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miami 2016
MIAMI 2016
EXHIBITION & AUCTION
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ANÓNIMO
miami 2016
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miami 2016
Post-War and Contemporary Art | Online
ONLINE AUCTION • December 8–15, 2016
VIEWING • December 9–15 • 20 Rockefeller Plaza • New York, NY 10020
CONTACT • Noah Davis • [email protected] • + 1 212 636 2100
ABOUT
ANÓNIMO es una plataforma cultural que acerca a jóvenes
colecccionistas con el arte contemporáneo mexicano y
latinoaméricano, mediante una exhibición y subasta que
busca reunir fondos para apoyar a causas sociales.
Una iniciativa sin fines de lucro que promueve la
adquisición de arte como un proceso libre de ideas
preconcebidas, motivadas sólo por la conexión que genera
una pieza anónima.
Anónimo is a cultural platform that seeks to support
social causes by generating ties between Mexican and
Latin-American contemporary art with young collectors,
through an exhibition and mystery auction.
A Non Profit initiative whose main purpose is to encourage
the purchase of art as a process free of preconceived
ideas, motivated only by the connection that an anonymous
piece can generate.
Petra Cortright (b. 1986)
CALL “GIRL”, 2014
digital painting on aluminum
48 ½ x 36 in. (123.2 x 91.4 cm.)
© Petra Cortright
Auction | Private Sales | christies.com
Christie’s Inc. NYC Auction License #1213717
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A special thanks to:
Auction in benefit of:
Patrick Charpenel
& Leeza Chebotarev
Sara Friedlander
Senior vice president
Christie´s post-war &contemporary art
Participating Artists:
Adrián S. Bará, Aldo Chaparro, Alejandro Almanza,
Alessandro Moroder, Cecilia Hurtado, Cynthia Gutiérrez,
Eduardo Basualdo, Eduardo Sarabia, Emanuel Tovar,
Fernando Marroquín, Francisco Ugarte, Gonzalo Lebrija,
Ignacio Uriarte, Javier M. Rodríguez, Jorge Méndez
Blake, José de Sancristobal, Luis Rodrigo Medina, Mario
García Torres, Mario Navarro, Melanie Smith, Miler
Lagos, Nicolás Franco, Ohne Titel, Pablo Dávila, Paula
Matos Gil, Pedro Matos, Pedro Reyes, Polliana Dalla
Barba, Ricardo Guzmán, Theo Michael
This event is done thanks to all the galleries that
support young initiatives such as this:
Arredondo \ Arozarena, Curro, FIFI Projects, Jan
Mot, José García Mx, Labor, Lisson Gallery, Luisa
Strina, Nogueras Blanchard, OMR, Páramo, Proyecto
Caimán, Proyecto Paralelo, Quetzalli, Travesia Cuatro
Thank you for supporting independent
non profit initiatives.
HOGAR CABAÑAS
Hogar Cabañas es un albergue con más de 200 años de historia, que
brinda asistencia integral a las niñas, niños y adolescentes que se
encuentran en situación de vulnerabilidad que pone en riesgo su
integridad física o mental, generalmente derivados por autoridades
competentes, con el objetivo de formarlos e integrarlos a la sociedad.
Hogar Cabañas is a shelter children's home with more than 200 years of
history, that gives integral assistance to children and teenagers that are
in a vulnerable situation which puts their physical and mental integrity
at risk, generally derived by competent authorities, with the goal of form
and involve them into society.
ECOS es un programa de la Secretaría de Cultura del Gobierno del
Estado de Jalisco que promueve el aprendizaje formal de la música como
una herramienta para el desarrollo social. Su objetivo es desarrollar
mejores seres humanos que exploren todas sus capacidades y talentos
y contribuir con ello al desarrollo personal de los propios alumnos y a la
renovación de la vida comunitaria en donde más se requiere.
The Art Nexus Foundation
La Fundación ArtNexus para la promoción y divulgación del arte es una
organización sin ánimo de lucro que realiza actividades encaminadas a:
Conservar y enriquecer el centro de documentación especializado en
arte con sede en la ciudad de Bogotá.Promover todas las actividades
conducentes al desarrollo y conocimiento de las artes visuales y de la
arquitectura en el ámbito nacional e internacional. Realizar una labor
de divulgación mediante la publicación física o electrónica de catálogos,
libros, revistas y folletos. Organizar foros, conferencias, congresos o
eventos similares, para beneficio del desarrollo de las artes visuales y
de la arquitectura.
The Art Nexus Foundation is a non-for-profit organization focused on:
The promotion of the arts through activities intended to enrich and
preserve its specialized Documentation Center, located in Bogotá,
Colombia. To promote activities towards the development and diffusion
of the visual arts and architecture at the national and international
levels. To carry forward educational efforts through the physical or
electronic publication of catalogs, magazines, and booklets. To organize
forums, conferences, congresses, or similar events, in support of the
development of the visual arts and architecture.
ANÓNIMO
miami 2016
Lot 1
Lotes Anónimos
Anonymous Lots
Precio único de salida: $3,000 USD
All bids starting at: $3,000 USD
Online auction
www.paddle8.com/auction/anonimo
Live auction on December 1st at 7:00 pm
royal palm hotel - miami south beach
anonymous author / autor anónimo
Acrylic on canvas
120 x 150 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 2
Lot 3
anonymous author / autor anónimo
Paper sewn with blue thread.
100 x 70 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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anonymous author / autor anónimo
Polyptych, magazine paper, acetate,
acrilyc paint
23 x 30.5 cm (each)
Unique
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 4
Lot 5
anonymous author / autor anónimo
Digital print on cotton paper
55 x 36.7 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
anonymous author / autor anónimo
Residue material from "Critical Laboratory" by
Thomas Hirschhorn used after deinstallation
to cover the floor while painting the walls of
the museum.
Cardboard, tape, paint
191 x 220 x 5 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 6
Lot 7
anonymous author / autor anónimo
Pigment ink on paper
73.2 x 49.2 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
anonymous author / autor anónimo
Acrylic and archival inkjet print on
cotton paper
70 x 95 cm
Ed. 2 of 3 + AP
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 8
Lot 9
anonymous author / autor anónimo
Ink on paper
70 x 44 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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anonymous author / autor anónimo
Graphite on paper
28 x 21.5 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 10
Lot 11
anonymous author / autor anónimo
Gold paint on government registration card
30 x 28 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
anonymous author / autor anónimo
Oil on linen
80 x 60 cms
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 12
Lot 13
anonymous author / autor anónimo
Acrylic on Tyvek
90 x 72 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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anonymous author / autor anónimo
(Scratched ) Archival Pigment Print
105 x115 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 14
Lot 16
anonymous author / autor anónimo
Pigment ink and acylics resins and carbon
monoxide on cotton paper
50 x 35 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
anonymous author / autor anónimo
Triptych, print on mirror
75 x 50 cm
1/5 + AP Unique
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
Lot 17
Lot 15
anonymous author / autor anónimo
Inkjet Print on Acrylics, Aluminum frame.
48 x 40 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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anonymous author / autor anónimo
Oil and wax on MDF
30 x 37 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 18
Lot 19
anonymous author / autor anónimo
Mixed media on canvas
46 x 61 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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anonymous author / autor anónimo
Black threads on fold sheet
29 x 42 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 20
Lot 21
anonymous author / autor anónimo
Ink on photopaper
40 x 50 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
anonymous author / autor anónimo
Sand, glaze on canvas
20 x 16 cms
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 22
Lot 23
anonymous author / autor anónimo
Piezography print on cotton paper
50 x 35 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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anonymous author / autor anónimo
Archival pigment print
81 x 59.5 cm
Ed. 1/5+2AP
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 24
Lot 25
anonymous author / autor anónimo
Inkjet tint in cotton paper
110 x 165 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
anonymous author / autor anónimo
Fine Print on cotton paper 300 gr
80 x 150 cm. (each one 44 x 28 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 26
Lot 27
anonymous author / autor anónimo
Acrylic india ink on paper
40.5 x 48.5 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
anonymous author / autor anónimo
Untitled (Icelandic Landscapes)
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
Lot 28
Lot 29
anonymous author / autor anónimo
Acrylic on canvas
195 x 390 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
anonymous author / autor anónimo
Plastic, wood
21 x 60 x 1.6 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
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ANÓNIMO
miami 2016
lot 30
THE ONLINE AUCTION HOUSE
Collect from
anywhere, anytime.
anonymous author / autor anónimo
Ceramic
40 x 40 x 32 cm
All bids starting at: $3,000 USD
Precio único de salida: $3,000 USD
Online bidding at:
www.paddle8.com/auction/anonimo
Paddle8 connects collectors with extraordinary
art and objects through online auctions, featuring
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ANÓNIMO
miami 2016
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ANÓNIMO
Alejandro Almanza
Participating Artists
Artistas Participantes
Adrián S. Bará
Vive y trabaja en Guadalajara. La práctica artística de Adrián
S. Bará conjuga su formación y ejercicio como cineasta, su
interés por la narrativa visual y sus aproximaciones empíricas
a situaciones cotidianas. Su trabajo se genera a través de la
apropiación de elementos visuales y materiales extraídos de
su entorno inmediato, que se presentan como los rastros de
un relato de la realidad contemporánea y están dispuestos
como fragmentos para componer nuevas narrativas.
Lives and works in Guadalajara. Adrián S. Bará’s art practice
combines his education and exercise as a filmmaker, his
interest for visual narratives and his empirical approaches
to everyday situations. His work is generated through the
appropriation of visual elements and materials taken from
his immediate environment, which are presented as the
traces of a story of contemporary reality and are arranged as
fragments to compose new narratives.
Interesado en los procesos de la cotidianidad, se introduce
en ambientes específicos para generar su obra a partir de la
experiencia, ocupándose de las imágenes y los componentes
que sirven como referentes al contexto y dinámicas de las
que es testigo. Es el dinamismo de estos encuentros lo que
detona el trabajo de recomposición de narrativas y permite
que trabaje con procesos hermenéuticos. De esta manera,
Bará ha experimentado con distintas prácticas artísticas
formales dentro de un lenguaje fuertemente influenciado
por la cinematografía, formado un cuerpo de obra que
se compone de acciones, imagen fija y en movimiento,
reproducción de iconografía e intervención de objetos.
Interested in the processes of everyday life, the artist inserts
himself in specific scenarios in order to produce his work from
experience, dealing with the images and components that
serve as reference to the context and the events he witnesses.
It is the dynamism of these encounters what triggers the
exercise of narrative re-composition and allows the artist
to work with hermeneutical processes. Therefore, Bará
has experimented with different formal disciplines within a
language strongly influenced by cinematography, configuring
a body of work that consist of actions, still and moving images,
iconography reproduction, and object intervention.
Aldo Chaparro
Gran parte del trabajo de Aldo Chaparro esta basado en
procesos rápidos que implican una interacción bastante
estrecha con el material usado. Chaparro considera a los
objetos resultantes de este enfrentamiento con el material
un documento que evidencia (de la misma forma que lo haría,
en el caso de un crimen, la reconstrucción de el mismo)
los procesos que transformaron el material en un objeto
artístico.
En sus piezas de texto en donde recurre como fuente a
información mediática, letras de canciones u obra pre
existente, Chaparro trabaja con la paranoia que la copia y los
asuntos relacionados a autoría y autenticidad generan en el
espectador.
En su trabajo reciente desarrollado para la exposición
Approaching Silence, el artista regresa a sus raíces
escultóricas formales explorando la minimización de su
dialogo y manteniendo solamente las características mas
esenciales de su estructura interviniendo el material en
blanco por medio de gestos físicos inmediatos.
Much of the work by Aldo Chaparro is based in quick physical
processes that involve a rather close interaction with the
material at hand.
Aldo considers the objects resulting from this confrontation
with the material a document of evidence (in the same
way it would in the case of a crime, a recreation of it) that
transformed the material into an art object.
Approaching Silence strips all of the luster and varnish from
his work developed in the last years and finds Chaparro
returning to his roots as a formal scultuptor doing a revision
of his previous work from a more meditative standpoint
where the gleaming surfaces have disappeared giving way to
an introspective interpretation of his last decade as an artist.
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AlejandroAlmanzaPereda(1977)produceesculturas,fotografías,videos,
trabajos públicos e instalaciones que subrayan nuestras relaciones
emocionales con objetos a través de piezas que parecen inestables,
inmateriales o bien, al punto del desastre. En este punto de su práctica
artística, está interesado en la crítica de estructuras propuestas por la
arquitectura, enfocándose en lo que podría llamarse infraestructura y
supraestructura. La primera como espacio interno y la segunda como
afecto y memorias. Últimamente ha mostrado una fascinación por las
pinturas clásicas, específicamente aquellas de naturaleza muerta; ha
estado investigándolas a través se su re-imaginación bajo lo precario de
las frágiles estructuras que a menudo explora. En este caso, las nuevas
reglas impuestas al balancear objetos bajo el agua. Alejandro Almanza
Pereda ha presentado exposiciones individuales como “Everything but
the kitchen sank”. The San Francisco Art Institute SFAI, San Francisco,
USA / “Las quince letras”. Museo Experimental El Eco, Ciudad de México
/ “The heaviest baggage for the traveler is the empty one”. Magnan
Metz Gallery, New York, USA / “Andamio (Temporary Frameworks)”.
