1. No category

La tercera parte, acompañada por la voz de Seung Joon Jeong,
descansó en el concepto de la introspección: se recrearon escenas
de meditación, seguidas de puestas en escena del contraste entre
el cuerpo inmerso en prácticas físicamente exigentes, como por
ejemplo correr, y el cuerpo en estado de relajación, con respiraciones sostenidas y pausas. La obra finalizó con un bailarín
que realizaba movimientos cotidianos pero de forma cada vez
más frenética, ubicado en el centro del escenario, rodeado de los
demás integrantes, que caían abruptamente al piso y se reincorporaban nuevamente, una y otra, y otra vez.
Lo más llamativo de Tensión Espacial fueron los dibujos que
trazaron los cuerpos, que aludían indudablemente al lenguaje
corporal oriental, así como las repeticiones de las secuencias que
dotaron de carnadura la idea oriental del movimiento automatizado, como medio para alcanzar el estado de máxima concentración interior que requiere la meditación.
El vestuario se destacó por su simplicidad: las bailarinas Magalí del Hoyo, Julieta Gros, María Kuhmichel, Virginia Viberti,
María del Mar Codazzi y Yésica Alonso usaron ropa cotidiana
color negro mientras que los bailarines Diego Franco, Ernesto Chacón Oribe, Rafael Peralta, Enrique Martín Gil y Nelson
Nahuel Leiva iban de traje. A partir del segundo segmento, los
hombres dejaron de lado los sacos, creando un contraste entre el
negro inicial y el blanco de sus camisas. La iluminación, a tono
El saludo final de Kim Jae Duk, siempre sonriente, al frente de la CNDC
Fotos . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación
con la vestimenta, se compuso de claros y oscuros que realzaron
algunas escenas pero principalmente guiaron la mirada del espectador.
LOS ARTISTAS
Kim Jae Duk, director de la Modern Table Dance Company
y coreógrafo invitado permanente desde 2010 en T.H.E. Dance Company, Singapur, es un enérgico y multifacético artista
coreano (es coreógrafo pero también compone la música que
utiliza en sus obras y recientemente lanzó su propio álbum digital solista) con un peculiar interés en Latinoamérica. Empezó
a desarrollar su curiosidad y talento por la música y la danza en
la escuela secundaria, motivado por su madre, cantante de jazz y
gospel, e influenciado por el artista coreano recientemente fallecido Shin Hae Chul. También estudió filosofía y reconoce en sus
obras el legado de Wittgenstein, particularmente del Tractatus
Logico-Philosophicus (1921).
Kim Jae Duk comenzó a trabajar con Seung en 2014. El cantante de tan sólo 23 años se especializa en pansori (canto narrativo
tradicional coreano) desde hace ya diez años, y es quien aporta
ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 19
los elementos tradicionales que luego el compositor coreográfico/musical adapta a sus creaciones contemporáneas. Aquellos
que se dedican al pansori lo hacen desde muy chicos, en función
de esto, Seung empezó tarde, pero según él es gracias a eso que
pudo encajar en un proyecto que traza puentes entre lo tradicional y lo contemporáneo. En diálogo con esta cronista, Seung
señaló que se dedicó a la música por influencia de su media
hermana mayor, a pesar de la ferviente oposición de sus padres.
Tales fueron las repercusiones de la participación de Modern
Table Dance Company en la gala de apertura del Festival de
Danza Contemporánea de Buenos Aires (octubre de 2014, Teatro San Martín) que fue posible que Kim Jae Duk regresara a
Buenos Aires para sumergirse en un trabajo intenso durante tres
semanas con la CNDC.
Balletin Dance robó unos minutos de un ensayo para poder
conversar con él. A lo largo de la charla, el creador demostró ser
un apasionado del trabajo con el cuerpo y con la música, y en
ningún momento lo abandonó su sonrisa.
¿Cómo fue que decidió trabajar con bailarines argentinos?
Me interesa toda Latinoamérica. Hace tres o cuatro años estuve
en Brasil y en Colombia para el Festival Cena de Danza Contemporánea (Brasil) y Manizales Festival (Colombia), y había
una red de diferentes festivales en Latinoamérica. Allí conocí al
presidente de una de las asociaciones de la red, Marcelo Zamora,
y el año pasado fui coreógrafo de su compañía. Cuando quise
20 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015
Movimiento vibrante de los cuerpos vivos. Tensión y descarga en simultáneo
Foto . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación
venir a Buenos Aires, lo busqué a él y él organizó todo para que
viniera. Claro que la concreción del proyecto fue posible gracias
a KAMS y al Centro Cultural Coreano.
¿Cómo pensó esta obra?
El diseño siempre va primero. En el momento en que compuse
la música, diseñé el sonido en función de un sabor coreano y
argentino (está inspirado en cuestiones abstractas del tango y de
la música tradicional coreana), pero después en la práctica con
la compañía eso lo fui modificando. Fui componiendo a medida que avanzó el trabajo con los bailarines. Las expectativas no
siempre son necesarias para la creación. Yo busco el movimiento vital del cuerpo, el valor del movimiento del cuerpo vivo,
la intensidad, el poder, lo relajado. Sentir la fuerza muscular.
