que los vieneses pueden parecer muy educados, pero
que esta cortesía no es más que
una fachada. Waltz señalaba con
sorna las maneras de un país que
sigue siendo uno de los grandes
desconocidos de Europa Central.
Bajo el manto de la ironía y de las
buenas formas, Austria esconde
un fondo oscuro. Basta con pensar
en directores como Michael Haneke para darse cuenta del carácter
retorcido que habita en el imaginario de la cinematografía austriaca. Basta también con acercarse a
la obra de Ulrich Seidl, agitador de
las conciencias centroeuropeas y
productor de Goodnight Mommy.
Dirigida por Veronika Franz
(guionista de Seidl) y por Severin
Fiala, Goodnight Mommy supone
una nueva exploración de la perversidad. El escenario es una sofisticada y aislada casa, de fachada acristalada y con una frialdad
digna de la vivienda de La piel
que habito. Los protagonistas son
dos hermanos gemelos y su madre, una mujer con el rostro cubierto por una máscara tras una
operación estética. Como en Los
ojos sin rostro de George Franju,
en Goodnight Mommy, la careta conlleva una identidad frágil,
Quan l’any passat vam veure Capitán Philips, a tots ens va quedar
gravat el personatge del pirata
a qui donava vida Barkhad Abdi.
La seva esgarrifosa i hiperrealista interpretació culminava el procés de definició d’una nova figura
amenaçant, la dels pirates somalis, que també estava present a títols com A Hijacking, Stolen Seas
o Fishing Without Nets.
En aquest sentit, Last Hijack és
un film necessari, ja que el documental dirigit per Femke Wolting
i Tommy Pallotta trenca la distància que ens separa d’aquests
personatges i es guanya la confiança de Mohammed, un pirata autèntic. Davant la càmera, el
protagonista despulla les seves
pors i els seus anhels. La pel·lícula ens acosta una mica a les complicades decisions vitals i morals
que prenen aquests homes.
Davant la impossibilitat de presenciar l’autèntic segrest del vaixell,
Last Hijack troba una solució creativa, convertint aquestes accions
en seqüències d’animació que, a la
manera de Vals con Bashir, porten
el registre documental cap a una
evocació fantasiosa.
De entre todos los objetos que
pueblan nuestros hogares, el espejo es uno de los que más posibilidades da a la hora de plantear
un relato fantástico: su cristal
es a la vez un reflejo de nuestra
miseria y una puerta de acceso
a una dimensión invertida. Sin
embargo, son relativamente pocas las películas que aprovechan
su potencial aterrador: Dead of
Night, Mirror Mirror, uno de los
segmentos de Cuentos de ultratumba… A esta lista se le suma
ahora Oculus, que debería proyectar al director Mike Flanagan
a la primera división del terror.
El silente protagonista del filme
es un antiquísimo y ominoso espejo, con el poder de alterar la
percepción de la realidad de sus
dueños, arrastrándolos hasta la
locura. Sus últimas victimas fueron un matrimonio, cuyos hijos
quedaron huérfanos e inevitablemente traumatizados. Años más
tarde, Kaylie, la hija mayor, localiza el objeto y lo compra, y convence a su hermano Tim de su
plan para escapar de la influencia
del cristal nefasto y acabar con su
trágico historial.
A partir de esta idea, Flanagan
despliega un impresionante
control de la puesta en escena,
el montaje y la narración, aprovechando elementos mínimos
(nunca una manzana y una simple bombilla habían dado tanto
juego) para crear un relato literalmente especular que, en su
sobrecogedor tramo final, confunde los tiempos vitales de sus
desdichados protagonistas.
La veritat és que no se’ns acut
una pel·lícula més en consonància amb el leit motiv del Festival d’enguany que aquesta cinta francesa en què els somnis o
la seva variant maligna en són
els protagonistes absoluts. Somiar és gratis, però fer cine, no.
Des d’aquest innegociable punt
de vista trobem un dels millors
arguments per a la defensa de
Horsehead, una pel·lícula que
aconssegueix treure un excellent partit a l’economia de mitjans que es veu obligada a practicar i a una factura que intenta
no escatimar en detalls.
Jessica té malsons des que era
ben petita. Aquest fet la portarà
a estudiar alguna cosa semblant
a la ciència dels somnis, però la
inesperada mort de la seva àvia
serà, precisament, el desencadenant d’uns insuportables malsons
que tindran la seva perillosa prolongació en la vida real.
Anem al gra, perquè l’òpera prima de Romain Basset té un dels
seus punts forts en la creació
d’unes poderoses imatges que
ens transporten immediatament
a l’univers dels somnis, una empresa no a l’abast de qualsevol.
Amb un ventall de recursos expressius i formals inacabables,
Horsehead acaba trobant en la
introducció de tota una sèrie
d’elements fantàstics realment
pertorbadors, la part més obscura del seu argument: la sang començarà a brollar, la força animal
s’apoderarà del cos humà a la vegada que el transformarà i la presència de tot tipus d’iconografia
Es una pena tener que decir esto,
pero no podemos dejar de recibir
con cierto alivio el hecho de que
un país en una situación bastante
peor que la nuestra sea capaz de
generar un material cinematográfico tan urgente como estimulante. Cuidado, no os dejéis engañar
por el título, porque Norway no
es solo la única película griega del
festival, sino una suerte de extraño y desconcertante producto indie que guarda más de una lectura
con la esperpéntica situación económica que vive Grecia.
La historia se las trae: en la Atenas
de los 80, un vampiro se deja caer
en la discoteca de moda en busca de chicas, drogas y rock ‘n’ roll.
Sin embargo, lo que parecía una
simple noche de desfase, se acabará convirtiendo en un viaje con
varias paradas inesperadas: escenarios lunares, personajes estrafalarios y animales disecados. Los
elementos más excéntricos que
os podáis imaginar se cruzarán en
el camino de este singular personaje. Acomodada en un tono surrealista que le va que ni pintado,
y en un universo estético bañado
en sórdidos fluorescentes, el tono
sombrío y decadente de Norway
no hace sino poner de relieve la
catastrófica situación social de un
país completamente abandonado
a su suerte.
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Diari del festival
7
Dimarts 7 d’octubre 2014
Noves Visions - No Ficció
Noves Visions - Ficció
Non Fiction
Diary
Godsend
PRADO 15:45
La verdad es que no son muchas las
oportunidades que solemos tener
de acercarnos a través del cine documental a la reciente historia de
Corea del Sur. Uno siempre tiene
en la memoria las (desgastadas)
imágenes de archivo del conflicto
civil durante la Guerra Fría, presentes en cualquier serie histórica que
se precie. Sin embargo, cuesta localizar material que analice el desarrollo histórico e industrial de la
Corea capitalista desde una perspectiva reflexiva e histórica.