Art in General, New York, USA / As well as group shows like “1a Bienal
Nacional De Paisaje”. Museo De Arte Carrillo Gil, Ciudad de México
/ “XVI Bienal de Fotografía”. Centro de la Imagen, Ciudad de México /
“Common ground: Earth”. Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey /
“Turn Off the Sun”. Arizona State University Museum of Art, Phoenix,
USA / “2n ‘Qui Vive?’ Moscow International Biennale for Young Art”.
Moscow, Russia / “MN.S-Files 007”. Museo del Barrio, New York, USA.
Colecciones: Kadist Art Foundation (San Francisco/Paris), Fundación
Colección JUMEX (Mexico City, Mexico), Goetz Collection (Munich,
Germany), Lisser Art Museum (Netherlands), Borusan Contemporary
Art Collection (Istambul, Turkey), Museo del Barrio (New York), Museo
de Arte de Lima (Lima, Perú).
Alejandro Almanza Pereda (1977) produces sculptures, photos,
videos, public works, and installations that highlight our emotional
relationships with objects through pieces that may seem unstable,
immaterial, or on the cusp of disaster. At this point, in his artistic
practice, he is now is interested in the criticism of the enduring
structures proposed by architecture, focused on what can be called
the infrastructure and superstructure; the first taken as indoor spaces,
the second like affection and memories.He has lately demonstrated a
fascination with classical painting specifically those depicting still lifes
and has been investigating them through their re-imaginationunder
the precariousnessof the frail structures he oftenexplores. In this case
the new set of rules imposed by balancing them underwater.Alejandro
Almanza Pereda has presented solo shows such as“Everything but the
kitchen sank”. The San Francisco Art Institute SFAI, San Francisco, USA
/ “Las quince letras”. Museo Experimental El Eco, Ciudad de México
/ “The heaviest baggage for the traveler is the empty one”. Magnan
Metz Gallery, New York, USA / “Andamio (Temporary Frameworks)”.
Art in General, New York, USA / Aswell as group shows like “1a Bienal
Nacional De Paisaje”. Museo De Arte Carrillo Gil, Ciudad de México
/ “XVI Bienal de Fotografía”. Centro de la Imagen, Ciudad de México /
“Common ground: Earth”. Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey
/ “Turn Off the Sun”. Arizona State University Museum of Art, Phoenix,
USA / “2n ‘Qui Vive?’ Moscow International Biennale for Young Art”.
Moscow, Russia / “MN.S-Files 007”. Museo del Barrio, New York, USA.
Collections: Kadist Art Foundation(San Francisco/Paris), Fundación
Colección JUMEX(Mexico City, Mexico), Goetz Collection(Munich,
Germany), Lisser Art Museum(Netherlands), Borusan Contemporary
Art Collection(Istambul, Turkey), Museo del Barrio(New York), Museo
de Arte de Lima(Lima, Perú)
Alessandro Moroder
En The Hand With The Whip Pointed To The South, Alessandro Moroder
investiga la idea de la genealogía, completando una peregrinación a
dos cadenas montañosas con la esperanza de crear y hacer frente a un
nuevo discurso sobre el folklore y la memoria a través de la identidad
personal, el físico, y el ritual. Estos dos sitios elegidos específicamente lo
llevan al redescubrimiento familiar. Su padre es del norte de Italia, y su
madre de México central.
In The Hand With The Whip Pointed To The South, Alessandro Moroder
investigates the idea of genealogy by completing a pilgrimage to two
separate mountain ranges in hopes of creating and confronting a
new discourse of folklore and memory through personal identity,
physicality, and ritual. These two specifically chosen sites of adoration
and rediscovery stem from his personal background -his father is from
Northern Italy, and his mother from Central Mexico.
Este trabajo se enfoca en la experimentación de la escala y la interacción
entre cada pieza, las cuales son -en cierto sentido- facsímiles del lugar
real de la producción. Objetos encontrados se recogen en el camino y
actuan como reliquias de la jornada, mientras que las pinturas funcionan
como representaciones no figurativas de esta. Estos monocromos
funcionan como una grabación de un viaje solitario y un resumen de los
resultados. Las pinturas, cada una cada vez mayor en escala, intentan
imitar la ascensión a la montaña, y los lienzos que comienzan limpios,
se van desgastando por entrelazarse con el entorno inmediato de la
tierra, la suciedad, el suelo, y el esmalte; la creación de un índice de sitio
específico y de su peregrinaje donde cada marca cataloga el proceso,
acción, y el azar.
Both respective mountain ranges serve as physical line between
geographies, class structure, and lore as they are transformed into
symbols of modernity, bodily harm, and memory. The summation of
this new body of work will act as an experimentation of scale and the
interaction between each piece, which are in a sense, facsimiles of the
actual place of production. Found objects of religious connotations,
natural and altered, are collected en route and act as relics of the
journey and performative mark making, while the paintings operate as
non-figurative representations of the body, autonomy, and anonymity.
En su investigación previa, Moroder se sintió atraído por la idea de que
las dos cadenas montañosas distintas -aunque similares en el mundo
físico- comparten una historia opuesta en su construcción social. Las
tres pinturas realizadas en el norte de Italia exploran el estatus socioeconómico de una región basada casi exclusivamente en el turismo;
las montañas que actúan como una tabla de salvación, mientras que
los tres creados en México investigan el folklore y consecuencia de su
comercio de narcóticos. En ambos casos y exploraciones, Moroder
está actuando como un extraño, un investigador desde una perspectiva
individual, interesado ​​en los espacios intersticiales entre dos polaridades
contendientes. Cada comunidad, ya sea justificadamente o no, que
necesita su paisaje para sobrevivir.
The monochrome works function as a recording of a lonely journey, a
summation of performance, and the act of labor and endurance. The
paintings, each growing in scale to mimic the ascension up the mountain,
are performances in their physicality as the once pristine canvases are
abraded by burying them with the immediate surroundings of dirt, soil,
and enamel, creating a site-specific index of his pilgrimage. The excess
debris and pigment is then striped away to discover a new vernacular
of subtraction and immediacy, asserting its surfaces as a vulnerable
membrane: each mark cataloging the process in the study of material,
action, and chance. The removal of the artist’s direct hand through an
alternate source in which the medium is explored, manipulated, and
compromised ultimately acts as a transferring of information through
its interaction, gesture, and finality.
In his discovery, he was attracted to the idea that the two distinct mountain
ranges, although similar in physicality, share/have/create an opposite
story in their social construction. The three paintings done in Northern
Italy explore the socio-economic status of a region based almost solely
on its tourism, the mountains acting as a lifeline, while the three created
in Mexico investigate a folklore and consequence of its narcotic trade.
In both instances and explorations, Moroder is acting as an outsider, an
investigator from a detached perspective, interested in the interstitial
spaces between two contending polarities. Each community, whether
warranted or not, needing their landscape. Moroder derives the series
from the practices and attitudes born from the mountain and explores
the possibilities of translating these specific archetypes and formal
vernacular into paintings of action, chance, and memory.
ANÓNIMO
miami 2016
Cecilia Hurtado
Cynthia Gutiérrez
El hilo conductor de los diversos usos del lenguaje fotográfico
que utiliza en su obra –ya sea que se basen en una colección
de fotografías anónimas intervenidas, o que planteen
un testimonio gráfico como documento histórico con la
fotografía como creación, o bien que lleven a una reflexión
sobre la extinción y la memoria- es una búsqueda constante
en la relación de la imagen y el interés por entender el
tiempo, la pérdida y la ausencia, la identidad y la memoria;
en conjunto con el juego estético de las relaciones ocultas
que existen entre una obra y el espectador.
Estudió fotografía en la Escuela Superior de Fotografía
Grisart, en Barcelona, España, en los Talleres Creativos del
Centro de la Imagen, en la Ciudad de México, y en el Instituto
Cultural Cabañas, en Guadalajara Jalisco.
Tiene más de 20 exposiciones colectivas y 10 individuales,
en México, Estados Unidos, Filipinas y España. Entre las que
destacan de manera individual: Recientemente, La sombra
del fantasma en el Ex Convento del Carmen, Guadalajara,
Jalisco. Esta exposición estará en varias ciudades de México
y América Latina en 2017. En 2011 Coleccionista de secretos,
Museo-Taller Clemente Orozco. Guadalajara, Jalisco. En 2009
Desvanecer lo lejano, Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara,
Jalisco. En 2003, la exposición 1840-2040. Instituto Cultural
Cabañas. Guadalajara, Jalisco. Y en 2001, Memoria del
olvido. Galería Arte i Recerca 491, Barcelona, España. Las
exposiciones colectivas más recientes: Memoria, Laboratorio
procesual. Estudio 71, Sinagoga Histórica. Ciudad de México,
2014. En 2013 The Fourth Annual Zine and Self-Published,
The Camera Club of New York, Photo Book Fair. NY, EUA. En
2012, Conectados. Ayala Museum. Manila, Filipinas.
Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores 2012-2015,
FONCA, CONACULTA. Ha recibido apoyos para realización de
proyectos de diversos e importantes programas de México
y realizado residencias Artísticas en España. Ha recibido
distinciones en el Premio Omnilife, Salón de Octubre 1998,
Premios Rei Jaume Artes Plásticas 2007, Mallorca, España,
en la Sexta Bienal de Fotografía Universidad Ibero Puebla de
los Ángeles y en 2011, Concurso Internacional de Fotografía
y Estampa Digital FINI, entre otros.
Whether based on a collection of intervened anonymous
photographs, images that document the photographic
process, constituting works of art in and of themselves,
or a reflection on extinction and memory, the common
denominator of Hurtado’s photographic language is a
constant effort to tie the image in with a desire to comprehend
time, loss and absence, identity and memory, coupled with an
aesthetic play on the hidden relationships between a given
work and the spectator.
Hurtado studied photography at the Grisart Higher School of
Photography in Barcelona, Spain, the Creative Workshops of
Centro de la Imagen in Mexico City and the Cabañas Cultural
Institute in Guadalajara, Jalisco.
She has participated in over 20 group and 10 solo exhibitions
in Mexico, the United States, the Philippines and Spain. Her
most noteworthy solo exhibitions include: newly showed, The
shadow of the Ghost, Ex convento del Carmen, Guadalajara,
Jalisco. This exhibition will be through different cities in
Mexico and Latin America in 2017. Collector of Secrets,
Clemente Orozco Museum-Workshop, Guadalajara, Jalisco,
2011; Dispelling the Distance, Zapopan Art Museum,
Guadalajara, Jalisco, 2009; 1840-2040, Cabañas Cultural
Institute, Guadalajara, Jalisco, 2003; and Memory of
Forgetting, Arte i Recerca 491 art gallery, Barcelona, Spain,
2001. Her most recent group exhibitions include Memory,
Evolving Laboratory, Estudio 71, Historic Synagogue, Mexico
City, 2014; The Fourth Annual Zine and Self-Published, The
Camera Club of New York, Photo Book Fair, NY, USA, 2013;
Connected, Ayala Museum, Manila, the Philippines, 2012.
Hurtado has been a member of the National System of
Creators, 2012-15 FONCA, CONACULTA, and has received
funding for her projects from the most important grants in
Mexico and artistic residencies in Spain. She is also a recipient
of the Omnilife Prize, Hall of October 1998, and the 2007 Rei
Jaume Plastic Arts Award, Mallorca, Spain, and has won
prizes at the Sixth Photography Biennial, Ibero Puebla de los
Ángeles University, and the International Digital Photography
and Image Competition, FINI 2011, among others.
- 42 -
El trabajo de Cynthia Gutiérrez denota una búsqueda constante
por analizar la memoria en distintos niveles, generando tensiones
o fisuras en los esquemas establecidos. Sus reflexiones y procesos
parten de situaciones de conflicto; de terrenos inestables,
indefinidos, cuya vulnerabilidad permite el desplazamiento en
múltiples direcciones. A partir de fragmentos, reconfigura imágenes
que alteran trayectos habituales y desestabilizan estructuras
ofreciendo alternativas que operan simultáneamente entre realidad
y ficción. Articula elementos históricos desde una nueva postura
con cronologías distorsionadas que evidencian la imposibilidad de
generar recuerdos precisos y revelan la fugacidad de la historia.
