1. Espiritual

GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA
DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL
CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL
“VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO”
APRECIACIÓN
MUSICAL II
“VÍCTOR MANUEL VALENCIA NIETO”
CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACIÓN MUSICAL – DIRECCIÓN DE DESARROLLO SOCIAL
Octubre 2014 – Marzo 2015
Apreciación Musical II
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La Música en la Prehistoria
Desde que hay hombres sobre la tierra, existen
manifestaciones
musicales,
pues
estas
son
consecuencia de la necesidad del hombre de
comunicarse o de expresar sentimientos. Incluso antes
de que el hombre fabricase instrumentos musicales ya
hacía música cantando, aplaudiendo o golpeando
objetos. La antropología ha demostrado la íntima
relación entre la especie humana y la música, y
mientras que algunas interpretaciones tradicionales
vinculaban su surgimiento a actividades intelectuales
vinculadas
al concepto de lo sobrenatural (haciéndola
Danza en las Cuevas de El Cogul
cumplir
una
función de finalidad supersticiosa, mágica o
(Lérida). En esta pintura rupestre varias
mujeres danzan alrededor de un hombre religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de
desnudo. Los ritos asociados con danzas apareamiento y con el trabajo colectivo.
y ritmos repetitivos eran habituales en
Para el hombre primitivo había dos señales que
casi todas las culturas prehistóricas.
evidenciaban la separación entre vida y muerte: el
movimiento y el sonido.
Periodo Paleolítico
Las evidencias son pocas, pero las
existentes parecen indicar la existencia de
ciertos "instrumentos musicales" ya en la
Prehistoria. No hay más que ver los ritmos
que en canciones y bailes poseen
prácticamente todos los pueblos que
hasta nuestros días han conservado un
modo de vida muy parecido al de nuestros
antepasados.
Tambores,
flautas,
maracas, cánticos, etc. utilizados con fines festivos o religiosos también formaban parte
de la vida cotidiana en nuestros orígenes.
Los raspadores son un ejemplo de ello, se trata de lo más básico a la hora de producir
sonidos, aparte de dar golpes contra algo o producirlos con la voz. Los raspadores
consisten en pequeños fragmentos de huesos con muescas paralelas,
qué al frotarlas con otro utensilio, como una madera o púa, producen sonidos. Se halló un
raspador de entre 50.000 y 40.000 años originario de Schulen (norte de Bélgica).
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Periodo Neolítico
Pero lo más cercano a nosotros es sin duda el uso de las caracolas
marinas. Se han encontrado en varios yacimientos y el soplar por
ellas siempre ha tenido una función ceremonial en muchos lugares
del mundo, incluso su uso con este fin nos ha llegado hasta hoy.
Los silbatos de cerámica con un solo agujero (parecido a las
ocarinas) y maracas de arcilla, así como tambores se encuentran
en un número mayor a partir del Neolítico.
Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la
exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado
de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza
para comunicarse con otros seres.
Instrumentos Musicales de la Prehistoria
Se han encontrado entre los restos arqueológicos, instrumentos de las cuatro familias:
idiófonos (palos, sonajas, raspadores, maracas de calabaza, xilófonos, etc.),
membranófonos (tambores, mirlitones), cordófonos (toda la variedad de arcos), aerófonos
(flautas, silbatos, cuernos y caracolas). Todos
estos instrumentos continúan utilizándose.
Las
formaciones
de
estalactitas
y
estalagmitas de las cavernas, producen
sonoridades diversas, al golpearlas con la
mano, una madera o hueso.
Un ejemplo de la música en la prehistoria son
los rombos volantes, instrumentos de hueso,
madera, u otros materiales, que se ataban
con una cuerda y se giraban en el aire, hasta
producir un zumbido característico. Aún
persisten estos instrumentos en algunas
tribus africanas, en la India o en Australia.
Música Medieval
La música medieval es uno de los temas más apasionantes que la cultura en la Edad
Media nos brinda.A ello no es ajeno el hecho de que la forma de la música medieval es un
misterio. A diferencia de otras manifestaciones artísticas que perduran en el tiempo, la
música desaparece en el momento de desarrollarse y la única forma de hacerla pervivir es
mediante una notación musical que en la Edad Media o no se empleaba o se hacía de
manera muy pobre en información, insuficiente en la mayoría de los casos para una
reproducción fiel.
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La Música Profana en la Edad Media
La música culta litúrgica es la única que ha quedado plasmada en los códices, como
hemos visto.
Lamentablemente la música medieval profana y popular, la que divertía y disfrutaba el
pueblo prácticamente se ha perdido pues nunca se perpetuó por escrito. Sabemos que en
la Edad Media era habitual el canto y el baile entre la población, en muchos casos como
herencia del mundo pagano. Lo conocemos por numerosas fuentes eclesiásticas que los
condenaban o criticaban.
Tanta insistencia en el ataque a estas prácticas pone de manifiesto la habitualidad con la
que se producían.
La música profana de los nobles: Troveros y Trovadores
A partir del siglo XII, surge el movimiento trovadoresco. Nacen los llamados trovadores,
troveros y minnesänger. Son compositores y poetas que en ocasiones eran también
cantores de su propia obra. En sus obras se emplean lenguas romances autóctonas:
dialectos franceses, alemán, portugués,
etc.
No hay que confundir la figura del trovador
con la del juglar. Los trovadores formaban
un estamento entre los que se
encontraban gentes de la más alta
nobleza, mientras que los juglares solían
pertenecer a las clases más populares.
