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“HERRERO PRENSAS CALCOGRÁFICAS” | BIMESTRAL | OCTUBRE DE 2013
HERRERO
PRENSAS CALCOGRÁFICAS
PRENSAS CALCOGRÁFICAS DE FABRICACIÓN ARTESANAL - A LA MEDIDA Y COLOR QUE QUIERAS
DAVID
SEGUIN
GALERÍA DE NUEVOS ARTISTAS
Un jóven freelancer,ilustrador y diseñador gráfico de
Montreal, que va a sorprenderte! Pág. 18 a 22
GRABADO
MENOS TÓXICO
Grabado, nuevas técnicas.
Pág. 26 a 29
LA NATURALEZA
REFUGIO DEL PINTOR
Entrevista a Carlos Alonso.
Pág. 12 a 15
BERNI: EL
RESCATE DEL GRABADO
Cuando se quería dar una imagen
“modernizadora”, el reconocimiento de
Berni revela tensiones. Pág. 6 a 10
SUMARIO
SALONES & BECAS
Pág. 4 y 5
NOTICIAS
BERNI: EL RESCATE DEL GRABADO
Pág. 6 a 10
LA NATURALEZA REFUGIO DEL
PINTOR. (Entrevista a Carlos Alonso)
Pág. 12 a 15
VENTA DE OBRAS
GRABADO Y DIBUJO, DOS FORMAS
DE COMENZAR A INVERTIR
Pág. 16 y 17
ARTISTAS
GALERÍA DE NUEVOS ARTISTAS:
DAVID SEGUIN
Pág. 18 a 22
Zulema Petruschansky:
CIUDADES IMAGINARIAS
Pág. 24 y 25
LA PÁG. DE MACU GAVILÁN
LOS ARTISTAS DE
LA INCOMUNICACIÓN
Pág. 23
GRABADO,
NUEVAS TÉCNICAS
AGUAFUERTE Y AGUATINTA
MENOS TÓXICA
Pág. 26 a 29
GALERÍAS
Pág. 30 y 31
STAFF
Jeanette Herrero
DIRECTORA
DISEÑADORA
Lola Cordido
REDACTORA
Dante Sánchez
TRAT. DE IMÁGENES
ILUSTRADOR
PAPEL&TINTA es propiedad de HERRERO PRENSAS CALCOGRÁFICAS.
E.mail: [email protected] / Tel.: 02914748211.
Distribución gratuita. Impresa en Argentina. Todos los derechos reservados. Adherida a la Asociación Argentina de Editores de Revistas.
Registro de la propiedad intelectual Nro. 835627
Publicación N°18
2° Premio Internacional de Grabado
FIG Bilbao 2013
SALONES
Pueden participar todos los artistas sin límite de
edad y nacionalidad. El objetivo del premio es dar
un gran impulso al grabado contemporáneo en
sus diversas formas y dar actualidad a la tradición
de las Artes de grabado una disciplina experimental, innovadora, técnica y sobre todo conceptual.
El premio es una gran oportunidad para desarrollar una colección permanente que será alojada
en museos y fundaciones internacionales, para
difundir y mejorar el mundo del grabado.
& BECAS
BECAS DE INVESTIGACION EN ALEMANIA
Organizadas por el Servicio Alemán de Intercambio Académico.
Se trata de 4 tipos de becas: 1./ de investigación.
2./ para cursos de postgrado dirigidas a músicos, artistas plásticos, cineastas, diseñadores, médicos y odontólogos (en ingles o en alemán).
3./ para realizar estudios de grado de ingeniería en universidades alemanas, coordinado con la Universidad Tecnológica Nacional.
4./ Programa <Artistas en Berlín>, dirigido a escritores, realizadores
de cine, artistas plásticos y compositores de música para que puedan
efectuar una estadía en Berlín.
INFORMACIÓN: www.berliner-kuenstlerprogramm.de/
8° Premio Arte Laguna
Llega la 8º edición del Premio Arte Laguna con
una dotación total de 180.000€, muchos premios
especiales, exposiciones para los elegidos y la
participación de un jurado internacional.
No hay límites de edad o nacionalidad.
Hay cinco categorías diferentes en las que se
puede participar: pintura, escultura e instalación,
arte fotográfico, video arte y performance, arte
virtual y digital.
4 | SALONES Y BECAS
BASES: www.figbilbao.com
VI CONCURSO Concordia 2013 – Grabado YADDO
INTERCAMBIO
IV Salón Anual Nacional del Bicentenario
DE GRABADO
II CONCURSO
DE GRABADO
“CARLOS HERMOSILLA”
El segundo concurso de grabado
“Carlos Hermosilla” tiene su segunda
versión el 2013 y se realiza con la
motivación de seguir destacando el
valioso legado del maestro grabador
Carlos Hermosilla Álvarez: como artista
y formador de grabadores, nacido en
Valparaíso el 18 de Octubre de 1905 y
fallecido en Viña del Mar el 16 de agosto de 1991. El dibujo y el grabado fueron su pasión; en sus obras se pueden
observar diferentes temas, entre ellos
está: el obrero, el pescador, personajes
de la política y la cultura, como también
los cerros de Valparaíso.
PLAZO INSCRIPCIÓN: 10 de Diciembre 2013
PLAZO INSCRIPCIÓN:
25 de Febrero 2014
Bases:
www.artelagunaprize.com
31021 Mogliano - Italia
Tel. +39 041 5937242 - int. 4
[email protected]
BASES:
www.munivalpo.cl/cultura
Condell 1550 - Valparaiso - Chile
Tel.: 56 -32 -2939567
[email protected]
Con el fin de difundir el grabado, así
como establecer un vínculo entre grabadores, se convoca el VI Concurso-Intercambio de Grabado “El rinoceronte
de cristal”. Se realizarán dos sorteos :
uno entre las obras seleccionadas y otro
entre la selección de obras finalistas.
Cada artista seleccionado recibirá, a
cambio de su grabado, un grabado de
otro artista seleccionado.
La Municipalidad de Concordia instaura el CUARTO SALÓN NACIONAL DEL BICENTENARIO.
El mismo tendrá un carácter rotativo alternandose
la convocatoria en las sucesivas ediciones a las
siguientes disciplinas: Pintura, Fotografía, Dibujo y
Grabado.
El Gobierno Local, y el Museo Municipal de Artes
Visuales invitan a los artistas plásticos de todo el
país a presentarse en el 4º Salón Anual Nacional
del Bicentenario edición 2013 de Grabado, que
tiene por objetivo valorar y difundir la producción
de los artistas contemporáneos.
PLAZO DE INSCRIPCIÓN: 19 de Diciembre 2013.
BASES: www.prensaconcordia.com.ar
Urquiza 638, Concordia, Entre Ríos.