The work of Cynthia Gutierrez denotes a constant search to analyze
memory at different levels, generating tensions or fissures in
established schemes. Her reflections and processes depart from
situations of conflict; from indefinite, unstable terrains with a
vulnerable condition that allows movement in multiple directions.
From fragments, she reconfigures images that alter habitual
trajectories and destabilize structures offering alternatives that
simultaneously operate between reality and fiction. She articulates
historical elements from a new posture with distorted chronologies
that evidence the impossibility of generating accurate memories, and
reveal the transience of history.
Con formación en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara
ha realizado diversas exposiciones individuales como Coreografía del
colapso, Proyecto Paralelo (2014, México), Notas de Carnaval, Museo
de Arte de Zapopan (2011, México), Escuela para cadáveres, Museo
de las Artes (2008, México), y participado en muestras colectivas
como Social Contract, Izolyatsia Platform for Cultural Initiatives
(2016, Ucrania), Overburden, CCS Bard Hessel Museum (2016,
EUA), A Certain Urge (Towards Turmoil), EFA Project Space (2016,
EUA), Reconstrucción, Museo de Arte de Zapopan (2016, México),
Como fantasmas que vienen de las sombras… y en las sombras,
se van, ESPAC (2015, México), Objectsfoodrooms, Proyecto Paralelo
(2015, México), Celemania, Frac des Pays de la Loire (2014, Francia),
la Bienal de Berlín 8, KW Institute for Contemporary Art (2014,
Alemania), Algunas Lagunas, Proyecto Paralelo (2013, D.F.), Crossing
Boundaries, II Bienal Internacional de Arte Joven de Moscú (2010,
Rusia), y Hecho en casa, Museo de Arte Moderno (2009, México). Fue
invitada a la residencia en el Frac des Pays de la Loire (2014, Francia),
también a la residencia A+D Arte y Desarrollo en Laboral Centro de
Arte (2009, España) y becaria del programa Jóvenes Creadores del
FONCA (2013-2014). Actualmente es miembro del SNCA (2016).
With a background in Visual Arts at the University of Guadalajara
she has had several solo exhibitions such as Coreografía del
colapso, Proyecto Paralelo (2014, Mexico City), Notas de Carnaval,
MAZ (2011, Mexico), Escuela para cadáveres, Museo de las Artes
(2008, Mexico), and has participated in group exhibitions such as
Social Contract, Izolyatsia Platform for Cultural Initiatives (2016,
Ukraine), Overburden, CCS Bard Hessel Museum (2016, EUA), A
Certain Urge (Towards Turmoil), EFA Project Space (2016, USA),
Reconstrucción, Museo de Arte de Zapopan (2016, Mexico), Como
fantasmas que vienen de las sombras… y en las sombras, se van,
ESPAC (2015, Mexico), Objectsfoodrooms, Proyecto Paralelo (2015,
Mexico), Celemania, Frac des Pays de la Loire (2014, France);
the Berlin Biennale 8, KW Institute for Contemporary Art (2014,
Germany), Algunas Lagunas, Proyecto Paralelo (2013, Mexico City),
Crossing Boundaries, II Moscow International Biennale For Young
Art (2010, Russia), and Hecho en casa, Museo de Arte Moderno,
(2009, Mexico City). She was invited to the Frac des Pays de la Loire
28th International Ateliers (2014, France), the A+D Arte y Desarrollo
residency at Laboral Centro de Arte (2009,
Eduardo Basualdo
El trabajo de Eduardo Basualdo ( n. 1977, vive y trabaja en Buenos
Aires ) explora el espacio como concepto elástico. En algunos
casos remite a la condición humana de conciencia confinada al
interior de un cuerpo y en otros a la de cuerpos sometidos a
las reglas de la arquitectura. Su trabajo intenta poner en duda el
principio realidad y el concepto de límite. Desarrolla sus proyectos en
formato de grandes instalaciones como también a través esculturas,
dibujos y objetos. Ha sido invitado a participar en los últimos años
de distintos eventos en instituciones públicas y privadas como la
Bienal de Venecia (2016), Bienal de Gwangju, Corea (2014), Bienal de
Montevideo, Uruguay (2012), Bienal de Lyon, Francia (2011).
The work of Eduardo Basualdo (born 1977, lives and works in Buenos
Aires) explores space as an elastic concept. In some cases, it refers
to the human condition of consciousness confined within the interior
of a body, and in other cases, it refers to bodies subject to the rules
of architecture. His work attempts to question the principle of reality
and the concept of limit. He develops his projects in the form of large
installations as well as through sculptures, drawings and objects.
He has been invited to participate in recent years at various events
in public and private institutions such as the Venice Biennale (2016),
Gwangju Biennale, Korea (2014), Montevideo Biennial, Uruguay
(2012), Lyon Biennale, France (2011).
Eduardo Sarabia
Eduardo Sarabia (n. 1976, Los Ángeles, CA) recibió su grado en artes
en el Otis College of Art and Design en Los Ángeles. Su trabajo ha
sido expuesto en diversas exhibiciones individuales en sitios tales
como el Museo de Arte Contemporáneo en Denver, Colorado; Tokyo
Wonder Site en Tokio, Japón; LA Louver Gallery en Los Ángeles,
California; el Museo de Arte de Santa Mónica en Santa Mónica,
California; Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara y el Museo de
Arte Contemporáneo de Oaxaca, entre muchas sedes más. El
trabajo de Sarabia también ha sido incluido en varias exhibiciones
de grupo, tales como New Blue and White en el Museo de Bellas
Artes de Boston, Massachusetts (2013); Turn Off the Sun: Selectiosn
from La Colección Fundación Jumex en el Museo de la Universidad
de Arizona en Tempe, Arizona (2013); Fuerzas básicas, formas del
dibujo reciente en Jalisco en el Museo de la Ciudad de México,
Distrito Federal (2011); An Expanded Field of Possibilities en el
Foro de Arte Contemporánea de Santa Bárbara (2009); y Phantom
Sightings: Art After The Chicano Movement en el Museo de Arte del
Condado de Los Ángeles, entre muchas otras. En 2008 el trabajo de
Sarabia fue incluído en el Whitney Biennial en el Whitney Museum
of American Art de Nueva York. El reconocido trabajo de Sarabia,
Salon Aleman, ha sido presentado en varios museos y exhibiciones
alrededor del mundo. Asimismo, ha producido diversos proyectos
públicos e intervenciones en recintos como el New Museum en
Nueva York, NY; Art Public, Art Basel Miami Beach en Miami, Florida;
y en Unitednationsplaza en Berlín, Alemania. El trabajo de Sarabia ha
sido incluido en diversas colecciones públicas y privadas alrededor
del mundo. Actualmente, vive y trabaja en Guadalajara, México.
Eduardo Sarabia (b. 1976, Los Angeles, CA) received his BFA from
Otis College of Art and Design, Los Angeles. His work has been the
subject of various solo exhibitions at venues including The Museum
of Contemporary Art, Denver, Colorado; Tokyo Wonder Site, Tokyo,
Japan; LA Louver Gallery, Los Angeles, CA; the Santa Monica
Museum of Art, Santa Monica, CA, Instituto Cultural Cabañas,
Guadalajara and Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, amongst
others. His work has also been included in various group exhibitions
including New Blue and White, Museum of Fine Art Boston, Boston,
MA (2013); Turn Off the Sun: Selectiosn from La Coleccion Fundacion
Jumex, Arizona State University Museum, Tempe, AZ (2013); Fuerzas
basicas, formas del dibujo reciente en Jalisco, Museo de la Ciudad de
Mexico, Mexico DF (2011); An Expanded Field of Possibilities, Santa
Barbara Contemporary Arts Forum (2009); and Phantom Sightings:
Art After The Chicano Movement, Los Angeles County Museum of
Art, Los Angeles, CA (2008) amongst others. Sarabia's work was
also included in the 2008 Whitney Biennial at the Whitney Museum
of American Art, New York, NY. Sarabia's internationally renowned
bar project, Salon Aleman, has been staged at various museums
and venues around the world and he has produced various public
projects and interventions at venues such as the New Museum,
New York, NY; Art Public, Art Basel Miami Beach, Miami, FL; and
unitednationsplaza, Berlin, Germany. Sarabia's work is included in
various private and public collections around the world. He currently
lives and works in Guadalajara, Mexico.
- 43 -
miami 2016
Emanuel Tovar
Tovar analiza las contradicciones que se derivan de la
imposición del poder en distintos niveles y escenarios. Sensible
a las implicaciones de su espacio y de su circunstancia, en su
obra se reflejan los cambios y las antitesis del instante, una
visión particular que tiene como centro la observación y el
registro atento de los procesos y las acciones cotidianas de
los sujetos.
Con formación en Escultura en la Universidad de Guadalajara,
entre sus muestras individuales se encuentran: La
Conspiración de las Bestias, El trabajo te hará libre, Gloria
Desierta. Ha participado en muestras colectivas como:
Babylon, CCB, Barcelona, España, (2007); Distort, MACG, D.F,
México, (2006); Declaraciones, MNCARS, Madrid, España,
(2006); Sólo los Personajes Cambian, Marco, Monterrey,
México, (2004). Fue cofundador de Clemente Jacqs, y Cerro
Quemado. Desarrolló el proyecto curatorial Trinchera, MURA,
(2007). Ha contado con las becas: PECDA, (2013-2014), del
FECA (2005-2006 y 2002-2003). Actualmente es becario del
Sistema Nacional de Creadores (2014-2017).
Tovar analyzes the contradictions derived from power
imposition at different levels and scenarios. Sensible to the
implications of circumstance and space, his work reflects
the changes and antithesis of the instant, a particular vision
that is centered in observation and careful registration
of everyday processes and actions of individuals. With a
formation in sculpture at the University of Guadalajara, he has
presented several solo exhibitions such as: La Conspiración
de las Bestias, El trabajo te hará libre, Gloria Desierta,
and group shows: Babylon, CCB, Barcelona, Spain, (2007);
Distort, MACG, Mexico City, (2006); Declaraciones, MNCARS,
Madrid, Spain, (2006); Sólo los Personajes Cambian, Marco,
Monterrey, Mexico, (2004). He was cofounder of Clemente
Jacqs and Cerro Quemado. He curated the group exhibition
Trinchera at MURA (2007). He has received the following
grants: PECDA, (2013-2014), del FECA (2005-2006 y 20022003). He is currently a fellow of the National System of
Creators (2014-2017).
Fernando Marroquin
Nacido en 1976 en Saltillo, en la parte norte de México, dentro
del núcleo de una familia de cineastas y fotógrafos reconocidos
del país, Fernando Marroquin, con más de quince años de
trayectoria, explora con su cámara técnicas que incluyen el
retrato, naturaleza muerta y fine art
Born in Saltillo, on the north side of Mexico, he grew up in a
family of well known film makers and photographers. With
over fifteen years of career, Fernando explores all kinds of
different techniques that go from portraits, still life and fine
art.
Su trabajo también incluye obras realizadas para el ámbito
publicitario y ha trabajado para las marcas y agencias de
publicidad más importantes de Latinoamérica, Pepsi Co.,
Mc Donalds, Casa José Cuervo, Berger Joyeros, Live Aqua
Hotels & Resorts, entre otras Colabora con regularidad con
publicaciones como Harpers Bazaar y Marie Claire además de
participar en exposiciones colectivas con diferentes galerías en
México y el extranjero
His work also include pieces specially made for
advertisement and he has work for the main brands and
agencies in Latinamerica, Pepsi Co., McDonalds, Casa
José Cuervo, Berger Joyeros, Aquea Hotels & Resorts,
among others. He frequently gets published in magazines
as Harpers Bazaar and Marie Claire, in addition to taking
part in group exhibitions with different galleries in Mexico
and abroad.
Fernando vive en la ciudad de México con su esposa y su 2 hijos .
Fernando lives in Mexico city with his wife and 2 children.
Francisco Ugarte
Guadalajara, Méx. 1973
Lives and Works in Guadalajara
Vive y trabaja en Guadalajara.
Francisco Ugarte´s work is based on the grounds of architecture,
mainly during the creative process: the proposal is generated
from a deep focus in the enviroment, and it´s a response to it.
El trabajo de Francisco Ugarte se apoya en los terrenos de
la arquitectura, sobre todo durante el proceso creativo: la
propuesta se genera a partir de una atención profunda en el
entorno, y es una respuesta a éste.
Francisco Ugarte estudió la carrera de Arquitectura en el
ITESO (Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de
Occidente) en donde, del año 2007 al 2012 fue profesor,
en 2010 estudió el diplomado Vivienda Sustentable, y en
2011 participó en el foro de arquitectura 50 arquitectos por
mostrar con el tema “Experimentar la Arquitectura”. Ha
participado en las residencias para Artistas, Braziers en
Braziers Park Inglaterra, Arte Careyes en Careyes Méx.,
y Casa Wabi, en Oaxaca Méx. Su trabajo ha sido expuesto
nacional e internacionalmente en instituciones, galerías,
espacios públicos, y publicaciones desde 1997, y es parte
de colecciones tales como Coppel (México); Jorge M.