Non Fiction Diary se erige, pues,
en el documento ideal. La película revisa parte de los turbulentos
procesos sociales que sacudieron
el país justo antes de convertirse
en la potencia mundial que hoy conocemos. A principios de los 90, el
gobierno de Kim Young-sam comenzó una serie de reformas políticas y sociales alimentadas, en
parte, por el conflicto nuclear generado desde Corea del Norte. En
ese contexto, aparece un clan llamado Jijon que, con el lema kill the
rich, sembró el pánico en la sociedad civil, llevando a cabo varios
asesinatos. Para calmar el caos y la
alarma social, el presidente tomó la
precipitada decisión de ejecutar a
toda prisa a estos jóvenes asesinos.
En la que es su primera película,
Jung Yoon-suk articula con lucidez (y gracias a un excepcional trabajo de investigación) un
complejo relato, apoyándose en
entrevistas y en un material de
archivo que dejará a más de uno
estupefacto.
PRADO 23:00
Focus Àsia
RETIRO 01:15
MaratÓ
3D Naked Ambition + The Four 2 +
Thermae Romae
Kim Ki-duk parece gozar de una
energía creativa inagotable.
Prueba de ello es su extensa filmografía como director; también, su labor como productor
y guionista en proyectos ajenos,
que le convierten en una suerte
de padrino de nuevos talentos del
cine coreano. En 2008, por ejemplo, se implicó en Rough Cut; en
2012, en Poonsang (un thriller
de espías que pudimos ver en Sitges); y ahora hace lo propio con
Godsend, un intenso drama firmado por quien fue su ayudante de dirección en Pietà, la joven
Moon Si-hyun.
Seung-yeon es una mujer estéril
que quiere tener un hijo a toda
costa. Tan intenso es su deseo
de ser madre, que, cuando escucha por casualidad a la joven embarazada So-young hablar sobre
un posible aborto, le ofrece hacerse cargo del bebé. So-young
es prácticamente una adolescente, así que, además de exigirle a Seung-yeon su coche a cambio del recién nacido, también le
pide que la esconda de miradas
recriminatorias durante los meses restantes del embarazo.
Las dos mujeres se irán a vivir
a una casa aislada en el bosque
donde parece que podrán estar
tranquilas hasta el día del parto.
Allí deciden convivir como hermanas. Poco a poco se irán conociendo. Sin embargo, su paz
inicial se verá pronto corrompida: el papel del marido de
Seung-yeon será crucial para el
trágico desarrollo de los acontecimientos.
El 7 de octubre de 2014 va a
ser recordado como el día del
cineasiático en la presente edición del festival. Tras la celebración de la Fiesta CineAsia, con
motivo de su décimo aniversario, y sobrepasada la 1 de la madrugada, tendrá lugar una de
esas maratones que difícilmente van a olvidarse.
Si ya de por sí 3D Naked Ambition es una película a todas
luces disfrutable –basta con
mirar el póster, donde se aprecia a un bien acomodado Chapman To, entre los pechos de
una de las jóvenes actrices del
film–, poder verla en 3D y comentarla con tu compañero
de fila es una de las experiencias más alucinantes que nos
depara esta edición de Sitges.
La trama de esta comedia cantonesa es simple pero directa:
un guionista especializado en
novela erótica se traslada de
Hong Kong a Japón con el fin
de revitalizar su carrera. Repleta de guiños y de referencias,
3D Naked Ambition es una fiesta asegurada, desmelene final
incluido con la presencia del
conocido Louis Koo.
Como segundo plato de la jornada, se sirve un espectacular
wuxia, del que vimos la primera parte en Sitges 2012. Codirigida por Gordon Chan y Janet
Chun, The Four 2 sigue siendo
una fábula trepidante, con unos
efectos especiales extraordinarios, una acción decentemen-
te coreografiada y un 3D impresionante. En ella, Anthony
Wong sigue liderando al grupo especial con poderes varios
(algo así como los X-Men) contra el malvado Lord An.
¿Para el cierre? Volamos a Roma
en forma de un péplum fantástico con Hiroshi Abe (magnífico
en su papel de innovador arquitecto en la época de Adriano).
Gracias a sus viajes en el tiempo
hacia el Japón contemporáneo,
el protagonista consigue llevar
al Imperio Romano las más novedosas técnicas en termas y
baños. Thermae Romae es un
fin de fiesta de auténtica altura.
A disfrutar.
CineAsia
Diari del festival
8
Dimarts 7 d’octubre 2014
Seven Chances
S.O.F. Sitges 47
Hard to Be
a God
How I Live
Now
PRADO 19:45
AUDITORI 18:45
emmarca la història, i que el director Kevin Macdonald utilitza
per fer madurar de cop a Daisy,
a la pel·lícula i, de retruc, a uns
espectadors que ja no podran
tornar a ser innocents.
S.O.F. Òrbita
RETIRO 08:30
Hyena
Imaginaros viajar a un planeta que
fuera igual que la tierra pero donde sus habitantes vivieran todavía en la Edad Media, sin ninguna
esperanza de abrazar el Renacimiento. El cineasta ruso, Aleksey
German nos invita a esta suerte
de viaje temporal. Hard to Be a
God está basada en una novela de
ciencia-ficción de los hermanos
Strugatsky, fuente de inspiración
también de Andrei Tarkovski, en
Stalker, y de Alexander Sokurov,
en Días de eclipse. No citamos
por casualidad a dos de los grandes maestros del cine ruso, pues
toda la fuerza visual de la película
de German tiene lo mejor de esta
escuela.
En Hard to Be a God, la suciedad
y el barro en el que malviven los
habitantes del planeta Arkanar
pueden olerse y tocarse gracias a
una fotografía de un blanco y negro gélido. Al mismo tiempo, el
fantástico de los Strugatsky está,
una vez más, trasladado de forma
brillante a la pantalla. Nos sentimos, en muchos momentos, verdaderos alienígenas dentro de un
cosmos grotesco y absurdo.
Aleksey German falleció en 2013,
durante el montaje de Hard to
Be a God; un trabajo que se prolongó en el tiempo casi 10 años.
Esto prueba la meticulosidad y
el detallismo de un director que
empezó su carrera en 1968 y que
en casi medio siglo de trayectoria
solo nos ha legado 6 películas. Su
obra póstuma nos obliga a (re)
descubrirlo.