PLAZO INSCRIPCIÓN:
16 de Enero 2014
BASES:
rinocerontedecristal.blogspot.com.ar
[email protected]
Avda. Doctor García Tapia 129, local-4.
Madrid - España
58º Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”
El Museo anuncia la recepción de obras para el 58º Salón
Manuel de Artes Plásticas Manuel Belgrano. Se recibirán
dibujos, grabados y pinturas de acuerdo al cronograma que
fija el reglamento.
PLAZO DE INSCRIPCIÓN:
Pintura, Grabado y Dibujo: 24, 25, 26 y 27 de Noviembre.
Escultura: 9, 10 y 11 de Diciembre.
BASES:
www.museosivori.org.ar
Pedro de Mendoza 3951 - Buenos Aires
Fundada en 1900 por el
financiero Spencer Trask y su
esposa Katrina, poeta; Yaddo
es una comunidad de artistas
profesionales ubicada en
una finca de 400 hectáreas
en Saratoga Springs,
Nueva York. Su misión es
fomentar el proceso creativo,
proporcionando una oportunidad para que los artistas
trabajan sin interrupción en
un ambiente de apoyo.
Yaddo ofrece residencias a
artistas profesionales creativos de todas las naciones y
antecedentes de trabajo en
uno o más de los siguientes
medios: coreografía, cine,
literatura, composición
musical, pintura, performance, fotografía, grabado,
escultura y video. Ellos son
seleccionados por grupos de
otros artistas profesionales
sin tener en cuenta los medios financieros. Residencias
durar de dos semanas a dos
meses y incluyen alojamiento, comida y estudio.
INFORMACIÓN:
Todos los materiales de
aplicación , incluyendo información de contacto , curriculum vitae, muestras de
trabajo , y las cartas de referencia deben ser enviados
electrónicamente a través
www.yaddo.slideroom.com,
Seguir allí las instrucciones y
completar el paso a paso.
WEB: www.yaddo.org
SALONES Y BECAS | 5
el rescate del grabado
En “Arte plural”, la historiadora del arte Silvia Dolinko
vuelca sus conocimientos de más de quince años de
trabajo sobre la disciplina prácticamente olvidada por sus
colegas locales, que se reivindica en su riqueza.
Por Mercedes Perez Bergliaffa
6 | NOTICIAS: EL RESCATE DEL GRABADO
NOTICIAS: EL RESCATE DEL GRABADO | 7
En tiempos en los que, se quería dar una imagen
del arte del país “modernizadora”, el reconocimiento a la obra de Berni revelaba tensiones
entre el discurso que se quería impulsar y lo que
realmente iba ocurriendo en el campo artístico.
Berni simbolizaba, mucho
más que una premiación
individual: era, la
validación de un proceso
anterior que había ido
gestándose en nuestro
país, con los grabadores y
artistas locales.
8 | NOTICIAS: EL RESCATE DEL GRABADO
Exhaustivo. Una especie de sólido
monumento –tardío, se lo debíamos– al
grabado nacional. Así es el libro Arte
plural , de la historiadora del arte Silvia
Dolinko. Fruto de más de quince años
de trabajo –“comencé a investigar el
tema en el 96”, dirá luego la autora–,
la publicación es una adaptación de
la tesis doctoral de Dolinko. El trabajo
es muy rico, lleno de citas, de notas
y con una inmensa cantidad de detalles dedicados al gran interés que la
investigadora viene sosteniendo desde
hace años sobre el grabado local, una
disciplina prácticamente olvidada por
nuestros historiadores del arte. En ese
tema, Dolinko supo ver una veta, un
diamante en bruto. Pero el trabajo para
pulirlo fue arduo.
Poniendo manos a la obra, la investigadora se concentró para enfrentar el
proyecto en perspectivas originales
e hipótesis arriesgadas, siempre con
relación al estudio de un período
específico del grabado nacional: aquél
comprendido entre 1955 y 1973. Allí se
dedicó a desentrañar cuáles fueron las
causas de la revalorización del grabado
en nuestro país. Porque, sí, existió
una revalorización de la disciplina del
grabado que se produjo durante esos
años, sobre todo durante la década
del 60. Y aquí, señores, no hay casualidades. Dolinko lo comprende, y
va al fondo de la cuestión. Descubre,
investiga y escribe sobre esta disciplina, que sigue siendo una “hermanita
pobre” de las artes plásticas, a pesar de
haber conquistado su propio territorio
ya hace tiempo. Son ocho capítulos
los que desarrolla la historiadora en
su libro, pero hay uno que es central:
el dedicado a Antonio Berni. “El caso
Berni” se llama, en alusión a cómo el
crítico y director del Instituto Di Tella,
Jorge Romero Brest, solía definir la obra
y procesos del gran artista. Y se sabe,
que JRB no era un gran fan de Berni,
sobre todo del Berni de los primeros
años. Que nunca lo apoyó demasiado.
Hasta que, en determinado momento,
Berni ganó el Gran Premio de Grabado
de la Bienal Internacional de Venecia.
En medio de estas obras, imaginen
que las de Berni eran una especie de
rara avis, amén de que el grabador
ya no era joven –tendría entonces, en
1962, cerca de 60 años–, por lo que no
podía identificárselo como parte de la
“troupe teen de la avanzada del arte”,
ésa que desde el Instituto Di Tella JRB
intentaba impulsar. Pero lo que más
debe de haber molestado a JRB es que,
tal como lo comenta la investigadora
Dolinko en el libro, el premio de Venecia –tan importante, y obtenido por
primera vez por un artista argentino– se
hubiera otorgado a una obra figurativa, narrativa y social; o sea, “en las
antípodas del enfoque modernista que
sostenía el crítico”, escribe Dolinko. “La
presentación de Berni le suscitaba un
problema, a JRB: ¿Desde qué postura
abordar una obra que no le significaba
una propuesta interesante? El crítico
tomaba entonces un camino a medias
entre la ambigüedad y la frialdad.”
Desde el premio obtenido por el artista,
cuenta Dolinko en su trabajo, todo tuvo,
necesariamente, que cambiar.