Pérez (Miami); Orange County Museum of Art (California);
Mattatuck Museum (Connecticut); Jumex (México); Petitgas
(Londres) entre otras.
Francisco Ugarte studied Architecture in the ITESO (Western
Institute of Superior and Technological Studies) where he
was a faculty member from 2007 to 2012. In 2010 he studied
a Postgraduate in sustainable housing design and in 2011
participated in the architecture fórum 50 Arquitectos por
Mostrar with the theme Experiencing Architecture. He has
atended to art residences and workshops such as Braziers in
Braziers Park, England, Arte Careyes in Careyes, Mexico, and
Casa Wabi in Oaxaca.
His work has been shown nationaly and internationaly through
institutions, galleries, public spaces, and publications since
1997, and is part of art collections such as Coppel (Mexico);
Jorge M. Pérez (Miami); Orange County Museum of Art
(California); Mattatuck Museum (Connecticut); Jumex (Mexico);
Petitgas (Londres) among others.
Gonzalo Lebrija
Gonzalo Lebrija (México D.F., 1972) Formado en Ciencias de la comunicación en el
Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (Guadalajara, México).
Su trabajo se centra en la fotografía, el video, la instalación y la escultura. Su
obra explora la fragilidad del tiempo suspendido a través de desplazamientos
y registros de instrumentos de dominación. Con un nihilismo casi humorístico,
explora el pasaje y la futilidad de la vida, a menudo centradas en las posibilidades
vertiginosos de momentos congelados.
Ha participado en numerosas exposiciones colectivas:, entre las que destacan:
"Motopoétique", comisariada por Paul Ardenne, Museo de Arte Contemporáneo
de Lyon (Lyon, Francia, 2014); "Habitar el tiempo", comisariada por Michel
Blacsubé, Museo Jumex (Ciudad de México, 2014); The House, Faggionato
(Londres, Inglaterra, 2014); GRIT: Contemporary Mexican Video Art – An arbitrary
selection 1996 – 2012, Goleb (Amsterdam, Holanda, 2013); Under the Mexican
Sky: Gabriel Figueroa – Art and Film, LACMA (Los Ángeles, EU, 2013); Resisting
the Present, Mexico 2000-2012, ARC – Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris
(París, Francia, 2012); Energy Effects, MCA Denver (Denver, EU, 2010); Les
enfants terribles, Colección Jumex (Ciudad de México, 2009); Eco. Arte mexicano,
Museo de Arte Reina Sofía (Madrid, España, 2005).
Entre sus exposiciones individuales destacan: “Unfolded” Galerie Laurent Godin
(Paris, Francia, 2015) y Museo de Arte de Zapopan (Jalisco, Mexico, 2015); “Who
knows where the time goes”, Faggionato (Londres, Inglaterra, 2014); “Possibility
of Disaster” Curada por Humberto Moro, Centro de las Artes de Monterrey
(Parque Fundidora, Monterrey, NL, 2014); R75/ Toaster, Moscow Photobienniale,
- Le Grand Manège, Multimedia Art Museum (Moscou, Rusia, 2013); Trou noir,
Galerie Laurent Godin, (París, Francia, 2012); “Deriva Especular”, Museo de
Arte Moderno (Ciudad de México, 2011); The Distance Between You and Me,
I-20 Gallery (NY, EU, 2010). Lebrija es también co-fundador de la Oficina para
Proyectos de Arte (OPA). Vive y trabaja en Guadalajara.
Gonzalo Lebrija (México D.F., 1972) Formed in Communication at the Instituto
Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (Guadalajara, Mexico). He
uses the mediums of photography, video, sound and sculpture to capture the
aesthetic experience of time. With an almost humorous nihilism, he explores
the passage and futility of life, often focusing on the vertiginous possibilities of
frozen moments.
He has participated in numerous group exhibitions:, among which exude:
"Motopoétique", curated by Paul Ardenne, Lyon Contemporary Art Museum
(Lyon, France, 2014); "Habitar el tiempo", curated by Michel Blacsubé, Jumex
Museum (Mexico City, 2014); The House, Faggionato (London, England, 2014);
GRIT: Contemporary Mexican Video Art – An arbitrary selection 1996 – 2012,
Goleb (Amsterdam, Holland, 2013); Under the Mexican Sky: Gabriel Figueroa
– Art and Film, LACMA (LA, US, 2013); Resisting the Present, Mexico 20002012, ARC – Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (Paris, France, 2012);
Energy Effects, MCA Denver (Denver, US, 2010); Les enfants terribles, Jumex
Collection (México City, 2009); Eco. Arte mexicano Museo de Arte Reina Sofía
(Madrid, Spain, 2005).
Among his individual exhibitions stand out: “Who knows where the time
goes”, Faggionato (London, England, 2014); “Possibility of Disaster” curated
by Humberto Moro, Centro de las Artes de Monterrey (Parque Fundidora,
Monterrey, NL, 2014); R75/ Toaster, Moscow Photobienniale, - Le Grand
Manège, Multimedia Art Museum (Moscou, Russia, 2013); Trou noir, Galerie
Laurent Godin, (París, France, 2012); “Deriva Especular”, Museo de Arte
Moderno (Mexico City, 2011); The Distance Between You and Me, I-20 Gallery
(NY, US, 2010). Lebrija is also cofounder of Oficina para Proyectos de Arte (OPA).
He lives and works in Guadalajara.
Ignacio Uriarte
El trabajo de Ignacio Uriarte trata de las rutinas cotidianas del trabajo de oficina
enfocándose en sus ingredientes principales: Tiempo y repetición. Usando
herramientas y procedimientos de un empleado administrativo, convierte
pequeños gestos productivos e improductivos como garabatear y doblar una hoja
de papel en sistemáticos dibujos, instalaciones, animaciones, piezas sonoaras y
series fotográficas.
Su trabajo ha sido objecto de exposiciones individuales en museos como el
MARCO de Vigo, el pabellón Mies van der Rohe en Barcelona, Centre d’Art La
Panera en Lérida, Sala Rekalde en Bilbao, Huarte Centro de arte, Pamplona,
MUSAC, León, La Casa Encendida, Madrid, en España; Kunstmuseum Bergisch
Gladbach, Berlinische Galerie, Berlín, Deutsches Architekturzentrum, Berlín,
Kunstverein Arnsberg en Alemania; UMOCA, Salt Lake City, The Drawing Center,
Nueva York en Estados Unidos; Casa del Lago, México D.F., Ladera Oeste,
Guadalajara en México; así como el Perth Institute of Contemporary Arts en
Australia.
Ha participidao en numerosas exposiciones colectivas, en la Fundación La Caixa,
Barcelona, MACBA, Barcelona, Centro Párraga, Murcia, CAB Burgos, Fundación
Marcelino Botín, Santander, ARTIUM, Vitoria en España; Kunstmuseum Bonn,
Lenbachhaus, Munich, Museum Ludwig, Colonia, Kupferstichkabinett, Berlín,
Haus der Kulturen der Welt, Berlín, Skulpturenmuseum Glaskasten, Marl en
Alemania; Kunsthalle Wien, Albertina Museum, Viena en Austria; S.M.A.K., Gent
en Bélgica; Spike Island, Bristol, Gran Bretaña; en la Fondazione Pistoletto, Biella,
Triennale Design Museum, Milano en Italia; FRAC Lorraine, Metz, Francia; Yerba
Buena Center for the Arts, San Francisco, Ludlow 38 y Pratt Manhattan Gallery,
Nueva York, University Museum, Alabany, EUA; MNBA Museo Nacional de Bellas
Artes, Buenos Aires, Argentina; Maison Hermès, Tokio, Japón.
Ignacio Uriarte´s work deals with the routines of everyday office work focussing
on its main ingredients: Time and repetition. Using the tools and procedures of an
administrative employee, he turns small productive and improductive gestures
like scribbling or folding a sheet of paper into systematic drawings, installations,
animations, sound pieces and photo series.
His work has been the object of solo exhibitions in museums such as MARCO,
Vigo, Mies van der Rohe Pavillion Barcelona, Centre d’Art La Panera, Lérida,
Sala Rekalde, Bilbao, Huarte Centro de arte, Pamplona, MUSAC, León, La Casa
Encendida, Madrid, in Spain; Kunstmuseum Bergisch Gladbach, Berlinische
Galerie, Berlin, Deutsches Architekturzentrum, Berlin, Kunstverein Arnsberg in
Germany; UMOCA, Salt Lake City, The Drawing Center, New York in the USA; Casa
del Lago, Mexico City, Ladera Oeste, Guadalajara in Mexico; as well as the Perth
Institute of Contemporary Arts in Australia.
He has participated in numerous group shows at Fundación La Caixa, Barcelona,
MACBA, Barcelona, Centro Párraga, Murcia, CAB Burgos, Fundación Marcelino
Botín, Santander, ARTIUM, Vitoria in Spain; Kunstmuseum Bonn, Lenbachhaus,
Munich, Museum Ludwig, Cologne, Kupferstichkabinett, Berlin, Haus der
Kulturen der Welt, Berlin, Skulpturenmuseum Glaskasten, Marl in Germany;
at the Kunsthalle Wien, Albertina Museum, Vienna in Austria; S.M.A.K., Gent
in Belgium; Spike Island, Bristol, Great Britain; at Fondazione Pistoletto, Biella,
Triennale Design Museum, Milan in Italy; FRAC Lorraine, Metz, France; Yerba
Buena Center for the Arts, San Francisco, Ludlow 38, New York, Pratt Manhattan
Gallery, New York, University Museum, Alabany, USA; MNBA Museo Nacional de
Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Maison Hermès, Tokyo, Japan.
Javier M. Rodríguez
Considerar el orden como una ilusión y lo medible como una ficción ha permitido
que Javier M. Rodríguez cuestione la forma en que el mundo es entendido en
base a la construcción de límites. Particularmente y a lo largo de los últimos
cuatro años, Rodríguez ha desarrollado un cuerpo de obra bajo el concepto
de cine expandido, el cual puede ser entendido como una serie de estudios
para repensar el orden del tiempo. Por medio de traducciones, los elementos
fundamentales de la narrativa cinematográfica son trasladados a diversos
soportes como pintura, escultura o videoinstalación y ocupan la sala de exhibición
esperando ser activados por el cuerpo y movimiento de los espectadores. Sus
exhibiciones individuales incluyen: Wide (characters leave the scene), Casa Taller
José Clemente Orozco, Guadalajara (2016); La terquedad de las cosas, Museo
Experimental El Eco, México DF (2015); Nada más que las horas, Museo de arte
de Zapopan (2013); [AGOSTO,10.2013 - OCTUBRE,04.2013], Galería Curro (2013).
En dos ocasiones ha sido acreedor a la beca FONCA - Jóvenes Creadores en 2009
Y 2012. Vive y trabaja en Guadalajara.
Considering order as an illusion and the measurable as a fiction has allowed
Javier M. Rodríguez to question the way the world is understood based on the
construction of limits. In this scenario and for the last four years, Rodriguez has
developed a body of work under the concept of expended cinema, which can
be considered as a series of studies to rethink the order of time. By means of
translation, the building blocks of film narrative are transferred to painting,
sculpture or video installation in to the exhibition space waiting to be activated
by the spectator’s body and movement. His solo shows include: Wide (characters
leave the scene), Casa Taller José Clemente Orozco, Guadalajara (2016); La
terquedad de las cosas, Museo Experimental El Eco, México DF (2015); Nada
más que las horas, Museo de arte de Zapopan (2013); [AGOSTO,10.2013 OCTUBRE,04.2013], Galería Curro (2013). In two occasions he has been granted
by the National Fund for the Arts 2009 and 2012. Lives and works in Guadalajara.
--45
45--
ANÓNIMO
Jorge Méndez Blake
El trabajo de Méndez Blake explora las posibles conexiones entre la
literatura, el arte y la arquitectura, fusionando distintos elementos
históricos y geográficos e invitando a nuevas lecturas sobre el papel
del lenguaje y la historia en nuestra cultura. Ha enfocado gran parte de
su trabajo en la investigación de la idea de biblioteca, entendida como
una estructura frágil y contradictoria.
His work has been the object of solo exhibitions in diverse museums
as La Kunsthalle Mulhouse, France; the Museum of Contemporary
Art Denver and the Museum of Latinamerican Art, Los Angeles, in the
USA; at the Museo D'Arte Contemporanea Villa Croce, Geneva, Italy;
at the Museo Universitario Arte Contemporáneo, Museo Tamayo, Sala
de Arte Público Siqueiros and Museo de Arte Moderno in Mexico City.