La música medieval profana se centra en
los intereses humanos, sobre todo en el
amor, la guerra y la naturaleza.
A diferencia del canto litúrgico, en las obras de los trovadores se empleaban instrumentos
musicales como acompañamiento.
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La música profana popular: Los Juglares
Los juglares eran infatigables andariegos ambulantes que recorrían las villas y aldeas de
la Europa medieval.
Su profesión consistía en amenizar la vida de las gentes de la época a cambio de dinero,
comida y otros bienes. No sólo se centraban en la música, sino que entretenían al público
ejerciendo de saltimbanquis, lanzadores de
cuchillos, equilibristas, domadores, etc. En su
actividad musical, lo normal es que se limitaran a
ser los intérpretes del canto y tocar instrumentos,
pero no eran compositores, como sí fueron los
trovadores.
En general los juglares fueron muy criticados por
las autoridades religiosas por considerarlos
viciosos y escandalosos. Frecuentemente sus
canciones abordarían temas obscenos y el baile de
las danzarinas sería deliberadamente voluptuoso.
Una iconografía muy repetida en la escultura
románica y que obedece al hecho histórico es la
escena en que un trovador emplea un instrumento
de cuerda o viento mientras una juglaresa
danzarina baila con los brazos levantados con
castañuelas o contorsionándose y dejando caer su
cabellera.
Canto Llano
El canto es una de las expresiones primordiales de la liturgia, a
la cual podemos referir como un tributo colectivo (Asamblea),
público y oficial de alabanza ofrecido a Dios por una iglesia, y
en el rito romano este canto es el llamado "Gregoriano"; Deben
rastrearse sus orígenes en la práctica musical de la sinagoga
judía y en el canto de las primeras comunidades cristianas. La
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denominación canto gregoriano procede de atribuírsele su recopilación al Papa San
Gregorio Magno, siendo una evolución del canto romano confrontado alcanto galicano. El
canto llamado gregoriano, inicialmente canto cristiano es un tipo de canto llano (simple,
monódico, sin saltos: movimientos por grados conjuntos y con una música supeditada al
texto) utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana.
Canto Mozárabe
Hasta su supresión a finales del siglo XI, el
canto mozárabe supuso una de las
manifestaciones culturales más apasionantes de
la música medieval. Hunde sus raíces en los
primeros tiempos de la cristianización y a su vez
en la liturgia judaica.
Lamentablemente no es posible su transcripción
por su notación neumática que no expresa la
altura exacta de los sonidos.
Del repertorio musical hispano visigodo o
mozárabe se conservan 45 códices, escritos
fundamentalmente entre los siglos X y XI.
Especial importancia tiene el famoso Antifonario
de la catedral de León.
La Polifonía
La Polifonía se define como el conjunto de sonidos simultáneos en
que cada uno expresa su idea musical, pero formando con los
demás un todo armónico. No es una música lineal (monódica), sino
que varias voces suenan simultáneamente.
Dentro de la Polifonía medieval se distinguen el ArsAntigua y el
Ars Nova.
Ars Antigua
El arsantiqua es una consecuencia del desarrollo musical ocurrido entre los siglos IX y XII,
cuando aparecen las primeras formas polifónicas:
-El organum, que consistía en añadir a una melodía gregoriana, llamada cantusfirmus ,
una segunda voz a la distancia de un intervalo de cuarta o quinta, llamada voz organalis.
Esta técnica se desarrolló en el marco de la música religiosa.
-El discantus, que consistía en dos voces que se mueven por movimiento contrario.
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-El conductus, que es un nuevo sistema polifónico nacido con la citada Escuela de Norte
Dame, en el que la melodía principal no es gregoriana, sino inventada por el compositor,
con un ritmo más o menos procesional.
Ars Nova
Es la expresión perfecta del hombre gótico: el efecto puramente sonoro y la evolución y
enriquecimiento de los ritmos y las armonías. El Ars Nova permite fijar las notas y admite
acordes.
Destacan Guillermo de Machaut con su Misa de Notre Dame, en Italia Landini, Bolonia y
Ciconia y en España tenemos una obra que resume nuestras aportaciones, el Libre
Vermell de Montserrat.
En esta época se desarrolla la técnica conocida como "nota contra nota"
o contrapunctus, que con el tiempo se va elaborando cada vez más fundamentalmente
en la parte rítmica llegando a cantar muchas notas por cada nota del tenor, nota que
muchas veces tenía el apoyo de algún instrumento.
Forma musical
En música, forma musical en su sentido genérico designa tanto una estructura musical
como una tradición de escritura que permite situar la obra musical en la historia de la
evolución de la creación musical. Añadidas a un título de una obra, las diferentes formas
musicales como sinfonía, concierto, preludio, fantasía, etc. designan entonces, tanto una
estructura que se ha construido a lo largo del tiempo, como un género musical particular,
una composición musical que ha evolucionado durante siglos: ópera, danza, etc.
En ambos casos, el concepto de forma alude a la pertenencia a una categoría de obra
que posee uno o varios criterios más o menos estrictos propios de una estructura número
de movimientos, estructura general, proporciones, etc.
Es lo que de modo natural ha producido un deslizamiento semántico, y que numerosos
términos que designan diferentes formas motete,toccata, canon, etc.
MOTETE.-Composición musical nacida en el siglo XIII para cantar en las iglesias, de texto
comúnmente bíblico. Sin acompañamiento instrumental (a capella), con carácter
dramático e imitativo.
