GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” APRECIACIÓN MUSICAL II “VÍCTOR MANUEL VALENCIA NIETO” CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACIÓN MUSICAL – DIRECCIÓN DE DESARROLLO SOCIAL Octubre 2014 – Marzo 2015 Apreciación Musical II 1 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” La Música en la Prehistoria Desde que hay hombres sobre la tierra, existen manifestaciones musicales, pues estas son consecuencia de la necesidad del hombre de comunicarse o de expresar sentimientos. Incluso antes de que el hombre fabricase instrumentos musicales ya hacía música cantando, aplaudiendo o golpeando objetos. La antropología ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola Danza en las Cuevas de El Cogul cumplir una función de finalidad supersticiosa, mágica o (Lérida). En esta pintura rupestre varias mujeres danzan alrededor de un hombre religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de desnudo. Los ritos asociados con danzas apareamiento y con el trabajo colectivo. y ritmos repetitivos eran habituales en Para el hombre primitivo había dos señales que casi todas las culturas prehistóricas. evidenciaban la separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. Periodo Paleolítico Las evidencias son pocas, pero las existentes parecen indicar la existencia de ciertos "instrumentos musicales" ya en la Prehistoria. No hay más que ver los ritmos que en canciones y bailes poseen prácticamente todos los pueblos que hasta nuestros días han conservado un modo de vida muy parecido al de nuestros antepasados. Tambores, flautas, maracas, cánticos, etc. utilizados con fines festivos o religiosos también formaban parte de la vida cotidiana en nuestros orígenes. Los raspadores son un ejemplo de ello, se trata de lo más básico a la hora de producir sonidos, aparte de dar golpes contra algo o producirlos con la voz. Los raspadores consisten en pequeños fragmentos de huesos con muescas paralelas, qué al frotarlas con otro utensilio, como una madera o púa, producen sonidos. Se halló un raspador de entre 50.000 y 40.000 años originario de Schulen (norte de Bélgica). Apreciación Musical II 2 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” Periodo Neolítico Pero lo más cercano a nosotros es sin duda el uso de las caracolas marinas. Se han encontrado en varios yacimientos y el soplar por ellas siempre ha tenido una función ceremonial en muchos lugares del mundo, incluso su uso con este fin nos ha llegado hasta hoy. Los silbatos de cerámica con un solo agujero (parecido a las ocarinas) y maracas de arcilla, así como tambores se encuentran en un número mayor a partir del Neolítico. Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres. Instrumentos Musicales de la Prehistoria Se han encontrado entre los restos arqueológicos, instrumentos de las cuatro familias: idiófonos (palos, sonajas, raspadores, maracas de calabaza, xilófonos, etc.), membranófonos (tambores, mirlitones), cordófonos (toda la variedad de arcos), aerófonos (flautas, silbatos, cuernos y caracolas). Todos estos instrumentos continúan utilizándose. Las formaciones de estalactitas y estalagmitas de las cavernas, producen sonoridades diversas, al golpearlas con la mano, una madera o hueso. Un ejemplo de la música en la prehistoria son los rombos volantes, instrumentos de hueso, madera, u otros materiales, que se ataban con una cuerda y se giraban en el aire, hasta producir un zumbido característico. Aún persisten estos instrumentos en algunas tribus africanas, en la India o en Australia. Música Medieval La música medieval es uno de los temas más apasionantes que la cultura en la Edad Media nos brinda.A ello no es ajeno el hecho de que la forma de la música medieval es un misterio. A diferencia de otras manifestaciones artísticas que perduran en el tiempo, la música desaparece en el momento de desarrollarse y la única forma de hacerla pervivir es mediante una notación musical que en la Edad Media o no se empleaba o se hacía de manera muy pobre en información, insuficiente en la mayoría de los casos para una reproducción fiel. Apreciación Musical II 3 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” La Música Profana en la Edad Media La música culta litúrgica es la única que ha quedado plasmada en los códices, como hemos visto. Lamentablemente la música medieval profana y popular, la que divertía y disfrutaba el pueblo prácticamente se ha perdido pues nunca se perpetuó por escrito. Sabemos que en la Edad Media era habitual el canto y el baile entre la población, en muchos casos como herencia del mundo pagano. Lo conocemos por numerosas fuentes eclesiásticas que los condenaban o criticaban. Tanta insistencia en el ataque a estas prácticas pone de manifiesto la habitualidad con la que se producían. La música profana de los nobles: Troveros y Trovadores A partir del siglo XII, surge el movimiento trovadoresco. Nacen los llamados trovadores, troveros y minnesänger. Son compositores y poetas que en ocasiones eran también cantores de su propia obra. En sus obras se emplean lenguas romances autóctonas: dialectos franceses, alemán, portugués, etc. No hay que confundir la figura del trovador con la del juglar. Los trovadores formaban un estamento entre los que se encontraban gentes de la más alta nobleza, mientras que los juglares solían pertenecer a las clases más populares. La música medieval profana se centra en los intereses humanos, sobre todo en el amor, la guerra y la naturaleza. A diferencia del canto litúrgico, en las