Su obra ha sido expuesta individualmente en diversos museos como
en la Kunsthalle Mulhouse, Francia; en el Museum of Contemporary
Art Denver y el Museum of Latinamerican Art, Los Angeles en EEUU;
en el Museo D'Arte Contemporanea Villa Croce, Geneva, Italia; en el
Museo Universitario Arte Contemporáneo, el Museo Tamayo, la Sala
de Arte Público Siqueiros y el Museo de Arte Moderno en la ciudad de
México. Colectivamente su obra ha estado expuesta en el Museé d’Art
Moderne, la Maison Rouge y el Museo Mac/Val en Paris, Francia; el
Bass Museum en Miami, el Aspen Museum of Art, en Artspace, New
Haven y en el Museum of Contemporary Art Santa Barbara en EEUU; la
Fundación PROA en Buenos Aires, Argentina; la Fundación Marcelino
Botin en Santander, la Casa Encendida en Madrid, España; la
Queensland Art Gallery, Australia; el Stedelijk Museum Schiedam y la
Frankendael Foundation en Amsterdam, Holanda; la Zacheta National
Gallery of Art, Warsow, Polonia; el BOZAR, en Bruselas, Bélgica. En
México en el Museo de Arte Carrillo Gil, en el Museo Nacional de Arte,
en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en la Fundación JUMEX,
en la ciudad de México, en MARCO, Monterrey, el Instituto Cultural
Cabañas, Guadalajara y el Museo Amparo en Puebla, entre otros. Ha
participado en la 13va. Bienal de Estambul, en SABER DESCONOCER,
43 Salón (Inter) Nacional de Artistas, Medellín, Colombia y obtuvo
la beca del programa Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami,
EEUU. Actualmente es miembro en México del Sistema Nacional de
Creadores de Arte.
Also his work has been shown in group shows at the Museé d’Art
Moderne, the Maison Rouge and the Museé Mac/Val in Paris, France;
the Bass Museum, Miami, the Aspen Museum of Art, Artspace, New
Haven and the Museum of Contemporary Art Santa Barbara in the
USA; at the Fundación PROA in Buenos Aires, Argentina; at the
Fundación Marcelino Botin, Santander and Casa Encendida, Madrid,
in Spain; at the Stedelijk Museum Schiedam and Frankendael
Foundation in Amsterdam, in the Netherlands; the Queensland Art
Gallery, Australia; in BOZAR, Brussels, in Belgium; the Zacheta
National Gallery of Art, Warsow, Poland. In Mexico at the Foundación
JUMEX, the Museo de Arte Carrillo Gil, the Museo Nacional de
Arte and the Museo del Palacio de Bellas Artes in Mexico City, in
MARCO, Monterrey, Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara and
Museo Amparo in Puebla, among others. He also participated at
13th Istanbul Biennial (2013); SABER DESCONOCER, 43 Salón (Inter)
Nacional de Artistas, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia (2013)
and was a recipient of the Cisneros Fontanals Art Foundation, Grant
Program Miami, USA (2012). Currently he is a member of the Sistema
Nacional de Creadores in Mexico.
José de Sancristóbal
(Monterrey, NL 1995) Su trabajo, basado en teorías post conceptuales
tradicionales, se distingue por abordar cuestiones relacionadas con
el archivo, la documentación, y la memoria. Por medio del uso de
objetos encontrados en su entorno inmediato (archivos familiares,
principalmente), de Sancristóbal cuestiona y propone teorías
hipotéticas sobre la formación del ser basado en la memoria,
trayectoria, y constante documentación histórica tanto universal
como particular.
(Monterrey, NL 1995) His work, based on traditional post conceptual
theories, addresses issues related to the filing, documentation, and
concepts of memory. Through the use of found objects in his immediate
environment (family archives, mainly) De Sancristóbal proposes
hypothetical questions and theories about the formation of being based
on memory, history, and constant historical documentation that goes
from universal to particular.
Luis Rodrigo Medina
En la pintura de Luis Rodrigo somos testigos de la expresión de un
lenguaje primigenio. Empieza como movimiento que se transforma en
juego y, en seguida, en trazo. Desde ahí, palabras y frases comienzan
a gotear, en ocasiones a diluviar, sobre el lienzo. Ahí, el texto es
un espacio para encuentros y desencuentros, que nos recuerda la
imposibilidad para comunicarnos y, al mismo tiempo, la irremediable
necesidad de seguir intentándolo. El trabajo de Luis Rodrigo recuerda
la tradición antigua de la caligrafía tanto como el graffiti moderno.
Pero, más allá de las evocaciones, sus trazos parecen bailar al ritmo
de un compás interno. Creció en el seno de una familia dedicada al
arte, situación que le permitió incursionar desde temprana edad
en disciplinas como escultura, pintura, actuación, música, dibujo
y diseño de escenografía. Realizó estudios en la Escuela de Artes
Plásticas de la Universidad de Guadalajara y en la Escuela Nacional
de Artes Plásticas en la Ciudad de México. En 1999 recibe una beca
para estudiar dibujo en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes,
y grabado en el Atelier 63 de París, Francia.
Entre sus exposiciones individuales destacan: Construcción, Museo
de la Cancillería, Ciudad de México (2016); Deconstrucción, Galería
Luis Adelantado México (2012), Invisible Orchestra, Hélène Bailly
Gallery, París (2012); Never Back to School, Luis Adelantado Miami,
(2008); Rêvolution Blues, Galerie Bailly Contemporain, París; Niños
Rojos, Luis Adelantado Valencia; Rouge, Istambul Contemporary
Art Fair, Article Gallery, Estambul (2006). Entre las colectivas cabe
subrayar: Reconstrucción, Museo de Arte de Zapopan, México (2016);
XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Museo Tamayo, Ciudad de
México (2016); Vibra Óptica, Galería Kritku, Praga (2005), Museo
Nacional de Arte de Rumania, Bucarest (2004); XVII Encuentro
Nacional de Arte Joven, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México
(1996). Algunos de sus premios y distinciones son: selección en la
Bienal Monterrey (2005 y 2009). Primer lugar en pintura (2000)
así como dos menciones honoríficas (1998 y 1999) en el Salón de
Octubre-Gran Premio Omnilife Guadalajara, México. A partir de 1996
es seleccionado en cuatro ocasiones dentro del Encuentro Nacional
de Arte Joven.
In Luis Rodrigo’s paintings we witness the expression of a primordial
language. It starts off as movement that morphs into play and then
into stroke. From there, words and sentences begin to drip, at times
even pour, into the canvas. There, text is a space for encounters and
misencounters, reminding us of the impossibility to communicate
and, at the same time, the inescapable need to keep on trying. Luis
Rodrigo’s work evokes ancient calligraphy tradition as much as
modern graffiti. But, aside from all evocation, his strokes seem to be
dancing to an internal beat. Born into a family of artists and cultural
promoters, from a very young age, Luis Rodrigo started experimenting
with sculpture, painting, acting, music and set design. He attended the
School of Plastic Arts of the University of Guadalajara and the National
School of Arts in Mexico City. In 1991 he was awarded a scholarship to
study drawing at the Graduate School of Fine Arts and printmaking at
Atelier 63, both in Paris.
His solo exhibits include: Construcción, Museum of the Chancellery,
Mexico (2016); Deconstrucción, Luis Adelantado Gallery, Mexico (2012);
Invisible Orchestra, Hélène Bailly Gallery, Paris (2012); Never Back
to School, Luis Adelantado Gallery, Miami (2008); Revolution Blues,
Galerie Bailly Contemporain, Paris; Niños Rojos, Luis Adelantado
Valencia; Rouge, Istambul Contemporary Art Fair, Article Gallery,
Istambul (2006). He has also participated in collective shows such as
the XVII Painting Biennale of the Rufino Tamayo Museum, Mexico City
(2016); Reconstrucción, Art Museum of Zapopan (2016); Vibra Óptica,
Kritku Gallery, Prague (2005) and National Museum of Art of Rumania,
Bucarest (2004); XVII National Young Artists Encounter, Carrillo Gil
Art Museum, Mexico City (1996).Luis Rodrigo was selected to the
Monterrey biennale (2005 and 2009). He earned the first prize (2000) as
well as two honorary mentions (1999 and 1998) in the painting category
of the Grand Prize of the October Salon – Omnilife, Guadalajara. Also,
since 1996, has been selected to participate in the Young Art national
encounter in Mexico City in four different ocassions.
- 46 -
Mario García Torres
Mario García Torres es un artista que vive actualmente en la Ciudad de
México. Algunas de sus exposiciones individuales se han llevado a cabo
en el Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México (2016); The Museum
of Modern Art, Fort Worth (2015); Perez Art Museum, Miami (2015);
Hammer Museum, Los Ángeles (2014); Museo Nacional Centro de
Arte Reina Sofía, Madrid (2010); Kunsthalle Zürich (2008); y Stedelijk
Museum, Amsterdam (2007). También ha participado en algunas
exposiciones internacionales como Manifesta 11, Zurich (2016); la
Bienal de Berlín (2014); la Bienal de Mercosul, Porto Alegre, Brasil
(2013); Documenta 13, Kassel, Alemania (2012); la Bienal de São Paulo
(2010); y la Bienal de Venecia (2007).
Mario García Torres is an artist currently living in México City. Solo
exhibitions of his work have taken place at Museo Rufino Tamayo ,
Mexico city (2016); The Museum of Modern Art, Fort Worth (2015); Perez
Art Museum Miami (2015); Hammer Museum, Los Angeles (2014);
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2010); Kunsthalle
Zürich (2008); and Stedelijk Museum, Amsterdam (2007). He has also
participated in such international exhibitions as Manifesta 11, Zurich
(2016); the Berlin Biennale (2014); the Mercosul Biennial, Porto Alegre,
Brazil (2013); Documenta 13, Kassel, Germany (2012); the São Paulo
Bienal (2010); and the Venice Biennale (2007).
La sintaxis y estética formal de la obra de Mario Navarro sobresale
como una referencia alternativa a ciertas clases de objetos como
podrían ser las palabras, en donde no expresan necesariamente su
significado. A través de su obra crea un lenguaje que cuestiona temas
como la arquitectura y las diferentes maneras de verla, en donde la
arquitectura es recontextualizada.
The formal aesthetics and syntax of Mario Navarro stand as an
alternative reference to certain classes of objects just as words do not «
refer » to things themselves in Saussure’s theory of linguistics. Objects
and architectures have meanings as points and conceptual significations
within an entire system of relations as each and every element evokes an
idea different, let’s say, than that of another class of objects in virtue of
their literal properties. Navarro also creates a meta-class of language
that questions both architecture and the way we look at it but in different
terms. Architecture is re-contextualized.
Mario Navarro
Temas como la percepción, combinación del lenguaje y elementos
espaciales, propiedades escultóricas del lenguaje, representaciones
de los materiales y reinterpretaciones arquitectónicas son algunas
de las líneas que se expresan en el trabajo que ha realizado.
Las relaciones entre formas y arquitectura, específicamente la
descomposición de paradigmas arquitectónicos, son intereses
constantes en la exploración de su trabajo. Su trabajo pertenece
a colecciones como la Petitgas Collection (Londres), Frances R.
Dittmer Collection (Chicago), Sayago & Pardon (Los Angeles),
ArtNexus (Bogota) y la Fundación Colección Jumex (Cd. de México).
Actualmente vive y trabaja en Nueva York.
Issues of perception, the combination of language and spatial elements,
the sculptural properties of language, matter/materials and their
representations are lines of research Navarro has been investigating
lately. The relations between architectures and forms, and more
specifically, the decomposition of architectural paradigms (balance,
symetry, organization of units and the figure of the architect) are
constant interest and exploration in Navarro's ongoing and never final
propositions. His work belongs to collections such as The Petitgas
Collection (London), Frances R. Dittmer Collection (Chicago), Sayago
& Pardon (Los Angeles), ArtNexus (Bogota), Dieresis Collection
(Guadalajara) and Fundacion Coleccion Jumex (Mexico City). He
currently lives and works in New York City.
Melanie Smith
Melanie Smith nació en Poole, Inglaterra, en 1965. Obtuvo la licenciatura
en Bellas Artes en la Universidad de Reading. Desde 1989 vive y trabaja
en la ciudad de México, una experiencia que ha influido enormemente
en su trabajo desde entonces. Su producción se caracteriza por una
cierta relectura de las categorías formales y estéticas de la vanguardia,
problematizadas en sitios específicos y el horizonte de las heteropías.