Quin seria el somni que tot nen
ha tingut en algun moment o
altre? Evidentment, el de viure sense cap mena de supervisió per part dels adults. Es tracta d’una fantasia recurrent, que
hem presenciat a nombroses
pel·lícules, i que How I Live Now
fa realitat per la via més extrema
que hom pugui imaginar: fent
esclatar la III Guerra Mundial.
La catàstrofe ens és explicada
des del punt de vista de Daisy,
una adolescent conflictiva que
s’ha traslladat dels Estats Units
fins a Anglaterra per viure amb
els seus cosins en una casa en
mig del camp. Urbanita i esquerpa, no serà fins a l’arribada de la guerra que la cuirassa
de Daisy es comença a esquerdar, gaudint de la improvisada
comunitat que formen ella i la
resta de nens; especialment
Edmond, que es converteix en
el seu primer i gran amor. Tot
i això, quan les tropes militars
arribin a la casa i obliguin a les
criatures a separar-se, Daisy
haurà de buscar una manera de
reunir-se novament amb el seu
estimat.
Basada en la novel·la juvenil (o
per a young adults, com diuen
els anglosaxons) de Meg Rosoff, How I Live Now presenta una
interessant fusió entre les característiques habituals del recent
cinema adolescent –com ara la
desaforada sensibilitat romàntica de la protagonista– amb les
atrocitats del context polític que
Han passat 20 anys des de Seven,
i gran part del thriller contemporani se segueix reescrivint a partir
d’una mateixa pauta: l’experimentació formal. Les històries en molts
casos es repeteixen però el look
està en permanent evolució. Els
casos de Drive o The Sweeney, amb
les que Hyena manté una correspondència, en són un bon exemple. El vertader focus d’interès,
doncs, no se situa en la trama sinó
en la superfície, en l’embalatge del
film. Imagineu-vos aquelles atmosferes discotequeres on els neons
han esdevingut la nova formulació
del clarobscur clàssic del gènere.
La pel·lícula, dirigida i escrita per
Gerard Johnson (que el 2009 ens
va sorprendre gratament amb
Tony), ens presenta un policia
hard-boiled, que té tant d’ultraviolent com de corrupte. Amb el tràfic
de drogues de Londres com a teló
de fons, Johnson ens descriu amb
brillantor l’absència de qualsevol
ètica i moral, tant en les esferes
més altes de la llei com en els baixos fons del crim. Després de The
Wire, res ens sorprèn i assumim les
cadenes de comandament (o d’explotació) com un ecosistema natural en què si no devores a l’altre
pots ser tu el devorat. En aquest
món: la figura del carronyer es converteix en l’única que sobreviu dels
detritus d’uns i altres.
S.O.F. Especials / Fantàstic Panorama
AUDITORI 01:00
MaratÓ
Lothar + The Last
Days on Mars +
Space Station 76 +
Predestination
De las arenas de Marte viajaremos al espacio sideral y
luego bajaremos de nuevo
a la Tierra para marcarnos
unos cuantos bailes adelante
y atrás en el tiempo: la triple
sesión de sci-fi que tendrá lugar esta noche en el Auditori
arrancará con The Last Days
on Mars, un vibrante western
espacial con Elias Koteas, Liev
Schreiber y Olivia Williams,
arropando con su talento el
debut de Ruairi Robinson,
que ha rodado una película
de ciencia-ficción como las
de antes, un tenso retrato de
personajes. También lo es, a
su manera, la siguiente película del maratón, Space Sta-
tion 76, aunque aquí estamos
ente un exquisito culebrón
sazonado de humor negro y
existencialismo có(s)mico. Si
una cosa queda patente tras
ver esta excentricidad protagonizada por Liv Tyler y Patrick Wilson es que su nutrido equipo de guionistas debe
habérselo pasado bomba escribiéndola.
Cierran la noche unos viejos
amigos, los hermanos Spierig, adaptando a Robert A.
Heinlein en Predestination, un
potente thriller de viajes en el
tiempo con Ethan Hawke y la
debutante Sarah Snook, una
actriz australiana que va a dar
mucho que hablar.
Diari del festival
9
Dimarts 7 d’octubre 2014
Entrevista: Jim Mickle
fa per portar un material alié al
seu terreny?
En els dos casos, els processos
van ser molt diferent. Somos lo
que hay era una pel·lícula molt
personal, i limitar-se a traduir-la
a l’anglès hagués estat un error.
We Are What We Are va suposar
un repte. Es tractava d’agafar el
film original i acostar-lo a nosaltres. Nick va definir aquell exercici com si es tractés de fer una
versió d’una de les nostres cançons preferides. En el cas de Cold
in July, volíem que l’experiència
fílmica fos igual que la literària.
No es tractava de fer una adaptació literal, sinó de canviar molts
elements de la novel·la per tal
que la pel·lícula s’hi assemblés en
termes d’energia. Vam jugar amb
el fet que el llibre el van escriure fa més de 25 anys i que ara no
mirem els 80 com ho feien aleshores.
“Cold in July combina l’humor
amb la violència extrema”
En les seves anteriors pel·lícules,
proposava diferents aproximaci·
ons al terror. A Cold in July, bar·
reja el thriller amb la comèdia.
Quina visió té del gènere?
Les tres primeres pel·lícules eren
obertament de terror. Volíem,
però, que no semblessin meves:
amb Mulberry St, vam intentar
fer una pel·lícula de barri dels 70 a
Nova York; Steak Land és una pellícula de vampirs; i We Are What
We Are és un melodrama familiar, però a totes elles el terror és el
rerefons. En el cas de Cold in July,
una de les gràcies del llibre és que
es tracta d’una celebració del gènere: comença com una història
de l’home del sac i acaba sent una
història de conspiració i de venjança i un western.
Porta temps treballant amb Nick
Damic. Com ha estat el procès
d’adaptació de la novel·la en què
es basa Cold in July?
Vva ser molt llarg. Els drets els
vam adquirir el 2007 i, de fet,
la meva idea era realitzar
aquesta pel·lícula just després
de Mulberry St. Nick no havia
adaptat mai cap novel·la, així
que vam haver d’aprendre sobre
la marxa.
We Are What We Are està basa·
da en una altra pel·lícula. Cold in
July adapta una novel·la. Com ho
La tira de Guillem Dols
Estem veient moltes pel·lícules
que, si no se situen als 80, imiten
l’estètica d’aquella època. A què
es deu aquesta nostàlgia?
No sé per què hi ha tantes pel·lícules d’aquell període en aquests
moments, però em sembla un fet
curiós. De fet, fa poc vaig veure The Guest i em va sorprendre
observar com comparteix certs
elements amb Cold in July. Potser va ser Drive la pel·lícula que
va obrir el camí cap a aquesta estètica. També és important tenir
en compte que ara està havent-hi
una transició del cinema al vídeo
a la carta, i que això comporta
una nostàlgia cap a aquella època en què la gent anava als videoclubs. Això està fent que molts
directors tornin a aquells anys.