Porque ese reconocimiento alcanzado
por Berni simbolizaba, en realidad,
mucho más que una premiación individual: era, por un lado, la validación
de un proceso anterior que había ido
gestándose en nuestro país, con los
grabadores y artistas locales. Por otro,
una paradoja: en tiempos en los que,
desde el plano oficial, se quería dar
una imagen del arte del país “modernizadora”, el reconocimiento a la obra
de Berni –con la imagen de un chico
de una villa miseria, Juanito Laguna,
creado a nivel técnico con procesos que
incluían desechos industriales– revelaba tensiones entre el discurso que se
quería impulsar y lo que realmente iba
ocurriendo en el campo artístico. Un
tercer punto: Berni había obtenido el
Gran Premio no gracias a sus pinturas
–que también formaban parte del
envío– sino, sobre todo, gracias a sus
grabados: el Gran Premio consagratorio era de Grabado y Dibujo. Entonces,
esta validación internacional arrastraba
connotaciones múltiples: consagraba la
figuración, en tiempos del auge de la
abstracción; reconocía temas sociales
como valiosos; y sobre todo, premiaba
esa experimentación en las técnicas
del grabado, específicamente de la
xilografía.“Desde los años cincuenta el
grabado argentino fue obteniendo una
inédita visibilidad y un nuevo posicionamiento dentro del campo artístico”,
escribe en su trabajo Dolinko. Ya en
los 60, movimientos anteriores de la
gráfica artística –como el de los Artistas
del Pueblo y luego Víctor Rebuffo,
Pompeyo Audivert y Sergio Sergi–,
actuaron como referentes para que los
artistas y el contexto dieran un nuevo
estatuto al grabado. Por otro lado, existía un factor esencial que el grabado
compartió con la literatura y tenía que
Detalle de “Juanito pesca con red”, de la serie Juanito Laguna, 1961
NOTICIAS: EL RESCATE DEL GRABADO | 9
ver con la democratización del consumo cultural propio de ese período, que
volvió al grabado una forma de arte
“elevado”, pero “accesible” para ser
comprado por la clase media masiva.
Explica ahora la historiadora, sentada
frente a la mesa de un bar: “Existió
un proceso vinculado a la potencial
particularidad artística del grabado,
que fue redundando en una mayor
visibilidad. Sobre todo en los años
50. Tuvo que ver con una apertura a
la experimentación y búsquedas que
hasta ese momento habían estado
más acotadas. Ellas reposicionaron al
grabado en diálogo con otras producciones del campo artístico”. Pero lo
importante de los 50- 60 es que se
pensó la imagen como un problema
nuevo. Y entonces se pensó, también,
en una renovación de técnicas y de
materiales, en vistas a sostener a esta
imagen ya desligada –por momentos–
de los libros (anteriormente el grabado
estaba más vinculado a la ilustración).
Es en esta imagen autónoma,
Tenía que ver con la
como puede
verse en un
democratización del
grabado de
Seoane, donde
consumo cultural de ese
la textura de la
madera y la inperíodo, que
clusión del collage, por ejemvolvió al grabado una
plo, aparecen no
como problemas
forma de arte “elevado”.
técnicos solamente, sino
como impactos
a nivel de imagen. Aquí aparece una
de las mayores fortalezas de Dolinko:
su enorme atención a los procesos técnico- artístico y a los materiales, como
una parte fundamental de la investigación. Eso la diferencia –y mucho- de
la gran mayoría de los historiadores del
arte, quienes muchas veces sobrevuelan la técnica y la materialidad de
las obras como un elemento menor,
concentrándose fundamentalmente en
los archivos y la bibliografía. Aparte del
espléndido capítulo dedicado al “caso
Berni”, hay otro que presenta planteos
originales: es el 6, en el que Dolinko
traza paralelismo entre “el boom de
la estampa” –el nuevo posicionamiento del grabado local en los 60– y
el “boom de la narrativa latinoamericana”. “Uno de las principales transformaciones para los sectores medios se
fundó en la “democratización” de las
relaciones sociales basadas en el consumo, un proceso iniciado en los 50”,
escribe Dolinko. “En el marco de esta
elevación de los estándares de vida y
Detalle de obra que forma parte de la serie de
de los ingresos de amplios sectores
Juanito Laguna, premiada en la Bienal de Venecia.
urbanos de clase media, la producción
artística y cultural también.
BIOGRAFÍA
Antonio Berni (n. Rosario,
Santa Fe; 14 de mayo de
1905 - Buenos Aires; 13 de
octubre de 1981), fue un
pintor, grabador y muralista
argentino, sus padres eran
de origen italiano: su padre
era sastre nacido en Italia, y
su madre era argentina hija
de inmigrantes italianos radicados en Roldán, un pueblo
de la provincia de Santa Fe,
a 30 km de Rosario.
Berni fue un artista representativo de la época que
vivió; lo caracterizó el fuerte
contenido social de su obra.
Con una galería de personajes entre los que se
destacan Juanito Laguna y
Ramona Montiel, representantes de los sectores más
bajos y olvidados.
Su obra estuvo influenciada
por los acontecimientos
históricos que vivió a lo largo
de su vida.
Tintas y barnices
w w w. h a n d s c h y. c o m
10 | NOTICIAS: EL RESCATE DEL GRABADO
LA NATURALEZA
REFUGIO
DEL PINTOR
Golpeado aún por el robo de obras de arte
en su casa, en un operativo que le hizo revivir los tiempos de terror de la dictadura,
Carlos Alonso habla del episodio y sus
últimos trabajos. La naturaleza, dice, le sirve
para empezar de nuevo.
El vozarrón grave, dulce, inconfundible,
da la bienvenida. Es el colosal Carlos Alonso: y uno siente un golpe de
alegría cuando ve de nuevo al maestro
que sin vueltas auscultó la realidad
nacional. La diseccionó como nadie.
Sin asco, sin pausa. La suya es una
obra de fuerte denuncia, hiperincisiva.
En esa arena política de ganaderos y
matarifes-torturadores, en frigoríficos y
carnicerías, amasijo de sangre y tripas,
degradó el cuerpo a su forma más
elemental de pura carne.
El primer tema del que hablamos, claro,
es el violento robo que sufrió recientemente en Unquillo, Córdoba. Un grupo
comando de cinco encapuchados entró
en su casa, y se llevó, entre otras, obras
de Berni, Miguel Angel Budini, Carlos
Della Mota, Juan Carlos Distéfano,
Lucio Fontana, Gómez Cornet, Edvard
Munch, Enrique Policastro, Pedro Pont
Vergés, Spilimbergo y Lajos Szalay. Un
conjunto de piezas que no alcanza una
gran cotización, pero sí un fuerte valor
afectivo para el artista: son obras que
canjeó con colegas y maestros. Tres
días después del robo, Alonso descubrió que también faltaba un dibujo de
su autoría: “Me llevaban habitación por
habitación, me ataban y se ponían dos
encapuchados: ‘Decime dónde está tal
cosa, dónde está tal otra…’. No me llevaron al lugar donde está este cuadro:
directamente lo cargaron mientras
nosotros estábamos boca abajo en el
suelo, atados”. Hubo golpes y violencia psicológica. Extraño episodio en el
cuerpo de uno de los más importantes
artistas argentinos, un hombre con
una hija desaparecida. “Vine a Buenos
Aires para ventilarme un poco porque
ver las paredes vacías es una sensación
muy… me bajonea bastante… Porque
es como… no quiero volver a colgar
cosas, ¿viste? Quiero todo desnudo.