En piezas anteriores, ilustra las idiosincrasias de las multitudes, caos
y formas aberrantes en los limites de la contemporaneidad. Esto es
evidente en videos como Estadio Azteca-Proeza Maleable, 2010, Xilitla,
2010, Bulto 2011 y Elevador, 2012. Su trabajo actual se vincula con una
visión crítica de la modernidad, las relaciones entre precariedad, la
vida y las formas de violencia de la sociedad industrial contemporánea.
Su trabajo ha sido expuesto en numerosas instituciones nacionales e
internacionales: PS1, Nueva York; MOMA, Nueva York; UCLA Hammer
Museum, Los Ángeles; ICA, Boston; Tate Liverpool; Tate Modern,
Londres; South London Gallery, Londres; CAMH, Houston; Milton
Keynes Gallery, Milton Keynes; CCA, Vilnius; Museum Boijmans van
Beuningen, Róterdam; Museo de Arte de Lima; Museo Tamayo, Museo
Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) y Museo Experimental El
Eco, ciudad de México; Museo de Monterrey, entre otros. En 2011 fue
representante del pabellón de México en la 54 Bienal de Venecia. Es
miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA, México.
Melanie Smith was born in Poole, England, in 1965. She received her
Bachelor of Arts from the University of Reading. Since 1989 she has lived
and worked in Mexico City, an experience that has enormously influenced
her works ever since. Her work has been characterized by a certain
re-reading of the formal and aesthetic categories of the avant-garde
problematized at specific sites and within the horizons of heterotopias.
In earlier pieces, she illustrates the idiosyncracies of multitudes, chaos,
and aberrant forms on the outskirts of contemporaneity. This is evident
in such videos as Estadio Azteca – Proeza maleable, Xilitla (2010), Bulto
(2011), and Elevator (2012). Her current work is linked to a critical vision
of the relationships between precariousness, life, and the forms of
violence that characterize contemporary industrial society.
Her work has been exhibited in numerous national and international
institution, including: PS1, New York; MOMA, New York; UCLA´S,
Hammer Museum, Los Angeles; ICA, Boston; Tate Liverpool; Tate
Modern, London; South London Gallery, London; CAMH, Houston; Milton
Keynes; CCA, Vilnius; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam;
Museo de Arte de Lima; Museo Tamayo, Museo Universitario Arte
Contemporáneo and Museo Experimental El Eco, Mexico City; and
Museo de Monterrey. In 2011 she represented Mexico at its national
pavilion at the 54th Venice Biennale.
Miler Lagos
Miler Lagos nació en 1973 en Bogotá, donde vive y trabaja . Es graduado
en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia y realizó
estudios de Ingeniería Mecánica en la Universidad de América en
Bogotá. Ha realizado programas de residencia artística en Londres,
Berlín, Toronto, New York y Medellín. Durante su carrera ha participado
de encuentros internacionales entre los que se destacan la Bienal de
Site Santafé en Nuevo México, Philagrafika en Filadelfia, Bienal de
las Américas en Denver, Segunda Trienal Poligráfica en Puerto Rico,
Valparaiso-Intervenciones en Chile, Bienal de Bogotá, el Encuentro de
Medellín y actualmente, se encuentra desarrollando un proyecto para
la XIII Bienal de Cuenca.
Su obra forma parte de reconocidas colecciones de instituciones
como el MUAC en México, CIFO y Rubell Familly en Miami, Instituto
Puertorriqueño De Cultura, Universidad de Harvard, JPMorgan
Chase Art Collection, Banco de la República de Colombia, Museo
de Antioquia, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Museo de Arte
Universidad Nacional de Colombia.
Miler Lagos was born in 1973 in Bogota, where he still lives and works. He
studied Fine Arts in the Universidad Nacional de Colombia and studied
mechanical engineering at the Universidad de América in Bogota. He
has done artistic residency programs in London, Berlin, Toronto, New
York and Medellin. During his career, Miler has participated in renowned
international happenings such as the Biennial SITE Santa Fe in New
Mexico, Philagrafika in Philadelphia, Biennial of the Americas in Denver,
Second Poly/Graphic Triennial in Puerto Rico, Valparaiso-Intervenciones
in Chile, Bogota Biennial, the Encuentro de Medellin and is currently
developing a project for the XIII Cuenca Biennial.
His work is part of recognized collections and institutions such as the
MUAC in Mexico, CIFO and the Rubell family in Miami, Institute of Puerto
Rican Culture, Harvard University, JPMorgan Chase Art Collection,
Banco de la República de Colombia, Museum of Antioquia, Gilberto
Alzate Avendaño Foundation, Museo de Arte de la Universidad Nacional
de Colombia.
miami 2016
Nicolás Franco
* 1973 Santiago. Vive y trabaja en Santiago
* 1973 in Santiago. Lives and works in Santiago.
Con una atención concreta en la fotografía, el grabado y la pintura,
el trabajo de Nicolas Franco se formula como una densa y pausada
reflexión en torno a como la imagen fotográfica o de impronta
técnicatraza sus vínculos con lo llamado real, y de allí, con las
historias sociales y privadas, las memorias y los archivos que dan
cuenta de la historia, la incertidumbre y la constante irracionalidad
de nuestra existencia individual y colectiva.
With particular attention in printmaking, photography and
painting, Nicolás Franco´s work is formulated as a dense and
paused reflection on how the photographic image or of technical
imprint traces its links with the so-called real, and from there, to
the social and private stories, memories and archives currently
made into back ups for todays various narratives closures of
modernity.
Nicolás Franco realizó sus estudios en la Universidad Complutense
de Madrid y en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Ha sido
artista residente en De Ateliers, Amsterdam y Gasworks, Londres.
Su trabajo ha sido objeto de muestras individuales en diversos
Museos de America como: Museo Nacional de Bellas Artes,
Santiago (2016 - 2011); Museo de Artes Visuales; Santiago (2014);
Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2014); Museo del Barro,
Asunción (2009); Museo Blanes, Montevideo (2008) y Centro Cultural
de España (2015).
De manera colectiva destaca su participación en: Resistance
Performed – Aesthetic Strategies under Repressive Systems in
Latin America, Migros Museum für Gegenwartskunst de Zurich
(2015); Arte Contexto, Museo Universitario de Antioquia, Medellín;
ARCO Solo Projects 2015, Galería AFA, Madrid; 12th Bienal de Video
y Nuevos Medios, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago (2015);
El final de la Historia o el Comienzo del Storytelling, La Conservera,
Ceutí (2015); VOCES Latin American Photography 1980 – 2015,
Michael Hoppen Gallery, London (2015); YAP – Constructo. Young
Architects Program - PS1 MoMA, Santiago (2014); Ni Pena Ni Miedo,
MEIAC Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo,
Badajoz (2012); Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo,
Santiago (2009); I Assasin, Wallspace Gallery, New York (2004) and
Early Works, de-Ateliers, Amsterdam (2002).
Nicolas Franco received his BFA from Universidad Complutense
de Madrid. He has been a resident artist at De Ateliers,
Amsterdam and Gasworks, London. His work has been exhibited
widely internationally. Museum solo exhibitions include: Museo
de Arte Contemporáneo de Lima (Upcoming 2017); Museo
Nacional de Bellas Artes, Santiago (upcoming, 2017); Museo de
Artes Visuales; Santiago (2014); Museo de Arte Contemporáneo,
Santiago (2014); Museo del Barro, Asunción (2009) and Museo
Blanes, Montevideo (2008). Recent group exhibitions include:
Resistance Performed – Aesthetic Strategies under Repressive
Systems in Latin America, Migros Museum für Gegenwartskunst
de Zurich (2015); ARCO Solo Projects 2015, Galería AFA, Madrid;
12th Bienal de Video y Nuevos Medios, Museo Nacional de Bellas
Artes, Santiago (2015); El final de la Historia o el Comienzo del
Storytelling, La Conservera, Ceutí (2015); VOCES Latin American
Photography 1980 – 2015, Michael Hoppen Gallery, London
(2015); Grado Cero, Fundación CorpArtes, Santiago, 2015; YAP
– Constructo. Young Architects Program, PS1 MoMA, Parque
Araucano, Santiago (2014); Ni Pena Ni Miedo, MEIAC Museo
Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz
(2012); Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago
(2009); I Assassin, Wallspace Gallery, Nueva York (2004) and Early
Works, de-Ateliers, Amsterdam (2002).
Durante su carrera ha recibido reconocimientos como: Tecnologías
Políticas de la Memoria - UAH y University of Oxford, UK; Nominado
Prix Pictet, Fundación Pictet (Ginebra, 2016 - 2015); EFG Bank
- ArtNexus Ch.ACO (Santiago, 2013); Beca AMA-Gasworks,
Fundación AMA (Santiago, Londres 2013); The Pollock Krasner
Foundation Grant (Nueva York 2010 - 2001); Union Latine culture et
Comunicación (París, 2008); Fondart y Dirac (CL, 2015, 2008, 2007,
2006); Stroom Den Haag (La Haya, 2001); De- Ateliers, Mondrian
Foundation y Ministerio de cultura y Ciencias de Los Países Bajos
(NL, 2000)
His awards have included: TECNOPOL, Universidad Alberto
Hurtado and University of Oxford (2016); Chilean Funds for the
Arts (2016); Nominated Prix Pictet (Geneva, 2015); EFG Bank
- ArtNexus, (Santiago, 2013); Beca AMA-Gasworks (SantiagoLondon, 2012); The Pollock-Krasner Foundation Grant (NY,
2010, 2001); Union Latine culture et communication (Paris,
2008); Chilean Fund for the Arts, FONDART (Chile 2008, 2007,
2006); Stroom Den Haag (The Netherlands, 2001); De Ateliers,
Amsterdam, Dutch Ministry of Education, Culture and Sciences
and Mondrian Foundation (The Netherlands 1998 - 2000).
Ohne Titel
Ohne Titel (Florence Drake del Castillo) nacida en 1976 en París,
Francia, actualmente trabaja entre París y Buenos Aires. Su
trabajo aborda temas como la identidad y sus trasformaciones, la
idiosincrasia de las ciudades y su contexto urbano, la subjetividad
emocional, así como recuerdos generales y personales.
Ohne Titel (Florence Drake del Castillo) was born in 1976 in Paris,
France and now lives and works between Paris and Buenos Aires.
Her work approaches themes like identity and its transformations,
cities idiosyncrasy and urban contexts, emotional subjectivity,
general and personal memories.
Desde temprana edad Ohne Titel experimentó con las artes visuales.
Asistió a clases de pintura y modelados en el Atelier du Carrousel
du Louvre, París, entre otras muchas actividades. Su formación
académica es muy diversa e incuye publicidad, multimedia,
programación, efectos visuales, programación neurolingüística y
administración de empresas. Ha participado en dos distinguidas
residencias en el Atelier Los Carpinteros en La Habana, Cuba (2009)
y en La Curtidería de Demian Flores en Oaxaca, México (2007).
At a young age Ohne Titel started to experiment with the visual
arts. She assisted painting and modeling courses at the Atelier
du Carrousel du Louvre, Paris, among others. Her academic and
professional background is very diverse, it includes advertising,
multimedia programming, visual effects, neurolinguistics
programming and business administration studies. She has
participated in two distinguished art residencies at the Atelier
Los Carpinteros in La Habana, Cuba, 2009 and Demian Flores’
La Curtiduria in Oaxaca, Mexico, 2007. Recent group exhibitions
include “Mix” at Xippas gallery (2015), Punta del Este, Uruguay
and “the (S) Files”, El Museo del Barrio bienal, New York, USA
(2011).
De sus ultimas exhibiciones grupales se destacan “Mix” en la
Galeria Xippas (2015), Punta del Este, Uruguay y “The (S) Files”,
bienal del Museo del Barrio, New York, USA (2011). Sus exhibiciones
individuales incluyen “Nunca Olvidare lo que no recuerdo” en la
galería Nora Fisch (2016), “Mapas” en el centro cultural Recoleta
(2015) y “Al fondo a la derecha” en el Centro Cultural Borges (2008),
Buenos Aires, Argentina.
Después de más de una década de arduo trabajo, la artista ha
desarrollado un interés genuino y, se podría decir, casi una
determinación obsesiva por llevar a cabo y fragmentar
todo aquello que la rodea, para cuestionar, re construir y formar, una
vez más, nuevas e inspiradores perspectivas.
Solo exhibitions include “Nunca Olvidare lo que no recuerdo” at
Nora Fisch Gallery (2016), “Mapas” at centro cultural Recoleta
(2015) and “Al fondo a la derecha” at centro cultural Borges (2008),
in Buenos Aires, Argentina.
After more than a decade of hard work, the artist has developed
various stages and fundamental interest and an almost obsessive
determination for achieving and fragmenting everything that
surrounds her, to question, re-build and deploy once again, new
and inspiring visions.