We Are What We Are era una pel·
lícula de tons molt pàlids. Cold in
July és una explosió de color. És
un canvi intencionat?
We Are What We Are era una
pel·lícula limitada pel que fa als
colors; era molt femenina, molt
delicada; tenia imatges florals i
textures de fusta, i estava molt
basada en la natura. Cold in July
és radicalment diferent. Ha estat molt difícil de fer, perquè els
tons eren molt específics, la cà-
mera sempre havia d’estar d’una
manera determinada, i les preses eren molt llargues. En aquest
sentit, va ser divertit retrobar-se
amb el mateix equip i fer una
cosa radicalment oposada a We
Are What We Are. De Cold in July
m’agrada que combina l’humor
amb una violència extrema. Té
una energia molt del sud, molt
masculina. Part de l’energia de la
pel·lícula es va obrint i al final les
llums són de neó, com si fossin les
d’una casa de fira.
We Are What We Are planteja un
univers femení i Cold in July se
centra en tres homes. Quines di·
ferències i similituds hi ha entre
aquests dos grups?
A We Are What We Are volíem
crear una família. De fet, Julia
Garner ja havia interpretat prèviament a la filla de Bill Sage. Per
aconseguir aquest efecte, ens els
vam endur al rodatge uns dies
abans, vam portar-los a disparar
metralletes, a jugar al softball i a
sopar diverses vegades. En el rodatge no hi havia telèfons mòbils
i quasi no hi havia connexió a internet. Això va ajudar a què els
actors es relacionessin entre ells.
A Cold in July, vam fer el mateix.
Què van aportar Sam Sherpard i
Don Johnson?
Ens va ajudar el fet que els tres
actors principals s’assemblessin
als personatges que interpreten. Don Johnson, per exemple,
va aportar molt de carisma i va
canviar la dinàmica del rodatge.
És a dir, vam deixar que els actors aportessin trets de la seva
pròpia personalitat. Don i Sam
Shepard, per exemple, són amics
i tenen una relació similar a la
que tenen els seus personatges
a la pel·lícula.
El film va canviant de pell a me·
sura que s’incorporen els perso·
natges de Sam Shepard i Don Jo·
hnson. Michael C. Hall és el que
està des de l’inici. ¿Com va tre·
ballar aquests canvis amb ell?
En el llibre, aquests canvis eren
molt abruptes, així que vam ralentitzar les transicions. Cadascún dels actors s’incorporava
una setmana després que els altres. Quan Sam va arribar al rodatge, Michael va ser molt intelligent, perquè va entendre que
fins aquell moment ell havia estat el protagonista i que a partir d’aleshores el protagonisme
s’hauria de compartir. A més, el
llibre està narrat en primera persona, i Michael va saber estar
present en l’escena, inclús quan
Sam era el centre d’interès.
Acostuma a dir que algunes de
les pel·lícules que han influenci·
at Cold in July són asiàtiques. No
deixa de ser curiós que un film
asiàtic deixi la seva empremta
en una pel·lícula situada en el
Texas dels 80.
Segurament, aquestes pel·lícules asiàtiques beuen del cinema americà dels 80. La influència asiàtica estava molt present.
Abans del rodatge, vaig enviar
una còpia de Memories of Murder i de Mother a tots els membres de l’equip per ensenyar-los
que podien fer una pel·lícula
que pogués passar de la comicitat a la violència extrema o al
dramatisme. The Chaser també va ser una gran influència.
En aquest sentit, vam utilitzar
a Wyatt Russell, que a We Are
What We Are interpretava a un
noi molt dolç i que a Cold in July
té un registre totalment diferent. Aquest exercici ja l’havia
fet Na Hong-jin amb l’actor de
The Chaser i de The Yellow Sea.
Es tracta de veure el canvi de
l’actor d’una pel·lícula a l’altra.
Acostumem a pensar que el
cinema de gènere és comercial.
Es considera un director inde·
pendent?
Sí, em considero molt independent. Les dues primeres pel·lícules van ser produïdes de manera
independent i la tercera, per
una productora francesa. De
manera que fins i tot es podria
dir que és una producció internacional. Potser dono aquesta
sensació perquè m’agrada tenir una experiència més directa
amb el meu públic, però sí que
em sento un director plenament independent.
Diari del festival
10
Dimarts 7 d’octubre 2014
Entrevista: Ana Lily Amirpour
ción es la misma. Los hobbies de
los vampiros se amplifican, porque es todo lo que tienen durante siglos y siglos. Básicamente, un
vampiro es una persona que está
observando la existencia humana
durante mucho tiempo, entonces
se convierte en alguien extremadamente existencial. Son voyeurs.
“No tengo ninguna lealtad
hacia el mundo real;
no me interesa”
A Girl Walks Home Alone at
Night es una película de vampi·
ros, ¿qué le interesa de la figura
del vampiro?
Me encantan los vampiros desde
que tenía unos 9 años y leía los libros de Anne Rice. Si me dieran la
opción de ser un vampiro, lo sería. Un vampiro es todo: un historiador, un romántico, un drogadicto, un asesino en serie… Son
solitarios, pero la soledad es sabrosa. En última instancia, estar
vivo es estar solo. Cada uno ha-
bita en su mente, la existencia es
muy subjetiva.
En los últimos años, hemos visto
películas como Only Lovers Left
Alive o como la suya, en las que
se puede ver un acercamiento
distinto a la figura del vampiro.
¿Por qué este cambio estético en
este género?
Hicimos las dos películas a la vez y
se parecen mucho. En ambas hay
vampiros que escuchan música
y que están aburridos. La sensa-
La atmósfera de A Girl Walks
Home Alone at Night es irreal,
casi onírica. En este sentido, se
puede apreciar la influencia de
Lynch, por ejemplo.
Para mí, hacer una película supone trabajar un sueño. Se trata de
reunir elementos para crear una
experiencia. La apariencia del
mundo y de la gente, su vestuario,
el diseño de sonido, de la música
son muy importantes. De hecho,
rodé la película en blanco y negro
para alejarme más del mundo real.
No tengo ninguna lealtad hacia el
mundo real; no me interesa. Me
gustan películas como La Historia
Interminable o Regreso al Futuro.
En un cuento de hadas, todo es
posible, y, a la vez, todo funciona
y tiene sentido. En los sueños, las
cosas más raras pueden ocurrir. El
de la película es un mundo iraní
con personajes iraníes, pero es un
Irán que únicamente existe en mi
mente. ¿Por qué? Porque la vida
real es jodidamente rara. La vida
real es el mayor cuento de hadas.