Y esos clavos, así, que están ahí, es la
sensación del despojo, ¿no? Y lo vivía
muchas veces por día. Dije, bueno, me
voy a dar una vuelta para cambiar de
aire y de paso para ver si hay alguna
información, aunque ya hicimos todo
por Internet y por Interpol, en fin, todo
lo que se puede hacer en estos casos,
que no es mucho, pero que por lo
menos protege si intentan sacar las
obras del país o si sale en un remate…
Ahora, con Pablo, estamos chequeando
un poco las galerías en San Telmo y los
anticuarios para poner sobre aviso, para
distribuir las fotografías y dar alguna
información que pueda servir.”
12 | NOTICIAS: LA NATURALEZA EL REFUGIO DEL PINTOR
“Autorretrato” Pintura sobre tela.
propietarios ilegítimos de algo que les
pertenecía, ¿no? Me da esa impresión.
Tiene un aire como de venganza o de
expropiación. Es raro ese “Venimos por
lo nuestro”. ¿No suena raro?
Sí.
Eso fue lo primero que dijeron. Y
sumado a lo de la picana tiene estas
facetas que son difíciles de combinar.
BIOGRAFÍA
Carlos Alonso nació en
Tunuyán, Mendoza el 4 de
febrero de 1929, es un pintor, dibujante y grabador
argentino, representante de
la corriente social del arte
en su país. Vivió en Tunuyán
hasta los siete años. Después
se trasladó con su familia a
la Ciudad de Mendoza, y a
los catorce años ingresó en
la Academia Nacional de
Bellas Artes de esta ciudad.
Allí fue alumno de maestros como Sergio Sergi en
dibujo y grabado, Lorenzo
Domínguez en escultura
o Francisco Bernareggi y
Ramón Gómez Cornet en
pintura. Compartió sus estudios en dicha academia con
otros destacados pintores
mendocinos, como Enrique
Sobisch y Orlando Pardo.
Recibió su primer premio en
el Salón de Estudiantes de
1947, y en 1953 expuso en
la Galería Viau de Buenos
Aires, lo que le proporcionó
los fondos necesarios para,
un año después, viajar a
Europa, donde expuso en
París y Madrid. Durante su
visita a Londres de 1961,
descubrió el acrílico, técnica
que adoptó inmediatamente
en su pintura posterior, por
su secado rápido.
“Bajo la lluvia ajena” Ilustración.
En un artículo de la
revista Trastienda,
Mario Gillardoni plantea
que esto es algo más que
un robo por encargo y que
podría tener otros objetivos.
Dice que no son obras de
gran cotización y que reunir un
grupo comando para robarlas no
parece el modus operandi de un
coleccionista loco. Comercializarlas, por otra parte, es complejo.
A usted, ¿qué le parece?
Esa nota agrega una cosa que
me parece importante: dice que
da la impresión de haber una
voluntad de daño.
O sea: es desproporcionado el
operativo de cinco tipos armados para
llevarse pequeñas obras. Porque es
un negocio difícil de concretar, y la
existencia de un coleccionista loco,
tampoco vale porque no son obras tan
representativas, de museos, digamos,
de colección. Son obras significativas,
sí, porque son obras buenas. Pero no
hay relación entre la dimensión del
operativo y el negocio. Lo del daño
también puede ser una tesis que yo
sentí porque la situación y el lenguaje,
y ciertas pautas que dieron, parecía un
operativo destinado a eso: a hacer un
perjuicio de vejamen. Me dijeron que
me iban a poner la picana eléctrica…
En otro momento, me taparon los ojos
con una bufanda y dijeron: “Buscate los
remedios, te venís con nosotros”.
14 | NOTICIAS: LA NATURALEZA EL REFUGIO DEL PINTOR
¿Usted lo relaciona con algún sector,
con un apriete político de ultraderecha?
La verdad, no podría decirte esto con
certeza. De todas maneras… me quedan esas dudas. Por ese lenguaje, por
lo de la picana eléctrica. Podría estar
mezclado: una banda mixta, uno de
ellos sabía más que los demás. Pero yo
no alcanzo a elaborar una tesis que me
conforme. De entrada, cuando llegaron, entraron los cinco armados, nos
ataron de pies y manos, nos tiraron de
boca al piso, y dijeron: “Venimos por lo
nuestro”. Como si nosotros fuéramos
obras estuvieron en un cajón durante
años tenían un significado, cuando las
vi desplegadas en esta muestra tuve
la sensación de que se cerraba un
período: finalmente habían encontrado
su destino. Y a partir de ahí me sentí
liberado… Dije ahora puedo empezar
de nuevo: mal o bien, ya hice lo que
podía para fijar este período.
La carne y la violencia fueron los ejes
¿Ahora cómo se siente, Carlos? Vino
de su obra.
estos días para desenchufarse.
Yo cuando veo esos paisajes no puedo
Sí, pero no puedo. Cierro los ojos y
creer que después de todas esas
me aparece el primer ladrón que venía
vueltas pueda llegar a encontrar esa
apuntando a mi hijo y lo traía apretasencillez y esa relación directa con
do… Un amigo psilo que veo. Y
coanalista me dijo
más en ciertos
“El arte no puede ser una momentos, ¿no?
que me pueden
durar de uno a
cuando entran en
mercancía, no está
cinco años esta recrisis esos valores
saca y este estrés.
que sostuvieron
dirigido a integrarse a la
Es muy fuerte, muy
todo ese período.
fuerte. La situCuando cayeron
sociedad simplemente
ación te remueve
las banderas,
muchas cosas. Y a
cuando fracasacomo algo decorativo.”
nosotros, que tenron los ideales,
emos la historia de
cuando aquí las
la represión, nos
cosas por las que
mueve mucho más. Porque la situación
luchaba fueron derrotadas. Digo: es
se parece mucho a eso…
como constatar que si bien es cierto
que hubo una lucha para que esas
¿Ahora está pintando?
ideas generaran una vida mejor, y una
Estoy justamente en un período así.
mejor relación en la sociedad.
Acabo de inaugurar esta muestra en
Mendoza, que son paisajes (Alonso
¿Cómo ve hoy al país? ¿Cómo lo
acerca el catálogo: son acrílicos y
siente?
acuarelas, realizados, entre otros sitios,
No, no, yo no siento… sino, digamos,
en el noroeste argentino, la ciudad de
la vigencia o no de ciertas posturas,
Unquillo y Mendoza, entre 2006 y 2009.
de ciertas tendencias en las que la
pintura entró como reflejo de toda una
problemática social, donde era necesario que también los artistas pusieran
su granito de arena para empujar esa
vanguardia, para empujar esa realidad,
para que la vida cambiara y fuera más
bella, más equilibrada, para que no hubiera tanta pobreza, tanta marginación,
tanta violencia, tanta persecución. En
ese momento eso era una propuesta.
¿Cómo ve el arte hoy? Recuerdo una
muestra suya, hace unos años. Se acercaban muchos jóvenes a saludarlo, con
mucho amor. ¿Cómo es su relación con
los artistas jóvenes?