Pablo Dávila
El trabajo de Pablo Dávila explora la sensibilidad y la subjetividad a
través de investigaciones de la percepción , el espacio y el tiempo.
Su práctica toma muchas formas, que abarca video, electrónica,
instalaciones de luz, fotografía, pintura conceptual e instalaciones.
Utilizando un enfoque reduccionista , Dávila atraviesa el espacio entre
percepción sensorial y comprensión cognitiva. Sus gestos poéticos
desencadenan un cuestionamiento de nuestras expectativas en
el trato con el paso del tiempo, y la lente subjetiva con la que se
procesan los eventos en nuestra memoria.
Pablo Davila´s work explores sentience and subjectivity through
investigations in perception, space and time consciousness. His
practice takes many shapes-- encompassing video, electronics,
light installation, photography, conceptual painting and site-specific
interventions. Utilizing a minimalist reductive approach, Dávila
traverses the space in between sensory perception and cognitive
understanding. His poetic gestures trigger a questioning of our
expectations in dealing with the passing of time, and the psychological
lens with which we process events in our memory.
Paula Matos Gil
Paula Matos Gil, Guimaraẽ s, Portugal (1964). Vive y trabaja en Costa
Careyes, Mexico.
Graduada en Negocios y Finanzas de la Universidad New Hamshire,
Londres, Inglaterra. Sus fotografías se encuentran en las siguientes
colecciones: Colección Jumex, Colección François Pinault
Lives and works in Costa Careyes, Mexico .
Graduated on Business and Finance - New Hampshire University London, England. Her work are in the following collections; Colección
Jumex, François Pinault Collection
Pedro Matos
En la superabundancia de estructuras vivas y no vivas que
encontramos en el mundo natural, observamos frecuentemente
la existencia de regularidades formales que parecen seguir
patrones universales intrínsecos a los requisitos ambientales y
existenciales que les dan origen. Particularmente simétricas, tales
configuraciones y patrones visuales abstractos son visibles en la
forma de ondas y dunas de arena, árboles y fractales, burbujas y
espuma, espirales y tesselations, e incluso en las grietas que afectan
a varios materiales. En su gran mayoría, estas regularidades pueden
ser reducidas a modelos matemáticos y, en parte, explicadas a la
luz de conceptos científicos como la teoría del caos o la superficie
mínima, así como a través de logaritmos, topología y otros patrones
matemáticos, en el caso de no - estructuras vivas, o por medio de los
mecanismos de morfogénesis, adaptación y selección natural, en el
caso de especies biológicas.
In the superabundance of living and non-living structures we find in
the natural world, we frequently observe the occurrence of formal
regularities that seem to follow universal patterns intrinsic to the
environmental and existential requisites that give rise to them.
Particularly symmetrical, such configurations and abstract visual
patterns are visible in the shape of waves and sand dunes, trees and
fractals, bubbles and foam, spirals and tesselations, and even in the
cracks that affect various materials. In their large majority, these
regularities can be reduced to mathematical models and, in part,
explained in the light of scientific concepts such as chaos theory or
minimal surface, as well as through logarithms, topology and other
mathematical patterns, in the case of non-living structures, or by
way of the mechanisms of morphogenesis, adaptation and natural
selection, in the case of biological species.
Pedro Reyes
Pedro Reyes (México D.F., 1972) es un escultor cuya formación
académica es en la arquitectura. Su trabajo, que integra elementos
de teatro, psicología y activismo, toma formas tan diversas como
esculturas habitables (Capulas, 2002-08) o marionetas (Baby
Marx, 2008), (La Revolución Permanente, 2014). En 2008, Reyes
comenzó el proyecto Palas por Pistolas, en el cual 1,527 armas
de fuego fueron donadas para ser convertidas en palas con las
que se plantaron 1,527 árboles. Este proyecto llevó a Disarm
(2012), en el cual 6,700 armas destruidas han sido convertidas
en diversos instrumentos musicales. En 2011, inició Sanatorium,
una clínica temporal que ofrece tratamientos cortos y heterodoxos
que combinan el arte y la psicología. Originalmente comisionado
por el Guggenheim Museum en Nueva York, Sanatorium se ha
llevado a cabo en Documenta 13, Kassel (2012), Whitechapel
Gallery, Londres (2013), The Power Plant, Toronto (2014), the
Institute of Contemporary Art (ICA) Miami (2014-2015), y OCA,
Sao Paulo (2015). En 2013, Reyes presentó la primera edición de
pUN: The People’s United Nations en el Queens Museum de Nueva
York. pUN es un congreso experimental en el que ciudadanos
comunes fungen como delegados de cada uno de los países en
las Naciones Unidas, buscando aplicar técnicas y recursos de la
psicología social, el teatro, las artes, y resolución de conflictos a
la geopolítica. La segunda edición de pUN se llevó a cabo en el
Hammer Museum en Los Ángeles (2015). La tercera Asamblea
General de pUN tuvo lugar en Diciembre del 2015 en el Museum of
the 21st century en Kanazawa, Japón. En Mayo de 2016 inauguró
su exposición individual Domingo Salvaje en La Tallera / Sala de
Arte Público Siqueiros, en Cuernavaca. Reyes vive y trabaja en la
Ciudad de México.
Pedro Reyes (Mexico City, 1972) studied architecture but considers
himself a sculptor, although his works integrate elements of
theater, psychology and activism. His work takes on a great variety
of forms, from penetrable sculptures (Capulas, 2002-08) to puppet
productions (Baby Marx, 2008), (The Permanent Revolution, 2014).
In 2008, Reyes initiated the ongoing Palas por Pistolas where
1,527 guns were collected in Mexico through a voluntary donation
campaign to produce the same number of shovels to plant 1,527
trees. This led to Disarm (2012), where 6,700 destroyed weapons
were transformed into a series of musical instruments. In 2011,
Reyes initiated Sanatorium, a transient clinic that provides short
unexpected treatments mixing art and psychology. Originally
commissioned by the Guggenheim Museum in New York City,
Sanatorium has been in operation at Documenta 13, Kassel (2012),
Whitechapel Gallery, London (2013), The Power Plant, Toronto
(2014), the Institute of Contemporary Art (ICA) Miami (2014-2015),
and OCA, Sao Paulo (2015). In 2013, he presented the first edition of
pUN: The People’s United Nations at Queens Museum in New York
City. pUN is an experimental conference in which regular citizens act
as delegates for each of the countries in the UN and seek to apply
techniques and resources from social psychology, theater, art, and
conflict resolution to geopolitics. pUN’s second edition took place
at the Hammer Museum in Los Angeles (2015). The third General
Assembly of pUN took place in December 2015 at the Museum of
the 21st century in Kanazawa, Japan. Reyes lives and works in
Mexico City. His solo show Domingo Salvaje is currently on view at
La Tallera, in Cuernavaca, Mexico. His next solo show will open in
September at Dallas Contemporary. He is currently working on a
public commission by Creative Time that will take place in New York
City this October. In 2015, he received the U.S. State Department
Medal for the Arts and the Ford Foundation Fellowship.
- 49 -
ANÓNIMO
Polliana Dalla Barba
El trabajo de Polliana Dalla Barba se construye por medio de
papelería gubernamental intervenida, y explora las nociones de
la documentación del viaje como trayecto humano, dejando un
rastro legal y a su vez poético en su camino. Por medio de papelería
descartada, polliana a su vez va dejando un legado de papelería de
su trayecto personal.
Polliana Dalla Barba's work is built through government intervened
stationery, and explores notions of the documentation of travel as a
human way, leaving a legal trace and in turn a poetic notion on its
way. through discarded stationary, Polliana in turn leaves a legacy
and paper trail in her personal journey.
Ricardo Guzmán
Estudió artes audiovisuales en el Centro de Medio Audiovisuales
CAAV, Artes Visuales Especializadas en Fotografía en la
Universidad de Guadalajara y la residencia para fotógrafos
internacionales en la Academia de Artes Visuales AAVI junto a la
School Of Visual Arts SVA. Fue parte del programa de residencias
para la educación y las artes de la Fundacion Americana para el
Desarrollo de America Latina en CUBA en 2012. Seleccionado del
Premio Mexicano de Fotografía Contemporánea. Seleccionado
dentro de la exhibición “Develar y Detonar, Fotografía Mexicana
CA.2015” dentro de PhotoEspaña 2015.
De 2008 a 2014 estuvo a cargo de todos los proyectos relacionados
a la producción, difusión y exhibición de el programa de artes
visuales de Cultura UDG a nivel local, nacional e internacional,
también dirigiendo los espacios de Casa Escorza y Casa Vallarta
para la misma Universidad de Guadalajara.
Actualmente imparte clases y talleres en la Universidad de
Guadalajara y desarrolla proyectos de creatividad cultural y
producción artística a través de OBJKT Fine Art Workshop. Su
trabajo artístico es representado en México por Galería Quetzalli
en Oaxaca y en los Estados Unidos por The Américas Collection
en Miami.
Su trabajo se ha mostrado en ferias, museos y galerías dentro y
fuera de México como el Museo de las Artes de la UDG, Centro
Cibeles Madrid, el Centro Nacional de las Artes y el Museo de
Arte Moderno de México y forma parte de colecciones en México,
Argentina, España y los Estados Unidos.
Studied audiovisual arts in the Centro de Medios Audiovisuales,
Fine Arts specialized in photography in the Universidad de
Guadalajara, the Residencia para Artistas Internacionales at
the Academia de Artes Visuales AAVI and the School of Visual
Arts SVA. He was part of the art and education residency
program of the American Foundation for the Latin American
Development in Cuba in 2012. Selected for the Mexican
Contemporary Photography Price in 2014 and part of the
exhibition “Develate and Detonate, Mexican Photography ca.
2015” at PhotoEspaña 2015.
From 2008 to 2014 was in charge of all projects relating to
management, production, diffusion and exhibition of the local,
national and international fine arts proyects of the Universidad
de Guadalajara Cultural Program, also Directing the spaces
of Casa Escorza and Casa Vallarta and managing exhibitions
outside of Mexico for the Universidad de Guadalajara.
He is currently teaching workshops and lectures at the
Universidad de Guadalaja and develops projects of culturalcreativity and artistic production through the OBJKT Fine Art
Workshop. His artistic work is represented by Quetzalli Galery
in Oaxaca, México, and The Américas Collection in Miami.
His work has been shown in both national and international
festivals, galleries and museums such as Museo de Las Artes
UDG, Centro Cibeles Madrid, Centro Nacional de las Artes and
the Museum of Modern Art in México. Ricardo´s photographic
works takes part of various collections in Mexico, Argentina,
España and the United States.
Theo Michael
Theo Michael, Grecia 1978.
Vive y trabaja en la Ciudad de México desde el 2010.
Theo Michael, Greece, 1978.
Lives and works in Mexico City since 2010.
El trabajo reciente de Michael incluye dibujos a lápiz, collages de
recortes digitales y modelos a escala de refugios y santuarios,
todos producidos de una manera impulsiva pero meticulosa, sin
planes ni ideas preconcebidas. En palabras del propio artista:
"Las ideas no hacen el trabajo, sino más bien el trabajo es el
que genera ideas ".
Michael's recent works include graphite drawings, digital cutout
collages and speculative scale models of shelters and shrine
all produced in an impulsive yet meticulous way, without plans
or preconceived ideas. In the artist's own words: "Ideas do not
make the work but rather the work generates ideas."
"Creo que la mayoría de las formas tradicionales de
interpretación del mundo emplean sistemas de adquisición de
poder, convirtiéndose desde entonces en su principal actividad
y objetivo. Quiero pasar por alto las formas normales de ver el
mundo. Las narraciones son sólo métodos de adquirir poder ....
Quien tiene la mejor historia gana. Cada vez que se establece
un relato, trato de entenderlo a fondo. Es importante para mí
que mi obra no prometa certezas y no haga declaraciones
totalitarias. Defiendo la duda y la autocrítica como mecanismos
para ir al fondo de las cosas. Las obras están impulsadas por
un proceso dialéctico que va desde mi interior. Creo que este
proceso añade niveles de complejidad que nos llevan hacia una
comprensión más completa de la realidad ".
"I believe that most traditional ways of interpreting the world
employ power acquisition systems, since this is Man's main
activity and aim. I want to bypass the normal ways of looking
at the world. Narratives are just methods of acquiring power….
whoever has the best story wins. Whenever a narrative is
established, I try to thoroughly take it down. It is important for
me that the works do not promise any certainties and they do
not make authoritative statements. I advocate doubt and selfcriticism as mechanisms to get to the bottom of things. The
works are powered by a dialectic process inside me. Every action
is scrutinized and counteracted upon. I believe that this process
adds levels of complexity that lead us towards a more complete
understanding of reality."
