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Cuadernillo recuperación de 2º de E.S.O.:
2ª Evaluación
(alumnos de 3º con la asignatura 2º de ESO pendiente)
1. ¿Qué tengo que hacer para recuperar la asignatura de
MÚSICA de 2º ESO? Realizar este trabajo trimestral siguiendo las
indicaciones detalladas que se facilitan en el material que está disponible en la
web.
2. ¿Cuándo tienes que entregar el trabajo de pendientes?
• Segundo Trimestre………………... Viernes, 2o de Febrero.
3. ¿A quién debes entregar el trabajo?
• A la profesora de Música Gloria García.
4. ¿Cómo realizar los trabajos trimestrales?
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Realizar una portada en la que aparezca: nombre, asignatura a recuperar,
curso, trimestre … y algún dibujo o foto relacionado con la materia.
Puede realizarse el trabajo en folios o en un cuaderno.En ambos casos han
de utilizarse las dos caras de las hojas.
El material va a estar compuesto por una parte teórica, que debe leerse
detenidamente y de donde se obtendrán las respuestas de todas las
preguntas formuladas después.
Tras la teoría encontrarás un cuestionario con una serie de preguntas que
se corresponden secuencialmente con el texto. Debes copiar los
enunciados y realizar todas las actividades propuestas. Si tienes alguna
duda, preguntar a Gloria.
Incluir un apartado de conclusión. En él debes hacer un comentario
personal sobre los contenidos trabajados y las actividades. Hacer una
referencia a las dificultades encontradas.
5. Criterios de evaluación:
1. Presentar el trabajo puntualmente.
2. Cuidar la presentación y la expresión escrita. Se presentará a mano.
3. Realizar todas las actividades propuestas y realizarlas correctamente,
copiando los enunciados.
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 1 2ª Evaluación: “Historia de la música”
Parte teórica:
1.- La música en la Edad Media. (del s. V al s. XV)
Tras la caída del Imperio Romano, Europa quedó dividida en pequeños estados
independientes y se abrió una nueva etapa histórica llamada Edad Media. El Cristianismo que
apareció en tiempos del imperio romano se convertirá a partir del siglo IV en la única religión
permitida difundiéndose rápidamente por todo el territorio, surgiendo multitud de liturgias
independientes.
Para unificar y organizar la iglesia cristiana se creará la institución papal, la unificación
será labor de varios siglos que culminaría con el papa Gregorio. A fines del siglo VI, el Papa
Gregorio, preocupado por la unidad religiosa, inició una reforma tendente a conseguir una
liturgia común para toda la iglesia. Mandó recopilar los cantos existentes para seleccionar los
más adecuados y crear algunos nuevos, poco a poco se fue creando el núcleo de lo que se
llamará Canto Gregoriano.
1.1.- Primera etapa, siglos VI-XI: El Canto Gregoriano.
El Canto Gregoriano es una música seria, equilibrada, cuya finalidad es crear un
ambiente de espiritualidad, de paz y serenidad; al mismo tiempo también tiene una misión
pedagógica puesto que los textos que se cantan son textos religiosos muchos extraídos del
evangelio.
Por lo tanto El Canto Gregoriano tiene una finalidad exclusivamente religiosa, fruto de
una sociedad convencida de que el ser humano vive para Dios y para la eternidad, y al mismo
tiempo, hijo de una época en la que la iglesia tenía un enorme poder religioso y espiritual.
a) Características del canto Gregoriano:
- Es el canto oficial de la iglesia, y se canta en latín.
- Canto vocal, sin acompañamiento instrumental.
- Canto monofónico: una única melodía y todos cantan esa misma melodía.
- El ritmo es libre depende del texto.
- Ámbito melódico reducido, es decir usa pocas notas, normalmente próximas en la escala.
b) Tipos de Canto Gregoriano.
- Según el n. º de notas por sílaba se distinguen varios tipos:
o Silábico si a cada nota de la melodía le corresponde una sílaba del texto.
o Neumático si un grupo pequeño de notas le corresponde una sola sílaba.
o Melismático, si hay un extenso grupo de notas para una sola sílaba.
- Según el modo de cantar se distingue: Directo si hay un solista o un coro. Antifonal si hay dos
coros que alternan el canto. Responsorial si se alternan un solista y un coro.
1.2.- Segunda etapa, siglos XI-XV: Música profana; Polifonía.
a) Trovadores y juglares.
A partir del siglo XI, Europa conoce un periodo de progreso: demográfico, técnico,
agrícola, económico, comercial, etc. La clase dirigente, la nobleza y los disponen de un tiempo
de ocio y de relativa estabilidad. Surgirá en esta esfera una canción profana que se diferencia
de lo que se hace en ese momento en la música religiosa. Surge el fenómeno trovadoresco.
Los trovadores fueron poetas-músicos mayormente de origen noble, que surgieron en
primer lugar en el sur de Francia difundiéndose por toda Europa.
Los juglares eran personas humildes que iban por los pueblos y se ganaban el sustento por
medio de la música, el teatro y la danza. No eran poetas ni compositores, cantaban la música
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 2 de los trovadores. A partir del siglo XII, mejoró su situación, se agruparon en gremios,
llamándose ministriles.
Características de la música de los trovadores:
- Es una música monofónica, instrumentos y voces realizan la misma melodía (en la música
religiosa comienza la polifonía).
- El ritmo es marcado, a menudo por la percusión.
- Es un canto vocal-instrumental. Los instrumentos que utilizan principalmente son arpas,
salterios, laúdes, guitarras, instrumentos de cuerda frotada, flautas, gaitas, instrumentos de
lengüetas, organillos, tambores, panderos, etc.
- Se canta en las lenguas romances.
- Las melodías son sencillas, normalmente silábicas, estructuradas en estrofas y estribillos.
- La mayoría de los textos son de temática amorosa, cantan las alegrías y penas del amor,
también hay canciones de gesta que relatan las hazañas de los caballeros, políticas, canciones
de danza, etc.
b) Polifonía.
La polifonía, es decir, el canto formado por varias melodías o voces que suenan
simultáneamente, surgió en el seno de la iglesia par dar mayor solemnidad al canto religioso. El
nacimiento se produjo de forma gradual, los primeros intentos de polifonía consistieron en
añadir al Canto Gregoriano melodías que transcurrían de forma paralela, un paso adelante fue
añadir melodías por movimiento contrario, es decir si el Canto Gregoriano se hacía más agudo
la nueva melodía se hacia más grave y viceversa.
Durante los siglos XII-XIV la tendencia fue crear composiciones en las que las
melodías se mueven con mayor libertad, hasta crear obras originales sin utilizar el Canto
Gregoriano como base.
La polifonía tuvo como consecuencia el desarrollo de instrumentos polifónicos, un
avance en el conocimiento del lenguaje musical, se perfeccionó la escritura musical
(pentagrama, aparición de las figuras para la duración de los sonidos, etc.) y de la música
misma.
