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AXOLOTLISMO
Oreet Ashery, Jacopo Miliani, Daniel Steegmann Mangrané, Zin Taylor, Wu Tsang
Curated by Sabel Gavaldon
Fechas de exposición: 23 mayo al 25 de julio de 2015
Inauguración y performance de Oreet Ashery: Sábado 23 de mayo de 12 a 3pm
Un hombre anónimo se inclina frente al acuario del Jardin des Plantes en París. Visita este lugar casi a diario y con
frecuencia se pasa la mañana entera con la cara pegada al cristal. En noviembre de 1902, Rainer Maria Rilke estuvo
en el mismo jardín botánico y más tarde habría de plasmar en un conocido poema su impresión de una pantera
encerrada en una jaula, para la que parecía haber “mil barrotes / y tras los mil barrotes ningún mundo”. Pero al
protagonista de nuestro relato apenas le interesan los felinos ni el resto de mamíferos. Las criaturas que captan su
atención son unos pequeños anfibios que parecen completamente indiferentes a su encierro dentro del acuario. Se
trata de axolotls, una especie de salamandra cuya vida transcurre en estado larvario, esperando pacientemente una
metamorfosis que no ha de llegar.
Le fascina su quietud y la falta de expresión en sus pequeños rostros aztecas. Una mirada de esfinge que sin
embargo le resulta extrañamente familiar. Puede que solamente se trate de la fonética indígena de su nombre —axol-oh-tl—, cuya difícil pronunciación para los europeos le trae recuerdos del continente en el que nació. Pero estas
criaturas parecen devolverle la mirada desde una profundidad insondable. Y de algún modo sabe que ellos también
saben. Hasta que un día se da cuenta horrorizado de que lleva un buen rato, unos minutos, o tal vez unas horas,
observando su propio rostro pegado al cristal del acuario. Ahora es un axolotl. Y parece imposible que pudiera
entenderse con el hombre inexpresivo que lo mira a través del cristal. Su pensamiento es ahora un pensamiento
dentro del acuario. De repente está seguro de que los otros axolotls saben. Ellos también deben de pensar, si bien lo
hacen en silencio. Este pensamiento anfibio no le resulta del todo ajeno. ¿Quizá esté simplemente proyectando una
inteligencia humana a sus semejantes? Pero ahora que habita otro cuerpo, ¿aún puede decir que es un hombre? Y
el rostro familiar que lo observa desde el otro lado, ¿qué sabe en realidad? ¿Pueden siquiera esos enormes ojos noanfibios reconocer su persona desde fuera del acuario?
La exposición AXOLOTLISMO retoma un relato de Julio Cortázar —“Axolotl”, 1956— que cortocircuitó la distancia
entre observador y observado. En aquel relato enigmático, el escritor argentino invitaba al lector a pensar más allá de
la dicotomía entre sujeto y objeto. Se podría abordar este tipo de ficción como una metodología. Una estrategia de
corte perspectivista que abre la posibilidad de un cuestionamiento radical de aquellas nociones que nos constituyen
como personas y sujetos de derecho. Inspirándose en la escritura anfibia de Cortázar, esta exposición busca una
línea de escape al humanismo y sus exclusiones, a través del trabajo de artistas cuya obra parte de una sensibilidad
materialista y cuya práctica explora distintas formas de alteridad radical donde lo humano se desdibuja.
Devenir anfibio no es un cambio de substancia, sino un ejercicio de imaginación política. Un ejercicio para el que hay
que ponerse en el lugar de una alteridad que es siempre múltiple y variable, dibujando un escenario en el que ningún
punto de vista está en posición de reclamar un monopolio sobre la verdad. A ojos del axolotl, la idea de naturaleza
humana se desdibuja y la civilización no es otra cosa que un acuario. El AXOLOTLISMO no tiene un lenguaje propio;
habla en idiomas inventados en otros lugares. El AXOLOTLISMO no es otra forma de pluralismo antropológico, sino
ontológico. El AXOLOTLISMO no busca una comprensión absoluta del mundo de los otros, sino multiplicar nuestro
universo a través del suyo.