- 50 -
ANÓNIMO
miami 2016
main sponso r
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- 55 -
ANÓNIMO
PRODUCCIÓN GENERAL / EVENT COORDINATION
Alejandra Martínez – Colectivo México
Alejandro Serratos – Colectivo México
Gustavo Chaverra – Fames
Susanne Birbragher - Liasions
Maria Antonia Dolman – Liaisions
Regina Miyar – Liaisions
REDES SOCIALES
Omar Magaña
VIDEO
Jessica Quiroz
Daniel Melo
FOTO
Manuel Zúñiga
MEDIOS / PRESS
Carlos Carillo – Trendsetera
Juan Carlos Fuentes – Honey Guide
DISEÑO Y CREATIVIDAD / CREATIVE DESIGN
Walter Quintanilla – Taller México
Vianey Velarde – Taller México
COORDINACION DE INVITADOS / GUEST SERVICES
Karina Cervantes – Colectivo México
CONTENIDO DISEÑO / DESIGN CONTENT
Deborah Vértiz
Selene Rojas – Colectivo México
SALÓN EMERGENTE
Alejandra Munguía – Colectivo México
DIRECCIÓN DE CONTENIDO ARTE / ART CONTENT
Miriam Villaseñor – Colectivo México
DIRECCIÓN COMERCIAL / SPONSORSHIP
Alejandra Martínez – Colectivo México
Susanne Birbragher - Liaisions
COMITÉ DE SELECCIÓN / SELECTION COMMITTEE
Alejandra Martínez
Alejandro Serratos
Eduardo López
Miriam Villaseñor
FOUNDING PARTNERS / ANÓNIMO
Alejandra Martínez
Alejandro Serratos
Alejandro Bracho
Eduardo López
Miriam Villaseñor
Susanne Birbragher
FUNDADORES Y dirección GENERAL
managing DIRECTORS AND FOUNDERS
Alejandra Martínez – Colectivo México
Alejandro Serratos – Colectivo México
DIRECTORIO / DIRECTORY
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DIRECTORIO / DIRECTORY
FUNDADORES Y dirección GENERAL
managing DIRECTORS AND FOUNDERS
Alejandra Martínez – Colectivo México
Alejandro Serratos – Colectivo México
FOUNDING PARTNERS ANÓNIMO
Alejandra Martínez
Alejandro Serratos
Alejandro Bracho
Eduardo López
Miriam Villaseñor
Susanne Birbragher
COMITÉ DE SELECCIÓN / SELECTION COMMITTEE
Alejandra Martínez
Alejandro Serratos
Eduardo López
Miriam Villaseñor
DIRECCIÓN COMERCIAL / SPONSORSHIP
Alejandra Martínez – Colectivo México
Susanne Birbragher - Liaisions
DIRECCIÓN DE CONTENIDO ARTE / ART CONTENT
Miriam Villaseñor – Colectivo México
SALÓN EMERGENTE
Alejandra Munguía – Colectivo México
CONTENIDO DISEÑO / DESIGN CONTENT
Deborah Vértiz
Selene Rojas – Colectivo México
COORDINACION DE INVITADOS / GUEST SERVICES
Karina Cervantes – Colectivo México
DISEÑO Y CREATIVIDAD / CREATIVE DESIGN
Walter Quintanilla – Taller México
Vianey Velarde – Taller México
MEDIOS / PRESS
Carlos Carillo – Trendsetera
Juan Carlos Fuentes – Honey Guide
FOTO
Manuel Zúñiga
VIDEO
Jessica Quiroz
Daniel Melo
REDES SOCIALES
Omar Magaña
PRODUCCIÓN GENERAL / EVENT COORDINATION
Alejandra Martínez – Colectivo México
Alejandro Serratos – Colectivo México
Gustavo Chaverra – Fames
Susanne Birbragher - Liasions
Maria Antonia Dolman – Liaisions
Regina Miyar – Liaisions
indocumentados.mx
ANÓNIMO
programa
INDOCUMENTADOS
Jueves 1 de Diciembre
19 hrs: Coctel Inauguración INDOCUMENTADOS: Anónimo
– Salón Emergente – Comisaría de Diseño – Los Rostros de
Tamayo: Mixografía del Maestro
20 hrs: ANÓNIMO subasta en vivo
21 hrs: Cena Informal - Salón Acapulco Live set
21- 22 hrs: Art Transactions Performance Alvaro Ugarte
Viernes 2 de Diciembre
13 – 21 hrs: INDOCUMENTADOS: Anónimo – Salón
Emergente – Comisaría de Diseño – Los Rostros de Tamayo:
Mixografía del Maestro
18 - 21 hrs: Art Transactions Performance Alvaro Ugarte
22 – 05 hrs: Pop up MN ROY
Sábado 3 de Diciembre
12 hrs: Brunch Galerías Guadalajara
13 – 21 hrs: INDOCUMENTADOS: Anónimo – Salón
Emergente – Comisaría de Diseño – Los Rostros de Tamayo:
Mixografía del Maestro
18 - 21 hrs: Art Transactions Performance Alvaro Ugarte
Domingo 4 de diciembre
13 – 18 hrs: INDOCUMENTADOS: Anónimo – Salón
Emergente – Comisaría de Diseño – Los Rostros de Tamayo:
Mixografía del Maestro
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miami 2016
INDOCUMENTADOS
program
Thursday December 1st
19 hrs: Opening Cocktail INDOCUMENTADOS: Anónimo
Salón Emergente – Comisaría de Diseño – Tamayo
Graphic Exhibition
20 hrs: ANÓNIMO live Auction
21 hrs: Finger food dinner - Salón Acapulco Live set
21– 22 hrs: Performance Piece: Álvaro Ugarte - Art
Transactions
Friday December 2nd
13 – 21 hrs: INDOCUMENTADOS: Anónimo – Salón
Emergente – Comisaría de Diseño – Tamayo Graphic
Exhibition
18 - 21 hrs: Performance Piece: Álvaro Ugarte - Art
Transactions
22 – 05 hrs: Pop up MN ROY at Do Not Sit On The
Furniture
Saturday December 3rd
13 - 17 hrs: Brunch with Guest Chefs from Guadalajara Marimba - Cocktails
13 – 20 hrs: INDOCUMENTADOS: Anónimo – Salón
Emergente – Comisaría de Diseño – Tamayo Graphic
Exhibition
18 - 21 hrs: Art Transactions Performance Alvaro Ugarte
Sunday December 4th
13 – 18 hrs: INDOCUMENTADOS: Anónimo – Salón
Emergente – Comisaría de Diseño - Tamayo Graphic
Exhibition
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ANÓNIMO
miami 2016
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PRESENTS
Colectivo México es un estudio creativo que
tiene como objetivo desarrollar plataformas
culturales con formatos alternos que rescatan
valores de la cultura mexicana. Colectivo
México busca fomentar una reinterpretación
del estilo de vida contemporáneo a través
de acercamientos poco explorados hacia el
arte, gastronomía, arquitectura, patrimonio,
música y cine.
Colectivo México is a creative studio focused
on the design of cultural platforms using
non-conventional formats and alternative
business models. Colectivo México aims to
promote a lifestyle based on a reappraisal
of Mexico’s cultural, artistic, culinary and
architectural heritage.
www.colectivomexico.com
AT
FRIDAY DECEMBER 2ND
Dj Bedouin
MANDRAKE
DAMIAN ROMERO
CONCRET
PRESENT
Alvaro Ugarte´s work is born on a critical observation of his immediate
surroundings. Throughout unusual research methods, Ugarte gets the
artistic object to interact on the everyday life by building situations
that allows chance and uncertainty to become an essential part of the
development of the work.
His project-based research themes are usually open-ended, where the
outcomes often unexpected, may take the form of sculptures, drawings
or any other documentation media.
More recently Ugarte has expanded his field of study on analyzing power
structures, urban politics and migration. Through seemingly absurd
procedures such as espionage and esoteric query, Ugarte questions
how this structures function within a specific social context.
His experiments and artistic hypothesis are characterized by unfinished
endings, allowing the work to evolve regardless the author's intention.
Following this line of work and looking for a redefinition of the art market,
Ugarte proposes, through his participatory work “Art Transactions”, the
possibility that any member of the audience can take home an artwork
at no cost ... apparently.
The action consists on playing the typical street game "three shell
game": Over a non intervened canvas a bet will take place on whatever
the punter (audience member) consider the artwork is worth. Following
the line of the Indocumentados Festival, American dollars are not
accepted.
With the idea of trying the keep the ball hidden under one of the three
cups. The game is then performed over the canvas with a paint-stained
ball, which will mark its trajectory making a record of this "possibility".
If the bettor manages to decipher the whereabouts of the ball, then the
artwork is theirs.
Ugarte presents the work as a bet between the bank and himself.
Through a transaction involving chance and certain amount of skill, the
work is at stake, assimilating the role of banks in real life.
There will be a total of 100 works to bet on, and waiting to be won by
the audience.
OTROS ROSTROS DE TAMAYO
MIXOGRAFÍAS DEL MAESTRO
OTROS ROSTROS DE TAMAYO
MIXOGRAFÍAS DEL MAESTRO
Rufino Tamayo, uno de los grandes maestros
mexicanos; ha cobrado gran importancia en el arte
contemporáneo en los últimos años, siendo una
influencia decisiva en las nuevas generaciones de
artistas.
Rufino Tamayo, one of the greatest Mexican
masters, and a vital influence in the latest years of
contemporary art, has become a decisive impact for
the new generations of artists.
Gran conocedor de las culturas precolombinas,
supo plasmar la esencia del hombre y su contexto
a través del color. Como lo expresa Octavio Paz: “La
pintura de Tamayo, es un doble del universo: no su
símbolo sino su proyección en tela. El cuadro no es
una representación ni un conjunto de signos; es una
constelación de fuerzas".
A great connoisseur of the Pre-Columbian cultures
with a most peculiar ability of capturing the essence
of man and his surroundings through color. As
Octavio Paz said: “Tamayo’s paintings are a standin of the universe: not by its symbol but by what
it portrays on the canvas. The painting is neither
a rendering nor an ensemble of symbols; it is a
constellation of forces”.
La gráfica logró ser una de sus técnicas más
utilizadas. Pasando del grabado a la litografía,
innova con la mixografía, logrando impresiones en
relieve a varias tintas.
This selection tries to show the impeccable work of
the Mexican master, whose translation of color goes
way beyond technique, it is a shaping of his great
sensitivity and arduous personality.
Esta selección trata de mostrar el impecable trabajo
de este Maestro mexicano, que trasladó el color
mucho más allá de la técnica, haciéndolo a través
de su gran sensibilidad y rigurosa personalidad.
indocumentados
COMISARÍA LATINA DE DISEÑO is a Mexican and Latin
contemporary design pop-up sale of jewelry, fashion,
accessories, furniture, and artisans crafts.
Participating Designers:
Adico, Albergue Transitorio, Bitácora, Forma,
Julia y Renata, Laddu, Liza Echeverry, Mosicuss,
Paula Mendoza, Pay´s, Sangre de mi Sangre,
Sophie Simone , Suki Cohen, Third Eye.
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A DI C O . P T / P O R T U G U ESE FURNI TU R E
indocumentados
Salón emergente is a space whose main purpose
is to uncover, exhibit and impulse young emerging
art in Mexico. With an exhibition and sale of artists
with ascending careers, yet no gallery representation,
Salón Emergente invites young collectors to discover
new talent and invest on affordable pieces that range
from $100 to $2,000 USD
Participating Artists
Álvaro Ugarte, Álvaro Verduzco, Aureliano
Alejos, Bruno Viruete, Humberto Ramírez,
Juan Manuel Salas, Karian Amaya, Napoleón
Aguilera, Ramiro Ávila, Ricardo Luévanos,
Rodrigo González, Sebastián Vizcaíno, Ursula
Hernández, Zazil Barba.
-6-
IMPORTED BY DOZORTSEV & SONS ELIZABETH NJ 46% Alc. by Vol.
DOUBLE
TROUBLE
ABOUT
INDOCUMENTADOS es un colectivo de proyectos de arte,
diseño y performance de México y Latinoamérica que tiene
como cede el Hotel Royal Palm en South Miami Beach.
INDOCUMENTADOS is a collective of Mexican and
Latin- American cultural projects that range from art and
design, to performance. Taking over the Royal Palm Hotel,
INDOCUMENTADOS aims to become the embassy for
Mexican and Latin-American culture in Miami´s Art Week.
AUTHENTIC TEQUILA & MEZCAL ALACRAN: TWO OF A KIND
DISTRIBUTED BY: DOZORTSEV & SONS ENTERPRISES, LTD. (718)-369 - 9200
WWW.DWINESANDSPIRITS.COM
indocumentados
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miami 2016
ART, DESIGN & perfomance
ROYAL PALm SOUTH BEACH
December 1st - 4th 2016
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