obras de los trovadores se empleaban instrumentos musicales como acompañamiento. Apreciación Musical II 4 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” La música profana popular: Los Juglares Los juglares eran infatigables andariegos ambulantes que recorrían las villas y aldeas de la Europa medieval. Su profesión consistía en amenizar la vida de las gentes de la época a cambio de dinero, comida y otros bienes. No sólo se centraban en la música, sino que entretenían al público ejerciendo de saltimbanquis, lanzadores de cuchillos, equilibristas, domadores, etc. En su actividad musical, lo normal es que se limitaran a ser los intérpretes del canto y tocar instrumentos, pero no eran compositores, como sí fueron los trovadores. En general los juglares fueron muy criticados por las autoridades religiosas por considerarlos viciosos y escandalosos. Frecuentemente sus canciones abordarían temas obscenos y el baile de las danzarinas sería deliberadamente voluptuoso. Una iconografía muy repetida en la escultura románica y que obedece al hecho histórico es la escena en que un trovador emplea un instrumento de cuerda o viento mientras una juglaresa danzarina baila con los brazos levantados con castañuelas o contorsionándose y dejando caer su cabellera. Canto Llano El canto es una de las expresiones primordiales de la liturgia, a la cual podemos referir como un tributo colectivo (Asamblea), público y oficial de alabanza ofrecido a Dios por una iglesia, y en el rito romano este canto es el llamado "Gregoriano"; Deben rastrearse sus orígenes en la práctica musical de la sinagoga judía y en el canto de las primeras comunidades cristianas. La Apreciación Musical II 5 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” denominación canto gregoriano procede de atribuírsele su recopilación al Papa San Gregorio Magno, siendo una evolución del canto romano confrontado alcanto galicano. El canto llamado gregoriano, inicialmente canto cristiano es un tipo de canto llano (simple, monódico, sin saltos: movimientos por grados conjuntos y con una música supeditada al texto) utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana. Canto Mozárabe Hasta su supresión a finales del siglo XI, el canto mozárabe supuso una de las manifestaciones culturales más apasionantes de la música medieval. Hunde sus raíces en los primeros tiempos de la cristianización y a su vez en la liturgia judaica. Lamentablemente no es posible su transcripción por su notación neumática que no expresa la altura exacta de los sonidos. Del repertorio musical hispano visigodo o mozárabe se conservan 45 códices, escritos fundamentalmente entre los siglos X y XI. Especial importancia tiene el famoso Antifonario de la catedral de León. La Polifonía La Polifonía se define como el conjunto de sonidos simultáneos en que cada uno expresa su idea musical, pero formando con los demás un todo armónico. No es una música lineal (monódica), sino que varias voces suenan simultáneamente. Dentro de la Polifonía medieval se distinguen el ArsAntigua y el Ars Nova. Ars Antigua El arsantiqua es una consecuencia del desarrollo musical ocurrido entre los siglos IX y XII, cuando aparecen las primeras formas polifónicas: -El organum, que consistía en añadir a una melodía gregoriana, llamada cantusfirmus , una segunda voz a la distancia de un intervalo de cuarta o quinta, llamada voz organalis. Esta técnica se desarrolló en el marco de la música religiosa. -El discantus, que consistía en dos voces que se mueven por movimiento contrario. Apreciación Musical II 6 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” -El conductus, que es un nuevo sistema polifónico nacido con la citada Escuela de Norte Dame, en el que la melodía principal no es gregoriana, sino inventada por el compositor, con un ritmo más o menos procesional. Ars Nova Es la expresión perfecta del hombre gótico: el efecto puramente sonoro y la evolución y enriquecimiento de los ritmos y las armonías. El Ars Nova permite fijar las notas y admite acordes. Destacan Guillermo de Machaut con su Misa de Notre Dame, en Italia Landini, Bolonia y Ciconia y en España tenemos una obra que resume nuestras aportaciones, el Libre Vermell de Montserrat. En esta época se desarrolla la técnica conocida como "nota contra nota" o contrapunctus, que con el tiempo se va elaborando cada vez más fundamentalmente en la parte rítmica llegando a cantar muchas notas por cada nota del tenor, nota que muchas veces tenía el apoyo de algún instrumento. Forma musical En música, forma musical en su sentido genérico designa tanto una estructura musical como una tradición de escritura que permite situar la obra musical en la historia de la evolución de la creación musical. Añadidas a un título de una obra, las diferentes formas musicales como sinfonía, concierto, preludio, fantasía, etc. designan entonces, tanto una estructura que se ha construido a lo largo del tiempo, como un género musical particular, una composición musical que ha evolucionado durante siglos: ópera, danza, etc. En ambos casos, el concepto de forma alude a la pertenencia a una categoría de obra que posee uno o varios criterios más o menos estrictos propios de una estructura número de movimientos, estructura general, proporciones, etc. Es lo que de modo natural ha producido un deslizamiento semántico, y que numerosos términos que designan diferentes formas motete,toccata, canon, etc. MOTETE.-Composición musical nacida en el siglo XIII para cantar en las iglesias, de texto comúnmente bíblico. Sin acompañamiento instrumental (a capella), con carácter dramático e imitativo. TOCCATA.