Luego busco textos para interpretar. Mis temas fueron a veces
sociales, pero ahora me estoy focalizando en lo introspectivo,
interno, por eso la obra se llama Tensión Espacial, porque quiero
que realmente aparezca el poder de la relajación, el poder de
la velocidad, el poder del sentir, el poder de la inspiración. Si
el cuerpo del humano no se mueve, el mundo no se mueve, y
por eso la danza tiene tanto valor. El valor del movimiento del
cuerpo vivo.
¿Cómo trabaja ‘lo interno’ con los bailarines?
No tenemos mucho tiempo para explicar de qué se trata lo
interno, ellos aprenden el cómo se hace de lo que yo les marco. Busco interpretar de manera sencilla mis movimientos.
De hecho los coreógrafos quieren interpretar, decir acerca de
un cierto objeto, de una cierta situación, pero yo lo siento
de otro modo. Mi propuesta es: en lugar de decir acerca del
movimiento, mostrar. Eso es lo que hace vibrar.
¿Qué puede decirnos acerca de combinar lo
contemporáneo con la tradición?
Elijo el pansori porque eso me hace ser, por eso existo, soy
coreano. Y por otro lado, el pansori no es ritmo, es tempo.
El ritmo es así, 1 2 3 4 5 6, seguimos el ritmo. La gente
hace danza con música, pero generalmente la música está de
fondo, y la danza es velocidad: lento, rápido, lento, rápido.
Pansori es sólo tempo, casi no hay ritmo. Eso es lo que tanto me gusta del mundo de Dios: todo lo que podemos ver
es el mundo, pero es nuestro mundo. Podemos interpretar
cualquier cosa con los números; consistencia, frecuencia, podemos ver eso, contar eso, pero el tempo, eso no lo podemos
contar. El pansori es lo que me hace dar cuenta de la existencia. A veces es demasiado picante, como muy condimentado, por eso en esta pieza lo quise probar bien suave. La parte
del pansori es la de la interpretación con el alma, el cantar
solo, el aparecer del sabor de Corea, sólo eso.
¿Cómo es una jornada de ensayo?
Aprendí sobre los ensayos a nivel profesional en Singapur.
Aprendí sobre el progreso, el cronograma… Incluyendo
pausa para el almuerzo, allá trabajamos de diez de la mañana
a siete de la noche. Los bailarines son muy disciplinados,
están muy concentrados todo el tiempo. Pero eso, para los
bailarines de acá es demasiado; ya cuatro horas es una gran
cantidad de tiempo. Entonces, con la CNDC trabajamos
cinco horas, pero eso incluye varios breaks y además vamos
a un ritmo bastante tranquilo.
Imagino que Ud. es muy exigente…
Cuando alguno pregunta por qué algo se hace así y no de
otra forma, yo pregunto si le gusta lo que está haciendo. Si
responde que no, le pido que se retire; y si no, si dice que le
gusta, le pido que haga; pero no, no explico. También acepto
las opiniones de cada bailarín, porque a pesar de que haya
quejas o encuentren dificultades, todos ellos se quedaron,
y eso es porque tienen ganas, entonces intento realmente
comunicar, adoptar y cambiar las cosas -también- según sus
opiniones. La manera de dialogar con los bailarines y de
mostrar al máximo los movimientos es a través del amor,
hay que decir con mucho cariño y mucho amor. __BD
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ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 21
ACTUALIDAD
Con Altas Apuestas
Por Nahuel Aguirre
Dos artistas emergentes, dos propuestas y un ciclo de danza que se desarrollará
en abril en el Teatro El Cubo. En esta entrevista, los bailarines Mauro Cacciatore
y Jesús Guiraldi, comentaron cómo surgió el proyecto, cómo lo abordarán y qué
esperan de él
En 2014, Jesús Guiraldi decidió poner en
marcha un festival llamado Una Constante en el Teatro El Cubo. Para sumar
propuestas decidió llamar al coreógrafo
Mauro Cacciatore, quien se encontraba
trabajando en un proceso denominado
hoy, Timba.
La buena recepción del festival llevó a estos colegas a colaborar en el ciclo Tomá
Mate. Entusiasmados con lo que se empezó a gestar, Cacciatore y Guiraldi comentaron a Balletin Dance de qué se
trata y opinaron sobre algunos temas relacionados a la danza.
¿Cómo surgió este proyecto?
Jesús Guiraldi. Lo que nos unió fue laburar en el Festival Constante de diciembre
del año pasado, además ambos estamos
en un momento en que tenemos claro
lo que estamos haciendo. Nos prestamos
a generar cosas, abrir espacios, mostrar
nuestro trabajo afuera, a que lo vean.
¿Qué esperan del ciclo?