La música en la película tiene un
peso importantísimo.
En mi proceso creativo, la música siempre es lo primero. Cuando rodamos, ponía las canciones
en el set. La música es poderosa,
puedes poner una canción y todo
el mundo estará unido dentro de
ese capullo de sensaciones. Una
película es como construir un bonito avión, pero si no le pones gasolina, nunca va a despegar. La
música es esa gasolina. Es una de
esas cosas que pueden salvarte
en cualquier momento de tristeza
o de soledad. Es como una isla en
la que escapar de todo. En el fondo, la película solo es una excusa
para poner canciones [risa].
última salida
BRIGADOON
Os dejé colgados ayer con el
asunto de La porta sul buio,
así que cerremos ya el capítulo Argento, de quien llevo tres
días hablando. Tampoco creo
que os descubra nada: cuando
muchos de nosotros empezamos a ver las películas del cineasta romano, La porta sul
buio era una de esas cosas sobre las que leíamos en libros
o páginas web pero a las que
no podíamos acceder si no era
recurriendo a oscuras copias
televisivas extranjeras. Hasta
que se editó en DVD (no en
España, por supuesto) y hoy
la tenemos aquí. Es una serie
televisiva de misterio de cuatro capítulos. Uno de ellos lo
dirigió Argento, el otro Cozzi
y los otros dos, que se emiten
hoy, Mario Foglietti y Roberto
Pariante. Pero hoy Brigadoon
homenajea a otro cineasta italiano, a Tinto Brass, responsable de iniciar en los secretos
de la carne y el vicio a muchos
adolescentes curiosos que pudieron toparse con algún pase
televisivo de Calígula o acceder a delicias como Snack Bar
Budapest, Los burdeles de Paprika o Salón Kitty. Brass dirigió algunos giallos, entre los
que se encuentra el que veremos hoy, Con el corazón en la
garganta. Complementando
esta proyección está el documental Istintobrass, de Massimiliano Zanin, que repasa la
trayectoria de este maestro
del erotismo perverso.
De Brass saltamos a otros 2
grandes del eurosleaze, eurotika o como quiera que lo llaméis en la intimidad de vuestras alcobas. Hablo de Jesús
Franco y Jean Rollin, 2 de
los autores a los que Eurociné 33 distribuyó en Francia.
Christophe Bier, en Eurociné
33 Champs-Elysées, nos descubre la historia de esta mítica productora y distribuidora.
También tendremos el estreno
Brigadoon de Yokai, del chileno Cristóbal Echevensko, una
historia sobrenatural rodada
al más puro estilo del cine de
guerrilla. Por su parte, Jordi
O. Romero, que hace algunos
años se llevó el premio a mejor cortometraje con Zona de
caza, nos presentará en exclusiva el estreno de la webserie
The Waiter-El camarero.
Lo que de veras me perturba
del día de hoy es que la programación del Auditori parece haber sido diseñada por un retorcido onanista: Liv Tyler, Olivia
Williams y la actriz australiana
Sarah Snook tienen todas ellas
2 películas distintas en proyección. Las de Olivia, de hecho,
van seguidas, y en la de Cronenberg también está Julianne Moore. Mal día para ser un
maldito fetichista.
Toni Junyent
LOCOS POR L A CIENCIA FICCIÓN
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Diari del festival
11
Dimarts 7 d’octubre 2014
Entrevista: Alexandre O. Philippe
Quina forma d’expressió del fe·
nomen zombi li ha semblat més
curiosa durant la producció de
Doc of the Dead?
Em va sorprendre l’existència
d’un túnel de rentat de temàtica
zombi. És graciòs, perquè funciona com una franquícia, ja que n’hi
ha a diferents ciutats.
Tenim al cap tantes versions de
l’univers zombi que es fa difícil
definir·ne els trets bàsics. Per a
vostè, quins serien?
Crec que no hem de ser puristes:
més enllà de les definicions, cal
valorar les possibilitats del gènere.
M’agrada pensar que els zombis
són una representació de nosaltres, és a dir, que tenen múltiples
revisions, tantes com persones.
Per exemple, hi ha el cas de La
invasión de los ladrones de cuerpo que en teoria no entra dins del
catàleg del gènere i que per a mi
podria ser perfectament una pellícula de zombis pel mode en què
es comporten els personatges.
“L’11-S marca un abans
i un després en el cinema
de zombis”
Des de La nit dels morts vivents
l’arquetip del zombi s’ha mul·
tiplicat exponencialment. Creu
que els zombis d’ara són com els
de fa 50 anys?
No, els zombis d’avui en dia són
molt diferents. N’hi ha que corren, d’altres són intel·ligents,
d’altres tenen curació al virus infecciós... Hi ha mil variants respecte al zombi d’aquells primers
temps. Això demostra que estem vivint l’època daurada dels
zombis.
A part de George A. Romero,
quins creu que són els directors
o pel·lícules claus per entendre el
cinema de zombis?
Més que els noms o els títols de
films, penso en un esdeveniment
concret com el de l’11-S. Després
d’aquesta data, vam tenir una explosió de relats apocalíptics en la
que en molt poc temps van aparèixer moltes pel·lícules o còmics
que retornaven a l’univers zombi.
Aquesta data marca un abans i un
després dins del gènere.
Amb The People vs. George Lucas
demostrava que les pel·lícules es
perllonguen més enllà de la pan·
talla gràcies als fans. Com veu la
relació director·fan avui dia?
Els fans tenen la tendència a apropiar-se de la pel·lícula, la consideren tan seva com del director. A
mi, personalment, això m’encanta. Crec que aquesta actitud és el
que està en l’origen del què entenem com a cultura popular.
Creu que hi ha una gran diferència
entre el vampir i el zombi o estan
units per la tradició dels no morts?
Crec que no tenen res a veure.
En el cas dels vampirs tot gira al
voltant de la seducció, les pel·lícules se centren en un individu
que vol fer-se amb el control. En
canvi, els zombis actuen col·lectivament, sense un objectiu determinat i sense el component de
seducció. Òbviament, trobem similituds en alguns aspectes, com
la mossegada i el contagi, però
la forma d’analitzar-los és totalment diferent.
patrocinador de Serial Sitges 2014
LA COLUMNA DEL CRÍTIC
LO-FI SCI-FI
Antes de que la ciencia ficción
de bajo presupuesto se disparara, avivada por los imperativos de la producción y como
tendencia de los últimos años,
el género ya lo marcaban películas como Alphaville o Stalker.