La polifonía que surgió dentro de la música religiosa acabará influyendo en la música
profana dando lugar al nacimiento de la canción polifónica
2. La música en el Renacimiento (1450-1600).
Desde mediados del siglo XV hasta fines del XVI, se produce en Europa,
especialmente en Italia, una renovación artística, literaria, científica, cultural, etc. La corriente
de pensamiento en torno a la que gira el Renacimiento se conoce con el nombre de
Humanismo. El ser humano vuelve a mirarse a sí mismo y a la naturaleza que le rodea, a ser el
centro, la medida de todas las cosas. Se pasa progresivamente de una sociedad teocéntrica,
centrada exclusivamente en la religión, a otra secular, centrada en el hombre, en la que se
intenta explicar el mundo y la naturaleza, no por medio de la fe, sino por la razón y la ciencia.
El referente, el modelo a seguir, es la cultura clásica griega y romana. Se busca la
belleza, la armonía, la claridad en el arte, que empieza a valorarse por sí mismo.
En esta época tuvo lugar un gran avance de las ciencias experimentales: progresos en
medicina, se inventan la brújula, la imprenta ( de importantes consecuencias para la cultura en
general y para la música en particular), nuevas concepciones en astronomía, se realizan
descubrimientos muy importantes como el de América en 1492.
Se producen cambios políticos y sociales: se afianza el concepto de monarquía, además de la
nobleza, aparece una nueva clase social la burguesía,( comerciantes, banqueros,..).
En cuanto al ámbito religioso surge la reforma protestante con importantes consecuencias para
la música.
La iglesia será el principal mecenas y fuente de inspiración y de ingresos para los
artistas, aunque progresivamente hay un apoyo cada vez mayor de la nobleza y de la
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 3 burguesía.
2.1- Características de la música renacentista.
Una de las características más importantes es el uso de la polifonía, ya sea en
música vocal, instrumental, religiosa o profana, la polifonía será la textura de todas las obras
renacentistas. La polifonía es una técnica de composición que surgió en la Edad Media y
consiste en varias voces o melodías que suenan simultáneamente, todas con la misma
importancia (se busca el equilibrio y la armonía entre las voces).
El número de las voces será variable pero el modelo a seguir, considerado como el
más perfecto, será una polifonía a cuatro voces o melodías: Soprano, contralto, tenor, bajo.
La técnica polifónica va desde la más simple en la que las voces van al mismo
ritmo, pronunciando las mismas palabras, hasta las más complejas en las que las voces
tienen distinto ritmo, cantan diferentes palabras al mismo tiempo, y usan la imitación, entrando
una detrás de otra imitando lo que ha hecho la anterior.
La polifonía afectó a los instrumentos siendo los más importantes aquellos que
son polifónicos: órgano, clave, laúd, vihuela, arpa, etc. Además los melódicos empiezan a
construirse por familias para abarcar un mismo timbre todas las voces así la familia de la flauta
(soprano, contralto, tenor, bajo,), la familia de la viola, la del violín, etc.
El ritmo depende del tipo de música a veces es libre porque depende del texto
(motete, madrigal, etc.), otras medido como el villancico la música de danza, etc.
En el renacimiento predomina la música religiosa sobre la profana, aunque a partir del
XVI, la música profana irá adquiriendo mayor importancia, y la música vocal sobre la
instrumental.
2.2.- Formas musicales renacentistas.
2.2.1.- Formas vocales.
a) Religiosa:
Motete: Es la principal forma religiosa de la música católica, se trata de una obra
polifónica, a cuatro o cinco voces, con texto religioso en latín, sin instrumentos, de ritmo libre
porque intenta expresar el sentir del texto, normalmente usa la imitación entre las voces. Cada
frase del texto se canta con una melodía que aparece sucesivamente en todas las voces. (Se
prohibía cantar a las mujeres en la iglesia por lo que las voces agudas las cantaban niños,
falsetistas, o castratis).
Misa: La misa es una forma musical compleja, resultado de la unión de todas las
piezas integrantes de la liturgia, que puedes estar compuestas como el motete, o siguiendo
otras técnicas de variación o imitación.
Coral: Es la principal forma religiosa de la iglesia protestante. Es una composición
sencilla a cuatro voces, con texto en alemán y de textura homofónica, es decir, las voces van al
mismo ritmo cantando las mismas palabras a la vez. Esto facilitaba la participación de los fieles
en el canto a diferencia de la música católica mucho más compleja.
b) Profanas:
Madrigal: Será la forma vocal más importante del Renacimiento, de origen italiano, es
una forma polifónica compleja a cuatro o cinco voces, normalmente sin instrumentos, de ritmo
libre porque pretende describir los sentimientos del texto, en su mayor parte de carácter
amoroso y de grandes poetas italianos. Usa la imitación entre las voces, e intevienen tanto
voces femeninas como masculinas. Será una música no popular sino de ambiente cortesano.
Chanson: Canción polifónica de origen francés, a varias voces con
acompañamiento instrumental, deriva de la canción trovadoresca. Suele tener una estructura
de estrofas y estribillo. Forma menos compleja que el madrigal, usando poco la imitación entre
las voces.
Villancico: Es la forma más representativa de la música española. Canción
polifónica normalmente a cuatro voces, de textura polifónica sencilla, en la que las voces van al
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 4 mismo ritmo, cantando el mismo texto, suele llevar acompañamiento instrumental. Está
estructurado en estrofas y estribillos.
2.2.2.- Formas instrumentales.
Aunque el Renacimiento fue una época principalmente de polifonía vocal, el mismo
periodo fue testigo de un interés cada vez mayor por la música instrumental. Un signo de la
preocupación creciente por la música instrumental fue la publicación de libros que describían
los instrumentos o impartían instrucciones para su ejecución.
No obstante durante el Renacimiento gran parte de la música instrumental estaba
ligada a la música vocal. Los instrumentos podían utilizarse para doblar una voz o sustituirla en
composiciones polifónicas tanto sacras como profanas; servían también para acompañar el
canto, en donde las voces o melodías más graves se sustituían por instrumentos, y así
madrigales, villancicos o canciones de todo tipo se transformaban en solos vocales con
acompañamiento instrumental. También comienzan a surgir composiciones instrumentales,
sobre todo a partir del siglo XVI, con un carácter independiente de la música vocal.
La música instrumental podía ser ejecutada por un conjunto instrumental, o bien por un
instrumento solista como el laúd, vihuela, órgano o clave.
Las principales formas instrumentales del Renacimiento son las siguientes:
Música de danza: La danza estaba ampliamente difundida y gozaba de una gran
estima en el Renacimiento, muchas son arreglos de melodías para uso popular, pero la gran
mayoría fueron escritas para ocasiones sociales celebradas en los hogares de la burguesía o
en las cortes aristocráticas. Así podemos decir que parte considerable de la música
instrumental del Renacimiento consistía en piezas de danza bien para laúd, instrumentos de
teclado o conjuntos instrumentales.
Estas piezas tenían ritmos marcados y regulares, se dividían en partes diferenciadas y
utilizaban una técnica polifónica sencilla.
Normalmente las danzas se agrupaban por parejas, de ritmos contrastantes unas
binarias otras ternarias, unas lentas otras rápidas.