JG. Que participe un público ajeno a la
danza, ellos pueden ver otras cosas. No
me interesa que sólo vengan bailarines.
Mauro Cacciatore. A mí, particularmente, las devoluciones que más me han
aportado son las de la gente que no pertenece a la danza. Relatan desde lo que
vivieron al acercase al movimiento. Son
más participes y no están condicionados
por el lenguaje técnico.
Multiplicidad de lenguajes en Metadiégesis
Foto . Paola Evelina
22 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015
Muchas veces directores y coreógrafos, temen arriesgarse con sus propuestas y
presentarse a un público general. “No van a entender o se van a aburrir”, son las
excusas habituales. Incluso Cacciatore tenía dudas y afirmó que subestimaba la
apreciación de la audiencia.
MC. Al principio puse muchos “peros”. El material que trabajo no se ve mucho acá,
por eso tenía miedo que a la gente común no le guste, sin embargo lo que pasó en diciembre en El Cubo fue muy loco, se veía a personas disfrutando vernos bailar.
JG. Yo también sentí eso. Estaban entregados a ver danza. Se sumergieron en el imaginario. Hay algo importante del festival del año pasado, hubo gente que nunca en
su vida pensó que iba a ver lo que hace Mauro. Muchos no saben que es la técnica de
Merce Cunningham.
Con ganas de mostrar otra forma de hacer danza a un público masivo, estos jóvenes se
animaron a poner en marcha este ciclo, que pondrá en escena dos propuestas diferentes, pero con un mismo objetivo: abrir espacios y compartir nuevos imaginarios con
el espectador.
¿Cómo describen sus propuestas?
JG. Las obras tienen que ver con el azar y lo indeterminado; entonces el espectador va
a presenciar siempre algo nuevo porque es una investigación que va mutando. Por otro
lado, son laburos que tienen muchas personas que aportan a un trabajo en común.
MC. Mi proyecto no está cerrado en su totalidad. Generamos un marco común donde la
Inspirados en Cunningham
Foto . Camila Florines
idea no es ni que la música, ni que el movimiento condicione lo que se vea, ni que haga
asociaciones a lugares conocidos. En realidad es un espacio para investigar de ambas partes.
Tomá Mate se desarrollará los domingos de abril y tendrá como protagonistas las obras
Metadiégesis y Timba.
METADIÉGESIS
Escoge elementos propios del hip-hop y el parkour, que intentan conjugarse con la
danza contemporánea. Improvisando con las posibilidades espaciales, este grupo multidisciplinario interactúa y se desplaza para intentar convivir en escena, para crear un
mismo lenguaje.
JG. Investigamos e improvisamos sobre lo que trae cada intérprete para un material en
común. Hay momentos coreográficos pero es conclusión del aporte de todos. En abril
voy a presentar el primer resultado, de lo que llamo El Proceso Uno de esta investigación
que es larga y que va a terminar en noviembre de este año. En ese entonces quizás ya
esté cerrada como obra.
TIMBA
Los bailarines de Proyecto Even(t), crean
un ambiente similar al de un bar en el
que ofrecen movimientos de la técnica
Cunningham, mientras los músicos de
Desamble componen en base a líneas,
puntos y densidades. En escena, ninguno
depende del otro, ambos se complementan en un juego inspirado en el azar.
MC. Tomo los naipes como una herramienta de composición. En los ensayos
además de entrenar técnica, nos concentramos en lo que llamo problemáticas
coreográficas: creamos a partir de dificultades de movimiento y se analiza cómo
resolverlos. Cada dificultad se plantea
desde el resultado de tirar los naipes,
mientras los músicos complementan la
pieza desde sus improvisaciones.
Por un lado efectista y shockeante, por
el otro técnico y experimental, estos jóvenes apuestan mucho en este ciclo que
tiene como objetivo lograr que el público se sumerja en el imaginario y la danza. Cuando decidieron el nombre del
ciclo los entrevistados determinaron que
“igual que con el mate, las buenas cosas
se comparten”. __BD
ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 23
PROVINCIAS | CÓRDOBA
Nuevos Bríos
para el Ballet Oficial
Por Luisa Heredia
Marcela Carta, ex bailarina y coreógrafa de la casa, se hizo
cargo de la dirección del elenco provincial este año. Ella
conoce desde adentro a la compañía y disfruta de este rol
que marca un nuevo desafío en su larga trayectoria artística
Marcela Carta asumió a principios de marzo la dirección del
Ballet Oficial de la Provincia de Córdoba y está feliz con esta
convocatoria que marca el inicio de un nuevo ciclo artístico tanto para el elenco como para ella. Carta es un producto del Teatro
del Libertador San Martín, se formó en su escuela -el Seminario
de Danzas Clásicas Nora Irinova- y fue primera bailarina durante muchos años hasta su retiro en 2008. También en su escenario
fue donde mostró sus dotes como maestra repositora y ensayista,
y exhibió sus creaciones coreográficas.