TOCCATA.- Pieza de música clásica para teclado, que generalmente enfatiza la destreza
del practicante. Menos frecuentemente, se utiliza para referirse a trabajos para múltiples
instrumentos.
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MISA.- La Misa, una forma musical sacra, es una composición coral que traslada a la
música secciones fijas de la liturgia eucarística.
CANTATA.- Desde la época barroca, la cantata es una composición para una o más
voces solistas que se acompañan de instrumentos.
SONATA.- La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es una obra
que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o más instrumentos.
Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época
clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se
popularizaron las de cuatro movimientos.
CANON.- Es una forma de composición musical de carácter polifónico basada en la
imitación estricta entre dos o más voces separadas por un intervalo temporal. La primera
voz interpreta una melodía y es seguida, a distancia de ciertos compases, por sucesivas
voces que la repiten, en algunos casos transformadas en su tonalidad o en otros
aspectos.
EL MADRIGAL.-Es una composición de tres a seis voces sobre un texto secular, a
menudo en italiano. Tuvo su máximo auge en el Renacimiento y primer Barroco.
Musicalmente reconoce orígenes en la frottola, con influencias de otras formas musicales
como el motete y la chanson francesa de la música renacentista.
http://es.wikipedia.org/wiki/Forma_musical
Guido de Arezzo
Guido
de
Arezzo
(Arezzo, Toscana 991Avellano c.1050) fue un monje benedictino, teórico
musical y figura central de la música de la Edad
Media junto con Hucbaldo (840 - c. 930).
Obra
En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de
enseñanza, incluyendo el tetragrama (pauta musical de
cuatro líneas), precursor del pentagrama, y la escala
diatónica. Perfeccionó la escritura musical con la
implementación definitiva de líneas horizontales que
fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación
neumática. Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se
impuso el pentagramagriego: cinco líneas.
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Nota
Ut Do
Re
Mi
Fa
Sol
La
Si
Texto original
en latín
Traducción
Para que puedan
Ut queantlaxis
exaltar a pleno pulmón
Resonarefibris
las maravillas
Mira gestorum
estos siervos tuyos
Famulituorum
perdona la falta
Solve polluti
de nuestros labios
Labiireatum
impuros
Sancte Ioannes.
San Juan.
Guido de Arezzo es también el
responsable de los nombres de
las notas musicales. En la Edad
Media, las notas se denominaban por
medio de las primeras letras del
alfabeto: A, B, C, D, E, F, G
(comenzando por la actual nota LA).
En aquella época solía cantarse un
himno a san Juan el Bautista atribuido
a Pablo el Diácono, que tenía la
particularidad de que cada frase
musical empezaba con una nota
superior a la que antecedía. Guido
tuvo la idea de emplear la primera
sílaba de cada frase para identificar
las notas que con ellas se entonaban.
Guido de Arezzo denominó a
El himno a san Juan Bautista.
este sistema de entonación
solmisación (enlatín,
solmisatio), y más tarde se
le
denominó solfeo.
Posteriormente, en el siglo
XVII, Giovanni
BattistaDoni sustituyó la nota
UT por DO, pues esta sílaba,
por terminar en vocal, se
adaptaba mejor al canto.
También mucho más tarde,
a finales del siglo XVI, fue
introducida por Anselmo de
Flandes la
séptima nota, que recibió el
nombre
de
SI
(de SancteIoannes).
Los
países donde no llegaron los músicos latinos siguieron con el antiguo sistema de las letras
del alfabeto, tal es el caso de los paísesanglosajones, Alemania, los países escandinavos,
etc.
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Música del Renacimiento
La música renacentista es la música clásica escrita durante el Renacimiento, entre los
años 1400 y 1600,
aproximadamente.
Las
características estilísticas que definen la música
renacentista son su textura polifónica, que sigue
las leyes del contrapunto, y está regida por
el sistema modal heredado del canto gregoriano.
Entre sus formas musicales más difundidas se
encuentran la misa y el motete en el género
religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en
el género profano, y las danzas, el ricercare y
la canzona en la música instrumental. Entre los
compositores más destacados de este periodo se
hallan JosquinDesprez, Palestrina, Orlando
di
Lasso y Tomás Luis de Victoria.
Características Generales
El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura polifónica,
frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis voces de carácter cantábile; cada
línea melódica o vozpodía ser interpretada indistintamente con voces reales o con
instrumentos. Si bien el rango de cada línea supera apenas la octava, la extensión
general del conjunto rebasa ampliamente las dos octavas, evitándose el cruce entre las
voces (que forzaba a que estas fueran heterogéneas y contrastantes en la polifonía
medieval).
Géneros y formasMúsica religiosa
Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa
novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional
común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas
litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete.
Música vocal profana
Un gran número de impresos y cancioneros manuscritos nos han hecho llegar el
amplísimo repertorio polifónico profano renacentista.
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COMPOSITORES DEL RENACIMIENTO
El Arte Musical en la Misión
Martín Lutero:
Martín Lutero era un músico muy completo. Cantaba (tenor), tocaba
el laúd, la flauta, componía música y escribía himnos. Muchas veces
después de cenar reunía a su familia y amigos y cantaban cantos
gregorianos y composiciones polifónicas. Lutero estaba familiarizado
con algunos de los compositores más sobresalientes de su tiempo. El
creía firmemente que los cristianos deberían alabar a Dios ambos
con las palabras y con la música. Decía que la música es un vehículo
excelente para la comunicación de la Palabra de Dios y le gustaba
citar ejemplos bíblicos tales como el Cántico de Moisés después de
haber cruzado el Mar Rojo con todo el pueblo hebreo, al ser liberados
de la esclavitud en Egipto agregaba, "no deberíamos ordenar jóvenes
a menos que estén bien entrenados en la música". Por esta
convicción personal hizo un llamado a poetas y músicos para
componer himnos y producir música y liturgias, que fielmente
proclamaran elEvangelio. Su consejo a tales personas era que escribieran con palabras
sencillas y comunes, preservando la enseñanza pura de la Palabra de Dios. En el verano
del mismo año y bajo su dirección apareció un himnario para coros. De los 38 himnos con
nota, 24 eran suyos.