Transcripciones de música vocal: Otra de las principales forma instrumentales del
renacimiento será la adaptación de piezas vocales a la ejecución instrumental. Al sustituir las
voces humanas por instrumentos, surgieron formas instrumentales como los ricercari o
canzonas que no son más que las formas instrumentales del motete o de la canción polifónica
profana adaptada a los instrumentos. Estas formas se diferenciaban de los modelos vocales
por la mayor libertad de las voces o melodías, y por la utilización de adornos típicamente
instrumentales.
Estas formas instrumentales se escribían para instrumentos de teclado: órgano,
clave, etc., para cuerda: laúd, vihuela, arpa; o para conjuntos instrumentales.
Variaciones: Son formas de composición que parten de una melodía sencilla, que se
va repitiendo variándose el ritmo, las armonías, el timbre, etc. Pero de tal manera, que se
reconoce siempre el tema inicial. La mayor parte de las variaciones se realizaban sobre
melodías de danzas, o sobre canciones conocidas. Probablemente esta forma de composición
tuvo su origen en España con los compositores para vihuela y teclado, conel nombre de
diferencias.
Piezas improvisadas: Son piezas en las que no hay un ritmo, melodía o estructura
fija, y en la que la improvisación juega un papel importante. Se escribían para instrumentos
solistas, (sobre todo de teclado o de cuerda). Reciben diferentes nombres (fantasías, preludios,
etc.)
3.- La música en el Barroco. (1600-1750)
El siglo XVII fue un periodo de crisis que afectó a toda Europa: crisis económica,
política, religiosa, social, agravada por periodos de hambruna, epidemias, etc., que se mitigó a
partir de la segunda mitad del XVII. Este periodo de crisis provocó la necesidad de una fuerte
autoridad tanto civil como religiosa. Se estabilizaron las monarquías europeas, el rey será la
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 5 cabeza visible de una sociedad altamente jerarquizada, surgirán las monarquías absolutas
rodeadas de gran pompa y lujo. El poder se centrará en el rey, en la nobleza y en la iglesia.
El Barroco fue una época de florecimiento de las artes y las ciencias europeas,
podemos citar en el campo de la literatura a Lope de Vega, Cervantes, Moliere, etc., en la
pintura a Velázquez, Rubens, Rembrandt, etc., en las ciencias a Galileo Galilei, Newton, etc.
Las artes se convertirán en vehículo de propaganda capaz de persuadir y con mover,
en un medio de expresión del poder. El lujo externo se entendía como una manifestación de la
autoridad. La música y los espectáculos serán uno de los medios principales para la
representación y propaganda del poder monárquico y religioso.
A lo largo del siglo XVII se crearon los primeros teatros y conciertos públicos de
pago, algo que ocurría por primera vez en la historia, y que se consolidó en el XVIII.
Hasta entonces para escuchar música había que acudir a una iglesia, o ser invitado por
algún noble o rico comerciante en su vivienda privada. Con el surgimiento de una gran cantidad
de aficionados deseosos de escuchar música, (la mayoría procedente de la burguesía), surgió
la necesidad de lugares a los que se accedía pagando una entrada: teatros y salas de
concierto.
3.1.- Características de la música barroca.
La principal característica de la música barroca es la expresión de los sentimientos. Un
rasgo común a todos los compositores barrocos fue la necesidad de expresar y representar
ideas y sentimientos con la mayor realidad posible por medio de la música. Para conseguirlo
surgirán tres grandes medios:
a) El contraste.
b) La melodía acompañada y el bajo continuo.
c) El estilo concertato.
a) El contraste.
Utilizan como medio de expresión el contraste de tempo o velocidad, el contraste de
intensidad y el tímbrico.
Contrastan partes rápidas con partes lentas dentro de una misma obra, y para indicar
los diferentes tempos o velocidades surgirán diferentes términos como Grave o largo para
partes muy lentas, Adagio o Andante para partes lentas, Allegro para las rápidas y Presto o
Vivace para las muy rápidas.
Contrastan también partes fuertes con partes suaves, utilizando para ello un mayor o
menor número de instrumentos.
Contrastan los timbres, partes de cuerda contra el viento, o partes vocales con
instrumentales, etc. Que dará origen al estilo concertato.
b) Melodía acompañada y bajo continuo.
Ya desde fines del siglo XVI, se consideraba la expresión de los sentimientos como el
principal objetivo de la música y de la poesía. Ello implicaba una búsqueda de nuevos medios
de composición que pudiera dar a la música mayor poder expresivo: surge la melodía
acompañada basada en la supremacía de una voz o melodía sobre las demás. En el
Renacimiento la música polifónica suponía varias melodías que sonaban al mismo tiempo,
todas con la misma importancia, al comienzo del Barroco se consideraba que con la polifonía
no se podría expresar con claridad las emociones y los sentimientos de un texto, sin embargo
una única melodía principal que llevara el protagonismo de la obra si podría conseguir la
expresión de emociones y sentimientos.
La melodía principal está acompañada por el bajo continuo. El bajo continuo es un
método de acompañamiento propio de la música barroca, se llama así a la melodía del bajo
que se toca durante toda la pieza. La interpretación está a cargo de un instrumento grave ( el
violonchelo, el fagot, etc.), y un instrumento polifónico (laúd, guitarra, clave, órgano, etc.) que
improvisa los acordes de acompañamiento.
El bajo continuo se empleaba para acompañar una o varias melodías principales, y a
veces eran varios instrumentos los que realizaban el bajo, y varios polifónicos, para dar mayor
realce o intensidad.
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 6 c) Estilo concertato.
El estilo concertato se basa en el contraste entre una voz o instrumento y otro, o de un grupo
contra otro, o de un grupo contra un solista. Este principio de oposición o contraste entre
masas sonoras diferentes posibilitó la aparición de las grandes formas barrocas como el
concierto.
Otras características de la música barroca:
- La melodía: la melodía barroca son frecuentemente largas y fluidas, se busca el virtuosismo,
el lucimiento, es decir son melodías muy ornamentadas.
- El ritmo: Aparece un ritmo muy marcado, con una pulsación regular. Un ritmo
mecánico con patrones rítmicos repetitivos. Al mismo tiempo también se utiliza un ritmo libre
para la declamación del texto (en los recitativos).
Se generaliza la escritura en compases que será común a partir de 1650.
- La melodía acompañada como principal recurso de composición, pero la polifonía no dejó de
utilizarse tanto la más simple (homofónica) como la más compleja (imitativa o contrapuntística),
aunque con el bajo continuo.
- Surge la orquesta como un grupo de instrumentos organizados por secciones o familias, en la
que la sección de la cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo) se convertirá en la base
misma de la orquesta, en torno a ella se añadirán: flautas, oboes, fagot, ocasionalmente
trompetas, trombones y timbales. Además de la presencia del clave para la realización del
continuo.
- El policoralismo: el uso de múltiples voces y coros dentro de la misma obra sobre todo en la
música religiosa.
- Gran desarrollo de la música instrumental que se iguala en importancia a la música vocal. El
gran impulso dado a la música instrumental fue debido sobre todo al gran desarrollo técnico de
los instrumentos, sobre todo del violín que se convierte en protagonista de la orquesta por su
agilidad, su volumen y posibilidades técnicas.