En diálogo con Balletin Dance, la flamante directora se mostró
feliz por su designación y por los logros que ha ido consiguiendo
desde que se oficializó su nombramiento, con sólido apoyo de
la dirección del Teatro provincial a cargo de Marcela Reartes.
Para ejemplificarlos, señala que habían sido planificadas cuatro
24 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015
funciones de El Lago de los Cisnes (versión de Mario Galizzi y
reposición coreográfica de Sabrina Streiff), “pero pedí dos más a
la dirección y me las dieron” [que se realizaron a partir del 26 de
marzo], explicó. El coliseo también fue concediendo escenografía, vestuario y todo lo inherente a una puesta de esta envergadura. “Tuvimos todos los ensayos de Lago… en el escenario, una
situación que pocas veces se daba para el Ballet… y contaremos
con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de Córdoba, a
cargo de Adrián Hávila Arzuza”.
Marcela Carta arranca sus tareas con una programación planificada en 2014 en la que ella no participó personalmente, pero
está más que satisfecha porque “además de Lago…, vendrá Mauricio Wainrot con Ocho Estaciones y a fin de año haremos El
Cascanueces. En total serán veinte funciones aproximadamente”.
El objetivo de su gestión, será “que el Ballet de lo mejor de sí”
expresa ilusionada la maestra. “Es una compañía con gente de
muchísima experiencia y también con bailarines muy jóvenes,
Marcela Carta es además psicomotricista, profesión
que le brindó una mirada diferente para sacar a la luz lo
mejor de cada bailarín. “Con los pacientitos hay que comenzar desde lo que pueden hacer, para lograr aquello
que parece imposible. En la danza, con los bailarines,
pasa lo mismo. Si el bailarín solamente escucha ‘está
mal’ no puede mejorar, necesita confianza para luego
poder brillar en el escenario”.
abiertos y muy receptivos a aprender”. Por la normativa que rige
este elenco, el cuerpo estable tiene 56 bailarines, mitad hombres
y mitad mujeres. “Sin embargo, en este momento muchos están
por jubilarse o hay carpetas médicas y el elenco cuenta con menos artistas en actividad. Para esta puesta contratamos refuerzos,
para completar 30 bailarines en escena, que ofrece un impacto
visual muy importante para el público”, explicó.
Ser de la casa, como suele decirse en el ambiente teatral, brinda
varios puntos a favor para la directora. Su relación con todos los
cuerpos artísticos, técnicos y administrativos, es un vínculo de
pares, y para ella esto es una ventaja. “Me conocen y hasta ahora
las cosas fluyen muy bien”, destacó.
Con respecto a su gestión, Marcela Carta asegura que la danza
en el mundo ha cambiado. “Ahora los bailarines saben bailar,
actuar, cantar, hacen de todo. No se quedan solamente con lo
clásico sino que incursionan en diferentes lenguajes coreográficos”. En ese sentido destacó la importancia que reviste para
los bailarines tener contacto con los otros cuerpos estables del
Teatro del Libertador (Orquestas y Coros) porque “además de
crecer artísticamente, es muy estimulante el apoyo mutuo entre
los distintos elencos”.
En este diálogo la directora también destacó la importancia que
tuvo en su carrera la formación que recibió en los dos años que
vivió en Buenos Aires y en las clases de perfeccionamiento constantes que ofrece esa ciudad. “Con Martín [Cippollone, su marido] cada peso que teníamos lo invertíamos en viajes a Buenos
Aires para tomar clases”. Por aquellas épocas, la generosidad de
Liliana Belfiore para con ellos, desde lo artístico y también desde
lo económico, fue trascendental.
“El año pasado, por iniciativa de Alejandro Cervera [entonces
director del Ballet Oficial] viajamos a ver clases en el Teatro Colón de Buenos Aires. Experiencias muy importantes y enriquecedoras porque ves otra forma de trabajar, otra dinámica para las
clases, que te permiten aprender muchísimo. Me gustaría que
nuestros bailarines también puedan ir al Colón o al Argentino
de La Plata a tomar clases, para tener esas vivencias”, agregó. Por
otro lado, uno de sus mayores anhelos, es que el Ballet Oficial
viaje y salga de las fronteras de Córdoba, “lo que sería una experiencia importante”. __BD
El Ballet Oficial de la provincia en El Lago de los Cisnes
Foto . gentileza Teatro del Libertador
ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 25
La Noche Transfigurada fue creada sobre partituras de Arnold Schöenberg (Opus 4) y
será interpretada por Candela Rodríguez y Germán Farías. Según palabras del propio
Schöenberg, esta música “no ilustra ninguna acción o drama, sino que se limita a
‘pintar’ la naturaleza y a transmitir sentimientos humanos. Parecería que gracias a esta
actitud mi composición ha ganado cualidades que pueden satisfacer también a los que
no conocen lo que ella ilustra, es decir la posibilidad de ser apreciada como música
‘pura’ (. . .) La conclusión que cierra ésta partitura glorifica los milagros de la naturaleza
que ‘transforma’ una noche trágica en una noche transfigurada.