Las claves de entonces no diferían mucho de las estrategias
de ahora: la sustitución de la
acción por la palabra, el pasado
como futuro, el uso del blanco y
negro como color perfecto para
dibujar la distopía, etc. Con el
indie contemporáneo, estas ficciones ya no conjeturan sobre
un futuro posible para crear
una metáfora sobre el presente.
Tales especulaciones y su dispositivo fantástico quedan relegados a un segundo plano. Es el
drama íntimo, el thriller metafísico y la comedia romántica lo
que ocupa la pantalla. Las películas dejan de ser amazing stories para convertirse en nuestras ordinary stories. Como en
la literatura, la ciencia ficción
más soft toma el protagonismo
(si exceptuamos la obra del director Shane Carruth, capaz de
recurrir a las herramientas más
científicas y precisas para hablarnos del amor, como hiciera
en Upstream Color).
Si hace unos años (en torno a
2012, y la fecha no es casual),
el mumblecore y sus derivaciones recreaban el Apocalipsis
con forma de drama romántico
(Monsters, de Gareth Edwards,
y Bellflower, de Evan Glodell),
el cine independiente más reciente habla de un mundo
nuestro y reconocible. Las películas se adentran en cuestiones
como la identidad, a través por
ejemplo de la figura del doble,
como sucede con la diabólica
adaptación de Dostoievski The
Double. Otro ejemplo es el acertado estudio sobre la pareja que
presenta Charlie Macdowell en
The One I Love. En clave más
humorística, encontramos el
segmento de Nacho Vigalondo para la última entrega de la
franquicia V/H/S, en la que su
protagonista accede a su alter
ego atravesando un portal.
La posibilidad de reiniciarnos a
nosotros mismos en un mundo
paralelo con la idea última de
redención, de segunda oportunidad, es un tema que encontraría sus epítomes en Otra tierra,
en Safety Not Guaranteed y en
Coherence. Se trata de una idea
que ha sabido explotar el revitalizado género zombie de los
últimos años: la serie francesa
Les Revenants y las dos películas
presentes en esta edición, Jamie
Marks Is Dead y Life after Beth.
El caso español queda filtrado
por otra corriente, la del posthumor, creando un género
propio de carácter metafísico
que intenta, a su manera, dar
respuesta a ese “hay algo terrible en la realidad, pero no
sé qué es… y nadie me lo dice”
que apuntaba Antonioni en El
desierto rojo: ese miedo a lo
cotidiano, esa incertidumbre
en la certidumbre de nuestra
rutina, el intento de hacer de lo
ordinario algo extraordinario.
De paso, divertirnos es lo que
tan bien saben hacer los creadores Juan Cavestany (Gente en
sitios) y el colectivo Canódromo Abandonado (La tumba de
Bruce Lee). a
3x2
en CINEMA i
Natalia Marín
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Diari del festival
12
Dimarts 7 d’octubre 2014
Entrevista: Carlos Vermut
Hace 3 años vino con su primera
película, Diamond Flash. Ahora
regresa con Magical Girl, triun·
fadora en San Sebastián. ¿Ve una
gran evolución entre ambas?
La esencia de las dos películas es
la misma: el cine de misterio, un
género que me gusta mucho. La
diferencia entre ambas radica en
la estructura. Diamond Flash son
tres películas en una. En cambio,
Magical Girl es quizás una película más cerrada, en la que tenemos una sola trama que envuelve
toda la película.
“En una realidad familiar,
cuando tiene lugar
lo extraordinario,
todo es más impactante”
En Magical Girl resuenan ecos de
Buñuel y de Lynch. ¿Son directo·
res que tiene presentes?
A nivel atmosférico, son directores que me gustan mucho, pero
la utilización de los símbolos y de
la realidad que hago yo es distinta. Buñuel y Lynch son cineastas
claramente oníricos, en cambio,
Magical Girl no es una película
onírica, no hay elementos extraños, sino que es la propia realidad
llevada al extremo la que se convierte en una especie de sueño.
Es una película surrealista porque
la realidad está llevada a la enésima potencia, pero no hay enanos
ni viejas con un leño [risa].
Retratar un cierto costumbrismo
español es otra de las señas de
identidad de su cine. ¿Qué busca
con ello?
Es algo que aprendí en mi corto Maquetas. Si ubicas el género dentro de un entorno conocido o incluso realista, lo que sale
por contraste es interesante.
Por este motivo suelo situar mis
historias en un entorno que conozco, como Madrid, con personas y gestos que conozco, con
gente que ve vídeos que conozco, como el vídeo de las señoras de Valencia del que hablan
en Magical Girl. En una realidad
familiar, cuando tiene lugar lo
extraordinario, todo es más impactante.
¿Por qué utiliza la estructura de
puzzle en sus largometrajes?
Me gusta mucho la idea del
puzzle, así que desde el inicio
trabajo a partir de este artefacto narrativo. Me interesa cambiar de orden las escenas para
que el espectador rellene los
huecos y participe activamente
de la película.
Los personajes de Magical Girl
tienen comportamientos mora·
les muy ambiguos.
Esta ambigüedad es muy habitual en los manga, ya que tratan de contarte el origen y el por
qué de la maldad de los villanos.
En mis películas, me gusta mostrar esta cuestión: el malo puede
no ser tan malo y el bueno, tampoco tan bueno. Me interesan
mucho estas paradojas morales
de los personajes. Precisamente
hoy he visto un vídeo en YouTube sobre experimentos sociales
que demostraban esta hipótesis:
dependiendo de dónde se sitúe,
el ser humano puede transformarse en un monstruo.
¿Qué cambió en la dirección de ac·
tores respecto a Diamond Flash?
Lo verdaderamente importante
es el casting. Nunca quiero transformar al actor ni hacerle pasar
un martirio. No quiero que los actores dejen de ser ellos mismos.
José Sacristán me contaba algo
muy interesante: a veces, los directores lo llamaban para hacer
un papel y luego le decían constantemente “no, así no”. Entonces, él decía: “joder, ¿entonces
por qué me has llamado?”. En
cierta manera, en Magical Girl, el
personaje que interpreta Sacristán sigue siendo Sacristán.
Debido a sus orígenes en el mundo
del cómic, ¿cómo se siente en rela·
ción a la técnica cinematográfica?
De entrada, trabajo mucho a nivel de story board, para que todo
se entienda muy bien a nivel narrativo. Por otro lado, me ha ayudado mucho el hecho de haber
realizado ilustración para la prensa. Me pasaban noticias y tenía
que hacer un dibujo que las resumiera conceptualmente. Aquello
me obligaba a trabajar con conceptos y con formas que sintetizaran una idea. En el caso del
cine, me ayuda reducir la película
a una sola imagen.