Otros instrumentos también mejoraron como las flautas, el oboe, el clave que será uno de los
instrumentos más populares, utilizado como solista, además era uno de los instrumentos
fundamentales en la interpretación del bajo continuo. Otro de los instrumentos que alcanzaron
un gran desarrollo fue el órgano, instrumento fundamental en la música religiosa, tanto como
solista como para el bajo continuo.
3.2- Formas musicales barrocas.
3.2.1.- Formas vocales:
a) Profanas:
Ópera: La ópera es un drama musical en el que a diferencia del teatro, la música
participa de forma esencial en el desarrollo argumental y en la descripción de estados anímicos
y sentimientos. Es una de las formas más importantes del barroco, en la que se verán
reflejadas las principales características de la música de este periodo y que influirá tanto en la
música instrumental como en la vocal ya sea profana o religiosa.
Podemos definir a la ópera como una forma vocal-instrumental en la que hay partes
solísticas (recitativos, arias, etc.), coros, y acompañamiento orquestal. La ópera está dividida
en actos 3-5, estos se dividen en escenas y cada escena tiene su forma musical, (arias,
recitativos, coros, etc.). Las formas más importantes son los recitativos y las arias.
- Recitativo: es una forma vocal-instrumental que sirve para que la acción transcurra
rápidamente. Se podría definir como una mezcla entre canto y habla y se distinguen
dos tipos: el recitativo seco acompañado por acordes del clave con ritmo libre, y el
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 7 recitativo acompañado por la orquesta con ritmo medido.
- Aria: es una forma vocal-instrumental para uno o dos solistas, que tiene dos funciones
básicas, por un lado la expresión de los sentimientos más íntimos de los personajes
principales, por otro mostrar la capacidad vocal del cantante. Es la parte más melódica
y lírica de la ópera, y con ella la acción dramática se detiene, es decir no hay acción
durante la interpretación del aria.
- Coro: pieza polifónica interpretada por un grupo de cantantes.
La ópera comienza con una pieza orquestal llamada obertura que inicia el espectáculo,
luego se suceden las principales formas musicales en su mayoría recitativos y arias, la
ópera suele acabar con la intervención de todos los cantantes tanto los coros como los
solistas acompañados de la orquesta.
b) Formas religiosas:
Oratorio: Es una composición vocal- instrumental en la que hay solos (arias y
recitativos), coros y orquesta. El Oratorio cuenta una historia basada en textos bíblicos o
religiosos pero sin escenografía ni acción, por ello necesita la presencia de un narrador que por
medio de recitativos narra la historia y conforme nombra a los personajes de la misma éstos
intervienen cantando solos, en forma de arias o recitativos, o cantando en grupo para los coros.
Se distingue de la ópera por los siguientes aspectos:
- Se basa en un tema religioso.
- La presencia de narrador.
- El mayor uso de los coros con fines narrativos y meditativos.
- Por el hecho de que no estaba destinado a la representación.
Pasión: Es una composición vocal- instrumental en la que hay solos, coros y orquesta.
Está basada en los relatos del evangelio acerca de la pasión y muerte de cristo. Al igual que el
oratorio emplea recitativos, arias, coros y piezas instrumentales. En la Pasión el narrador es un
personaje concreto, el evangelista.
Será una de las principales formas de la música protestante.
Cantata: La cantata tiene un origen profano, pero será inmediatamente aceptada por la
iglesia. Es una forma musical en la que se incluyen solos, coros y orquesta. No cuenta ninguna
historia a diferencia del Oratorio o la Pasión. Es una forma más breve y se solía interpretar
detrás de las lecturas religiosas durante la Misa.
3.2.2.- Formas instrumentales.
Fuga: Es una composición polifónica que tiene su origen en el ricercari, que era la
adaptación a instrumentos del motete durante el Renacimiento. Normalmente es una obra para
instrumentos de tecla, (aunque puede ser para cualquier otro instrumento polifónico o para
conjuntos tanto instrumentales como vocales).
La fuga se desarrolla en un solo movimiento. En esencia se basa en la técnica de la imitación.
La fuga es una obra para varias voces (3-4), con una estructura compleja que básicamente
consiste en la reaparición constante de un tema o melodía principal, llamado sujeto ,
acompañado de otros temas secundarios.
El sujeto o tema principal se presenta por primera vez en una sola voz, luego va siendo
interpretado por las demás voces, una por una a manera de imitación. A lo largo de la fuga el
tema reaparece constantemente, junto con los tema secundarios, al final de la fuga las voces
terminan juntas en un final común.
Suite: La base de la suite instrumental barroca está en la música de danzas del
Renacimiento que se agrupaban normalmente en pares (rápidas, lentas).
La suite está formada por una sucesión de danzas de ritmos contrastados, que han perdido su
carácter bailable. El número y tipo de danzas es variable aunque hay algunas que aparecen
con más frecuencia.
La suite puede ser para un instrumento solista, para un conjunto reducido de
instrumentos o para la orquesta.
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 8 Sonata: Es una composición instrumental para un grupo reducido de instrumentos con
bajo continuo y que consta de varios movimientos contrastantes, frecuentemente cuatro
movimientos (lento-rápido-lento-rápido).
La sonata puede ser compuesta para un instrumento solista normalmente el clave, si es para
otro instrumento que actúe como solista (flauta, oboe, violín), aparece acompañado por el bajo
continuo, y para dos instrumentos agudos y el bajo continuo que sería la agrupación más
frecuente.
Concierto: El concierto es una forma instrumental que apareció durante las dos
últimas décadas del siglo XVII, y que se convirtió en una de las formas instrumentales más
importantes del Barroco.
El concierto es una forma instrumental en la que se resumen todas las características
de la música barroca: el contrate de movimientos rápidos y lentos, la oposición de timbres e
intensidades, el estilo concertato en la confrontación del conjunto de instrumentos de la
orquesta con el solista o los solistas.
El concierto es una forma para un instrumento solista o varios instrumentos solistas y la
orquesta, el solista es el protagonista de la obra y tiene que mostrar tanto la capacidad técnica
del instrumento como su capacidad expresiva.
Está estructurado en tres movimientos: rápido-lento-rápido. En el primer movimiento
así como en el tercero, es la orquesta quien comienza con su tema, dejando paso
posteriormente al solista o los solistas, a partir de ahí se inicia un diálogo entre ambos:
orquesta-solista. En el segundo es el solista o los solistas los protagonistas del movimiento,
aunque también pueda ser estructurado como el primero y el tercero.
4.- La música en el Clasicismo. (1750-1810)
El siglo XVIII es el siglo de la Ilustración, un movimiento cultural que creía en el papel
decisivo de la razón para la consecución de una sociedad más justa. Proponía como ideales la
educación, la libertad de expresión, la libertad política, la tolerancia religiosa y la fe en el
progreso científico.
Esta forma de pensamiento fue aceptada como propia por una clase social, la
burguesía y se convirtió en el factor ideológico que más contribuyó al estallido de la Revolución
Francesa (1789), que terminaría con el Antiguo Régimen abriendo el camino al mundo
moderno.