Cuando tengo oportunidad de tener
relación, en general es porque se
acercan a mostrarme su obra, o a
tener algún diálogo que ellos creen
necesario, que ellos creen que puede
aportarles alguna experiencia, que es lo
que uno puede aportar a esta edad. En
general, me llevo muy bien. Y cuando
veo lo que producen, a pesar de que el
panorama pareciera tener una dirección
única, una mano única, yo veo muchas
expresiones. Encuentro acá cantidad
de gente joven que está dibujando y
exponiendo dibujos, por ejemplo.
Cosa que me sorprende gratamente,
desde luego. Pero al mismo tiempo,
recuerdo una frase muy significativa de
Gauguin: “Yo quisiera que mi pintura
se acerque más al mamarracho que a
las obras clásicas”. Creo que acá se ha
cumplido un poco esta premisa que
quería para sí mismo Gauguin: sí, hay
mucho mamarracho, ¿no? Pero eso no
quiere decir que no sea legítimo.
Qué distinto de los paisajes que hacía
antes, ¿no?
No sé (se ríe), yo siento que estoy
pintando como cuando empecé: con
naturalidad, frescura y sin pretender
agregarle nada a la pintura, sino buscando fijar un instante de esplendor frente a la naturaleza, ¿no? Una cosa muy
llana, muy directa, muy sencilla, y, para
mí, muy saludable; para mí después de
haber pasado etapas tan politizadas,
tan cargada la obra de conflicto social,
y tantas mochilas que estuve llevando
mucho tiempo. No lo digo como carga
en la que no creía: porque me permitieron desarrollar toda una relación con
mi realidad y con mi país.
¿Cómo los hizo? Parece que está solo,
en medio de la inmensidad, como en
un paisaje del romanticismo nórdico…
(Se ríe) Esto pasó así: en 2006 la provincia de Córdoba compró toda una
serie de trabajos de la serie Manos
Anónimas y le dedicó una sala especial en el Palacio Ferreyra. Para mí fue
la culminación de una etapa. Fue tan
conmovedor. Porque cuando estas 45
En el departamento de Esmeralda, donde vivía antes del exilio, ahora su estudio porteño.
NOTICIAS: LA NATURALEZA EL REFUGIO DEL PINTOR | 15
Grabado y dibujo
DOS FORMAS DE COMENZAR A INVERTIR
$
Por Julián Guarino
Todo parece haber pasado por el filtro
de la pesificación. Incluso las obras de
arte de los artistas consagrados argentinos. Producto de la falta de dólares
con los que opera la economía, el arte,
un reducto que siempre ha rendido sus
frutos a los inversores, parece haberse
adaptado a los tiempos que corren.
Mientras el mercado bursátil parece
ser una alternativa redituable y para
todos los bolsillos e incluso las tasas
de interés que pagan los plazos fijos ya
rozan el 20% anual, existe y crece una
casta de inversores que no sólo miran
los números: también buscan, con la
inversión, darse un gusto. El arte es sin
duda una reserva de valor siempre y
cuando la elección sea la indicada; no
todo arte suele ser una buena inversión
pero sí todo inversor que se precie
debe tener en su cartera obras de arte,
suelen recomendar los especialistas.
Sobre este punto hay que pararse: para
no caer en equivocaciones, allí están la
trayectoria, los premios, y las disciplinas
con mayor potencial de apreciación en
el tiempo. Precisamente, para aquellos
interesados en dar los primeros pasos y
formar una colección de arte con buena
proyección, los especialistas mencionan
al grabado como la disciplina artística que reúnen un combo irresistible:
altísimo nivel de ejecución artística y
precios accesibles (si se toma como
referencia el valor al que llegan estos
trabajos en la plaza internacional). Y
para los conocedores, tal como sucede
en las finanzas, el arbitraje podría ocurrir de un momento a otro.
Creemos que en algún momento los
precios locales tenderán a reflejar los
internacionales, señalan en la jefatura
de Arte del Banco Ciudad. Si bien una
obra puede superar largamente los $
50.000, con menos de la mitad puede
adquirirse un trabajo de artistas de
renombre en estas dos disciplinas que
habiliten el comienzo de una colección.
Incluso las obras de pequeño formato,
suelen registrar valores que se ubican
por debajo de esas marcas. Ahora bien,
como sucede en otros órdenes, las
tendencias actuales de compradores ya
dejan adivinar dónde están las preferencias del público.
Hablamos de xilografías, aguafuertes,
aguatintas, puntas secas, linóleos,
litografías y técnicas mixtas de artistas
de todos los tiempos. Carlos Alonso,
Alfredo De Vincenzo, Pompeyo Audivert, León Ferrari, Antonio Berni, Juan
Carlos Castagnino o Emilio Pettoruti
han sido siempre objeto de culto y
grandes maestros del grabado. En esta
línea, una de las artistas que marcha a la
cabeza de los favores del mercado es la
Premio Nacional, Zulema Petruschansky,
quien se especializó en grabado en el
taller del maestro Alfredo De Vincenzo,
en la Escuela Ernesto de la Cárcova y en
el Taller de la Gráfica, de La Habana, en
Cuba. La obra de Petruschansky (foto)
es un clásico de los coleccionistas y es
parte de las más relevantes colecciones
locales e internacionales, tanto de
particulares como de las permanentes.
Además, este año ha sido jurado tanto
en el Salón Nacional como Municipal,
algo que los coleccionistas valoran.
Según especialistas, la obra de
Petruschansky ha granjeado el beneplácito de los que buscan incorporar
arquitecturas, geometrías, líneas gestuales.Este artista ha colocado al dibujo y,
en particular a su obra, en un lugar de
preeminencia para aquellos que desean
invertir en arte y buscan potencial.
de valorización.
Con una mirada de gran contenido
social donde no falta el humor ni la
ironía, para los especialistas Meijide se
ha transformado en un clásico.
LOS ARTISTAS MÁS COTIZADOS
LEÓN FERRARI:
(Buenos Aires, 3 de septiembre de
1920 - ibídem, 25 de julio de 2013)1 fue un artista plástico argentino.
Gran parte de su obra está orientada a denunciar los abusos de poder
y la intolerancia en la sociedad.2 Según The New York Times, era al
momento de su muerte uno de los cinco artistas plásticos más provocadores e importantes del mundo.3 4 Los pilares de su obra se basan en
un dura crítica hacia las guerras, la religión.
CARLOS ALONSO:
Nacido en Tunuyán, Mendoza
el 4 de febrero de 1929, es un pintor, dibujante y grabador argentino,
representante de la corriente social del arte en su país. Aunque la
pintura de Alonso no se comprende con facilidad, su riqueza reside en
las continuas paradojas que plantea entre subjetividad y racionalidad,
entre caos y orden, entre placer y disciplina. En la obra de Alonso están
presentes, además, las heridas producidas por la dictadura militar,
apostando por el compromiso político, sin descuidar el erotismo que se
percibe en otra parte de su producción artística.