Para hablar de Pléyades, creación sobre música de Frank Martin, Oscar Araiz utiliza
palabras de Gastón Bachelard: “Y cuando, en el cielo anónimo, nos fijamos en una
estrella, resplandece para nosotros, su fuego se rodea de un poco de llanto, una vida
aérea viene a mitigar las penas de la tierra”.
Noche Transfigurada / Foto . Serge Buffat
Noche
Transfigurada
+ Pléyades
Coreografía y dirección: Oscar Araiz / Director asociado: Yamil Ostrovsky
Grupo de Danza de la Universidad Nacional de San Martín (Unsam). Magali Brey, Rocío Castagnasso, Romina
Castillo, Sofía Crespo, Manuela Diez, Candela Rodríguez, Corina Tate, Antonella Zanutto, Nicolás Baroni, Oscar Farias,
Germán Farías, Martín Machín, Matías Mancilla, Gerardo Merlo, Juan Carlos Ojeda y Bernardo Villafañe.
Sábados 18 y 25 de abril, 21 hs. El Galpón de Guevara: Guevara 326, Tel: 4554-9877 (Pléyades en versión masculina)
Jueves 23 y 30 de abril, 7 de mayo, 21 hs. Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini: Corrientes 1543
(Pléyades en versión femenina)
Documentos
de Identidad
en Cartel.
“… La historia del hombre es un largo rodeo alrededor de su casa… y el hombre lejos de su casa se convierte en una llamada sin respuesta”, palabras del escritor jujeño
Héctor Tizón elegidas por Ana Deutsch para hablar de su pieza, “porque aluden en
parte a lo que me conmueve y es una de las motivaciones de este proyecto”.
“Tomo como punto de partida la relación cuerpo-movimiento-espacio –explica la
coreógrafa-, como una nueva indagación sobre la subjetividad. Surgen así breves
escenas que hacen visibles los momentos de intimidad y soledad entendida como
demandas lúdicas, de silencio y monólogo interior. La memoria, los sonidos y objetos de uso cotidiano como acceso para una construcción poética”.
Carla Di Grazia / Foto . Gentileza de la producción
Idea y dirección coreográfica: Ana Deutsch / Intérprete: Carla Di Grazia
Domingos 21 hs (hasta el 3 de mayo), 18 hs (del 10 al 31 de mayo).
Espacio Teatral ElKafka: Lambaré 866, Tel: 4861-5439
A La Luz del Flamenco
El espectáculo de Graciela Ríos Saiz, que ya lleva tres meses en cartel,
se presentará a partir de este mes con nueva música, nuevo vestuario,
nueva sala y nuevos horarios. “Una nueva puesta. Saetas, además de
seguiriyas, guajiras, tientos, tangos, alegrías y bulerías, se podrán escuchar en este espectáculo” explicó la directora a esta revista.
Foto . gentileza de la producción
Coreografía y dirección: Graciela Ríos Saiz
Ballet Hispania: Natalia Bonansea Ríos, Luciana Di Lorenzo, Laura Garrido, Eugenia Seijó
(baile), José Ismael Sierra Flores (guitarra), Mónica Poblete y Paula Suárez (voz)
Sábados 20:30 hs. Teatro del Museo Larreta: Mendoza 2250, Tel: 4784-4040
26 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015
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28 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015
actualidad
Una Gran Fiesta Solidaria
Por Daniel Sousa
La danza dirá presente una vez
más en la tradicional Caravana y
Mega Festival Solidario a beneficio
del Hospital de Niños Dr. Ricardo
Gutiérrez, que este año se realizará el
domingo 10 de mayo
Junto con actores, deportistas, músicos,
periodistas, empresarios y dirigentes políticos, figuras de renombre en el ámbito
del baile participarán de la vigésimo segunda edición del evento que organiza la
Asociación Mutual Conductores de Automotores (AMCA) con motivo de celebrarse el Día Internacional del Taxista.
El festival tiene como meta recolectar
donaciones para proveer de instrumental y equipamiento médico al nosocomio. Este año, en el que el Hospital
celebra su 140º aniversario, buena parte
del dinero recaudado se destinará a la
construcción de un laboratorio de estudios complejos.
La fiesta solidaria comenzará a las 9:30
hs. en la puerta de la casa central de
AMCA (Boedo 150). Desde allí partirá
Mora Godoy ya dejó la huella de su mano en el
Hospital de Niños
Foto . gentileza de la organización
una caravana de taxis, remises y vehículos repletos de juguetes y obsequios.
Recorrerá las principales avenidas de
la ciudad y culminará en la puerta del
Hospital de Niños (Gallo 1330). Allí se
desarrollará un gran festival artístico durante toda la tarde.