¿Y cuál es la imagen que resume
Magical Girl?
Dibujé una especie de rombo, en el
que se veía la relación entre cada
uno de los 4 personajes: este chantajeaba a este; este, a otro; y así sucesivamente hasta cerrarlo.
Diari del festival
13
Dimarts 7 d’octubre 2014
ESCAC
Week
Encuentro con Bruce LaBruce y Till Kleinert
Juntar a un autor experto como Bruce LaBruce (Otto; or, up with Dead
People, L.A. Zombie, Gerontophilia) con Till Kleinert, el director de
la ópera prima Der Samurai, en un
mismo Q&A puede sonar a experimento, pero acabó siendo un encuentro acertado. El encuentro tuvo
un tono honesto y distendido, como
si las formas de ambos directores
pretendieran velar una relación de
estrecha intimidad entre ambos.
LaBruce dio satisfactoria cuenta
de su última pieza, Pierrot Lunaire, una sorprendente hibridación
de histrionismo musical y de na-
rración tonal, puesta en escena
teatral, un efectismo propio de
los modos de representación primitivos y, sobre todo, una estética queer. Todo esto solo puede ser
posible si un mundo como el de LaBruce interpelara, como devuelto
por las sombras, la voz de un poeta de la hondura de Albert Giraud.
Todo esto se pone al servicio de
la honestidad necesaria para contar sin mancha una historia basada
en hechos reales situada en la Toronto de los años 70. Sí, una mujer
cercenó los genitales a un taxista y
se los pegó al coño.
Sin embargo, el colmo de la honestidad lo puso Kleinert: se identificó con el protagonista de Der
Samurai, un tipo torpe que vive
un baile de máscaras y que ha de
estar del lado de quien le ayudará a cruzar cierto umbral. Salir
del pueblo que lo rodea supondría para su protagonista lo mismo que para Kleinert comparecer
en tanto que homosexual ante
un mundo heterosexual –a fin de
cuentas, Der Samurai no deja de
estar apuntando hacia las claustrofóbicas coordenadas del universo de una filia singular.
Con todo, ambos autores comparecieron ante la audiencia
bajo la carpa del Espacio FNAC,
cuyas dimensiones también
fueron decisivas para la intimidad de la reunión, de la misma
forma que comparecen a través
de sus películas. Ambos admitieron incurrir en una exhibición catártica de ellos mismos
para crear personajes de una
solidez abrumadora como los
de sus propias películas.
Constantí Cabestany
ESCAC
Ayer comenzó la segunda edición
de ESCAC Week, una iniciativa
impulsada conjuntamente por la
Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya y por el
Festival. Del lunes 6 al viernes
10 de octubre cerca de 370 estudiantes de ESCAC podrán disfrutar con su acreditación de proyecciones, charlas, masterclasses
y encuentros con cineastas.
Entre las actividades destacadas está la Master Class de Joan
Marimón, cineasta, montador y
profesor de ESCAC, que tendrá
lugar hoy a las 16:00 en la Sala
Tramuntana. Marimón hablará sobre el fundamental papel
del montaje en el cine de terror
y presentará su libro, recientemente publicado por la UB, El
montaje cinematográfico. Del
guión a la pantalla. ESCAC está
también presente en el festival
a través de los cortometrajes de
dos exalumnos, Pulsión sangrienta, de Gerard Tusquellas, y Aún
hay tiempo, de Albert Pintó, ambos en Secció Oficial Fantàstic
Curtmetratges (miércoles a las
12:30 en el Retiro).
El Portal Nº1 de Cine de Terror y Fantástico
AULLIDOS
www.aullidos.com
Diari del festival
14
Dimarts 7 d’octubre 2014
Programació avui dimarts 7
Sala Tramuntana
L’altra frontera
Last Hijack
Hard to Be a God
19:45 PRADO
Predestination
A. Cruz Shiraiwa. Espanya,
2014. 95’
F. Wolting, T. Pallotta. Països
Baixos, 2014. 83’
A. German. Rússia, 2013. 177’
M. Spierig, P. Spierig. Austràlia,
2013. 97’
20:45 AUDITORI
01:15 RETIRO
16:00 PRESENTACIÓ DEL LLIBRE
EL MONTAJE CINEMATOGRÁFICO.
DEL GUIÓN A LA PANTALLA
08:30 RETIRO
14:45 AUDITORI
M. Flanagan. EUA, 2014. 104’
Lee Kung-lok. Hong Kong,
2014. 108’
18:00 MÀSTER CLASS: CHARLES
DE LAUZIRIKA
Gordon Chan. Xina, Hong Kong,
2013. 114’
20:00 SERIAL SITGES: Gotham
08:30 AUDITORI
Hyena
14:00 PRADO
Goodnight Mommy
G. Johnson. Regne Unit, 2014. 112’
V. Franz, S. Fiala. Àustria, 2014. 99’
08:30 PRADO
14:45 RETIRO
Oculus
21:00 RETIRO
Norway
Y. Veslemes. Grècia, 2014. 75’
The World of Kanako
The Fives
Jeong Yeon-shik. Corea del Sud,
2013. 123’
15:45 PRADO
M. Erlenwein. Alemanya, 2014. 95’
Non Fiction Diary
10:30 AUDITORI
Jung Yoon-suk. Corea del Sud,
2013. 93’
Maps to the Stars
The Four 2 3D
Thermae Romae
Hideki Takeuchi. Japó, 2012. 108’
Maps to the Stars
D. Cronenberg. Canadà, Alemanya
2014. 111’
Brigadoon
15:00 SESSIÓ ESPECIAL
23:00 PRADO
Mould 25’
Con el corazón
en la garganta
Kim Ki-duk. Corea del Sud,
2014. 122’