- Pieza de música clásica para teclado, que generalmente enfatiza la destreza del practicante. Menos frecuentemente, se utiliza para referirse a trabajos para múltiples instrumentos. Apreciación Musical II 7 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” MISA.- La Misa, una forma musical sacra, es una composición coral que traslada a la música secciones fijas de la liturgia eucarística. CANTATA.- Desde la época barroca, la cantata es una composición para una o más voces solistas que se acompañan de instrumentos. SONATA.- La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o más instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos. CANON.- Es una forma de composición musical de carácter polifónico basada en la imitación estricta entre dos o más voces separadas por un intervalo temporal. La primera voz interpreta una melodía y es seguida, a distancia de ciertos compases, por sucesivas voces que la repiten, en algunos casos transformadas en su tonalidad o en otros aspectos. EL MADRIGAL.-Es una composición de tres a seis voces sobre un texto secular, a menudo en italiano. Tuvo su máximo auge en el Renacimiento y primer Barroco. Musicalmente reconoce orígenes en la frottola, con influencias de otras formas musicales como el motete y la chanson francesa de la música renacentista. http://es.wikipedia.org/wiki/Forma_musical Guido de Arezzo Guido de Arezzo (Arezzo, Toscana 991Avellano c.1050) fue un monje benedictino, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840 - c. 930). Obra En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de enseñanza, incluyendo el tetragrama (pauta musical de cuatro líneas), precursor del pentagrama, y la escala diatónica. Perfeccionó la escritura musical con la implementación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación neumática. Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el pentagramagriego: cinco líneas. Apreciación Musical II 8 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” Nota Ut Do Re Mi Fa Sol La Si Texto original en latín Traducción Para que puedan Ut queantlaxis exaltar a pleno pulmón Resonarefibris las maravillas Mira gestorum estos siervos tuyos Famulituorum perdona la falta Solve polluti de nuestros labios Labiireatum impuros Sancte Ioannes. San Juan. Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota LA). En aquella época solía cantarse un himno a san Juan el Bautista atribuido a Pablo el Diácono, que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía. Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. Guido de Arezzo denominó a El himno a san Juan Bautista. este sistema de entonación solmisación (enlatín, solmisatio), y más tarde se le denominó solfeo. Posteriormente, en el siglo XVII, Giovanni BattistaDoni sustituyó la nota UT por DO, pues esta sílaba, por terminar en vocal, se adaptaba mejor al canto. También mucho más tarde, a finales del siglo XVI, fue introducida por Anselmo de Flandes la séptima nota, que recibió el nombre de SI (de SancteIoannes). Los países donde no llegaron los músicos latinos siguieron con el antiguo sistema de las letras del alfabeto, tal es el caso de los paísesanglosajones, Alemania, los países escandinavos, etc. Apreciación Musical II 9 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” Música del Renacimiento La música renacentista es la música clásica escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental. Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan JosquinDesprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria. Características Generales El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura polifónica, frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis voces de carácter cantábile; cada línea melódica o vozpodía ser interpretada indistintamente con voces reales o con instrumentos. Si bien el rango de cada línea supera apenas la octava, la extensión general del conjunto rebasa ampliamente las dos octavas, evitándose el cruce entre las voces (que forzaba a que estas fueran heterogéneas y contrastantes en la polifonía medieval). Géneros y formasMúsica religiosa Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete. Música vocal profana Un gran número de impresos y cancioneros manuscritos nos han hecho llegar el amplísimo repertorio polifónico profano renacentista. Apreciación Musical II 10 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” COMPOSITORES DEL RENACIMIENTO El Arte Musical en la Misión Martín Lutero: Martín Lutero era un músico muy completo. Cantaba (tenor), tocaba el laúd, la flauta, componía música y escribía himnos. Muchas veces después de cenar reunía a su familia y amigos y cantaban cantos gregorianos y composiciones polifónicas. Lutero estaba familiarizado con algunos de los compositores más sobresalientes de su tiempo. El creía firmemente que los cristianos deberían alabar a Dios ambos con las palabras y con la música. Decía que la música es un vehículo excelente para la comunicación de la Palabra de Dios y le gustaba citar ejemplos bíblicos tales como el Cántico de Moisés después de haber cruzado el Mar Rojo con todo el pueblo hebreo, al ser liberados de la esclavitud en Egipto agregaba, "no deberíamos ordenar jóvenes a menos que estén bien entrenados en la música". Por esta convicción personal hizo un llamado a poetas y músicos para componer himnos y producir música y liturgias, que fielmente proclamaran elEvangelio. Su