Se produce en lo artístico una vuelta a los ideales de la Antigüedad Clásica: equilibrio,
armonía, proporción, belleza, claridad.
La ascensión de la burguesía a amplios sectores de poder económico y político tuvo
importantes consecuencias para la música, destinada a esta nueva clase social, se desarrolló
una música que buscaba ante todo la perfección formal, la claridad.
Los músicos que se liberaron lentamente de sus aristocráticos patrones, encontraron en la
burguesía un nuevo público dispuesto a pagar por escuchar sus obras. Teatros y orquestas
públicas proliferaron por toda Europa, y la música dejó de ser el privilegio de unos pocos.
Se asistió a los primeros pasos de la popularización del arte en general y de la música en
particular: aumentó la impresión de música destinada a aficionados, se escribieron las primeras
historias de la música, las primeras biografías de músicos, comienza el periodismo musical con
las críticas de los conciertos, etc.
Se buscará una música universal y objetiva que no estuviera limitada por las fronteras
nacionales, una música noble y entretenida, que fuera expresiva pero dentro de unos límites,
contenida, natural, despojada de complicaciones técnicas, una música que pudiera gustar de
inmediato a cualquier oyente sensible, una música vitalista y alegre.
La música que mas se acerca a estos ideales se escribió entre 1750 –1810 y sus maestros
fueron Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y Las primeras
obras de Ludwig van Beethoven (1770-1827).
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 9 4.1.- Características de la Música Clásica.
- Melodía: En lugar de la técnica del desarrollo continuo del Barroco, con melodías de
estructura irregulares, largas y muy ornamentadas, la melodía clásica se articula en frases bien
diferenciadas, con una estructura clara, son cortas, regulares y simétricas, es decir divididas en
partes con igual número de compases. Son melodías sencillas, fáciles de apreciar y recordar,
con una estructura muy clara y con escasos ornamentos.
-Ritmo: Frente al esquema rítmico repetitivo del Barroco, el ritmo clásico es regular, sencillo,
más natural y variado porque depende de las melodías. Con silencios intercalados como
descansos contrastantes entre las diferentes melodías.
-Desaparece el Bajo Continuo. Los instrumentos de viento se convierten en el cimiento sonoro.
La melodía destaca sobre un acompañamiento armónico realizado por los instrumentos (sobre
todo los de viento), en lugar del bajo continuo
- Aumentan los contrastes: de melodías, de ritmos, de intensidades y de timbres. La intensidad
no depende como en el Barroco del número de instrumentos, se utilizan los contrastes
expresivos a base de fuerte y piano pero también surgen los cambios graduales de intensidad.
Hay mayor atención a los contrastes tímbricos, al sonido de cada instrumento y su
individualidad dentro de la orquesta.
- Aparecen nuevos instrumentos, el clarinete, y el piano. Desaparece progresivamente el clave.
- Se desarrolla la orquesta sinfónica como una gran agrupación de instrumentos compuesta por
las cuatro secciones instrumentales: la sección de cuerda, que aumenta en número en relación
al Barroco, la sección de viento-madera con dos flautas, dos oboes, dos clarinetes y dos fagot,
la sección de viento-metal con dos trompas y dos trompetas y la de percusión con dos timbales
y otros instrumentos.
La orquesta se convertirá en uno de los medios de expresión más utilizados.
- Gran desarrollo de la música instrumental, que predomina sobre la vocal. Mayor importancia
de la música profana frente a la religiosa.
4.2.- Formas musicales
4.2.1. Formas instrumentales.
Sonata clásica: La sonata clásica se convertirá en una de las formas más importantes
porque su estructura servirá de modelo para las demás formas instrumentales.
La sonata es una obra para pocos instrumentos uno o dos instrumentos, normalmente el piano
acompañado por el violín u otro instrumento. Se desarrolla normalmente en cuatro movimientos
contrastantes en velocidad y carácter: Allegro, Adagio, Minuet, y Presto.
La manera estructurar u organizar el primer movimiento será la más utilizada por los
compositores del Clasicismo, y se conoce con el nombre de “forma sonata”. El primer
movimiento se estructura en tres partes denominadas: exposición, desarrollo y reexposición.
- Exposición: El compositor presenta el material melódico sobre el que se basa
todo el movimiento. Normalmente son dos temas o dos grupos de temas que suelen
ser fácilmente comprensibles y recordables. El primer tema está en la tonalidad
principal de la obra suele ser más rítmico y enérgico, y el segundo está en otra
tonalidad y es más cantable y melódico, entre ambos suele haber un enlace llamado
puente. La exposición suele repetirse para que quede claro en el oyente el material del
que parte el compositor.
- Desarrollo: Es la parte más libre y creativa en la que el compositor maneja todo el
material expuesto elaborando todas las posibilidades musicales que ofrece.
- Reexposición: El compositor vuelve a exponer el material de la exposición,
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 10 presentándolo de modo ligeramente diferente. Finalmente se cierra el movimiento con
un breve fragmento conclusivo (coda).
El primer movimiento (y, ocasionalmente el segundo o el cuarto) de la mayor parte de la música
de cámara, sinfonías, conciertos, etc. se basan en esta forma.
Sinfonía: La sinfonía será una de las formas más importantes de la música clásica,
tuvo su origen en la obertura de la ópera a la que se aplicó la estructura de la sonata. La
sinfonía es una forma instrumental para la orquesta sinfónica, organizada en cuatro
movimientos, Allegro, Adagio, Minuet y presto, los mismos que la sonata y que presentan la
misma estructura.
En la sinfonía no hay un instrumento protagonista como en el concierto sino que se
juega con todas las posibilidades expresivas de los instrumentos: los instrumentos de cuerda
tienen una posición de preeminencia y los de viento asumen un papel de acompañamiento
mostrando a su vez todas sus posibilidades melódicas y tímbricas.
Serenata: forma instrumental normalmente para ser tocada al aire libre, con un
carácter festivo y de entretenimiento por lo tanto más ligera que la sinfonía. Puede estar
compuesta para la orquesta sinfónica, para una orquesta sólo de cuerda, para instrumentos de
viento, o cualquier otra combinación. Puede tener los mismos movimientos de la sonata con su
misma estructura (sobre todo las de Mozart), aunque también puede tener más de cuatro
movimientos en el que se incluyen danzas diferentes.
Concierto clásico: Forma instrumental para la orquesta sinfónica y un instrumento
solista (normalmente el piano o el violín, y con menos frecuencia otro instrumento).
Tiene tres movimientos Allegro Adagio y Presto con la misma estructura de la sonata. A
diferencia del concierto barroco, la orquesta tiene un papel más importante.
Música de cámara: Se conoce como música de cámara a las formas instrumentales
para un número reducido de instrumentos, y se caracteriza en que cada uno de sus
componentes realiza una parte solística de alto nivel virtuosístico pero sin perder el discurso
general del grupo.
Según el número de instrumentos así se llaman: Dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto,
septimino, octeto, noneto y orquesta de cámara.
Serán el cuarteto de cuerda la agrupación más importante y la más utilizada por los
compositores por la homogeneidad de timbre y las posibilidades técnicas y expresivas.