El AXOLOTLISMO no es más que una ficción, si bien tiene su propia historia. La de aquellos que no son humanos
aún y la de aquellos que no lo son del todo, pero también la de aquellos que no son ya humanos solamente. Es por
tanto una historia de devenires. Una historia que se pone en marcha cada vez que alguien, en algún lugar, pierde su
forma para devenir mujer, devenir niño, devenir animal, devenir manada, devenir indígena, devenir loco, devenir
anfibio, devenir menor, devenir colectivo, devenir imperceptible, devenir impreciso... Las historias del axolotlismo se
concretan en encuentros monstruosos e intersecciones imposibles. Historias de éxodo y transmutación, disolución y
pasaje, flujos de deseo y líneas de fuga que desbordan lo individual y se resisten a tomar una identidad estable.
Esta exposición es el resultado de la cuarta edición del Open Call que organiza NoguerasBlanchard.
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TRABAJOS
0| Daniel Steegmann Mangrané: ------ -- -- -------- , 2015
Grava e instalación de sonido de ocho canales
En respuesta al marco de la exposición, Daniel Steegmann ha concebido una nueva instalación que opera como una
intervención en el espacio físico de la galería y además sirve de telón de fondo para otros trabajos. La galería entera
se encuentra invadida por gravilla de tonos rosados, alterando de este modo la experiencia del espacio expositivo y
la forma en que el público circula por él. Se trata de una instalación inmersiva que obliga a los espectadores a tomar
conciencia del propio cuerpo, creando a su vez la ilusión inquietante de que uno no está sólo en la exposición, sino
en compañía de una criatura salvaje no identificada, cuyos pasos se escuchan ocasionalmente recorriendo la sala.
1| Wu Tsang: Shape of a Right Statement, 2008
Vídeo HD, auriculares, 5:15 min
Al entrar en la exposición, el visitante se encuentra de frente con este vídeo en el que Wu Tsang repite un manifiesto
de la activista por los derechos del autismo Amanda Baggs. El artista reproduce la entonación sintética y la cadencia
de su voz generada por ordenador, mientras encarna a Baggs mediante una técnica teatral que ha dado en llamar
“citación de cuerpo entero”. El manifiesto de Baggs, “En mí idioma”, publicado originalmente en YouTube, planteaba
una serie de preguntas desafiantes en torno a qué entendemos por pensamiento, inteligencia, comunicación y ser
persona. Mirando directamente a cámara, Tsang declara: “Sólo cuando tecleo algo en vuestro lenguaje os referís a
mí como alguien que tiene comunicación.”
2| Zin Taylor: A Structure for Language onto an Organic Form 014 & 019, 2011
C-Print, 47 x 38 cm c/u
Esta serie de fotografías explora el cuerpo como superficie significante y sus cualidades miméticas. En ellas una
mano sueña con devenir animal. Y ese devenir-animal encuentra una expresión cambiante, polimorfa y sinuosa en
cada una de las fotografías. Sin embargo, la mano es la herramienta humana por antonomasia: la que nos permite
arrancar objetos del mundo y darles una forma intencional. Con razón hay algo escritural en estas imágenes, en las
que el devenir-animal de la mano coincide con el devenir-lenguaje del animal. Basta con pensar en Deleuze y
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Guattari: “Puesto que es mediante la escritura que uno deviene animal, es mediante el color que uno deviene
imperceptible, es mediante la música que uno deviene sin memoria, a su vez animal e imperceptible: enamorado”.
3| Zin Taylor: A Structure to Filter a Room (Curve, Line, Dot), 2014
Tela de yeso, CPVC, pintura acrílica
Los móviles de Zin Taylor son coreografías de objetos que alteran sutilmente la percepción del espacio expositivo.
Hay además una extraña cualidad lingüística en estas esculturas que parecen invitar a su lectura. Como si nos
enfrentásemos a un conjunto de signos que demandaran ser descifrados. Algún tipo de jeroglífico procedente de
una civilización desconocida. Y sin embargo, los elementos que las componen son familiares. Se trata siempre de
franjas, líneas y puntos. Es decir, la materia de la que está hecha la escritura. Aquellos signos gráficos que articulan
nuestro pensamiento, informan la materia y demarcan el espacio. Son nuestras herramientas para antropomorfizar el
mundo. Herramientas rudimentarias con las que abstraemos la realidad y hacemos el mundo comprensible, a base
de imponerle una forma humana, demasiado humana.