Emilio Pettoruti:
(1 de octubre de 1892; La
Plata - 16 de octubre de 1971; París) fue un pintor argentino nacido en
la ciudad de La Plata provincia de Buenos Aires. Desde pequeño es
alentado por su abuelo en dibujo y la pintura. Estudió Bellas Artes en
su ciudad natal,1 con maestros como Atilio Boveri y Emilio Courtaret,
con quien aprendió la perspectiva. En el año 1911 participó en una
exposición de caricaturas, gracias a una que representaba.
Antonio Berni:
(n. Rosario, Santa Fe; 14 de mayo
de 1905 - Buenos Aires; 13 de octubre de 1981), fue un pintor, grabador
y muralista argentino,1 2 sus padres eran de origen italiano: su padre
—Napoleón Berni— era sastre nacido en Italia, y su madre —Margarita
Picco— era argentina hija de inmigrantes italianos radicados en Roldán,
un pueblo de la provincia de Santa Fe, a 30 km de Rosario. Berni nació
en calle España 288 (entre Salta y Catamarca). Una placa con bajorrelieve indica el sitio.
El grabado argentino gana
espacio en el menú de las
apuestas más rentables.
Tanto el grabado como el
dibujo son dos disciplinas
que han ganado adeptos
entre quienes quieren
hacer una buena elección.
16 | VENTA DE OBRAS
Detalle obra de Carlos Alonso | Técnica: Dibujo con color | Año: 1971
Detalle obra de Lón Ferrari | Técnica: Grabado | Título: Planta | Año: 1980
VENTA DE OBRAS | 17
DAVID
SEGUIN
En esta edición, como en
todas, les presentamos un
jóven artista freelancer,
en esta ocación se trata
de un ilustrador y diseñador gráfico de Montreal,
Canadá. Que en el último
tiempo nos ha demostrado
su pasión con trabajos impactantes que han sabido
llegar alto. Les dejamos la
galeria de imagenes para
que disfruten de su obra.
GALERÍA DE NUEVOS ARTISTAS
“Fearless” Ilustración digital
18 | ARTISTAS: DAVID SEGUIN
NOTICIAS | 19
Para ver más obras de David Seguin o contactarlo:
davidseguinphotos.tumblr.com
www.behance.net/DavidSeguin
“S/T” Boceto con grafito
“Fallen” Ilustración digital
“S/T” Ilustración digital
20 | ARTISTAS: DAVID SEGUIN
“S/T” Boceto con grafito
“S/T” Ilustración digital
“140” Proceso digital
ARTISTAS: DAVID SEGUIN | 21
“Los amantes” Fotografía analógica procesada. De Brusy Tani.
LA PÁGINA DE MACU GAVILÁN
“Oblivion” Ilustración digital
“S/T” Boceto con grafito.
Los artistas de la
incomunicación
Cuando dicen que el “arte es incomunicación”, que
expresan “el vacío”, o que son “incomprendidos”,
lo que están queriendo expresar es la frustración
de que 1) no saben comunicar, 2) no tienen nada
que decir y 3) nadie los aguanta.
“S/T” Ilustración digital
22 |
ARTISTAS: DAVID SEGUIN
En un lugar de Andalucía, a mis dieciocho años
cargados de ingenuidad y expectativas, asistía
yo a un encuentro de poetas de cuyos nombres
no tengo el gusto de acordarme. Después de las
oportunas presentaciones que una mesa tan ilustre
requería, una poetisa —ganadora reciente de un
premio con mayúsculas— escribió en una hoja
blanca, doblada a la mitad, las siguientes palabras:
“Todo lo que yo diga aquí no vale casi nada”. Y
colocó tamaña sentencia frente a ella y de cara al
auditorio antes de empezar su intervención.
Cuando comenzó a recitar sus textos abarrotados
de referencias poéticas y metapoéticas veladas,
me di cuenta de que las razones de aquel premio habían sido razones de peso, pero de peso
bibliográfico. Su poesía era toda una referencia
indirecta extremadamente complicada que la
reservaba, como caviar, a la comprensión de los
lectores más eruditos. Es posible que fueran ellos
los únicos que pudieran averiguar si detrás de
aquellas palabras se decía algo sobre algo, o no,
y no dudo de que esta posición de exclusividad
que siempre les provoca un gusto casi genital a
los académicos condicionara el veredicto. Cuando
terminó de leer, uno de los asistentes, un poco
inseguro por no haber entendido la poesía de
la artista, le preguntó con humildad qué era lo
que quería expresar con su creación. La poetisa
respondió con voz forzadamente dulce: “La poesía
es incomunicación”, escapándose —por caminos
posmodernos, eso sí de responder.
Pero no me interesa escribir sobre artistas con
mayúsculas o sin ellas, ni bajarlos de las mesas de
ponentes al reino de los hombres, o cuestionar
su divina y metafísica función, su último motor o
su primer principio. El objeto de esta crítica no es
aquella joven poetisa un poco inflada por el tóxico
de un premio, ni tampoco su poesía llena de referencias, ni mucho menos aquel infantil pretexto con
el que se excusaba de no darse a entender.
El objeto de esta crítica son aquellos que, embarcados en el suicidio posmoderno de la pérdida
de todos los nortes, la pusieron como ejemplo
poético y aplaudieron sus absurdos con la boca
abierta, como si fueran el gran posdescubrimiento.
Ustedes me van a perdonar que continúe yo este
ensayo con una perogrullada en respuesta a aquel
suceso: el arte es un proceso de comunicación.
Y la necesidad de comunicarse es una cosa que
les pasa a las personas y hasta a los animales, y
se satisface cuando tres mundanos elementos se
conjugan: uno (emisor) tiene algo que decir (mensaje) y tiene alguien que lo escuche (receptor). Por
ello, la estructura que se esconde tras el cotidiano
suceso por el cual, por ejemplo, un niño que tiene
sed pide un vaso de agua a su padre es la misma
que la más grande y pomposa obra de arte.
Cuando los artistas dicen estas cosas de que el
“arte es incomunicación”, de que crean “para sí
mismos”, de que expresan “el vacío”, el “yo”, o
de que son “incomprendidos”, lo que están queriendo expresar es la frustración que les provoca
no este mundo carente de valores, sino el hecho
de que 1) no saben comunicar, 2) no tienen nada
que decir y 3) nadie los aguanta. Cuando el arte
no es comunicación no es arte. Y eso de que el artista crea para incomunicarse es un insulto al sentido común tan burdo como aquel de que quieren
defender la paz de Siria con tanques. El problema
es que, en el mundo del arte, donde se matan
para ver quién es el más original, la farsa del
incomunicante vende muchísimo, incluso más que
la de los gringos preocupados por las libertades
democráticas del mundo. No me entiendan mal,
no defiendo que el arte sea cosa de unos pocos,
o quizá sí. Pero en cualquier caso, el arte de estos
“incomunicados” no sería razón suficiente para un
ensayo si no hubiera una horda de críticos, sensibles a los billetes de los empresarios a los que
se venden, que —no sólo aplauden— sino que
imponen, con el poder que su toga les confiere,
estos “dis-gustos” estéticos.