Presentan los mismos cuatro movimientos que la sonata.
4.2.2. Formas vocales.
Ópera clásica: Durante el Clasicismo la ópera adquirió características que la hicieron
más cercana y asequible a los intereses del público: se buscó una mayor sencillez al reducir el
número de actos y personajes, se restringieron los adornos vocales que abundaban en la ópera
barroca, el recitativo seco será sustituido por el acompañado por la orquesta, la orquesta
tendrá un papel más importante, los coros tendrán una función más dramática, aparecen
nuevas formas vocales no sólo arias y recitativos como diversos conjuntos vocales (dúos ,tríos
etc,) canciones etc.
Los castrati serán sustituidos por voces naturales masculinas y femeninas.
Frente a la ópera seria basada en temas históricos y mitológicos cobrará una creciente
importancia la ópera cómica, con un argumento más sencillo en donde los personajes se
comportaban de una manera real y creíble con argumentos sacados de la vida cotidiana.
Música religiosa. Aunque en la música del Clasicismo hay un predominio de la música
instrumental y profana sobre la vocal y religiosa, podemos decir que la música religiosa clásica
adoptará las características que en esta época se van a producir.
El Oratorio y la Pasión, creaciones típicas del barroco, decayeron notablemente pero la misa
conoció una nueva etapa al asimilar gran parte de las técnicas operísticas y sinfónicas de este
periodo.
La tendencia laica del siglo XVIII tuvo por efecto adecuar la música sacra al estilo de la
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 11 música profana, las mayorías de las Misas de Haydn y Mozart están escritas dentro del
lenguaje sinfónico-operístico de esta etapa, mezclado con el polifónico y todo ello compuesto
para coro, solistas que se alternan libremente con acompañamiento de la orquesta sinfónica.
5.- La música en el Romanticismo. (1810-1900)
El término Romanticismo se utiliza para referirse a la historia, el pensamiento y el arte
del siglo XIX. El siglo XIX es la época de la Revolución Industrial, aparecen nuevas fuentes de
energía (vapor, petróleo, electricidad), se desarrolla la industria (textil, metalúrgica, química,
etc), aparecen nuevos medios de trasporte y de comunicación, así como se producen también
grandes avances en el campo científico (se descubre la radiactividad, se inventan las vacunas,
se desarrolla la teoría de la evolución de las especies, etc.)
Desde el punto de vista socio-político, el siglo XIX supone la aparición del concepto de
nación y el nacionalismo como modelo político, la consolidación de la burguesía, el surgimiento
de una nueva clase social, el proletariado, así como nuevas corrientes ideológicas que intentan
luchar contra la miseria y las desigualdades sociales (corrientes socialistas, sindicatos, etc.)
El Romanticismo desde el punto de vista artístico, nació en Alemania como movimiento
literario, influyendo a todas las artes, y extendiéndose posteriormente por el resto de los países
europeos. Este movimiento se caracterizó por la revalorización de los sentimientos, buscando
la expresión libre de los sentimientos individuales y subjetivos.
A diferencia del Clasicismo que buscaba una belleza basada en el orden, el equilibrio, y
la perfección, el artista romántico prestará atención a los aspectos más profundos del ser
humano: las emociones, los sentimientos, la pasión, la fantasía y el amor por la libertad. Se
inspirarán en la naturaleza, la literatura, la pintura, los personajes y acontecimientos históricos,
lo lejano, lo mágico y lo irreal.
El mito musical romántico durante todo el XIX fue la figura de Ludwig van Beethoven
(1770-1827) , músico que vivió entre dos épocas y que puede considerarse como el último
compositor clásico y el primer romántico. Fue un gran pianista, gran creador de música
sinfónica que rompió los moldes de la música clásica y que buscó en su obra y en su vida, la
libertad de expresión en la que se inspiraron no sólo los músicos posteriores sino también los
literatos y todos los artistas en general.
5.1.- Características musicales.
- Se busca una mayor libertad para diseñar y estructurar la música. Están más preocupados
por el contenido que por la forma musical. Intentan encontrar una expresión de emociones y
sentimientos más intensa y personal, con gran participación de la fantasía y la imaginación.
- Las melodías se hicieron más libres en cuanto a su forma, más líricas y cantables. A veces se
inspiran en melodías populares.
- Los ritmos son más complejos y variados, aparecen polirrítmias (varios ritmos al mismo
tiempo), cambios rítmicos que prescinden del compás, etc.
- Las armonías son más complejas y ricas, con un uso mayor de las disonancias.
- Mayores contrastes de velocidad, de intensidad, de alturas y de timbres.
- Se mejoran técnicamente los instrumentos: se incorporan las llaves en los instrumentos de
viento –madera, y los pistones y válvulas en los de viento-metal.
- El piano es el instrumento romántico por excelencia, experimentó grandes mejoras: se
incrementó el número de notas, obteniendo así un sonido más amplio y rico, se aumentó su
potencia sonora con la incorporación de cuerdas metálicas, con el aumento del grosor de las
cuerdas y con la incorporación de una caja de resonancia con armazón metálico que dio al
instrumento un sonido más brillante y profundo; la incorporación de los pedales posibilitó la
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 12 prolongación del sonido.
- La búsqueda de mayor expresión tuvo como consecuencia la ampliación de la orquesta
sinfónica no sólo con un mayor número de instrumentos ya existentes, sino también con la
incorporación de instrumentos nuevos como: el flautín, el corno inglés, el contrafagot, el
clarinete bajo y el saxofón en los de viento-madera y en los metales con la tuba. También
aumentan los instrumentos de percusión. El arpa es otro instrumento que aparecerá con
frecuencia sobre todo en la segunda mitad del siglo.
5.2.- Formas musicales románticas.
5.2.1.- Formas para piano.
- Sonatas. Forma instrumental para piano, o para piano con otro instrumento, en varios
movimientos. Es una forma heredada del Clasicismo adaptada al lenguaje y expresión del
Romanticismo.
- Formas breves para piano. Son formas de corta duración que no por breves están faltas de
gran calidad y profundidad expresiva, de carácter libre en las que se dan rienda suelta a los
sentimientos y a la fantasía. Los títulos de estas piezas son muy variados y reflejan
sentimientos intimistas (nocturnos, preludios, fantasias, baladas), los llamados estudios son
piezas breves de gran virtuosismo y dificultad técnica con un alto nivel artístico, a veces
recurren a danzas populares (valses, polonesas, mazurcas, etc), piezas de carácter
improvisado como el impromptu, etc.
Entre los compositores más destacados se encuentran Chopin, Schumann y Liszt.
5.2.2.- Música de cámara.
Los músicos románticos también practicaron la música de cámara, sobre todo los tríos
cuartetos y quintetos de cuerda con piano. Destacan Schubert, Schumann, Brahms.
5.2.3.- Formas para la orquesta.
- Sinfonía: Forma para la orquesta sinfónica sin solista en varios movimientos, forma heredada
del Clasicismo, los músicos románticos la adaptaron a su lenguaje, respetando cada vez
menos su esquema formal, con de mayor duración e intentando conseguir el máximo
rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas románticas.