consejo a tales personas era que escribieran con palabras sencillas y comunes, preservando la enseñanza pura de la Palabra de Dios. En el verano del mismo año y bajo su dirección apareció un himnario para coros. De los 38 himnos con nota, 24 eran suyos. Barroco Siglo XVII El periodo del Barroco abarca el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. En él aparecerán nuevas formas musicales. Las melodías se complican y los instrumentos adquieren autonomía total convirtiéndose en los verdaderos protagonistas de las obras. El ritmo es muy marcado y el movimiento de la obra es uno de los elementos importantes. Apreciación Musical II 11 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” En esta época, una de las más brillantes de la Historia, se creó la orquesta, lo que obligó a que se crearan formas puramente instrumentales y donde la diversidad de timbres, dieron una nueva visión formal e instrumental. Aparece el solista como elemento dialogante de la orquesta. Todos estos acontecimientos tuvieron su asentamiento definitivo en este periodo, lo que obligó a los compositores a concretar estilos y formas. Características 1. - Independencia entre las Música vocal e instrumental 2.- Esplendor de la Música escénica: Ópera 3.- Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara 4.- Supremacía de la Música profana sobre la Música religiosa 5.- El compositor practica todos o casi todos los géneros de la época Formas Instrumentales 1.- Preludio- Composición instrumental, que precede a otra forma. En el Barroco han dejado a la fuga. 2.- Tocata- Forma instrumental y de carácter virtuosita creada para instrumentos de teclas. Normalmente le sucedía una fuga 3.- Concierto grosso- Forma instrumental dividida generalmente en 4 movimientos se caracteriza por que el grueso de la orquesta dialoga con un grupo reducido de instrumentistas. 4.- Suite- Reunión de varias piezas instrumentales e independientes entre si, interpretándose una a continuación de otra. Autores 1.- Joan Sebastián ABC - 1685 - 1750 2.- Jorge Federico Haendel - 1685 - 1759 3.- Claudio Monteverdi - 1567 - 1643 4.- Antonio Vivaldi - 1678 - 1741 5.- Juan Bautista Comes - 1688 - 1763 6.- Juan Cabanillas - 1644 – 1712 Johann Sebastián Bach Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685, Leipzig, 28 de julio de 1750). Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.3 Apreciación Musical II 12 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” Biografía Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Durante más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos ejecutantes y compositores (durante seis generaciones dio 50 músicos de importancia). En aquella época, la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban una significativa aportación para la formación de músicos profesionales, particularmente en loselectorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista. El padre de Johann Sebastian enseñó a su hijo a tocar el violín y el clavecín. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de cámara de la corte hasta compositores. Uno de sus tíos, Johann Christoph Bach (1644-1695) era especialmente famoso y fue quien lo introdujo en el arte de la interpretación del órgano. Documentos de la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo de «músico». Bach era consciente de los logros musicales de su familia, y hacia 1735 esbozó una genealogía, buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia. Su muerte Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una intervención quirúrgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés llamado John Taylor, que años después operaría a Händel, con iguales resultados. Bach había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la recuperó, pero luego murió de apoplejía. Música del Clasicismo A mediados del siglo XVIII en Europa se empieza a generar un nuevo movimiento en la arquitectura, la literatura y las artes, conocido como clasicismo oneoclasicismo. El clasicismo musical o período clásico comienza aproximadamente en 1750 y termina alrededor de 1820. Música clásica se dice en general para todos los períodos de la música culta europea, pero las primeras composiciones llamadas clásicas fueron las de este período. En la música no se trató del redescubrimiento y copia de los clásicos del arte greco romano, los pocos restos de música griega y de tratados teóricos que quedaron no se consideran suficientes para conocer como era aquella música realmente. La música del clasicismo evoluciona hacia un extremo equilibrio entre armonía y melodía. Compositores muy famosos son Haydn, Mozart y Beethoven. Los instrumentos en el Neoclasicismo Algunos instrumentos surgen en este periodo, como el pianoforte; el Arpeggione y el clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición de la época. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd, Apreciación Musical II 13 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” etc. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el Romanticismo, con la aparición del pianoforte romántico. Wolfgang Amadeus Mozart de 1756 – Viena, 5 dediciembre de 1791),fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia. En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. (Salzburgo, 27 de enero Cuando Wolfgang Amadeus tenía cuatro años tocaba el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable dificultad; En su cuarto año de edad, su padre comenzó a enseñarlo, como un juego, a interpretar unos minuetos y otras piezas en el teclado. Podría tocarlo impecablemente y con la mayor delicadeza y manteniendo exactamente el tempo a la edad de cinco años ya componía pequeñas piezas, que interpretaba para su padre, al que estaban dedicadas. a los seis, tocaba con destreza el clavecín y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales. Definitivamente no era un niño común. Su progenitor era un hombre inteligente, orgulloso y religioso. Creía que los dones musicales de su hijo eran un milagro divino que él, como padre, tenía la obligación de cultivar. Cuando el niño iba cumplir 6 años de edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de sus hijos ante las principales cortes de Europa. Finalmente Leopold dejó de componer cuando el excepcional talento musical de su hijo se hizo evidente. Él era el único profesor de Wolfgang en sus primeros años y le enseñó música, así como el resto de asignaturas académicas. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muertehan sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito,a lo largo de su vida firmaría con diversas variaciones sobre su nombre original, siendo una de las más recurrentes Wolfgang Amadè Mozart. Apreciación Musical II 14 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” Último año de vida El último año de vida de Mozart, 1791, fue, hasta su enfermedad final, un tiempo de gran productividad y, en cierto sentido, un tiempo de recuperación personal. Realizó numerosas composiciones, incluyendo algunos de sus trabajos más admirados: la ópera La flauta mágica (Die Zauberflöte), el último concierto para piano y orquesta (n.º 27 en si bemol mayor), el Concierto para clarinete en la mayor, el último de su gran serie de quintetos de cuerda (KV 614 en mi bemol mayor), el motete Ave verum corpus y el inacabado Réquiem en re menor. Enfermedad final y fallecimiento En octubre su salud empeoró; caminaba con su esposa por el Prater cuando de pronto se sentó en un banco y muy agitado comentó a Constanze que alguien lo había envenenado. El 20 de noviembre la enfermedad se intensificó y cayó postrado en cama, sufriendo hinchazón, dolores y vómitos. A las doce y cincuenta y cinco minutos de la madrugada, Mozart falleció en Viena a la edad de 35 años, 10 meses y 8 días, y su funeral tuvo lugar en la Catedral de San Esteban (donde anteriormente se había casado con Constanze). Transición al Romanticismo El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. Ludwig van Beethoven (Bonn, 16 de diciembre de 1770 – Viena, 26 de marzo de 1827), fue un compositor, director de orquesta ypianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Es uno de los compositores más Apreciación Musical II 15 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior. Considerado el último gran representante del clasicismo vienés , Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. BIOGRAFÍA La familia de Ludwig van Beethoven vivía bajo condiciones modestas. El padre de Beethoven estaba muy impresionado por el hecho de que Wolfgang Amadeus Mozart diese conciertos a los siete años y quería que su hijo siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño prodigio, comenzó a enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana edad. Sin embargo, el estudio musical coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas se relacionaba con otros niños. En mitad de la noche, Ludwig era sacado de la cama para que tocara el piano a los conocidos de Johann, a quienes quería impresionar; esto causaba que estuviera cansado en la escuela. Ya era usual que dejara de asistir a clases y se quedara en casa para practicar música. El padre era alcohólico, lo que supuso que perdiera el puesto de director de la orquesta de Bonn puesto heredado del abuelo Ludwig, y la madre estaba frecuentemente enferma. Aunque la relación con Johann fuera más bien distante, Ludwig amaba mucho a su madre, a la que denominaba su mejor amiga. El 26 de marzo de 1778, cuando tenía siete años, Beethoven realizó su primera actuación en público en Colonia. En 1782, cuando contaba con once años de edad, Beethoven publicó su primera composición titulada Nueve variaciones sobre una Marcha de Ernst ChristophDressler. Un año después, Neefe escribió en la Revista de Música acerca de su alumno: Si continúa así, como ha comenzado, se convertirá seguramente en un segundo Wolfgang Amadeus Mozart. Muy pronto, Beethoven dejó de necesitar los conciertos y recitales en los salones de la corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además, la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Debido a la pérdida de sus capacidades auditivas, No llegó a casarse nunca OBRAS Beethoven incrementó su actividad creadora y compuso muchas obras, entre ellas la Quinta Sinfonía, la Sinfonía Pastoral, la Obertura Coriolano y la bagatela para piano Para Elisa también seincluye los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para piano), de cámara, dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y piano, vocal, concertante (cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta), dos misas (la MissaSolemnis en Re M) y orquestal (nueve sinfonías, oberturas, etc.), entre las que se encuentra el ciclo de las Nueve Sinfonías, incluyendo la Tercera Sinfonía, también llamada Eroica, en Mi M, la Quinta Sinfonía, en Do m y la Novena Sinfonía, en Re m (cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita por Friedrich Von Schiller en 1785). Apreciación Musical II 16 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” Fallecimiento