Barroco Siglo XVII
El periodo del Barroco abarca el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. En él
aparecerán nuevas formas musicales. Las melodías se complican y los instrumentos
adquieren autonomía total convirtiéndose en los verdaderos protagonistas de las obras. El
ritmo es muy marcado y el movimiento de la obra es uno de los elementos importantes.
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En esta época, una de las más brillantes de la Historia, se creó la orquesta, lo que obligó
a que se crearan formas puramente instrumentales y donde la diversidad de timbres,
dieron una nueva visión formal e instrumental.
Aparece el solista como elemento dialogante de la orquesta. Todos estos acontecimientos
tuvieron su asentamiento definitivo en este periodo, lo que obligó a los compositores a
concretar estilos y formas.
Características
1. - Independencia entre las Música vocal e instrumental
2.- Esplendor de la Música escénica: Ópera
3.- Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara
4.- Supremacía de la Música profana sobre la Música religiosa
5.- El compositor practica todos o casi todos los géneros de la época
Formas Instrumentales
1.- Preludio- Composición instrumental, que precede a otra forma. En el Barroco han
dejado a la fuga.
2.- Tocata- Forma instrumental y de carácter virtuosita creada para instrumentos de
teclas. Normalmente le sucedía una fuga
3.- Concierto grosso- Forma instrumental dividida generalmente en 4 movimientos se
caracteriza por que el grueso de la orquesta dialoga con un grupo reducido de
instrumentistas.
4.- Suite- Reunión de varias piezas instrumentales e independientes entre si,
interpretándose una a continuación de otra.
Autores
1.- Joan Sebastián ABC - 1685 - 1750
2.- Jorge Federico Haendel - 1685 - 1759
3.- Claudio Monteverdi - 1567 - 1643
4.- Antonio Vivaldi - 1678 - 1741
5.- Juan Bautista Comes - 1688 - 1763
6.- Juan Cabanillas - 1644 – 1712
Johann Sebastián Bach
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685,
Leipzig, 28 de julio de 1750).
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y
trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre
ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien
temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte
de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y
fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto
italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo,
las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.3
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Biografía
Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de
todos los tiempos. Durante más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos
ejecutantes y compositores (durante seis generaciones dio 50 músicos de importancia).
En aquella época, la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban una
significativa aportación para la formación de músicos profesionales, particularmente en
loselectorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann
Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista. El padre de Johann Sebastian
enseñó a su hijo a tocar el violín y el clavecín. Los tíos de Johann Sebastian eran todos
músicos profesionales, desde organistas y músicos de cámara de la corte hasta
compositores. Uno de sus tíos, Johann Christoph Bach (1644-1695) era especialmente
famoso y fue quien lo introdujo en el arte de la interpretación del órgano. Documentos de
la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo de
«músico». Bach era consciente de los logros musicales de su familia, y
hacia 1735 esbozó una genealogía, buscando la historia de las generaciones de los
exitosos músicos de su familia.
Su muerte
Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una
intervención quirúrgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés
llamado John Taylor, que años después operaría a Händel, con iguales resultados. Bach
había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de
fallecer la recuperó, pero luego murió de apoplejía.
Música del Clasicismo
A mediados del siglo XVIII en Europa se empieza a generar un nuevo movimiento en la
arquitectura, la literatura y las artes, conocido como clasicismo oneoclasicismo. El
clasicismo musical o período clásico comienza aproximadamente en 1750 y termina
alrededor de 1820.
Música clásica se dice en general para todos los períodos de la música culta europea,
pero las primeras composiciones llamadas clásicas fueron las de este período. En la
música no se trató del redescubrimiento y copia de los clásicos del arte greco romano, los
pocos restos de música griega y de tratados teóricos que quedaron no se consideran
suficientes para conocer como era aquella música realmente. La música del clasicismo
evoluciona hacia un extremo equilibrio entre armonía y melodía. Compositores muy
famosos son Haydn, Mozart y Beethoven.
Los instrumentos en el Neoclasicismo
Algunos instrumentos surgen en este periodo, como el pianoforte; el Arpeggione y el
clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco,
muchos de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de
composición de la época. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que
ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da
gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd,
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etc. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central
en la música de cámara e incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el
Romanticismo, con la aparición del pianoforte romántico.
Wolfgang Amadeus Mozart
de 1756 – Viena, 5
dediciembre de 1791),fue
un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo,
considerado como uno de los músicos más influyentes y
destacados de la historia.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró
una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos
de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya
componía obras musicales y sus interpretaciones eran del
aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los
diecisiete años fue contratado como músico en la corte de
Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de
una mejor posición, siempre componiendo de forma
prolífica.