Destacan Schubert, Mendelssohn, Schumann, y Brahms.
- Concierto: Forma instrumental para un solista y la orquesta dividida en tres movimientos. El
instrumento solista principal en el romanticismo será el piano, aunque también se utiliza el
violín y con menor frecuencia otros instrumentos. Destacar en el concierto romántico la
importancia que adquirirá la orquesta y el carácter virtuoso,( gran dificultad técnica y expresiva)
del instrumento solista.
- Música programática: Como consecuencia de la inclinación literaria de los músicos
románticos y la necesidad de libertad expresiva surge un nuevo género musical que tendrá un
gran seguimiento no sólo en la música de este periodo romántico sino también en la música
nacionalista y en la música del siglo XX.
La música programática es un tipo de música sinfónica que se inspira en ideas
extramusicales. Pretende expresar musicalmente una idea, una historia, etc que se comunica
al oyente mediante un título o programa que sirve de argumento. Las formas más importantes
son:
- Sinfonía programática: Forma instrumental para la orquesta sinfónica en varios
movimientos, que intenta describir una historia o un argumento literario mediante la
música. Su creador fue Hector Berlioz.
- Poema sinfónico: Forma instrumental para la orquesta de un solo movimiento que
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 13 pretende expresar mediante la música una idea, o un poema. Su creador fue Franz
Liszt. Es la forma más importante dentro de la música programática preferida por los
compositores sobre todo por su gran libertad creativa.
- O tras formas como la Suite o el Ballet.
5.2.4.- Formas vocales.
- El Lied: Es una forma para voz solista y piano que intenta expresar los sentimientos e
ideas de un poema. El piano es más que un instrumento acompañante, se iguala en
importancia a la voz y contribuye a producir el clima afectivo de la idea que se canta. Destacan
en esta forma Schubert, Schumann, Bramhs.
- L a Ópera: El siglo XIX es el siglo de la ópera, de los divos, de los grandes teatros, y
será Italia la gran Protagonista por la importancia que asumirá en este país. La ópera italiana
se caracteriza por la belleza de las melodías, el gran virtuosismo de la voz, que predomina
sobre la orquesta, la gran importancia del coro y la delicada orquestación. Destacan entre los
compositores italianos: Rossini, Bellini, Donizetti, y sobre todo Verdi.
- En Alemania el gran protagonista será Richard Wagner, que intenta crear una ópera alemana
que está a la altura de la música sinfónica. Se inspira en la mitología alemana, busca la obra
total, en la que se funden la poesía, la música, el drama, y la acción. La orquesta adquirirá una
gran importancia, convirtiéndose en un personaje más de la obra. Creará el llamado Leitmotiv,
que es un motivo melódico que caracteriza a los personajes, los anuncia y describe, suena
cuando aparecen, se transforma con ellos, etc.
Renovó el interior de los teatros con la disminución de la luz de la sala para mejorar la
concentración del público, y escondió la orquesta en un espacio situado delante del escenario.
6.- El nacionalismo musical.
El Nacionalismo es un movimiento dentro del romanticismo que surgió en la segunda
mitad del siglo XIX sobre todo en aquellos países que no habían tenido una tradición de música
culta propia, y que encontraron en las raíces folclóricas una manera de acentuar su
individualidad, su autonomía musical y cultural.
Países como Rusia, Escandinavia, Hungría, Checoslovaquia, España, Estados Unidos
e Hispanoamérica, buscan salir de su inferioridad cultural mediante la recuperación de sus
valores: investigan su historia, sus leyendas su cultura y su música.
Será en Rusia donde surgió en primer lugar en el seno de un grupo denominado “el
grupo de los cinco”, formado por: Mily Balakirev, Alexander Borodin, Cesar Cui, Modest
Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. La mayoría eran músicos no profesionales, sino músicos
autodidactas, y crearon una música fresca, sin prejuicios normativos, que inspirándose en el
rico patrimonio cultural ruso crearon una música de gran influencia en la música europea.
Algunas de las características de la música nacionalista rusa: la riqueza rítmica, melódica que
apartó su música popular, el mayor uso de los instrumentos de viento-metal, su contrastada
orquestación, el uso de instrumentos poco usuales como el arpa, el mayor uso de los coros,
etc. Trabajaron todas las formas musicales de su tiempo, pero sobre todo canciones, óperas, y
música programática.
Otros músicos nacionalistas importantes fueron el noruego Edvard Grieg; los checos Antón
Dvorak, y Bedrich Smetana, etc.
El Nacionalismo en España es un movimiento tardío, no será hasta casi comienzos del
siglo XX, cuando surja una verdadera corriente nacionalista promovida por Felipe Pedrell
(1841-1922) que investigó la música española y promovió en sus discípulos la inspiración en el
rico patrimonio musical español, sobre todo el andaluz, como base de su obra musical.
Tanto Isaac Albeniz (1861-1909), como Enrique Granados (1877-1916) destacan por su
Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 14 producción pianística, pero sin duda la gran figura del nacionalismo español es Manuel de Falla
(1876-1946) que incorporó en su música las tendencias vanguardistas del momento.
CUESTIONARIO (Copiar enunciados y hacer) Edad Media 1.-­‐ ¿Cuántos siglos duró la Edad Media? ¿Cuál es la cronología de este periodo? 2.-­‐ ¿Por qué es importante el papa Gregorio I? 3.-­‐ Cita y explica las 5 características del canto Gregoriano. 4.-­‐ Encontramos diferentes tipos de canto gregoriano dependiendo del número de notas por sílaba. Relaciona cada fragmento con su tipo. Justifica tu respuesta. (pensar) Copia los fragmentos en tu cuaderno. Tipo y justificación: 5.-­‐ ¿Qué diferencia hay entre los trovadores y los juglares? 6.-­‐ Las siguientes afirmaciones se refieren al canto trovadoresco. Señala cuales son Verdaderas (V) y cuáles Falsas(F). Corrige aquellas que sean incorrectas. a.
b.
c.
d.
e.
f.
Es un canto monofónico. Está en latín. Es religioso. Trata de temas como el amor y la guerra. Es vocal-­‐instrumental. El ritmo es marcado. 7.-­‐ ¿Qué es la polifonía? ¿Dónde surgió? 8.-­‐ ¿Qué consecuencias tendrá el nacimiento de la polifonía? Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 15 9.-­‐ ¿Qué tal tus facultades detectivescas? En la Edad Media vivió un monje llamado Guido d`Arezzo. A él se le atribuye la invención del nombre de las notas utilizando un himno religioso. Léelo y encuentra/señala las notas ocultas: (pensar) ut quean laxis resonare fibris mira gestorum famuli tuorum sol ve populi labii reatum Sancte lohanes Renacimiento 1.-­‐ ¿Cuál es la cronología de este periodo? ¿Cuántos siglos duró? 2.-­‐ ¿Cuáles son las culturas que son referente para este periodo que llamamos Re-­‐nacimiento? ¿Por qué crees que se le da ese nombre? (pensar) 3.-­‐ ¿Qué textura se utiliza en este periodo? ¿En qué consiste esa textura? 4.-­‐ Explica la diferencia entre música profana y música religiosa. 5.-­‐ Los principales géneros de la música religiosa del Renacimiento fueron… Selecciona la opción correcta. Justifica tu respuesta a.
b.
c.
d.