En ediciones anteriores actuaron Maximiliano Guerra, Violetta, Palito Ortega,
Patricia Sosa, La Mosca, Axel, Agapornis, Mora Godoy, Carlitos Balá, Casi
Ángeles, David Bolzoni, Antonio Birabent, Panam, Topa y muchos otros artistas. Este año, los organizadores prometen aún más sorpresas. Junto con los
artistas que ocupen el escenario, cientos
de otros famosos dejarán marcada la
huella de su mano en un mural como
signo de colaboración y apoyo a los chicos internados en el Hospital.
La acción solidaria de AMCA se extiende al resto del año traccionando nuevas donaciones y aportando al sostenimiento general de la institución. Para
colaborar: Asociación Cooperadora del
Hospital de Niños Dr. Ricardo Gutiérrez, Gallo 1360. Tel.: (011) 49627739/2587. __BD
ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 29
actualidad
Ley Federal de las Culturas
Hasta el 20 de abril hay tiempo para
sumarse al proceso de construcción
participativa de la Ley Federal
de las Culturas. La convocatoria
está abierta a ciudadanos de todo
el país, quienes pueden acercar
sus iniciativas en forma digital
(por e-mail) o impresa (por correo
o personalmente). La danza está
presente
Mientras que el proyecto de la Ley
de Danza impulsada por los propios
hacedores del sector continúa sin tratarse en el Senado, el país entero está
diseñando la nueva Ley Federal de las
Culturas (como ley marco) que reúne
21 núcleos temáticos que regularán la
actividad cultural… incluida la danza.
La importancia fundamental de la
cultura para el desarrollo humano y
como patrimonio de la identidad nacional, patrimonio tangible e intangible, la cultura
como derecho, los sujetos, las disciplinas y los espacios culturales, pueblos indígenas,
el rol del Estado, límites éticos y legales, federalismo, políticas públicas y presupuesto
nacional, la producción, la cultura como trabajo, los derechos de los trabajadores, gestión y formación, entre otros, son los temas que regulará esta ley.
Para participar los interesados deben descargar un formulario de internet. Informes:
[email protected], Dirección Nacional de Acción Federal, Secretaría de Políticas
Socioculturales del Ministerio de Cultura (Adolfo Alsina 1169, CP 1088, Buenos Aires).
La elaboración participativa de normas, establecida en el Decreto 1172 de 2003, es
un mecanismo creado en el marco de la Ley de Acceso a la Información Pública que
permite y fomenta la participación de cualquier persona, física o jurídica, en la elaboración de una ley. A través de estas propuestas de la ciudadanía se busca construir de
forma colectiva el anteproyecto de la Ley Federal de las Culturas, concebida como ley
marco que incluya y exprese la gran diversidad cultural de la Argentina. Con el mismo
fin, el Ministerio de Cultura de la Nación y el Frente de Artistas y Trabajadores de las
Culturas vienen realizando encuentros a lo largo del país
El borrador del anteproyecto propone una ley de y para todas las culturas, en la que el
federalismo sea razón de Estado, y que consagre el acceso irrestricto a los derechos culturales de los 40 millones de argentinos. Establece como sujetos culturales a todas las personas que habitan el territorio nacional, y establece que los artistas, técnicos-profesionales,
hacedores y gestores culturales sean definidos por su condición de trabajadores de las
culturas. También plantea la necesidad de crear un consejo asesor artístico y cultural para
lograr la participación de los colectivos de artistas y trabajadores de las culturas. __BD
Reunión en La Plata para debatir el anteproyecto de la Ley
Foto . Augusto Starita | Ministerio de Cultura de la Nación
30 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015
ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 31
DANZA ARABE
Tamalyn Dallal:
De Aquí, de Allá, de Todas Partes
Por Eliana Gissara
De visita en Argentina, la bailarina e investigadora Tamalyn
Dallal analiza la escena de la danza oriental en el mundo.
Además reivindica la multiplicidad de estilos y destaca la
importancia de aprehender danzas a través de las vivencias
populares
Pionera del grupo Bellydance Superstars allá en 2003 en Estados
Unidos, Tamalyn Dallal es considerada dentro del circuito internacional de la danza oriental como una maestra de maestras.
Con un estilo llano e informal, ha formado referentes a lo largo
de más de 35 años de carrera. Vivió en aldeas, se codeó con reyes
y artistas, escribió tres libros y filmó otros tantos documentales.
Una suerte de propaladora de historias mundanas.
Hoy regresa a la Argentina, país que eligió para vivir entre 1985
y 1986, junto a su amigo Ryan Yanguchao, también bailarín y
oriundo de Beijing. “Él me comentó que uno de sus sueños era
visitar Argentina. Decidimos entonces venir juntos, me gusta
compartir los varios mundos en los que vivo, con amigos de
otros mundos”, dice Tamalyn a su regreso del seminario que
brindó el mes pasado en Córdoba.
Como referente e historiadora, ¿cómo ve el escenario de la
danza oriental en el mundo?
Ha crecido muchísimo. Hay mucha variedad en puntos de vista.