(Salzburgo, 27
de
enero
Cuando Wolfgang Amadeus tenía cuatro años tocaba
el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable
dificultad;
En su cuarto año de edad, su padre comenzó a enseñarlo,
como un juego, a interpretar unos minuetos y otras piezas en el teclado. Podría tocarlo
impecablemente y con la mayor delicadeza y manteniendo exactamente el tempo a la
edad de cinco años ya componía pequeñas piezas, que interpretaba para su padre, al que
estaban dedicadas. a los seis, tocaba con destreza el clavecín y el violín. Podía leer
música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad
para improvisar frases musicales.
Definitivamente no era un niño común. Su progenitor era un hombre inteligente, orgulloso
y religioso. Creía que los dones musicales de su hijo eran un milagro divino que él, como
padre, tenía la obligación de cultivar. Cuando el niño iba cumplir 6 años de edad, Leopold
decidió exhibir las dotes musicales de sus hijos ante las principales cortes de Europa.
Finalmente Leopold dejó de componer cuando el excepcional talento musical de su hijo se
hizo evidente. Él era el único profesor de Wolfgang en sus primeros años y le enseñó
música, así como el resto de asignaturas académicas.
En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más
conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muertehan sido
objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito,a lo largo de su
vida firmaría con diversas variaciones sobre su nombre original, siendo una de las más
recurrentes Wolfgang Amadè Mozart.
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Último año de vida
El último año de vida de Mozart, 1791, fue, hasta su enfermedad final, un tiempo de gran
productividad y, en cierto sentido, un tiempo de recuperación personal. Realizó
numerosas composiciones, incluyendo algunos de sus trabajos más admirados: la
ópera La flauta mágica (Die Zauberflöte), el último concierto para piano y orquesta (n.º 27
en si bemol mayor), el Concierto para clarinete en la mayor, el último de su gran serie
de quintetos de cuerda (KV 614 en mi bemol mayor), el motete Ave verum corpus y el
inacabado Réquiem en re menor.
Enfermedad final y fallecimiento
En octubre su salud empeoró; caminaba con
su esposa por el Prater cuando de pronto se
sentó en un banco y muy agitado comentó a
Constanze que alguien lo había envenenado.
El 20 de noviembre la enfermedad se
intensificó y cayó postrado en cama, sufriendo
hinchazón, dolores y vómitos.
A las doce y cincuenta y cinco minutos de la
madrugada, Mozart falleció en Viena a la edad
de 35 años, 10 meses y 8 días, y su funeral
tuvo
lugar
en
la Catedral
de
San
Esteban (donde anteriormente se había casado
con Constanze).
Transición al Romanticismo
El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en
el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo XVIII como una
reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo
prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición
clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas.
Ludwig van Beethoven
(Bonn, 16 de diciembre de 1770 – Viena, 26 de marzo de
1827),
fue
un
compositor, director
de
orquesta ypianista alemán.
Su legado
musical abarca,
cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios
del romanticismo musical. Es uno de los compositores más
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importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la
música posterior.
Considerado el último gran representante del clasicismo vienés , Beethoven consiguió
hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales
del siglo XIX.
BIOGRAFÍA
La familia de Ludwig van Beethoven vivía bajo condiciones modestas.
El padre de Beethoven estaba muy impresionado por el hecho de que Wolfgang Amadeus
Mozart diese conciertos a los siete años y quería que su hijo siguiera sus pasos. Con la
intención
de hacer de Ludwig
un nuevo niño prodigio,
comenzó
a
enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana edad. Sin embargo, el estudio musical
coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas se relacionaba con otros niños. En
mitad de la noche, Ludwig era sacado de la cama para que tocara el piano a los
conocidos de Johann, a quienes quería impresionar; esto causaba que estuviera cansado
en la escuela. Ya era usual que dejara de asistir a clases y se quedara en casa para
practicar música.
El padre era alcohólico, lo que supuso que perdiera el puesto de director de la
orquesta de Bonn puesto heredado del abuelo Ludwig, y la madre estaba frecuentemente
enferma. Aunque la relación con Johann fuera más bien distante, Ludwig amaba mucho a
su madre, a la que denominaba su mejor amiga.
El 26 de marzo de 1778, cuando tenía siete años, Beethoven realizó su primera actuación
en público en Colonia.
En 1782, cuando contaba con once años de edad, Beethoven publicó su primera
composición titulada Nueve variaciones sobre una Marcha de Ernst ChristophDressler. Un
año después, Neefe escribió en la Revista de Música acerca de su alumno: Si continúa
así, como ha comenzado, se convertirá seguramente en un segundo Wolfgang
Amadeus Mozart.
Muy pronto, Beethoven dejó de necesitar los conciertos y recitales en los salones de la
corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además,
la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus
Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Debido a la pérdida de sus
capacidades auditivas, No llegó a casarse nunca
OBRAS
Beethoven incrementó su actividad creadora y compuso muchas obras, entre ellas
la Quinta Sinfonía, la Sinfonía Pastoral, la Obertura Coriolano y la bagatela para
piano Para Elisa también seincluye los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para
piano), de cámara, dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y
piano, vocal, concertante (cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y
orquesta), dos misas (la MissaSolemnis en Re M) y orquestal (nueve sinfonías, oberturas,
etc.), entre las que se encuentra el ciclo de las Nueve Sinfonías, incluyendo la Tercera
Sinfonía, también llamada Eroica, en Mi M, la Quinta Sinfonía, en Do m y la Novena
Sinfonía, en Re m (cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita
por Friedrich Von Schiller en 1785).
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Fallecimiento
El 29 de marzo de 1827, se ofició el funeral de Beethoven, al que acudieron más de
20 000 personas.