4| Daniel Steegmann Mangrané: Morfogénesis / Cripsis, 2015
Dibujo en acuarela sobre pared
El filósofo Roger Caillois sugirió en cierta ocasión que los animales no se confunden con su entorno para protegerse,
sino empujados por un deseo de disolverse en el mundo. Inspirándose en esta idea inquietante, los dibujos murales
de Steegmann replican formas supuestamente naturales, dando lugar a una malla de patrones reticulares en las que
se encuentran camuflados elementos orgánicos como ramitas e insectos palo. Paradójicamente, el rigor matemático
y la serialidad que resulta de estas composiciones hace que adquieran una forma artificiosa e improbable, poniendo
en duda la distinción entre naturaleza y cultura.
5| Jacopo Miliani: Dire e detti, 2013
Proyección de 49 diapositivas
Este pase de diapositivas tiene como protagonista a una bailarina que luce una máscara de loro. La performer está
en realidad poniendo en práctica un alfabeto corporal creado por el artista Karel Teige en 1926. Cada una de las
fotografías se corresponde a una letra y el conjunto de la secuencia compone la frase “Quando crediamo di esser noi
a dire, siamo detti" (Cuando creemos que estamos diciendo algo, en realidad estamos siendo dichos). Esta frase,
atribuida al excéntrico actor y dramaturgo Carmelo Bene, puede leerse como un juego de palabras con un fuerte
componente performativo, que además parece hacerse eco de una conocida idea de Lacan: su afirmación de que el
sujeto de un enunciado está en realidad sujeto a la propia enunciación. En esta serie fotográfica de Jacopo Miliani,
los movimientos coreográficos de una criatura híbrida, mitad hombre y mitad loro —sin duda dos animales
particularmente parlanchines—, sirven para reflexionar sobre cómo el lenguaje nos somete y a la vez nos construye
como personas y sujetos.
6| Oreet Ashery: Cómo matar a un cerdo, 2015
Performance y pintura acrílica sobre PVC, 260 x 190 cm
Una piara de cerdos pastando en la dehesa. Un retrato idealizado de una joven campesina sentada graciosamente
entre su ganado. Un pintor decimonónico que en su día recibió el encargo de realizar el cartel publicitario para una
fábrica de embutidos en Vic. Una imagen bucólica del auge de la industria cárnica a finales de siglo. Para su nueva
performance, Oreet Ashery ha invitado a un grupo heterogéneo de colaboradores a pintar una reproducción de una
escena pastoral de Alexandre de Riquer. Esta obra deberá ser realizada colectivamente y en un tiempo limitado,
pintando sobre una estructura de PVC transparente que restringe los movimientos de los participantes, pero que a
su vez permite al espectador seguir el proceso en todo detalle. Durante la inauguración de la exposición tiene lugar
un proceso de negociación entre pintores —con y sin formación— cuyo resultado es impredecible. Los participantes
en esta performance son Alex de la Croix, Julián Cruz, Nina Paszkowski y Ana Sáez.
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BIOGRAFÍAS
Oreet Ashery (1966 Jerusalén) es una artista afincada en Londres. El trabajo de Ashery aborda construcciones sociales y de
género mediante una práctica interdisciplinar en la que se combinan performance, escultura, video y fotografía. En el pasado,
Ashery ha encarnado a múltiples personajes masculinos de su propia invención para subvertir las relaciones de género y
explorar cuestiones de poder, agencia e identidad cultural. Su trabajo ha sido expuesto en Tate Modern, Londres;
Overgaden, Copenhague; Secession, Viena; Museu do Chiado, Lisboa; Le Transpalette, Bourges; ICA, Londres; HKW Haus
der Kulturen der Welt, Berlín; Brooklyn Museum, Nueva York; Kunstlerhaus Bethanien, Berlín. En 2012, Ashery formó parte
de la séptima edición de la Bienal de Liverpool.
Jacopo Miliani (1979 Florencia) es un artista afincado en Milán. Su práctica se concreta en instalaciones coreográficas y
performances que reflexionan sobre las condiciones del espectador y exploran las relaciones dinámicas entre el lenguaje, el
cuerpo y su representación, apropiándose de referencias procedentes de la historia de la moda, el cine o la danza. Entre sus
exposiciones y performances recientes se cuentan la Fondazione Giuliani, Roma; Galeria Vermelho, Sao Paulo; CAC
Grenoble; ICA Studio, Londres; Kunsthalle Lissabon, Lisboa; MACRO, Roma; Deutsche Bank Kunst Halle, Berlín; MARCO,
Vigo; David Roberts Art Foundation, Londres; Velan Centre for Contemporary Art, Turín; MADRE, Nápoles.