Motete y madrigal. Misa y motete. Chanson y madrigal. Villancico y misa. Recuperación 2º ESO pendiente 2º trimestre 16 IES La Pedrera Blanca Departamento de Música Curso 2012-­‐2013 6.-­‐ Las siguientes afirmaciones se refieren al villancico renacentista. Señala cuales son Verdaderas (V) y cuáles Falsas(F). Corrige aquellas que sean incorrectas. a.
Era una composición para cantar en Navidad. b. Su estructura alterna estrofas y estribillos. c. Se desarrolló en muchos países. d. Su textura es monofónica. 7.-­‐ Cita 3 o 4 características de la música de danza en este periodo. 8.-­‐ ¿En qué consisten las transcripciones de música vocal? ¿Cuales son los instrumentos para los que se realizan esas transcripciones? 9.-­‐ Lee el texto escrito por un compositor renacentista sobre cómo debe sonar la música según el asunto de que trate. ¿Crees que mantiene su vigencia hoy en día? ¿Puedes dar algún ejemplo? (pensar) Sea cual sea el asunto que os ronde por la cabeza, de la misma clase ha de ser la música que debéis forjar para él. Si disponéis de un asunto muy solemne, aplicadle una clase de música muy solemne; si se trata de un tema alegre, hacedle una música alegre, pues sería gran disparate utilizar una triste armonía para un tema gozoso, o una alegre armonía para un asunto lamentable o trágico. Barroco 1.-­‐ Cronología de este periodo. 2.-­‐ ¿Para qué se utiliza la música y los espectáculos en esta época? 3.-­‐ ¿Por qué surgen en esta época los 1os teatro y salas de concierto? 4.-­‐ ¿Cuál es la principal característica de la música barroca? ¿Qué medios surgirán para conseguir ese objetivo? 5.-­‐ Cita y explica los tres tipos de contrastes que pueden darse en una obra barroca: 6.-­‐ ¿Qué es el bajo continuo? ¿A cargo de qué instrumentos está la interpretación de este bajo? 7.-­‐ Explica la importancia de la música instrumental en el Barroco. 8.-­‐ ¿Qué importante género musical vocal profano nace en este periodo? ¿En qué consiste este género? 9.-­‐ Cita las diferentes formas instrumentales de este periodo. 10.-­‐ ¿Qué es un concierto? ¿Para cuántos instrumentos se componen conciertos? 11.-­‐ Escribe el nombre de 4 compositores que hayan compuesto su música en época barroca. Clasicismo 1.-­‐ Cronología de este periodo. Recuperación 2ª ESO pendiente 2º trimestre 17 IES La Pedrera Blanca Departamento de Música Curso 2012-­‐2013 2.-­‐ ¿Cuáles son los ideales que promovía la Ilustración? 3.-­‐ Cita a los 3 compositores que más se acercaron a los ideales del clasicismo. 4.-­‐ Las siguientes afirmaciones se refieren a las características del Clasicismo. Señala cuales son Verdaderas (V) y cuáles Falsas(F). Corrige aquellas que sean incorrectas. a.
b.
c.
d.
e.
Se caracteriza por utilizar melodías complicadas y difíciles de memorizar. El ritmo es regular y sencillo. Se basa en la textura contrapuntística y el bajo continuo. Hay contrastes fuertes y pianos, así como cambios graduales de intensidades. La música vocal y la música instrumental tendrán la misma importancia. 5.-­‐ ¿Qué es una sonata como composición completa? 6.-­‐ ¿En qué tres partes se estructura la forma sonata? 7.-­‐ Junto a estas afirmaciones deberás escribir “Sonata”, “Sinfonía”, “Concierto” o “todas”: a.
b.
c.
d.
e.
Un solista acompañado por una orquesta. Para uno o dos instrumentos. Casi siempre en 3 movimientos. Separados por secciones llamados movimientos. El primer movimiento está escrito siguiendo el esquema de la forma sonata. 8.-­‐ Lee con atención las diferentes formas instrumentales del clasicismo y obtendrás los datos para rellenar esta tabla: Piezas Nº de movimientos Instrumentos Sonata Sinfonía Concierto Música de cámara 9.-­‐ ¿Cuál de estos argumentos pertenece a una ópera seria y cuál a una ópera cómica? Argumenta tu respuesta. o
Teseo, rey de Atenas pide a su padre Neptuno, dios de los mares que castigue a su rival Hipólito. Este es atacado por un monstruo marino enviado por el dios… Cómica/ Seria o
Dos enamorados ven entorpecido su amor por el acoso al que somete a la novia su señor, un rico conde. Por ello, deciden tenderle una trampa que le sirva de escarmiento.La novia le cita por la noche en el jardín y allí… Cómica/ Seria Recuperación 2ª ESO pendiente 2º trimestre 18 IES La Pedrera Blanca Departamento de Música Curso 2012-­‐2013 Romanticismo 1.-­‐ ¿En qué siglo se ubica el romanticismo?¿Dónde nació este movimiento desde el punto de vista artístico? 2.-­‐ ¿Qué es lo que busca el artista romántico? 3.-­‐ Las siguientes afirmaciones se refieren a las características del Romanticismo. Señala cuales son Verdaderas (V) y cuáles Falsas(F). Corrige aquellas que sean incorrectas. a. Preocupación por el contenido de la música más que por la forma musical. b. Menor uso de las disonancias, con armonías más sencillas. c. Ritmos sencillos. d. Ausencia de indicaciones de dinámica (intensidades) e. Se amplia la orquesta sinfónica para conseguir mayor expresión. 4.-­‐ ¿Cuál fue el instrumento romántico por excelencia? Cita a 3 compositores que destacaran en este instrumento en el s. XIX. 5.-­‐ ¿En qué consiste la música programática? 6-­‐ Explica que es un lied. 7.-­‐ ¿Cuáles son las características de la ópera italiana? 8.-­‐ ¿Qué es el leitmotiv?¿quién lo creó? 9.-­‐ Investiga en Internet utilizando un buscador y responde a las siguientes preguntas: a.
b.
c.
¿Qué ópera de Verdi está ambientada en el antiguo Egipto? El compositor ruso Mussorgsky compuso una obra de música programática que incluye en su título la palabra “monte” ¿De qué obra se trata? En el s. XIX el virtuosismo era muy valorado ¿Quién fue el violinista más virtuoso de este periodo? Nacionalismo 1.-­‐ ¿En qué momento surge este movimiento? ¿En qué países? 2.-­‐ Cita 5 características de la música nacionalista rusa. 3.-­‐ ¿Cuándo surge el nacionalismo en España? 4.-­‐ ¿Quién investigó la música española, sobre todo el patrimonio musical andaluz? 5.-­‐ Cita a los 3 compositores españoles que destacaron dentro de este movimiento. Escribe una pequeña biografía (de entre 5 y 10 líneas sobre el compositor gaditano Manuel de Falla.(internet o enciclopedia) Recuperación 2ª ESO pendiente 2º trimestre 19