Periodo del Romanticismo
El Romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de
los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de
acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo musical es un período
de la música académica que fue precedido por el Clasicismo y seguido por
el Impresionismo.
El término música romántica, que podría confundirse con la Música del Romanticismo,
se entiende como toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de
ser así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se estableció
durante el Romanticismo, pero no toda la música del Romanticismo cumple con estas
características. Del mismo modo, no toda la música romántica se puede relacionar con el
período romántico.
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Franz Liszt
(Raiding, Imperio
austríaco, 22
de
octubre de 1811 –
Bayreuth, Imperio alemán, 31 de julio de 1886).
Franz Liszt en su infancia.
Franz Liszt fue el único hijo de Adam Liszt y MaríaAnna. Su lugar
de nacimiento, el pueblo de Raiding, pertenecía en su momento
al Reino de Hungría. dicho idioma. Sólo una minoría
hablaba húngaro y en asuntos oficiales se utilizaba el latín.
El padre de Liszt, como amante de la música y miembro de
la Society of Dilettanti, tocaba el piano, el violín, el violonchelo y
la guitarra. Conoció personalmente a Ludwig van Beethoven, A la
edad de seis años, Franz Liszt comenzó a escuchar con atención
a su padre tocar el piano, al tiempo que mostraba interés por
la música sacra y la música Romaní. Adam conocía la capacidad
musical de su hijo y a los siete años le impartió su primera clase
de piano. Franz comenzó a componer de manera elemental
cuando tenía ocho años, en 1819, y a hacer improvisaciones. Ese mismo año realizó su
primera actuación como pianista. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve
años, apareció en conciertos enSopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera
presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio.
Obras
En esa época, compuso varias obras o piezas basadas en otras de Paganini, como
los Grandes Études de Paganini o Grande Fantaisie de bravoure sur La Clochette.fue uno
de los más destacados representantes de la Nueva Escuela Alemana. Compuso una
extensa y variada cantidad de obras para piano (rapsodias, estudios, transcripciones,
etc.), en estilo concertante para piano y orquesta y también una extensa producción
orquestal. Algunas de sus contribuciones más notables fueron la invención del poema
sinfónico
Últimos años
El 2 de julio de 1881, Liszt se cayó por las escaleras del hotel en el que se hospedaba en
Weimar. Falleció en Bayreuth el 31 de julio de 1886, a la edad de setenta y cuatro años.
La causa oficial de su muerte fue la neumonía que podría haber contraído durante
el Festival de Bayreuth, organizado por su hija Cósima. Se ha especulado con la
posibilidad de que una negligencia médica pudiera haber jugado un papel directo en la
muerte de Liszt
EL NACIONALISMO
El nacionalismo es comúnmente relacionado al romanticismo musical de mediados
del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, pero hay ya evidencias del nacionalismo tanto
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a inicios como a finales del siglo XVIII. El término también es usado frecuentemente para
describir la música del siglo XX de regiones no dominantes en la música, sobre todo
deLatinoamérica, Norteamérica y Europa Oriental. Históricamente el nacionalismo musical
del siglo XIX ha sido considerado como una reacción contra el «dominio» de la música
romántica alemana.
NikoláiRimskiKórsakov
(6 de marzode 1844 – 8 de junio de 1908)
Fue
un compositor, director
de
orquesta y pedagogo ruso miembro del grupo de compositores
conocido como Los Cinco. Considerado un maestro de
laorquestación.
Biografía
RimskiKórsakov nació en Tijvin, doscientos kilómetros al este
de San Petersburgo.RimskiKórsakov hace referencia en sus
memorias que su madre tocaba un poco el piano y su padre
sabía tocar de oído algunas piezas en
este
instrumento. Según el musicólogo Abraham, Rimski-Kórsakov
heredó la tendencia de su madre de tocar demasiado
despacio. A la edad de seis años empezó las clases de piano
con varios profesores locales y mostró talento en destrezas auditivas, pero mostró falta de
interés, tocando, como más tarde escribiría: mal, de manera descuidada, manteniendo
un tempo correcto a duras penas.
Rimski-Kórsakov vestido con el uniforme de cadete naval.
En el periodo en que iba a la escuela, Rimski-Kórsakov tomó
lecciones de piano de un hombre llamado Ulij. Rimski-Kórsakov
escribe que mientras se mostraba indiferente a las lecciones,
creció dentro de él el amor por la música, fomentada por las
asiduas visitas a la ópera y, más adelante, a conciertos
orquestales.10 Ulij se dio cuenta de que tenía un verdadero
talento musical y le recomendó un nuevo profesor,
ThéodoreCanillé.Empezó
las lecciones de piano y
composición,RimskiKórsakov finalmente llegó a ser un maestro
excelente y un ferviente defensor de las enseñanzas
académicas. Revisó todo lo que había compuesto anterior a
1874,
incluso
obras
aclamadas
por
el
público
como Sadkó y Antar, en una búsqueda de la perfección que
perseguiría hasta el final de su vida.
Obras
Sus obras orquestales más conocidas el Capricho español, la Obertura de la gran Pascua
rusa y la suite sinfónica Scheherezadeson valoradas como obras principales del repertorio
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de música clásica, así como las suites y fragmentos de alguna de sus quince
óperas. Scheherezade es un ejemplo de su empleo frecuente de los cuentos de
hadas y temas populares.
Últimos años
Rimski-Kórsakov se dedicó prácticamente sólo a componer óperas por el resto de su vida
creativa.