Es importante esta variedad: que no todos pensamos igual. No
todos bailamos igual. Así es un mundo interesante.
Lo importante es estar abierto al crecimiento personal en el baile. A través del baile aprendemos sobre la vida interior y sobre
el mundo. Hay quienes quieren copiar un estilo; creo que algún
día van a cambiar y lograrán ser más individuales y únicos. Hay
otros que se interesan por los temas culturales y étnicos; es importante buscar y entender más de la cultura. Pero si separan la
cultura del pueblo, sin respetar al pueblo, estamos en problemas.
Por ejemplo, analicemos la forma que se ha popularizado el baile
Iraqui-Kawliya. Las bailarinas rusas vieron a las gitanas iraquíes,
que eran refugiadas, huyendo a otros países para salvar su vida
y subsistiendo gracias a este baile. Hoy ya es moda en todo el
mundo, olvidando de quién viene. Sería un sueño ver gitanas
iraquíes bailando y enseñándonos su baile.
32 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015
¿Cómo afecta la expansión y el choque de culturas un mismo
baile?
Hay festivales de baile árabe muy grandes en todas partes del
mundo. Es interesante y es bello que surjan amistades entre bailarinas y bailarines de tantos países. A veces hay competencia
y celos, pero usualmente es a nivel local, entre bailarinas de la
misma región, no al nivel internacional. Nuestro baile comenzó
como baile de celebración, así que no es necesaria la negatividad
en nosotros. Hay espacio para todo el mundo.
En algunos países, adoran el baile pero tratan de quitar lo que es
árabe usando música americana o música china -por mencionar
alguna-, recurriendo a temáticas como halloween, vestidos de
vampiros u otras cosas innecesarias. Yo creo que primero hay
que aprender de la cultura, y después si se quiere variar, se puede. Pero tienen que ser claros cuando lo enseñan y explicar de
dónde viene este baile. En este momento hay mucho prejuicio
contra la cultura musulmana, a través de los medios de comunicación y de la política. Tenemos que superar los prejuicios. No
formar parte de ellos.
¿Está de acuerdo con la categorización de estilos según
países, como por ejemplo estilo egipcio, argentino, ruso o
americano?
Es interesante cómo han surgido estilos nuevos: “ruso y argentino”. Cuando bailo en Asia, hay gente que sólo quiere saber del
ruso o sólo del argentino. Otros que no quieren saber de ellos.
Tienen que entender que los nuevos estilos son bellos, pero son
estilos que empezaron en forma personal algunas bailarinas o
bailarines muy talentosos. El estilo que ahora llaman “egipcio”
es nuevo. Hace 20 años las egipcias bailaban diferente. Hace 40
años, más diferente aún. Nuestro baile pertenece a un mundo
grande y bello para descubrir, que no se debe limitar a un estilo.
¿Cómo ha influido en su forma de bailar haber visitado
comunidades árabes en el mundo?
Antes de viajar y convivir en países árabes y otros lugares que
practican nuestro baile en sus celebraciones y forman parte de
su vida desde hace siglos, yo hacía más bien gimnasia y usaba
elementos. A los 45 años, empecé a conocer el baile más íntimo
de los pueblos. Era un buen momento para cambiar mi estilo
y hacer algo más interno, trabajar con energía, no gimnásticamente. Todo lo que hice antes estaba muy bien porque bailé
Tamalyn Dallal vive la danza
desde cada cultura
Foto . Denise Marino
ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 33
Bailarina, historiadora y directora, introdujo el uso de los
elementos en la danza oriental en Argentina
Foto . Denise Marino
comercialmente. Ahora disfruto de una manera diferente. Me
da satisfacción porque no trato de parecer joven o competir con
la juventud. Ya no me preocupo por lo que piensan los demás o
si me comparan con otras porque mi baile es mío, soy la dueña
de lo que hago y lo que siento. Es una madurez que vino con
estas experiencias entre culturas.
Sentí las tierras diferentes en mi cuerpo. África con energía terrenal y Asia con energía del cielo. El Medio Oriente está en el
cruce de los dos continentes. Uso esta sabiduría en mi baile.
¿Puede citar alguna experiencia que le haya modificado la
forma de experimentar la danza?
En un viaje a África en 2007, estaba con beduinos en el oasis de
Farafra en Egipto. Eran puros hombres que comenzaron a tocar
música. Un hombre estaba bailando sobre una música que era
muy rápida, pero él bailaba lento, con una forma muy diferente
y extraña para nosotras. A su vez, tenía un palo grande que usaba
para apoyar su cuerpo. Había gente a la que eso no le gustaba,
no tenía la estética que acostumbramos. Para mí era fascinante
por la forma que él expresó la música en cámara lenta pero bailando dentro de la música.
Después, en el mismo viaje, fui a Kenya. En la costa de Kenya
está la cultura Swahili, con influencias árabes y de la India. Las
mujeres bailaban tres formas de arte: Swahili, hindú y árabe.