El 29 de marzo de 1827, se ofició el funeral de Beethoven, al que acudieron más de 20 000 personas. Periodo del Romanticismo El Romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el Clasicismo y seguido por el Impresionismo. El término música romántica, que podría confundirse con la Música del Romanticismo, se entiende como toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de ser así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se estableció durante el Romanticismo, pero no toda la música del Romanticismo cumple con estas características. Del mismo modo, no toda la música romántica se puede relacionar con el período romántico. Apreciación Musical II 17 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” Franz Liszt (Raiding, Imperio austríaco, 22 de octubre de 1811 – Bayreuth, Imperio alemán, 31 de julio de 1886). Franz Liszt en su infancia. Franz Liszt fue el único hijo de Adam Liszt y MaríaAnna. Su lugar de nacimiento, el pueblo de Raiding, pertenecía en su momento al Reino de Hungría. dicho idioma. Sólo una minoría hablaba húngaro y en asuntos oficiales se utilizaba el latín. El padre de Liszt, como amante de la música y miembro de la Society of Dilettanti, tocaba el piano, el violín, el violonchelo y la guitarra. Conoció personalmente a Ludwig van Beethoven, A la edad de seis años, Franz Liszt comenzó a escuchar con atención a su padre tocar el piano, al tiempo que mostraba interés por la música sacra y la música Romaní. Adam conocía la capacidad musical de su hijo y a los siete años le impartió su primera clase de piano. Franz comenzó a componer de manera elemental cuando tenía ocho años, en 1819, y a hacer improvisaciones. Ese mismo año realizó su primera actuación como pianista. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos enSopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Obras En esa época, compuso varias obras o piezas basadas en otras de Paganini, como los Grandes Études de Paganini o Grande Fantaisie de bravoure sur La Clochette.fue uno de los más destacados representantes de la Nueva Escuela Alemana. Compuso una extensa y variada cantidad de obras para piano (rapsodias, estudios, transcripciones, etc.), en estilo concertante para piano y orquesta y también una extensa producción orquestal. Algunas de sus contribuciones más notables fueron la invención del poema sinfónico Últimos años El 2 de julio de 1881, Liszt se cayó por las escaleras del hotel en el que se hospedaba en Weimar. Falleció en Bayreuth el 31 de julio de 1886, a la edad de setenta y cuatro años. La causa oficial de su muerte fue la neumonía que podría haber contraído durante el Festival de Bayreuth, organizado por su hija Cósima. Se ha especulado con la posibilidad de que una negligencia médica pudiera haber jugado un papel directo en la muerte de Liszt EL NACIONALISMO El nacionalismo es comúnmente relacionado al romanticismo musical de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, pero hay ya evidencias del nacionalismo tanto Apreciación Musical II 18 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” a inicios como a finales del siglo XVIII. El término también es usado frecuentemente para describir la música del siglo XX de regiones no dominantes en la música, sobre todo deLatinoamérica, Norteamérica y Europa Oriental. Históricamente el nacionalismo musical del siglo XIX ha sido considerado como una reacción contra el «dominio» de la música romántica alemana. NikoláiRimskiKórsakov (6 de marzode 1844 – 8 de junio de 1908) Fue un compositor, director de orquesta y pedagogo ruso miembro del grupo de compositores conocido como Los Cinco. Considerado un maestro de laorquestación. Biografía RimskiKórsakov nació en Tijvin, doscientos kilómetros al este de San Petersburgo.RimskiKórsakov hace referencia en sus memorias que su madre tocaba un poco el piano y su padre sabía tocar de oído algunas piezas en este instrumento. Según el musicólogo Abraham, Rimski-Kórsakov heredó la tendencia de su madre de tocar demasiado despacio. A la edad de seis años empezó las clases de piano con varios profesores locales y mostró talento en destrezas auditivas, pero mostró falta de interés, tocando, como más tarde escribiría: mal, de manera descuidada, manteniendo un tempo correcto a duras penas. Rimski-Kórsakov vestido con el uniforme de cadete naval. En el periodo en que iba a la escuela, Rimski-Kórsakov tomó lecciones de piano de un hombre llamado Ulij. Rimski-Kórsakov escribe que mientras se mostraba indiferente a las lecciones, creció dentro de él el amor por la música, fomentada por las asiduas visitas a la ópera y, más adelante, a conciertos orquestales.10 Ulij se dio cuenta de que tenía un verdadero talento musical y le recomendó un nuevo profesor, ThéodoreCanillé.Empezó las lecciones de piano y composición,RimskiKórsakov finalmente llegó a ser un maestro excelente y un ferviente defensor de las enseñanzas académicas. Revisó todo lo que había compuesto anterior a 1874, incluso obras aclamadas por el público como Sadkó y Antar, en una búsqueda de la perfección que perseguiría hasta el final de su vida. Obras Sus obras orquestales más conocidas el Capricho español, la Obertura de la gran Pascua rusa y la suite sinfónica Scheherezadeson valoradas como obras principales del repertorio Apreciación Musical II 19 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” de música clásica, así como las suites y fragmentos de alguna de sus quince óperas. Scheherezade es un ejemplo de su empleo frecuente de