En 1892 RimskiKórsakov padeció una segunda sequía creativa, debido a una enfermedad
psicosomática. Se solía poner colorado, tenía pérdidas de memoria, confusiones y
desagradables obsesiones, que lo llevaron al diagnóstico médico de neurastenia. Las
crisis dentro del círculo familiar de Rimski-Kórsakov podrían haber sido el factor
desencadenante: las graves enfermedades de su mujer y uno de sus hijos debido a
la difteria en 1890,
El tratamiento científico y académico de la orquestación que hace Rimski-Kórsakov,
ilustrado con más de 300 ejemplos de su obra, sigue siendo una obra de referencia para
los textos de su categoría.
A partir de diciembre de 1907, su enfermedad era de gravedad y ya no podía
trabajar. Falleció en 1908 en su finca.
EL IMPRESIONISMO
La música impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales
del siglo XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de
los años 1860 - 1870, ya que las características de ambas artes eran muy similares. Los
dos únicos autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella época son Claude
Debussy y Déodat de Séverac, aunque este último no está tan reconocido como gran
parte de autores posteriores.
Ígor Stravinski
(Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de
abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso,
uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo
XX.
Biografía
Stravinski nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum,
Rusia. Creció al cuidado de su padre y hermana mayor,
siendo su primera infancia, una mezcla de experiencias que
revelaban poco al artista cosmopolita que llegaría a ser. Si
bien su padre Fiódor Stravinski era cantante de ópera (bajo)
en el Teatro Mariinski, Stravinski inició los estudios de
Derecho, que tiempo después cambiaría por la composición.
En 1902, a los 20 años de edad, Stravinski se convirtió en
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alumno de NikoláiRimski-Kórsakov, probablemente el compositor ruso más importante de
su tiempo. Una de sus obras de estudiante, Feud'artifice (fuegos artificiales en francés),
impresionó a Serguéi Diáguilev, que encargó a Stravinski varias orquestaciones y luego
un ballet completo, El pájaro de fuego.
Stravinski desplegó un deseo inagotable por leer y explorar el arte y la literatura en su
vida. Este deseo se manifestó en algunas de sus colaboraciones en París. No solo fue el
compositor principal para Serguéi Diáguilev de los Ballets Rusos, sino también colaboró
con Pablo Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (OedipusRex, 1927) y George
Balanchine (ApollonMusagete, 1928).
En París, Venecia, Berlín, Londres y Nueva York era recibido con los mayores respetos
como un exitoso pianista y director. La mayoría de las personas que lo conocieron a
través de conversaciones personales y de sus actuaciones lo recuerda como cortés,
atento y preocupado de los demás. Por ejemplo, Otto Klemperer, quien conocía bien
a ArnoldSchoenberg, dijo que él siempre encontró a Stravinski mucho más cooperativo y
fácil de tratar. Murió en Nueva York el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 años y fue
enterrado en Venecia en la isla del cementerio de San Michele. Su tumba está cerca de la
de su antiguo colaborador Diáguilev. La vida de Stravinski abarcó la mayoría del siglo XX,
incluyendo muchos estilos de música clásica moderna, influenciando a muchos
compositores durante su vida y después de su muerte. Él posee una Estrella en el Paseo
de la Fama de Hollywood en Hollywood Boulevard 6340.
MÚSICA DODECAFÓNICA
Estamos acostumbrados a oír música de forma tonal, es decir música "con armonía", pero
aunque no lo creamos existe la música dodecafónica que consiste en crear música de
forma completamente distinta a la música tonal, consiste en crear música atonal.
El siglo XX fue el siglo de la nueva música. Aunque hubo también nueva música en otros
períodos, la ruptura con la tradición histórica no fue nunca tan radical, debido
fundamentalmente al rechazo de la tonalidad, hasta llegar al completo abandono del
concepto tradicional de música, si bien al mismo tiempo gran parte de esta ruptura quedó
inalterada. El siglo XX cultivó una variedad de estilos en la música mucho mayor que la de
cualquier
otro período
anterior.
Se puede justificar éste fenómeno en el afán de los compositores por buscar nuevos
lenguajes, nuevas formas de expresar su arte, y es aquí donde Schoenberg emerge como
gran innovador. Las reacciones por parte del público fueron las mismas que se dan cada
vez que alguien desafía la tradición y los órdenes imperantes. Reacciones de total
rechazo debido a la incomprensión de su obra, pero que al pasar de los años, se iría
aceptando paulatinamente por un círculo creciente de académicos.
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LA DODECAFONÍA.-
Es una forma de organizar
los sonidos de forma no armónica, se denomina dodecafonía
ya que se tienen muy en cuenta los 12 tonos de la escala
cromática.
Esa línea de doce notas es el material musical para toda la
pieza. Esta serie original puede ser Retrogradada, la misma
sucesión de las notas, pero tocadas desde el final hasta el
comienzo e Invertida, la dirección de los intervalos
ascendente o descendente, es invertida, la cual a su vez
puede ser Retrogradada, para su uso en la pieza. Además,
cada una de esas permutaciones puede ser transpuesta,
creando un total de 48 versiones posibles de la serie inicial,
12 versiones de la serie original transpuestas, 12 inversiones,
12 retrogradaciones y 12 inversiones de las retrogradaciones.
Cada nota siguiente a la nota tonal se considera del mismo valor que la primera, por
ejemplo Do y Do Sostenido tienen la misma importancia, no estableciendo jerarquía entre
las notas.
Normalmente en la música tonal, una nota adquiere mayor relevancia, esto no pasa en la
música atonal.