Ellas eran muy terrenales con el árabe, también hacían movimientos más lentos que la música. Otra vez, me quedé fascinada.
Cuando volví a El Cairo, Egipto, estaba en una discoteca e intenté bailar lento con música rápida, usando mucha energía terrenal. Lo importante es usar la energía porque si simplemente
bailás lento con música rápida se pierde el encanto. Una mujer
egipcia me dijo: “No sé lo que estás haciendo, pero por favor
enséñamelo. Me gusta mucho”.
verdad y la gente les cree porque no han viajado para investigar
con sus propios ojos.
Ya es mucho más que falta de comunicación. Es manipulación
para que continúen las guerras con fines económicos y no humanitarios. Es muy peligroso. Está llegando al punto que este
año han matado árabes vestidos con sus ropas tradicionales sólo
por gusto. Los medios tienen mucha responsabilidad, porque
mucha gente no viaja fuera de su país y sus ideas dependen de lo
que dicen en las noticias.
En la última entrevista que realizamos para Balletin
Dance (año 2007), usted había afirmado que “la falta de
comunicación entre oriente y occidente es la razón principal
de las guerras que estamos sufriendo”. ¿Sigue estando
de acuerdo con esta frase? ¿Ha cambiado algo desde esa
época?
No ha cambiado, pero siento esta frase más fuerte ahora. En
Estados Unidos y muchos otros países hay más y más prejuicio
y mal entendimiento. Eso viene de los periódicos, radio, televisión e Internet, donde hablan del extremismo como si todos los
musulmanes fueran extremistas, o como si eso fuera el Islam.
Y manipulan al público con la forma en que hacen reportajes.
Hasta he oído en radio que los musulmanes no han contribuido
en nada a la civilización. Olvidan que Ziryab trajo civilización a
Europa cuando no había tal expansión. Dicen cosas que no son
Por último, ¿cree que las nuevas tecnologías y el auge de las
redes sociales han modificado en algún aspecto la forma en
que bailamos y vemos bailar?
Hay tanta información… Cualquier baile que queremos ver está
en Youtube. Bailarinas de todas las épocas, hasta de 1930, están
por Youtube. Es increíble el acceso que tenemos a través de medios electrónicos. Tenemos grandes oportunidades de aprender y
educarnos. También, manejar nuestras carreras como bailarinas
o bailarines de una forma distinta. Podemos acceder al mundo
entero en minutos. Podemos arreglar seminarios, recibir contratos
y boletos de avión en minutos. Si uno es inteligente, los medios
electrónicos cambian la vida y abren las puertas al mundo entero.
Antes no viajábamos tanto. Pocas bailarinas tuvieron oportunidad de ir a Egipto. Menos a estudiar con artistas famosos. Ha
cambiado todo y para bien. __BD
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D A N Z A E S PA Ñ O L A
Danza y Música de España
Por Gabriel Vaudagna Arango
El mes pasado se estrenó en el Teatro Astral de Buenos Aires
el espectáculo Hispania, una pieza que combina músicas de
conocidas zarzuelas y bailes de la escuela bolera
Con una puesta muy austera, el director de Hispania, Jorge Mazzini recupera esas canciones que el público quiere escuchar -y
que quizás por la envergadura que lleva montar una zarzuela y
la escasa producción local no se ven- en un formato de cámara,
con cuatro músicos (con destacada participación del cantante
Fermín Prieto) y cuatro excelentes cantantes. Aquello de La
Maja y el Ruiseñor, o la Habanera, La Mazurca de las Sombrillas
o la Violetera… canciones que muchos de los espectadores susurraban y que acompañaban con un entusiasmado aplauso en
cada intervención.
Elenco completo de Hispania
Foto . gentileza de la producción
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Como acto central de la obra se realizó un Homenaje al Gran
Maestro Ángel Pericet con una serie de piezas de la escuela bolera
coreografiados por su hermana Luisa e interpretadas con gran
precisión por el Ballet Sevilla. No se equivocó Luisa Pericet en la
entrevista que concediera a Balletin Dance publicada en la edición de marzo (Nº 240) cuando decía: “Siempre que se hacen
bailes boleros el público lo agradece…”. Tanto en las Sevillanas
Boleras como en los Panaderos de la Flamenca, el Bolero Liso o las
Seguidillas Manchegas; el público ovacionó de pie.
Las bailarinas con una notable entrega, frescura y gran manejo
de las danzas boleras lograron emocionar y traer el recuerdo de
los espectáculos realizados por la familia Pericet allá por los años
‘80 y ’90 del pasado siglo. Unas danzas que se hacen presente
para mostrar la gracia del sur andaluz, como diría Luisa, la técnica del clásico y esa desenvoltura Mediterránea.
Hispania continuará presentándose durante el mes de abril en
el Teatro Astral de Buenos Aires, con producción de Ricardo
Gallo, coreografías de Luisa Pericet y dirección general de Jorge
Mazzini. __BD