los cuentos de hadas y temas populares. Últimos años Rimski-Kórsakov se dedicó prácticamente sólo a componer óperas por el resto de su vida creativa. En 1892 RimskiKórsakov padeció una segunda sequía creativa, debido a una enfermedad psicosomática. Se solía poner colorado, tenía pérdidas de memoria, confusiones y desagradables obsesiones, que lo llevaron al diagnóstico médico de neurastenia. Las crisis dentro del círculo familiar de Rimski-Kórsakov podrían haber sido el factor desencadenante: las graves enfermedades de su mujer y uno de sus hijos debido a la difteria en 1890, El tratamiento científico y académico de la orquestación que hace Rimski-Kórsakov, ilustrado con más de 300 ejemplos de su obra, sigue siendo una obra de referencia para los textos de su categoría. A partir de diciembre de 1907, su enfermedad era de gravedad y ya no podía trabajar. Falleció en 1908 en su finca. EL IMPRESIONISMO La música impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales del siglo XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de los años 1860 - 1870, ya que las características de ambas artes eran muy similares. Los dos únicos autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella época son Claude Debussy y Déodat de Séverac, aunque este último no está tan reconocido como gran parte de autores posteriores. Ígor Stravinski (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Biografía Stravinski nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum, Rusia. Creció al cuidado de su padre y hermana mayor, siendo su primera infancia, una mezcla de experiencias que revelaban poco al artista cosmopolita que llegaría a ser. Si bien su padre Fiódor Stravinski era cantante de ópera (bajo) en el Teatro Mariinski, Stravinski inició los estudios de Derecho, que tiempo después cambiaría por la composición. En 1902, a los 20 años de edad, Stravinski se convirtió en Apreciación Musical II 20 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” alumno de NikoláiRimski-Kórsakov, probablemente el compositor ruso más importante de su tiempo. Una de sus obras de estudiante, Feud'artifice (fuegos artificiales en francés), impresionó a Serguéi Diáguilev, que encargó a Stravinski varias orquestaciones y luego un ballet completo, El pájaro de fuego. Stravinski desplegó un deseo inagotable por leer y explorar el arte y la literatura en su vida. Este deseo se manifestó en algunas de sus colaboraciones en París. No solo fue el compositor principal para Serguéi Diáguilev de los Ballets Rusos, sino también colaboró con Pablo Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (OedipusRex, 1927) y George Balanchine (ApollonMusagete, 1928). En París, Venecia, Berlín, Londres y Nueva York era recibido con los mayores respetos como un exitoso pianista y director. La mayoría de las personas que lo conocieron a través de conversaciones personales y de sus actuaciones lo recuerda como cortés, atento y preocupado de los demás. Por ejemplo, Otto Klemperer, quien conocía bien a ArnoldSchoenberg, dijo que él siempre encontró a Stravinski mucho más cooperativo y fácil de tratar. Murió en Nueva York el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 años y fue enterrado en Venecia en la isla del cementerio de San Michele. Su tumba está cerca de la de su antiguo colaborador Diáguilev. La vida de Stravinski abarcó la mayoría del siglo XX, incluyendo muchos estilos de música clásica moderna, influenciando a muchos compositores durante su vida y después de su muerte. Él posee una Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en Hollywood Boulevard 6340. MÚSICA DODECAFÓNICA Estamos acostumbrados a oír música de forma tonal, es decir música "con armonía", pero aunque no lo creamos existe la música dodecafónica que consiste en crear música de forma completamente distinta a la música tonal, consiste en crear música atonal. El siglo XX fue el siglo de la nueva música. Aunque hubo también nueva música en otros períodos, la ruptura con la tradición histórica no fue nunca tan radical, debido fundamentalmente al rechazo de la tonalidad, hasta llegar al completo abandono del concepto tradicional de música, si bien al mismo tiempo gran parte de esta ruptura quedó inalterada. El siglo XX cultivó una variedad de estilos en la música mucho mayor que la de cualquier otro período anterior. Se puede justificar éste fenómeno en el afán de los compositores por buscar nuevos lenguajes, nuevas formas de expresar su arte, y es aquí donde Schoenberg emerge como gran innovador. Las reacciones por parte del público fueron las mismas que se dan cada vez que alguien desafía la tradición y los órdenes imperantes. Reacciones de total rechazo debido a la incomprensión de su obra, pero que al pasar de los años, se iría aceptando paulatinamente por un círculo creciente de académicos. Apreciación Musical II 21 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” LA DODECAFONÍA.