Las dos reglas más importantes en la composición dodecafónica son:


La serie original debe ser seguida con exactitud, y no puede ser repetida hasta
que cada nota haya sido tocada.
Se debe evitar cualquier combinación o secuencia de notas que impliquen
tonalidad (intervalos perfectos, tríadas, séptimas disminuidas, etc.)
SchönbergToneRows
ArnoldSchönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874 – Los
Ángeles, 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico
musical ypintor austriaco de origen judío.
Biografía
ArnoldSchönberg fue hijo de Samuel Schönberg (1838-1889),
un zapatero natural de Hungría, y de PaulineNachod (1848-
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1921), quien creció en Praga. Su carrera musical comenzó precozmente: a los 9 años ya
era violinista y compositor autodidacta. Tras la muerte de su padre, en 1889, se vio
obligado a cuidar del bienestar de su familia y empezó a trabajar como aprendiz de
empleado en el banco Wiener Privatbank Werner & Co. Durante estos años, solo podía
satisfacer su pasión por la música mirando de lejos los conciertos al aire libre realizados
en parques como el Augarten o el Wiener Prater. Invertía parte de su sueldo en
numerosas funciones de ópera y, de entre todas, prefería siempre las de Richard Wagner.
Según sus memorias, Schönberg debe su persistente desarrollo artístico a tres personas:
Oskar
Adler,
quien
le
transmitió
conocimientos
básicos
de
teoría
musical, poesía y filosofía; David Joseph Bach, quien despertó en Schönberg una amplia
conscienciaética y moral, así como una “oposición hacia lo común y lo popular”; y
finalmente Alexander von Zemlinsky, que conoció a Schönberg por su ingreso como
violonchelista
en
la
orquesta
amateur
“Polyhymnia”,
en
1885.
El director
de
orquesta reconoció el talento de Schönberg y, en 1898, lo ayudó en la interpretación
(exitosa) del Primer Cuarteto para cuerdas en Re menor en la Sala Bösendorf de la
Sociedad Musical de Viena. Pese al hecho de que Schönberg tomó clases de
composición con Zemlinsky por algunos meses, consideraba haber aprendido más a
través del estudio de las obras de los grandes compositores, sobre todo, las de Johannes
Brahms,Richard Wagner, Gustav Mahler, Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus
Mozart.
Sus obras:

Erwartung (Expectación) op. 17 (1909).

Die glückliche Hand (La mano bendecida) op.

Von HeuteaufMorgen (De hoy a mañana) op.

Mosesund Aron.
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SÍLABUS
INSTITUCIÓN: Centro Municipal de Capacitación Musical “Víctor Valencia”
Nivel: Segundo
Fecha de Inicio: jueves25 de septiembre de 2014
PERIODO: 5 meses
Instructor: Juan Pablo Ayol
Objetivo del área:
Incentivar al estudiante a la ciencia de la apreciación musical mediante la aplicación de
conocimientos teóricos básicos para que el estudiante conozca la historia de la música
desde siglos anteriores.
MÒDULO: FECHA:
01
30-09-2014
07-10-2014
14-10-2014
Proceso
de
enseñanza,
aprenizaje
y
evaluación
30-09-14 a 1112-14
21-10-2014
28-10-2014
04-11-2014
CONTENIDOS:
RESPONSABLES:
-Paleolítico
-Neolítico
-Canto llano
-Canto Mozárabe
-Ars Antigua
Organum
Discantus
Motete
Canon
-Ars Nova
-Música profana de los nobles
-música profana popular
-Juan Pablo Ayol
-Instrumentos musicales del
período.
-perfeccionamiento de la
escritura por GUIDO DE
AREZZO o GUIDO ARETINO
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18-11-2014
25-11-2014
02-12-2014
-La música en el renacimiento
-Compositores del
renacimiento
-Martin Lutero
-La Música en el Barroco
-Johann Sebastián Bach
-Música del clasismo
-Wolfgang Amadeus Mozart
EVALUACIÒN.
MÒDULO: 02
Proceso
enseñanza,
aprenizaje
evaluación
16-12-14 a
10-02-15
FECHA:
CONTENIDOS:
16-12-2014
-Transición al romanticismo
-Ludwing Van Beethoven
06-01-2015
-Periodo del romanticismo
-Franz Liszt
13-01-2015
-El nacionalismo
-NikoláiRimskiKórsakov
20-01-2015
-El impresionismo
-Igor Stravinski
de
y
27-01-2015
-Música dodecafónica
-La dodecafonía
03-02-2015
- SchönbergToneRows
10-02-2015
Refuerzos
RESPONSABLES:
-Juan Pablo Ayol
EVALUACIÓN
Preperaciòn para
los recitales.
Apreciación Musical II
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RECURSOS:
PizarronTextos. ,Marcadores,Instrumentos Musicales,Aula,Sillas,Carteles, materiales de
escritorio.
METODOLOGÌA:
Deductivo,Constructivista,Mayeutica,
EVALUACIÒN:
Tareas , leciones orales y escritas equivalen al 20%, consultas y exposiciones
equivales al 20% ,Trabajos grupales 20% y el examen 20% para la nota final de cada
parcial.
OBSERVACIONES:
No se admitira atrazos mas de 5 minutos con la finalidad de aplicar el proceso de
enseñanza aprendizaje con exelencia.
Juan Pablo Ayol
Lic.Christian Gualotuña
Instructor
Director Acadèmico
Juan Pablo Ayol
Director del Centro Víctor Valencia
Para mayor información:
Centro Municipal Víctor Valencia 2314654
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