LA PÁGINA DE MACU GAVILÁN | 23
Zulema Petruschansky
CIUDADES IMAGINARIAS
Vale la pena examinar con profundidad su obra, armada
con extrema sensibilidad en un despliegue de estructuras
arquitectónicas que se entrecruzan y surcan el espacio.
Por Mercedes Perez Bergliaffa
BIOGRAFÍA
“Serie de los simbolos 2”
24 | ARTISTAS: Zulema Petruschansky
Nació en Buenos Aires,
Argentina. Estudió en las
Escuelas Nacionales de
Bellas Artes de Buenos
Aires y de Tel-Aviv, Israel. Se
especializó en Grabado en
el taller del maestro Alfredo
De Vincenzo, en la Escuela
“Ernesto de la Carcova” y en
el “Taller de la Gráfica”, La
Habana, Cuba. Participa en
Salones Nacionales y Provinciales donde ha obtenido las
máximas distinciones.
Sus obras forman parte de
colecciones privadas y de
museos nacionales e internacionales. Ejerce la docencia
en su taller desde 1985 hasta
la actualidad.
Presentar algunos paisajes conmovedores por los que la historia se arrastra,
y pretender hacerse cargo de ellos, es
casi un lugar común en cierto arte de
hoy: hacerlo con dignidad, yendo al
punto, y al mismo tiempo conllevando
la dosis de penetrante observación y
muestra de oficio con que Zulema lo
hace, significa reconciliarse con ese
punto infrangible pero capturable, que
nos lleva de la mera exposición al corazón del hecho artístico.
El arsenal de recursos técnicos y
por ende humanos que ella dispone
sobre el plano, confirma la hipótesis
ya clásica- no por ello menos valedera - que el medio de expresión y su
consumación son la obra. el foco de
inspiración que halla en la arquitectura
es prontamente desviado, hacia el tema
central que la inhabita: el hombre. Pero
de manera negativa: se interesa por las
huellas o pisadas que aquél ha dejado
tras de sí, la residua, el rastro. Así, como
el hombre indaga caminos adyacentes,
introduce distorsiones en sus ya famosos edificios incorporados a la imagen,
anteponiendo siempre un muro de
contención, generalmente en la parte
inferior del grabado, contextualizándolo con grafismos y otras acertadas
intervenciones.
El color parece ocupar un puesto secundario, de manera sutil y diferenciada.
Rompiendo y rearmando estructuras,
con intrusiones adecuadas de toque
informal, Zulema Petruchanky retoma
las huellas de su abuelo ruso, cuya
impecable manufactura de herrería
es para ella ahora transformación en
plano. Por ello, el potenciado conjunto
reaviva la llama de la consistencia de la
obra, por un lado, y al consustanciarse
con un presente plural, se derrama
sobre el espectador como un surtidor
de sugerencias que le hace partícipe
y habitante de estas sorprendentes
ciudades, que oscilan entre la realidad
y el fértil imaginario de la artista. La
obra de Petruschansky es un clásico de
los coleccionistas y es parte de las más
relevantes colecciones locales e internacionales, tanto de particulares como de
“permanentes” de los museos. Precisamente esta artista, convoca y despliega
técnicas mixtas que han merecido el elogio de la crítica y la atención compradora del público. Según especialistas, la
obra de petruschansky ha granjeado el
beneplácito de los que buscan incorporar arquitecturas, geometrías, líneas
gestuales y el collage, todo guiado por
una mano maestra del grabado.
Mirar la obra de Zulema Petruschansky
recuerda el libro de Fulcanelli, alquimista francés que escribió “El misterio de
las Catedrales”. Petruschansky desarrolla en su taller construcciones impactantes, similares a templos y edificios
que se alzan a los cielos, cortando las
nubes, alcanzando espacios nunca vistos. Nuestra artista, ganadora en 2007
del 1er. Premio de Grabado del Salón
Municipal de Artes Plásticas Manuel
Belgrano, no se conforma con diseccionar rosetones, columnas y arquivoltas,
plantas y corredores, ella utiliza para sus
obras todos los misterios que en otro
tiempo habrían estado catalogados
como de la alquimia: el tratamiento de
los metales, los procesos de bruñido y
tanto otro detalle de preciosa elaboración que tiene como objetivo lograr
la óptima calidad en el grabado, es un
arte que Petruschansky domina a la
perfección profunda.
ARTISTAS: Zulema Petruschansky | 25
Grabado,
NUEVAS TÉCNICAS
Volvemos aquí con nuestra sección de nuevas técnicas para
aportar el último material. En este caso les mostraremos la manera menos tóxica de realizar Aguafuerte y Aguatinta.
Las fotos de estas páginas han sido enviadas por nuestros clientes, de sus respectivos talleres. Los que
nos ayudan a agregar nuevas técnicas a esta sección. Escribenos tu también! [email protected]
26 | GRABADO, NUEVAS TÉCNICAS
GRABADO, NUEVAS TÉCNICAS | 27
Aguafuerte y aguatinta
MENOS TÓXICO
“Grabar usando materiales menos
tóxicos es respetar a los demás, al
Mordiente de
medio ambiente y a uno mismo.
BURDEOS
Reemplacemos lo tóxico por
materiales sostenibles. “ [Pablo Delfini]
3
5
4
Para aluminio:
50 grs de sulfato de cobre
50 grs de sal fina
1 litro y medio de agua
Preparación:
En una jarra medidora se
ponen 50 grs de sulfato de
cobre y con agua caliente
se revuelve con cuchara
de plástico hasta disolver
las piedritas del sulfato. Se
puede ir poniendo parcialmente la solución a medida que se disuelve en el
recipiente contenedor e ir
agregando agua caliente en
la jarra y seguir disolviendo.
Luego ponemos 50 grs de
sal fina y disolvemos con
agua caliente de la misma
manera que hicimos con el
sulfato. Completar con agua
fría hasta completar el volumen de 1 litro y medio en el
recipiente contenedor*.
2
6
4
Tiempos aproximados:
Para aluminio:
Aguafuerte:
Líneas finas: de 5 a 15 minutos
Trazos de azúcar: 30 minutos
Barniz blando: 30 minutos o más, dependiendo de la textura.