- Es una forma de organizar los sonidos de forma no armónica, se denomina dodecafonía ya que se tienen muy en cuenta los 12 tonos de la escala cromática. Esa línea de doce notas es el material musical para toda la pieza. Esta serie original puede ser Retrogradada, la misma sucesión de las notas, pero tocadas desde el final hasta el comienzo e Invertida, la dirección de los intervalos ascendente o descendente, es invertida, la cual a su vez puede ser Retrogradada, para su uso en la pieza. Además, cada una de esas permutaciones puede ser transpuesta, creando un total de 48 versiones posibles de la serie inicial, 12 versiones de la serie original transpuestas, 12 inversiones, 12 retrogradaciones y 12 inversiones de las retrogradaciones. Cada nota siguiente a la nota tonal se considera del mismo valor que la primera, por ejemplo Do y Do Sostenido tienen la misma importancia, no estableciendo jerarquía entre las notas. Normalmente en la música tonal, una nota adquiere mayor relevancia, esto no pasa en la música atonal. Las dos reglas más importantes en la composición dodecafónica son: La serie original debe ser seguida con exactitud, y no puede ser repetida hasta que cada nota haya sido tocada. Se debe evitar cualquier combinación o secuencia de notas que impliquen tonalidad (intervalos perfectos, tríadas, séptimas disminuidas, etc.) SchönbergToneRows ArnoldSchönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874 – Los Ángeles, 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical ypintor austriaco de origen judío. Biografía ArnoldSchönberg fue hijo de Samuel Schönberg (1838-1889), un zapatero natural de Hungría, y de PaulineNachod (1848- Apreciación Musical II 22 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” 1921), quien creció en Praga. Su carrera musical comenzó precozmente: a los 9 años ya era violinista y compositor autodidacta. Tras la muerte de su padre, en 1889, se vio obligado a cuidar del bienestar de su familia y empezó a trabajar como aprendiz de empleado en el banco Wiener Privatbank Werner & Co. Durante estos años, solo podía satisfacer su pasión por la música mirando de lejos los conciertos al aire libre realizados en parques como el Augarten o el Wiener Prater. Invertía parte de su sueldo en numerosas funciones de ópera y, de entre todas, prefería siempre las de Richard Wagner. Según sus memorias, Schönberg debe su persistente desarrollo artístico a tres personas: Oskar Adler, quien le transmitió conocimientos básicos de teoría musical, poesía y filosofía; David Joseph Bach, quien despertó en Schönberg una amplia conscienciaética y moral, así como una “oposición hacia lo común y lo popular”; y finalmente Alexander von Zemlinsky, que conoció a Schönberg por su ingreso como violonchelista en la orquesta amateur “Polyhymnia”, en 1885. El director de orquesta reconoció el talento de Schönberg y, en 1898, lo ayudó en la interpretación (exitosa) del Primer Cuarteto para cuerdas en Re menor en la Sala Bösendorf de la Sociedad Musical de Viena. Pese al hecho de que Schönberg tomó clases de composición con Zemlinsky por algunos meses, consideraba haber aprendido más a través del estudio de las obras de los grandes compositores, sobre todo, las de Johannes Brahms,Richard Wagner, Gustav Mahler, Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart. Sus obras: Erwartung (Expectación) op. 17 (1909). Die glückliche Hand (La mano bendecida) op. Von HeuteaufMorgen (De hoy a mañana) op. Mosesund Aron. Apreciación Musical II 23 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” SÍLABUS INSTITUCIÓN: Centro Municipal de Capacitación Musical “Víctor Valencia” Nivel: Segundo Fecha de Inicio: jueves25 de septiembre de 2014 PERIODO: 5 meses Instructor: Juan Pablo Ayol Objetivo del área: Incentivar al estudiante a la ciencia de la apreciación musical mediante la aplicación de conocimientos teóricos básicos para que el estudiante conozca la historia de la música desde siglos anteriores. MÒDULO: FECHA: 01 30-09-2014 07-10-2014 14-10-2014 Proceso de enseñanza, aprenizaje y evaluación 30-09-14 a 1112-14 21-10-2014 28-10-2014 04-11-2014 CONTENIDOS: RESPONSABLES: -Paleolítico -Neolítico -Canto llano -Canto Mozárabe -Ars Antigua Organum Discantus Motete Canon -Ars Nova -Música profana de los nobles -música profana popular -Juan Pablo Ayol -Instrumentos musicales del período. -perfeccionamiento de la escritura por GUIDO DE AREZZO o GUIDO ARETINO Apreciación Musical II 24 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” 18-11-2014 25-11-2014 02-12-2014 -La música en el renacimiento -Compositores del renacimiento -Martin Lutero -La Música en el Barroco -Johann Sebastián Bach -Música del clasismo -Wolfgang Amadeus Mozart EVALUACIÒN. MÒDULO: 02 Proceso enseñanza, aprenizaje evaluación 16-12-14 a 10-02-15 FECHA: CONTENIDOS: 16-12-2014 -Transición al romanticismo -Ludwing Van Beethoven 06-01-2015 -Periodo del romanticismo -Franz Liszt 13-01-2015 -El nacionalismo -NikoláiRimskiKórsakov 20-01-2015 -El impresionismo -Igor Stravinski de y 27-01-2015 -Música dodecafónica -La dodecafonía 03-02-2015 - SchönbergToneRows 10-02-2015 Refuerzos RESPONSABLES: -Juan Pablo Ayol EVALUACIÓN Preperaciòn para los recitales. Apreciación Musical II 25 GOBIERNO A. D. MUNICIPAL DEL CANTÓN MEJÍA DIRECCION DE DESARROLLO SOCIAL CENTRO MUNICIPAL DE CAPACITACION MUSICAL “VICTOR MANUEL VALENCIA NIETO” RECURSOS: PizarronTextos. ,Marcadores,Instrumentos Musicales,Aula,Sillas,Carteles, materiales de escritorio. METODOLOGÌA: Deductivo,Constructivista,Mayeutica, EVALUACIÒN: Tareas , leciones orales y escritas equivalen al 20%, consultas y exposiciones equivales al 20% ,Trabajos grupales 20% y el examen 20% para la nota final de cada parcial. OBSERVACIONES: No se admitira atrazos mas de 5 minutos con la finalidad de aplicar el proceso de enseñanza aprendizaje con exelencia. Juan Pablo Ayol Lic.Christian Gualotuña Instructor Director Acadèmico Juan Pablo Ayol Director del Centro Víctor Valencia Para mayor información: Centro Municipal Víctor Valencia 2314654 Apreciación Musical II 26
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