17:00 ESTRENA DOCUMENTAL
17:00 RETIRO
Godsend
R. Basset. França, 2014. 92’
Moon Si-hyun. Corea del Sud,
2013. 110’
19:00 ESTRENO DE LA WEBSERIE
THE WAITER - EL CAMARERO
Mr. leos caraX
17:45 PRADO
23:15 RETIRO
20:00 ESTRENA BRIGADOON
T. Louise-Salomé. França,
2014. 72’
G. Grieco. Argentina, 2014. 90’
J. Benson, A. Moorhead. EUA, Itàlia,
2014. 109’
21:30 ESTRENA DOCUMENTAL
D. Cronenberg. Canadà, Alemanya
2014. 111’
16:45 AUDITORI
These Final Hours
Z. Hilditch. Austràlia, 2014. 100’
10:45 RETIRO
CURTS FANTÀSTICS
A COMPETICIÓ II
Horsehead
One on One
Istintobrass
12:15 PRADO
12:45 AUDITORI
Jamie Marks Is Dead
C. Smith. EUA, 2014. 100’
21:00 SERIAL SITGES:
True Detective
22:45 AUDITORI
10:15 PRADO
Stereo
Tetsuya Nakashima. Japó,
2014. 120’
3D Naked Ambition
Naturaleza muerta
Spring
18:45 AUDITORI
How I Live Now
K. Macdonald. Regne Unit,
2013. 101’
12:45 RETIRO
A Girl Walks Home
Alone at Night
18:45 RETIRO
A. L. Amirpour. EUA, 2014. 100’
Lee Jeong-beom. Corea del Sud,
2014. 116’
No Tears for the Dead
01:00 AUDITORI
Lothar 14’
The Last Days on Mars
R. Robinson. Regne Unit, Irlanda,
2013. 98’
Space Station 76
Yokai
Eurociné 33 Champs
Élysées
22:00 SERIAL SITGES:
The Knick
Espai FNAC
17:00 PRESENTACIÓ DE
NOVETATS DE L’EDITORIAL
MEMENTO MORI
18:00 PRESENTACIÓ DELS
LLIBRES PROSA INMORTAL #2:
CRIMEN Y CASTIGO I MATARÉ
A VUESTROS MUERTOS
20:30 PRESENTACIÓ DEL
LLIBRE EL HUERTO DEL
ESPANTAPÁJAROS
23:00 SESSIÓ ESPECIAL
La Porta sul buio:
Testimone oculare
La Bambola
J. Plotnick. EUA, 2014: 95’
Última projecció
Programació subjecta a canvis. Es recomana consultar la descripció de les pel·lícules abans d’adquirir les entrades
ESPECIALISTAS EN PUBLICIDAD EXTERIOR
www.grupomain.eu
Diari del festival
15
Dimarts 7 d’octubre 2014
Programació demà dimecres 8
08:30 AUDITORI
14:30 RETIRO
19:15 RETIRO
00:45 AUDITORI
La French
Mad Sad Bad 3D
Cold in July
R100
C. Jiménez. França, Bèlgica,
2014. 135’
Han Ji-seung, Kim Tae-yong,
Ryoo Seung-wan. Corea del Sud,
2014. 117’
J. Mickle. EUA, 2014. 109’
Hitoshi Matsumoto. Japó, 2013. 100’
20:00 PRADO
01:15 RETIRO
14:30 PRADO
I. Ezban. Mèxic, 2014. 100’
Varis autors. EUA, 2014. 81’
21:00 AUDITORI
Varis autors. EUA, Regne Unit,
Alemanya. 122’
08:30 RETIRO
These Final Hours
Z. Hilditch. Austràlia, 2014. 100’
Is the Man Who Is Tall
Happy?
08:30 PRADO
M. Gondry. França, 2014. 89’
Wetlands
D. F. Wnendt. Alemanya,
2013. 109’
El incidente
Adieu au langage 3D
J.L. Godard. França, 2014. 70’
15:00 AUDITORI
V/H/S Viral
ABCs Of Death 2
México bárbaro
Varis autors. Mèxic, 2014. 105’
A Hard Day
21:15 RETIRO
Kim Seong-hun. Corea del Sud,
2014. 111’
Colt 45
10:30 RETIRO
F. du Welz, 84. França, 2014. 84’
M. Flanagan. EUA, 2014. 104’
16:15 PRADO
22:00 PRADO
10:30 PRADO
Shahram Mokri. Iran, 2014. 134’
M. Desalvo. Argentina, 2014. 76’
Solamente nero
Lee Sang-woo. Corea del Sud,
2014. 102’
16:45 RETIRO
22:45 AUDITORI
17:00 ESTRENA BRIGADOON
H. Herbots. Bèlgica, 2014. 127’
J. Leonetti. EUA, 2014. 98’
17:15 AUDITORI
Oculus
Dear Dictator
Fish & Cat
El día trajo la oscuridad
J. Leonetti. EUA, 2014. 98’
12:30 RETIRO
CURTS FANTÀSTICS
A COMPETICIÓ III
19:00 SITGES FÒRUM: BLOOD
WINDOW. FINESTRA AL
FANTÀSTIC LLATINO-AMERICÀ I
20:00 MÀSTER CLASS
SERGIO CABALLERO:
LA BELLEZA DEL ERROR.
PROYECCIÓN DEL CORTO
ANCHA ES CASTILLA /
N’IMPORTE QUOI
23:00 RETIRO
19:00 PRESENTACIÓ CURTS
UNDERCUTS FASCURTS
17:00 TROBADA AMB GERARD
JOHNSON
M. Carreté. Espanya, 2014. 81’
G. Johnson. Regne Unit, 2014. 112’
21:00 ESTRENA BRIGADOON
18:00 PRESENTACIÓ DEL LLIBRE
DIARIO DE UN ZOMBI
18:45 PRADO
23:45 PRADO
Figures 20’
Asmodexia *
Truth Has Fallen
12:30 PRADO
19:00 AUDITORI
V. Franz, S. Fiala. Àustria, 2014. 99’
Aux Yeux des vivants
13:00 AUDITORI
J. Maury, A. Bustillo. França,
2014. 90’
The Double
17:00 SITGES FÒRUM: CINEMA
I EMPRESES CREATIVES
Espai FNAC
S. M. Sofian. EUA, 2013. 60’
Goodnight Mommy
15:00 HOMENATGE A
CRAIG HILL
12:00 PRESENTACIÓ DELS
GUANYADORS DEL II CONCURS
DE GUIÓ TRANSMEDIA
Salem: Sed de vida
The Treatment
Annabelle
11:00 AUDITORI
Annabelle
Brigadoon
Sala Tramuntana
Hyena
Norway
I Survived a Zombie
Holocaust
23:00 MONDO MACABRO
Y. Veslemes. Grècia, 2014. 75’
La venganza de Satán
A. Courtin-Wilson, M. Cody.
Austràlia, Cambodja, 2013. 90’
01:00 FREAKWAVES SHOW
BY MAREMOSTRA
Ruin
Der Samurai
20:00 PRESENTACIÓ DE
L’ANTOLOGIA CRIMINAL TODOS
SON SOSPECHOSOS
Immersion the Movie
T. Kleinert. Alemanya, 2014. 79’
R. Ayoade. Regne Unit, 2013. 93’
Última projecció
* Pel·lícules habilitades per Artaccés
Programació subjecta a canvis. Es recomana consultar la descripció de les pel·lícules abans d’adquirir les entrades
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