Aguatinta:
Los planos de aguatinta, es decir los
grises de superficie, se pueden lograr
en el aluminio sin trama de resina o sea
exponiendo el plano del metal directamente, limpio. El mordiente al actuar
sobre el metal expuesto sin trama, lo
hace dejando una porosidad que retendrá la tinta y dependerá del tiempo
de mordido el que sea más oscura o
clara. Podemos determinar tres tiempos
básicos aproximados:
Gris claro: 5 minutos
Gris medio: 10 minutos
Negro: 25 minutos
Estos tiempos se mantienen en el caso
que queramos realizar aguatinta con
base de resina. Siempre se recomienda
hacer pruebas o ir controlando el estado del mordido lavando la plancha con
agua y observando con cuentahilo o el
tacto. A veces si la solución está muy
fría, necesita más tiempo de mordido.
Esto ocurre cuando está ya usada y no
tiene la potencia del inicio.
28 | GRABADO, NUEVAS TÉCNICAS
1 Es recomendable usar
guantes de látex protectores para evitar reacciones
alérgicas, y de ser sensibles
usar mascarilla y lentes protectores, no es tóxico pero
puede producir irritación
momentánea como la que
provoca la lavandina por ej.
1
8
7
Características del mordido:
Es importante tener en cuenta con que
particularidad actúa este mordiente.
Cuando el mordiente actúa sobre el
metal expuesto, larga un residuo terroso, color marrón. Para evitar que este
residuo quede sobre la plancha evitando ver el estado del mordido, es
conveniente que la chapa esté elevada
sobre el nivel de la base de la batea.
4 Una manera de elevar la plancha
puede ser pegar pequeñas secciones
de corcho o tener una batea con
canaletas como la que se muestra
en imagen y de esta forma cuando
removemos el residuo con pincel, este
caerá por los bordes hacia abajo.
Observación:
Este preparado es apto
también para grabar hierro y
hojalata. Pero tener precaución de separar los mordientes para cada metal, nunca
mezclarlos, porque tendrán
reacciones no esperadas.
8
1
5 Tener preparado otra batea con agua
limpia para al terminar el tiempo de
mordido limpiarla rapidamente y lograr
así que no queden restos del mordiente
en los huecos logrados.
LIMPIEZA DE LA CHAPA:
6 Además preparar trapos y papel
madera o de diarios para secarla rápidamente y así asegurarnos que no queden
rastros del mordiente que pueda seguir
trabajando en nuestra chapa.
PROTECCIÓN DE LA CHAPA:
2 El sulfato de cobre es de
color azul y puede ser en
piedras o molido como sal,
este se consigue es Quámicas industriales, conservarlo
en su paquete original.
7 La realizaran con detergente y puloi como de costumbre ayudándose con esponja
virulana de ser necesario en caso de haber rayas muy profundas o una suciedad muy espesa.
Igualmente pasar muy suavemente de manera circular.
8 La protección se realiza con Goma Laca, para esto es mejor la que viene en escamas y
prepararla con Alcohol fino. También se puede utilizar cera para pisos. La colocaran con pincel
suave de manera de cubrir toda la chapa. Y se trabaja sobre ella con herramienta de Punta seca.
3 Una vez preparado el
mordiente, conservarlo en
botella de vidrio y envuelto
en papel.
GRABADO, NUEVAS TÉCNICAS | 29
GALERÍAS
PRÓXIMO NÚMERO
Magna Arte Argentino
“UN MURAL CON HISTORIA”
Nació como un espacio de exposición y valorización del arte de nuestro
país. En ella podrán encontrar las obras más representativas de los maestros de nuestras artes plásticas, como así también, obras de nuevos artistas que seguramente dejarán un sello en nuestra historia del arte. En
este mismo espacio, además, le damos vida a una serie de actividades
relacionadas al arte y al coleccionismo.
Magna ofrece obras de gran calidad artística, servicios de restauración,
conservación y tasación de obras de arte y objetos antiguos.
DIRECCIÓN: Libertad 1033. Bs. As.
Vermeer
Entrevista Guillermo Roux. El proceso
de creación de “La Constitución guía
al pueblo”, instalada en la Cámara de
Diputados de Santa Fe, cuyos bocetos
se exhiben ahora en Colección Alvear.
Fundada por sus actuales directores, Enrique y Beba Scheinsohn. El año pasado cumplimos 30 años de trayectoria intensa y reconocida dentro del Mercado de Arte. En sus salas se exhibieron obras relevantes y significativas de
la Plástica argentina ,además de ser una de las galerías que hizo las veces de
semillero para aquellos artistas que hoy son considerados Grandes Maestros
Contemporáneos,consagrados y respetados.
Podríamos nombrar y recordar algunas de las numerosas exhibicionesque se han
realizado durante todos estos años: HOMENAJE A JOAQUIN TORRES GARCIA.
DIRECCIÓN: Zuipacha 1568. Tandil.
“Artistas de todas partes, aquí”
MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES
MNBA de Argentina está ubicado en la Avenida del Libertador 1473
de la Ciudad de Buenos Aires. Ocupa actualmente la antigua Casa de
Bombas, edificio perteneciente a los establecimientos Recoleta de
Obras Sanitarias de la Nación (1870). La Planta Baja, de 2.000 m2, está
dedicada principalmente a mostrar las colecciones de arte internacional,
desde la Edad Media hasta el siglo XXI, y el arte argentino del siglo XIX.
Una importante biblioteca especializada en arte, cuyo patrimonio actual
es de más de 150.000 piezas, completa la planta que se proyecta sobre
los parques linderos.
PALAIS DE GLACE
Concebido con la expresa voluntad de generar un ambiente artístico y de promover la formación de artistas y espectadores, rápidamente el Salón Nacional se
convirtió en un lugar de referencia, en un espacio de consagración y legitimación
con una fuerte capacidad para generar movimiento artístico desde sus orígenes.
Las visitas ofrecen una propuesta de carácter informativo y reflexivo que facilitan el
contacto del público con las obras.
La guía a cargo brinda información sobre las técnicas y proporciona ejes para la
reflexión en torno a las obras. Reservas e informes: 4801-0450
30 | GALERÍAS
Vienen de Israel, Bélgica y también de
Tucumán. Exhiben sus obras en Recoleta y crean nuevas en San Telmo. Forman
parte de la Residencia URRA.
“Una artista de su siglo”
Retrospectiva. La figura de Raquel
Forner se recorta en las obras y documentos exhibidos en el Muntref.
LA PÁGINA DE MACU GAVILAN CON:
“Reflexiones sobre los límites
del presente”
Grabado, NUEVAS TÉCNICAS:
“LITOGRAFÍA SOBRE ALUMINIO”
+ TODO SOBRE LOS SALONES Y BECAS. LAS GALERÍAS MÁS VISITADAS.
ADEMÁS DE LA PRESENTACIÓN DE
UN NUEVO ARTISTA FREELANCER
QUE ¡VA A SORPRENDERTE!