Daniel Steegmann Mangrané (1977 Barcelona) es un artista afincado en Rio de Janeiro. Influido por las cosmologías
amerindias y la antropología radical, el trabajo de Steegmann oscila entre experimentaciones sutiles, poéticas y crudas que
cuestionan la relación del lenguaje con el mundo no-humano, desafiando cualquier distinción entre naturaleza y cultura. Su
trabajo se ha expuesto en Fondazione Giuliani, Roma; CRAC Alsace, Altkirch; Extra City, Amberes; Akademie der Kunste,
Berlín; CA2M, Madrid; Museu de Arte Moderna, Sao Paulo. Steegmann ha participado en la Trienal del New Museum (2015);
la 9ª Bienal de Mercosul (2013); y la 30ª Bienal de São Paulo (2012).
Zin Taylor (1978 Calgary) es un artista afincado en Bruselas. Las técnicas narrativas, dialógicas y discursivas juegan un papel
crucial en el trabajo de Taylor, cuya práctica combina escultura y performance junto con el dibujo, la escritura y la imagen en
movimiento. Sus trabajos a menudo toman la forma de proposiciones ambiguas que parecen interrogarse sobre la propia
estructura y la sintaxis del lenguaje visual. Entre sus exposiciones recientes se cuentan Portikus, Fráncfort; FRAC Ile-deFrance; Le Plateau, París; Museum of Contemporary Art, Chicago; Kunsthalle Wien, Viena; Kunsthal Charlottenborg,
Copenhague; The Artist’s Institute, Nueva York; MuHKA, Amberes; KIOSK, Gante; Witte de With, Rotterdam; Bard College,
Nueva York; The Power Plant, Toronto.
Wu Tsang (1982 Massachusetts) es un artista, performer y cineasta afincado en Los Angeles. Su trabajo examina aquellas
narrativas que configuran nuestra identidad en relación a los otros. Interesado en la dimensión política de distintas
comunidades en los márgenes, el trabajo de Tsang está directamente inspirado por su implicación en colectivos trans, queer
y migrantes de Los Angeles. Su trabajo ha sido expuesto en ICA, Londres; Migros Museum, Zúrich; Tate Modern, Londres;
Stedelijk Museum, Ámsterdam; MoMA, Nueva York; MOCA, Los Angeles. En 2012, Tsang participó en la Whitney Biennial, la
Trienal del New Museum, la Bienal de Gwangju y la Bienal de Liverpool.
Sabel Gavaldon (1985 Barcelona) es un curador e investigador independiente afincado en Londres. En 2012 se graduó del
programa Curating Contemporary Art del Royal College of Art. Entre sus proyectos recientes se cuentan las exposiciones
‘M/Other Tongue’ en Tenderpixel, Londres (2015); ‘Contratiempos’ en CaixaForum, Barcelona; ‘Llocs comuns’ en Can
Felipa, Barcelona (ambas 2014); y ‘Un museo del gesto’ en La Capella, Barcelona (2013). ‘Un museo del gesto’ es un
proyecto de investigación en curso que investiga el potencial del gesto y el estilo como formas de resistencia semióticas
adoptadas por las minorías políticas y grupos subalternos. Este proyecto se ha presentado en forma de charlas y talleres en
Cittadellarte–Fondazione Pistoletto, Biella (2015); Lugar a Dudas, Cali, Colombia; y Chisenhale Gallery, Londres (ambas
2014). Otras charlas recientes incluyen ‘On the Relative Size of Things in the Universe’ en Camden Arts Centre, Londres; y la
Architectural Association, Londres (2015). En 2014, Gavaldon fue curador residente del espacio Lugar a Dudas, en Cali,
Colombia, con el apoyo de Gasworks y Triangle Network.
Nuestros agradecimientos a las galerías Clifton Benevento (Nueva York), Esther Schipper (Berlín), Frutta (Roma),
Supportico Lopez (Berlín) y Waterside Contemporary (Londres). También le estamos agradecidos a Dimitri
Jeurissen, Lilou Vidal y al Instituto Italiano de Cultura de Madrid por su apoyo.
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